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Comment Lady Mallowan était-elle plus connue ? | Agatha Christie | [
"Agatha Mary Clarissa Miller est née le 15 septembre 1890 dans une riche famille de la classe moyenne supérieure à Ashfield, Torquay, Devon. Sa mère, Clara Boehmer, était une Anglaise née à Belfast en 1854 du capitaine Frederick Boehmer et de Mary Ann West, la fille unique du couple. Clara Boehmer avait quatre frères, dont l'un est décédé jeune. Le capitaine Boehmer a été tué dans un accident de cheval alors qu'il était en poste à Jersey en avril 1863, laissant Mary Ann (la grand-mère d'Agatha Christie) élever seule ses enfants avec un maigre revenu. En difficulté financière, elle envoya Clara (la mère de Christie) vivre avec sa tante Margaret Miller (née West), qui avait épousé un riche Américain, Nathaniel Frary Miller, en 1863. Le couple vivait à Prinsted, West Sussex. Clara est restée avec Margaret et y a rencontré son futur mari, un agent de change américain nommé Frederick Alvah Miller, qui était le fils de Nathaniel.",
"L'auteur Jared Cade a interviewé de nombreux témoins et proches pour sa biographie sympathique Agatha Christie et les onze jours disparus, révisée en 2011. Il a fourni des preuves substantielles suggérant qu'elle avait planifié l'événement pour embarrasser son mari, sans jamais anticiper l'escalade du mélodrame qui en résulterait.",
"Dame Agatha Christie est décédée le 12 janvier 1976 à l'âge de 85 ans de causes naturelles à son domicile de Winterbrook, Cholsey. Elle est enterrée dans le cimetière voisin de St Mary's, Cholsey, après avoir choisi le terrain pour leur dernier lieu de repos avec son mari Sir Max, une dizaine d'années avant sa mort. Le service funèbre simple a réuni une vingtaine de journalistes de journaux et de télévision, dont certains venaient d'aussi loin que l'Amérique du Sud. Trente couronnes ornaient la tombe de Dame Agatha, dont une provenant des acteurs de sa pièce de longue date The Mousetrap et une envoyée « au nom de la multitude de lecteurs reconnaissants » par les éditeurs de livres en gros caractères d'Ulverscroft.",
"Succession d'Agatha Christie et propriété ultérieure des œuvres",
"Au cours de la vie d'Agatha Christie, elle avait créé une société privée, Agatha Christie Limited, pour détenir les droits sur ses œuvres, et vers 1959, elle avait également transféré sa maison de 278 acres, Greenway Estate, à sa fille Rosalind. En 1968, alors que Christie avait presque 80 ans, elle vendit une participation de 51 % dans Agatha Christie Limited (et donc les œuvres qu'elle possédait) à Booker Books (mieux connu sous le nom de Booker Author's Division), une filiale du conglomérat britannique de l'alimentation et des transports. Booker-McConnell (aujourd'hui Booker Group), fondateur du Booker Prize de littérature, qui a ensuite porté sa participation à 64 %. Agatha Christie Limited reste propriétaire des droits mondiaux de plus de 80 romans et nouvelles de Christie, 19 pièces de théâtre et près de 40 téléfilms.",
"En 1993, Hicks a fondé la Société Agatha Christie et en est devenu le premier président. En 2004, sa nécrologie dans The Telegraph commentait que Hicks était « déterminée à rester fidèle à la vision de sa mère et à protéger l'intégrité de ses créations » et désapprouvait les activités de « marchandisage ». À la mort de Hicks, également à 85 ans comme sa mère, le 28 octobre 2004, ce domaine ainsi que le domaine Greenway sont passés au petit-fils de Christie, Mathew Prichard. Après la mort de ses parents, Prichard a fait don de Greenway - la maison et son contenu - au National Trust.",
"La famille Christie's et les fiducies familiales, y compris Prichard, continuent de détenir la participation restante de 36 % dans Agatha Christie Limited et restent associées à la société. Prichard reste président de la société et détient également à part entière les droits d'auteur sur certaines des œuvres littéraires ultérieures de sa grand-mère (y compris The Mousetrap).",
"En 1998, Booker a vendu un certain nombre de ses actifs non alimentaires pour se concentrer sur son cœur de métier. Dans ce cadre, ses parts dans Agatha Christie Limited (générant à l'époque un chiffre d'affaires annuel de 2,1 millions de livres sterling) ont été vendues pour 10 millions de livres sterling à Chorion, une importante société de médias internationale dont le portefeuille d'œuvres d'auteurs bien connus comprenait également les domaines littéraires d'Enid. Blyton et Dennis Wheatley.",
"Cependant, en février 2012, Chorion s'est retrouvé en difficulté financière quelques années après un rachat par la direction et a commencé à vendre ses actifs littéraires sur le marché, en vendant sa participation dans la succession Christie's (en particulier sa participation de 64 % dans Agatha Christie Limited) à le propriétaire actuel Acorn Media UK (qui fait partie de RLJ Entertainment, Inc. et des sociétés RLJ, propriété de l'entrepreneur américain Robert L. Johnson) au cours du même mois.",
"Dans une édition de Desert Island Discs en 2007, Brian Aldiss a affirmé que Christie lui avait dit qu'elle avait écrit ses livres jusqu'au dernier chapitre, puis avait décidé qui était le suspect le plus improbable, après quoi elle reviendrait et apporterait les modifications nécessaires à \"encadrer\" cette personne. Cependant, Agatha Christie: The Secret Notebooks de John Curran décrit différentes méthodes de travail pour chaque livre de la bibliographie de Christie, contredisant l'affirmation d'Aldiss."
] | Dame Agatha Mary Clarissa Christie, Lady Mallowan, DBE (née Miller ; 15 septembre 1890 - 12 janvier 1976) était une romancière policière, nouvelliste et dramaturge anglaise. Elle a également écrit six romans sous le nom de Mary Westmacott, dont Giant's Bread, mais elle est surtout connue pour les 66 romans policiers et 14 recueils de nouvelles qu'elle a écrits sous son propre nom, dont la plupart tournent autour du travail d'enquête de personnages tels que Hercule. Poirot, Jane Marple, Parker Pyne, Ariadne Oliver, Harley Quin/M. Satterthwaite et Tommy et Tuppence Beresford. Elle a écrit la pièce de théâtre la plus ancienne au monde, un meurtre mystère, The Mousetrap. En 1971, elle fut nommée Dame pour sa contribution à la littérature.
Christie est née dans une riche famille de la classe moyenne supérieure à Torquay, dans le Devon. Elle a servi dans un hôpital pendant la Première Guerre mondiale avant de se marier et de fonder une famille à Londres. Au début, elle n'a pas réussi à faire publier son travail, mais en 1920, la presse Bodley Head a publié son roman La mystérieuse affaire de Styles, mettant en vedette le personnage d'Hercule Poirot. Cela a lancé sa carrière littéraire.
Le Livre Guinness des records classe Christie comme le romancier le plus vendu de tous les temps. Ses romans se sont vendus à environ 2 milliards d'exemplaires et sa succession affirme que ses œuvres arrivent en troisième position dans le classement des livres les plus publiés au monde, derrière les œuvres de Shakespeare et la Bible. Selon Index Translationum, elle reste l'auteur individuel le plus traduit – ayant été traduit dans au moins 103 langues. Et puis il n'y en avait pas est le roman le plus vendu de Christie, avec 100 millions de ventes à ce jour, ce qui en fait le roman policier le plus vendu au monde et l'un des livres les plus vendus de tous les temps.
La pièce de théâtre de Christie, The Mousetrap, détient le record de la plus longue diffusion initiale : elle a été créée au Ambassadors Theatre dans le West End le 25 novembre 1952 et est toujours en cours après plus de 25 000 représentations. En 1955, Christie fut le premier récipiendaire de la plus haute distinction des Mystery Writers of America, le Grand Master Award. Plus tard la même année, Witness for the Prosecution a reçu un Edgar Award du MWA pour la meilleure pièce. En 2013, Le Meurtre de Roger Ackroyd a été élu meilleur roman policier de tous les temps par 600 collègues écrivains de la Crime Writers' Association.
Le 15 septembre 2015, coïncidant avec le 125e anniversaire de Christie, And Then There Were None a été élu « Christie préférée du monde », suivi de près par Le Meurtre de l'Orient Express et Le Meurtre de Roger Ackroyd. La plupart de ses livres et nouvelles ont été adaptés pour la télévision, la radio, les jeux vidéo et la bande dessinée, et plus d'une trentaine de longs métrages sont basés sur son œuvre.
vie et carrière
Enfance : 1890-1901
Agatha Mary Clarissa Miller est née le 15 septembre 1890 dans une riche famille de la classe moyenne supérieure à Ashfield, Torquay, Devon. Sa mère, Clara Boehmer, était une Anglaise née à Belfast en 1854 du capitaine Frederick Boehmer et de Mary Ann West, la fille unique du couple. Clara Boehmer avait quatre frères, dont l'un est décédé jeune. Le capitaine Boehmer a été tué dans un accident de cheval alors qu'il était en poste à Jersey en avril 1863, laissant Mary Ann (la grand-mère d'Agatha Christie) élever seule ses enfants avec un maigre revenu. En difficulté financière, elle envoya Clara (la mère de Christie) vivre avec sa tante Margaret Miller (née West), qui avait épousé un riche Américain, Nathaniel Frary Miller, en 1863. Le couple vivait à Prinsted, West Sussex. Clara est restée avec Margaret et y a rencontré son futur mari, un agent de change américain nommé Frederick Alvah Miller, qui était le fils de Nathaniel.
Le père de Christie, Frederick, était membre de la classe supérieure américaine et avait été envoyé en Suisse pour ses études. Il était considéré comme aimable et amical par ceux qui le connaissaient. Il développa bientôt une relation amoureuse avec Clara et ils se marièrent en avril 1878. Leur premier enfant, Margaret Frary Miller (1879-1950), est née à Torquay, où le couple louait un logement, tandis que leur deuxième, Louis "Monty" Montant (1880-1929) est né dans l’État américain de New York, où Frederick était en voyage d’affaires. Clara a rapidement acheté une villa à Torquay nommée "Ashfield" pour élever sa famille, et c'est ici que son troisième et dernier enfant, Agatha, est né.
Christie a décrit son enfance comme « très heureuse ». Elle a été entourée dès son plus jeune âge d’une série de femmes fortes et indépendantes. Son temps était passé en alternance entre sa maison dans le Devon, la maison de sa belle-grand-mère et de sa tante à Ealing, dans l'ouest de Londres, et dans certaines parties du sud de l'Europe, où sa famille passait ses vacances pendant l'hiver. Agatha a grandi dans une famille avec diverses croyances ésotériques et, comme ses frères et sœurs, croyait que sa mère Clara était une médium dotée de la capacité de seconde vue. Sa mère insistait pour qu'elle reçoive une éducation à la maison et ses parents étaient donc chargés de lui apprendre à lire, à écrire et à être capable d'effectuer des calculs de base, une matière qu'elle appréciait particulièrement. Ils lui ont également appris la musique et elle a appris à jouer du piano et de la mandoline.
Christie était une lectrice vorace dès son plus jeune âge. Parmi ses premiers souvenirs figuraient ceux de la lecture des livres pour enfants écrits par Mme Molesworth, notamment Les Aventures de Herr Baby (1881), Christmas Tree Land (1897) et The Magic Nuts (1898). Elle a également lu les travaux d'Edith Nesbit, notamment L'histoire des chercheurs de trésor (1899), Le Phénix et le tapis (1903) et Les enfants des chemins de fer (1906). Lorsqu'elle fut un peu plus âgée, elle passa à la lecture des vers surréalistes d'Edward Lear et de Lewis Carroll.
Une grande partie de son enfance s'est déroulée en grande partie seule et séparée des autres enfants, même si elle a passé beaucoup de temps avec ses animaux de compagnie, qu'elle adorait. Elle s'est finalement liée d'amitié avec un groupe d'autres filles à Torquay et a noté que « l'un des moments forts de mon existence » a été son apparition avec elles dans une production jeunesse de The Yeomen of the Guard de Gilbert et Sullivan, dans laquelle elle a joué le héros, le colonel Fairfax. Ce fut son dernier rôle à l'opéra car, comme elle l'écrira plus tard, "une expérience que vous avez vraiment appréciée ne devrait jamais se répéter".
Son père était souvent malade, souffrant d'une série de crises cardiaques, et il mourut en novembre 1901, à l'âge de 55 ans. Sa mort laissa la famille dévastée et dans une situation économique incertaine. Clara et Agatha ont continué à vivre ensemble dans leur maison de Torquay, Madge a déménagé à Cheadle Hall, à proximité, avec son nouveau mari, et Monty a rejoint l'armée et a été envoyé en Afrique du Sud pour combattre pendant la guerre des Boers. Agatha a affirmé plus tard que la mort de son père, survenue alors qu'elle avait onze ans, marquait la fin de son enfance. En 1902, Agatha fut envoyée suivre une éducation formelle à l'école de filles Miss Guyer à Torquay, mais eut du mal à s'adapter à l'atmosphère disciplinée. En 1905, elle fut envoyée à Paris où elle fit ses études dans trois pensions – celle de Mademoiselle Cabernet, Les Marroniers, puis celle de Miss Dryden – dont la dernière servait principalement d'école de finition.
Premières tentatives littéraires et Première Guerre mondiale : 1910-1919
Agatha retourna en Angleterre en 1910 et découvrit que sa mère Clara était malade. Ils ont décidé de passer du temps ensemble dans le climat plus chaud du Caire, alors une destination touristique populaire auprès des riches Britanniques ; ils sont restés trois mois au Gezirah Palace Hotel. Agatha – toujours chaperonnée par sa mère – assistait à de nombreuses réceptions sociales à la recherche d'un mari. Elle a visité des monuments égyptiens antiques tels que la Grande Pyramide de Gizeh, mais n'a pas manifesté le grand intérêt pour l'archéologie et l'égyptologie qui est devenu important au cours de ses dernières années.
De retour en Grande-Bretagne, elle poursuit ses activités sociales, écrivant et jouant dans des théâtres amateurs. Elle a également aidé à monter une pièce intitulée La Barbe bleue du malheur avec des amies. Son écriture s'étendait à la fois à la poésie et à la musique. Certains de ses premiers travaux ont été publiés, mais elle a décidé de ne pas se concentrer sur l'un ou l'autre de ces métiers.
Christie a écrit sa première nouvelle, The House of Beauty (une première version de son histoire publiée plus tard, The House of Dreams), alors qu'elle se remettait au lit d'une maladie non divulguée. Il s'agissait d'environ 6 000 mots sur le thème de « la folie et du rêve », un sujet qui la fascinait. La biographe Janet Morgan a commenté que, malgré les « défauts de style », l'histoire était néanmoins « convaincante ».
D'autres courts métrages suivirent, la plupart illustrant son intérêt pour le spiritualisme et le paranormal. Ceux-ci comprenaient "L'Appel des Ailes" et "Le Petit Dieu Solitaire". Divers magazines ont rejeté toutes ses premières soumissions, faites sous des pseudonymes, bien que certaines aient été révisées et publiées plus tard, souvent avec de nouveaux titres.
Christie a ensuite mis en scène son premier roman, Snow Upon the Desert, au Caire, et s'est inspirée de ses récentes expériences dans cette ville, écrite sous le pseudonyme de Monosyllaba. Elle a été perturbée lorsque plusieurs éditeurs ont tous refusé. Clara a suggéré à sa fille de demander conseil à un ami de la famille et voisin, l'écrivain Eden Philpotts, qui l'a obligé à enquêter, l'a encouragée à écrire et lui a envoyé une introduction à son propre agent littéraire, Hughes Massie, qui a rejeté Snow Upon the Desert, et a suggéré un deuxième roman.
Christie a continué à chercher un mari et a noué des relations de courte durée avec quatre hommes distincts et des fiançailles avec un autre. Elle rencontre ensuite Archibald Christie (1889-1962) lors d'un bal donné par Lord et Lady Clifford à Ugbrooke, à environ 20 km de Torquay. Archie est né en Inde, fils d'un juge de la fonction publique indienne. C'était un officier de l'armée détaché auprès du Royal Flying Corps en avril 1913. Le couple tomba rapidement amoureux. En apprenant qu'il serait en poste à Farnborough, Archie proposa le mariage et Agatha accepta.
Avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale en août 1914, Archie fut envoyé en France pour combattre les forces allemandes. Ils se sont mariés l'après-midi de la veille de Noël 1914 à l'église Emmanuel de Clifton, Bristol, proche du domicile de ses parents, alors qu'Archie était en congé dans les foyers. En gravissant les échelons, il fut finalement réaffecté en Grande-Bretagne en septembre 1918 en tant que colonel au ministère de l'Air.
Agatha s'est impliquée dans l'effort de guerre, rejoignant le Détachement d'aide volontaire (VAD) en 1914 et s'occupant des soldats blessés dans un hôpital de Torquay en tant qu'infirmière VAD non rémunérée. Elle était chargée d'aider les médecins et de maintenir le moral ; elle a effectué 3 400 heures de travail non rémunéré entre octobre 1914 et décembre 1916. Elle a obtenu son diplôme d'« assistante d'apothicaire » (ou distributeur) en 1917 et, en tant que distributeur, elle gagnait 16 £ par an jusqu'à la fin de son service en septembre 1918. Après la guerre, le couple s'installe dans un appartement au 5 Northwick Terrace à St. John's Wood, au nord-ouest de Londres.
Premiers romans : 1919-1923
Christie était depuis longtemps un fan de romans policiers, ayant apprécié La Femme en blanc et La Pierre de Lune de Wilkie Collins ainsi que les premières histoires de Sherlock Holmes de Sir Arthur Conan Doyle. Elle a écrit son propre roman policier La mystérieuse affaire de Styles mettant en vedette Hercule Poirot, un ancien policier belge connu pour ses grandes « magnifiques moustaches » virevoltantes et sa tête en forme d'œuf. Poirot s'était réfugié en Grande-Bretagne après l'invasion de la Belgique par l'Allemagne. L'inspiration de Christie pour cela provenait de vrais réfugiés belges qui vivaient à Torquay.
Le manuscrit de Styles n'a pas été accepté par des maisons d'édition telles que Hodder and Stoughton et Methuen. Cependant, John Lane de The Bodley Head a proposé de l'accepter après avoir conservé la soumission pendant plusieurs mois, à condition que Christie change la fin. Elle l’a fait et a ensuite signé un contrat qu’elle a ensuite considéré comme une exploitation. Christie entre-temps s'installe dans la vie conjugale, donnant naissance à son unique enfant, sa fille Rosalind Margaret, en août 1919 à Ashfield, où le couple passe une grande partie de son temps, ayant peu d'amis à Londres. Archie a quitté l'Air Force à la fin de la guerre et a commencé à travailler dans le secteur financier de la City avec un salaire relativement bas, même s'ils employaient toujours une femme de ménage.
Le deuxième roman de Christie, The Secret Adversary (1922), mettait en vedette un nouveau couple de détectives Tommy et Tuppence, à nouveau publié par The Bodley Head. Cela lui a rapporté 50 £. Un troisième roman présentait à nouveau Poirot, Murder on the Links (1923), ainsi que des nouvelles commandées par Bruce Ingram, rédacteur en chef du magazine The Sketch. Afin de faire le tour du monde pour promouvoir l'exposition de l'Empire britannique, le couple a laissé leur fille Rosalind avec la mère et la sœur d'Agatha. Ils se sont rendus en Afrique du Sud, en Australie, en Nouvelle-Zélande et à Hawaï. Ils ont appris à surfer en Afrique du Sud ; puis, à Waikiki, ils furent parmi les premiers Britanniques à surfer debout.
Disparition
Fin 1926, Archie demanda le divorce à Agatha. Il était amoureux de Nancy Neele, qui avait été une amie du major Belcher, directeur de la British Empire Mission, lors de la tournée promotionnelle quelques années plus tôt. Le 3 décembre 1926, les Christie se disputèrent et Archie quitta leur maison, Styles, à Sunningdale, Berkshire, pour passer le week-end avec sa maîtresse à Godalming, Surrey. Le même soir, vers 21h45, Christie a disparu de chez elle, laissant derrière elle une lettre pour sa secrétaire disant qu'elle se rendait dans le Yorkshire. Sa voiture, une Morris Cowley, a ensuite été retrouvée à Newlands Corner, perchée au-dessus d'une carrière de craie, avec un permis de conduire expiré et des vêtements.
Sa disparition a provoqué un tollé dans l'opinion publique. Le ministre de l'Intérieur, William Joynson-Hicks, a fait pression sur la police et un journal a offert une récompense de 100 £. Plus d'un millier de policiers, 15 000 volontaires et plusieurs avions ont sillonné le paysage rural. Sir Arthur Conan Doyle a même donné à un médium spirituel un des gants de Christie's pour retrouver la femme disparue. Dorothy L. Sayers a visité la maison de Surrey, utilisant plus tard le scénario de son livre Unnatural Death.
La disparition de Christie a fait la une du New York Times. Malgré une vaste chasse à l'homme, elle n'a pas été retrouvée pendant 10 jours. Le 14 décembre 1926, elle a été retrouvée au Swan Hydropathic Hotel (aujourd'hui Old Swan Hotel) à Harrogate, dans le Yorkshire, enregistrée sous le nom de Mme Teresa Neele (le nom de famille de l'amant de son mari) du Cap.
L'autobiographie de Christie ne fait aucune référence à sa disparition. Deux médecins lui ont diagnostiqué une amnésie (voir Etat de Fugue), mais les avis restent partagés sur les raisons de sa disparition. On savait qu'elle était dans un état dépressif à cause du surmenage littéraire, de la mort de sa mère plus tôt cette année-là et de l'infidélité de son mari. La réaction du public à l'époque a été largement négative, supposant un coup publicitaire ou une tentative de accuser son mari de meurtre.
Le film Agatha de Michael Apted de 1979 comporte un avertissement dans le générique d'ouverture indiquant que ce qui suit est une solution imaginaire à un mystère authentique. Le film mettait en vedette Vanessa Redgrave et Timothy Dalton dans le rôle d'Agatha et Archie, et dépeint Christie planifiant son suicide de manière à accuser la maîtresse de son mari de son « meurtre ». Un journaliste américain, interprété par Dustin Hoffman, la suit de près et stoppe le plan. Le film a indigné les héritiers de Christie's qui ont mené deux procès infructueux aux États-Unis pour tenter d'empêcher sa distribution.
L'auteur Jared Cade a interviewé de nombreux témoins et proches pour sa biographie sympathique Agatha Christie et les onze jours disparus, révisée en 2011. Il a fourni des preuves substantielles suggérant qu'elle avait planifié l'événement pour embarrasser son mari, sans jamais anticiper l'escalade du mélodrame qui en résulterait.
Les Christie divorcèrent en 1928 et Archie épousa Nancy Neele. Agatha a conservé la garde de sa fille Rosalind et le nom de Christie pour ses écrits. Au cours de leur mariage, elle a publié six romans, un recueil de nouvelles et plusieurs nouvelles dans des magazines.
Deuxième mariage et vie plus tard
En 1930, Christie épousa l'archéologue Sir Max Mallowan, après l'avoir rencontré lors d'une fouille archéologique. Leur mariage fut heureux et dura jusqu'à la mort de Christie en 1976. Mallowan lui fit découvrir le vin, qu'elle n'apprécia jamais – préférant boire de l'eau dans les restaurants. Elle a essayé en vain de se faire aimer des cigarettes en en fumant une après le déjeuner et une après le dîner chaque jour pendant six mois.
Christie utilisait fréquemment des décors qui lui étaient familiers pour ses histoires. Ses voyages avec Mallowan ont contribué à plusieurs de ses romans se déroulant au Moyen-Orient. D'autres romans (tels que And Then There Were None) se déroulent à Torquay et dans ses environs, où elle a grandi. Le roman de Christie de 1934, Meurtre sur l'Orient Express, a été écrit à l'hôtel Pera Palace à Istanbul, en Turquie, le terminus sud du chemin de fer. L'hôtel conserve la chambre Christie's en mémoire de l'auteur. Le domaine Greenway dans le Devon, acquis par le couple comme résidence d'été en 1938, est désormais sous la garde du National Trust. Christie séjournait souvent à Abney Hall, Cheshire, propriété de son beau-frère, James Watts, y fondant au moins deux histoires : une nouvelle "L'aventure du pudding de Noël", dans le recueil d'histoires du même nom, et le roman Après les funérailles. "Abney est devenu la plus grande inspiration d'Agatha pour la vie à la campagne, avec tous ses serviteurs et sa grandeur intégrés dans ses intrigues. Les descriptions des cheminées fictives, des Stoneygates et d'autres maisons dans ses histoires sont pour la plupart Abney sous diverses formes."
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Christie a travaillé dans la pharmacie de l'University College Hospital de Londres, où elle a acquis une connaissance des poisons qu'elle a mise à profit dans ses romans policiers d'après-guerre. Par exemple, l'utilisation du thallium comme poison lui a été suggérée par le pharmacien en chef de l'UCH, Harold Davis (nommé plus tard pharmacien en chef au ministère britannique de la Santé), et dans The Pale Horse, publié en 1961, elle l'a utilisé pour envoyer une série des victimes, le premier indice de la méthode du meurtre provenant de la perte de cheveux des victimes. Sa description de l’empoisonnement au thallium était si précise qu’elle a permis, au moins une fois, de résoudre un cas qui déroutait les médecins.
Christie a vécu à Chelsea, d'abord à Cresswell Place et plus tard à Sheffield Terrace. Les deux propriétés sont désormais signalées par des plaques bleues. En 1934, elle et Max Mallowan achetèrent Winterbrook House à Winterbrook, un hameau jouxtant le petit bourg de Wallingford qui se trouvait alors dans les limites de Cholsey et du Berkshire. Ce fut leur résidence principale pour le reste de leur vie et le lieu où Christie écrivit la plupart de ses écrits. Cette maison porte également une plaque bleue. Christie a mené une vie très discrète bien qu'elle soit connue dans la ville de Wallingford, où elle a été pendant de nombreuses années présidente de la société dramatique amateur locale.
Vers 1941-1942, l'agence de renseignement britannique MI5 a enquêté sur Christie après qu'un personnage appelé Major Bletchley soit apparu dans son thriller de 1941 N ou M ?, qui parlait d'une chasse à deux cinquièmes chroniqueurs meurtriers dans l'Angleterre en temps de guerre. Le MI5 craignait que Christie ait un espion dans le centre britannique de décryptage top secret, à Bletchley Park. Les craintes de l'agence ont été apaisées lorsque Christie a déclaré au décrypteur Dilly Knox que Bletchley était simplement le nom de "l'un de mes personnages les moins adorables".
Pour honorer ses nombreuses œuvres littéraires, elle a été nommée Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (CBE) lors des honneurs du Nouvel An 1956. L’année suivante, elle devient présidente du Club de Détection. Lors des honneurs du Nouvel An 1971, elle fut promue Dame Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique (DBE), trois ans après que son mari eut été fait chevalier pour ses travaux archéologiques en 1968. Ils formaient l'un des rares couples mariés où les deux partenaires étaient mariés. honorés à part entière. À partir de 1968, en raison du titre de chevalier de son mari, Christie pouvait également s'appeler Lady Mallowan.
De 1971 à 1974, la santé de Christie commence à se détériorer, même si elle continue à écrire. Récemment, à l'aide d'outils expérimentaux d'analyse textuelle, des chercheurs canadiens ont suggéré que Christie pourrait avoir commencé à souffrir de la maladie d'Alzheimer ou d'une autre démence.
La mort
Dame Agatha Christie est décédée le 12 janvier 1976 à l'âge de 85 ans de causes naturelles à son domicile de Winterbrook, Cholsey. Elle est enterrée dans le cimetière voisin de St Mary's, Cholsey, après avoir choisi le terrain pour leur dernier lieu de repos avec son mari Sir Max, une dizaine d'années avant sa mort. Le service funèbre simple a réuni une vingtaine de journalistes de journaux et de télévision, dont certains venaient d'aussi loin que l'Amérique du Sud. Trente couronnes ornaient la tombe de Dame Agatha, dont une provenant des acteurs de sa pièce de longue date The Mousetrap et une envoyée « au nom de la multitude de lecteurs reconnaissants » par les éditeurs de livres en gros caractères d'Ulverscroft.
Elle laisse dans le deuil son unique enfant, Rosalind Hicks.
Succession d'Agatha Christie et propriété ultérieure des œuvres
Au cours de la vie d'Agatha Christie, elle avait créé une société privée, Agatha Christie Limited, pour détenir les droits sur ses œuvres, et vers 1959, elle avait également transféré sa maison de 278 acres, Greenway Estate, à sa fille Rosalind. En 1968, alors que Christie avait presque 80 ans, elle vendit une participation de 51 % dans Agatha Christie Limited (et donc les œuvres qu'elle possédait) à Booker Books (mieux connu sous le nom de Booker Author's Division), une filiale du conglomérat britannique de l'alimentation et des transports. Booker-McConnell (aujourd'hui Booker Group), fondateur du Booker Prize de littérature, qui a ensuite porté sa participation à 64 %. Agatha Christie Limited reste propriétaire des droits mondiaux de plus de 80 romans et nouvelles de Christie, 19 pièces de théâtre et près de 40 téléfilms.
Après la mort de Christie en 1976, sa fille, Rosalind Hicks, a hérité de sa part restante de 36 % dans l'entreprise, qui a préservé avec passion les œuvres, l'image et l'héritage de sa mère jusqu'à sa propre mort 28 ans plus tard. La part familiale dans l'entreprise leur permettait de nommer 50 % du conseil d'administration et du président, et ainsi de conserver un veto sur les nouveaux traitements, les versions mises à jour et les rééditions de ses œuvres.
En 1993, Hicks a fondé la Société Agatha Christie et en est devenu le premier président. En 2004, sa nécrologie dans The Telegraph commentait que Hicks était « déterminée à rester fidèle à la vision de sa mère et à protéger l'intégrité de ses créations » et désapprouvait les activités de « marchandisage ». À la mort de Hicks, également à 85 ans comme sa mère, le 28 octobre 2004, ce domaine ainsi que le domaine Greenway sont passés au petit-fils de Christie, Mathew Prichard. Après la mort de ses parents, Prichard a fait don de Greenway - la maison et son contenu - au National Trust.
La famille Christie's et les fiducies familiales, y compris Prichard, continuent de détenir la participation restante de 36 % dans Agatha Christie Limited et restent associées à la société. Prichard reste président de la société et détient également à part entière les droits d'auteur sur certaines des œuvres littéraires ultérieures de sa grand-mère (y compris The Mousetrap).
En 1998, Booker a vendu un certain nombre de ses actifs non alimentaires pour se concentrer sur son cœur de métier. Dans ce cadre, ses parts dans Agatha Christie Limited (générant à l'époque un chiffre d'affaires annuel de 2,1 millions de livres sterling) ont été vendues pour 10 millions de livres sterling à Chorion, une importante société de médias internationale dont le portefeuille d'œuvres d'auteurs bien connus comprenait également les domaines littéraires d'Enid. Blyton et Dennis Wheatley.
Cependant, en février 2012, Chorion s'est retrouvé en difficulté financière quelques années après un rachat par la direction et a commencé à vendre ses actifs littéraires sur le marché, en vendant sa participation dans la succession Christie's (en particulier sa participation de 64 % dans Agatha Christie Limited) à le propriétaire actuel Acorn Media UK (qui fait partie de RLJ Entertainment, Inc. et des sociétés RLJ, propriété de l'entrepreneur américain Robert L. Johnson) au cours du même mois.
, les médias rapportent que la BBC a acquis les droits de télévision exclusifs sur les œuvres de Christie au Royaume-Uni (auparavant associés à ITV) et prévoit, avec la coopération d'Acorn, de diffuser de nouvelles productions pour le 125e anniversaire de la naissance de Christie en 2015. Les partenaires de diffusion de la BBC In Crime et And Then There Were None en 2015 dans le cadre de l'accord.
Écrits
Œuvres de fiction
Hercule Poirot et Miss Marple
Le premier livre de Christie, The Mysterious Affair at Styles, a été publié en 1920 et présentait le détective Hercule Poirot, qui est devenu un personnage de longue date dans de nombreuses œuvres de Christie, apparaissant dans 33 romans et 54 nouvelles.
Miss (Jane) Marple a été introduite dans les nouvelles Les Treize Problèmes en 1927 et était basée sur la grand-mère de Christie et ses « copains d'Ealing ». Jane et Gran "s'attendaient toujours au pire de tout le monde et de tout, et, avec une précision presque effrayante, elles avaient généralement raison". Marple est apparu dans 12 romans de Christie.
Durant la Seconde Guerre mondiale, Christie écrit deux romans, Curtain et Sleeping Murder, destinés à être les dernières affaires de ces deux grands détectives, Hercule Poirot et Jane Marple. Les deux livres ont été scellés dans un coffre-fort de banque pendant plus de trente ans et n'ont été publiés par Christie qu'à la fin de sa vie, lorsqu'elle a réalisé qu'elle ne pouvait plus écrire de romans. Ces publications font suite au succès de la version cinématographique du Meurtre à l'Orient Express en 1974.
Christie se lassait de plus en plus de Poirot, tout comme Sir Arthur Conan Doyle avec son personnage Sherlock Holmes. À la fin des années 1930, Christie écrivait dans son journal qu'elle trouvait Poirot « insupportable », et dans les années 1960, elle estimait qu'il était « un fluage égocentrique ». Cependant, contrairement à Conan Doyle, Christie a résisté à la tentation de tuer son détective alors qu'il était encore populaire. Elle se considérait comme une artiste dont le travail consistait à produire ce que le public aimait, et le public aimait Poirot.
Elle a épousé le colonel Hastings, le compagnon de Poirot, dans le but de réduire ses engagements. En revanche, Christie aimait Miss Marple. Cependant, les titres du détective belge sont plus de deux fois supérieurs à ceux de Marple. Cela est dû en grande partie au fait que Christie a écrit de nombreux romans de Poirot au début de sa carrière, tandis que The Murder at the Vicarage est resté le seul roman de Marple jusque dans les années 1940. Christie n'a jamais écrit de roman ou de nouvelle mettant en vedette Poirot et Miss Marple. Dans un enregistrement découvert et diffusé en 2008, Christie en révélait la raison : "Hercule Poirot, un parfait égoïste, n'aimerait pas qu'on lui enseigne son métier ou qu'on lui fasse des suggestions par une vieille célibataire".
Poirot est le seul personnage fictif à ce jour à recevoir une nécrologie dans le New York Times, suite à la publication de Curtain. Il est paru en première page du journal le 6 août 1975.
Suite au grand succès de Curtain, Christie a autorisé la sortie de Sleeping Murder en 1976, mais est décédée en janvier 1976 avant que le livre puisse être publié. Cela peut expliquer certaines des incohérences par rapport au reste de la série Marple : par exemple, le colonel Arthur Bantry, mari de Dolly, l'amie de Miss Marple, est toujours bien vivant dans Sleeping Murder malgré le fait qu'il est noté comme étant mort dans les livres. publié plus tôt. Il se peut que Christie n’ait tout simplement pas eu le temps de réviser le manuscrit avant de mourir.
En 2013, la famille Christie a apporté son « plein soutien » à la sortie d'une nouvelle histoire de Poirot, The Monogram Murders, écrite par l'auteure britannique Sophie Hannah.
Dispositifs de formule et de tracé
La réputation de Christie en tant que « reine du crime » s'est construite sur le grand nombre de motifs classiques qu'elle a introduits, ou dont elle a fourni l'exemple le plus célèbre. Christie a intégré ces tropes dans ce qui est maintenant considéré comme une structure mystérieuse classique : un meurtre est commis, il y a plusieurs suspects qui cachent tous des secrets, et le détective découvre progressivement ces secrets au cours de l'histoire, découvrant les rebondissements les plus choquants vers la fin. . Les coupables des mystères de Christie comprennent des enfants, des policiers, des narrateurs, des individus déjà décédés, et parfois aucun suspect connu (Et puis il n'y en avait pas) ou tous les suspects (Meurtre de l'Orient Express).
À la fin, selon la marque Christie, le détective rassemble généralement les suspects survivants dans une pièce, explique le déroulement de son raisonnement déductif et révèle le coupable, bien qu'il existe des exceptions dans lesquelles il est laissé au coupable de tout expliquer. (comme And Then There Were None et Endless Night, tous deux de nature plutôt nihiliste). Mezei, Kathy. [http://www.jstor.org/stable/4619330 « Jeunes filles, surveillance et discours : le cas de Miss Marple, Miss Mole et Miss Jekyll »], Journal of Modern Literature 30.2 (2007) : 103-120Beehler, Sharon A. [http://www.jstor.org/stable/818612 "Lecture fermée ou fermée : interprétation des indices"], The English Journal 77.6 (1998) : 39-43
Christie permet à certains coupables d'échapper à la justice terrestre pour diverses raisons, telles que le passage du temps (cas rétrospectifs), dans lesquels les personnages les plus importants sont déjà morts, ou par prescription active. De tels cas incluent Le témoin à charge, Le meurtre sur l'Orient Express, L'homme au costume marron, Les éléphants peuvent se souvenir et L'invité inattendu. Il existe des cas dans lesquels un tueur n'est pas traduit en justice au sens juridique du terme mais meurt des suites directes de son complot, parfois de sa propre main, sous la direction ou avec la complicité du détective (généralement Hercule Poirot). Cela se produit dans Le meurtre de Roger Ackroyd, Mort sur le Nil, Dumb Witness, Crooked House, The Hollow, The Mirror Crack'd from Side to Side, Cat Among the Pigeons, Peril at End House, Nemesis, Appointment with Death, The Adversaire secret et rideau. Dans le dernier d'entre eux (Curtain), pas moins de trois coupables meurent au cours du récit.
Dans L'A.B.C. Meurtres, le meurtrier a tué quatre personnes innocentes et a tenté de faire accuser un homme instable des crimes. Hercule Poirot empêche cependant cette issue de facilité, assurant un procès et une pendaison. Dans And Then There Were None, la propre mort du tueur est intrinsèque à l'intrigue ; la fausse piste est quand et comment le tueur est réellement mort. Cependant, les productions scéniques, cinématographiques et télévisuelles de certains de ces mystères étaient traditionnellement aseptisées, les coupables n'échappant pas à une certaine forme de justice, pour diverses raisons – par exemple, les censeurs, la clarté de l'intrigue et les goûts changeants de Christie. (Lorsque Christie a adapté le Témoin à charge pour en faire une pièce de théâtre, elle a allongé la fin pour que le meurtrier soit également tué ; ce format a été suivi dans des productions cinématographiques et télévisuelles, notamment dans le film de Charles Laughton/Marlene Dietrich.) Dans Death Comes as Dans The End, qui se déroule dans l'Egypte ancienne, le coupable est tué sur le coup avant de pouvoir réclamer une autre victime par l'un des rares personnages survivants.
Dans certaines histoires, comme dans Cinq Petits Cochons et Endless Night, la question reste entière de savoir si une justice formelle sera un jour rendue. Selon P. D. James, Christie faisait souvent, mais pas toujours, le coupable du personnage le plus improbable. Les lecteurs avertis pourraient parfois identifier le coupable en identifiant simplement le suspect le moins probable.
Dans une édition de Desert Island Discs en 2007, Brian Aldiss a affirmé que Christie lui avait dit qu'elle avait écrit ses livres jusqu'au dernier chapitre, puis avait décidé qui était le suspect le plus improbable, après quoi elle reviendrait et apporterait les modifications nécessaires à "encadrer" cette personne. Cependant, Agatha Christie: The Secret Notebooks de John Curran décrit différentes méthodes de travail pour chaque livre de la bibliographie de Christie, contredisant l'affirmation d'Aldiss.
Titres
Les romans de la maturité de Christie, à partir de 1940, ont souvent des titres tirés de la littérature.
Quatre sont de Shakespeare :
* Sad Cypress d'après une chanson de Twelfth Night : "Viens, viens, mort / Et dans un triste cyprès, laisse-moi être couché".
* Par la piqûre de mes pouces de l'acte 4, scène 1 de Macbeth : "Par la piqûre de mes pouces / Quelque chose de méchant arrive par ici".
* Il y a une Marée du discours de Brutus dans Jules César : "Il y a une marée dans les affaires des hommes / Qui, prise au déluge, mène à la fortune".
* Absent au printemps du Sonnet 98 : "De toi j'ai été absent au printemps ..."
Trois sont tirés de la Bible :
* Le mal sous le soleil d'après Ecclésiaste 5 : 13 (et reformulé en 6 : 1) : "Il y a un mal grave que j'ai vu sous le soleil, à savoir les richesses gardées pour leurs propriétaires, à leur détriment".
* Le fardeau tiré des paroles de Jésus : "Prenez mon joug sur vous et recevez mes instructions ... Car mon joug est doux et mon fardeau est léger." (Matthieu : 11 : 29-30).
* Le Cheval pâle de l'Apocalypse de saint Jean (6 : 8) : "Je regardai, et là, devant moi, il y avait un cheval pâle ! Son cavalier s'appelait la Mort ...".
Six autres proviennent d’autres œuvres littéraires :
* Le miroir s'est fissuré d'un côté à l'autre de "La Dame à l'échalote" de Tennyson : "La toile s'est envolée et a flotté largement / Le miroir s'est fissuré d'un côté à l'autre, / 'La malédiction est tombée sur moi", s'écria / Le Dame de Shalott."
* Le doigt qui bouge du vers | http://quiz4free.com/ |
De quel pays sont originaires les stores vénitiens ? | Japon | [
"Quel pays ! se déroule dans une classe d'immigrants récents aux États-Unis qui tentent de réussir le test de citoyenneté. Leur professeur, Taylor Brown (joué par Garrett M. Brown) est un professeur d'anglais américain, tandis que les élèves comprennent Nikolai (un chauffeur de taxi russe), Laszlo (un médecin hongrois à la retraite), Ali (un Pakistanais), Robert (le fils d'un roi africain déchu), Maria (une femme de ménage travaillant pour une riche famille de Beverly Hills), Victor (un Hispanique amoureux de Maria), Yung Hee (une Japonaise timide) et Sheikh El Hamid (un cheikh arabe). Gail Strickland a initialement joué le personnage de la principale Joan Courtney, bien qu'elle ait été remplacée par Don Knotts pendant la série."
] | Quel pays ! est une sitcom américaine diffusée en syndication du 27 septembre 1986 au 23 mai 1987. Elle était basée sur la sitcom britannique Mind Your Language de 1977-1979. La série se voulait en quelque sorte une vitrine pour Yakov Smirnoff, dont le slogan a fourni le titre de l'émission.
Synopsis
Quel pays ! se déroule dans une classe d'immigrants récents aux États-Unis qui tentent de réussir le test de citoyenneté. Leur professeur, Taylor Brown (joué par Garrett M. Brown) est un professeur d'anglais américain, tandis que les élèves comprennent Nikolai (un chauffeur de taxi russe), Laszlo (un médecin hongrois à la retraite), Ali (un Pakistanais), Robert (le fils d'un roi africain déchu), Maria (une femme de ménage travaillant pour une riche famille de Beverly Hills), Victor (un Hispanique amoureux de Maria), Yung Hee (une Japonaise timide) et Sheikh El Hamid (un cheikh arabe). Gail Strickland a initialement joué le personnage de la principale Joan Courtney, bien qu'elle ait été remplacée par Don Knotts pendant la série.
La série a diffusé un total de 26 épisodes avant d'être annulée.
Casting
* Garrett M. Brown dans le rôle de Taylor Brown
* Yakov Smirnoff dans le rôle de Nikolaï Rostopovitch
* George Murdock dans le rôle de Laszlo Gabo
* Vijay Amritraj dans le rôle d'Ali Nadim
*Harry Waters, Jr. dans le rôle de Robert Muboto
* Ada Maris dans le rôle de Maria Conchita Lopez
* Julian Reyes dans le rôle de Victor Ortega
*Leila Hee Olsen dans le rôle de Yung Hi
* Gail Strickland dans le rôle de la directrice Joan Courtney (épisodes 1 à 10)
* Don Knotts dans le rôle du principal F.J. "Bud" McPherson (épisodes 11 à 26)
Épisodes | http://quiz4free.com/ |
Dans quel estuaire les rivières Trent et Ouse se jettent ? | Humber | [
"La rivière traverse Stoke-on-Trent, Burton upon Trent et Nottingham avant de rejoindre la rivière Ouse à Trent Falls pour former l'estuaire de la Humber, qui se jette dans la mer du Nord entre Hull dans le Yorkshire et Immingham dans le Lincolnshire. Le large estuaire constitue une frontière traditionnelle entre le nord de l’Angleterre et les Midlands.",
"En aval de Keadby, la rivière s'élargit progressivement, passant Amcotts et Flixborough pour atteindre Burton upon Stather et enfin Trent Falls. À ce stade, entre Alkborough et Faxfleet, la rivière atteint la frontière avec le Yorkshire et rejoint la rivière Ouse pour former la Humber qui se jette dans la mer du Nord.",
"À l'époque du Pléistocène (il y a 1,7 million d'années), la rivière Trent s'est élevée dans les collines galloises et a coulé presque à l'est de Nottingham à travers l'actuelle vallée de Belvoir pour couper une brèche à travers la crête calcaire d'Ancaster et de là vers la mer du Nord. À la fin de l'étape Wolstonienne (il y a environ 130 000 ans), une masse de glace stagnante laissée dans la vallée de Belvoir a provoqué la déviation de la rivière vers le nord le long de l'ancienne rivière Lincoln, à travers la brèche de Lincoln, le long de ce qui est aujourd'hui le cours de la rivière Lincoln. Avec H. Au cours d'une glaciation ultérieure (Dévensien, 70 000 av. J.-C.), la glace a retenu de vastes zones d'eau – appelées lac glaciaire Humber – dans l'actuel bassin inférieur du Trent. Lorsque celui-ci s'est retiré, le Trent a adopté son cap actuel vers le Humber.",
"En aval d'Armitage, la géologie solide est principalement constituée de mudstones de Mercie, le cours de la rivière suivant l'arc de ces mudstones lorsqu'ils traversent les Midlands jusqu'à la Humber. Les mudstones ne sont pas exposés par le lit de la rivière, car il y a une couche de graviers puis d'alluvions au-dessus du substrat rocheux. Par endroits, cependant, les mudstones forment des falaises fluviales, notamment à Gunthorpe et Stoke Lock près de Radcliffe on Trent, le village étant nommé d'après les strates distinctives de couleur rouge.",
"À la fin de la dernière période glaciaire du Devensien, la formation du lac Humber dans les cours inférieurs de la rivière signifiait que d'importantes argiles et limons du lit du lac étaient déposés pour créer le paysage plat des niveaux Humberhead. Ces niveaux s'étendent à travers la vallée du Trent et incluent les cours inférieurs de l'Eau, du Torne et de l'Idle. Dans certaines régions, des couches successives de tourbe se sont accumulées au-dessus des dépôts lacustres au cours de la période holocène, ce qui a créé des tourbières de plaine telles que les landes de Thorne et de Hatfield."
] | La rivière Trent est le troisième plus long fleuve du Royaume-Uni. Sa source se trouve dans le Staffordshire, à la limite sud de Biddulph Moor. Il traverse et draine la plupart des Midlands du nord autour et à l'est de Birmingham. La rivière est connue pour ses inondations dramatiques après les tempêtes et la fonte des neiges printanière, qui, dans le passé, provoquaient souvent un changement de cap de la rivière.
La rivière traverse Stoke-on-Trent, Burton upon Trent et Nottingham avant de rejoindre la rivière Ouse à Trent Falls pour former l'estuaire de la Humber, qui se jette dans la mer du Nord entre Hull dans le Yorkshire et Immingham dans le Lincolnshire. Le large estuaire constitue une frontière traditionnelle entre le nord de l’Angleterre et les Midlands.
Nom
Le nom "Trent" vient d'un mot celtique signifiant peut-être "forte inondation". Plus précisément, le nom pourrait être une contraction de deux mots celtiques, tros (« plus ») et hynt (« chemin »). Cela peut en effet indiquer une rivière sujette aux crues. Cependant, une explication plus probable pourrait être qu'il s'agissait d'une rivière qui pouvait être traversée principalement au moyen de gués, c'est-à-dire que la rivière coulait sur de grands axes routiers. Cela peut expliquer la présence de l'élément celtique rid (cf. Welsh rhyd, « gué ») dans divers noms de lieux le long du Trent, tels que Hill Ridware, ainsi que dans le gué dérivé du vieil anglais. Une autre traduction est donnée par « l'intrus », faisant référence aux eaux qui inondent la terre. Selon Koch de l'Université du Pays de Galles, le nom Trent dérive du romano-britannique Trisantona, un réflexe romano-britannique des éléments proto-celtiques combinés *tri-sent(o)-on-ā- (through-path-augmentative -féminin-) «grande artère». Une opinion traditionnelle, mais presque certainement erronée, est celle d'Izaak Walton, qui déclare dans The Compleat Angler (1653) que le Trent est "... ainsi appelé à cause de trente espèces de poissons qui s'y trouvent, ou pour cela il reçoit trente moindres espèces de poissons". rivières. »
Cours
Le Trent prend sa source dans les landes du Staffordshire, près du village de Biddulph Moor, à partir de plusieurs sources, dont le puits Trent Head. Il est ensuite rejoint par d'autres petits ruisseaux pour former la tête de Trent, qui coule vers le sud, jusqu'au seul réservoir de son cours à Knypersley. En aval du réservoir, il traverse Stoke-on-Trent et fusionne avec le Lyme, le Fowlea et d'autres ruisseaux qui drainent les « six villes » des poteries du Staffordshire pour devenir la rivière Trent. À la périphérie sud de Stoke, il traverse le parc paysager de Trentham Gardens.
La rivière continue ensuite vers le sud à travers le bourg de Stone, et après avoir traversé le village de Salt, elle atteint Great Haywood, où elle est enjambée par le pont d'Essex du XVIe siècle, près de Shugborough Hall. À ce stade, la rivière Sow la rejoint depuis Stafford. Le Trent coule maintenant vers le sud-est après la ville de Rugeley jusqu'à ce qu'il atteigne Kings Bromley où il rencontre le Blithe. Après le confluent avec le Swarbourn, il passe Alrewas et atteint Wychnor, où il est traversé par la route à quatre voies A38, qui suit le tracé de la rue romaine Ryknild. La rivière tourne vers le nord-est où elle est rejointe par son plus grand affluent, le Tame (qui est à ce stade en fait le plus grand, bien que sa longueur initiale soit plus courte) et immédiatement après par le Mease, créant une rivière plus grande qui coule maintenant à travers un large plaine inondable.
La rivière continue vers le nord-est, passant le village de Walton-on-Trent jusqu'à atteindre la grande ville de Burton upon Trent. La rivière de Burton est traversée par un certain nombre de ponts, dont le pont ferry orné du XIXe siècle qui relie Stapenhill à la ville. Au nord-est de Burton, la rivière est rejointe par la rivière Dove à Newton Solney et entre dans le Derbyshire, avant de passer entre les villages de Willington et Repton où elle tourne directement vers l'est pour atteindre le pont Swarkestone. Peu de temps après, la rivière devient la frontière entre le Derbyshire et le Leicestershire, passant le point de passage traditionnel de King's Mill, Castle Donington, Weston-on-Trent et Aston-on-Trent.
À Shardlow, là où commence le canal Trent et Mersey, la rivière rencontre également le Derwent à Derwent Mouth. Après ce confluent, la rivière tourne vers le nord-est et est rejointe par la Soar avant d'atteindre la périphérie de Nottingham, où elle est rejointe par l'Erewash près de la réserve naturelle d'Attenborough et entre dans le Nottinghamshire. En entrant dans la ville, il traverse les banlieues de Beeston, Clifton et Wilford ; où il est rejoint par le Leen. En atteignant West Bridgford, il coule sous Trent Bridge, près du terrain de cricket du même nom, et à côté de The City Ground, domicile de Nottingham Forest, jusqu'à ce qu'il atteigne Holme Sluices.
En aval de Nottingham, il passe Radcliffe on Trent, Stoke Bardolph et Burton Joyce avant d'atteindre Gunthorpe avec son pont, son écluse et son déversoir. La rivière coule maintenant vers le nord-est sous les collines Toot et Trent avant d'atteindre Hazelford Ferry, Fiskerton et Farndon. Au nord de Farndon, à côté de la centrale électrique de Staythorpe, la rivière se divise, un bras passant par Averham et Kelham, et l'autre bras, qui est navigable, étant rejoint par le Devon avant de traverser le bourg de Newark-on-Trent et sous les murs du château de la ville. Les deux bras se recombinent à Crankley Point au-delà de la ville, là où la rivière tourne plein nord pour passer North Muskham et Holme pour atteindre Cromwell Weir, en dessous duquel le Trent devient marée.
La rivière, désormais à marée, serpente à travers une vaste plaine inondable, au bord de laquelle se trouvent des villages riverains tels que Carlton et Sutton on Trent, Besthorpe et Girton. Après avoir dépassé le site de la centrale électrique de High Marnham, il devient la frontière approximative entre le Nottinghamshire et le Lincolnshire et atteint le seul pont à péage le long de son parcours à Dunham on Trent. En aval de Dunham, la rivière passe Church Laneham et atteint Torksey, où elle rencontre la navigation Foss Dyke qui relie le Trent à Lincoln et la rivière Witham. Plus au nord, à Littleborough se trouve le site de la ville romaine de Segelocum, où une voie romaine traversait autrefois la rivière.
Il atteint ensuite la ville de Gainsborough avec son propre pont Trent. La façade fluviale de la ville est bordée d'entrepôts, autrefois utilisés lorsque la ville était un port intérieur, dont beaucoup ont été rénovés pour un usage moderne. En aval de la ville, les villages sont souvent nommés par paires, ce qui représente le fait qu'ils étaient autrefois reliés par un ferry fluvial entre les deux colonies. Ces villages comprennent West Stockwith et East Stockwith, Owston Ferry et East Ferry, ainsi que West Butterwick et East Butterwick. À West Stockwith, le Trent est rejoint par le canal Chesterfield et la rivière Idle et peu après entre complètement dans le Lincolnshire, en passant à l'ouest de Scunthorpe. Le dernier pont sur la rivière se trouve à Keadby, où il est rejoint par les canaux Stainforth et Keadby et par la rivière Torne.
En aval de Keadby, la rivière s'élargit progressivement, passant Amcotts et Flixborough pour atteindre Burton upon Stather et enfin Trent Falls. À ce stade, entre Alkborough et Faxfleet, la rivière atteint la frontière avec le Yorkshire et rejoint la rivière Ouse pour former la Humber qui se jette dans la mer du Nord.
La migration bien sûr à l’époque historique
Fait inhabituel pour une rivière anglaise, le canal a considérablement changé au cours des temps historiques et a été décrit comme étant similaire au Mississippi à cet égard, en particulier dans son cours moyen, où se trouvent de nombreux anciens méandres et boucles de coupure. Un canal abandonné à Repton est décrit sur une ancienne carte sous le nom de « Old Trent Water ». Les archives montrent qu'il s'agissait autrefois de la principale route navigable, la rivière étant passée à un cours plus au nord au XVIIIe siècle. Plus en aval, à Hemington, les archéologues ont découvert les restes d'un pont médiéval traversant un autre canal abandonné. Les chercheurs utilisant des photographies aériennes et des cartes historiques ont identifié bon nombre de ces caractéristiques paléocanales, un exemple bien documenté étant le méandre de coupure de Sawley. La propension de la rivière à changer de cap est évoquée dans la pièce de Shakespeare Henri IV, partie 1 :
Le discours d'Henry Hotspur se plaignant de la rivière a été lié aux méandres près de West Burton. Cependant, étant donné le contexte plus large de la scène, dans lequel les conspirateurs proposent de diviser l'Angleterre en trois après une révolte, on pense que les intentions de Hotspur étaient d'une plus grande ampleur. conception, détournant la rivière vers l'est vers le Wash de telle sorte qu'il bénéficierait d'une part beaucoup plus grande du royaume divisé. En aval de Burton upon Trent, la rivière s'oriente de plus en plus vers le nord, coupant une partie du Nottinghamshire et presque tout le Lincolnshire de sa part, au nord du Trent. L'idée de cette scène était peut-être basée sur le désaccord concernant un déversoir de moulin près de Shelford Manor, entre les propriétaires fonciers locaux Gilbert Talbot, comte de Shrewsbury, et Sir Thomas Stanhope, qui a culminé avec le creusement d'un long canal de dérivation pour contourner le moulin. Cela a eu lieu en 1593 et aurait donc été un sujet contemporain à l'époque shakespearienne.
Préhistoire
À l'époque du Pléistocène (il y a 1,7 million d'années), la rivière Trent s'est élevée dans les collines galloises et a coulé presque à l'est de Nottingham à travers l'actuelle vallée de Belvoir pour couper une brèche à travers la crête calcaire d'Ancaster et de là vers la mer du Nord. À la fin de l'étape Wolstonienne (il y a environ 130 000 ans), une masse de glace stagnante laissée dans la vallée de Belvoir a provoqué la déviation de la rivière vers le nord le long de l'ancienne rivière Lincoln, à travers la brèche de Lincoln, le long de ce qui est aujourd'hui le cours de la rivière Lincoln. Avec H. Au cours d'une glaciation ultérieure (Dévensien, 70 000 av. J.-C.), la glace a retenu de vastes zones d'eau – appelées lac glaciaire Humber – dans l'actuel bassin inférieur du Trent. Lorsque celui-ci s'est retiré, le Trent a adopté son cap actuel vers le Humber.
Bassin versant
Le bassin du Trent couvre une grande partie des Midlands, et comprend la majorité des comtés du Staffordshire, du Derbyshire, du Leicestershire, du Nottinghamshire et des West Midlands ; mais comprend également des parties du Lincolnshire, du South Yorkshire, du Warwickshire et du Rutland. Le bassin versant est situé entre les bassins versants de la Severn et son affluent l'Avon au sud et à l'ouest, le Weaver au nord-ouest, les affluents de la Yorkshire Ouse au nord et les bassins de la Welland, Witham et Ancholme à l'est.
Une caractéristique distinctive du bassin versant est la variation marquée de la topographie et du caractère du paysage, qui varie depuis les hautes landes du cours supérieur du Dark Peak, où le point culminant du bassin versant est le plateau de Kinder Scout à 634 m ; jusqu'aux marais plats intensément cultivés et drainés qui existent le long des cours inférieurs de marée, où le niveau du sol peut égaler le niveau de la mer. Ces cours inférieurs sont protégés des inondations par les marées par une série de berges et de défenses.
Ailleurs, il existe un contraste distinct entre les zones calcaires ouvertes du White Peak dans le bassin versant de Dove et les grandes zones boisées, y compris la forêt de Sherwood dans la région de Dukeries du bassin versant d'Idle, la forêt de Charnwood des hautes terres et la forêt nationale du Soar. et bassins versants de Mease respectivement.
L'utilisation des terres est principalement rurale, avec environ les trois quarts du bassin versant du Trent consacré à l'agriculture. Cela va du pâturage des moutons dans les landes dans les zones de montagne, jusqu'aux pâturages améliorés et aux fermes mixtes dans les cours moyens, où l'élevage laitier est important. L'agriculture intensive de céréales et de légumes-racines, principalement de pommes de terre et de betteraves sucrières, est pratiquée dans les zones de plaine, telles que la vallée de Belvoir et les cours inférieurs des rivières Trent, Torne et Idle. ?identifiant
wb9dTAgkg_UC&pg Rivers of Europe] par Klement Tockner, Urs Uehlinger, Christopher T. Robinson (2009), Academic Press, Londres.
La gestion du niveau d'eau est importante dans ces zones de plaine, et les cours d'eau locaux sont généralement entretenus par des conseils de drainage internes et leurs successeurs, le drainage amélioré étant facilité par l'utilisation de stations de pompage pour amener l'eau dans les rivières porteuses en remblais, qui se déversent ensuite dans le Trent. .
Les zones rurales les moins peuplées sont compensées par un certain nombre de grandes agglomérations urbanisées, notamment Stoke-on-Trent, Birmingham et le Black Country environnant ; il existe également un certain nombre de villes distinctes dans le bassin, notamment Leicester, Derby et Nottingham. Ensemble, ceux-ci abritent la majorité des 6 millions de personnes qui vivent dans le bassin versant.
Ce qui est remarquable, c'est que la majorité de ces zones urbaines se trouvent dans le cours supérieur soit du Trent lui-même, comme c'est le cas de Stoke, soit de ses affluents. Par exemple, Birmingham se trouve à l'extrémité supérieure du Tame et Leicester est située vers la tête du Soar. Bien que cela ne soit pas unique pour une rivière anglaise, cela signifie qu'il existe un héritage permanent de problèmes liés au ruissellement urbain, aux incidents de pollution et à la dilution des effluents provenant du traitement des eaux usées, de l'industrie et des mines de charbon. Historiquement, ces problèmes ont entraîné une détérioration considérable de la qualité de l'eau du Trent et de ses affluents, en particulier le Tame. Pour apporter de l'eau propre aux West Midlands, Birmingham Corporation a créé une grande chaîne de réservoirs et un système d'aqueduc pour acheminer l'eau de la vallée de l'Elan.
Géologie
Sous le cours supérieur du Trent se trouvent des formations de meules et de charbons carbonifères qui comprennent des couches de grès, de marnes et de veines de charbon. La rivière traverse une bande de grès triasique de Sherwood à Sandon, et elle rencontre à nouveau le même grès lorsqu'elle coule à côté de Cannock Chase, entre Great Haywood et Armitage, il y a aussi un autre affleurement entre Weston-on-Trent et King's Mill. - Carte zoomable - cliquez pour obtenir le substrat rocheux et les géologies superficielles.
En aval d'Armitage, la géologie solide est principalement constituée de mudstones de Mercie, le cours de la rivière suivant l'arc de ces mudstones lorsqu'ils traversent les Midlands jusqu'à la Humber. Les mudstones ne sont pas exposés par le lit de la rivière, car il y a une couche de graviers puis d'alluvions au-dessus du substrat rocheux. Par endroits, cependant, les mudstones forment des falaises fluviales, notamment à Gunthorpe et Stoke Lock près de Radcliffe on Trent, le village étant nommé d'après les strates distinctives de couleur rouge.
La basse chaîne de collines, qui a été formée en un ensemble abrupt de falaises surplombant le Trent entre Scunthorpe et Alkborough, est également constituée de mudstones, mais appartient au plus jeune groupe rhétique de Penarth.
Dans le bassin versant plus large, la géologie est plus variée, allant des roches précambriennes de la forêt de Charnwood jusqu'au calcaire jurassique qui forme le Lincolnshire Edge et le bassin versant oriental du Trent. Les plus importants en termes de rivière sont les vastes aquifères de grès et de calcaire qui sous-tendent de nombreux bassins versants affluents. Il s'agit notamment des grès de Sherwood qui se trouvent sous une grande partie de l'est du Nottinghamshire, du calcaire du Permien inférieur magnésien et du calcaire carbonifère du Derbyshire. Non seulement celles-ci fournissent les débits de base aux principaux affluents, mais les eaux souterraines constituent également une source importante pour l’approvisionnement public en eau.
Les dépôts de sable, de graviers et d'alluvions qui recouvrent le substrat rocheux de mudstone se trouvent presque tout le long de la rivière et constituent une caractéristique importante des cours moyen et inférieur, le limon alluvial de la rivière produisant des sols fertiles qui sont utilisés pour l'agriculture intensive dans le Trent. vallée. Sous les alluvions se trouvent de vastes dépôts de sable et de gravier, qui se présentent également sous forme de terrasses de gravier considérablement au-dessus de la hauteur du niveau actuel de la rivière. On pense qu'il existe une succession complexe d'au moins six systèmes de terrasses de gravier distincts le long de la rivière, déposés lorsqu'un Trent beaucoup plus grand a traversé la vallée existante et le long de ses routes ancestrales à travers les lacunes d'eau de Lincoln et d'Ancaster.
Cet « escalier » de terrasses à sommet plat a été créé à la suite de périodes successives de dépôt et de déversement ultérieurs par la rivière, un produit de l'eau de fonte et des matériaux érodés par les glaciers produits à partir des calottes glaciaires à la fin des périodes glaciaires jusqu'à l'époque du Pléistocène entre 450 000 et 12 000 ans BP. Ces terrasses contiennent des preuves de la mégafaune qui vivait autrefois le long de la rivière. Les os et les dents d'animaux tels que le mammouth laineux, le bison et les loups qui existaient pendant les périodes les plus froides ont tous été identifiés. Une autre découverte notable dans un système de terrasses apparenté près de Derby, datant d'une période interglaciaire plus chaude, était l'hippopotame d'Allenton.
Les séquences inférieures de ces terrasses ont été largement exploitées pour le sable et le gravier, et l'extraction de ces minéraux continue d'être une industrie importante dans la vallée de Trent, avec environ trois millions de tonnes d'agrégats produits chaque année. Une fois exploitées, les gravières restantes, généralement inondées par la nappe phréatique relativement élevée, ont été réutilisées à des fins très diverses. Il s'agit notamment des activités nautiques récréatives et, une fois réhabilitées, des réserves naturelles et des zones humides.
À la fin de la dernière période glaciaire du Devensien, la formation du lac Humber dans les cours inférieurs de la rivière signifiait que d'importantes argiles et limons du lit du lac étaient déposés pour créer le paysage plat des niveaux Humberhead. Ces niveaux s'étendent à travers la vallée du Trent et incluent les cours inférieurs de l'Eau, du Torne et de l'Idle. Dans certaines régions, des couches successives de tourbe se sont accumulées au-dessus des dépôts lacustres au cours de la période holocène, ce qui a créé des tourbières de plaine telles que les landes de Thorne et de Hatfield.
Hydrologie
La topographie, la géologie et l'utilisation des terres du bassin versant de Trent ont toutes une influence directe sur l'hydrologie de la rivière. La variation de ces facteurs se reflète également dans les caractéristiques contrastées du ruissellement et des apports ultérieurs des principaux affluents. Le plus grand d'entre eux est la rivière Tame, qui contribue à près d'un quart du débit total du Trent, les autres affluents importants étant le Derwent à 18 %, le Soar à 17 %, le Dove à 13 % et le Sow à 8 %. Quatre de ces principaux affluents, dont le Dove et le Derwent qui drainent les hautes terres du Peak District, se rejoignent tous dans le cours moyen, donnant naissance à un système fluvial relativement énergique pour le Royaume-Uni.
Précipitations
Les précipitations dans le bassin versant suivent généralement la topographie, les précipitations annuelles les plus élevées de 1 450 mm et plus se produisant sur les hautes landes des cours supérieurs du Derwent au nord et à l'ouest, avec les plus faibles de 580 mm, dans les zones de plaine au nord et à l'est. Les cumuls de précipitations dans le Tame ne sont pas aussi élevés qu'on pourrait s'y attendre compte tenu du relief modéré, en raison de l'effet d'ombre de la pluie des montagnes galloises à l'ouest, réduisant les quantités à une moyenne de 691 mm pour le bassin affluent.
La moyenne pour l'ensemble du bassin versant du Trent est de 720 mm, ce qui est nettement inférieur à la moyenne du Royaume-Uni à 1 101 mm et à celle de l'Angleterre à 828 mm.
Comme d'autres grands fleuves britanniques de plaine, le Trent est vulnérable à de longues périodes de précipitations causées par des systèmes météorologiques de basse pression lents traversant à plusieurs reprises le bassin depuis l'Atlantique, en particulier pendant l'automne et l'hiver, lorsque l'évaporation est à son plus bas niveau. Cette combinaison peut produire un bassin versant gorgé d’eau qui peut réagir rapidement en termes de ruissellement à toute pluie supplémentaire. De telles conditions se sont produites en février 1977, avec des inondations généralisées dans le cours inférieur du Trent lorsque de fortes pluies ont produit un débit de pointe de près de 1 000 m3/s à Nottingham. En 2000, des conditions similaires se sont reproduites, avec des précipitations supérieures à la moyenne en automne, suivies par de nouvelles précipitations, provoquant des inondations en novembre de la même année.
Un autre risque météorologique, bien que moins fréquent, est celui lié à la fonte rapide de la neige présente dans le bassin versant. Cela peut être dû à une augmentation soudaine de la température après une période de froid prolongée ou à une combinaison de pluies abondantes. Bon nombre des plus grandes inondations historiques ont été causées par la fonte des neiges, mais le dernier épisode de ce type s'est produit lorsque l'hiver rigoureux de 1946-1947 a été suivi d'un dégel rapide dû à la pluie en mars 1947 et a provoqué de graves inondations tout au long de la vallée de Trent.
À l’autre extrême, des périodes prolongées de faibles précipitations peuvent également causer des problèmes. Les débits les plus faibles du fleuve ont été enregistrés lors de la sécheresse de 1976, après l'hiver sec de 1975/1976. Les débits mesurés à Nottingham étaient exceptionnellement faibles à la fin du mois d'août et bénéficiaient d'une période de retour de sécheresse de plus de cent ans.
Décharge
Le débit de la rivière est mesuré en plusieurs points de son cours, à plusieurs stations de jaugeage. À Stoke-on-Trent, dans le cours supérieur, le débit moyen n'est que de , ce qui augmente considérablement jusqu'à Great Haywood, car il inclut le débit des affluents supérieurs drainant l'agglomération de Potteries. À Yoxall, le débit augmente en raison de l'apport de plus grands affluents, notamment le Sow et le Blithe. À Drakelow, en amont de Burton, le débit augmente presque de trois fois, en raison de l'apport supplémentaire du plus grand affluent, le Tame. À Colwick, près de Nottingham, le débit moyen s'élève à , en raison des apports combinés des autres principaux affluents, à savoir le Dove, le Derwent et le Soar. Le dernier point de mesure est North Muskham. Ici, le débit moyen est de , une augmentation relativement faible due à l'apport du Devon et d'autres affluents plus petits du Nottinghamshire.
Le débit du Trent présente des variations marquées, avec des débits mensuels moyens à long terme à Colwick fluctuant de 45 m3/s en juillet pendant l'été et augmentant jusqu'à 151 m3/s en janvier.
Lors des débits inférieurs, le Trent et ses affluents sont fortement influencés par les retours d'effluents des stations d'épuration, en particulier le Tame où les débits d'été peuvent être constitués à 90 % d'effluents. Pour le Trent, cette proportion est plus faible, mais avec près de la moitié des étiages étant constitués de ces apports d'effluents, elle reste significative. Il existe également des contributions au débit de base provenant des principaux aquifères du bassin versant.
;Débits mensuels moyens du Trent en mètres cubes par seconde mesurés à Colwick (Nottingham).
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Sédiment
Dans les tronçons inférieurs de marée, le Trent a une charge élevée en sédiments. Ce limon fin, également connu sous le nom de « warp », a été utilisé pour améliorer le sol par un processus connu sous le nom de gauchissement, par lequel l'eau de la rivière a pu s'inonder dans les champs adjacents à travers un série de drains déformés, permettant au limon de se déposer sur le terrain. Jusqu'à 200 dépôts pourraient se produire au cours d'une seule saison, et des profondeurs de 300 se sont accumulées au fil du temps à certains endroits. Un certain nombre des plus petits affluents du Trent sont encore appelés drains de déformation, comme le drain de déformation Morton, près de Gainsborough.
La chaîne était également utilisée comme produit commercial. Après avoir été collectée sur les berges du fleuve à marée basse, elle était transportée le long du canal de Chesterfield jusqu'à Walkeringham où elle était séchée et raffinée pour être finalement vendue comme poli à argent pour les fabricants de couverts.
Inondations
Le Trent est largement connu pour sa tendance à provoquer des inondations importantes le long de son cours, et il existe une histoire d'inondations bien documentée remontant à environ 900 ans. À Nottingham, les hauteurs d'inondations historiques importantes de 1852 ont été creusées dans une culée de pont à côté du pont Trent, les marques d'inondation étant transférées du pont médiéval Hethbeth qui était antérieur au passage existant du XIXe siècle. Des niveaux d'inondation historiques ont également été enregistrés à Girton et sur le mur du cimetière de Collingham.
L'une des premières inondations enregistrées le long du Trent remonte à 1141 et, comme beaucoup d'autres événements historiques majeurs, elle a été causée par la fonte des neiges suite à de fortes pluies, elle a également provoqué une brèche dans le remblai extérieur de Spalford. Certaines des premières crues peuvent être évaluées en utilisant le banc de Spalford comme mesure de substitution pour l'ampleur d'une crue particulière, car il a été estimé que le banc ne s'est rompu que lorsque les débits étaient supérieurs à 1 000 m3/s. 1403 et 1795.
Les premiers ponts étaient vulnérables aux inondations et, en 1309, de nombreux ponts furent emportés ou endommagés par de graves inondations hivernales, notamment le pont Hethbeth. En 1683, le même pont fut partiellement détruit par une inondation qui entraîna également la perte du pont de Newark. Les archives historiques enregistrent souvent les détails des réparations des ponts qui ont suivi les inondations, car le coût de ces réparations ou du pontage a dû être augmenté en empruntant de l'argent et en facturant un péage local.
La plus grande inondation connue a été la crue de la Chandeleur de février 1795, qui a suivi une période de huit semaines de conditions hivernales rigoureuses, les rivières ont gelé, ce qui a empêché les moulins de moudre le maïs, puis a suivi un dégel rapide. En raison de l'ampleur de l'inondation et de la glace entraînée dans le courant, presque tous les ponts le long du Trent ont été gravement endommagés ou emportés. Les ponts de Wolseley, Wychnor et la travée principale de Swarkestone ont tous été détruits. À Nottingham, les habitants de Narrow Marsh ont été piégés par les eaux de crue dans leurs chambres du premier étage et des bateaux ont été utilisés pour apporter des fournitures aux personnes bloquées. Le bétail a été gravement touché, 72 moutons se sont noyés à Wilford et dix vaches ont été perdues à Bridgford. La berge vulnérable des inondations de Spalford a de nouveau été franchie, les eaux de crue se sont répandues sur les terres basses, atteignant même la rivière Witham et inondant Lincoln. Quelque 20 000 acres ont été inondés pendant plus de trois semaines.
Une description de la violation a été donnée comme suit :
"La berge est formée sur une plaine de nature sablonneuse, et lorsqu'elle fut brisée en 1795, l'eau força une immense brèche, dont la dimension peut être jugée par le fait que quatre-vingts chargements de fagots et plus de quatre cents tonnes de terre ont été nécessaires pour combler le trou, une opération qui a duré plusieurs semaines.
La digue a ensuite été renforcée et réparée, à la suite de nouvelles inondations en 1824 et 1852.
La principale inondation du XIXe siècle et la deuxième plus importante enregistrée a eu lieu en octobre 1875. À Nottingham, une charrette s'est renversée dans les eaux de crue près de Wilford Road et six personnes se sont noyées, les habitations voisines ont été inondées jusqu'à une profondeur de 6 pieds. D'une ampleur telle qu'en 1795, cette inondation a dévasté de nombreux endroits le long de la rivière. À Burton upon Trent, une grande partie de la ville a été inondée, avec des rues et des maisons inondées et des animaux morts flottant dans l'inondation. La nourriture était rare, « en un jour, il fallait envoyer dans la ville 10 000 pains et les distribuer gratuitement pour sauver les gens de la famine ». À Newark, l'eau était suffisamment profonde pour permettre à quatre lycéens de traverser la campagne à la rame jusqu'à Kelham. Les marques d'inondation à Girton montrent que cette crue n'était que de 4 pouces inférieure à celle de 1795, lorsque le village fut inondé jusqu'à une profondeur de 3 pieds.
Les 17 et 18 mars 1947, le Trent, qui montait de plus en plus haut, dépassa ses rives à Nottingham. De grandes parties de la ville et ses environs ont été inondées, avec 9 000 propriétés et près d'une centaine de locaux industriels ont été touchés, certains jusqu'au premier étage. Les banlieues de Long Eaton, West Bridgford et Beeston ont toutes été particulièrement touchées. Deux jours plus tard, dans les cours inférieurs de marée de la rivière, le pic de la crue s'est combiné à une marée haute de printemps pour inonder les villages et 2 000 propriétés de Gainsborough. Le niveau de la rivière a chuté lorsque le digue de Morton s'est rompu, entraînant l'inondation de quelque 78 milles carrés de terres agricoles dans la vallée de Trent.
Les inondations sur le Trent peuvent également être causées par les effets d'ondes de tempête indépendamment des débits fluviaux, dont une série s'est produite en octobre et novembre 1954, entraînant les pires inondations de marée connues le long des cours inférieurs. Ces inondations ont révélé la nécessité d'un système de protection contre les marées, capable de faire face aux débits de 1947 et aux niveaux de marée de 1954, et par la suite, les berges et les défenses le long du cours inférieur du fleuve ont été améliorées selon ces normes et les travaux ont été achevés en 1965. En décembre 2013, la plus grande onde de tempête depuis les années 1950 s'est produite sur le Trent, lorsqu'une marée de printemps élevée combinée à des vents forts et à un système météorologique à basse pression a produit des niveaux de marée élevés dans les cours inférieurs. La montée des eaux qui en a résulté a dépassé les défenses contre les inondations dans la zone proche de Keadby et Burringham, inondant 50 propriétés.
La cinquième plus grande inondation enregistrée à Nottingham s'est produite en novembre 2000, avec une inondation généralisée des terres basses le long de la vallée de Trent, y compris de nombreuses routes et voies ferrées. Les défenses contre les inondations autour de Nottingham et Burton construites dans les années 1950, à la suite de l'événement de 1947, ont stoppé toute inondation urbaine majeure, mais des problèmes sont survenus dans des zones non défendues telles que Willington et Gunthorpe, ainsi qu'à Girton où 19 maisons ont été inondées.
Les défenses contre les inondations de Nottingham, qui protègent 16 000 maisons, et celles de Burton, où elles empêchent 7 000 propriétés des inondations, ont été réévaluées après cette inondation, puis améliorées entre 2006 et 2012.
Histoire de la navigation
Nottingham semble avoir été l'ancien chef de la navigation jusqu'à la Restauration, en partie à cause de la navigation difficile du pont Trent. La navigation fut ensuite étendue jusqu'à Wilden Ferry, près du plus récent pont Cavendish, grâce aux efforts de la famille Fosbrooke de Shardlow.
Plus tard, en 1699, le baron William Paget (Lord Paget), qui possédait des mines de charbon et des terres dans la région, obtint une loi du Parlement pour étendre la navigation jusqu'à Fleetstones Bridge, Burton, malgré l'opposition des habitants de Nottingham. Lord Paget semble avoir financé les travaux à titre privé, construisant des écluses à King's Mill et Burton Mills ainsi que plusieurs coupes et bassins. La loi lui donnait un contrôle absolu sur la construction de tous les quais et entrepôts au-dessus du pont de Nottingham. Lord Paget a loué la navigation et le quai de Burton à George Hayne, tandis que le quai et les entrepôts de Wilden ont été loués par Leonard Fosbrooke, qui détenait les droits de traversier et était un partenaire commercial de Hayne. Les deux hommes refusèrent le débarquement de toute marchandise qui n'était pas transportée sur leurs propres bateaux et créèrent ainsi un monopole.
En 1748, des marchands de Nottingham tentèrent de mettre fin à ce monopole en débarquant des marchandises sur les berges et dans des charrettes, mais Fosbrooke utilisa son câble de ferry pour bloquer la rivière, puis créa un pont en amarrant les bateaux sur le canal et en employant des hommes pour les défendre. . Hayne a ensuite fait échouer une barge à King's Lock et, pendant les huit années suivantes, les marchandises ont dû être transbordées autour de celle-ci. Malgré une injonction de la Chancellerie à leur encontre, les deux hommes ont poursuivi leur action. Le bail de Hayne expira en 1762 et le fils de Lord Paget, le comte d'Uxbridge, céda le nouveau bail à la Burton Boat Company.
Le canal Trent et Mersey a été autorisé par une loi du Parlement en 1766, et la construction de Shardlow à Preston Brook, où il rejoint le canal Bridgewater, a été achevée en 1777. Le canal était parallèle au cours supérieur de la rivière jusqu'à Burton upon Trent, où de nouveaux quais et les entrepôts de Horninglow desservaient la ville, et la Burton Boat Company fut incapable de réparer la réputation endommagée de la rivière créée par ses prédécesseurs. Finalement, en 1805, ils parvinrent à un accord avec Henshall & Co., les principaux transporteurs de canaux, pour la fermeture de la rivière en amont de Wilden Ferry. Bien que la rivière soit sans aucun doute légalement encore navigable au-dessus de Shardlow, elle | http://quiz4free.com/ |
Christopher Cockerill a inventé quoi en 1955 ? | Hovercraft | [
"En janvier 1959, le NRDC a créé une filiale appelée Hovercraft Development Ltd. Cockerell en était le directeur technique et la société contrôlait les brevets qu'elle utilisait pour accorder des licences à plusieurs entreprises du secteur privé pour fabriquer des embarcations sous la marque déposée Hovercraft."
] | Sir Christopher Sydney Cockerell CBE RDI FRS (4 juin 1910 – 1er juin 1999) était un ingénieur anglais, surtout connu comme l'inventeur de l'aéroglisseur.
Première vie et éducation
Cockerell est né à Cambridge, où son père, Sir Sydney Cockerell, était conservateur du Fitzwilliam Museum, après avoir été secrétaire de William Morris. Christopher a fréquenté l'école primaire de St Faith's. Christopher a fait ses études à la Gresham's School, Holt, Norfolk. Il s'est inscrit à Peterhouse, Cambridge pour lire le génie mécanique et a été encadré par William Dobson Womersley. Il devait ensuite retourner à Cambridge pour étudier la radio et l'électronique.
Début de carrière
Il a commencé sa carrière en travaillant pour W. H. Allen & Sons of Bedford. Après son retour à l'Université de Cambridge en 1934 pour étudier la radio et l'électronique, il part travailler à la Radio Research Company. En 1935, il part travailler à la société Marconi et, peu après, il épouse Margaret Elinor Belsham (4 septembre 1913 – septembre 1996). Ils ont vécu au Gay Bowers Cottage, désormais classé Grade II, à Danbury, Essex de 1940 à 1951. Pendant son séjour à Chelmsford, il a dirigé une équipe de recherche dans la célèbre cabane Marconi à Writtle et a travaillé sur de nombreux systèmes, dont le radar. Après la guerre, il a contribué au développement de plusieurs équipements très sophistiqués, notamment la technologie de localisation radio, et le premier équipement utilisé par la BBC à Alexandra Palace.
L'aéroglisseur
Après avoir quitté la société Marconi, il a acheté Ripplecraft Ltd., une petite entreprise de location de bateaux et de caravanes du Norfolk, avec un héritage laissé par son beau-père. L'entreprise gagna peu d'argent et Cockerell commença à réfléchir à la manière dont l'engin pourrait aller plus vite. Il a été conduit à des travaux antérieurs par John I Thornycroft and Sons, dans lesquels un petit navire avait été partiellement sorti de l'eau par un petit moteur.
La plus grande invention de Cockerell, l'aéroglisseur, est née de ce travail. Il lui est venu à l’esprit que si l’engin tout entier était soulevé de l’eau, l’engin n’aurait effectivement aucune traînée. Selon lui, cela donnerait à l'engin la capacité d'atteindre une vitesse maximale beaucoup plus élevée que celle que pouvaient atteindre les bateaux de l'époque.
La théorie de Cockerell était qu'au lieu de simplement pomper de l'air sous l'engin, comme Thornycroft l'avait fait, si l'air était plutôt canalisé pour former un jet étroit autour du périmètre de l'engin, l'air en mouvement formerait un rideau d'impulsion, un mur d'air en mouvement. air qui limiterait la quantité d’air qui s’échapperait. Cela signifiait que le même coussin d'air à haute pression pouvait être maintenu par un moteur beaucoup plus petit ; et pour la première fois, un engin pouvait être complètement sorti de l'eau.
Il a testé ses théories à l’aide d’un aspirateur et de deux boîtes de conserve. Son hypothèse s'est avérée prometteuse, mais l'idée a mis quelques années à se développer et il a été contraint de vendre ses biens personnels pour financer ses recherches. En 1955, il avait construit un modèle fonctionnel en bois de balsa et avait déposé son premier brevet pour l'aéroglisseur, le n° . Cockerell n’avait pas réussi à intéresser le secteur privé au développement de son idée, car l’industrie aéronautique et la construction navale la considéraient comme étant en dehors de leur cœur de métier. Il contacta donc le gouvernement britannique en vue de l'intéresser à d'éventuelles applications de défense et inscrivit l'idée de l'aéroglisseur sur la liste secrète du gouvernement. Le fait de figurer sur la liste secrète a empêché Christopher de rendre public son projet. Les dirigeants des groupes de défense n’étaient pas intéressés à fournir des fonds. Il est resté classé jusqu'en 1958, après l'annonce de développements similaires sur le continent, il a été déclassifié et Cockerell a été introduit au NRDC (National Research Development Corporation). À l'automne 1958, le NRDC passa une commande à Saunders-Roe pour le premier aéroglisseur à grande échelle. Ce prototype d'engin a été désigné SR-N1 (Saunders-Roe – Nautical One) et a été fabriqué sous licence du NRDC. Le 11 juin 1959, le SR-N1 a été présenté pour la première fois au public, capable de transporter quatre hommes à une vitesse de 28 milles à l'heure. Quelques semaines plus tard, il a été expédié en France. Il franchit avec succès la Manche entre Calais et Douvres le 25 juillet 1959, 50 ans jour pour jour après la traversée historique de Blériot.
En janvier 1959, le NRDC a créé une filiale appelée Hovercraft Development Ltd. Cockerell en était le directeur technique et la société contrôlait les brevets qu'elle utilisait pour accorder des licences à plusieurs entreprises du secteur privé pour fabriquer des embarcations sous la marque déposée Hovercraft.
Cockerell a reçu un doctorat honorifique de l'Université Heriot-Watt en 1971.
Plus tard, Cockerell développa de nombreuses autres améliorations de l'aéroglisseur et inventa diverses autres applications du principe du coussin d'air, comme l'aérotrain.
Il a assisté à de nombreux événements liés aux aéroglisseurs, tels que le dévoilement de nombreux aéroports à travers le Royaume-Uni.
Après une courte maladie, Christopher Cockerell est décédé à Hythe, Hampshire, le 1er juin 1999.
Autre travail
Plus tard, Cockerell a développé le Cockerell Raft, un dispositif hydraulique à énergie houlomotrice qui pourrait avoir des implications à l'avenir pour la production d'électricité.
Prix
*1965 Récompensé par la médaille Howard N. Potts
*1966 Fait un CBE
*1967 Élu membre de la Royal Society
*1968 Récompensé par le prix Elmer A. Sperry pour son développement de l'aéroglisseur
*1969 Fait chevalier pour ses services à l'ingénierie
Commémoration
De sa vie, l'aéroglisseur SR.N4 GH2008 Sir Christopher porte le nom de son inventeur. Il était exploité par Hoverlloyd (plus tard Hoverspeed) de l'autre côté de la Manche de 1972 à 1991.
Une plaque à Cockerell Rise, East Cowes, île de Wight, marque l'emplacement de White Cottage, où Cockerell a vécu et travaillé. Le chalet a été démoli, mais le garage est toujours debout. La plaque a été érigée par les Amis d'East Cowes avec le soutien financier du Big Lottery Fund.
L'atelier de Cockerell, y compris son tour pour gaucher, a été offert au Lowestoft Maritime Museum à sa mort en 1999, où il a été remonté et est maintenant exposé au public. | http://quiz4free.com/ |
En quelle année est sorti le dernier livre de Harry Potter, Harry Potter et les Reliques de la Mort ? | 2007 | [
"Quelle année était une série documentaire télévisée australienne, animée par l'ancien animateur de l'ACA Mike Munro et le mannequin Megan Gale en 2006 et Bert Newton et Julia Zemiro en 2007. Quelle année a examiné l'actualité, les événements, les réalisations sportives, les divertissements et les modes d'un année sélectionnée dans chaque épisode. Les hôtes ont parlé à des personnes qui ont été témoins et vécues personnellement de ces événements particuliers.",
"Mike Munro et Megan Gale ont présenté la série 2006. Ils ont hébergé avec succès neuf épisodes et cela a attiré de nombreux téléspectateurs. En 2007, les contrats de spectacle de Gale et Munro ont expiré, donc Newton et Zemiro les ont remplacés en tant que présentateurs. Cependant, il a été annulé par Nine Network après avoir terminé à la dernière place des audiences nocturnes du 6 août 2007 en raison de la grande victoire de Channel Seven.",
"Dans un numéro de novembre 2007 du magazine TV Week, Munro affirmait que lui et Gale avaient quitté la série parce que les programmeurs voulaient alléger la série et la rendre plus amusante. Munro a expliqué qu'il n'aimait pas porter des vêtements à la mode à cette époque. Mais Newton adorait les porter, alors il a été embauché à la place de Munro.",
"Les épisodes qui sont restés non diffusés après la suppression de l'émission ont été diffusés par Channel Nine au cours de la période estivale sans audience, commençant les épisodes non diffusés le 27 décembre 2007. Les nouveaux épisodes ont remplacé les projets de diffusion de rediffusions de séries de voyages australiennes, Choses à essayer avant de mourir. .",
"# Quelle année - 1980 - 30 juillet 2007",
"# Quelle année - 1999 - 6 août 2007"
] | Quelle année était une série documentaire télévisée australienne, animée par l'ancien animateur de l'ACA Mike Munro et le mannequin Megan Gale en 2006 et Bert Newton et Julia Zemiro en 2007. Quelle année a examiné l'actualité, les événements, les réalisations sportives, les divertissements et les modes d'un année sélectionnée dans chaque épisode. Les hôtes ont parlé à des personnes qui ont été témoins et vécues personnellement de ces événements particuliers.
Histoire
Mike Munro et Megan Gale ont présenté la série 2006. Ils ont hébergé avec succès neuf épisodes et cela a attiré de nombreux téléspectateurs. En 2007, les contrats de spectacle de Gale et Munro ont expiré, donc Newton et Zemiro les ont remplacés en tant que présentateurs. Cependant, il a été annulé par Nine Network après avoir terminé à la dernière place des audiences nocturnes du 6 août 2007 en raison de la grande victoire de Channel Seven.
Dans un numéro de novembre 2007 du magazine TV Week, Munro affirmait que lui et Gale avaient quitté la série parce que les programmeurs voulaient alléger la série et la rendre plus amusante. Munro a expliqué qu'il n'aimait pas porter des vêtements à la mode à cette époque. Mais Newton adorait les porter, alors il a été embauché à la place de Munro.
Les épisodes qui sont restés non diffusés après la suppression de l'émission ont été diffusés par Channel Nine au cours de la période estivale sans audience, commençant les épisodes non diffusés le 27 décembre 2007. Les nouveaux épisodes ont remplacé les projets de diffusion de rediffusions de séries de voyages australiennes, Choses à essayer avant de mourir. .
En mars 2011, le Nine Network a rediffusé les épisodes thématiques de 1980 et 1999, un mercredi soir à 19h30 sur leur multicanal numérique HD GEM après avoir été brusquement annulé et remplacé par des émissions de remplissage.
Après "Quelle année"
# Gale a poursuivi sa carrière de mannequin et a également fait du théâtre.
# Munro a animé l'unité des personnes disparues de 2006 à 2008 et travaille maintenant sur Sunday Night pour Channel Seven.
# Newton a accueilli 20 contre 1 de 2006 à 2011.
# Zemiro est allé héberger Rockwiz sur SBS.
Liste des épisodes
2006
# Quelle année - 1975 - 2 octobre 2006
# Quelle année - 1983 - 9 octobre 2006
# Quelle année - 1997 - 16 octobre 2006
# Quelle année - 1969 - 23 octobre 2006
# Quelle année - 1986 - 30 octobre 2006
# Quelle année - 2001 - 6 novembre 2006
# Quelle année - 1991 - 13 novembre 2006
# Quelle année - 1977 - 20 novembre 2006
# Quelle année - 1989 - 27 novembre 2006
2007
# Quelle année - 1980 - 30 juillet 2007
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Qui a écrit, produit et réalisé le film épique Avatar ? | James Cameron | [
"L'épopée de science-fiction a attiré l'attention du grand public en 1968 avec 2001 : L'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick, ainsi qu'avec le film précédent de 1968, La Planète des singes. Neuf ans plus tard, les films Star Wars de George Lucas ont fait leurs débuts, propulsant l'épopée de science-fiction/fantastique vers des succès sans précédent. Sorti en 2009, Avatar de James Cameron a une nouvelle fois démontré le pouvoir d'attraction de l'épopée de science-fiction, engrangeant plus de 700 millions de dollars de recettes au niveau national et plus de 2,7 milliards de dollars dans le monde, ce qui en fait le film au box-office le plus réussi de tous les temps, sans tenir compte de l'inflation. . Ces derniers temps, de nombreuses épopées fantastiques ont été produites avec plus ou moins de succès, notamment la série Pirates des Caraïbes basée sur le manège du parc à thème du même nom, la trilogie cinématographique Le Hobbit de Peter Jackson et la trilogie cinématographique Le Seigneur des Anneaux basée sur le livre série du même nom de J. R. R. Tolkien, la série de films Harry Potter basée sur la série de livres du même nom de J. K. Rowling et la série de films Hunger Games basée sur la trilogie de Suzanne Collins."
] | Le film épique est un style de réalisation cinématographique à grande échelle, de grande envergure et offrant un spectacle. L'usage du terme a évolué au fil du temps, désignant parfois un genre cinématographique et d'autres fois simplement synonyme de réalisation de films à gros budget. Comme les épopées au sens littéraire classique, elle est souvent centrée sur un personnage héroïque. Le caractère ambitieux d'une épopée contribue à la distinguer des autres types de films comme le film d'époque ou le film d'aventure. Les films historiques épiques prennent généralement un événement historique ou mythique et ajoutent un décor extravagant et des costumes somptueux, accompagnés d'une vaste partition musicale avec une distribution d'ensemble, ce qui en ferait l'un des films les plus coûteux à produire. Les sujets les plus courants des films épiques sont la royauté et les personnages importants de diverses périodes de l’histoire du monde.
Caractéristiques
Le terme « épopée » vient à l'origine du genre poétique illustré par des œuvres telles que l'Iliade, l'Épopée de Gilgamesh ou l'Odyssée. Dans la littérature classique, les épopées sont considérées comme des œuvres centrées sur des actes ou des voyages de héros dont dépend le sort d'un grand nombre de personnes. De même, les films décrits comme « épiques » adoptent généralement un personnage historique ou une figure héroïque mythique. Les sujets courants des épopées sont la royauté, les gladiateurs, les grands chefs militaires ou les principales personnalités de diverses périodes de l'histoire du monde. Il existe cependant certains films qualifiés d'« épiques » presque uniquement sur la base de leur énorme portée et du vaste panorama de leurs décors, comme Comment l'Occident a été gagné ou À l'Est d'Eden qui n'ont pas la substance typique des épopées classiques mais sont réalisé dans un style épique.
Lorsqu'il est décrit comme « épique » en raison de son contenu, un film épique se déroule souvent en temps de guerre ou d'une autre crise sociétale, tout en couvrant une longue période de temps, tant en termes d'événements décrits que de durée du film. Ces films ont généralement un cadre historique, bien que les décors fantastiques ou de science-fiction soient devenus courants au cours des dernières décennies. Le conflit central du film est généralement considéré comme ayant des effets profonds, modifiant souvent le cours de l’histoire. Les actions des personnages principaux sont souvent centrales dans la résolution du conflit sociétal.
Dans sa classification des films par genre, l'American Film Institute limite le genre aux films historiques comme Ben-Hur. Cependant, des spécialistes du cinéma tels que Constantine Santas sont prêts à étendre le label à des films de science-fiction tels que 2001 : l'Odyssée de l'espace et Star Wars. Nickolas Haydock suggère que « l'un des genres cinématographiques les plus difficiles à définir est sûrement celui du film « épique », englobant des exemples tels que Ben-Hur, Autant en emporte le vent... et plus récemment, 300 et les films Star Wars. ..aucun de ceux-ci ne vient des épopées littéraires en soi, et il y a peu de choses qui les relient les unes aux autres. Parmi ceux qui épousent les études de genre cinématographique, l'épopée est l'un des genres les plus méprisés et ignorés. » Enfin, bien que l'American Movie Channel soit formellement. définit les films épiques comme des films historiques, ils affirment néanmoins que le film épique peut être combiné avec le genre de la science-fiction et citent Star Wars comme exemple.
Sur le plan stylistique, les films classés comme épiques utilisent généralement des décors spectaculaires et des costumes spécialement conçus, souvent accompagnés d'une vaste partition musicale et d'un ensemble de stars bancables. Les épopées font généralement partie des films les plus coûteux à produire. Ils utilisent souvent des tournages sur place, des costumes d’époque authentiques et des scènes d’action à grande échelle. Les films biographiques sont peut-être des versions moins somptueuses de ce genre.
De nombreux écrivains peuvent qualifier tout film « long » (plus de deux heures) d'épopée, ce qui rend la définition de l'épopée un sujet de controverse, et se demandent s'il s'agit réellement d'un « genre ». Comme le dit Roger Ebert, dans son article « Great Movies » sur Lawrence d'Arabie :
Le film comique Monty Python et le Saint Graal avait pour slogan plaisant "Fait ressembler Ben Hur à une épopée".
Histoire
L'épopée fait partie des genres cinématographiques les plus anciens, l'un des premiers exemples notables étant Cabiria de Giovanni Pastrone, un film muet de trois heures sur les guerres puniques qui a jeté les bases des épopées muettes ultérieures de D. W. Griffith.
Le genre a atteint un sommet de popularité au début des années 1960, lorsque Hollywood collaborait fréquemment avec des studios de cinéma étrangers (comme Cinecittà de Rome) pour utiliser des lieux relativement exotiques en Espagne, au Maroc et ailleurs pour la production de films épiques. On considère généralement que cette période de boom des coproductions internationales s'est terminée avec Cléopâtre (1963), La Chute de l'Empire romain (1964) et Le Docteur Jivago (1965). Néanmoins, des films de ce genre ont continué à apparaître, avec un exemple notable étant Guerre et Paix, sorti dans l'ex-Union soviétique en 1968, réalisé par Sergueï Bondarchuk et considéré comme le film le plus cher jamais réalisé.
Des films épiques continuent d'être produits, même si depuis le développement du CGI, ils utilisent généralement des effets informatiques au lieu d'un casting réel de milliers de personnes. Depuis les années 1950, ces films sont régulièrement tournés avec un format d’image large pour une expérience théâtrale plus immersive et panoramique.
Les films épiques ont été récompensés lors d'un montage aux Oscars 2006.
Sous-genres
Épopées de guerre
Les épopées de guerre se concentrent généralement sur des batailles spécifiques d'une guerre, des camps de prisonniers de guerre ou sur les conséquences personnelles de la vie dans un pays envahi/occupé. De nombreuses épopées de guerre se déroulent pendant la Seconde Guerre mondiale ou la guerre du Vietnam, à l'exception notable du Bon, de la Brute et du Truand de Sergio Leone, qui se déroule pendant la guerre civile américaine, et de Master & Commander : The Far Side of the World, qui se déroule pendant la guerre civile américaine. Guerres Napoléoniennes.
Des exemples d'épopées de guerre plus contemporaines incluent The Burmese Harp (1956), The Bridge on the River Kwai (1957), The Human Condition (1959-1961), The Deer Hunter (1978), Apocalypse Now (1979), Kagemusha ( 1980), Das Boot (1981), Come and See (1985), Ran (1985), Il faut sauver le soldat Ryan (1998) et The Thin Red Line (1998).
Épopées historiques
Les épopées historiques sont des films épiques qui se déroulent dans le passé historique et se concentrent souvent sur des personnes qui modifient le cours de l'histoire. Un certain nombre d'épopées historiques, notamment celles réalisées dans les années 1950 et 1960, se déroulent dans l'Antiquité, notamment à Rome, en Grèce ou en Égypte. Les épopées historiques sont généralement à plus grande échelle que les autres types d'épopées, avec des décors élaborés et un grand nombre d'extras.
Des exemples d'épopées historiques incluent La naissance d'une nation (1915), L'intolérance (1916), Autant en emporte le vent (1939), Le tour du monde en 80 jours (1956), Les dix commandements (1956), Le pont sur la rivière Kwai. (1957), Ben-Hur (1959), Spartacus (1960), El Cid (1961), Lawrence d'Arabie (1962), Cléopâtre (1963), Docteur Jivago (1965), Guerre et Paix (1966-1967), Barry Lyndon (1975), Gandhi (1982), Le Dernier Empereur (1987), Danse avec les loups (1990), Adieu ma concubine (1993), La Liste de Schindler (1993), Braveheart (1995), Titanic (1997), Il faut sauver le privé Ryan (1998), Gladiator (2000), The Last Samurai (2003), Troy (2004), Alexander (2004), Kingdom of Heaven (2005), 300 (2007) et The Revenant (2015),
Épopées religieuses
Les films à grande échelle impliquant Jésus, Moïse ou d'autres personnages religieux ont été appelés épopées religieuses ou bibliques. Ce genre était populaire dans les années 1950 et était souvent associé à des budgets élevés et à des stars telles que Charlton Heston. Des exemples notables incluent Quo Vadis (1951), Les Dix Commandements (1956) et Ben-Hur (1959). Les années 1960 ont vu la première tentative d'un grand studio de produire une épopée religieuse dans laquelle l'événement du Christ était le point central. MGM a sorti King of Kings en 1961, inspiré d'un film de Cecil B. DeMille du même titre de 1927. Quatre ans plus tard, The Greatest Story Ever Told, réalisé par George Stevens, a été achevé pour 25 millions de dollars. Un exemple récent est le film de Mel Gibson de 2004, La Passion du Christ. Alors que le terme « épopées bibliques » est utilisé pour décrire des films basés sur des histoires judéo-chrétiennes, d'autres films peuvent être basés sur d'autres traditions religieuses, comme Le Mahabharata, basé sur la mythologie hindoue, et Le Message, basé sur la mythologie islamique. histoire.
Épopées romantiques
Les épopées romantiques sont des films d'amour réalisés à grande échelle, généralement dans un cadre historique. La romance elle-même est souvent représentée en contrepoint à la guerre, au conflit ou aux événements politiques en arrière-plan de l'histoire. Dans ces films, la romance et les relations du personnage principal sont la pièce maîtresse de l'histoire plutôt qu'une intrigue secondaire. Certains films épiques dépeignent une romance tumultueuse sur fond de guerre. La romance elle-même est souvent représentée en contrepoint de la guerre, du conflit ou des événements politiques en arrière-plan de l'histoire, tandis que la romance est au premier plan. Autant en emporte le vent a été décrit comme l'archétype de l'épopée romantique.
Les exemples incluent Autant en emporte le vent (1939), Giant (1956), Doctor Zhivago (1965), Ryan's Daughter (1970), Out of Africa (1985), Forrest Gump (1994), The English Patient (1996), Titanic (1997). ), Brokeback Mountain (2005), The Painted Veil (2006), Tristan & Isolde (2006), Atonement (2007), Australie (2008), Les Misérables (2012) et The Great Gatsby (2013).
Épopées policières
Les films policiers épiques sont généralement des histoires de gangsters réalisées à grande échelle et montrent généralement l'ascension et la chute d'un empire criminel. L’exemple le plus célèbre est la trilogie Le Parrain (1972-1990), avec trois films de grande envergure.
épopées occidentales
Le western épique est un sous-genre du western qui met l’accent sur l’histoire du vieil ouest américain à grande échelle. De nombreux westerns épiques se déroulent généralement pendant une période de turbulences, en particulier une guerre, comme dans Le Bon, la Brute et le Truand (1966) de Sergio Leone, qui se déroule pendant la guerre civile américaine, ou The Wild Bunch (1969) de Sam Peckinpah, qui se déroule pendant la révolution mexicaine. L'un des films les plus grandioses de ce genre est Il était une fois dans l'Ouest (1968) de Leone, qui montre de nombreux conflits d'opéra centrés sur le contrôle d'une ville tout en utilisant des plans à grande échelle sur des sites de Monument Valley sur une longue durée. D'autres exemples notables incluent The Iron Horse (1924), Duel in the Sun (1946), The Searchers (1956), Giant (1956), The Big Country (1958), Cimarron (1960), How the West Was Won (1962). , Canard, espèce de connard ! (1971), Heaven's Gate (1980), Danse avec les loups (1990), L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford (2007), Django Unchained (2012) et The Revenant (2015).
Épopées de science-fiction et fantastique
L'épopée de science-fiction a attiré l'attention du grand public en 1968 avec 2001 : L'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick, ainsi qu'avec le film précédent de 1968, La Planète des singes. Neuf ans plus tard, les films Star Wars de George Lucas ont fait leurs débuts, propulsant l'épopée de science-fiction/fantastique vers des succès sans précédent. Sorti en 2009, Avatar de James Cameron a une nouvelle fois démontré le pouvoir d'attraction de l'épopée de science-fiction, engrangeant plus de 700 millions de dollars de recettes au niveau national et plus de 2,7 milliards de dollars dans le monde, ce qui en fait le film au box-office le plus réussi de tous les temps, sans tenir compte de l'inflation. . Ces derniers temps, de nombreuses épopées fantastiques ont été produites avec plus ou moins de succès, notamment la série Pirates des Caraïbes basée sur le manège du parc à thème du même nom, la trilogie cinématographique Le Hobbit de Peter Jackson et la trilogie cinématographique Le Seigneur des Anneaux basée sur le livre série du même nom de J. R. R. Tolkien, la série de films Harry Potter basée sur la série de livres du même nom de J. K. Rowling et la série de films Hunger Games basée sur la trilogie de Suzanne Collins.
Animation
De nombreux films d’animation épiques ont été réalisés sur différents sujets. Nausicaä de la Vallée du Vent et Princesse Mononoké de Hayao Miyazaki sont deux épopées de guerre-fantastique d'animation remarquables. Les deux films dépeignent la lutte entre l’homme et la nature ; et les protagonistes tentent d'établir une cohabitation pacifique. Akira de Katsuhiro Ôtomo est un autre exemple d'épopée d'animation qui dépeint une société dystopique à la manière du cyberpunk.
Accueil du public
Revenu brut
La popularité durable de l’épopée est souvent attribuée à sa capacité à séduire un large public. Bon nombre des films les plus rentables de tous les temps ont été des épopées. Le film Titanic de 1997, cité comme ayant contribué à relancer le genre, a rapporté 658 millions de dollars au niveau national et plus de 2,1 milliards de dollars dans le monde, ce qui en fait le deuxième film le plus rentable de tous les temps, derrière Avatar de 2009. /alltime/domestic.htm All Time Domestic Box Office Results], une autre épopée qui a rapporté 2,7 milliards de dollars dans le monde. Si l'on prend en compte l'inflation, l'épopée historique Autant en emporte le vent devient le film le plus rentable jamais réalisé aux États-Unis. Corrigé de l'inflation, il a rapporté l'équivalent de 1,6 milliard de dollars rien qu'aux États-Unis. Corrigé de l'inflation du prix des billets, l'épopée de science-fiction et fantastique Star Wars se situe au numéro 2, avec un montant brut gonflé de 1,4 milliard de dollars aux États-Unis.
Oscars
Jusqu'à présent, le plus grand nombre d'Oscars jamais remportés par un seul film s'élève à 11. Cet exploit n'a été réalisé que par 3 films (Ben-Hur, Titanic et Le Seigneur des Anneaux : Le Retour du Roi), tous considérés comme des épopées. . | http://quiz4free.com/ |
Qui a fait un duo avec Lionel Ritchie pour la chanson à succès « Endless Love » ? | Diana Ross | [
"* \"Amour sans fin\" – Diana Ross et Lionel Richie, 1981"
] | Un duo est une composition musicale pour deux interprètes dans laquelle les interprètes ont une importance égale pour la pièce. Il est souvent utilisé pour décrire une composition impliquant deux chanteurs. Cela diffère d’une harmonie, car les interprètes interprètent à tour de rôle une section solo plutôt que simultanément. En musique classique, le terme est le plus souvent utilisé pour désigner une composition pour deux chanteurs ou pianistes. Une pièce interprétée par deux pianistes jouant ensemble sur le même piano est appelée « piano duo » ou « piano à quatre mains ». Une pièce pour deux pianistes jouant ensemble sur des pianos séparés est appelée « duo de pianos ».
"Duo" est également utilisé comme verbe pour désigner l'acte d'exécuter un duo musical, ou familièrement comme nom pour désigner les interprètes d'un duo. Le mot est aussi parfois utilisé en référence à des activités non musicales réalisées ensemble par deux personnes.
Un ensemble musical composé de plus de deux instruments solistes ou voix est appelé trio, quatuor, quintette, sextuor, septuor, octuor, etc.
Histoire
Quand Mozart était jeune, lui et sa sœur Marianne jouèrent un duo de sa composition lors d'un concert à Londres en 1765. Le jeu à quatre mains, décrit comme un duo, figurait dans plusieurs de ses compositions, dont cinq sonates ; un ensemble de variations, deux interprètes et un instrument, et une sonate pour deux pianos. La première sonate ou duo publié date de 1777.
Dans la musique de la Renaissance, un duo spécifiquement destiné à être un outil pédagogique, devant être interprété par le professeur et l'élève, était appelé bicinium (voir Étude).
À l'opéra
Les duos ont toujours fait partie de la structure des opéras. Les opéras du début du XVIe siècle tels que L'Orfeo et L'incoronazione di Poppea impliquent des duos tout au long de la représentation. Dans l'Italie du XVIIe siècle, les duos étaient souvent utilisés dans des scènes comiques d'opéras sérieux. Dans la France baroque, le duo était populaire dans les tragédies, comme les chants de vengeance et de confrontation. Le duo d'amour se caractérisait par le chant dans des harmonies serrées de tierces et de sixièmes, symbolisant l'unité après le conflit.
Duos d'opéra célèbres
* La clémence de Tito de Wolfgang Amadeus Mozart
*La Cenerentola de Gioachino Rossini
* Les puritains de Vincenzo Bellini
*Don Pasquale de Gaetano Donizetti
*La traviata de Giuseppe Verdi
*Aïda de Giuseppe Verdi
* Mépistofèle d'Arrigo Boito
*Manon Lescaut de Giacomo Puccini
*Madame Butterfly de Giacomo Puccini
* L'amico Fritz de Pietro Mascagni
Dans la musique pop
Tout au long du XXe siècle, les duos ont été courants dans la musique populaire de l'époque. Certaines chansons ont été écrites pour être entendues sous forme de conversations, comme "Baby, It's Cold Outside". D'autres étaient joués autour d'un thème, par exemple New York dans "Empire State of Mind". Parfois, les duos sont une improvisation entre artistes, comme "Under Pressure". David Bowie et Freddie Mercury auraient composé les paroles en une journée en improvisant ensemble.
Duos pop célèbres
* "Bébé, il fait froid dehors" - Ricardo Montalbán et Esther Williams, et avec les rôles inversés, Red Skelton et Betty Garrett, 1948
* "Dream a Little Dream of Me" – Louis Armstrong et Ella Fitzgerald, 1950
* "Je t'ai eu bébé" - Sonny & Cher, 1965
* "Ain't No Mountain High Enough" - Marvin Gaye et Tammi Terrell, 1967
* "Jackson" – Johnny Cash et June Carter, 1967
* "Quelque chose de stupide" – Frank Sinatra et Nancy Sinatra, 1967
* "Eaux de Marche" – Elis Regina et Antonio Carlos Jobim, 1972
* "Ne me brise pas le cœur" – Elton John et Kiki Dee, 1976
* "Tu es celui que je veux" - John Travolta et Olivia Newton-John, 1978
* "Dead Ringer for Love" – Pain de viande et Cher, 1981
* "Amour sans fin" – Diana Ross et Lionel Richie, 1981
* "Sous pression" – Queen et David Bowie, 1981
* "Ébène et ivoire" – Paul McCartney et Stevie Wonder, 1982
* "Îles dans le ruisseau" – Kenny Rogers et Dolly Parton, 1983
* "N'abandonnez pas" – Kate Bush et Peter Gabriel, 1985
* "(J'ai eu) le moment de ma vie" - Bill Medley et Jennifer Warnes, 1987
* "Cri/Enfance" – Michael Jackson et Janet Jackson, 1995
* "Dis-lui" – Barbra Streisand et Céline Dion, 1997
* "Quand tu crois" – Whitney Houston et Mariah Carey, 1998
* "Où tu es" – Jessica Simpson et Nick Lachey, 2000
* "Beautiful Liar" – Beyoncé et Shakira, 2007
* "No Estamos Solos" – Eros Ramazzotti et Ricky Martin, 2007
* "Ta Voix (The Calling)" – Jennifer Paige et Lââm, 2008
* "Empire State of Mind" – Jay-Z et Alicia Keys, 2009
* "Limpido" – Laura Pausini et Kylie Minogue, 2013
* "Tu t'es blessé" – Toni Braxton et Babyface, 2014 | http://quiz4free.com/ |
"Qui a fait un duo avec Bryan Adams sur le hit de 1985 ""It's Only Love"" ? » | Tina Turner | [
"En 1974, le travail avait sérieusement commencé sur un film de Tommy. Stigwood a suggéré Ken Russell comme réalisateur, dont Townshend avait admiré le travail précédent. Le film mettait en vedette un casting de stars, y compris les membres du groupe. David Essex a auditionné pour le rôle titre, mais le groupe a persuadé Daltrey de le prendre. Le casting comprenait Ann-Margret, Oliver Reed, Eric Clapton, Tina Turner, Elton John et Jack Nicholson. Townshend et Entwistle ont travaillé sur la bande originale pendant la majeure partie de l'année, s'occupant de l'essentiel de l'instrumentation. Moon avait déménagé à Los Angeles, ils ont donc utilisé des batteurs de session, dont Kenney Jones. Elton John a utilisé son propre groupe pour \"Pinball Wizard\". Le tournage s'est déroulé d'avril à août. 1 500 figurants sont apparus dans la séquence \"Pinball Wizard\"."
] | The Who est un groupe de rock anglais formé en 1964. Leur line-up classique était composé du chanteur Roger Daltrey, du guitariste Pete Townshend, du bassiste John Entwistle et du batteur Keith Moon. Ils sont considérés comme l'un des groupes de rock les plus influents du XXe siècle, vendant plus de 100 millions de disques dans le monde et jouissant d'une réputation pour leurs concerts et leur travail en studio.
The Who s'est développé à partir d'un groupe antérieur, les Detours, et s'est imposé comme faisant partie des mouvements pop art et mod, mettant en avant un art autodestructeur en détruisant les guitares et les tambours sur scène. Leur premier single en tant que Who, "I Can't Explain", a atteint le top dix britannique, suivi d'une série de singles dont "My Generation", "Substitute" et "Happy Jack". En 1967, ils se produisent au Monterey Pop Festival et sortent le single "I Can See for Miles" qui figure dans le top 10 américain, tout en effectuant de nombreuses tournées. Le quatrième album du groupe, l'opéra rock Tommy de 1969, comprenait le single "Pinball Wizard" et fut un succès critique et commercial. Des apparitions live à Woodstock et au Festival de l'île de Wight, ainsi que l'album live Live at Leeds, ont consolidé leur réputation d'acteur rock respecté. Leur succès s'est accompagné d'une pression accrue sur l'auteur-compositeur principal et visionnaire Townshend, et la suite de Tommy, Lifehouse, a été abandonnée. Les chansons du projet constituaient Who's Next de 1971, qui comprenait le hit "Won't Get Fooled Again". Le groupe a sorti l'album Quadrophenia en 1973 pour célébrer leurs racines mod et a supervisé l'adaptation cinématographique de Tommy en 1975. Ils ont continué à tourner devant un large public avant de se retirer semi-retraite des performances live à la fin de 1976. La sortie de Who Are You en 1978 a été éclipsé par la mort de Moon peu de temps après.
Kenney Jones remplace Moon et le groupe reprend ses activités en sortant une adaptation cinématographique de Quadrophenia et le documentaire rétrospectif The Kids Are Alright. Après que Townshend se soit lassé des tournées, le groupe s'est séparé en 1982. Les Who se sont occasionnellement reformés pour des apparitions live telles que Live Aid en 1985, une tournée pour le 25e anniversaire en 1989 et une tournée de Quadrophenia en 1996-1997. Ils reprennent leurs tournées régulières en 1999, avec le batteur Zak Starkey. Après la mort d'Entwistle en 2002, les projets d'un nouvel album ont été retardés. Townshend et Daltrey ont continué en tant que Who, sortant Endless Wire en 2006, et ont continué à jouer régulièrement en live.
Les principales contributions des Who à la musique rock incluent le développement de la pile Marshall, de grands systèmes de sonorisation, l'utilisation du synthétiseur, les styles de jeu principaux d'Entwistle et Moon, la technique de guitare feedback et power chord de Townshend, et le développement de l'opéra rock. Ils sont cités comme une influence par les groupes de hard rock, de punk rock et de mod, et leurs chansons sont toujours régulièrement exposées.
Histoire
Arrière-plan
Les membres fondateurs des Who, Roger Daltrey, Pete Townshend et John Entwistle, ont grandi à Acton, Londres et sont allés à l'Acton County Grammar School. Le père de Townshend, Cliff, jouait du saxophone et sa mère, Betty, avait chanté dans la division divertissement de la Royal Air Force pendant la Seconde Guerre mondiale, et tous deux soutenaient l'intérêt de leur fils pour le rock and roll. Townshend et Entwistle sont devenus amis au cours de leur deuxième année dans le comté d'Acton et ont formé un groupe de jazz traditionnel ; Entwistle a également joué du cor français dans l'orchestre symphonique des écoles du Middlesex. Tous deux s'intéressaient au rock et Townshend admirait particulièrement le premier single de Cliff Richard, " Move It ". Entwistle est passé à la guitare, mais a eu du mal à cause de ses gros doigts, et est passé à la basse en entendant le travail de guitare de Duane Eddy. Il n’avait pas les moyens de s’acheter une basse et en a construit une chez lui. Après le comté d'Acton, Townshend a fréquenté l'Ealing Art College, une décision qu'il a décrite plus tard comme ayant une profonde influence sur le cours des Who.
Daltrey, qui était dans l'année précédente, avait déménagé de Shepherd's Bush, un quartier plus ouvrier, à Acton. Il a du mal à s'intégrer à l'école et découvre les gangs et le rock and roll. Il fut expulsé à 15 ans et trouva du travail sur un chantier. En 1959, il fonde les Detours, le groupe qui allait devenir les Who. Le groupe a joué des concerts professionnels, tels que des réceptions d'entreprise et de mariage, et Daltrey a gardé un œil attentif sur les finances ainsi que sur la musique.
Daltrey a repéré Entwistle par hasard dans la rue avec une basse et l'a recruté dans les Détours. Au milieu de 1961, Entwistle suggère Townshend comme guitariste, Daltrey à la guitare solo, Entwistle à la basse, Harry Wilson à la batterie et Colin Dawson au chant. Le groupe a joué des instrumentaux des Shadows and the Ventures, ainsi qu'une variété de reprises pop et jazz traditionnel. Daltrey était considéré comme le leader et, selon Townshend, « dirigeait les choses comme il le voulait ». Wilson a été licencié au milieu de 1962 et remplacé par Doug Sandom, bien qu'il soit plus âgé que le reste du groupe, marié et musicien plus compétent, ayant joué de manière semi-professionnelle pendant deux ans.
Dawson est parti après s'être fréquemment disputé avec Daltrey et après avoir été brièvement remplacé par Gabby Connolly, Daltrey est passé au chant principal. Townshend, avec les encouragements d'Entwistle, est devenu le seul guitariste. Grâce à la mère de Townshend, le groupe a obtenu un contrat de gestion avec le promoteur local Robert Druce, qui a commencé à réserver le groupe en première partie. Les Detours ont été influencés par les groupes qu'ils soutenaient, notamment Screaming Lord Sutch, Cliff Bennett and the Rebel Rousers, Shane Fenton and the Fentones et Johnny Kidd and the Pirates. Les Detours étaient particulièrement intéressés par les Pirates car ils n'avaient également qu'un seul guitariste, Mick Green, qui a inspiré Townshend à combiner la guitare rythmique et solo dans son style. La basse d'Entwistle est devenue davantage un instrument principal, jouant des mélodies. En février 1964, les Detours prennent connaissance du groupe Johnny Devlin and the Detours et changent de nom. Townshend et son colocataire Richard Barnes ont passé une nuit à réfléchir aux noms, en se concentrant sur un thème d'annonces de blagues, notamment « Personne » et « le Groupe ». Townshend préférait "the Hair", et Barnes aimait "the Who" parce qu'il "avait un punch pop". Daltrey a choisi "The Who" le lendemain matin.
1964-1978
Début de carrière
Au moment où les Detours sont devenus les Who, ils avaient déjà trouvé des concerts réguliers, notamment à l'Oldfield Hotel de Greenford, au White Hart Hotel d'Acton, au Goldhawk Social Club de Shepherd's Bush et au Notre Dame Hall de Leicester Square. Ils avaient également remplacé Druce en tant que manager par Helmut Gorden, avec qui ils ont obtenu une audition avec Chris Parmeinter pour Fontana Records. Parmeinter a trouvé des problèmes avec la batterie et, selon Sandom, Townshend s'est immédiatement retourné contre lui et a menacé de le licencier si son jeu ne s'améliorait pas immédiatement. Sandom est parti dégoûté, mais a été persuadé de prêter son kit à d'éventuels remplaçants ou remplaçants. Sandom et Townshend ne se sont plus parlé pendant 14 ans.
Lors d'un concert avec un batteur suppléant fin avril à Oldfield, le groupe a rencontré Keith Moon pour la première fois. Moon a grandi à Wembley et jouait de la batterie dans des groupes depuis 1961. Il jouait avec un groupe semi-professionnel appelé les Beachcombers et voulait jouer à plein temps. Moon a joué quelques chansons avec le groupe, cassant une pédale de grosse caisse et déchirant la peau d'une batterie. Le groupe a été impressionné par son énergie et son enthousiasme et lui a proposé le poste. Moon a joué avec les Beachcombers à quelques reprises, mais les dates se sont heurtées et il a choisi de se consacrer aux Who. Les Beachcombers ont auditionné Sandom, mais n'ont pas été impressionnés et ne lui ont pas demandé de se joindre au groupe.
The Who a changé de manager pour Peter Meaden. Il a décidé que le groupe serait idéal pour représenter le mouvement mod croissant en Grande-Bretagne, qui impliquait la mode, les scooters et des genres musicaux tels que le rythme et le blues, la soul et le beat. Il a renommé le groupe High Numbers, les a habillés avec des vêtements mod, a obtenu une deuxième audition plus favorable avec Fontana et a écrit les paroles des deux faces de leur single "Zoot Suit"/"I'm the Face" pour plaire aux mods. . La mélodie de "Zoot Suit" était "Misery" de The Dynamics, et "I'm the Face" emprunté à " I Got Love If You Want It " de Slim Harpo. Bien que Meaden ait essayé de promouvoir le single, il n'a pas réussi à atteindre le top 50 et le groupe a recommencé à s'appeler les Who. Le groupe a commencé à améliorer son image sur scène ; Daltrey a commencé à utiliser son câble de microphone comme fouet sur scène et a parfois sauté dans la foule ; Moon lança des baguettes en l'air à mi-temps ; Townshend a mimé mitrailler la foule avec sa guitare tout en sautant sur scène et en jouant de la guitare avec un mouvement rapide de moulinet de bras, ou se tenait les bras en l'air permettant à sa guitare de produire un retour dans une posture surnommée "l'homme aux oiseaux".
Meaden a été remplacé comme manager par deux cinéastes, Kit Lambert et Chris Stamp. Ils recherchaient un jeune groupe de rock non signé sur lequel ils pourraient faire un film et avaient vu le groupe au Railway Hotel à Wealdstone, qui était devenu une salle habituelle pour eux. Lambert s'est lié à Townshend et à ses études d'école d'art et l'a encouragé à écrire des chansons. En août, Lambert et Stamp ont réalisé un film promotionnel mettant en vedette le groupe et son public au chemin de fer. Le groupe a changé son set vers des reprises de soul, de rythme et de blues et de Motown, et a créé le slogan "Maximum R&B".
En juin 1964, lors d'une représentation au Railway, Townshend cassa accidentellement la tête de sa guitare sur le plafond bas de la scène. Irrité par les rires du public, il a brisé l'instrument sur scène, puis a pris une autre guitare et a continué le spectacle. La semaine suivante, le public avait hâte de voir l'événement se répéter. Moon a obligé en renversant sa batterie, et l'art autodestructeur est devenu une caractéristique du live des Who.
Premiers singles et My Generation
À la fin 1964, les Who devenaient populaires au Marquee Club de Londres, et une critique élogieuse de leur prestation live parut dans Melody Maker. Lambert et Stamp attirent l'attention du producteur américain Shel Talmy, qui avait produit les Kinks. Townshend avait écrit une chanson, "I Can't Explain", qui ressemblait délibérément aux Kinks pour attirer l'attention de Talmy. Talmy a vu le groupe en répétition et a été impressionné. Il les a signés avec sa société de production et a vendu l'enregistrement à la branche américaine de Decca Records, ce qui signifie que les premiers singles du groupe sont sortis en Grande-Bretagne sur Brunswick Records, l'un des labels britanniques de Decca pour les artistes américains. "I Can't Explain" a été enregistré début novembre 1964 aux Pye Studios à Marble Arch avec l'Ivy League aux chœurs, et Jimmy Page jouait de la guitare fuzz sur la face B, "Bald Headed Woman".
"I Can't Explain" est devenu populaire auprès des radios pirates telles que Radio Caroline. La radio pirate était importante pour les groupes car il n'y avait pas de stations de radio commerciales au Royaume-Uni et la BBC Radio diffusait peu de musique pop. Le groupe a gagné en visibilité lorsqu'il est apparu dans l'émission télévisée Ready Steady Go! Lambert et Stamp ont été chargés de trouver des « adolescents typiques » et ont invité le public régulier du groupe du Goldhawk Social Club. Un accueil enthousiaste à la télévision et une diffusion régulière sur les radios pirates ont permis au single de grimper lentement dans les charts au début de 1965 jusqu'à ce qu'il atteigne le top 10. Le single suivant, "Anyway, Anyhow, Anywhere", de Townshend et Daltrey, présente des bruits de guitare tels que comme le glissement des sélections, la commutation à bascule et le feedback, qui étaient si peu conventionnels qu'ils ont été initialement rejetés par la branche américaine de Decca. Le single a atteint le top 10 au Royaume-Uni et a été utilisé comme chanson thème de Ready Steady Go !
La transition vers un groupe à succès avec du matériel original, encouragée par Lambert, n'a pas plu à Daltrey, et une session d'enregistrement de reprises R&B est restée inédite. Les Who n'étaient pas non plus des amis proches, à l'exception de Moon et Entwistle, qui aimaient fréquenter ensemble les boîtes de nuit du West End de Londres. Le groupe a connu une période difficile lors de sa tournée au Danemark en septembre, qui a culminé lorsque Daltrey a jeté les amphétamines de Moon dans les toilettes et l'a agressé. Immédiatement après son retour en Grande-Bretagne, Daltrey a été limogé, mais réintégré à la condition que le groupe devienne une démocratie sans sa direction dominante. A cette époque, le groupe a enrôlé Richard Cole comme roadie.
Le prochain single, "My Generation", suivit en octobre. Townshend l'avait écrit comme un blues lent, mais après plusieurs tentatives avortées, il fut transformé en une chanson plus puissante avec un solo de basse d'Entwistle. La chanson utilisait des gadgets tels qu'un bégaiement vocal pour simuler le discours d'un mod sous amphétamines, et deux changements clés. Townshend a insisté dans les interviews sur le fait que les paroles « J'espère que je mourrai avant de vieillir » n'étaient pas censées être prises au pied de la lettre. Atteignant la deuxième place, "My Generation" est le single du groupe le mieux classé au Royaume-Uni. Le premier album My Generation est sorti fin 1965. Parmi le matériel original de Townshend, y compris la chanson titre et "The Kids Are Alright", l'album contient plusieurs reprises de James Brown de la session du début de l'année que Daltrey a favorisée.
Après My Generation, les Who se sont brouillés avec Talmy, ce qui a entraîné la fin brutale de leur contrat d'enregistrement. L'acrimonie juridique qui en a résulté a permis à Talmy de détenir les droits sur les bandes maîtresses, ce qui a empêché la réédition de l'album jusqu'en 2002. Les Who ont été signés sur le label de Robert Stigwood, Reaction, et ont sorti "Substitute". Townshend a déclaré qu'il avait écrit la chanson sur la crise d'identité et comme une parodie du " 19th Nervous Breakdown " des Rolling Stones. C'était le premier single dans lequel il jouait d'une guitare acoustique à douze cordes. Talmy a intenté une action en justice contre la face B, "Instant Party", et le single a été retiré. Une nouvelle face B, "Waltz for a Pig", a été enregistrée par la Graham Bond Organization sous le pseudonyme de "the Who Orchestra".
En 1966, les Who ont sorti "I'm a Boy", sur un garçon habillé en fille, tiré d'une collection avortée de chansons appelée Quads ; « Joyeux Jack » ; et un EP, Ready Steady Who, en lien avec leurs apparitions régulières sur Ready Steady Go ! Le groupe a continué à avoir des conflits ; le 20 mai, Moon et Entwistle étaient en retard à un concert après avoir participé au groupe Ready Steady Go! avec Bruce Johnston des Beach Boys. Pendant « My Generation », Townshend a attaqué Moon avec sa guitare ; Moon a eu un œil au beurre noir et des contusions, et lui et Entwistle ont quitté le groupe, mais ont changé d'avis et sont revenus une semaine plus tard. Moon a continué à chercher d'autres travaux et Jeff Beck lui a demandé de jouer de la batterie sur sa chanson "Beck's Bolero" (avec Page, John Paul Jones et Nicky Hopkins) parce qu'il "essayait de faire sortir Keith des Who".
Un rapide et celui qui se vend
Pour alléger la pression financière sur le groupe, Lambert a conclu un contrat d'écriture de chansons qui obligeait chaque membre à écrire deux chansons pour le prochain album. Entwistle a contribué à "Boris the Spider" et "Whiskey Man" et a trouvé un rôle de niche en tant que deuxième auteur-compositeur. Le groupe a constaté qu'il leur fallait dix minutes supplémentaires et Lambert a encouragé Townshend à écrire un morceau plus long, "A Quick One, While He's Away". La suite de fragments de chansons parle d'une fille qui a une liaison pendant que son amant est absent, mais qui est finalement pardonné. L'album s'intitulait A Quick One (Happy Jack aux États-Unis) et atteint la quatrième place des charts britanniques. Il a été suivi en 1967 par le single "Pictures of Lily" du Top 5 britannique.
En 1966, Ready Steady Go! était terminé, le mouvement mod devenait démodé et les Who se retrouvaient en concurrence sur le circuit londonien avec des groupes comme Cream et Jimi Hendrix Experience. Lambert et Stamp ont réalisé que le succès commercial aux États-Unis était primordial pour l'avenir du groupe et ont conclu un accord avec le promoteur Frank Barsalona pour un court voyage à forfait à New York. Les performances du groupe, qui impliquaient toujours de briser des guitares et de donner des coups de batterie, ont été bien accueillies et ont conduit à leur première grande apparition aux États-Unis au Monterey Pop Festival. Le groupe, en particulier Moon, n'aimait pas le mouvement hippie et pensait que leur acte violent sur scène contrasterait fortement avec l'atmosphère paisible du festival. Hendrix était également à l'affiche, et allait lui aussi casser sa guitare sur scène. Townshend a insulté Hendrix et l'a accusé d'avoir volé son numéro, et les deux hommes se sont disputés pour savoir qui devrait monter sur scène en premier, les Who remportant la dispute. Les Who ont apporté du matériel de location au festival ; Hendrix a expédié son équipement de tournée habituel depuis la Grande-Bretagne, y compris un stack Marshall complet. Selon le biographe Tony Fletcher, Hendrix sonnait « tellement mieux que les Who, c'était embarrassant ». L'apparition des Who à Monterey leur a valu une reconnaissance aux États-Unis et "Happy Jack" a atteint le top 30.
Le groupe a suivi Monterey avec une tournée aux États-Unis pour soutenir Herman's Hermits. Les Hermits étaient un groupe pop simple et appréciaient la drogue et les farces. Ils se sont liés d’amitié avec Moon, qui était ravi d’apprendre que l’achat de bombes cerises était légal en Alabama. Moon a acquis la réputation de détruire des chambres d'hôtel lors de ses tournées, avec un intérêt particulier pour faire sauter les toilettes. Entwistle a déclaré que la première bombe cerise qu'ils ont essayée "a fait un trou dans la valise et la chaise". Moon se souvient de sa première tentative d'en jeter une dans les toilettes : « [Toute] cette porcelaine volant dans les airs était tout à fait inoubliable. Je n'avais jamais réalisé que la dynamite était si puissante. » Après un concert à Flint, dans le Michigan, le 23 août 1967, à l'occasion du 21e anniversaire de Moon, l'entourage a causé 24 000 $ de dégâts à l'hôtel et Moon lui a cassé une dent de devant. Daltrey a déclaré plus tard que la tournée avait rapproché le groupe et qu'en tant qu'acte de première partie, ils pouvaient se présenter et donner un court spectacle sans aucune responsabilité majeure.
Après la tournée Hermits, les Who ont enregistré leur prochain single, "I Can See for Miles", que Townshend avait écrit en 1966 mais avait évité d'enregistrer jusqu'à ce qu'il soit sûr qu'il pourrait être bien produit. Townshend l'a qualifié de "record ultime des Who" et a été déçu qu'il n'atteigne que la 10e place au Royaume-Uni. Il est devenu leur single le plus vendu aux États-Unis, atteignant la 9e place. Le groupe a de nouveau fait une tournée aux États-Unis avec Eric Burdon and the Animals, y compris une apparition dans The Smothers Brothers Comedy Hour, mimant "I Can See For Miles" et "My Génération". Moon a soudoyé un machiniste pour mettre des explosifs dans sa batterie, qui l'a chargé avec dix fois la quantité attendue. La détonation qui en a résulté a projeté Moon de son support de tambour et son bras a été coupé par des éclats de cymbales volants. Les cheveux de Townshend ont été roussis et son oreille gauche a bourdonné, et une caméra et un moniteur de studio ont été détruits.
L'album suivant était The Who Sell Out, un album concept rendant hommage à la radio pirate, qui avait été interdite en août 1967 par le Marine, &c., Broadcasting (Offences) Act 1967. Il comprenait des jingles humoristiques et des publicités simulées entre les chansons, un un mini opéra rock intitulé "Rael" et "I Can See For Miles". Les Who se sont déclarés un groupe de pop art et considéraient donc la publicité comme une forme d'art ; ils ont enregistré une grande variété de publicités radiophoniques, comme pour les milkshakes en conserve et l'American Cancer Society, au mépris de l'éthos anti-consumériste croissant de la contre-culture hippie. Townshend a déclaré: "Nous ne changeons pas en dehors de la scène. Nous vivons le pop art."
Plus tard cette année-là, Lambert et Stamp ont formé un label, Track Records, distribué par Polydor. En plus de signer Hendrix, Track est devenu la marque de toute la production Who's UK jusqu'au milieu des années 1970.
Le groupe débute l'année 1968 en effectuant une tournée en Australie et en Nouvelle-Zélande avec les Small Faces. Les groupes ont eu des problèmes avec les autorités locales et le New Zealand Truth les a qualifiés de « sans espoir non lavés, nauséabonds et alcoolisés ». Ils ont continué leur tournée aux États-Unis et au Canada au cours du premier semestre.
Tommy, Woodstock et Live à Leeds
En 1968, les Who commençaient à attirer l’attention de la presse clandestine. Townshend avait arrêté de consommer de la drogue et s'était intéressé aux enseignements de Meher Baba. En août, il a accordé une interview au rédacteur en chef de Rolling Stone, Jann Wenner, décrivant en détail l'intrigue d'un projet de nouvel album et sa relation avec les enseignements de Baba. L'album a connu plusieurs noms lors de l'enregistrement, dont Deaf Dumb et Blind Boy et Amazing Journey ; Townshend a choisi Tommy pour l'album sur la vie d'un garçon sourd, muet et aveugle et sa tentative de communiquer avec les autres. Certaines chansons, telles que "Welcome" et "Amazing Journey", ont été inspirées par l'enseignement de Baba, et d'autres sont issues d'observations au sein du groupe. "Sally Simpson" parle d'un fan qui a tenté de monter sur scène lors d'un concert des Doors auquel il assistait et "Pinball Wizard" a été écrit pour que le journaliste du New York Times Nik Cohn, passionné de flipper, donne une bonne critique à l'album. . Townshend a déclaré plus tard: "Je voulais que l'histoire de Tommy ait plusieurs niveaux ... un niveau de singles rock et un niveau de concept plus large", contenant le message spirituel qu'il souhaitait tout en étant divertissant. L'album était prévu pour une sortie à Noël 1968, mais l'enregistrement s'est arrêté après que Townshend ait décidé de faire un double album pour couvrir l'histoire de manière suffisamment approfondie.
À la fin de l'année, 18 mois de tournée avaient conduit à un groupe live bien répété et serré, ce qui était évident lorsqu'ils ont interprété "A Quick One While He's Away" lors de l'émission spéciale télévisée Rock and Roll Circus des Rolling Stones. Les Stones ont jugé leur propre performance terne et le projet n'a jamais été diffusé. Les Who n'avaient pas sorti d'album depuis plus d'un an et n'avaient pas terminé l'enregistrement de Tommy, qui se poursuivit jusqu'en 1969, entrecoupé de concerts le week-end. Lambert a joué un rôle clé dans la concentration du groupe et dans la réalisation de l'album, et a rédigé un scénario pour les aider à comprendre l'histoire et la manière dont les chansons s'emboîtaient.
L'album est sorti en mai avec le single "Pinball Wizard", une première performance chez Ronnie Scott et une tournée, jouant la majeure partie du nouvel album en live. Tommy s'est vendu à 200 000 exemplaires aux États-Unis au cours de ses deux premières semaines et a été un succès critique, Life disant: "... pour la puissance, l'invention et l'éclat de la performance, Tommy surpasse tout ce qui est jamais sorti d'un studio d'enregistrement". Melody Maker a déclaré : « Les Who sont sûrement désormais le groupe par rapport auquel tous les autres doivent être jugés. » Daltrey s'est considérablement amélioré en tant que chanteur et a établi un modèle pour les chanteurs de rock dans les années 1970 en laissant pousser ses cheveux longs et en portant des chemises ouvertes sur scène. Townshend avait pris l'habitude de porter une combinaison et des chaussures Doctor Martens.
En août, les Who se sont produits au Festival de Woodstock, malgré leur réticence et leur demande de 13 000 $ d'avance. Le groupe devait se produire le samedi soir 16 août, mais le festival s'est déroulé tard et ils ne sont montés sur scène que dimanche à 5 heures du matin ; ils ont joué la plupart de Tommy. Au cours de leur représentation, la leader Yippie Abbie Hoffman a interrompu le tournage pour prononcer un discours politique sur l'arrestation de John Sinclair ; Townshend l'a expulsé de la scène en criant : « Va te faire foutre de ma putain de scène ! Pendant "See Me, Feel Me", le soleil s'est levé presque comme au bon moment ; Entwistle a dit plus tard : « Dieu était notre homme d'éclairage ». À la fin, Townshend a lancé sa guitare dans le public. L'ensemble a été enregistré et filmé par des professionnels, et des parties apparaissent dans le film de Woodstock, The Old Grey Whistle Test et The Kids Are Alright.
Woodstock a été considéré comme un événement culturellement important, mais les Who ont critiqué l'événement. Roadie John "Wiggie" Wolff, qui a organisé le paiement du groupe, l'a décrit comme "un désastre". Daltrey l'a déclaré comme "le pire concert jamais joué" et Townshend a déclaré: "Je pensais que toute l'Amérique était devenue folle." Une apparition plus agréable a eu lieu quelques semaines plus tard au deuxième festival de l'île de Wight, que Townshend a décrit comme « un grand concert pour » le groupe.
En 1970, les Who étaient largement considérés comme l’un des groupes de rock live les meilleurs et les plus populaires ; Chris Charlesworth a décrit leurs concerts comme "menant à une sorte de nirvana rock dont la plupart des groupes ne peuvent que rêver". Ils ont décidé qu'un album live aiderait à démontrer à quel point le son de leurs concerts était différent de celui de Tommy, et se sont mis à écouter les heures d'enregistrement qu'ils avaient accumulées. Townshend a hésité à le faire et a exigé que toutes les bandes soient brûlées. Au lieu de cela, ils ont réservé deux concerts, un à Leeds le 14 février et un à Hull le lendemain, avec l'intention d'enregistrer un album live. Des problèmes techniques liés au concert de Hull ont entraîné l'utilisation du concert de Leeds, qui est devenu Live at Leeds. L'album est considéré par plusieurs critiques, dont The Independent, The Telegraph et la BBC, comme l'un des meilleurs albums de rock live de tous les temps.
La tournée Tommy comprenait des spectacles dans des opéras européens et a vu les Who devenir le premier groupe de rock à jouer au Metropolitan Opera House de New York. En mars, les Who ont sorti le top 20 britannique "The Seeker", poursuivant ainsi leur thème consistant à publier des singles séparément des albums. Townshend a écrit la chanson pour commémorer l'homme ordinaire, en contraste avec les thèmes de Tommy.
Lifehouse et qui est le prochain
Tommy a assuré l'avenir des Who et en a fait des millionnaires. Le groupe a réagi de différentes manières : Daltrey et Entwistle vivaient confortablement, Townshend était embarrassé par sa richesse, qui, selon lui, était en contradiction avec les idéaux de Meher Baba, et Moon dépensait de manière frivole.
À la fin des années 1970, Townshend a planifié un suivi Tommy : Lifehouse, qui devait être un projet multimédia symbolisant la relation entre un artiste et son public. Il a développé des idées dans son home studio, créant des couches de synthétiseurs, et le théâtre Young Vic de Londres a été réservé pour une série de concerts expérimentaux. Townshend a abordé les concerts avec optimisme ; le reste du groupe était simplement heureux de pouvoir jouer à nouveau. Finalement, les autres se sont plaints à Townshend que le projet était trop compliqué et qu'ils devraient simplement enregistrer un autre album. Les choses se sont détériorées jusqu'à ce que Townshend fasse une dépression nerveuse et abandonne Lifehouse.
Entwistle fut le premier membre du groupe à sortir un album solo, Smash Your Head Against the Wall, en mai 1971.
L'enregistrement au Record Plant de New York en mars 1971 a été abandonné lorsque la dépendance de Lambert aux drogues dures a interféré avec sa capacité à produire. Le groupe a redémarré avec Glyn Johns en avril. L'album était principalement du matériel Lifehouse, avec une chanson sans rapport d'Entwistle, "My Wife", et est sorti sous le nom de Who's Next en août. L'album atteint la première place au Royaume-Uni et aux États-Unis. "Baba O'Riley" et "Won't Get Fooled Again" sont les premiers exemples d'utilisation de synthétiseur dans le rock, avec des sons de clavier générés en temps réel par un orgue Lowrey ; sur "Won't Get Fooled Again", il a ensuite été traité via un synthétiseur VCS3. L'intro du synthétiseur de "Baba O'Riley" a été programmée sur la base des statistiques vitales de Meher Baba, et le morceau comportait un solo de violon de Dave Arbus. L'album a été un succès critique et commercial et a été certifié 3x platine par la RIAA. The Who a continué à publier du matériel lié à Lifehouse au cours des années suivantes, y compris les singles "Let's See Action", "Join Together" et "Relay".
Le groupe est retourné en tournée et "Baba O' Riley" et "Won't Get Fooled Again" sont devenus des favoris live. En novembre, ils se sont produits au Rainbow Theatre récemment ouvert à Londres pendant trois nuits, se poursuivant aux États-Unis plus tard ce mois-là, où Robert Hilburn du Los Angeles Times a décrit les Who comme « le plus grand spectacle du monde ». La tournée a été légèrement perturbée au Civic Auditorium de San Francisco le 12 décembre lorsque Moon s'est évanoui à cause de son kit après une overdose de cognac et de barbituriques. Il a récupéré et a terminé le concert, jouant avec sa force habituelle.
Quadrophenia, film Tommy et The Who en chiffres
Après avoir tourné avec Who's Next et ayant eu besoin de temps pour écrire une suite, Townshend a insisté pour que les Who fassent une longue pause, car ils n'avaient pas arrêté de tourner depuis le début du groupe. Il n'y a eu aucune activité de groupe jusqu'en mai 1972, lorsqu'ils ont commencé à travailler sur un nouvel album, Rock Is Dead—Long Live Rock !, mais, mécontents des enregistrements, ont abandonné les sessions. Des tensions ont commencé à émerger alors que Townshend pensait que Daltrey voulait juste un groupe qui rapportait de l'argent et Daltrey pensait que les projets de Townshend devenaient prétentieux. Le comportement de Moon devenait de plus en plus destructeur et problématique en raison de sa consommation excessive d'alcool et de drogues, ainsi que de son désir de faire la fête et de faire des tournées. Daltrey a effectué un audit des finances du groupe et a découvert que Lambert et Stamp n'avaient pas tenu suffisamment de registres. Il pensait qu'ils n'étaient plus des gestionnaires efficaces, ce que Townshend et Moon contestaient. La douloureuse dissolution des relations managériales et personnelles est racontée dans le documentaire rétrospectif de James D. Cooper de 2014, Lambert & Stamp. Après une courte tournée européenne, le reste de l'année 1972 fut consacré à travailler sur une version orchestrale de Tommy avec Lou Reizner.
En 1973, les Who se sont tournés vers l'enregistrement de l'album Quadrophenia sur le mod et sa sous-culture, dans le cadre des affrontements avec les rockers au début des années 1960 en Grande-Bretagne. L'histoire parle d'un garçon nommé Jimmy, qui subit une crise de personnalité et de sa relation avec sa famille, ses amis et la culture mod. La musique comporte quatre thèmes, reflétant les quatre personnalités des Who. Townshend a joué des synthétiseurs multipistes et Entwistle a joué plusieurs parties de cor overdubbées. Au moment de l'enregistrement de l'album, les relations entre le groupe et Lambert et Stamp s'étaient irrémédiablement rompues et Bill Curbishley les remplaça. L'album a atteint le classement le plus élevé des Who, atteignant la deuxième place au Royaume-Uni et aux États-Unis.
La tournée Quadrophenia a débuté à Stoke on Trent en octobre et a été immédiatement en proie à des problèmes. Daltrey a résisté au souhait de Townshend d'ajouter le claviériste de Joe Cocker, Chris Stainton (qui a joué sur l'album) au groupe en tournée. En guise de compromis, Townshend a assemblé les parties du clavier et du synthétiseur sur des bandes d'accompagnement, car une telle stratégie avait réussi avec " Baba O'Riley " et " Won't Get Fooled Again ". Malheureusement, la technologie n’était pas suffisamment sophistiquée pour répondre aux exigences de la musique ; ajouté à ce problème, les répétitions de la tournée avaient été interrompues en raison d'une dispute qui a abouti au fait que Daltrey a frappé Townshend et l'a assommé. Lors d'un concert à Newcastle, les bandes ont complètement mal fonctionné et Townshend, enragé, a traîné le preneur de son Bob Pridden sur scène, lui a crié dessus, a renversé tous les amplis et a partiellement détruit les bandes d'accompagnement. Le spectacle a été abandonné pour un set "oldies", à la fin duquel Townshend a brisé sa guitare et Moon a donné un coup de pied sur sa batterie. The Independent a décrit ce concert comme l'un des pires de tous les temps. La tournée américaine a débuté le 20 novembre au Cow Palace de Daly City, en Californie ; Moon s'est évanoui pendant "Won't Get Fooled Again" et pendant "Magic Bus". Townshend a demandé au public : « Quelqu'un peut-il jouer de la batterie ? Je veux dire quelqu'un de bien. Un membre du public, Scot Halpin, a remplacé pour le reste du spectacle. Après un concert à Montréal, le groupe (à l'exception de Daltrey, qui s'est couché tôt) a causé tellement de dégâts à leur chambre d'hôtel, notamment en détruisant une peinture antique et en enfonçant une table en marbre à travers un mur, que les forces de l'ordre fédérales les ont arrêtés.
En 1974, le travail avait sérieusement commencé sur un film de Tommy. Stigwood a suggéré Ken Russell comme réalisateur, dont Townshend avait admiré le travail précédent. Le film mettait en vedette un casting de stars, y compris les membres du groupe. David Essex a auditionné pour le rôle titre, mais le groupe a persuadé Daltrey de le prendre. Le casting comprenait Ann-Margret, Oliver Reed, Eric Clapton, Tina Turner, Elton John et Jack Nicholson. Townshend et Entwistle ont travaillé sur la bande originale pendant la majeure partie de l'année, s'occupant de l'essentiel de l'instrumentation. Moon avait déménagé à Los Angeles, ils ont donc utilisé des batteurs de session, dont Kenney Jones. Elton John a utilisé son propre groupe pour "Pinball Wizard". Le tournage s'est déroulé d'avril à août. 1 500 figurants sont apparus dans la séquence "Pinball Wizard".
Le film a été créé le 18 mars 1975 sous une standing ovation. Townshend a été nominé pour l'Oscar de la meilleure musique originale. Tommy a été projeté au Festival de Cannes 1975, mais pas dans la compétition principale. Il a remporté le prix du film rock de l'année lors de la première édition des Rock Music Awards et a généré plus de 2 millions de dollars au cours de son premier mois. La bande originale a atteint la deuxième place du classement Billboard.
Le travail sur Tommy a occupé la majeure partie de 1974 et les performances live des Who se sont limitées à un spectacle en mai à Valley, domicile de Charlton Athletic, devant 80 000 fans, et à quelques dates au Madison Square Garden en juin. Vers la fin de l'année, le groupe a sorti l'album Odds & Sods, qui présentait plusieurs chansons du projet avorté Lifehouse.
En 1975, Daltrey et Townshend n'étaient pas d'accord sur l'avenir du groupe et se critiquaient mutuellement via des interviews dans le journal musical New Musical Express. Daltrey était reconnaissant que les Who l'aient sauvé d'une carrière de tôlier et était mécontent que Townshend ne joue pas bien; Townshend a estimé que l'engagement du groupe l'empêchait de sortir du matériel solo. Le prochain album, T | http://quiz4free.com/ |
Quelle maladie est également appelée tétanos ? | tétanos | [
"Le tétanos, également connu sous le nom de tétanos, est une infection caractérisée par des spasmes musculaires. Dans le type le plus courant, les spasmes commencent dans la mâchoire puis progressent vers le reste du corps. Ces spasmes durent généralement quelques minutes à chaque fois et surviennent fréquemment pendant trois à quatre semaines. Les spasmes peuvent être si graves que des fractures osseuses peuvent survenir. D'autres symptômes peuvent inclure de la fièvre, des sueurs, des maux de tête, des difficultés à avaler, une pression artérielle élevée et une fréquence cardiaque rapide. L’apparition des symptômes survient généralement trois à vingt et un jours après l’infection. Cela peut prendre des mois pour récupérer. Environ 10 % des personnes infectées meurent.",
"Le tétanos est causé par une infection par la bactérie Clostridium tetani, que l'on trouve couramment dans le sol, la poussière et le fumier. Les bactéries pénètrent généralement par une lésion de la peau, telle qu'une coupure ou une perforation causée par un objet contaminé. Ils produisent des toxines qui interfèrent avec les contractions musculaires, entraînant les symptômes typiques. Le diagnostic repose sur les signes et symptômes présentés. La maladie ne se propage pas entre les personnes.",
"L'infection peut être évitée par une vaccination appropriée avec le vaccin contre le tétanos. Chez ceux qui ont une blessure importante et moins de trois doses du vaccin, la vaccination et l'immunoglobuline antitétanique sont recommandées. Chez les personnes infectées, l'immunoglobuline antitétanique ou, si elle n'est pas disponible, l'immunoglobuline intraveineuse (IVIG) est utilisée. La plaie doit être nettoyée et tous les tissus morts doivent être retirés. Des relaxants musculaires peuvent être utilisés pour contrôler les spasmes. Une ventilation mécanique peut être nécessaire si la respiration d'une personne est affectée.",
"Le tétanos est présent dans toutes les régions du monde, mais il est plus fréquent dans les climats chauds et humides où le sol contient beaucoup de matière organique. En 2013, elle a causé environ 59 000 décès, contre 356 000 en 1990. La description de la maladie par Hippocrate remonte au moins au 5ème siècle avant JC. La cause de la maladie a été déterminée en 1884 par Antonio Carle et Giorgio Rattone de l'Université de Turin, et un vaccin a été développé en 1924.",
"Le tétanos commence souvent par de légers spasmes dans les muscles de la mâchoire, également appelés trismus ou trismus. Les spasmes peuvent également affecter les muscles du visage, entraînant une apparition appelée risus sardonicus. La poitrine, le cou, le dos, les muscles abdominaux et les fesses peuvent être touchés. Les spasmes musculaires du dos provoquent souvent une cambrure, appelée opisthotonos. Parfois, les spasmes affectent les muscles qui aident à la respiration, ce qui peut entraîner des problèmes respiratoires.",
"Même avec un traitement, environ 10 % des personnes qui contractent le tétanos meurent. Le taux de mortalité est plus élevé chez les personnes non vaccinées et chez les personnes de plus de 60 ans.",
"La période d'incubation du tétanos peut durer plusieurs mois, mais elle est généralement d'environ huit jours. En général, plus le site de la lésion est éloigné du système nerveux central, plus la période d'incubation est longue. Plus la période d'incubation est courte, plus les symptômes sont graves. Dans le tétanos néonatal, les symptômes apparaissent généralement de 4 à 14 jours après la naissance, en moyenne environ 7 jours. Sur la base des observations cliniques, quatre formes différentes de tétanos ont été décrites.",
"Le tétanos généralisé est le type de tétanos le plus courant, représentant environ 80 % des cas. La forme généralisée présente généralement un motif descendant. Le premier signe est le trismus, ou tétanos, et les spasmes du visage appelés risus sardonicus, suivis d'une raideur du cou, de difficultés à avaler et d'une rigidité des muscles pectoraux et des mollets. D'autres symptômes incluent une température élevée, une transpiration, une pression artérielle élevée et une fréquence cardiaque rapide épisodique. Les spasmes peuvent survenir fréquemment et durer plusieurs minutes, le corps prenant une forme caractéristique appelée opisthotonos. Les spasmes durent jusqu'à quatre semaines et une guérison complète peut prendre des mois.",
"L'hyperactivité sympathique (SOA) est fréquente dans les cas de tétanos sévère et se manifeste par une hypertension labile, une tachycardie, une dysrythmie, une constriction du système vasculaire périphérique, une transpiration abondante, de la fièvre, une augmentation de la production de dioxyde de carbone, une excrétion accrue de catécholamines et le développement tardif d'une hypotension.",
"Le tétanos néonatal est une forme de tétanos généralisé qui survient chez les nouveau-nés, généralement ceux nés de mères qui n'ont pas elles-mêmes été vaccinées. Si la mère a été vaccinée contre le tétanos, les nourrissons acquièrent une immunité passive et sont ainsi protégés. Cela se produit généralement par infection du moignon ombilical non cicatrisé, en particulier lorsque le moignon est coupé avec un instrument non stérile. Depuis 1998, le tétanos néonatal était courant dans de nombreux pays en développement et était responsable d'environ 14 % (215 000) de tous les décès néonatals. En 2010, le nombre de décès dans le monde s'élevait à 58 000 nouveau-nés. Grâce à une campagne de santé publique, le nombre de décès dus au tétanos néonatal a été réduit de 90 % entre 1990 et 2010, et en 2013, la maladie avait été largement éliminée dans tous les pays sauf 25. Le tétanos néonatal est rare dans les pays développés.",
"Le tétanos local est une forme rare de la maladie, dans laquelle les patients présentent une contraction persistante des muscles dans la même zone anatomique que la blessure. Les contractions peuvent persister plusieurs semaines avant de s'atténuer progressivement. Le tétanos local est généralement plus bénin ; seulement 1 % environ des cas sont mortels, mais cela peut précéder l’apparition d’un tétanos généralisé.",
"Le tétanos céphalique est la forme la plus rare de la maladie (0,9 à 3 % des cas) et se limite aux muscles et aux nerfs de la tête. Elle survient généralement après un traumatisme à la tête, notamment une fracture du crâne, une lacération, une blessure aux yeux, une extraction dentaire et une otite moyenne, mais elle a été observée lors de blessures sur d'autres parties du corps. La paralysie du nerf facial est le plus souvent impliquée, pouvant provoquer un trismus, une paralysie faciale ou un ptosis, mais d'autres nerfs crâniens peuvent également être touchés. Le tétanos céphalique peut évoluer vers une forme plus généralisée de la maladie. En raison de sa rareté, les cliniciens peuvent ne pas connaître le tableau clinique et ne pas soupçonner le tétanos comme étant la maladie. Le traitement peut être compliqué car les symptômes peuvent être concomitants à la blessure initiale à l’origine de l’infection. Le tétanos céphalique est plus susceptible d'être mortel que les autres formes de tétanos, l'évolution vers le tétanos généralisé entraînant un taux de mortalité de 15 à 30 %.",
"Le tétanos est causé par la bactérie tétanique Clostridium tetani. Le tétanos est souvent associé à la rouille, en particulier aux clous rouillés. Les objets qui accumulent de la rouille se trouvent souvent à l’extérieur ou dans des endroits abritant des bactéries anaérobies, mais la rouille elle-même ne provoque pas le tétanos et ne contient pas davantage de bactéries C. tetani. La surface rugueuse du métal rouillé fournit simplement un habitat privilégié pour les endospores de C. tetani (en raison de sa grande surface), et le clou offre un moyen de percer la peau et de délivrer des endospores profondément dans le corps, au niveau du site de la plaie. .",
"Une endospore est une structure de survie non métabolisante qui commence à se métaboliser et à provoquer une infection une fois dans un environnement adéquat. Parce que C. tetani est une bactérie anaérobie, elle et ses endospores prospèrent dans des environnements manquant d'oxygène. Par conséquent, marcher sur un ongle (rouillé ou non) peut entraîner une infection par le tétanos, car l'environnement pauvre en oxygène (anaérobie) est provoqué par l'oxydation du même objet qui provoque une plaie perforante, délivrant les endospores dans un environnement propice à la croissance. .",
"Le tétanos est un problème de santé international, car les spores de C. tetani sont omniprésentes. La maladie survient presque exclusivement chez les personnes non vaccinées ou insuffisamment immunisées. Il est plus fréquent dans les climats chauds et humides avec des sols riches en matière organique. Cela est particulièrement vrai avec les sols traités avec du fumier, car les spores sont largement distribuées dans les intestins et les excréments de nombreux animaux tels que les chevaux, les moutons, les bovins, les chiens, les chats, les rats, les cobayes et les poulets. Les spores peuvent être introduites dans le corps par le biais de plaies perforantes. Dans les zones agricoles, un nombre important d’adultes humains peuvent héberger l’organisme. Les spores peuvent également être trouvées à la surface de la peau et dans l'héroïne contaminée. Les consommateurs d’héroïne, en particulier ceux qui s’injectent la drogue par voie sous-cutanée, semblent courir un risque élevé de contracter le tétanos.",
"Le tétanos affecte les muscles squelettiques, un type de muscle strié utilisé dans les mouvements volontaires. L'autre type de muscle strié, cardiaque, ou muscle cardiaque, ne peut être tétanisé en raison de ses propriétés électriques intrinsèques.",
"La toxine tétanique se lie initialement aux terminaisons nerveuses périphériques. Il est transporté dans l’axone et à travers les jonctions synaptiques jusqu’à atteindre le système nerveux central. Là, il se fixe rapidement aux gangliosides au niveau des terminaisons nerveuses motrices inhibitrices présynaptiques et est absorbé dans l'axone par endocytose. L'effet de la toxine est de bloquer la libération de neurotransmetteurs inhibiteurs, la glycine et l'acide gamma-aminobutyrique (GABA), à travers la fente synaptique, nécessaires au contrôle de l'influx nerveux. Si les impulsions nerveuses ne peuvent pas être contrôlées par des mécanismes inhibiteurs normaux, des spasmes musculaires généralisés caractéristiques du tétanos se produisent. La toxine semble agir par clivage sélectif d'un composant protéique des vésicules synaptiques, la synaptobrevine II, ce qui empêche la libération de neurotransmetteurs par les cellules.",
"Il n’existe actuellement aucun test sanguin permettant de diagnostiquer le tétanos. Le diagnostic repose sur la présentation des symptômes du tétanos et ne dépend pas de l'isolement de la bactérie, qui n'est récupérée de la plaie que dans 30 % des cas et peut être isolée chez des patients non tétaniques. L'identification en laboratoire de C. tetani ne peut être démontrée que par la production de tétanospasmine chez la souris. Avoir récemment subi un traumatisme crânien peut indiquer un tétanos céphalique si aucun autre diagnostic n'a été posé.",
"Le « test à la spatule » est un test clinique pour le tétanos qui consiste à toucher la paroi pharyngée postérieure avec un instrument à pointe souple et à observer l'effet. Un résultat de test positif est la contraction involontaire de la mâchoire (mordre la « spatule ») et un résultat de test négatif serait normalement un réflexe nauséeux tentant d'expulser le corps étranger. Un bref rapport paru dans l'American Journal of Tropical Medicine and Hygiene indique que, dans une étude de recherche sur des patients, le test à la spatule avait une spécificité élevée (aucun résultat de test faussement positif) et une sensibilité élevée (94 % des patients infectés ont produit un test positif). ).",
"Contrairement à de nombreuses maladies infectieuses, la guérison d’un tétanos naturellement acquis n’entraîne généralement pas d’immunité contre le tétanos. Cela est dû à l’extrême puissance de la toxine tétanospasmine. Même une dose mortelle de tétanospasmine est insuffisante pour provoquer une réponse immunitaire.",
"Le tétanos peut être prévenu par la vaccination avec l'anatoxine tétanique. Le CDC recommande que les adultes reçoivent un rappel de vaccin tous les dix ans, et la pratique de soins standard dans de nombreux endroits consiste à administrer le rappel à tout patient présentant une plaie perforante qui ne sait pas avec certitude quand il a été vacciné pour la dernière fois ou s'il a été vacciné. ont reçu moins de trois doses de vaccin à vie. Le rappel ne peut toutefois pas empêcher un cas potentiellement mortel de tétanos dû à la plaie actuelle, car la formation d'anticorps antitétaniques peut prendre jusqu'à deux semaines.",
"Chez les enfants de moins de sept ans, le vaccin contre le tétanos est souvent administré sous forme de vaccin combiné, le vaccin DTC/DTaP, qui comprend également les vaccins contre la diphtérie et la coqueluche. Pour les adultes et les enfants de plus de sept ans, le vaccin Td (tétanos et diphtérie) ou Tdap (tétanos, diphtérie et coqueluche acellulaire) est couramment utilisé.",
"L'Organisation mondiale de la santé certifie les pays ayant éliminé le tétanos maternel ou néonatal. La certification nécessite au moins deux ans de taux inférieurs à 1 cas pour 1 000 naissances vivantes. En 1998, en Ouganda, 3 433 cas de tétanos ont été enregistrés chez des nouveau-nés ; parmi eux, 2 403 sont morts. Après un effort majeur de santé publique, l’Ouganda a été certifié en 2011 comme ayant éliminé le tétanos.",
"L'anatoxine tétanique peut être administrée en cas de suspicion d'exposition au tétanos. Dans de tels cas, il peut être administré avec ou sans immunoglobuline antitétanique (également appelées anticorps antitétaniques ou antitoxine tétanique). Il peut être administré sous forme de traitement intraveineux ou par injection intramusculaire.",
"Les cas bénins de tétanos peuvent être traités avec :",
"Les cas graves nécessiteront une admission en soins intensifs. En plus des mesures énumérées ci-dessus pour le tétanos léger :",
"* Les effets autonomes du tétanos peuvent être difficiles à gérer (alternance d'hyper et d'hypotension, hyperpyrexie/hypothermie) et peuvent nécessiter du labétalol IV, du magnésium, de la clonidine ou de la nifédipine.",
"Afin de survivre à une infection par le tétanos, le maintien des voies respiratoires et une bonne nutrition sont nécessaires. Un apport de 3 500 à 4 000 calories et au moins 150 g de protéines par jour est souvent administré sous forme liquide via un tube directement dans l'estomac (gastrostomie endoscopique percutanée) ou via un goutte-à-goutte dans une veine (nutrition parentérale). Ce maintien d’un régime riche en calories est nécessaire en raison de l’augmentation de la tension métabolique provoquée par l’augmentation de l’activité musculaire. La récupération complète prend 4 à 6 semaines car le corps doit régénérer les terminaisons axonales nerveuses détruites.",
"En 2013, il a causé environ 59 000 décès – contre 356 000 en 1990. Le tétanos – en particulier sa forme néonatale – reste un problème de santé publique important dans les pays non industrialisés, avec 59 000 nouveau-nés dans le monde en sont morts en 2008 des suites du tétanos néonatal. Aux États-Unis, de 2000 à 2007, 31 cas en moyenne ont été signalés par an. Presque tous les cas aux États-Unis surviennent chez des individus non immunisés ou chez des individus qui ont laissé leurs vaccins expirer.",
"Le tétanos était bien connu des peuples anciens qui reconnaissaient la relation entre les blessures et les spasmes musculaires mortels. En 1884, Arthur Nicolaier a isolé la toxine du tétanos, semblable à la strychnine, à partir de bactéries anaérobies libres du sol. L'étiologie de la maladie a été élucidée en 1884 par Antonio Carle et Giorgio Rattone, deux pathologistes de l'Université de Turin, qui ont démontré pour la première fois la transmissibilité du tétanos. Ils ont provoqué le tétanos chez des lapins en injectant dans leurs nerfs sciatiques le pus d'un patient atteint de tétanos mortel.",
"En 1891, C. tetani a été isolé d'une victime humaine par Kitasato Shibasaburō, qui a montré plus tard que l'organisme pouvait produire des maladies lorsqu'il était injecté à des animaux et que la toxine pouvait être neutralisée par des anticorps spécifiques. En 1897, Edmond Nocard montra que l’antitoxine tétanique induisait une immunité passive chez l’homme et pouvait être utilisée à des fins prophylactiques et thérapeutiques. Le vaccin contre l'anatoxine tétanique a été développé par P. Descombey en 1924 et a été largement utilisé pour prévenir le tétanos induit par les blessures de combat pendant la Seconde Guerre mondiale.",
"Le mot tétanos vient du , qui est plus éloigné du ."
] | Le tétanos, également connu sous le nom de tétanos, est une infection caractérisée par des spasmes musculaires. Dans le type le plus courant, les spasmes commencent dans la mâchoire puis progressent vers le reste du corps. Ces spasmes durent généralement quelques minutes à chaque fois et surviennent fréquemment pendant trois à quatre semaines. Les spasmes peuvent être si graves que des fractures osseuses peuvent survenir. D'autres symptômes peuvent inclure de la fièvre, des sueurs, des maux de tête, des difficultés à avaler, une pression artérielle élevée et une fréquence cardiaque rapide. L’apparition des symptômes survient généralement trois à vingt et un jours après l’infection. Cela peut prendre des mois pour récupérer. Environ 10 % des personnes infectées meurent.
Le tétanos est causé par une infection par la bactérie Clostridium tetani, que l'on trouve couramment dans le sol, la poussière et le fumier. Les bactéries pénètrent généralement par une lésion de la peau, telle qu'une coupure ou une perforation causée par un objet contaminé. Ils produisent des toxines qui interfèrent avec les contractions musculaires, entraînant les symptômes typiques. Le diagnostic repose sur les signes et symptômes présentés. La maladie ne se propage pas entre les personnes.
L'infection peut être évitée par une vaccination appropriée avec le vaccin contre le tétanos. Chez ceux qui ont une blessure importante et moins de trois doses du vaccin, la vaccination et l'immunoglobuline antitétanique sont recommandées. Chez les personnes infectées, l'immunoglobuline antitétanique ou, si elle n'est pas disponible, l'immunoglobuline intraveineuse (IVIG) est utilisée. La plaie doit être nettoyée et tous les tissus morts doivent être retirés. Des relaxants musculaires peuvent être utilisés pour contrôler les spasmes. Une ventilation mécanique peut être nécessaire si la respiration d'une personne est affectée.
Le tétanos est présent dans toutes les régions du monde, mais il est plus fréquent dans les climats chauds et humides où le sol contient beaucoup de matière organique. En 2013, elle a causé environ 59 000 décès, contre 356 000 en 1990. La description de la maladie par Hippocrate remonte au moins au 5ème siècle avant JC. La cause de la maladie a été déterminée en 1884 par Antonio Carle et Giorgio Rattone de l'Université de Turin, et un vaccin a été développé en 1924.
Signes et symptômes
Le tétanos commence souvent par de légers spasmes dans les muscles de la mâchoire, également appelés trismus ou trismus. Les spasmes peuvent également affecter les muscles du visage, entraînant une apparition appelée risus sardonicus. La poitrine, le cou, le dos, les muscles abdominaux et les fesses peuvent être touchés. Les spasmes musculaires du dos provoquent souvent une cambrure, appelée opisthotonos. Parfois, les spasmes affectent les muscles qui aident à la respiration, ce qui peut entraîner des problèmes respiratoires.
Une action musculaire prolongée provoque des contractions soudaines, puissantes et douloureuses des groupes musculaires, appelées « tétanie ». Ces épisodes peuvent provoquer des fractures et des déchirures musculaires. D'autres symptômes incluent la bave, la transpiration excessive, la fièvre, les spasmes des mains ou des pieds, l'irritabilité, les difficultés à avaler, la suffocation, la crise cardiaque, les problèmes respiratoires, le rythme cardiaque irrégulier et la miction ou la défécation incontrôlée.
Même avec un traitement, environ 10 % des personnes qui contractent le tétanos meurent. Le taux de mortalité est plus élevé chez les personnes non vaccinées et chez les personnes de plus de 60 ans.
Période d'incubation
La période d'incubation du tétanos peut durer plusieurs mois, mais elle est généralement d'environ huit jours. En général, plus le site de la lésion est éloigné du système nerveux central, plus la période d'incubation est longue. Plus la période d'incubation est courte, plus les symptômes sont graves. Dans le tétanos néonatal, les symptômes apparaissent généralement de 4 à 14 jours après la naissance, en moyenne environ 7 jours. Sur la base des observations cliniques, quatre formes différentes de tétanos ont été décrites.
Tétanos généralisé
Le tétanos généralisé est le type de tétanos le plus courant, représentant environ 80 % des cas. La forme généralisée présente généralement un motif descendant. Le premier signe est le trismus, ou tétanos, et les spasmes du visage appelés risus sardonicus, suivis d'une raideur du cou, de difficultés à avaler et d'une rigidité des muscles pectoraux et des mollets. D'autres symptômes incluent une température élevée, une transpiration, une pression artérielle élevée et une fréquence cardiaque rapide épisodique. Les spasmes peuvent survenir fréquemment et durer plusieurs minutes, le corps prenant une forme caractéristique appelée opisthotonos. Les spasmes durent jusqu'à quatre semaines et une guérison complète peut prendre des mois.
L'hyperactivité sympathique (SOA) est fréquente dans les cas de tétanos sévère et se manifeste par une hypertension labile, une tachycardie, une dysrythmie, une constriction du système vasculaire périphérique, une transpiration abondante, de la fièvre, une augmentation de la production de dioxyde de carbone, une excrétion accrue de catécholamines et le développement tardif d'une hypotension.
La mort peut survenir dans les quatre jours.
Tétanos néonatal
Le tétanos néonatal est une forme de tétanos généralisé qui survient chez les nouveau-nés, généralement ceux nés de mères qui n'ont pas elles-mêmes été vaccinées. Si la mère a été vaccinée contre le tétanos, les nourrissons acquièrent une immunité passive et sont ainsi protégés. Cela se produit généralement par infection du moignon ombilical non cicatrisé, en particulier lorsque le moignon est coupé avec un instrument non stérile. Depuis 1998, le tétanos néonatal était courant dans de nombreux pays en développement et était responsable d'environ 14 % (215 000) de tous les décès néonatals. En 2010, le nombre de décès dans le monde s'élevait à 58 000 nouveau-nés. Grâce à une campagne de santé publique, le nombre de décès dus au tétanos néonatal a été réduit de 90 % entre 1990 et 2010, et en 2013, la maladie avait été largement éliminée dans tous les pays sauf 25. Le tétanos néonatal est rare dans les pays développés.
Tétanos local
Le tétanos local est une forme rare de la maladie, dans laquelle les patients présentent une contraction persistante des muscles dans la même zone anatomique que la blessure. Les contractions peuvent persister plusieurs semaines avant de s'atténuer progressivement. Le tétanos local est généralement plus bénin ; seulement 1 % environ des cas sont mortels, mais cela peut précéder l’apparition d’un tétanos généralisé.
Tétanos céphalique
Le tétanos céphalique est la forme la plus rare de la maladie (0,9 à 3 % des cas) et se limite aux muscles et aux nerfs de la tête. Elle survient généralement après un traumatisme à la tête, notamment une fracture du crâne, une lacération, une blessure aux yeux, une extraction dentaire et une otite moyenne, mais elle a été observée lors de blessures sur d'autres parties du corps. La paralysie du nerf facial est le plus souvent impliquée, pouvant provoquer un trismus, une paralysie faciale ou un ptosis, mais d'autres nerfs crâniens peuvent également être touchés. Le tétanos céphalique peut évoluer vers une forme plus généralisée de la maladie. En raison de sa rareté, les cliniciens peuvent ne pas connaître le tableau clinique et ne pas soupçonner le tétanos comme étant la maladie. Le traitement peut être compliqué car les symptômes peuvent être concomitants à la blessure initiale à l’origine de l’infection. Le tétanos céphalique est plus susceptible d'être mortel que les autres formes de tétanos, l'évolution vers le tétanos généralisé entraînant un taux de mortalité de 15 à 30 %.
Cause
Le tétanos est causé par la bactérie tétanique Clostridium tetani. Le tétanos est souvent associé à la rouille, en particulier aux clous rouillés. Les objets qui accumulent de la rouille se trouvent souvent à l’extérieur ou dans des endroits abritant des bactéries anaérobies, mais la rouille elle-même ne provoque pas le tétanos et ne contient pas davantage de bactéries C. tetani. La surface rugueuse du métal rouillé fournit simplement un habitat privilégié pour les endospores de C. tetani (en raison de sa grande surface), et le clou offre un moyen de percer la peau et de délivrer des endospores profondément dans le corps, au niveau du site de la plaie. .
Une endospore est une structure de survie non métabolisante qui commence à se métaboliser et à provoquer une infection une fois dans un environnement adéquat. Parce que C. tetani est une bactérie anaérobie, elle et ses endospores prospèrent dans des environnements manquant d'oxygène. Par conséquent, marcher sur un ongle (rouillé ou non) peut entraîner une infection par le tétanos, car l'environnement pauvre en oxygène (anaérobie) est provoqué par l'oxydation du même objet qui provoque une plaie perforante, délivrant les endospores dans un environnement propice à la croissance. .
Le tétanos est un problème de santé international, car les spores de C. tetani sont omniprésentes. La maladie survient presque exclusivement chez les personnes non vaccinées ou insuffisamment immunisées. Il est plus fréquent dans les climats chauds et humides avec des sols riches en matière organique. Cela est particulièrement vrai avec les sols traités avec du fumier, car les spores sont largement distribuées dans les intestins et les excréments de nombreux animaux tels que les chevaux, les moutons, les bovins, les chiens, les chats, les rats, les cobayes et les poulets. Les spores peuvent être introduites dans le corps par le biais de plaies perforantes. Dans les zones agricoles, un nombre important d’adultes humains peuvent héberger l’organisme. Les spores peuvent également être trouvées à la surface de la peau et dans l'héroïne contaminée. Les consommateurs d’héroïne, en particulier ceux qui s’injectent la drogue par voie sous-cutanée, semblent courir un risque élevé de contracter le tétanos.
Physiopathologie
Le tétanos affecte les muscles squelettiques, un type de muscle strié utilisé dans les mouvements volontaires. L'autre type de muscle strié, cardiaque, ou muscle cardiaque, ne peut être tétanisé en raison de ses propriétés électriques intrinsèques.
La toxine tétanique se lie initialement aux terminaisons nerveuses périphériques. Il est transporté dans l’axone et à travers les jonctions synaptiques jusqu’à atteindre le système nerveux central. Là, il se fixe rapidement aux gangliosides au niveau des terminaisons nerveuses motrices inhibitrices présynaptiques et est absorbé dans l'axone par endocytose. L'effet de la toxine est de bloquer la libération de neurotransmetteurs inhibiteurs, la glycine et l'acide gamma-aminobutyrique (GABA), à travers la fente synaptique, nécessaires au contrôle de l'influx nerveux. Si les impulsions nerveuses ne peuvent pas être contrôlées par des mécanismes inhibiteurs normaux, des spasmes musculaires généralisés caractéristiques du tétanos se produisent. La toxine semble agir par clivage sélectif d'un composant protéique des vésicules synaptiques, la synaptobrevine II, ce qui empêche la libération de neurotransmetteurs par les cellules.
Diagnostic
Il n’existe actuellement aucun test sanguin permettant de diagnostiquer le tétanos. Le diagnostic repose sur la présentation des symptômes du tétanos et ne dépend pas de l'isolement de la bactérie, qui n'est récupérée de la plaie que dans 30 % des cas et peut être isolée chez des patients non tétaniques. L'identification en laboratoire de C. tetani ne peut être démontrée que par la production de tétanospasmine chez la souris. Avoir récemment subi un traumatisme crânien peut indiquer un tétanos céphalique si aucun autre diagnostic n'a été posé.
Le « test à la spatule » est un test clinique pour le tétanos qui consiste à toucher la paroi pharyngée postérieure avec un instrument à pointe souple et à observer l'effet. Un résultat de test positif est la contraction involontaire de la mâchoire (mordre la « spatule ») et un résultat de test négatif serait normalement un réflexe nauséeux tentant d'expulser le corps étranger. Un bref rapport paru dans l'American Journal of Tropical Medicine and Hygiene indique que, dans une étude de recherche sur des patients, le test à la spatule avait une spécificité élevée (aucun résultat de test faussement positif) et une sensibilité élevée (94 % des patients infectés ont produit un test positif). ).
La prévention
Contrairement à de nombreuses maladies infectieuses, la guérison d’un tétanos naturellement acquis n’entraîne généralement pas d’immunité contre le tétanos. Cela est dû à l’extrême puissance de la toxine tétanospasmine. Même une dose mortelle de tétanospasmine est insuffisante pour provoquer une réponse immunitaire.
Le tétanos peut être prévenu par la vaccination avec l'anatoxine tétanique. Le CDC recommande que les adultes reçoivent un rappel de vaccin tous les dix ans, et la pratique de soins standard dans de nombreux endroits consiste à administrer le rappel à tout patient présentant une plaie perforante qui ne sait pas avec certitude quand il a été vacciné pour la dernière fois ou s'il a été vacciné. ont reçu moins de trois doses de vaccin à vie. Le rappel ne peut toutefois pas empêcher un cas potentiellement mortel de tétanos dû à la plaie actuelle, car la formation d'anticorps antitétaniques peut prendre jusqu'à deux semaines.
Chez les enfants de moins de sept ans, le vaccin contre le tétanos est souvent administré sous forme de vaccin combiné, le vaccin DTC/DTaP, qui comprend également les vaccins contre la diphtérie et la coqueluche. Pour les adultes et les enfants de plus de sept ans, le vaccin Td (tétanos et diphtérie) ou Tdap (tétanos, diphtérie et coqueluche acellulaire) est couramment utilisé.
L'Organisation mondiale de la santé certifie les pays ayant éliminé le tétanos maternel ou néonatal. La certification nécessite au moins deux ans de taux inférieurs à 1 cas pour 1 000 naissances vivantes. En 1998, en Ouganda, 3 433 cas de tétanos ont été enregistrés chez des nouveau-nés ; parmi eux, 2 403 sont morts. Après un effort majeur de santé publique, l’Ouganda a été certifié en 2011 comme ayant éliminé le tétanos.
Prophylaxie post-exposition
L'anatoxine tétanique peut être administrée en cas de suspicion d'exposition au tétanos. Dans de tels cas, il peut être administré avec ou sans immunoglobuline antitétanique (également appelées anticorps antitétaniques ou antitoxine tétanique). Il peut être administré sous forme de traitement intraveineux ou par injection intramusculaire.
Les lignes directrices pour de tels événements aux États-Unis pour les personnes non enceintes de 11 ans et plus sont les suivantes :
Traitement
Tétanos léger
Les cas bénins de tétanos peuvent être traités avec :
* Immunoglobuline antitétanique (TIG), également appelée anticorps antitétanique ou antitoxine tétanique.[http://global.britannica.com/EBchecked/topic/588853/tetanus-antitoxin tetanus] dans l'Encyclopædia Britannica. Dernière mise à jour le 17/07/2013 Il peut être administré sous forme de traitement intraveineux ou par injection intramusculaire.
* métronidazole IV pendant 10 jours
* diazépam oral ou IV
Tétanos sévère
Les cas graves nécessiteront une admission en soins intensifs. En plus des mesures énumérées ci-dessus pour le tétanos léger :
* Immunoglobuline antitétanique humaine injectée par voie intrathécale (augmente l'amélioration clinique de 4 % à 35 %)
* Trachéotomie et ventilation mécanique pendant 3 à 4 semaines. La trachéotomie est recommandée pour sécuriser les voies respiratoires car la présence d'une sonde endotrachéale est un stimulus de spasme.
* Magnésium, en perfusion intraveineuse (IV), pour prévenir les spasmes musculaires
* Diazépam en perfusion IV continue
* Les effets autonomes du tétanos peuvent être difficiles à gérer (alternance d'hyper et d'hypotension, hyperpyrexie/hypothermie) et peuvent nécessiter du labétalol IV, du magnésium, de la clonidine ou de la nifédipine.
Des médicaments tels que le diazépam ou d’autres relaxants musculaires peuvent être administrés pour contrôler les spasmes musculaires. Dans des cas extrêmes, il peut être nécessaire de paralyser le patient avec des médicaments de type curare et d'utiliser un ventilateur mécanique.
Afin de survivre à une infection par le tétanos, le maintien des voies respiratoires et une bonne nutrition sont nécessaires. Un apport de 3 500 à 4 000 calories et au moins 150 g de protéines par jour est souvent administré sous forme liquide via un tube directement dans l'estomac (gastrostomie endoscopique percutanée) ou via un goutte-à-goutte dans une veine (nutrition parentérale). Ce maintien d’un régime riche en calories est nécessaire en raison de l’augmentation de la tension métabolique provoquée par l’augmentation de l’activité musculaire. La récupération complète prend 4 à 6 semaines car le corps doit régénérer les terminaisons axonales nerveuses détruites.
Épidémiologie
En 2013, il a causé environ 59 000 décès – contre 356 000 en 1990. Le tétanos – en particulier sa forme néonatale – reste un problème de santé publique important dans les pays non industrialisés, avec 59 000 nouveau-nés dans le monde en sont morts en 2008 des suites du tétanos néonatal. Aux États-Unis, de 2000 à 2007, 31 cas en moyenne ont été signalés par an. Presque tous les cas aux États-Unis surviennent chez des individus non immunisés ou chez des individus qui ont laissé leurs vaccins expirer.
Histoire
Le tétanos était bien connu des peuples anciens qui reconnaissaient la relation entre les blessures et les spasmes musculaires mortels. En 1884, Arthur Nicolaier a isolé la toxine du tétanos, semblable à la strychnine, à partir de bactéries anaérobies libres du sol. L'étiologie de la maladie a été élucidée en 1884 par Antonio Carle et Giorgio Rattone, deux pathologistes de l'Université de Turin, qui ont démontré pour la première fois la transmissibilité du tétanos. Ils ont provoqué le tétanos chez des lapins en injectant dans leurs nerfs sciatiques le pus d'un patient atteint de tétanos mortel.
En 1891, C. tetani a été isolé d'une victime humaine par Kitasato Shibasaburō, qui a montré plus tard que l'organisme pouvait produire des maladies lorsqu'il était injecté à des animaux et que la toxine pouvait être neutralisée par des anticorps spécifiques. En 1897, Edmond Nocard montra que l’antitoxine tétanique induisait une immunité passive chez l’homme et pouvait être utilisée à des fins prophylactiques et thérapeutiques. Le vaccin contre l'anatoxine tétanique a été développé par P. Descombey en 1924 et a été largement utilisé pour prévenir le tétanos induit par les blessures de combat pendant la Seconde Guerre mondiale.
Étymologie
Le mot tétanos vient du , qui est plus éloigné du . | http://quiz4free.com/ |
Qui est l'auteur de « L'Arche surchargée » ? | Gerald Durrell | [
"L'Arche surchargée, publié pour la première fois en 1953, est le premier livre du naturaliste britannique Gerald Durrell. Il s'agit de la chronique d'un voyage de collecte de six mois dans la colonie ouest-africaine du Cameroun britannique - aujourd'hui le Cameroun - (décembre 1947 - août 1948) - que Durrell a effectué avec le très réputé aviculture et ornithologue John Yealland."
] | L'Arche surchargée, publié pour la première fois en 1953, est le premier livre du naturaliste britannique Gerald Durrell. Il s'agit de la chronique d'un voyage de collecte de six mois dans la colonie ouest-africaine du Cameroun britannique - aujourd'hui le Cameroun - (décembre 1947 - août 1948) - que Durrell a effectué avec le très réputé aviculture et ornithologue John Yealland.
Les raisons de ce voyage étaient doubles : "collecter et ramener vivants certains des animaux, oiseaux et reptiles fascinants qui habitent la région", et deuxièmement, pour les deux hommes réaliser un rêve de longue date : voir l'Afrique.
Sa combinaison d'exagération comique et de précision environnementale, représentée dans la prose légère et intelligente de Durrell, en a fait un grand succès. Cela a lancé la carrière de Durrell en tant qu'écrivain de non-fiction et de fiction, ce qui a financé son travail de gardien de zoo et de défenseur de l'environnement.
Les Bafut Beagles et A Zoo in My Luggage sont en quelque sorte des suites, racontant ses retours ultérieurs dans la région.
Histoire
Durrell avait épousé Jacqueline Sonia Wolfenden (Jacquie Durrell), 21 ans, étudiante en musique, le 26 février 1951. Elle savait qu'il pouvait garder une entreprise en haleine avec son discours et se demandait pourquoi il ne pouvait pas présenter des histoires de collecte d'animaux à un public plus large. Durrell, après avoir critiqué un discours radiophonique de la BBC sur la vie en Afrique de l'Ouest, a envoyé un scénario radiophonique de quinze minutes sur ses essais pour tenter d'attraper une grenouille velue au Cameroun. C'était son premier écrit professionnel.
La BBC a accepté le scénario, qu'il a lu en direct sur le BBC Home Service le matin du dimanche 9 décembre 1951. L'Arche surchargée est apparue en 1953. | http://quiz4free.com/ |
En quel mois de 1929 a eu lieu le massacre de la Saint-Valentin ? | février | [
"À 10 h 30 le 14 février 1929, sept hommes ont été assassinés dans le garage du 2122 North Clark Street, dans le quartier de Lincoln Park, dans le nord de Chicago. Ils ont été abattus par quatre hommes utilisant des armes dont deux mitraillettes Thompson. Deux des tireurs étaient habillés en policiers en uniforme, tandis que les autres portaient des costumes, des cravates, des pardessus et des chapeaux. Des témoins ont vu la \"police\" conduire les autres hommes, sous la menace d'une arme, hors du garage après la fusillade.",
"Le plan était d'attirer Bugs Moran à l'entrepôt SMC Cartage sur North Clark Street le 14 février 1929. L'intention était de tuer Moran, et peut-être deux ou trois de ses lieutenants. On suppose généralement que les North Siders ont été attirés au garage avec la promesse d'une cargaison de whisky volée à prix réduit, fournie par le Purple Gang de Détroit, associé à Capone. Les frères Gusenberg étaient censés conduire deux camions vides à Détroit ce jour-là pour récupérer deux chargements de whisky canadien volé. Toutes les victimes, à l'exception de John May, étaient vêtues de leurs plus beaux vêtements, comme c'était la coutume pour les North Siders et autres gangsters de l'époque.",
"Le 22 février, la police a été appelée sur les lieux d'un incendie dans un garage sur Wood Street, où une berline Cadillac 1927 a été retrouvée démontée et partiellement brûlée. Il a été déterminé que la voiture avait été utilisée par les tueurs. Le numéro du moteur a été attribué à un concessionnaire de Michigan Avenue, qui avait vendu la voiture à un certain James Morton de Los Angeles. Le garage avait été loué par un homme se faisant appeler Frank Rogers, qui a donné son adresse au 1859 West North Avenue – qui se trouvait être l'adresse du Circus Café, exploité par Claude Maddox, un ancien gangster de Saint-Louis lié aux Capone. organisation, le Purple Gang et un gang de Saint-Louis appelé Egan's Rats. La police n'a pu trouver aucune information sur des personnes nommées James Morton ou Frank Rogers. Mais ils avaient une piste certaine sur l'un des tueurs. Quelques minutes seulement avant les meurtres, un chauffeur de camion nommé Elmer Lewis avait tourné à un coin de rue à seulement un pâté de maisons du 2122 North Clark et avait balayé latéralement ce qu'il prenait pour une voiture de police. Il a déclaré plus tard à la police qu'il s'était arrêté immédiatement, mais que le conducteur en uniforme lui avait fait signe de s'éloigner, à qui il avait remarqué qu'il lui manquait une dent de devant. La même description du conducteur de la voiture a également été donnée par le président du Conseil de l'Éducation, H. Wallace Caldwell, qui avait également été témoin de l'accident. La police savait que cette description ne pouvait être autre que celle d'un ancien membre des Egan's Rats, Fred 'Killer' Burke ; Burke et un proche compagnon, James Ray, étaient bien connus pour porter des uniformes de police lors d'une frénésie de vol. Burke était également un fugitif, inculpé de vol et de meurtre dans l'Ohio. La police a également suggéré que Joseph Lolordo aurait pu être l'un des tueurs, en raison du récent meurtre de son frère Pasqualino par le North Side Gang.",
"Il existe des rapports contradictoires sur ce que George Patey a fait avec les briques après les avoir obtenues. En 1978, Time a rapporté que Patey avait remonté le mur et l'avait exposé dans un musée de cire comme toile de fond pour des gangsters armés de fusils qui se tiraient dessus, accompagnés de coups de feu enregistrés. Le musée de cire a ensuite fait faillite. Une autre source, un journal indépendant du Royaume-Uni, a rapporté en février 2000 que le mur avait fait le tour des centres commerciaux et des expositions aux États-Unis pendant une vingtaine d'années. En 1968, Patey a arrêté d’exposer les briques et les a mises à la retraite.",
"En 1999, Patey a tenté de les vendre brique par brique sur son propre site Internet et en a vendu une centaine à des passionnés de gangsters. Ceux-ci étaient accompagnés de certificats signés par Patey. Patey est décédé le 26 décembre 2004, sans jamais révéler combien il avait payé pour les briques aux enchères. Les briques restantes de son mur de massacre ont été données en héritage à sa nièce qui les a vendues au Mob Museum de Las Vegas, ouvert le 14 février 2012. Bien que le mur ne soit plus terminé en raison de la vente de certaines briques par Patey, il reste Il reste le mur de massacre original contre lequel les sept hommes ont été alignés et tués par les hommes de Capone.",
"* L'émission télévisée The Wonder Years comprenait un épisode intitulé \"The St. Valentine's Day Massacre\" diffusé le 13 février 1990 en tant qu'épisode 14 de sa troisième saison.",
"* Dans l'épisode \"Goodies Rule - O.K?\", diffusé le 21 décembre 1975, les Goodies ridiculisent l'incident en se déguisant en gangsters de l'époque et en attaquant les victimes contre le mur avec des tartes au lieu de mitraillettes Thompson. \"Les autorités vont enfin prendre acte de leurs activités après les événements du 14 février, jour de la Saint-Valentin\", Les Goodies avaient formé un gang connu sous le nom des \"Unmentionables\".",
"* \"Massacre de la Saint-Valentin\" - Le massacre de Strasbourg a eu lieu le 14 février 1349, lorsque plusieurs centaines de Juifs ont été brûlés vifs en public, et le reste d'entre eux a été expulsé de la ville dans le cadre des persécutions de la peste noire. Ce fut l’un des premiers et des pires pogroms de l’histoire pré-moderne.",
"* Depuis 1963, un concours annuel de recherche d'itinéraire joué entièrement sur les atlas routiers Rand McNally est appelé le massacre de la Saint-Valentin, car les participants doivent s'inscrire avant le 14 février.",
"* En 1974, le deuxième concert de Bob Dylan organisé le dimanche 14 février au Fabulous Forum de la région de Los Angeles, culminant la tournée de retour de 40 dates de l'artiste dans l'arène de hockey, a été largement piraté par la maison de disques underground basée à Inglewood, en Californie, Trademark of Quality sous le titre \"Le massacre de la Saint-Valentin\".",
"* Lors de la controverse créée par le chef du Parti national Don Brash en Nouvelle-Zélande à propos de son discours d'Orewa sur les relations raciales, le premier sondage d'opinion publique a été publié le 14 février 2004. Le sondage a été le plus grand changement enregistré dans l'histoire politique de la Nouvelle-Zélande et a été surnommé le massacre du sondage de la Saint-Valentin par certains commentateurs.",
"* La WWE (alors WWF) a utilisé le surnom de St. Valentine's Day Massacre pour son pay-per-view St. Valentine's Day Massacre: In Your House diffusé le 14 février 1999."
] | Le massacre de la Saint-Valentin est le nom donné au meurtre en 1929 de sept hommes du gang irlandais du North Side pendant la période de la Prohibition. Elle résulte de la lutte entre le gang irlandais américain et le gang italien du South Side dirigé par Al Capone pour prendre le contrôle du crime organisé à Chicago. D'anciens membres du gang Egan's Rats étaient soupçonnés d'avoir joué un rôle important dans l'incident, en aidant Capone.
Histoire
À 10 h 30 le 14 février 1929, sept hommes ont été assassinés dans le garage du 2122 North Clark Street, dans le quartier de Lincoln Park, dans le nord de Chicago. Ils ont été abattus par quatre hommes utilisant des armes dont deux mitraillettes Thompson. Deux des tireurs étaient habillés en policiers en uniforme, tandis que les autres portaient des costumes, des cravates, des pardessus et des chapeaux. Des témoins ont vu la "police" conduire les autres hommes, sous la menace d'une arme, hors du garage après la fusillade.
Les victimes comprenaient cinq membres du North Side Gang de George "Bugs" Moran. Le commandant en second de Moran, Albert Kachellek (alias James Clark), a été tué avec Adam Heyer, le comptable et directeur commercial du gang, Albert Weinshank, qui gérait plusieurs opérations de nettoyage et de teinture pour Moran, et les agents du gang Frank Gusenberg et Peter Gusenberg. . Deux collaborateurs ont également été abattus : Reinhardt H. Schwimmer, ancien opticien devenu joueur et associé d'un gang, et John May, mécanicien occasionnel du gang Moran.
Lorsque de vrais policiers de Chicago sont arrivés sur les lieux, l'une des victimes, Frank Gusenberg, était encore en vie. Il a été transporté à l'hôpital, où les médecins l'ont stabilisé pendant une courte période. La police a tenté d'interroger Gusenberg. Lorsqu'on lui a demandé qui lui avait tiré dessus, Gusenberg, qui avait subi quatorze blessures par balle, a répondu : « Personne ne m'a tiré dessus ». Il est décédé trois heures plus tard.
Le massacre aurait été planifié par l'organisation dirigée par Al Capone pour éliminer George "Bugs" Moran, le patron du North Side Gang, établi de longue date. L'ancien patron du North Side Gang, Dion O'Banion, avait été assassiné par quatre hommes armés dans son magasin de fleurs de North State Street en 1924. Après le meurtre d'O'Banion, chaque chef successif des North Siders a également été tué, prétendument par divers membres ou associés de l'organisation Capone.
Plusieurs facteurs ont contribué au timing du plan visant à tuer George « Bugs » Moran. Plus tôt dans l'année, Frank Gusenberg et son frère Peter ont tenté en vain d'assassiner Jack McGurn. Le North Side Gang's était complice des meurtres de Pasqualino "Patsy" Lolordo et Antonio "The Scourge" Lombardo. Tous deux avaient été présidents de l’Unione Siciliana, la mafia locale, et proches collaborateurs de Capone. Moran et Capone se disputaient le contrôle du lucratif commerce de contrebande de Chicago, et Bugs Moran s'était emparé de plusieurs des entreprises de Capone. Moran se précipitait sur une piste canine gérée par Capone dans la banlieue de Chicago et il avait repris plusieurs salons gérés par Capone, insistant sur le fait qu'ils se trouvaient sur son territoire.
Le plan était d'attirer Bugs Moran à l'entrepôt SMC Cartage sur North Clark Street le 14 février 1929. L'intention était de tuer Moran, et peut-être deux ou trois de ses lieutenants. On suppose généralement que les North Siders ont été attirés au garage avec la promesse d'une cargaison de whisky volée à prix réduit, fournie par le Purple Gang de Détroit, associé à Capone. Les frères Gusenberg étaient censés conduire deux camions vides à Détroit ce jour-là pour récupérer deux chargements de whisky canadien volé. Toutes les victimes, à l'exception de John May, étaient vêtues de leurs plus beaux vêtements, comme c'était la coutume pour les North Siders et autres gangsters de l'époque.
Le jour de la Saint-Valentin, la plupart des membres du gang Moran étaient déjà arrivés à l'entrepôt vers 10h30. Moran n'était pas là, ayant quitté tardivement son appartement du Parkway Hotel. Alors que Moran et l'un de ses hommes, Ted Newberry, s'approchaient de l'arrière de l'entrepôt depuis une rue latérale, ils ont vu une voiture de police s'approcher du bâtiment. Ils se sont immédiatement retournés et sont revenus sur leurs pas, se dirigeant vers un café voisin. Ils ont rencontré un autre membre du gang, Henry Gusenberg, dans la rue. Henry a été prévenu et a rebroussé chemin. Willie Marks, également membre du North Side Gang, a repéré la voiture de police alors qu'il se dirigeait vers le garage. Il s'est faufilé dans l'embrasure d'une porte et a noté le numéro de permis avant de quitter le quartier.
Les guetteurs de Capone ont probablement confondu l'un des hommes de Moran avec Moran lui-même – probablement Albert Weinshank, qui avait la même taille et la même corpulence. Ce matin-là, la similitude physique entre les deux hommes était renforcée par leur tenue vestimentaire : tous deux portaient des pardessus et des chapeaux de la même couleur. Des témoins à l’extérieur du garage ont vu une berline Cadillac s’arrêter devant le garage. Quatre hommes, dont deux vêtus d’uniformes de police, sont sortis et sont entrés à l’intérieur. Les deux faux policiers, armés de fusils de chasse, sont entrés dans la partie arrière du garage et ont trouvé des membres du gang de Moran et deux collaborateurs du gang, Reinhart Schwimmer et John May, qui réparaient l'un des camions. Les « policiers » ont alors ordonné aux hommes de s'aligner contre le mur.
Les deux « policiers » ont alors fait signe au couple en civil qui les avait accompagnés. Deux des tueurs ont ouvert le feu avec des mitraillettes Thompson, l'un avec un chargeur de 20 cartouches et l'autre avec un tambour de 50 cartouches. Ils ont été minutieux, pulvérisant leurs victimes à gauche et à droite, continuant même à tirer après que les sept aient touché le sol. Les sept hommes ont été déchiquetés dans la volée. Deux coups de fusil de chasse ont ensuite pratiquement effacé les visages de John May et de James Clark, selon le rapport du coroner.
Pour donner l'impression que tout était sous contrôle, les hommes en tenue de ville sont sortis les mains en l'air, poussés par les deux policiers en uniforme. À l'intérieur du garage, les seuls survivants dans l'entrepôt étaient Highball (le chien de May) et Frank Gusenberg. Malgré quatorze blessures par balle, il était toujours conscient, mais est décédé trois heures plus tard, refusant de prononcer un mot sur l'identité des tueurs. Le massacre de la Saint-Valentin a déclenché un tollé général qui a posé un problème à tous les chefs de la mafia.
Victimes
* Peter Gusenberg, un agent de première ligne des organisations Moran.
* Frank Gusenberg, le frère de Peter Gusenberg et également exécuteur.
* Albert Kachellek (alias "James Clark"), commandant en second de Moran.
* Adam Heyer, le comptable et directeur commercial du gang Moran.
* Reinhardt Schwimmer, un opticien qui avait abandonné son cabinet pour jouer aux courses de chevaux et s'est associé au gang.
* Albert Weinshank, qui a géré plusieurs opérations de nettoyage et de teinture pour Moran. Sa ressemblance avec Moran, y compris les vêtements qu'il portait, est ce qui aurait déclenché le massacre avant l'arrivée réelle de Moran.
* John May, mécanicien automobile occasionnel pour le gang Moran.
Enquête
Comme il était de notoriété publique que Moran détournait les expéditions d'alcool de Capone basées à Détroit, la police a concentré son attention sur le Purple Gang, à majorité juive, de Détroit. Des photos des membres de Purple George Lewis, Eddie Fletcher, Phil Keywell et de son jeune frère Harry, ont été choisies par les logeuses Mme Doody et Mme Orvidson, qui avaient accueilli trois hommes comme chambreurs dix jours avant le massacre ; leurs maisons de chambres se trouvaient juste en face du garage de Clark Street. Plus tard, ces femmes ont hésité dans leur identification et Fletcher, Lewis et Harry Keywell ont tous été interrogés et innocentés par la police de Chicago. Néanmoins, les frères Keywell (et par extension le Purple Gang) resteront pour toujours pris au piège dans l’affaire du massacre. Beaucoup croyaient également ce que les tueurs voulaient leur faire croire : que c'était la police qui était responsable.
Le 22 février, la police a été appelée sur les lieux d'un incendie dans un garage sur Wood Street, où une berline Cadillac 1927 a été retrouvée démontée et partiellement brûlée. Il a été déterminé que la voiture avait été utilisée par les tueurs. Le numéro du moteur a été attribué à un concessionnaire de Michigan Avenue, qui avait vendu la voiture à un certain James Morton de Los Angeles. Le garage avait été loué par un homme se faisant appeler Frank Rogers, qui a donné son adresse au 1859 West North Avenue – qui se trouvait être l'adresse du Circus Café, exploité par Claude Maddox, un ancien gangster de Saint-Louis lié aux Capone. organisation, le Purple Gang et un gang de Saint-Louis appelé Egan's Rats. La police n'a pu trouver aucune information sur des personnes nommées James Morton ou Frank Rogers. Mais ils avaient une piste certaine sur l'un des tueurs. Quelques minutes seulement avant les meurtres, un chauffeur de camion nommé Elmer Lewis avait tourné à un coin de rue à seulement un pâté de maisons du 2122 North Clark et avait balayé latéralement ce qu'il prenait pour une voiture de police. Il a déclaré plus tard à la police qu'il s'était arrêté immédiatement, mais que le conducteur en uniforme lui avait fait signe de s'éloigner, à qui il avait remarqué qu'il lui manquait une dent de devant. La même description du conducteur de la voiture a également été donnée par le président du Conseil de l'Éducation, H. Wallace Caldwell, qui avait également été témoin de l'accident. La police savait que cette description ne pouvait être autre que celle d'un ancien membre des Egan's Rats, Fred 'Killer' Burke ; Burke et un proche compagnon, James Ray, étaient bien connus pour porter des uniformes de police lors d'une frénésie de vol. Burke était également un fugitif, inculpé de vol et de meurtre dans l'Ohio. La police a également suggéré que Joseph Lolordo aurait pu être l'un des tueurs, en raison du récent meurtre de son frère Pasqualino par le North Side Gang.
La police a ensuite annoncé qu'elle soupçonnait les hommes armés de Capone, John Scalise et Albert Anselmi, ainsi que Jack McGurn lui-même et Frank Rio, un garde du corps de Capone. La police a finalement accusé McGurn et Scalise du massacre. John Scalise, ainsi qu'Anselmi et Joseph « Hop Toad » Giunta, ont été assassinés par Capone en mai 1929, après que Capone ait appris leur projet de le tuer et avant d'être jugé. Les accusations de meurtre contre Jack McGurn ont finalement été abandonnées faute de preuves, et il vient d'être accusé d'une violation de la loi Mann : il a emmené sa petite amie, Louise Rolfe, qui était également le principal témoin à charge contre lui et est devenue connue sous le nom de "Blonde Alibi", pour se marier au-delà des frontières de l'État.
L'affaire a stagné jusqu'au 14 décembre 1929, lorsque le département du shérif du comté de Berrien, dans le Michigan, a perquisitionné le bungalow de « Frederick Dane », à St. Joseph, dans le Michigan, le propriétaire enregistré d'un véhicule conduit par Fred « Killer » Burke. Burke avait bu cette nuit-là, a heurté un autre véhicule par l'arrière et est parti. Le patrouilleur Charles Skelly l'a poursuivi, forçant finalement Burke à quitter la route. Alors que Skelly sautait sur le marchepied, il a reçu trois balles et est mort de ses blessures plus tard dans la nuit. La voiture a été retrouvée détruite et abandonnée juste à l'extérieur de St. Joseph et attribuée à Fred Dane. À ce moment-là, les photos de la police confirmaient que Dane était en fait Fred Burke, recherché par la police de Chicago pour sa participation au massacre de la Saint-Valentin.
Lorsque la police a perquisitionné le bungalow de Burke, elle a trouvé une grande malle contenant un gilet pare-balles, près de 320 000 $ d'obligations récemment volées dans une banque du Wisconsin, deux mitraillettes Thompson, des pistolets, deux fusils de chasse et des milliers de cartouches. Les autorités de Saint-Joseph ont immédiatement informé la police de Chicago, qui a demandé que les deux mitrailleuses y soient apportées en même temps. Grâce à la science balistique médico-légale, alors relativement nouvelle, il a été déterminé que les deux armes avaient été utilisées dans le massacre – et que l'un des pistolets Tommy de Burke avait également été utilisé pour assassiner le gangster new-yorkais Frankie Yale (qui a participé au meurtre d'O'Banion). un an et demi plus tôt. Malheureusement, aucune autre preuve concrète n’a pu apparaître dans l’affaire du massacre. Burke sera capturé plus d'un an plus tard dans une ferme du Missouri. Comme les accusations portées contre lui dans le meurtre de l'agent Skelly étaient les plus solides, il a été jugé dans le Michigan et ensuite condamné à la réclusion à perpétuité. Burke mourut en prison en 1940.
Révélations de Bolton
Le 8 janvier 1935, des agents du Federal Bureau of Investigation (FBI) ont encerclé un immeuble d'appartements de Chicago au 3920 North Pine Grove, à la recherche des membres restants du Barker Gang. Une brève fusillade a éclaté, entraînant la mort du braqueur de banque Russell Gibson. Doc Barker, Byron Bolton et deux femmes ont été arrêtés. Alors que les agents interrogés n'ont rien retiré de Barker, Bolton (un criminel jusqu'alors obscur) s'est avéré être un « geyser d'informations », comme l'a appelé un historien du crime. Bolton, ancien mitrailleur de la Marine et associé des Egan's Rats, avait été le valet du tueur à gages de Chicago, Fred Goetz. Bolton était au courant de nombreux crimes du Barker Gang et a identifié la cachette de Ma et Freddie Barker en Floride (qui ont tous deux été tués dans une fusillade avec le FBI une semaine plus tard). Bolton a affirmé avoir participé au massacre de la Saint-Valentin avec Goetz, Fred Burke et plusieurs autres.
Parce que le FBI n’avait pas compétence dans une affaire de meurtre d’État, il a gardé confidentielles les révélations de Bolton, jusqu’à ce que le journal américain de Chicago rapporte une version de seconde main des aveux du braqueur de banque. Le journal a déclaré que le crime avait été « résolu », malgré l'obstruction de J. Edgar Hoover et du Bureau, qui ne voulaient pas être impliqués dans l'affaire du massacre. Des versions tronquées de l’histoire de Bolton ont été publiées dans les médias nationaux. Bolton, a-t-on rapporté, a affirmé que le meurtre de Bugs Moran avait été planifié en « octobre ou novembre » 1928 dans une station balnéaire de Couderay, dans le Wisconsin, appartenant à Fred Goetz. Étaient présents à cette rencontre Goetz, Al Capone, Frank Nitti, Fred Burke, Gus Winkeler, Louis Campagna, Daniel Serritella, William Pacelli et Bolton lui-même. Les hommes restaient deux ou trois semaines, chassant et pêchant lorsqu'ils ne projetaient pas d'assassiner leurs ennemis.
Byron Bolton a affirmé que lui et Jimmy Moran étaient accusés d'avoir surveillé le S.M.C. Cartage garage et téléphone au signal aux tueurs au Circus Café lorsque Bugs Moran est arrivé à la réunion. La police avait en effet trouvé une lettre adressée à Bolton dans le nid de guet (et éventuellement un flacon de médicament sur ordonnance). Bolton a deviné que les véritables tueurs étaient Burke, Winkeler, Goetz, Bob Carey, Raymond "Crane Neck" Nugent et Claude Maddox (quatre tireurs et deux chauffeurs en fuite). Bolton a donné un récit du massacre différent de celui généralement raconté par les historiens. Il a affirmé avoir vu uniquement des hommes « en civil » sortir de la Cadillac et entrer dans le garage. Cela indique qu'une deuxième voiture a été utilisée par les tueurs. Un témoin, George Brichet, a affirmé avoir vu au moins deux hommes en uniforme sortir d'une voiture dans la ruelle et entrer dans le garage par les portes arrière. Une berline Peerless avait été retrouvée près d'une maison de Maywood appartenant à Claude Maddox dans les jours qui ont suivi le massacre, et dans l'une des poches se trouvait un carnet d'adresses appartenant à la victime Albert Weinshank. Bolton a en outre indiqué qu'il avait confondu l'un des hommes de Moran avec Moran, après quoi il a téléphoné au Circus Café. Lorsque les tueurs (qui s'attendaient à tuer Moran et peut-être deux ou trois de ses hommes) furent confrontés de manière inattendue à sept hommes, ils décidèrent simplement de tous les tuer et de s'enfuir rapidement. Bolton a affirmé que Capone était furieux contre lui pour son erreur (et la pression policière qui en résultait) et a menacé de le tuer, pour ensuite en être dissuadé par Fred Goetz.
Ses affirmations ont été corroborées par la veuve de Gus Winkeler, Georgette, à la fois dans une déclaration officielle du FBI et dans ses mémoires, qui ont été publiées dans une série de quatre parties dans un véritable magazine policier au cours de l'hiver 1935-1936. Georgette Winkeler a révélé que son mari et ses amis avaient formé une équipe spéciale utilisée par Capone pour des travaux à haut risque. Le chef de la mafia leur aurait implicitement fait confiance et les aurait surnommés les « American Boys ». Les déclarations de Byron Bolton ont également été soutenues par William Drury, un détective non-conformiste de Chicago qui était resté sur l’affaire du massacre bien après que tous les autres aient abandonné. Le braqueur de banque Alvin Karpis a affirmé plus tard avoir entendu Ray Nugent parler du massacre et que les « American Boys » recevaient un salaire collectif de 2 000 dollars par semaine plus des primes. Karpis a également affirmé que Capone lui-même lui avait dit, alors qu'ils étaient ensemble à Alcatraz, que Goetz était le véritable organisateur du massacre.
Malgré les déclarations de Byron Bolton, aucune mesure n’a été prise par le FBI. Tous les hommes qu'il a nommés, à l'exception de Burke et Maddox, étaient tous morts en 1935. Le voleur de banque Harvey Bailey se plaindra plus tard dans son autobiographie de 1973 que lui et Fred Burke buvaient de la bière à Calumet City au moment du massacre. et la chaleur qui en a résulté les a forcés à abandonner leurs projets de braquage de banques. Claude Maddox a été interrogé en vain par la police de Chicago, et l'affaire était là. Les historiens du crime sont toujours divisés sur la question de savoir si les « American Boys » ont commis ou non le massacre de la Saint-Valentin.
Autres suspects
Au fil des années, de nombreux gangsters, à Chicago et ailleurs, furent nommés membres de l'équipe à succès de la Saint-Valentin. Les deux principaux suspects sont les tueurs à gages de Cosa Nostra, John Scalise et Albert Anselmi ; les deux hommes étaient des tueurs efficaces et sont fréquemment mentionnés comme des possibilités pour deux des tireurs. Dans les jours qui ont suivi le massacre, on a entendu Scalise se vanter : « Je suis l’homme le plus puissant de Chicago ». Il avait récemment été élevé au poste de vice-président de l'Unione Siciliana par son président, Joseph Guinta. Néanmoins, Scalise, Anselmi et Guinta seront retrouvés morts sur une route isolée près de Hammond, dans l'Indiana, le 8 mai 1929. La tradition des gangs raconte qu'Al Capone avait découvert que les deux hommes envisageaient de le trahir. La légende raconte qu'au point culminant d'un dîner organisé en leur honneur, Capone a sorti une batte de baseball et a battu le trio à mort.
Armes du crime
Les deux mitraillettes Thompson (numéros de série 2347 et 7580) trouvées dans le bungalow de Fred Dane (un alias de Fred Burke) dans le Michigan ont été personnellement conduites au bureau du coroner de Chicago par le procureur du comté de Berrien. L'expert balistique Calvin Goddard a testé les armes et a déterminé que les deux avaient été utilisées dans le massacre. L'un d'eux avait également été utilisé dans le meurtre du chef de la mafia de Brooklyn, Frankie Yale, ce qui confirmait la théorie de longue date de la police de New York selon laquelle Burke, et par extension Al Capone, était responsable de la mort de Yale.
L'arme n° 2347 avait été initialement achetée le 12 novembre 1924 par Les Farmer, un shérif adjoint de Marion, dans l'Illinois, qui se trouvait être le siège du comté de Williamson. Marion et ses environs ont ensuite été envahis par les factions bootleg en guerre des Shelton Brothers et de Charlie Birger. Il a été établi que l'adjoint au fermier avait des liens avec Egan's Rats, basé à 160 km de là, à Saint-Louis. Au plus tard au début de 1927, l'arme était en possession de Fred Burke. Il est possible qu'il ait utilisé cette même arme lors du massacre de Milaflores à Détroit, le 28 mars 1927.
Le pistolet n ° 7580 avait été vendu par le propriétaire d'articles de sport de Chicago, Peter von Frantzius, à un certain Victor Thompson (également connu sous le nom de Frank V. Thompson) sous la garde du Fox Hotel d'Elgin, dans l'Illinois. Quelque temps après l'achat, la mitrailleuse s'est retrouvée chez James "Bozo" Shupe, un petit truand du West Side de Chicago qui avait des liens avec divers membres de l'équipe de Capone.
Les deux mitraillettes sont toujours en possession du département du shérif du comté de Berrien à St. Joseph, Michigan.
Héritage
Scène de crime et briques du mur du meurtre
Le garage, situé au 2122 N. Clark Street, a été démoli en 1967 ; le site est maintenant un parking paysager pour une maison de retraite. Il existe toujours une controverse sur les briques utilisées pour construire le mur intérieur nord du bâtiment où les mafieux ont été alignés et abattus. Selon les récits, ils seraient responsables de la ruine financière, de la maladie, de la malchance et de la mort de quiconque les achetait.
Les briques du mur intérieur Nord marqué par une balle ont été achetées et conservées par l'homme d'affaires canadien George Patey en 1967. Son intention initiale était de les utiliser dans un restaurant qu'il représentait, mais le propriétaire du restaurant n'a pas aimé l'idée. Patey a fini par acheter les briques lui-même, surenchérissant sur trois ou quatre autres. Patey a soigneusement démonté le mur et numéroté chacune des 414 briques, puis les a expédiées au Canada.
Il existe des rapports contradictoires sur ce que George Patey a fait avec les briques après les avoir obtenues. En 1978, Time a rapporté que Patey avait remonté le mur et l'avait exposé dans un musée de cire comme toile de fond pour des gangsters armés de fusils qui se tiraient dessus, accompagnés de coups de feu enregistrés. Le musée de cire a ensuite fait faillite. Une autre source, un journal indépendant du Royaume-Uni, a rapporté en février 2000 que le mur avait fait le tour des centres commerciaux et des expositions aux États-Unis pendant une vingtaine d'années. En 1968, Patey a arrêté d’exposer les briques et les a mises à la retraite.
En 1971, Patey a ouvert une discothèque appelée Banjo Palace à Vancouver sur le thème des années folles et les célèbres briques ont été installées à l'intérieur des toilettes des hommes avec un bouclier en plexiglas, afin que les clients puissent uriner et essayer d'atteindre les cibles peintes sur le plexiglas. Dans une interview accordée en 2001 à un journaliste argentin, Patey a déclaré : « J'avais le club le plus populaire de la ville. Les gens venaient de la haute société et du divertissement, Jimmy Stewart, Robert Mitchum. » Les briques ont été entreposées jusqu'en 1997, lorsque Patey a tenté de les vendre aux enchères sur un site Web appelé Jet Set On The Net. L'affaire a échoué suite à un désaccord avec la société de vente aux enchères. La dernière offre substantielle connue pour l'ensemble du mur a été faite par un casino de Las Vegas, mais Patey a refusé l'offre de 175 000 $.
En 1999, Patey a tenté de les vendre brique par brique sur son propre site Internet et en a vendu une centaine à des passionnés de gangsters. Ceux-ci étaient accompagnés de certificats signés par Patey. Patey est décédé le 26 décembre 2004, sans jamais révéler combien il avait payé pour les briques aux enchères. Les briques restantes de son mur de massacre ont été données en héritage à sa nièce qui les a vendues au Mob Museum de Las Vegas, ouvert le 14 février 2012. Bien que le mur ne soit plus terminé en raison de la vente de certaines briques par Patey, il reste Il reste le mur de massacre original contre lequel les sept hommes ont été alignés et tués par les hommes de Capone.
Représentations artistiques
Spectaculaire
* Le massacre est dramatisé dans une scène du film Scarface de 1932.
* Le massacre a été dramatisé dans la production Playhouse 90 de 1958, Seven Against the Wall.
* Le massacre a été utilisé comme intrigue dans le film Some Like It Hot de 1959.
* Le massacre a été le sujet célèbre du film de Roger Corman de 1967, The St. Valentine's Day Massacre. Ce film, probablement le plus connu de tous les portraits de l'incident, est un mélange de faits historiques solides et de conjectures.
* L'émission télévisée The Wonder Years comprenait un épisode intitulé "The St. Valentine's Day Massacre" diffusé le 13 février 1990 en tant qu'épisode 14 de sa troisième saison.
* L'Oscar du film de 1991, avec Sylvester Stallone, inclut également une référence au massacre. Stallone incarne "Snaps" Provolone, un gangster important de Chicago en 1931. Dans une scène du début du film, son comptable lui rappelle : "Tu étais à Chicago... C'était la Saint-Valentin", au cours de laquelle Stallone et l'un de ses les crétins échangent un sourire complice et un petit rire.
* La série télévisée Early Edition comprenait un épisode de la saison quatre intitulé «Everybody Goes to Rick's». Son histoire est basée sur l'événement.
* Dans un épisode de la quatrième saison de The Golden Girls intitulé "Valentine's Day", Sophia affirme avoir été témoin du massacre.
* L'émission télévisée Happy Endings a diffusé un épisode en 2012 intitulé "The St. Valentine's Day Maxssacre".
* Dans l'épisode "Goodies Rule - O.K?", diffusé le 21 décembre 1975, les Goodies ridiculisent l'incident en se déguisant en gangsters de l'époque et en attaquant les victimes contre le mur avec des tartes au lieu de mitraillettes Thompson. "Les autorités vont enfin prendre acte de leurs activités après les événements du 14 février, jour de la Saint-Valentin", Les Goodies avaient formé un gang connu sous le nom des "Unmentionables".
* Dans l'épisode 14 de la sixième saison 2011 de la série télévisée Bones, l'agent Booth et le Dr Brennan célèbrent la Saint-Valentin en tirant avec des mitraillettes Thompson au champ de tir "en l'honneur du massacre de la Saint-Valentin".
* Dans l'épisode 10 de la saison deux de The Spectacular Spider-Man, Silvermane déclare, tout en portant un toast avec « The Big Man » et « Doctor Octopus » lors d'un sommet, « Au sommet du massacre de la Saint-Valentin ».
* The Untouchables : Capone Rising, la préquelle de The Untouchables, devait présenter une version fictive du massacre, dépeint comme une guerre entre le gang de Capone et des gangsters irlandais ralliés par le policier irlando-américain fictif James "Jim" Malone, ce dernier recherchant vengeance contre Capone pour le meurtre d'une femme de chambre innocente qui a été témoin de l'un de ses meurtres précédents.
* Le personnage de Ted Danson, "Becker", a fait un commentaire dans un épisode selon lequel "la seule personne à avoir jamais célébré la Saint-Valentin était Al Capone".
* Au début d'une affaire dans Detective Conan (volume 33 du manga, épisode 266 de l'anime), le protagoniste évoque cette affaire. La scène du crime a été dessinée de manière non violente, montrant uniquement El Capone tirant avec des armes à feu et les victimes mourant sans sang.
Tournoi de théâtre d'improvisation
* Tournoi international de sports théâtraux, organisé par la Vancouver Theatresports League
Musique populaire
* La chanson Valentine's Day de David Bowie en 2013 doit son nom au massacre de la Saint-Valentin et aux paroles basées sur une fusillade.
* Skasters du groupe de ska Mark Foggo a réalisé un album et une chanson intitulée "St Valentine's Day Massacre"
* Il a également inspiré la chanson "Valentine's Day" de l'auteur-compositeur-interprète James Taylor et de l'album 2005 du rappeur 50 Cent, The Massacre, initialement intitulé "The St. Valentine's Day Massacre".
* En 1967, John Douglas "Jon" Lord, après The Artwoods et avant Deep Purple, sort le single "Brother, can you save a dime" (Fontana 883) sous le nom de "St. Valentine's Day Massacre". La face B était "Al's Party", qui faisait bien sûr référence à l'incident de New York en 1929.
* En 1981, Motörhead et Girlschool sortent un split EP sous le titre St. Valentine's Day Massacre.
* "The Valentine's Day Massacre" est une chanson de l'album Lost Verses de 2009 du groupe The Red Shore.
* "The Touchables" de Dickie Goodman est un hit des années 1960 qui parodiait le massacre de la Saint-Valentin en utilisant des échantillons de chansons populaires.
* La chanson "Peacemaker" de l'album 21st Century Breakdown de Green Day contient une ligne contenant les mots "This is a néo-St. Valentines Massacre"
* Le chanteur Joe Bataan a sorti un album en 1972 sous le titre "Saint Latin's Day Massacre" (Fania Records).
* Sur l'album de 1974, Alice Cooper's Greatest Hits, la couverture présente une illustration représentant le massacre de la Saint-Valentin.
* La chanson "Taking My Ball" de l'album "Relapse : Refill" d'Eminem mentionne cet événement dans ses paroles.
* The Epic Rap Battles of History mentionne l'événement dans la vidéo Al Capone vs Blackbeard.
* Le groupe britannique Paper Lace a sorti le single "The Night Chicago Died" en 1974, fictionnant des événements similaires.
Autres références à la culture populaire
* "Massacre de la Saint-Valentin" - Le massacre de Strasbourg a eu lieu le 14 février 1349, lorsque plusieurs centaines de Juifs ont été brûlés vifs en public, et le reste d'entre eux a été expulsé de la ville dans le cadre des persécutions de la peste noire. Ce fut l’un des premiers et des pires pogroms de l’histoire pré-moderne.
* Le surnom de « massacre de la Saint-Valentin » a également été utilisé pour désigner le sixième et dernier affrontement entre les boxeurs Sugar Ray Robinson et Jake LaMotta, car il a eu lieu le jour de la Saint-Valentin en 1951, et à cause du battant que LaMotta a pris, ce qui a provoqué l'arrêt du combat au 13e round.
* À l'attraction Great Movie Ride des studios Disney's Hollywood, un décor du manège se déroule à Chicago dans les années 1920, où une fusillade a lieu. L'une des voitures du gangster porte une plaque d'immatriculation 021429, date du massacre.
* Depuis 1963, un concours annuel de recherche d'itinéraire joué entièrement sur les atlas routiers Rand McNally est appelé le massacre de la Saint-Valentin, car les participants doivent s'inscrire avant le 14 février.
* En 1974, le deuxième concert de Bob Dylan organisé le dimanche 14 février au Fabulous Forum de la région de Los Angeles, culminant la tournée de retour de 40 dates de l'artiste dans l'arène de hockey, a été largement piraté par la maison de disques underground basée à Inglewood, en Californie, Trademark of Quality sous le titre "Le massacre de la Saint-Valentin".
* Lors de la controverse créée par le chef du Parti national Don Brash en Nouvelle-Zélande à propos de son discours d'Orewa sur les relations raciales, le premier sondage d'opinion publique a été publié le 14 février 2004. Le sondage a été le plus grand changement enregistré dans l'histoire politique de la Nouvelle-Zélande et a été surnommé le massacre du sondage de la Saint-Valentin par certains commentateurs.
* Les prétendues conséquences paranormales du massacre constituent une partie de Supernatural Chicago de Neil Tobin, Nécromancien.
* En 1979, l'épisode de Dukes of Hazzard intitulé "Daisy's Song" incluait une référence au massacre. Lorsque le pirate de la musique Lester Starr (joué par Ronnie Schell) a constaté que la foule dans son studio devenait plutôt nerveuse, il a averti Daisy que "cela s'était déjà produit une fois le jour de la Saint-Valentin".
* En 1988 et 1989, lors des saisons trois et quatre de The Golden Girls, Sophia Petrillo a fait un commentaire au cours de la troisième saison sur sa participation au massacre de la Saint-Valentin, mais a refusé de faire d'autres commentaires. Plus tard dans l'épisode de la saison quatre "Saint-Valentin", elle raconte comment elle, son mari, Sal et son père étaient en route pour un mariage, mais ont eu des problèmes de voiture à Chicago. Lorsqu'ils entrent dans un garage, le père de Sophia va aux toilettes et fait la queue avec les victimes du massacre. Quelqu'un avec une mitrailleuse lui dit de partir et il s'exécute, entendant des coups de feu alors qu'il part. Après la deuxième série de coups de feu, les trois décollent avec Sal, poussant la voiture pour s'enfuir.
* La WWE (alors WWF) a utilisé le surnom de St. Valentine's Day Massacre pour son pay-per-view St. Valentine's Day Massacre: In Your House diffusé le 14 février 1999.
* En 2014, Rockstar Games a publié un contenu téléchargeable pour Grand Theft Auto V intitulé "Valentine's Day Massacre" comprenant des costumes des années 20, une mitraillette inspirée du Thompson appelée Gusenberg Sweeper (une référence à Frank et Peter Gusenberg, tous deux décédés). dans le massacre), une voiture calquée sur la berline blindée Cadillac 341A Town d'Al Capone, et plus encore.
* En 2016, le documentaire Now! l'épisode intitulé "Une ville, un gangster, un festival" présente un festival célébrant Al Capone. Dans le cadre d'un jeu-questionnaire, les candidats doivent indiquer l'année du massacre de la Saint-Valentin. | http://quiz4free.com/ |
Qui a appris à Eliza Dolittle à être une dame ? | professeur Henry Higgins | [
"Eliza est une fille aux fleurs de Cockney, qui vient voir le professeur Henry Higgins pour lui demander des cours d'élocution, après une rencontre fortuite à Covent Garden. Higgins l'accepte dans le cadre d'un pari : qu'il puisse faire d'elle le porte-parole de l'élite de la société londonienne."
] | Eliza Doolittle est un personnage fictif qui apparaît dans la pièce Pygmalion (George Bernard Shaw, 1912) et la version musicale de cette pièce, My Fair Lady.
Eliza est une fille aux fleurs de Cockney, qui vient voir le professeur Henry Higgins pour lui demander des cours d'élocution, après une rencontre fortuite à Covent Garden. Higgins l'accepte dans le cadre d'un pari : qu'il puisse faire d'elle le porte-parole de l'élite de la société londonienne.
Doolittle reçoit un coaching vocal et apprend les règles de l'étiquette. Le résultat de ces attentions varie entre la pièce originale et les différentes adaptations (voir article Pygmalion).
Histoire
Le rôle d'Eliza était à l'origine joué par Mme Patrick Campbell, à l'époque l'actrice la plus célèbre de la scène londonienne mais considérée par beaucoup comme beaucoup trop âgée pour le rôle. L'utilisation sans précédent du mot « sanglant » – en tant que terme intensif scénarisé – a fait sensation lorsque Campbell l'a prononcé.
Pour le film Pygmalion de 1938, George Bernard Shaw a personnellement demandé à la jeune actrice anglaise Wendy Hiller de jouer Doolittle, un rôle qu'elle avait auparavant joué sur scène face à Leslie Howard dans le rôle de Higgins. Sa performance a servi de représentation cinématographique définitive jusqu'à ce qu'Audrey Hepburn joue le rôle dans la comédie musicale à succès de 1964, My Fair Lady.
Julie Andrews est à l'origine de la version musicale de Doolittle sur scène dans My Fair Lady, avec Rex Harrison dans le rôle de Higgins. Harrison a ensuite repris son rôle dans le film de 1964 aux côtés d'Audrey Hepburn dans le rôle de Doolittle. Lors de la 37e cérémonie des Oscars, le prix de la meilleure actrice a été décerné à Andrews pour son interprétation de Mary Poppins. Hepburn n'a pas été nominé. Malgré cela, de nombreux critiques ont grandement applaudi la performance « exquise » de Hepburn. Telegraph "Ce qui est le plus heureux dans [My Fair Lady]", a écrit Bosley Crowther, "c'est qu'Audrey Hepburn justifie superbement la décision de Jack Warner de lui faire jouer le rôle titre." Sa co-star Rex Harrison, également appelé Hepburn comme sa principale dame préférée et Gene Ringgold de Soundstage a également commenté que "Audrey Hepburn est magnifique. Elle est Eliza pour les âges", tout en ajoutant: "Tout le monde était d'accord sur le fait que si Julie Andrews ne devait pas être Dans le film, Audrey Hepburn était le choix parfait."
Martine McCutcheon a joué le rôle dans la reprise londonienne de My Fair Lady en 2001. Bien qu'elle ait manqué de nombreuses représentations (invoquant des problèmes de santé), qu'elle ait dû faire appel à diverses doublures pour jouer le rôle et qu'elle se soit retirée près de cinq mois plus tôt du transfert de la production au Theatre Royal de Drury Lane, elle a remporté le prix de la meilleure actrice dans une comédie musicale au Laurence 2002. Prix Olivier. L’une des doublures était alors inconnue, la « Première Dame du West End », Kerry Ellis. | http://quiz4free.com/ |
Où a été trouvé l'ours Paddington assis sur sa valise ? | gare de Paddington | [
"Paddington est un ours à lunettes anthropomorphisé. Il est toujours poli – s'adressant aux gens par « Monsieur », « Madame » et « Mademoiselle », rarement par leurs prénoms – et bon cœur, bien qu'il inflige des regards durs à ceux qui suscitent sa désapprobation. Il a une capacité infinie à se mettre innocemment dans des ennuis, mais il est connu pour « essayer si fort de bien faire les choses ». Il a été découvert à la gare de Paddington, à Londres, par la famille (humaine) Brown qui l'a adopté, et il donne ainsi son nom complet « Paddington Brown ». Depuis juin 2016, Paddington Bear ainsi que ses droits d'auteur et sa marque à travers le monde appartiennent désormais à Studiocanal de Vivendi.",
"Michael Bond a basé Paddington Bear sur un ours en peluche solitaire qu'il a remarqué sur une étagère dans un magasin londonien près de la gare de Paddington la veille de Noël 1956, qu'il a acheté comme cadeau pour sa femme. L'ours a inspiré Bond à écrire une histoire ; et, en 10 jours, il avait écrit le premier livre. Le livre a été offert à son agent, Harvey Unna. A Bear Called Paddington a été publié pour la première fois le 13 octobre 1958 par William Collins & Sons.",
"Dans la première histoire, Paddington est retrouvé à la gare de Paddington à Londres par la famille Brown, assis sur sa valise (portant l'étiquette « Wanted on Voyage ») avec une note attachée à son manteau qui dit « S'il vous plaît, prenez soin de cet ours. Merci toi.\" Bond a déclaré que ses souvenirs de films d'actualités montrant des trains complets d'enfants évacués quittant Londres pendant la Seconde Guerre mondiale, avec des étiquettes autour du cou et leurs biens dans de petites valises, l'avaient incité à faire de même pour Paddington.",
"*Veuillez prendre soin de cet ours – Les Browns rencontrent Paddington pour la première fois à la gare de Paddington."
] | L'ours Paddington est un personnage fictif de la littérature jeunesse. Il est apparu pour la première fois le 13 octobre 1958 et a figuré dans plus de vingt livres écrits par Michael Bond et illustrés par Peggy Fortnum et d'autres artistes. L'ours sympathique du Pérou le plus profond et le plus sombre - avec son vieux chapeau, sa valise cabossée (avec un compartiment secret, lui permettant de contenir plus d'objets qu'il n'y paraît à première vue), son duffle-coat et son amour de la marmelade - est devenu un personnage classique de Littérature anglaise pour enfants. Les livres de Paddington ont été traduits en 30 langues sur 70 titres et vendus à plus de 30 millions d'exemplaires dans le monde.
Paddington est un ours à lunettes anthropomorphisé. Il est toujours poli – s'adressant aux gens par « Monsieur », « Madame » et « Mademoiselle », rarement par leurs prénoms – et bon cœur, bien qu'il inflige des regards durs à ceux qui suscitent sa désapprobation. Il a une capacité infinie à se mettre innocemment dans des ennuis, mais il est connu pour « essayer si fort de bien faire les choses ». Il a été découvert à la gare de Paddington, à Londres, par la famille (humaine) Brown qui l'a adopté, et il donne ainsi son nom complet « Paddington Brown ». Depuis juin 2016, Paddington Bear ainsi que ses droits d'auteur et sa marque à travers le monde appartiennent désormais à Studiocanal de Vivendi.
Histoire
Origine
Michael Bond a basé Paddington Bear sur un ours en peluche solitaire qu'il a remarqué sur une étagère dans un magasin londonien près de la gare de Paddington la veille de Noël 1956, qu'il a acheté comme cadeau pour sa femme. L'ours a inspiré Bond à écrire une histoire ; et, en 10 jours, il avait écrit le premier livre. Le livre a été offert à son agent, Harvey Unna. A Bear Called Paddington a été publié pour la première fois le 13 octobre 1958 par William Collins & Sons.
Jouet en peluche
Le premier jouet en peluche Paddington Bear fabriqué a été créé en 1972 par Gabrielle Designs, une petite entreprise dirigée par Shirley et Eddie Clarkson, avec le prototype réalisé comme cadeau de Noël pour leurs enfants Joanna et Jeremy Clarkson (qui deviendront plus tard un célèbre présentateur de télévision et écrivain britannique). Shirley Clarkson a habillé l'ours en peluche avec des bottes Wellington pour l'aider à se tenir debout. (Paddington a reçu des Wellingtons pour Noël lors de Paddington Marches On, 1964.) Les premiers ours portaient des bottes pour petits enfants fabriquées par Dunlop Rubber jusqu'à ce que la production ne puisse plus répondre à la demande. Gabrielle Designs a ensuite produit ses propres bottes avec des empreintes de pattes moulées dans les semelles.
Le livre de Shirley Clarkson décrit l'évolution du jouet Paddington, du cadeau de Noël au sujet d'un litige et finalement d'un succès commercial.
Scénario
Dans la première histoire, Paddington est retrouvé à la gare de Paddington à Londres par la famille Brown, assis sur sa valise (portant l'étiquette « Wanted on Voyage ») avec une note attachée à son manteau qui dit « S'il vous plaît, prenez soin de cet ours. Merci toi." Bond a déclaré que ses souvenirs de films d'actualités montrant des trains complets d'enfants évacués quittant Londres pendant la Seconde Guerre mondiale, avec des étiquettes autour du cou et leurs biens dans de petites valises, l'avaient incité à faire de même pour Paddington.
Paddington arrive comme un passager clandestin venant du "Pérou le plus sombre", envoyé par sa tante Lucy (l'un de ses seuls parents connus à part un oncle Pastuzo qui a donné son chapeau à Paddington) qui est allée vivre dans la maison des ours retraités à Lima. Il affirme : « J'ai fait tout le chemin dans un canot de sauvetage et j'ai mangé de la marmelade. Les ours aiment la marmelade. » Il leur dit que personne ne peut comprendre son nom péruvien, alors les Brown décident de l'appeler Paddington d'après la gare dans laquelle il a été trouvé. Le nom péruvien de Paddington se révèle finalement être « Pastuso » (à ne pas confondre avec son « oncle Pastuzo »). Bond voulait à l'origine que Paddington ait « voyagé depuis l'Afrique la plus sombre », mais son agent lui a dit qu'il n'y avait pas d'ours dans l'Afrique la plus sombre, et donc le terme a été modifié pour devenir le Pérou le plus sombre, patrie de l'ours à lunettes. www.harperchildrens.com/hch/author/author/bond/interview2.asp Michael Bond et l'ours Paddington de R.W. Alley]
Ils le ramènent chez lui au 32 Windsor Gardens, près de Harrow Road, entre Notting Hill et Maida Vale (il n'y a pas de numéro 32 dans les vrais Windsor Gardens). Paddington fréquente le marché voisin de Portobello Road, où il est respecté par les commerçants pour ses négociations difficiles. Lorsqu'il est ennuyé par quelqu'un, il lui lance souvent un de ses « regards durs » spéciaux (que lui a enseigné tante Lucy), ce qui le fait rougir et embarrasser. Les aventures de Paddington découlent généralement du fait qu'il comprend mal quelque chose et essaie de corriger (ce qu'il perçoit comme étant) des situations injustes ou injustes. Cela se termine généralement par une gâcher les choses d'une manière ou d'une autre. Mais dans toutes ses aventures, il finit vainqueur et toutes les personnes impliquées peuvent en rire. (Une exception notable à cette règle est le voisin immédiat des Brown, M. Curry, qui, à chaque aventure, finit par avoir des ennuis.)
Les histoires suivent les aventures et les mésaventures de Paddington en Angleterre, accompagnées de quelques extraits d'informations sur son passé. Par exemple, dans une histoire, nous apprenons que Paddington est devenu orphelin à la suite d'un tremblement de terre, avant d'être recueilli et élevé par sa tante Lucy.
Personnages
Il y a un casting récurrent de personnages, qui sont tous mêlés d'une manière ou d'une autre aux mésaventures de Paddington. Ceux-ci inclus:
* M. Henry Brown : Un employé malchanceux mais bien intentionné de la ville de Londres.
* Mme Mary Brown : l'épouse de M. Brown, plus sérieuse mais tout aussi amicale.
* Jonathan et Judy : Les enfants Brown énergiques et amicaux. Il n’est jamais établi si l’un est plus âgé que l’autre, ce qui laisse penser qu’ils sont jumeaux. C'est alors qu'ils rencontrent Jonathan et Judy à la sortie du train du pensionnat que les Brown rencontrent Paddington. Dans le film, Judy est l'aînée et ils étaient avec leurs parents lorsqu'ils ont rencontré Paddington.
* Mme Bird : la nounou et la femme de ménage stricte mais gentille des Brown. Même si elle est souvent ennuyée par les mésaventures de Paddington, elle le protège. Son prénom n'a jamais été évoqué.
* M. Samuel Gruber : Le sympathique propriétaire d'un magasin d'antiquités sur Portobello Road, avec qui Paddington a ses onze tous les jours. Il emmène régulièrement Paddington et les enfants Brown en sortie. C'est un immigrant hongrois. Il s'adresse à Paddington comme "M. Brown".
* M. Reginald Curry : le voisin méchant et de mauvaise humeur des Brown, qui contraste avec M. Gruber. Il s'adresse simplement à Paddington en l'appelant « Ours ! De nature économe, M. Curry veut toujours quelque chose pour rien et persuade souvent Paddington de faire des courses pour lui. Il a tendance à s'inviter à de nombreuses occasions spéciales des Browns juste pour goûter aux collations. Dans la plupart des histoires, il obtient sa récompense en tant que victime fréquente des mésaventures de Paddington ; cependant, il profite parfois des erreurs de Paddington et l'a même récompensé à l'occasion.
* Tante Lucy : la tante de Paddington d'Amérique du Sud. Elle était sa tutrice légale jusqu'à ce qu'elle doive emménager dans le foyer pour ours retraités à Lima, au Pérou. La raison pour laquelle elle devait faire cela n'a jamais été expliquée clairement, jusqu'au film, car elle se révèle saine d'esprit et de corps lors de ses visites en Angleterre.
* Oncle Pastuzo : le riche oncle globe-trotter de Paddington.
Livres
Le premier livre, A Bear Called Paddington, a été publié en 1958. Bien que les livres soient divisés en chapitres et que chaque livre ait une période de temps, les histoires fonctionnent toutes comme des histoires autonomes, et beaucoup d'entre elles ont été utilisées ainsi dans la série télévisée. . Par ordre de publication, les titres sont :[http://www.paddingtonbear.co.uk/en/1/cololdboo.mxs The Books]
Un ours appelé Paddington (1958)
Les histoires du premier tome de la série sont :
*Veuillez prendre soin de cet ours – Les Browns rencontrent Paddington pour la première fois à la gare de Paddington.
*Un ours dans l'eau chaude – La première tentative de Paddington de prendre un bain est un désastre.
*Paddington Goes Underground – Le premier voyage de Paddington dans le métro provoque le chaos.
*Une expédition shopping – Paddington se perd lors d'une virée shopping.
*Paddington et « The Old Master » – Cette histoire présente M. Gruber. Après avoir entendu M. Gruber parler de peinture, Paddington décide de s'y essayer lui-même.
*Une visite au théâtre – Paddington va voir une pièce avec les Browns.
*Aventure au bord de la mer – Paddington participe à un concours de châteaux de sable.
*Un truc qui disparaît – Paddington reçoit un coffret magique pour son premier anniversaire avec les Browns. Cette histoire présente M. Curry.
En savoir plus sur Paddington (1959)
Les histoires du deuxième tome de la série sont :
*Un groupe familial – Paddington prend une photo de famille des Brown.
*Un peu de décoration – Paddington essaie d'aider M. Brown en décorant sa chambre pendant que la famille est absente.
*Paddington devient détective – Paddington enquête sur la disparition de la moelle de M. Brown.
*Paddington et le feu de joie – Les Browns organisent une fête autour d'un feu de joie au n° 32 des jardins de Windsor.
*Problème au n°32 – Paddington prend un mauvais froid lorsqu'une farce hivernale tourne désastreusement mal.
*Paddington et les achats de Noël – Paddington achète des cadeaux pour la famille Brown.
*Noël – Paddington profite de son premier Noël avec les Browns
Paddington aide (1960)
Les histoires du troisième tome de la série sont :
*Un pique-nique sur la rivière – Paddington obtient plus que ce qu'il avait prévu lorsque les Browns louent un bateau pour une journée sur la rivière.
*Paddington fait une offre – M. Gruber emmène Paddington à une vente aux enchères.
* Paddington et "Do It Yourself" - Après avoir lu un magazine de bricolage, Paddington essaie de confectionner des cadeaux pour M. Brown et (à contrecœur) M. Curry.
*Une visite au cinéma – Les Browns vont voir un film de cowboy. Lorsque l'attraction spéciale est annulée, Paddington vient à la rescousse.
*Quelque chose de méchant dans la cuisine – Avec M. et Mme Brown malades au lit et le reste de la famille hors de la maison, Paddington prépare le dîner.
*Problème à la laverie – Un Paddington réticent amène le linge de M. Curry à nettoyer.
*Paddington Dines Out – Les Browns organisent un repas spécial pour l'anniversaire de Paddington.
Paddington à l'étranger (1961)
Les histoires du quatrième tome de la série sont :
*Paddington se prépare – M. Brown annonce des vacances en France.
*Une visite à la banque – Un malentendu provoque un tollé à la banque.
*Problèmes à l'aéroport – Les responsables de l'aéroport soupçonnent que Paddington voyage sans passeport.
*Paddington sauve la situation – La voiture des Brown est crevée et M. Brown organise un repas en plein air.
*Paddington et le « Pardon » – Paddington participe à un festival local.
*Un coin de pêche – Les Browns et Paddington partent en voyage de pêche et se retrouvent abandonnés.
*Paddington prend la route – Paddington participe au Tour de France.
Paddington en général (1962)
Les histoires du cinquième tome de la série sont :
*Paddington brise la paix – Paddington provoque le chaos en essayant de tondre la pelouse de M. Curry.
*Sortie de M. Gruber – M. Gruber emmène Paddington, Judy et Jonathan au parc.
*Les événements au numéro trente-deux – Paddington prend pour un cambrioleur un homme qui installe le nouveau téléviseur des Browns.
*Paddington remporte le jackpot – Paddington remporte un quiz télévisé.
*A Sticky Time – Paddington essaie de faire du caramel.
*Problème dans le sous-sol des bonnes affaires – Paddington fait ses achats de Noël.
*Paddington et la pantomime de Noël – Paddington aide dans un panto local.
Paddington marche (1964)
*Paddington et la vague de froid – Paddington essaie de dégivrer les tuyaux de M. Curry.
*Une cérémonie des plus inhabituelles – Paddington est invité à une cérémonie dans une usine de marmelade.
*Paddington fait un balayage propre – Paddington fait des dégâts en nettoyant la cheminée.
*Mr Gruber′s Mystery Tour – Paddington et M. Gruber partent pour une visite mystérieuse de Londres.
*Paddington sauve la journée – Paddington joue au cricket.
*Une journée au bord de la mer – Paddington et les Brown vont au bord de la mer.
*Une fête inattendue – Les Browns célèbrent le retour (temporaire) de Paddington au Pérou avec une fête d'adieu.
Paddington au travail (1966)
*Un ours en mer
*Ancres éloignées
*Paddington achète une action
*Une visite à la Bourse
*Paddington dans un trou
* Trop de choses hors du commun
*Paddington sort
Paddington va en ville (1968)
*Un jour pour se souvenir
*Paddington frappe
*Une visite à l'hôpital
*Paddington trouve un remède
*Paddington et la « touche finale »
*Tout arrive à ceux qui attendent
*Paddington va en ville
Paddington prend l'air (1970)
*Une visite chez le dentiste
*Un point dans le temps
* Monter haut
*Paddington conclut une bonne affaire
*Le cas du mannequin douteux
*Paddington recommandé
*La dernière dance
Le jardin de Paddington (1972)
Le livre d'histoires de Blue Peter de Paddington (1973)
Paddington au sommet (1974)
*Paddington va à l'école
*Paddington fait le ménage
*Paddington va au tribunal
*Un cadeau d'anniversaire
*Garder la forme
*Paddington en contact
*Allées et venues au numéro trente-deux
Paddington à la tour (1975)
Paddington passe le test (1979)
*Paddington au volant – M. Brown a reçu l'ordre de repasser son examen de conduite après un accident mineur, mais une série de malentendus conduit Paddington à se retrouver au volant.
*Dans et hors des ennuis – Un Paddington réticent est encordé pour tester le « nouveau » hamac de M. Curry.
*Paddington et la demeure seigneuriale – M. Gruber emmène Paddington, Jonathan et Judy visiter une demeure seigneuriale.
*Paddington et « Bob-a-Job » – Paddington participe à la semaine « bob-a-job » des scouts locaux.
*Paddington obtient une augmentation – Paddington essaie de gagner de l'argent pour acheter un cadeau d'anniversaire à M. Brown.
*M. Curry se défoule – M. Curry s'offre un accès gratuit au nouveau sauna de M. Brown, mais vit pour le regretter.
*Pantomime Time – Les Browns et M. Gruber profitent d’une friandise de Noël.
Paddington à l'écran (1980)
Paddington au zoo (1984)
Paddington et l'arc-en-ciel Knickerbocker (1985)
Paddington au palais (1986)
Paddington dans le jardin (2002)
Paddington et le Grand Tour (2003)
Paddington ici et maintenant (2008)
Paddington à la tour (2011)
Paddington fait la course devant (2012)
Paddington vise l'or (2012)
L'amour de Paddington (2014)
Publications spéciales
* Les aventures d'un ours appelé Paddington ; Une pièce de théâtre pour enfants (1974) Adapté par Alfred Bradley des histoires de Michael Bond. Musique de Bert Chappell. Paroles de Bert Chappell, Brenda Johnson et Alfred Bradley. Publié et sous licence par Samuel French Ltd. Londres. Une pièce musicale complète en petit casting en deux actes. La pièce a été créée en 1973 au Nottingham Playhouse et au Duke of York Theatre de Londres l'année suivante.
* Paddington on Stage – pièces de théâtre pour enfants (1974) Adapté par Michael Bond et Alfred Bradley. Un livre de sept courts scénarios de jeu basés sur les histoires de Paddington et destinés aux enfants. Les scénarios étaient basés sur la pièce Les Aventures d'un ours appelé Paddington publiée par Samuel French. Les pièces incluses sont : L'arrivée de Paddington ; Paddington dresse un tableau ; Paddington a des vacances ; Paddington rend visite au dentiste ; Paddington va à la laverie, Paddington va à l'hôpital ; Paddington devient détective. Le livre contient également des notes sur les costumes et les paroles de deux chansons : I try so hard et Paddington Bear.
* Paddington Rules the Waves (2008) Un livre pour la Journée mondiale du livre à 1 £
* Paddington Here and Now (2008) Publié dans le cadre des célébrations du 50e anniversaire de la série.
* Le livre de cuisine de Paddington (2011)
Blue Peter et au-delà
L'auteur Michael Bond était également un caméraman de la BBC TV qui a travaillé sur la populaire émission de télévision pour enfants Blue Peter. Après que cela ait été révélé en 1965, une histoire spéciale de Paddington, dans laquelle il s'est mêlé au programme lui-même, est apparue dans les Blue Peter Annuals pendant de nombreuses années. Ils ont été rassemblés dans le roman Paddington's Blue Peter Story Book en 1973. Un deuxième livre basé sur Blue Peter était intitulé Paddington on Screen.
Télévision
La série télévisée de la BBC Paddington, produite par Michael Bond et la société d'animation londonienne FilmFair, a été diffusée pour la première fois en 1975. Les intrigues étaient basées sur des incidents comiques tirés des livres, choisis pour plaire au public de la télévision, qui comprenait des enfants beaucoup plus jeunes que ceux des livres. des livres ont été écrits pour. Cette série avait une apparence extrêmement distinctive : Paddington était une marionnette en stop-motion se déplaçant dans un espace tridimensionnel devant des arrière-plans bidimensionnels (qui étaient souvent des dessins au trait noir et blanc clairsemés), tandis que tous les autres personnages étaient des dessins 2D. . Dans une scène, on voit M. Brown remettre à Paddington un pot de marmelade qui devient 3D lorsque Paddington le touche. L'animateur Ivor Wood a également travaillé sur Le Manège enchanté, Les Wombles et Postman Pat. La série a été racontée par Michael Hordern. Aux États-Unis, des épisodes ont été diffusés sur PBS, sur la série syndiquée Romper Room, sur Nickelodeon en tant que segment de l'émission Pinwheel et sur USA Network en tant que segment sur Calliope (série télévisée) à la fin des années 1970 et au début des années 1980, ainsi comme entre les programmes préscolaires sur The Disney Channel en tant que segment du programme Lunch Box de la fin des années 1980 aux années 1990. La série a également été diffusée sur HBO entre les longs métrages, généralement lorsqu'ils diffusaient des programmes pour enfants. La série a remporté une médaille d'argent au Festival du film et de la télévision de New York en 1979 ; la première série d'animation britannique à le faire.
La série télévisée de Paddington Bear de 1989 a été la première d'une société nord-américaine, Hanna-Barbera, une coproduction avec Central Independent Television. Cette série était une animation bidimensionnelle traditionnelle et mettait en vedette le doubleur vétéran Charlie Adler dans le rôle de Paddington et Tim Curry dans le rôle de M. Curry. Le personnage d'un garçon américain nommé David, cousin de Jonathan et Judy Brown arrivé à Londres le même jour que Paddington, a été ajouté aux histoires du dessin animé de 1989.
La série la plus récente, produite par Cinar Films, a été diffusée pour la première fois en 1997 et consistait en une animation couleur bidimensionnelle traditionnelle. Le spectacle s'appelait Les Aventures de Paddington Bear.
Paddington Bear est également apparu dans The Official BBC Children in Need Medley avec Peter Kay et plusieurs autres personnages animés. Dans la vidéo, Paddington fait une grande apparition en faisant un clin d'œil aux caméramans lorsqu'ils le prennent en photo ; Kay essaie de mettre une cape sur Paddington, mais elle continue de glisser. Il rejoint également le reste du groupe pour l'acte final.
Médias domestiques
Liste VHS
(Vidéo maison de Buena Vista)
Liste VHS américaine (format NTSC/région 1)
# Vol.1 S'il vous plaît, prenez soin de cet ours
# Vol.2 Paddington, PI
# Vol.3 Toutes les pattes
# Vol.4 Un Noël à Paddington
# Vol.5 Ours dans les coulisses
# Vol.6 Ours du sous-sol
En 2011, Mill Creek Entertainment, sous la licence de Cookie Jar Entertainment, a sorti la série originale complète de 1975 Paddington Bear sur DVD. L'ensemble de 3 disques comprenait également trois émissions spéciales télévisées d'une demi-heure, "Paddington Birthday Bonanza", "Paddington Goes To School" et "Paddington Goes to the Movies", ainsi que 15 épisodes bonus de The Wombles et Huxley Pig. Il comportait également des fonctionnalités spéciales pour les enfants sur DVD-ROM.
Adaptation cinématographique
En septembre 2007, Warner Bros. et le producteur David Heyman ont annoncé une adaptation cinématographique de Paddington Bear. Hamish McColl, qui a écrit Mr Bean's Holiday, écrirait le scénario. Le film ne serait pas une adaptation d'une histoire existante, mais "s'inspirerait de toute la série" et mettrait en vedette un ours Paddington animé par ordinateur interagissant avec un environnement d'action réelle. Colin Firth avait été annoncé pour exprimer Paddington, mais il a annoncé son retrait le 17 juin 2014, en déclarant : « Cela a été doux-amer de voir cette charmante créature prendre forme et de se rendre compte tristement qu'il n'a tout simplement pas ma voix ». En juillet 2014, il a été annoncé que Ben Whishaw avait remplacé Firth.
Le 25 juin 2012, une affiche teaser officielle a été publiée pour le film. Il indique que le film sortira en 2014. Une bande-annonce a ensuite été publiée confirmant que la sortie aurait lieu le 28 novembre 2014. Le 17 novembre 2014, le British Board of Film Classification (BBFC) a attribué au film un certificat PG et a informé les parents que le le film contenait « un comportement dangereux, une menace légère, des références sexuelles légères et [et] un langage légèrement grossier ». Paul King, le réalisateur du film, a déclaré au journaliste de la BBC Tim Muffett : "Je ne suis pas surpris de cela [le certificat PG] mais je ne pense pas que ce soit un PG pour le côté sexy. Cela je trouverais très étrange". Le créateur de Paddington, Michael Bond, s'est dit "totalement étonné" par les conseils du BBFC. Après que le distributeur du film ait contesté la certification, le BBFC a révisé le libellé de ses directives parentales, remplaçant les « références sexuelles légères » par des « insinuations ». Il a également qualifié le « langage légèrement grossier » de « peu fréquent », affirmant qu'il faisait référence à « une seule utilisation marmonnée de « sanglant » ».
Pour célébrer la sortie du film Paddington, le Paddington Trail a été lancé. Du 4 novembre au 30 décembre 2014, 50 statues de Paddington ont été placées autour de Londres, à proximité des musées, des parcs, des magasins et des principaux monuments.
Les statues ont été créées par des artistes, des designers et des célébrités, dont le mannequin Kate Moss, l'actrice Nicole Kidman et la star de Downton Abbey Hugh Bonneville.
En tant que principal partenaire caritatif du Paddington Trail, la NSPCC a organisé une vente aux enchères en ligne en novembre et une vente aux enchères en direct en décembre pour les statues. Tous les bénéfices de la vente des ours ont été reversés à des œuvres caritatives.
Courant 2015, il a été annoncé que le studio était en pourparlers avec le producteur au sujet d'une suite.
Dans la culture populaire
Paddington Bear apparaît dans la publicité télévisée Marmite UK (première diffusion le 13 septembre 2007),[http://www.paddingtonbear.co.uk/en/1/facnewmar.mxs Paddington Stars in a New Series of Marmite Ads] dans laquelle il essaie un sandwich à la marmite et au fromage au lieu de son traditionnel sandwich à la marmelade.
Paddington figurait sur le timbre Royal Mail de 1re classe de la série Animal Tales publiée le 10 janvier 2006, et avait déjà figuré sur l'un des timbres Messages de salutations de 1re classe, publié le 1er février 1994.
Le 13 octobre 2008, Google a célébré le 50e anniversaire de la première publication de Paddington en plaçant une image de l'ours voyageur avec un panneau montrant le Pérou et Londres incorporé dans le logo de Google.
En novembre 2014, un ballon avec l'ours Paddington a été introduit lors du défilé de Thanksgiving de Macy.
Une chanson sur Paddington Bear, "Shine", est sortie le 13 janvier 2015 par Gwen Stefani et Pharrell Williams.
Paddington apparaît également sur l'emballage de la marmelade « Golden Shred », en raison de fortes références à la réserve dans la franchise. | http://quiz4free.com/ |
Miss Lemon est la secrétaire confidentielle du détective ? | Hercule Poirot | [
"Hercule Poirot (;) est un détective belge fictif, créé par Agatha Christie. Poirot est l'un des personnages les plus célèbres et les plus anciens de Christie, apparaissant dans 33 romans, une pièce de théâtre (Black Coffee) et plus de 50 nouvelles publiées entre 1920 et 1975.",
"Sur la marche menant au wagon-lits se tenait un jeune lieutenant français, resplendissant dans son uniforme, conversant avec un petit homme [Hercule Poirot] emmitouflé jusqu'aux oreilles et dont on ne voyait rien d'autre qu'un nez au bout rose et les deux pointes de son nez. une moustache recourbée vers le haut.",
"L'avion a légèrement chuté. \"Mon estomac\", pensa Hercule Poirot en fermant les yeux avec détermination.",
"Une tradition alternative veut que Poirot soit né dans le village d'Ellezelles (province du Hainaut, Belgique). Quelques mémoriaux dédiés à Hercule Poirot sont visibles au centre de ce village. Il ne semble y avoir aucune référence à cela dans les écrits de Christie, mais la ville d'Ellezelles conserve une copie de l'acte de naissance de Poirot dans un mémorial local « attestant » la naissance de Poirot, nommant son père et sa mère Jules-Louis Poirot et Godelieve Poirot.",
"- Hercule Poirot",
"Hercule Poirot était actif dans la police de Bruxelles dès 1893. Très peu de mentions sont faites de cette partie de sa vie, mais dans \"Le Lion de Némée\" (1939), Poirot fait référence à un de ses cas belges dans lequel \"un riche fabricant de savon[ ...] a empoisonné sa femme pour pouvoir épouser librement sa secrétaire\". Comme Poirot a souvent induit en erreur sur son passé pour obtenir des informations, la véracité de cette déclaration est inconnue.",
"J'avais appelé chez mon ami Poirot et je l'avais trouvé tristement surmené. Il était devenu tellement furieux que toutes les femmes riches qui avaient égaré un bracelet ou perdu un chaton de compagnie se précipitaient pour s'assurer les services du grand Hercule Poirot.",
"\"Je devrais peut-être, Madame, vous en dire un peu plus sur moi. Je suis Hercule Poirot.\"",
"Hercule Poirot devient célèbre en 1926 avec la publication du Meurtre de Roger Ackroyd, dont la solution surprenante se révèle controversée. Le roman compte toujours parmi les plus célèbres de tous les romans policiers : Edmund Wilson y fait allusion dans le titre de sa célèbre attaque contre la fiction policière, \"Who Cares Who Killed Roger Ackroyd?\" Outre Roger Ackroyd, les romans de Poirot les plus acclamés par la critique sont parus de 1932 à 1942, notamment Meurtre sur l'Orient Express, Les meurtres ABC (1935), Cartes sur la table (1936) et Mort sur le Nil (1937), un conte d'homicides multiples sur un bateau à vapeur sur le Nil. Mort sur le Nil a été jugé par le romancier policier John Dickson Carr comme l'un des dix plus grands romans policiers de tous les temps.",
"Le premier acteur à incarner Hercule Poirot fut Charles Laughton. Il est apparu dans le West End en 1928 dans la pièce Alibi adaptée par Michael Morton du roman Le Meurtre de Roger Ackroyd."
] | Hercule Poirot (;) est un détective belge fictif, créé par Agatha Christie. Poirot est l'un des personnages les plus célèbres et les plus anciens de Christie, apparaissant dans 33 romans, une pièce de théâtre (Black Coffee) et plus de 50 nouvelles publiées entre 1920 et 1975.
Poirot a été interprété à la radio, au cinéma et à la télévision par divers acteurs, dont John Moffatt, Albert Finney, Sir Peter Ustinov, Sir Ian Holm, Tony Randall, Alfred Molina, Orson Welles et, plus particulièrement, David Suchet.
Aperçu
Influences
Le nom de Poirot est dérivé de deux autres détectives fictifs de l'époque : Hercule Popeau de Marie Belloc Lowndes et Monsieur Poiret de Frank Howel Evans, un policier belge à la retraite vivant à Londres.
Une influence plus évidente sur les premières histoires de Poirot est celle d'Arthur Conan Doyle. Dans An Autobiography, Christie déclare : « J'écrivais encore dans la tradition de Sherlock Holmes – détective excentrique, assistant larbin, avec un détective de Scotland Yard de type Lestrade, l'inspecteur Japp ». Pour sa part, Conan Doyle a reconnu avoir basé ses romans policiers sur le modèle de C. Auguste Dupin d'Edgar Allan Poe et de son narrateur anonyme, et avoir basé son personnage de Sherlock Holmes sur Joseph Bell, qui dans son utilisation de la « ratiocination » préfigurait la confiance de Poirot dans son "petites cellules grises".
Poirot présente également une ressemblance frappante avec le détective fictif d'A. E. W. Mason, l'inspecteur Hanaud de la Sûreté française, qui est apparu pour la première fois dans le roman de 1910 À la Villa Rose et est antérieur de dix ans au premier roman de Poirot.
Contrairement aux modèles mentionnés ci-dessus, Christie's Poirot était clairement le résultat de son développement précoce du policier dans son premier livre, écrit en 1916 et publié en 1920. Sa nationalité belge était intéressante en raison de l'occupation de la Belgique par l'Allemagne, ce qui fournissait également une explication plausible. pourquoi un détective aussi talentueux serait sans travail et disponible pour résoudre des mystères dans une maison de campagne anglaise. À l'époque où Christie écrivait, il était considéré comme patriotique d'exprimer sa sympathie envers les Belges, puisque l'invasion de leur pays avait constitué le casus belli de la Grande-Bretagne pour entrer dans la Première Guerre mondiale, et que la propagande de guerre britannique mettait l'accent sur le « viol de la Belgique ».
Popularité
Poirot est apparu pour la première fois dans The Mysterious Affair at Styles (publié en 1920) et est sorti dans Curtain (publié en 1975). À la suite de ce dernier, Poirot fut le seul personnage fictif à recevoir une nécrologie en première page du New York Times.
En 1930, Agatha Christie trouvait Poirot « insupportable », et en 1960, elle estimait qu'il était « un petit fluage détestable, grandiloquent, ennuyeux et égocentrique ». Pourtant, le public l’aimait et Christie refusait de le tuer, affirmant qu’il était de son devoir de produire ce que le public aimait.
Apparence et penchants
Première description de Poirot par le capitaine Arthur Hastings :
Il mesurait à peine plus de cinq pieds quatre pouces mais se comportait avec une grande dignité. Sa tête avait exactement la forme d'un œuf et il la perchait toujours un peu sur le côté. Sa moustache était très raide et militaire. Même si tout son visage était couvert, les pointes de la moustache et le nez rose seraient visibles.
La propreté de sa tenue était presque incroyable ; Je crois qu'un grain de poussière lui aurait causé plus de douleur qu'une blessure par balle. Pourtant, ce petit homme pittoresque et dandy, qui, avec regret, boitait maintenant beaucoup, avait été en son temps l'un des membres les plus célèbres de la police belge.
Description initiale d'Agatha Christie de Poirot dans Le Meurtre de l'Orient Express :
Sur la marche menant au wagon-lits se tenait un jeune lieutenant français, resplendissant dans son uniforme, conversant avec un petit homme [Hercule Poirot] emmitouflé jusqu'aux oreilles et dont on ne voyait rien d'autre qu'un nez au bout rose et les deux pointes de son nez. une moustache recourbée vers le haut.
Dans les livres ultérieurs, sa boiterie n'est pas mentionnée, ce qui suggère qu'il pourrait s'agir d'une blessure temporaire en temps de guerre. Poirot a des yeux verts qui sont décrits à plusieurs reprises comme brillant « comme ceux d'un chat » lorsqu'il est frappé par une idée intelligente, et des cheveux foncés, qu'il teint plus tard dans la vie. Cependant, dans bon nombre de ses incarnations à l’écran, il est chauve ou chauve.
On évoque fréquemment ses chaussures en cuir verni, dont les dommages sont souvent source de malheur pour lui, mais comiques pour le lecteur. L'apparence de Poirot, considérée comme fastidieuse au début de sa carrière, tombe plus tard désespérément démodée. Il utilise des lunettes de lecture pince-nez.
Parmi les attributs personnels les plus importants de Poirot figure la sensibilité de son estomac :
L'avion a légèrement chuté. "Mon estomac", pensa Hercule Poirot en fermant les yeux avec détermination.
Il souffre du mal de mer et, dans Mort dans les nuages, il déclare que son mal de l'air l'empêche d'être plus alerte au moment du meurtre. Plus tard dans sa vie, on nous dit :
Ayant toujours pris son estomac au sérieux, il récoltait les fruits de sa vieillesse. Manger n'était pas seulement un plaisir physique, c'était aussi une recherche intellectuelle.
Poirot est extrêmement ponctuel et porte une montre de poche navet presque jusqu'à la fin de sa carrière. Il est également pointilleux sur ses finances personnelles, préférant conserver un solde bancaire de 444 livres, 4 shillings et 4 pence.
Comme mentionné dans Curtain et The Clocks, il aime la musique classique, en particulier Mozart et Bach.
Méthodes
Dans La mystérieuse affaire de Styles, Poirot agit comme un détective assez conventionnel, logique et basé sur des indices ; reflété dans son vocabulaire par deux expressions courantes : son utilisation des « petites cellules grises » et « l'ordre et la méthode ». Hastings est irrité par le fait que Poirot cache parfois des détails importants de ses projets, comme dans The Big Four. Dans ce roman, Hastings reste dans l’ignorance tout au long du point culminant. Cet aspect de Poirot est moins évident dans les romans ultérieurs, en partie parce qu'il y a rarement un narrateur pour induire en erreur.
Dans Murder on the Links, toujours largement dépendant lui-même des indices, Poirot se moque d'un détective rival "chien de sang" qui se concentre sur la piste traditionnelle d'indices établie dans la fiction policière (par exemple, Sherlock Holmes en fonction des empreintes de pas, des empreintes digitales et de la cendre de cigare). À partir de ce moment, Poirot établit sa bonne foi psychologique. Plutôt que d’examiner minutieusement les scènes de crime, il s’enquiert de la nature de la victime ou de la psychologie du meurtrier. Il fonde ses actions dans les romans ultérieurs sur son hypothèse sous-jacente selon laquelle des crimes particuliers sont commis par des types particuliers de personnes.
Poirot s'efforce de faire parler les gens. Dans les premiers romans, il se présente dans le rôle de « Papa Poirot », un confesseur bienveillant, notamment auprès des jeunes femmes. Dans des travaux ultérieurs, Christie mettait un point d'honneur à ce que Poirot fournisse des informations fausses ou trompeuses sur lui-même ou sur ses antécédents pour l'aider à obtenir des informations. Dans Le Meurtre de Roger Ackroyd, Poirot parle d'un neveu handicapé mental inexistant pour découvrir des informations sur les foyers pour personnes mentalement inaptes. Dans Dumb Witness, Poirot invente une mère âgée et invalide comme prétexte pour enquêter sur les infirmières locales. Dans The Big Four, Poirot prétend avoir (et se fait passer pour) un frère jumeau identique nommé Achille : cependant, ce frère a été mentionné à nouveau dans Les Travaux d'Hercule. Poirot a prétendu avoir un frère pendant une courte période.
À ce jour, Harold ne sait pas vraiment ce qui l'a poussé à raconter toute cette histoire à un petit homme à qui il avait parlé quelques minutes auparavant.
Poirot est également prêt à paraître plus étranger ou vaniteux dans le but de inciter les gens à le sous-estimer. Il l’admet :
Il est vrai que je peux parler l’anglais exact, l’anglais idiomatique. Mais, mon ami, parler un anglais approximatif est un énorme atout. Cela amène les gens à vous mépriser. On dit – un étranger – qu'il ne parle même pas correctement l'anglais. [...] Aussi je me vante ! Un Anglais, dit-il souvent : « Un gars qui pense autant à lui-même ne peut pas valoir grand-chose. » [...] Et donc, voyez-vous, j'ai mis les gens au dépourvu.
Dans les romans ultérieurs, Christie utilise souvent le mot saltimbanque lorsque les personnages décrivent Poirot, montrant qu'il a réussi à se faire passer pour un charlatan ou un fraudeur.
Les techniques d'enquête de Poirot l'aident à résoudre des cas ; "Car à long terme, soit par un mensonge, soit par la vérité, les gens étaient obligés de se trahir..." À la fin, Poirot révèle généralement sa description de la séquence des événements et ses déductions à une salle de suspects, conduisant souvent à l'arrestation du coupable.
Vie
"Je suppose que tu sais à peu près tout ce qu'il y a à savoir sur la famille de Poirot à ce moment-là".
Christie a été volontairement vague sur les origines de Poirot, car on pense qu'il est un homme âgé même dans les premiers romans. Dans Une autobiographie, elle a admis qu'elle l'imaginait déjà sous la forme d'un vieil homme en 1920. À l'époque, cependant, elle ne savait pas qu'elle écrirait des œuvres le mettant en scène pendant des décennies.
Un bref passage du Big Four fournit des informations originales sur la naissance ou au moins l'enfance de Poirot dans ou à proximité de la ville de Spa, en Belgique : « Mais nous ne sommes pas entrés dans Spa lui-même. collines, jusqu'à ce que nous atteignions un petit hameau et une villa blanche isolée à flanc de colline. Christie sous-entend fortement que cette « retraite tranquille dans les Ardennes » près de Spa est l'emplacement de la maison familiale Poirot.
Une tradition alternative veut que Poirot soit né dans le village d'Ellezelles (province du Hainaut, Belgique). Quelques mémoriaux dédiés à Hercule Poirot sont visibles au centre de ce village. Il ne semble y avoir aucune référence à cela dans les écrits de Christie, mais la ville d'Ellezelles conserve une copie de l'acte de naissance de Poirot dans un mémorial local « attestant » la naissance de Poirot, nommant son père et sa mère Jules-Louis Poirot et Godelieve Poirot.
Christie a écrit que Poirot est catholique de naissance, mais peu de choses sont décrites sur ses convictions religieuses ultérieures, à l'exception de références sporadiques à son « aller à l'église ». Christie fournit peu d'informations sur l'enfance de Poirot, mentionnant seulement dans Three Act Tragedy qu'il vient d'une famille nombreuse avec peu de richesse et qu'il a au moins une sœur cadette.
Policier
Gustave [...] n'était pas un policier. J'ai eu affaire à des policiers toute ma vie et je le sais. Il pouvait passer pour un détective auprès d'un étranger, mais pas auprès d'un homme qui était lui-même policier.
- Hercule Poirot
Hercule Poirot était actif dans la police de Bruxelles dès 1893. Très peu de mentions sont faites de cette partie de sa vie, mais dans "Le Lion de Némée" (1939), Poirot fait référence à un de ses cas belges dans lequel "un riche fabricant de savon[ ...] a empoisonné sa femme pour pouvoir épouser librement sa secrétaire". Comme Poirot a souvent induit en erreur sur son passé pour obtenir des informations, la véracité de cette déclaration est inconnue.
L'inspecteur Japp donne un aperçu de la carrière de Poirot au sein de la police belge en le présentant à un collègue :
Vous m'avez entendu parler de M. Poirot ? C'était en 1904, lui et moi avons travaillé ensemble – dans l'affaire de la contrefaçon Abercrombie – vous vous souvenez qu'il a été démoli à Bruxelles. Ah, c'était l'époque de Moosier. Alors, vous souvenez-vous du « Baron » Altara ? Il y avait un joli coquin pour toi ! Il a échappé aux griffes de la moitié de la police européenne. Mais nous l'avons cloué à Anvers – grâce à M. Poirot ici présent.
Dans la nouvelle « The Chocolate Box » (1923), Poirot révèle au capitaine Arthur Hastings le récit de ce qu'il considère comme son seul échec. Poirot admet qu'il n'a pas réussi à résoudre un crime « d'innombrables fois » :
J'ai été appelé trop tard. Très souvent, un autre, travaillant dans le même but, arrive le premier. Deux fois j'ai été frappé par la maladie au moment où j'étais sur le point de réussir.
Néanmoins, il considère le cas de 1893 dans "La Boîte de Chocolat" comme son seul véritable échec de détection. Encore une fois, Poirot n'est pas fiable en tant que narrateur de son histoire personnelle et il n'y a aucune preuve que Christie l'ait esquissée en profondeur. Au cours de sa carrière policière, Poirot a tiré sur un homme qui tirait depuis un toit sur le public en contrebas. Dans Lord Edgware Dies, Poirot révèle qu'il a appris à lire à l'envers au cours de sa carrière policière. C'est à cette époque qu'il rencontre Xavier Bouc, directeur de la Compagnie Internationale des Wagons-Lits. Poirot est également devenu réalisateur en uniforme, travaillant sur les trains.
Dans The Double Clue, Poirot mentionne qu'il était chef de la police de Bruxelles, jusqu'à ce que « la Grande Guerre » (Première Guerre mondiale) l'oblige à partir pour l'Angleterre.
Détective privé
J'avais appelé chez mon ami Poirot et je l'avais trouvé tristement surmené. Il était devenu tellement furieux que toutes les femmes riches qui avaient égaré un bracelet ou perdu un chaton de compagnie se précipitaient pour s'assurer les services du grand Hercule Poirot.
Pendant la Première Guerre mondiale, Poirot quitta la Belgique pour l'Angleterre en tant que réfugié (bien qu'il y revienne plusieurs fois). Le 16 juillet 1916, il rencontra de nouveau son ami de toujours, le capitaine Arthur Hastings, et résolva le premier de ses cas à être publié, The Mysterious Affair at Styles. Il est clair que Hastings et Poirot sont déjà amis lorsqu'ils se rencontrent dans le chapitre 2 du roman, puisque Hastings dit à Cynthia qu'il ne l'a pas vu depuis « quelques années ». Des détails tels que la date de 1916 de l'affaire et le fait que Hastings avait rencontré Poirot en Belgique sont donnés dans Curtain: Poirot's Last Case, chapitre 1. Après cette affaire, Poirot a apparemment attiré l'attention des services secrets britanniques et a entrepris des enquêtes pour le gouvernement britannique, notamment en déjouant la tentative d'enlèvement du Premier ministre. Les lecteurs ont été informés que les autorités britanniques avaient appris les grandes capacités d'enquête de Poirot auprès de certains membres de la famille royale belge.
Après la guerre, Poirot devint détective privé et commença à s'occuper d'affaires civiles. Il a emménagé dans ce qui est devenu à la fois son adresse personnelle et professionnelle, l'appartement 203 au 56B Whitehaven Mansions. Hastings visite l'appartement pour la première fois à son retour en Angleterre en juin 1935 depuis l'Argentine dans The A.B.C. Meurtres, chapitre 1. Les programmes télévisés placent cela à Florin Court, Charterhouse Square, dans le mauvais quartier de Londres. Selon Hastings, il a été choisi par Poirot « entièrement en raison de son aspect géométrique strict et de ses proportions » et décrit comme le « type d'appartement de service le plus récent ». (Le bâtiment Florin Court a en fait été construit en 1936, des décennies après que Poirot ait emménagé de manière fictive.) Sa première affaire au cours de cette période fut "L'Affaire au Bal de la Victoire", qui permit à Poirot d'entrer dans la haute société et de commencer sa carrière de détective privé. .
Entre les deux guerres mondiales, Poirot a voyagé dans toute l'Europe, en Afrique, en Asie et dans la moitié de l'Amérique du Sud pour enquêter sur des crimes et résoudre des meurtres. La plupart de ses cas se sont produits à cette époque et il était au sommet de ses capacités à ce stade de sa vie. Dans Le Meurtre des Liens, le Belge oppose ses cellules grises à un meurtrier français. Au Moyen-Orient, il a résolu facilement les affaires Mort sur le Nil et Meurtre en Mésopotamie et a même survécu à Un rendez-vous avec la mort. Alors qu'il traversait l'Europe de l'Est lors de son voyage de retour, il a résolu Le Meurtre de l'Orient Express. Il ne voyage cependant pas en Amérique du Nord, aux Antilles, dans les Caraïbes ou en Océanie, probablement pour éviter le mal de mer.
C'est cette mer crapuleuse qui me trouble ! Le mal de mer – c’est une souffrance horrible !
C'est à cette époque qu'il rencontre la comtesse Vera Rossakoff, une voleuse de bijoux glamour. L'histoire de la comtesse est, comme celle de Poirot, pleine de mystère. Elle prétend avoir été membre de l’aristocratie russe avant la rébellion russe et en avoir beaucoup souffert, mais la question reste ouverte de savoir dans quelle mesure cette histoire est vraie. Même Poirot reconnaît que Rossakoff a offert des récits très variés sur ses débuts dans sa vie. Poirot est ensuite devenu amoureux de la femme et lui a permis d'échapper à la justice.
C'est le malheur des hommes petits et précis d'avoir toujours envie de femmes grandes et flamboyantes. Poirot n'avait jamais pu se débarrasser de la fascination fatale que la comtesse avait pour lui.
Même si laisser la comtesse s'échapper était moralement discutable, ce n'était pas rare. Dans Le Lion de Némée, Poirot s'est rangé du côté de la criminelle, Miss Amy Carnaby, lui permettant d'échapper aux poursuites en faisant chanter son client Sir Joseph Hoggins, qui, a découvert Poirot, avait l'intention de commettre un meurtre. Poirot a même envoyé à Miss Carnaby deux cents livres comme récompense finale avant la conclusion de sa campagne d'enlèvement de chiens. Dans Le Meurtre de Roger Ackroyd, Poirot a permis au meurtrier d'échapper à la justice par le suicide, puis a caché la vérité pour épargner les sentiments des proches du meurtrier. Dans Les Écuries d'Augias, il a aidé le gouvernement à dissimuler une vaste corruption. Dans Meurtre de l'Orient Express, Poirot a permis aux meurtriers de se libérer après avoir découvert que douze personnes différentes avaient participé au meurtre de Ratchett. Il n'était pas question de sa culpabilité, mais il avait été acquitté en Amérique pour un détail technique. Considérant comme une justice poétique le fait que douze jurés aient acquitté Ratchett et que douze personnes l'aient poignardé, Poirot a produit une séquence alternative d'événements pour expliquer la mort.
Après ses affaires au Moyen-Orient, Poirot retourna en Grande-Bretagne. Hormis certains des soi-disant « travaux d'Hercule » (voir section suivante), il se rendit très rarement à l'étranger au cours de sa carrière ultérieure. Il a emménagé à Styles Court vers la fin de sa vie.
Alors que Poirot était généralement généreusement payé par ses clients, il était également connu pour s'occuper d'affaires qui piquaient sa curiosité, même si elles ne payaient pas bien.
Poirot montre un amour pour les trains à vapeur, que Christie contraste avec l'amour de Hastings pour les automobiles : cela est montré dans Le Plymouth Express, Le Mystère du Train Bleu, Le Meurtre de l'Orient Express et Les Meurtres ABC (dans la série télévisée, vapeur les trains sont vus dans presque tous les épisodes).
Retraite
C’est comme ça. Juste une affaire ou deux, juste une affaire de plus – la performance d’adieu de la Prima Donna ne sera pas de mise avec la vôtre, Poirot.
La confusion entoure la retraite de Poirot. La plupart des cas couverts par l'agence de détectives privés de Poirot se déroulent avant sa retraite pour faire pousser des moelles, date à laquelle il résout Le Meurtre de Roger Ackroyd. On a dit que les douze cas relatés dans Les Travaux d'Hercule (1947) devaient faire référence à une retraite différente, mais le fait que Poirot déclare spécifiquement qu'il a l'intention de faire pousser des moelles indique que ces histoires se déroulent également avant Roger Ackroyd, et vraisemblablement Poirot a fermé son agence une fois les travaux terminés. Il y a une mention spécifique dans « La Capture de Cerbère » de l'intervalle de vingt ans entre la précédente rencontre de Poirot avec la comtesse Rossakoff et celle-ci. Si les Labours précèdent les événements de Roger Ackroyd, alors l’affaire Ackroyd doit avoir eu lieu environ vingt ans après sa publication, tout comme toutes les affaires qui y font référence. Une alternative serait que, n'ayant pas réussi à faire pousser des moelles une fois, Poirot soit déterminé à tenter une nouvelle fois, mais cela est spécifiquement nié par Poirot lui-même. De plus, dans "Le Sanglier d'Érymanthe", un personnage aurait été expulsé d'Autriche par les nazis, ce qui implique que les événements des Travaux d'Hercule ont eu lieu après 1937. Une autre alternative serait de suggérer que la Préface des Travaux a lieu à une date donnée mais que les travaux s'étendent sur vingt ans. Aucune des explications n’est particulièrement attrayante.
En termes de chronologie rudimentaire, Poirot parle de se retirer pour faire pousser des moelles dans le chapitre 18 de The Big Four (1927), qui place ce roman hors ordre de publication avant Roger Ackroyd. Il refuse de résoudre un cas pour le ministre de l'Intérieur parce qu'il est à la retraite dans le premier chapitre de Peril at End House (1932). Il est certes à la retraite au moment de La Tragédie en trois actes (1935) mais il ne profite pas de sa retraite et prend à plusieurs reprises des affaires par la suite lorsque sa curiosité est engagée. Il continue d'employer sa secrétaire, Miss Lemon, au moment des affaires racontées dans Hickory Dickory Dock et Dead Man's Folly, qui se déroulent au milieu des années 1950. Il est donc préférable de supposer que Christie n'a fourni aucune chronologie faisant autorité pour la retraite de Poirot, mais a supposé qu'il pouvait être soit un détective actif, soit un détective consultant, soit un détective à la retraite selon les besoins du cas immédiat.
Un élément constant à propos de la retraite de Poirot est que sa renommée décline au cours de celle-ci, de sorte que dans les romans ultérieurs, il est souvent déçu lorsque les personnages (en particulier les plus jeunes) ne le reconnaissent ni lui ni son nom :
"Je devrais peut-être, Madame, vous en dire un peu plus sur moi. Je suis Hercule Poirot."
La révélation a laissé Mme Summerhayes de marbre.
"Quel joli nom", dit-elle gentiment. "C'est grec, n'est-ce pas ?"
Après la Seconde Guerre mondiale
Poirot est moins actif lors des affaires qui ont lieu à la fin de sa carrière. À partir de Three Act Tragedy (1934), Christie avait perfectionné pendant l'entre-deux-guerres un sous-genre du roman de Poirot dans lequel le détective lui-même passait une grande partie du premier tiers du roman à la périphérie des événements. Dans des romans tels que Taken at the Flood, After the Funeral et Hickory Dickory Dock, il est encore moins présent, transférant fréquemment les fonctions de détective principal intervieweur à un personnage subsidiaire. Dans Le chat parmi les pigeons, l'entrée de Poirot est si tardive qu'elle est presque une réflexion après coup. Il est impossible de déterminer si cela était le reflet de son âge ou du dégoût de Christie à son égard. Crooked House (1949) et Ordeal by Innocence (1957), qui auraient facilement pu être des romans de Poirot, représentent le point final logique de la diminution générale de sa présence dans de telles œuvres.
Vers la fin de sa carrière, il devient clair que la retraite de Poirot n'est plus une fiction commode. Il adopte un style de vie véritablement inactif au cours duquel il se consacre à l'étude de cas célèbres non résolus du passé et à la lecture de romans policiers. Il écrit même un livre sur la fiction mystérieuse dans lequel il traite sévèrement Edgar Allan Poe et Wilkie Collins. En l’absence d’énigme plus appropriée, il résout des énigmes domestiques aussi insignifiantes que la présence de trois morceaux d’écorce d’orange dans son porte-parapluie.
Poirot (et, il est raisonnable de le supposer, son créateur) est de plus en plus perplexe devant le vulgarisme des jeunes de la génération montante. Dans Hickory Dickory Dock, il enquête sur les événements étranges qui se déroulent dans un foyer d'étudiants, tandis que dans Third Girl (1966), il est contraint d'entrer en contact avec la classe intelligente des jeunes de Chelsea. Dans la culture croissante de la drogue et de la pop des années soixante, il fait ses preuves une fois de plus, mais il est devenu fortement dépendant d'autres enquêteurs (en particulier le détective privé M. Goby) qui lui fournissent des indices qu'il ne peut plus rassembler par lui-même.
Notamment, pendant cette période, ses caractéristiques physiques changent également de façon spectaculaire, et au moment où Arthur Hastings rencontre à nouveau Poirot dans Curtain, il semble très différent de ses apparitions précédentes, étant devenu mince avec l'âge et avec des cheveux visiblement teints.
La mort
Poirot décède en octobre 1949 des complications d'une maladie cardiaque à la fin de Curtain: Poirot's Last Case. Il avait mis ses pilules de nitrite d'amyle hors de sa portée, peut-être par culpabilité. Il est ainsi devenu le meurtrier de Curtain, même si c'était pour le bénéfice des autres. Poirot lui-même a noté qu'il voulait tuer sa victime peu de temps avant sa propre mort afin d'éviter de succomber à l'arrogance du meurtrier, craignant qu'il ne se considère comme ayant le droit de tuer ceux qu'il jugeait nécessaire d'éliminer.
Le « meurtrier » qu'il traquait n'avait jamais tué personne, mais il avait manipulé les autres pour qu'ils tuent à sa place, manipulant subtilement et psychologiquement les moments où les autres désiraient commettre un meurtre afin qu'ils commettent le crime alors qu'ils pourraient autrement rejeter leurs pensées. comme rien de plus qu'une passion momentanée. Poirot a donc été contraint de tuer l'homme lui-même, sinon il aurait continué ses actes et n'aurait jamais été officiellement condamné, car il n'avait légalement rien fait de mal. Il est révélé à la fin de Curtain qu'il simule son besoin d'un fauteuil roulant pour faire croire aux gens qu'il souffre d'arthrite, pour donner l'impression qu'il est plus infirme que lui. Ses derniers mots enregistrés sont "Cher ami!", prononcés à Hastings alors que le capitaine quittait sa chambre. (L'adaptation télévisée ajoute que alors que Poirot meurt seul, il murmure sa dernière prière à Dieu en ces mots : "Pardonne-moi... pardonne...") Poirot a été enterré à Styles et ses funérailles ont été organisées par ses meilleurs. l'ami Hastings et la fille de Hastings, Judith. Hastings a raisonné: "C'était ici l'endroit où il avait vécu lorsqu'il est arrivé pour la première fois dans ce pays. Il devait finalement se coucher ici."
La mort et les funérailles de Poirot ont eu lieu à Curtain, des années après sa retraite de l'enquête active, mais ce n'était pas la première fois qu'Hastings assistait aux funérailles de son meilleur ami. Dans The Big Four (1927), Poirot a simulé sa mort et les funérailles qui ont suivi pour lancer une attaque surprise contre les Big Four.
Personnages récurrents
Arthur Hastings
Hastings, un ancien officier de l'armée britannique, rencontre Poirot pour la première fois pendant les années où Poirot était policier en Belgique et presque immédiatement après leur arrivée en Angleterre. Il devient l'ami de Poirot pour la vie et apparaît dans de nombreux cas. Poirot considère Hastings comme un pauvre détective privé, pas particulièrement intelligent, mais utile dans sa façon de se laisser berner par le criminel ou de voir les choses comme l'homme moyen les verrait et pour sa tendance à « trébucher » sans le savoir sur la vérité. Hastings se marie et a quatre enfants – deux fils et deux filles.
En tant que compagnon fidèle, quoique quelque peu naïf, Hastings est à Poirot ce que Watson est à Sherlock Holmes.
Hastings est capable d'une grande bravoure et d'un grand courage, affrontant la mort sans broncher lorsqu'il est confronté aux Big Four et faisant preuve d'une loyauté sans faille envers Poirot. Cependant, lorsqu'il est obligé de choisir entre Poirot et sa femme dans ce roman, il choisit d'abord de trahir Poirot pour protéger sa femme. Plus tard, cependant, il dit à Poirot de reculer et d'échapper au piège.
Les deux forment une équipe hermétique jusqu'à ce qu'Hastings rencontre et épouse Dulcie Duveen, une belle artiste de music-hall la moitié de son âge, après avoir enquêté sur le meurtre sur les Links. Ils émigrent plus tard en Argentine, laissant Poirot derrière lui comme un « vieil homme très malheureux ». Poirot et Hastings se réunissent pour la dernière fois dans Curtain: Poirot's Last Case, après avoir été réunis plus tôt dans The Big Four, Peril at End House, The ABC Murders, Lord Edgware Dies et Dumb Witness lorsque Hastings arrive en Angleterre pour affaires.
Ariane Olivier
La romancière policière Ariadne Oliver est l'auto-caricature humoristique d'Agatha Christie. Comme Christie, elle n'aime pas trop le détective qu'elle est le plus célèbre pour avoir créé – dans le cas d'Ariane, le détective finlandais Sven Hjerson. Nous n'apprenons jamais rien sur son mari, mais nous savons qu'elle déteste l'alcool et les apparitions publiques et qu'elle a un grand penchant pour les pommes jusqu'à ce qu'elle en soit rebutée par les événements de la fête d'Halloween. Elle a également l'habitude de changer constamment de coiffure et, dans chacune de ses apparitions, on parle beaucoup de ses vêtements et de ses chapeaux. Sa servante Maria empêche que l'adoration publique ne devienne trop un fardeau pour son employeur, mais ne fait rien pour l'empêcher de devenir trop un fardeau pour les autres.
Elle est l'auteur de plus de 56 romans et n'aime pas du tout que les gens modifient ses personnages. Elle est la seule dans l'univers de Poirot à avoir noté que "ce n'est pas naturel que cinq ou six personnes soient sur place lorsque B est assassiné et que toutes aient un motif pour tuer B." Elle a rencontré Poirot pour la première fois dans l'histoire Cartes sur la table et le dérange depuis.
Miss Felicity Citron
La secrétaire de Poirot, Miss Felicity Lemon, a peu de faiblesses humaines. Les seules erreurs qu'elle commet dans la série sont une faute de frappe lors des événements de Hickory Dickory Dock et l'envoi erroné d'une facture d'électricité, même si elle s'inquiétait à l'époque des événements étranges entourant sa sœur. Poirot l'a décrite comme étant "incroyablement laide et incroyablement efficace. Tout ce qu'elle mentionnait comme méritant d'être pris en considération méritait généralement d'être pris en considération." Elle est experte dans presque tout et prévoit de créer le système de classement parfait. Elle a également travaillé pour le statisticien gouvernemental devenu philanthrope Parker Pyne. On ne sait pas si c’était lors de l’un des nombreux départs à la retraite de Poirot ou avant qu’elle n’entre chez lui. Dans The Agatha Christie Hour, elle a été interprétée par l'actrice britannique Angela Easterling, tandis que dans Poirot d'Agatha Christie, elle a été interprétée par Pauline Moran. Une différence marquée par rapport au texte existe dans le portrait de Moran, où elle est une femme attirante, à la mode et émotive, montrant occasionnellement un coin doux pour Poirot. Elle apparaît également beaucoup plus souvent dans la série télévisée, apparaissant dans la plupart des épisodes et constituant souvent une partie plus importante de l'intrigue. À plusieurs reprises, elle rejoint Poirot dans ses enquêtes ou cherche seule des réponses à sa demande.
Inspecteur en chef James Harold Japp
Japp est un inspecteur de Scotland Yard et apparaît dans de nombreuses histoires essayant de résoudre les cas sur lesquels Poirot travaille. Japp est de nature extravertie, bruyant et parfois inconsidéré et sa relation avec le Belge raffiné est l’un des aspects les plus étranges du monde de Poirot. Il rencontra Poirot pour la première fois en Belgique en 1904, lors de la contrefaçon Abercrombie. Plus tard cette année-là, ils unirent à nouveau leurs forces pour traquer un criminel connu sous le nom de Baron Altara. Ils se rencontrent également en Angleterre où Poirot aide souvent Japp et lui permet de s'attribuer le mérite en échange de faveurs spéciales. Ces faveurs impliquent généralement que Poirot reçoive d’autres cas intéressants. Dans Poirot d'Agatha Christie, Japp a été interprété par Philip Jackson. Dans le film Treize au dîner (1985), adapté de Lord Edgware Dies, le rôle de Japp a été repris par l'acteur David Suchet, qui jouera plus tard le rôle de Poirot dans les adaptations d'ITV.
Romans majeurs
Les livres de Poirot emmènent les lecteurs à travers toute sa vie en Angleterre, depuis le premier livre (La Mystérieuse Affaire chez Styles), où il est un réfugié séjournant à Styles, jusqu'au dernier livre de Poirot (Curtain), où il rend visite à Styles avant son la mort. Entre-temps, Poirot résout également des affaires en dehors de l'Angleterre, y compris son affaire la plus célèbre, Le meurtre de l'Orient Express (1934).
Hercule Poirot devient célèbre en 1926 avec la publication du Meurtre de Roger Ackroyd, dont la solution surprenante se révèle controversée. Le roman compte toujours parmi les plus célèbres de tous les romans policiers : Edmund Wilson y fait allusion dans le titre de sa célèbre attaque contre la fiction policière, "Who Cares Who Killed Roger Ackroyd?" Outre Roger Ackroyd, les romans de Poirot les plus acclamés par la critique sont parus de 1932 à 1942, notamment Meurtre sur l'Orient Express, Les meurtres ABC (1935), Cartes sur la table (1936) et Mort sur le Nil (1937), un conte d'homicides multiples sur un bateau à vapeur sur le Nil. Mort sur le Nil a été jugé par le romancier policier John Dickson Carr comme l'un des dix plus grands romans policiers de tous les temps.
Le roman de 1942 Cinq Petits Cochons (alias Murder in Retrospect), dans lequel Poirot enquête sur un meurtre commis seize ans auparavant en analysant divers récits de la tragédie, est une performance de type Rashomon. Dans son analyse de ce livre, le critique et romancier policier Robert Barnard l'a qualifié de « meilleur Christie de tous ».
Représentations
Scène
Le premier acteur à incarner Hercule Poirot fut Charles Laughton. Il est apparu dans le West End en 1928 dans la pièce Alibi adaptée par Michael Morton du roman Le Meurtre de Roger Ackroyd.
Film
Austin Trevor
Austin Trevor a fait ses débuts dans le rôle de Poirot à l'écran dans le film britannique Alibi de 1931. Le film était basé sur la pièce de théâtre. Trevor a repris le rôle de Poirot à deux reprises, dans Black Coffee et Lord Edgware Dies. Trevor a dit un jour qu'il avait probablement été choisi pour incarner Poirot simplement parce qu'il pouvait avoir un accent français. Leslie S. Hiscott a réalisé les deux premiers films, Henry Edwards prenant le relais pour le troisième.
Tony Randall
Tony Randall a interprété Poirot dans The Alphabet Murders, un film de 1965 également connu sous le nom de The ABC Murders. Il s'agissait plus d'une satire de Poirot que d'une simple adaptation, et elle était considérablement modifiée par rapport à l'original. Une grande partie de l'histoire, qui se déroule à l'époque moderniste, a été jouée pour la comédie, Poirot enquêtant sur les meurtres tout en évitant les tentatives de Hastings (Robert Morley) et de la police pour le faire sortir d'Angleterre et le ramener en Belgique.
Albert Finney
Albert Finney a joué Poirot en 1974 dans la version cinématographique du Meurtre de l'Orient Express. Finney est le seul acteur à avoir reçu une nomination aux Oscars pour son rôle de Poirot, bien qu'il n'ait pas gagné.
Pierre Ustinov
Peter Ustinov a joué Poirot six fois, à commencer par Mort sur le Nil (1978). Il reprend le rôle dans Evil Under the Sun (1982) et Appointment with Death (1988).
La fille de Christie, Rosalind Hicks, a observé Ustinov lors d'une répétition et a déclaré : "Ce n'est pas Poirot ! Il n'est pas du tout comme lui. | http://quiz4free.com/ |
Dans quel pays est Tiahuanaco? | Bolivie | [
"Tiwanaku (ou) est un site archéologique précolombien situé dans l'ouest de la Bolivie.",
"La zone autour de Tiwanaku a peut-être été habitée dès 1500 avant JC en tant que petit village agricole. Entre 300 avant JC et 300 après JC, Tiwanaku aurait été un centre moral et cosmologique de l'empire Tiwanaku vers lequel de nombreuses personnes effectuaient des pèlerinages. Les chercheurs pensent qu’elle a atteint ce statut avant d’étendre son puissant empire. En 1945, Arthur Posnanski ; Vols. III-IV, La Paz, Bolivie : le ministre de l'Éducation a estimé que Tiwanaku était daté de 15 000 avant JC, sur la base de ses techniques archéoastronomiques. Au 21e siècle, les experts ont conclu que les dates de Posnansky étaient invalides et constituaient « un exemple désolé de preuves archéoastronomiques mal utilisées ».",
"La pyramide Akapana est actuellement en construction par le Département d'archéologie de Bolivie (DINAR). Le projet archéologique Pumapunku-Akapana (PAPA, ou projet archéologique Pumapunku-Akapana) fouille la zone entourant la pyramide depuis quelques années."
] | Tiwanaku (ou) est un site archéologique précolombien situé dans l'ouest de la Bolivie.
Le site a été enregistré pour la première fois dans l'histoire écrite par le conquérant espagnol Pedro Cieza de Leon. Il tomba sur les restes de Tiwanaku en 1549 alors qu'il cherchait la capitale inca Qullasuyu.
Le nom sous lequel Tiwanaku était connu de ses habitants a peut-être été perdu car ils n'avaient pas de langue écrite. La langue Puquina est la langue la plus probable des anciens habitants de Tiwanaku.
Structures
La zone autour de Tiwanaku a peut-être été habitée dès 1500 avant JC en tant que petit village agricole. Entre 300 avant JC et 300 après JC, Tiwanaku aurait été un centre moral et cosmologique de l'empire Tiwanaku vers lequel de nombreuses personnes effectuaient des pèlerinages. Les chercheurs pensent qu’elle a atteint ce statut avant d’étendre son puissant empire. En 1945, Arthur Posnanski ; Vols. III-IV, La Paz, Bolivie : le ministre de l'Éducation a estimé que Tiwanaku était daté de 15 000 avant JC, sur la base de ses techniques archéoastronomiques. Au 21e siècle, les experts ont conclu que les dates de Posnansky étaient invalides et constituaient « un exemple désolé de preuves archéoastronomiques mal utilisées ».
Les structures qui ont été fouillées à Tiwanaku comprennent l'Akapana, l'Akapana Est, les plates-formes en gradins de Pumapunku, le Kalasasaya, le Kheri Kala, les enceintes Putuni et le temple semi-souterrain. Ceux-ci peuvent être visités par le public.
L'Akapana est une structure pyramidale approximativement en forme de croix qui mesure 257 m de large, 197 m de large à son maximum et 16,5 m de haut. En son centre semble avoir été une cour engloutie. Celui-ci a été presque détruit par une profonde excavation de pilleurs qui s'étend du centre de cette structure jusqu'à son côté est. Les matériaux provenant des fouilles des pilleurs ont été déversés du côté est de l'Akapana. Un escalier avec des sculptures est présent sur son côté ouest. D'éventuels complexes résidentiels auraient pu occuper à la fois les coins nord-est et sud-est de cette structure.
À l’origine, on pensait que l’Akapana avait été fabriqué à partir d’une colline modifiée. Des études du XXIe siècle ont montré qu'il s'agit d'un monticule de terre artificiel, recouvert d'un mélange de petits et grands blocs de pierre. La terre comprenant Akapana semble avoir été extraite des « douves » qui entourent le site. Le plus gros bloc de pierre de l'Akapana, constitué d'andésite, est estimé à 65,70 tonnes. La structure était peut-être destinée à la relation chaman-puma ou à la transformation par changement de forme. Tenon Puma et Human Heads Stud les terrasses supérieures.
L'Akapana Est a été construit sur le côté est du début de Tiwanaku. Plus tard, il fut considéré comme une limite entre le centre cérémoniel et la zone urbaine. Il était constitué d'un épais sol préparé de sable et d'argile, qui soutenait un groupe de bâtiments. L'argile jaune et l'argile rouge ont été utilisées dans différents domaines à des fins apparemment esthétiques. Il a été nettoyé de tous les déchets domestiques, soulignant sa grande importance pour la culture.
Le Pumapunku est une plateforme artificielle construite sur un axe est-ouest comme l’Akapana. Il s'agit d'un monticule de terre en terrasse rectangulaire recouvert de blocs mégalithiques. Il mesure 167,36 m de large le long de son axe nord-sud et 116,7 m de large le long de son axe est-ouest et mesure 5 m de haut. Des projections identiques de 20 mètres de large s'étendent sur 27,6 mètres au nord et au sud à partir des coins nord-est et sud-est du Pumapunku. Il y a des cours murées et non murées et une esplanade associée à cette structure.
Une caractéristique importante du Pumapunku est une grande terrasse en pierre ; il mesure 6,75 mètres sur 38,72 mètres et est pavé de gros blocs de pierre. C'est ce qu'on appelle la « Plateforme lithique » La Plate-forme lithique contient le plus gros bloc de pierre trouvé sur le site de Tiwanaku. Ponce Sangines, le poids du bloc est estimé à 131 tonnes. Le deuxième plus gros bloc de pierre trouvé dans le Pumapunku est estimé à 85 tonnes.
Le Kalasasaya est une grande cour de plus de trois cents pieds de long, délimitée par une haute porte. Le temple semi-souterrain est situé au cœur de l'Akapana. C'est dans la cour que les explorateurs ont découvert la Porte du Soleil. Depuis la fin du 20e siècle, les chercheurs ont émis l’hypothèse que ce n’était pas l’emplacement d’origine de la porte d’entrée. Près de la cour se trouve le temple semi-souterrain ; une cour carrée en contrebas qui est unique par son axe nord-sud plutôt qu'est-ouest. Les murs sont recouverts de têtes de tenons de styles très différents, ce qui suggère que la structure a été réutilisée à différentes fins au fil du temps. Il a été construit avec des murs constitués de piliers de grès et de petits blocs de maçonnerie en pierre de taille. On estime que le plus gros bloc de pierre du Kalasasaya pèse 26,95 tonnes.
Au sein de nombreuses structures du site se trouvent des passerelles impressionnantes ; ceux à échelle monumentale sont placés sur des monticules artificiels, des plates-formes ou des courts en contrebas. De nombreuses portes d'entrée présentent une iconographie des « Dieux au personnel ». Cette iconographie est également utilisée sur certains récipients surdimensionnés, indiquant leur importance pour la culture. Cette iconographie est la plus présente sur la Porte du Soleil.
La Porte du Soleil est l'un des plus beaux endroits du monde. Il leur manque une partie d'un cadre encastré typique connu sous le nom de chambranle, qui comporte généralement des douilles pour les pinces afin de supporter les ajouts ultérieurs. Ces exemples architecturaux, ainsi que la porte Akapana récemment découverte, présentent des détails uniques et démontrent une grande compétence dans la taille de la pierre. Cela révèle une connaissance de la géométrie descriptive. La régularité des éléments suggère qu'ils s'inscrivent dans un système de proportions.
De nombreuses théories ont été proposées sur l'habileté de la construction architecturale de Tiwanaku. La première est qu’ils utilisaient une luk’a, qui est une mesure standard d’environ soixante centimètres. Un autre argument est en faveur du rapport pythagoricien. Cette idée nécessite des triangles rectangles dans un rapport de cinq à quatre à trois utilisés dans les passerelles pour mesurer toutes les pièces. Enfin, Protzen et Nair soutiennent que Tiwanaku disposait d'un système d'éléments individuels dépendant du contexte et de la composition. Cela se voit dans la construction de portes similaires allant de la taille minuscule à la taille monumentale, prouvant que les facteurs d'échelle n'affectaient pas les proportions. Avec chaque élément ajouté, les pièces individuelles ont été déplacées pour s'emboîter.
À mesure que la population augmentait, des niches professionnelles se développaient et les gens commençaient à se spécialiser dans certaines compétences. Il y a eu une augmentation du nombre d'artisans travaillant dans la poterie, la bijouterie et le textile. Comme les Incas ultérieurs, les Tiwanaku avaient peu d'institutions commerciales ou de marché. Au lieu de cela, la culture reposait sur la redistribution des élites. Autrement dit, les élites de l’empire contrôlaient l’essentiel de la production économique, mais étaient censées fournir à chaque roturier toutes les ressources nécessaires pour remplir sa fonction. Les professions sélectionnées comprennent les agriculteurs, les éleveurs, les éleveurs, etc. Cette séparation des métiers s’accompagnait d’une stratification hiérarchique au sein de l’empire.
Les élites de Tiwanaku vivaient entre quatre murs entourés de douves. Selon certains, ces douves devaient créer l’image d’une île sacrée. À l’intérieur des murs se trouvaient de nombreuses images consacrées à l’origine humaine, que seules les élites pouvaient voir. Les roturiers n'étaient peut-être entrés dans cette structure qu'à des fins cérémonielles, car elle abritait le sanctuaire le plus sacré.
Archéologie
Le site ayant souffert de pillages et de fouilles amateurs peu après la chute de Tiwanaku, les archéologues doivent tenter de l'interpréter en sachant que les matériaux ont été mélangés et détruits. Cette destruction s'est poursuivie pendant la conquête espagnole et la période coloniale. D'autres dégâts ont été causés par des personnes extrayant de la pierre pour la construction de bâtiments et de voies ferrées, ainsi que par des tirs sur cible par des militaires.
Aucun bâtiment debout n'a survécu sur le site moderne. Il ne reste que des fondations publiques, non résidentielles, avec des murs mal reconstruits. Les blocs de pierre de taille utilisés dans bon nombre de ces structures ont été produits en série dans des styles similaires afin de pouvoir éventuellement être utilisés à des fins multiples. Tout au long de la période du site, certains bâtiments ont changé de fonction, provoquant un mélange d'artefacts trouvés aujourd'hui.
L'étude détaillée de Tiwanaku a commencé à petite échelle au milieu du XIXe siècle. Dans les années 1860, Ephraim George Squier visita les ruines et publia plus tard des cartes et des croquis réalisés lors de sa visite. Le géologue allemand Alphons Stübel a passé neuf jours à Tiwanaku en 1876, créant une carte du site basée sur des mesures minutieuses. Il a également réalisé des croquis et créé des impressions sur papier de sculptures et d'autres éléments architecturaux. Un livre contenant une documentation photographique majeure a été publié en 1892 par l'ingénieur B. von Grumbkow. Commenté par l'archéologue Max Uhle, il s'agit de la première description scientifique approfondie des ruines.
;Photo de fouilles archéologiques à
Fichier : Escalier monolithique 1903-1904.jpg | Escaliers de Kalasasaya (1903)
Fichier : Bâtiment de la deuxième période - Vue de gauche 1903-1904.jpg | Temple Kalasasaya (1903)
Fichier:Porte monolithique (Porte du Soleil.) 1903-1904.jpg|Porte du Soleil (1903)
Fichier:Porte monolithique, vue arrière 1903-1904.jpg|
Fouilles et restauration contemporaines
Dans les années 1960, le gouvernement a lancé un effort pour restaurer le site et en reconstruire une partie. Les murs du Kalasasaya sont presque entièrement reconstruits. Les pierres originales composant le Kalasasaya auraient ressemblé à un style plus "Stonehenge", espacées uniformément et dressées verticalement. La reconstruction n'était pas suffisamment fondée sur la recherche ; par exemple, un nouveau mur a été construit autour de Kalasasaya. La reconstruction ne présente pas une maçonnerie de qualité aussi élevée que celle présente à Tiwanaku. Comme indiqué, la Porte du Soleil, maintenant dans le Kalasasaya, a été déplacée de son emplacement d'origine.
Des fouilles archéologiques modernes et académiquement solides ont été menées de 1978 aux années 1990 par l'anthropologue de l'Université de Chicago, Alan Kolata, et son homologue bolivien, Oswaldo Rivera. Parmi leurs contributions figurent la redécouverte du suka kollus, la datation précise de la croissance et de l'influence de la civilisation, ainsi que la preuve d'un effondrement de la civilisation Tiwanaku dû à la sécheresse.
Des archéologues tels que Paul Goldstein ont soutenu que l'empire Tiwanaku s'étendait en dehors de la zone des hautes terres et dans la vallée de Moquegua au Pérou. Les fouilles dans les colonies d'Omo montrent des signes de caractéristiques architecturales similaires à celles de Tiwanaku, comme un temple et un monticule en terrasses. Des preuves de types similaires de déformation crânienne dans les sépultures entre le site d'Omo et le site principal de Tiwanaku sont également utilisées pour cet argument.
Aujourd'hui, Tiwanaku est désigné site du patrimoine mondial de l'UNESCO.
La pyramide Akapana est actuellement en construction par le Département d'archéologie de Bolivie (DINAR). Le projet archéologique Pumapunku-Akapana (PAPA, ou projet archéologique Pumapunku-Akapana) fouille la zone entourant la pyramide depuis quelques années.
Au cours des années précédentes, une école de terrain archéologique proposée dans le cadre du programme d'été de Harvard, menée dans la zone résidentielle en dehors du noyau monumental, a provoqué une controverse parmi les archéologues locaux. Le programme était dirigé par le Dr. le Dr Gary Urton, de Harvard, qui était un expert en quipu ; Alexei Vranich de l'Université de Pennsylvanie. La controverse portait sur le fait de permettre à une équipe d'étudiants non formés de travailler sur le chantier, même sous la supervision de professionnels. C’était si important que seuls les archéologues professionnels certifiés disposant d’un financement documenté étaient autorisés à y accéder. La controverse était chargée de connotations nationalistes et politiques. L'école de terrain de Harvard a duré trois ans, commençant en 2004 et se terminant en 2007. Le projet n'a pas été renouvelé les années suivantes et aucune autorisation n'a été demandée pour le faire.
En 2009, les travaux de restauration de la pyramide d'Akapana, financés par l'État, ont été interrompus en raison d'une plainte déposée par l'UNESCO. La restauration avait consisté à recouvrir la pyramide d'adobe, bien que les chercheurs n'aient pas établi que cela était approprié. | http://quiz4free.com/ |
Quelle cathédrale compte 4440 statues ? | Milan | [
"Le principe moteur de ce changement était l'acceptation par les évêques, plus ou moins volontiers, d'une invitation impériale à adopter et à maintenir les devoirs, la dignité et les insignes propres à un magistrat public. De manière caractéristique, un magistrat romain présidait depuis un trône surélevé dans une grande salle rectangulaire richement décorée et à nefs appelée basilique ; et maintenant les évêques feraient de même. La plus ancienne de ces nouvelles cathédrales basiliques dont des vestiges importants sont encore visibles (et peut-être parmi les toutes premières à être construites) se trouve sous la cathédrale d'Aquilée, à la pointe nord de la mer Adriatique. Daté d'une inscription en mosaïque entre 313 et 319, le complexe se composait de deux salles parallèles à nefs est-ouest de taille similaire ; avec une troisième salle transversale nord-sud plus petite les reliant, qui a été interprétée comme la salle de présence de l'épiscopium ou de la résidence de l'évêque. Les trois salles créent une cour ouverte, dans laquelle se trouvait à l'origine un baptistère séparé. Des deux grandes salles basiliques subsistent de riches pavements en mosaïque représentant (entre autres scènes) Jonas et la baleine, ainsi qu'une série de portraits de donateurs, principalement féminins. Il semble que des cathédrales similaires à double basilique et baptistère furent érigées peu après à Milan, Trèves et Pavie ; mais que par la suite, les églises à basilique unique sont devenues le modèle de cathédrale le plus courant."
] | Une cathédrale (français : cathédrale du latin : cathedra, « siège » du grec kathedra (καθέδρα), siège, banc, de kata « bas » + hedra siège, base, chaise) est une église chrétienne qui contient le siège d'un évêque. , servant ainsi d'église centrale d'un diocèse, d'une conférence ou d'un épiscopat. Le terme homologue pour une telle église en allemand est Dom du latin domus ecclesiae ou domus episcopalis ; également l'italien Duomo, le néerlandais Domkerk et des noms apparentés dans de nombreuses autres langues européennes. Les églises ayant la fonction de « cathédrale » sont généralement spécifiques aux confessions chrétiennes ayant une hiérarchie épiscopale, telles que les églises catholique romaine, anglicane, orthodoxe et certaines églises luthériennes et méthodistes. New Standard Encyclopedia, 1992 par Standard Educational Corporation, Chicago, Illinois. ; page B-262c Les bâtiments d'église incarnant les fonctions d'une cathédrale apparaissent pour la première fois en Italie, en Gaule, en Espagne et en Afrique du Nord au 4ème siècle, mais les cathédrales ne sont devenues universelles au sein de l'Église catholique occidentale qu'au 12ème siècle, date à laquelle elles s'étaient développées. formes architecturales, structures institutionnelles et identités juridiques distinctes des églises paroissiales, des églises monastiques et des résidences épiscopales.
En ce qui concerne les bâtiments religieux de l'Église orthodoxe orientale, le mot anglais « cathédrale » traduit communément katholikon (sobor en langues slaves), qui signifie « assemblée » ; mais ce titre s'applique également aux églises monastiques et autres grandes églises sans responsabilités épiscopales. Lorsqu'on désigne spécifiquement l'église présidée par un archevêque ou un « métropolitain », le terme kathedrikos naos (littéralement : « église cathédrale ») est utilisé.
À la suite de la Réforme protestante, l'Église chrétienne de plusieurs régions d'Europe occidentale, comme l'Écosse, les Pays-Bas, certains cantons suisses et certaines parties de l'Allemagne, a adopté un régime presbytérien qui a complètement supprimé les évêques. Là où les anciens bâtiments cathédrales de ces terres sont encore utilisés pour le culte de la congrégation, ils conservent généralement le titre et la dignité de « cathédrale », maintenant et développant des fonctions distinctes de cathédrale, mais dépourvues de suprématie hiérarchique. À partir du XVIe siècle, mais surtout depuis le XIXe siècle, les églises originaires d'Europe occidentale ont entrepris de vigoureux programmes d'activité missionnaire, conduisant à la fondation d'un grand nombre de nouveaux diocèses avec des établissements cathédrales associés de formes diverses en Asie, en Afrique, en Australasie, Océanie et Amériques. En outre, l’Église catholique et les Églises orthodoxes ont créé de nouveaux diocèses sur des terres autrefois protestantes pour les convertis et les coreligionnaires migrants. Par conséquent, il n’est pas rare de trouver des chrétiens d’une même ville desservis par trois cathédrales ou plus de confessions différentes.
Dans la tradition catholique, le terme « cathédrale » s'applique à juste titre uniquement à une église qui abrite le siège de l'évêque d'un diocèse. L'église abbatiale d'une abbaye territoriale remplit la même fonction (c'est-à-dire abrite le siège de l'abbé), mais n'acquiert pas le titre. Dans toute autre juridiction canoniquement équivalente à un diocèse mais non canoniquement érigée en tant que telle (prélature, vicariat, ordinariat, préfecture, administration apostolique), l'église qui remplit cette fonction est à juste titre appelée « église principale » de l'entité respective -- bien que certains J'ai quand même coopté le terme « cathédrale ». L'Église catholique utilise également les termes suivants.
* Une pro-cathédrale est une paroisse ou une autre église utilisée temporairement comme cathédrale, généralement pendant que la cathédrale d'un diocèse est en construction, rénovation ou réparation. Cette désignation ne s'applique que tant que l'utilisation temporaire se poursuit.
* Une co-cathédrale est une deuxième cathédrale dans un diocèse qui a deux sièges. Cette situation peut survenir de diverses manières, comme la fusion de deux anciens diocèses, la préparation de la scission d'un diocèse ou la nécessité perçue d'exercer les fonctions de cathédrale dans un deuxième endroit en raison de l'étendue du territoire diocésain.
* Une proto-cathédrale est l'ancienne cathédrale d'un siège transféré.
L'église cathédrale d'un évêque métropolitain est appelée la cathédrale métropolitaine.
Le terme « cathédrale » n’implique en réalité aucune implication quant à la taille ou à l’ornementation du bâtiment. Néanmoins, la plupart des cathédrales sont des édifices particulièrement impressionnants. Ainsi, le terme « cathédrale » est souvent appliqué familièrement à toute église grande et impressionnante, qu'elle fonctionne ou non comme une cathédrale, comme la cathédrale de cristal en Californie ou la cathédrale arctique de Tromsø, en Norvège. Bien que les constructeurs de la cathédrale de Crystal n'aient jamais eu l'intention que le bâtiment soit une véritable cathédrale, le diocèse catholique romain d'Orange a acheté le bâtiment et le campus environnant en février 2012 pour les utiliser comme nouvelle église cathédrale. Le bâtiment est actuellement en cours de rénovation et de restauration pour une dédicace solennelle sous le titre de « Cathédrale du Christ » en 2018.
Définition
Le mot cathédrale est dérivé du mot grec cathedra (« siège » ou « chaise ») et fait référence à la présence et à l'importance du siège ou du trône de l'évêque ou de l'archevêque, élevé au-dessus du clergé et des laïcs, et situé à l'origine face à la congrégation de derrière le maître-autel. Dans le monde antique, la chaise, sur une estrade surélevée, était la marque distinctive d'un enseignant ou d'un rhéteur et symbolisait ainsi le rôle de l'évêque en tant qu'enseignant. Un trône surélevé dans une salle basilique était également définitif pour un magistrat président de l'Antiquité tardive ; et ainsi la cathedra symbolise également le rôle de l'évêque dans la gouvernance de son diocèse.
Le trône épiscopal incarne le principe selon lequel seul un évêque fait une cathédrale, et cela s'applique toujours même dans les églises qui n'ont plus d'évêques, mais conservent la dignité et les fonctions de cathédrale dans les églises anciennes que présidaient autrefois les évêques. Mais le trône peut aussi incarner le principe selon lequel une cathédrale fait un évêque ; à la fois spécifiquement, en ce sens que l'évêque est élu au sein de la cathédrale et est inauguré en étant intronisé dans la cathédrale par acclamation du clergé et des laïcs ; et aussi de manière générale, dans la mesure où les qualifications essentielles des évêques en matière de prière régulière, d'enseignement supérieur et de culte musical ont été pendant de nombreux siècles, principalement accessibles par le biais des fonctions de la cathédrale. Il existe en cela une distinction entre les traditions ecclésiales, principalement celles du christianisme orthodoxe oriental, mais incluant autrefois également les églises celtiques d'Irlande, d'Écosse et du Pays de Galles, dont les évêques étaient devenus des monastères ; et les traditions ecclésiales dont les évêques ont eu tendance à émerger principalement des rangs du clergé des cathédrales.
Histoire et organisation
Origines et caractéristiques des premières cathédrales
L’histoire des cathédrales commence en 313, lorsque l’empereur Constantin le Grand adopte personnellement le christianisme et initie la Paix de l’Église. En effet, en termes stricts, il ne pouvait y avoir de « cathédrales » avant cette date, de même qu'avant le IVe siècle il n'y avait pas de « cathédrales » chrétiennes ; les évêques n'étaient jamais assis lorsqu'ils dirigeaient le culte de la congrégation, mais présidaient plutôt debout sur une plate-forme surélevée ou une chaire. Au troisième siècle, l'expression « monter sur l'estrade », ad pulpitum venire, devient le terme standard pour désigner l'ordination chrétienne. Pendant le siège de Dura Europos en 256, une église de maison chrétienne complète, ou domus ecclesiae, fut ensevelie dans un talus défensif, survivant lors des fouilles, par endroits jusqu'à la hauteur du mur. L'église de Dura avait été transformée à partir d'une grande maison urbaine à cour de forme standard, dans laquelle deux pièces avaient été assemblées pour former une salle de réunion, capable d'accueillir 60 à 75 personnes debout ; tandis qu'un réservoir avait été inséré dans une pièce du côté opposé de la cour comme baptistère, avec de riches peintures murales au-dessus. On a en effet constaté que la grande salle avait à une extrémité un pulptum surélevé, assez grand pour qu'une personne puisse à son tour lire, prêcher et présider ; mais trop bas pour avoir été surmonté d'un trône, et trop petit pour avoir contenu un autel. Sinon, la grande pièce n’avait aucune décoration ni aucun élément distinctif.
En 269, peu après la chute de Dura aux mains de l'armée perse, un corps de clercs rédigea un acte d'accusation contre l'évêque d'Antioche, Paul de Samosate, sous la forme d'une lettre ouverte. Parmi les accusations figurait que Paul, qui avait reçu le rang civil de ducenaire en raison de contacts à la cour impériale, s'était érigé de manière inappropriée une enceinte, ou secretum, pour lui-même dans l'église d'Antioche ; que dans cette enceinte il avait érigé un trône d'où il présidait le culte ; et qu'il avait formé une chorale de femmes pour chanter des hymnes de sa propre invention. Ces pratiques ont toutes été condamnées comme des innovations, important de manière inappropriée les symboles de sa magistrature romaine laïque dans le rituel de l'Église ; tout en affirmant de manière présomptueuse et blasphématoire que la personne de l'évêque dans le culte eucharistique est assise à la place du Christ lui-même. Encore cent ans plus tard, tous les évêques du monde méditerranéen possédaient des cathédrales, tous étaient assis sur des trônes dans un espace sanctuaire clos et tous avaient établi des chœurs formés pour renforcer le culte eucharistique.
Le principe moteur de ce changement était l'acceptation par les évêques, plus ou moins volontiers, d'une invitation impériale à adopter et à maintenir les devoirs, la dignité et les insignes propres à un magistrat public. De manière caractéristique, un magistrat romain présidait depuis un trône surélevé dans une grande salle rectangulaire richement décorée et à nefs appelée basilique ; et maintenant les évêques feraient de même. La plus ancienne de ces nouvelles cathédrales basiliques dont des vestiges importants sont encore visibles (et peut-être parmi les toutes premières à être construites) se trouve sous la cathédrale d'Aquilée, à la pointe nord de la mer Adriatique. Daté d'une inscription en mosaïque entre 313 et 319, le complexe se composait de deux salles parallèles à nefs est-ouest de taille similaire ; avec une troisième salle transversale nord-sud plus petite les reliant, qui a été interprétée comme la salle de présence de l'épiscopium ou de la résidence de l'évêque. Les trois salles créent une cour ouverte, dans laquelle se trouvait à l'origine un baptistère séparé. Des deux grandes salles basiliques subsistent de riches pavements en mosaïque représentant (entre autres scènes) Jonas et la baleine, ainsi qu'une série de portraits de donateurs, principalement féminins. Il semble que des cathédrales similaires à double basilique et baptistère furent érigées peu après à Milan, Trèves et Pavie ; mais que par la suite, les églises à basilique unique sont devenues le modèle de cathédrale le plus courant.
La déclaration de Constantin de faveur impériale envers le christianisme a transformé tous les aspects de la vie chrétienne dans l'Empire romain. D'être une religion minoritaire, largement confinée aux zones urbaines et aux groupes sociaux restreints, et soumise à l'hostilité officielle et à des persécutions occasionnelles ; Le christianisme a acquis un nombre considérablement accru d'adhérents potentiels de toutes les classes, initialement toujours dans les zones urbaines, mais s'étendant finalement au pagus, l'arrière-pays rural de la ville. La conséquence fut une expansion radicale des bâtiments, du financement et du personnel des établissements ecclésiaux associés tout au long du IVe siècle. Les premières cathédrales représentent cette expansion sous forme matérielle.
Bâtiments
L'emplacement et la disposition des premières cathédrales variaient considérablement d'une ville à l'autre, même si la plupart, comme à Aquilée, avaient tendance à être situées à l'intérieur des murs de la ville mais à l'écart du centre urbain ; mais certains éléments sont presque toujours retrouvés.
Basiliques
Les salles basiliques étaient auparavant caractéristiques des grands complexes civiques et des bâtiments des quartiers généraux militaires ; mais elle est désormais devenue la structure standard pour accueillir les grandes congrégations chrétiennes. Désormais, le terme basilique désigne tout édifice religieux important. Ces nouvelles basiliques étaient totalement différentes par leur taille des salles de réunion chrétiennes antérieures, tout comme leur forme était également différente de celle de tout temple ou structure religieuse romaine non chrétienne. Les halls étaient longitudinaux, à nefs et inondés de lumière provenant de grandes fenêtres à claire-voie. Les sols et les murs étaient richement décorés de mosaïques et d'incrustations – généralement des motifs abstraits ou floraux. Les deux basiliques doubles originales d'Aquilée mesuraient toutes deux environ 37 m sur 17 m, mais en 30 ans, une salle a été quadruplée pour atteindre 73 m sur 31 m. Cette basilique agrandie présentait désormais trois caractéristiques supplémentaires qui devinrent caractéristiques des premières cathédrales ; une enceinte à l'extrémité est de l'église entourant l'autel ; un synthronos à l'est de l'autel faisant face à l'ouest, et composé d'une estrade surélevée avec un trône d'évêque placé au centre et des bancs de chaque côté pour le clergé de sa familia ; et un narthex cloisonné à l'extrémité ouest dans lequel les catéchumènes se retiraient pendant l'acte central de la liturgie eucharistique.
Baptistères
Le baptistère de l'église de Dura mesurait environ 1 m de côté et 1 m de profondeur ; Les candidats au baptême pouvaient s'y tenir debout, mais ne pouvaient pas y être immergés. Dans les nouvelles cathédrales, comme c'était le cas auparavant, seuls les évêques baptisaient ; et les cérémonies n'avaient pas lieu plus de deux fois par an pour permettre des périodes d'instruction appropriées. Les baptistères devaient donc être considérablement agrandis en taille, avec des logements associés pour garantir l'intimité lors du déshabillage, de l'onction et du redressement ; et la cuve baptismale, généralement octogonale, était désormais suffisamment profonde pour une immersion totale et suffisamment large pour accueillir à la fois le candidat et un diacre assistant, homme ou femme. Les baptistères adoptaient généralement des formes de plan centralisé dérivées des chapelles funéraires ; et sont invariablement séparés de la basilique congrégationaliste.
Épiscopium
Personne ne vivait dans l'église de maison de Dura ; des installations résidentielles telles que les latrines et la cuisine ont été supprimées lors de la conversion. Mais les complexes cathédrales comprenaient toujours une résidence épiscopale. Parmi les accusations portées contre Paul de Samosate, l'une des principales était sa prétendue familiarité excessive avec les femmes pieuses. Comme c'était courant, Paul avait été marié lorsqu'il avait été élu évêque ; et encore une fois, comme on s'y attendait universellement pour un évêque, il avait alors cessé tout contact sexuel avec sa femme et ne cohabitait plus avec elle. Mais ses accusateurs ont accusé qu'en continuant à fréquenter d'autres femmes (même sans aucune indication d'inconvenance réelle), il créait un potentiel inacceptable de scandale. Pour éviter que de telles situations ne se reproduisent, il fut nécessaire que les nouvelles cathédrales créent des logements réservés aux hommes pour l'évêque et l'ensemble de son établissement ; et comme, dans les églises occidentales, tous les prêtres et diacres étaient également censés vivre séparés de leur épouse après l'ordination, ces locaux d'habitation, l'épiscopium, étaient nécessairement d'une étendue considérable. En plus des lieux de restauration et de couchage pour les garçons et les hommes ordonnés, l'épiscopium fournissait également généralement des salles à manger privées pour l'hospitalité attendue du statut social amélioré de l'évêque, un oratoire ou une chapelle privée pour l'évêque et souvent des bains publics.
Finances
Tout comme la résidence épiscopale faisait partie intégrante du complexe des bâtiments de la cathédrale, de même il n'y avait aucune distinction entre les propriétés et les dotations épiscopales, diocésaines et cathédrales. En principe, tous les revenus diocésains étaient versés dans un fonds commun et divisés en quatre parts fixes pour chaque principal domaine de dépense ; l'évêque lui-même ; le clergé de la cathédrale ; le tissu et l'éclairage des cathédrales et des églises de la ville ; et les dons caritatifs. De nombreux diocèses détenaient déjà des dotations substantielles, mais les revenus ont énormément augmenté avec la Paix de l'Église ; en partie à cause de subventions impériales en nature, mais principalement de legs privés et de bienfaits privés réguliers (souvent appelés « prémices ») ; bien qu'à cette date, la dîme n'ait jamais été payée à l'église. En outre, de nombreux propriétaires fonciers individuels soutenaient des chapelles et des oratoires privés sur leur propre propriété ; et doté d'institutions caritatives indépendantes, et éventuellement de monastères et de couvents également.
La part de l'évêque
Augustin d'Hippone estimait son revenu personnel à 20 fois celui de son père, un petit fonctionnaire ; et Augustin n'était en aucun cas l'évêque le plus riche d'Afrique du Nord. Mais en acceptant de Constantin le statut de magistrats civils, les évêques s'engageaient désormais également à des dépenses substantielles pour maintenir leur nouveau style et leur nouveau statut ; et également pour remplir les tâches associées, par exemple en employant des évaluateurs juridiques qualifiés pour les assister lorsqu'ils siègent en tant que juges civils.
Part du clergé
Tous les clercs ordonnés attachés à la cathédrale étaient payés grâce aux allocations du fonds général. Cela s'appliquait aussi bien au clergé travaillant directement au sein de la cathédrale elle-même qu'au clergé, appelé canonici, attaché aux églises fondées par l'évêque dans la ville. À partir de la fin du IVe siècle, alors que la mission de l'Église s'étendait davantage aux zones rurales, des « églises baptistères » furent fondées dans des villages plus éloignés, afin que les populations rurales puissent recevoir localement le baptême de l'évêque ; et le clergé de ces églises était également considéré comme canonici et recevait une allocation régulière.
Part de tissu
De nombreuses inscriptions de donateurs montrent que la plupart des nouveaux programmes de construction d'églises ; les mosaïques, les toitures, le mobilier, ont été financés par des dons privés. Les frais d'entretien et d'éclairage tombaient cependant sur le fonds général. Cela s'appliquait également aux églises, connues sous le nom de tituli, desservies directement par le clergé de l'évêque, comprenant généralement également toutes les églises de maison survivantes de la période précédant la Paix de l'Église et les églises baptistères rurales ; mais non aux chapelles, appelées parochiae, établies par les propriétaires ruraux pour le confort de leurs locataires. L'évêque, du point de vue de son état civil, était censé contribuer aux travaux publics d'intérêt général ; aqueducs, ponts, cours d'eau.
Part caritative
Dans toutes les villes, les évêques consacrent des sommes substantielles au soutien des veuves, des orphelins et des pauvres. De tels dons constituaient une caractéristique importante de l'Église au cours des siècles précédents, mais ils avaient alors tendance à être spécifiquement destinés aux chrétiens dans le besoin. Désormais, la boussole charitable est devenue générale. On attendait particulièrement des évêques qu'ils assument la responsabilité de collecter des fonds pour les rançons là où des personnes locales étaient tombées captives. En outre, il était prévu que chaque diocèse soutienne un xenodochium, un foyer pour les sans-abri et les étrangers.
Personnel
De même que le statut de l'évêque a été transformé à la Paix de l'Église ; il en était de même pour le clergé masculin. Avec l'évêque résidant désormais dans l'épiscopium, l'autre clergé masculin fut reconnu comme sa familia formelle, en marque de laquelle le clergé masculin reçut désormais la tonsure en se rasant la tête ; il s'agit à l'origine d'un insigne romain d'adoption. L'Église primitive avait reconnu les ordres d'évêque, de prêtre (prêtre) et de diacre, mais une gamme d'ordres mineurs s'était depuis développée en plus ; et tous furent tonsurés. Ces ordres avaient désormais tendance à être compris comme des « grades » cléricaux, équivalents à ceux de l'armée, de sorte que le clergé masculin est désormais souvent qualifié de « milice cléricale ». Et comme dans la fonction militaire ou civile romaine, la promotion devait suivre le principe du cursus honorum, gravissant les échelons, avec l'espoir qu'idéalement, une période minimale serait accomplie dans chacun. Les ordres féminins de vierge, de veuve et de diacre restaient explicitement en dehors de la familia de l'évêque ; ils n’ont donc pas reçu la tonsure et n’ont pas non plus progressé dans le cursus honorum. Mais tous les ordres du clergé de la cathédrale, hommes et femmes, ont augmenté de façon spectaculaire en nombre. Vers 540, Justinien ordonna que la masse salariale de Sainte-Sophie soit strictement limitée à 60 prêtres, 100 diacres hommes, 90 sous-diacres, 110 lecteurs, 25 chanteurs, 100 portiers et 40 diacres femmes ; 525 en tout.
Évêques
Les évêques étaient à la tête de l'Église locale ; mais pas explicitement dans le cursus honorum, car la nomination se faisait par élection parmi le clergé et le peuple locaux. Il n’est pas surprenant que le clergé ait eu tendance à favoriser la nomination d’évêques parmi les prêtres des cathédrales ; mais le choix des laïcs locaux se tournait souvent plutôt vers des étrangers, qu'il s'agisse d'un saint homme spectaculaire, d'un ermite ou d'un ascète ; ou bien un haut fonctionnaire ou un diplomate, qui pourrait avoir des contacts favorables à exploiter à la cour. Mais la plupart des évêques étaient issus de la classe curiale, c'est-à-dire ceux qui détenaient le rang héréditaire de décurion avec l'obligation de siéger au conseil municipal, car seules les personnes de cette classe et au-dessus seraient susceptibles d'avoir une formation rhétorique complète en grammaire grecque et latine. ; sans cela, il n'était pas possible pour un garçon élevé avec une connaissance uniquement du langage vernaculaire de l'Antiquité tardive de s'exprimer dans des formes linguistiques classiques approuvées.
Presbytres et archiprêtres
On s'attendait à ce que le président normal de l'Eucharistie et du baptême soit l'évêque ; qui célébreraient tour à tour dans la cathédrale et dans les églises titulaires. Mais, dans la pratique, l'évêque avait besoin de suppléants pour le culte eucharistique et aussi pour l'Office divin de la prière quotidienne, et cette tâche incombait aux prêtres. L'évêque choisit comme archiprêtre un prêtre aîné qui agissait comme son adjoint officiel pour toutes les questions rituelles et comme chef de la familia. L'archiprêtre était également responsable de l'école de la cathédrale. Après le Ve siècle, il n’y avait plus de professeurs laïcs de rhétorique et de grammaire soutenus par l’État en Occident (sauf dans certaines parties de l’Italie) et l’Église devait donc éduquer les siens.
Diacres, sous-diacres et archidiacres
Tout comme les prêtres remplaçaient l'évêque pour les questions rituelles, les diacres suppléaient pour les questions administratives et financières, en particulier pour la collecte et la distribution de la charité. A la tête du diaconat se trouvait l'archidiacre ; le principal adjoint de l'évêque pour les affaires de gestion. Initialement de rang inférieur à l'archiprêtre, l'archidiacre avait acquis au VIe siècle une nette prééminence. Les sous-diacres assistaient les diacres, mais contrairement à eux, ils étaient autorisés à se marier après l'ordination ; par conséquent, de nombreux clercs arrêtèrent à ce stade le cursus honorum, et il n'était pas rare qu'un sous-diacre soit élu évêque ; et même le pape.
Portiers, exorcistes, lecteurs, acolytes et primicerius
Dans la pratique, les trois premiers de ces ordres avaient tendance à être donnés ensemble et étaient généralement appliqués à des garçons dès l'âge de sept ans. Ces garçons lecteurs étaient trop jeunes pour le lycée, mais étaient appréciés comme choristes et étaient donc inclus dans la Schola Cantorum ou école chorale. A l'origine sous la responsabilité des diacres, l'organisation des chœurs fut réformée par le pape Grégoire le Grand, qui introduisit à cet effet la charge de primicerius ou chantre en chef. Cela s'est avéré une réforme vitale; Comme sans aucun système complet de notation musicale, la seule façon de maintenir et de transmettre la musique sacrée était de faire appel à des chœurs professionnels possédant une solide formation musicale qui entreprenaient le culte de la cathédrale – et de telles compétences ne sont pas garanties d'être présentes chez les ecclésiastiques de haut rang.
Ordres féminins : vierges, veuves et diaconesses
Ces ordres avaient eu une importance considérable au cours des siècles précédents ; mais tend à être marginalisé dans les cathédrales à partir du IVe siècle. Tant que le baptême des adultes continuerait à être une pratique régulière, des femmes diacres continueraient à être nécessaires pour ce service ; mais par ailleurs, le principal facteur qui maintenait ces ordres était un effet d'entraînement de la règle de continence appliquée aux évêques, aux prêtres et aux diacres. Lorsqu'un homme était ordonné et emménageait dans l'épiscopium avec le reste de la familia de l'évêque ; il y aurait alors généralement également besoin d'un soutien à leurs mères, épouses et filles ; et les ordres des veuves et des vierges ont continué en grande partie dans ce but.
Les fonctions
Malgré de grandes différences au fil du temps dans les structures institutionnelles et les contextes historiques plus larges ; les fonctions clés établies pour les premières cathédrales ont eu tendance à rester des fonctions distinctes des cathédrales au fil des siècles ; un cycle régulier de prière chorale ; fournir un forum pour le leadership civique; un engagement envers l'enseignement supérieur; et la promotion et la diffusion de la musique.
Règle du clergé
Haut Moyen Âge : communautés religieuses
L'histoire du corps du clergé attaché à l'église cathédrale est obscure, et dans chaque cas des considérations locales ont influencé son développement, mais les principales caractéristiques étaient plus ou moins communes à tous.
A l'origine, l'évêque et le clergé de la cathédrale formaient une sorte de communauté religieuse qui, sans être un monastère au sens propre du terme, était néanmoins souvent appelée monastère, le mot n'ayant pas le sens restreint qu'il acquit par la suite. C'est là la raison de l'apparente anomalie selon laquelle des églises comme York Minster et Lincoln Cathedral, qui n'ont jamais eu de moines attachés, ont hérité du nom de cathédrale ou de monastère. Dans ces premières communautés, le clergé vivait souvent séparé dans ses propres habitations et se mariait assez souvent.
Au VIIIe siècle, Chrodegang, évêque de Metz (743-766), rédigea un code de règles pour le clergé des églises cathédrales, qui, bien que largement accepté en Allemagne et dans d'autres parties du continent, fut peu accepté en Angleterre.
Selon la règle de Chrodegang, le clergé de la cathédrale devait vivre sous un toit commun, occuper un dortoir commun et se soumettre à l'autorité d'un officier spécial. La règle de Chrodegang était en fait une modification de la règle bénédictine. Gisa, originaire de Lorraine, qui fut évêque de Wells de 1061 à 1088, l'introduisit en Angleterre et imposa son observance au clergé de son église cathédrale, mais elle ne fut pas suivie longtemps là-bas, ni ailleurs en Angleterre.
Bas Moyen Âge : cathédrales monastiques et laïques
Aux Xe et XIe siècles, le clergé des cathédrales s'organise plus nettement et se divise en deux classes. L'une était celle d'un établissement monastique d'un ordre reconnu de moines, souvent les Bénédictins, tandis que l'autre classe était celle d'un collège de clergé, lié par d'autres vœux que ceux de leur ordination, mais régi par un code de statuts ou de canons : d'où le nom de « canon ». C'est ainsi qu'est née la distinction entre les églises cathédrales monastiques et laïques. En dehors de la Grande-Bretagne, les cathédrales monastiques ne sont connues qu'à Monreale en Sicile et à Downpatrick en Irlande.
Dans le cas des églises monastiques cathédrales, le gouvernement interne était celui de l'ordre religieux auquel appartenait le chapitre et tous les membres gardaient une résidence perpétuelle.
L'alternative était la cathédrale gouvernée par un chapitre séculier ; les dignités de prévôt, doyen, chantre, chancelier, trésorier, etc., virent le jour pour le règlement et le bon ordre de l'église et de ses services, tandis que la non-résidence des chanoines, plutôt que leur résidence perpétuelle, devint la règle. , et conduisaient à ce que leurs fonctions soient exercées par un corps de « vicaires », qui officiaient pour eux aux services de l'église.
Réformation
Avant la Réforme, toutes les cathédrales d’Europe occidentale appartenaient à l’Église catholique romaine. En Angleterre, une grande partie de la structure du système monastique et cathédrale a été reconstituée pendant la Réforme anglaise. Bien que les cathédrales aient été conservées par l'Église d'Angleterre désormais indépendante et établie, les chapitres monastiques des cathédrales ont été dissous par le roi Henri VIII et, à l'exception de Bath et de Coventry, ont été refondés par lui sous forme de chapitres de chanoines avec un doyen comme chef et d'autres membres du clergé comme chanoines mineurs.
En Allemagne et dans d'autres régions d'Europe, avec la propagation de l'Église luthérienne, certaines églises anciennes, comme la cathédrale de Nidaros, en Norvège, et la cathédrale de Lübeck, en Allemagne, sont devenues le siège d'évêques protestants, comme en Angleterre. De nombreuses nouvelles églises ont été construites pour remplir la fonction administrative régionale d'une cathédrale. Cependant, toutes les églises qui font office de siège d'un évêque ne sont pas connues sous le nom de « cathédrale », la coutume variant d'un endroit à l'autre, selon la tradition locale. Certaines sont simplement désignées « église », comme c'est le cas de l'église Budolfi, la cathédrale luthérienne d'Aalborg au Danemark.
Les rôles
Prévôts
Dans la majeure partie de l'Europe, le premier chef d'une église laïque semble avoir été le prévôt (praepositus, probst, etc.), qui était chargé non seulement de la réglementation interne de l'église et de la surveillance des membres du chapitre et du contrôle de les services, mais était également l'intendant ou le sénéchal des terres et des possessions de l'Église. Ce dernier occupait souvent principalement son attention, au détriment de ses devoirs domestiques et ecclésiastiques, et des plaintes furent bientôt élevées contre le prévôt qui était trop mêlé aux affaires du monde et était trop souvent absent de ses devoirs spirituels.
Cela a conduit, dans de nombreux cas, à l'institution d'un nouvel officier appelé « doyen », qui était chargé de la partie des fonctions du prévôt liée à la discipline interne du chapitre et aux services de l'église.
Dans certains cas, la charge de prévôt est abolie, mais dans d'autres, elle est maintenue : le prévôt, qui est parfois également archidiacre, reste chef du chapitre. Cet arrangement était le plus couramment suivi en Allemagne. En Angleterre, le prévôt était presque inconnu. L'évêque Gisa a introduit un prévôt à la tête du chapitre de la cathédrale de Wells, mais la fonction a ensuite été subordonnée aux autres dignités et le prévôt est devenu simplement l'intendant de certaines des terres prébendales. Le prévôt de la collégiale de Beverley Minster était l'exemple le plus notable d'un tel officier en Angleterre, mais à Beverley, il était un officier extérieur avec autorité dans le gouvernement de l'église, sans stand dans le chœur et sans vote au chapitre.
En Allemagne et en Scandinavie, et dans quelques églises cathédrales du sud de la France, le prévôt était le chef ordinaire du chapitre de la cathédrale, mais cette fonction n'était pas courante ailleurs. En ce qui concerne la France, sur 136 églises cathédrales existant à la Révolution, 38 seulement, et celles soit aux frontières de l'Allemagne, soit à l'extrême sud, avaient un prévôt comme chef de chapitre. Dans d'autres, le prévôt existait en tant qu'officier subalterne. Il y avait deux prévôts à Autun, et Lyon et Chartres en avaient quatre chacun, tous comme officiers subalternes.
Chapitre séculier
La constitution normale du chapitre d'une église cathédrale laïque comprenait quatre dignitaires (il pouvait y en avoir plus), en plus des chanoines. Il s'agit du doyen, du chantre, du chancelier et du trésorier. Ces quatre dignitaires, occupant les quatre stalles d'angle du chœur, sont appelés dans de nombreux statuts le quatuor majores personae de l'église.
Doyens
Le rôle de doyen (de decanus) semble avoir tiré sa désignation du « doyen » bénédictin qui avait dix moines sous sa responsabilité. Le rôle de doyen a vu le jour pour remplacer le prévôt dans la gestion interne de l'église et du chapitre. En Angleterre, chaque église cathédrale laïque était dirigée par un doyen initialement élu par le chapitre et confirmé dans ses fonctions par l'évêque. Le doyen est président du chapitre et, au sein de la cathédrale, il est chargé de l'accomplissement des offices, en prenant des portions déterminées par statut sur les principales fêtes. Le doyen est assis dans la stalle principale du chœur, qui se trouve généralement à l'extrémité ouest du côté sud.
Précenteurs
A côté du doyen (en règle générale) se trouve le chantre (primicerius, chantre, etc.), dont la fonction particulière est de régler la partie musicale des offices. Le chantre préside en l'absence du doyen et occupe la stalle correspondante du côté nord, bien qu'il y ait des exceptions à cette règle, où, comme à Saint-Paul, l'archidiacre de la ville cathédrale occupe le deuxième rang et occupe ce qui est habituellement la stalle du chantre.
Chanceliers
Le troisième dignitaire est le chancelier (scholasticus, écoldtre, capiscol, magistral, etc.), qu'il ne faut pas confondre avec le chancelier du diocèse. Le chancelier de l'église cathédrale est chargé de la surveillance de ses écoles, doit lire les conférences de théologie, superviser les leçons dans le chœur et corriger les lecteurs négligents. Le chancelier est souvent le secrétaire et bibliothécaire du chapitre. En l'absence du doyen et du chantre, le chancelier est président du chapitre et, dans la cathédrale, se voit généralement attribuer la stalle la plus à l'est, du côté du doyen du chœur.
Trésoriers
Le quatrième dignitaire est le trésorier (custo, sacrisla, cheficier) qui est le gardien de la fabrique, de tous les meubles et ornements de l'église, et dont le devoir était de fournir du pain et du vin pour l'Eucharistie, des cierges et de l'encens. Le trésorier réglementait également des questions telles que la sonnerie des cloches. La stalle du trésorier est opposée à celle du chancelier.
Autre clergé
Dans de nombreuses églises cathédrales, il y a des dignitaires supplémentaires, comme le préélecteur, le sous-doyen, le vice-chancelier, le succenteur-canonicorum et d'autres, dont les rôles ont vu le jour pour suppléer aux autres dignitaires absents, car la non-résidence était | http://quiz4free.com/ |
Qui a conçu la robe de mariée de la reine ? | Norman Hartnell | [
"La robe de mariée de la princesse Elizabeth a été portée par la future reine Elizabeth II lors de son mariage avec Philip Mountbatten, duc d'Édimbourg, le 20 novembre 1947 à l'abbaye de Westminster. Compte tenu du rationnement des vêtements à l’époque, elle devait encore acheter le matériel à l’aide de coupons de rationnement. La robe a été conçue par Norman Hartnell. On disait que la signature de Hartnell était la broderie, et il aimait « travailler avec des tissus doux et flottants, en particulier le tulle et la mousseline, et avec des soies unies et brillantes ». La robe était en satin blanc doux, avec un décolleté haut, un corsage ajusté et une traîne courte.",
"Le mariage était un événement royal organisé après la fin de la Seconde Guerre mondiale. La robe, conçue par le créateur de la cour, avait une traîne de mariée à motifs étoilés d'une longueur de 13 pieds. Le train, symbole de renaissance et de croissance après la guerre, aurait été inspiré par le c. Peinture de 1482 de Primavera, en particulier les motifs de broderie élaborés de fleurs éparses sur la riche robe de satin et le voile de tulle porté par la mariée royale. Le matériau utilisé était de la soie ivoire et un diadème à franges de diamants fixait son voile. La robe était décorée de cristaux et de 10 000 perles de rocaille importées des États-Unis d'Amérique. Norman Hartnell, qui était créateur de la cour depuis 1938 et qui était le créateur de la robe, la qualifiait de \"plus belle robe que j'ai réalisée jusqu'à présent\"."
] | La robe de mariée de la princesse Elizabeth a été portée par la future reine Elizabeth II lors de son mariage avec Philip Mountbatten, duc d'Édimbourg, le 20 novembre 1947 à l'abbaye de Westminster. Compte tenu du rationnement des vêtements à l’époque, elle devait encore acheter le matériel à l’aide de coupons de rationnement. La robe a été conçue par Norman Hartnell. On disait que la signature de Hartnell était la broderie, et il aimait « travailler avec des tissus doux et flottants, en particulier le tulle et la mousseline, et avec des soies unies et brillantes ». La robe était en satin blanc doux, avec un décolleté haut, un corsage ajusté et une traîne courte.
La robe, sans bretelles et à manches longues, offrait une « silhouette ajustée et évasée ».
Conception
Le mariage était un événement royal organisé après la fin de la Seconde Guerre mondiale. La robe, conçue par le créateur de la cour, avait une traîne de mariée à motifs étoilés d'une longueur de 13 pieds. Le train, symbole de renaissance et de croissance après la guerre, aurait été inspiré par le c. Peinture de 1482 de Primavera, en particulier les motifs de broderie élaborés de fleurs éparses sur la riche robe de satin et le voile de tulle porté par la mariée royale. Le matériau utilisé était de la soie ivoire et un diadème à franges de diamants fixait son voile. La robe était décorée de cristaux et de 10 000 perles de rocaille importées des États-Unis d'Amérique. Norman Hartnell, qui était créateur de la cour depuis 1938 et qui était le créateur de la robe, la qualifiait de "plus belle robe que j'ai réalisée jusqu'à présent".
En raison des mesures d'austérité qui ont suivi la guerre, la princesse Elizabeth a dû utiliser des coupons de rationnement pour payer sa robe. Le gouvernement lui a accordé 200 coupons de rationnement supplémentaires. Elle a reçu des centaines de coupons de vêtements de la part de futures mariées de toutes les régions du pays pour l'aider à payer sa robe. Elle a dû rendre les coupons cadeaux car il était illégal pour elle de les utiliser.
Les modèles de la robe ont été approuvés trois mois avant le mariage. La recherche par Hartnell de designs appropriés dans les galeries d'art de Londres l'avait conduit à la figure de Botticelli. C'est ce qui a inspiré l'utilisation de la soie ivoire avec des motifs floraux de jasmin, de smilax, de lilas et de roses blanches ajoutés à la traîne, agrémentés de cristaux et de perles blancs. Ces motifs étaient transférés en dessins pour permettre aux experts en broderie de travailler dessus. Le tissu de soie a été choisi selon les directives spécifiques de sa mère, la reine, qui désirait un « satin rigide exceptionnellement riche et brillant fabriqué au château de Lullington ». Les vers à soie pour fabriquer la soie ont été achetés à la Chine nationaliste et non à l'ennemi de l'époque. pays du Japon et de l'Italie, qualifiés de « vers à soie ennemis ». Le satin a été choisi pour la traîne, et un matériau plus souple du même ton que la traîne a été choisi pour la robe. Cependant, malgré le choix minutieux de la robe. soie, le conservateur du Musée de Londres a observé 30 ans plus tard, lors de l'exposition de la robe au musée, que « le choix de la soie n'était pas le bon » car le tissu s'était détérioré. Il a également été noté que « le poids de la broderie ». a fait glisser la jupe vers le bas, augmentant ainsi la tension sur le tissage.
Le design final de la robe est resté secret, même si de nombreuses spéculations l'entouraient. On a dit que la princesse craignait que si les détails étaient publiés, des copies de maisons de couture l'empêcheraient d'apporter des modifications de dernière minute au design. La robe a été apportée au palais un jour avant le mariage dans une boîte de 4 pieds. Le jour du mariage, la robe scintillait, ornée de perles « habilement combinées avec des lignes fluides d’épis de blé, symbole de fertilité, et travaillées en perles et diamants ».
Similitudes
La robe de mariée de la princesse Elizabeth a établi des parallèles avec la robe de conception similaire portée par Grace Kelly en 1956 et la robe de mariée « décor de Westminster » que Sarah Burton d'Alexander McQueen a conçue pour Catherine Middleton ; des points de similitude particuliers ont été mis en évidence dans les plis et la silhouette de la jupe. | http://quiz4free.com/ |
Qui a écrit « La chouette et le minou » ? | Edward Lear | [
"\"La chouette et le minou\" est un poème absurde d'Edward Lear, publié pour la première fois en 1871 dans le cadre de son livre Chansons, histoires, botanique et alphabets absurdes.",
"* Elton Hayes a réalisé un enregistrement de la musique de Hely-Hutchinson pour Parlophone en 1953. Il est devenu un élément régulier de Children's Favorites et a été l'un des six enregistrements d'Edward Lear qu'il a réalisés."
] | "La chouette et le minou" est un poème absurde d'Edward Lear, publié pour la première fois en 1871 dans le cadre de son livre Chansons, histoires, botanique et alphabets absurdes.
Lear a écrit le poème pour une fillette de trois ans, Janet Symonds, la fille du poète ami de Lear, John Addington Symonds, et de son épouse Catherine Symonds. Le terme « runcible », utilisé pour l'expression « runcible Spoon », a été inventé pour le poème.
Synopsis
"La chouette et le minou" présente quatre animaux anthropomorphes - un hibou, un chat, un cochon et une dinde - et raconte l'histoire de l'amour entre les personnages principaux qui se marient dans le pays "où pousse l'arbre Bong".
La Chouette et le Chaton ont pris la mer dans un bateau vert pois avec du miel et « beaucoup d'argent » enveloppés dans un billet de cinq livres. Le hibou fait la sérénade au Pussycat tout en regardant les étoiles et en jouant sur une petite guitare. Il la décrit comme belle. Le Pussycat répond en décrivant le hibou comme un « oiseau élégant » et le complimente pour son chant. Elle les exhorte à se marier mais ils n'ont pas de bague. Ils naviguent pendant un an et un jour vers une terre où poussent des arbres Bong et découvrent un cochon avec un anneau dans le nez dans un bois. Ils achètent la bague pour un shilling et se marient le lendemain avec une dinde. Ils mangent de la viande hachée et des coings à l'aide d'une « cuillère runcible », puis dansent main dans la main sur le sable au clair de lune.
Des parties d'une suite inachevée, "Les enfants de la chouette et du minou", ont été publiées pour la première fois à titre posthume, en 1938. La manière dont le couple a procréé n'est pas précisée, mais les enfants sont en partie une volaille et en partie un chat. Tout le monde aime manger des souris. La famille vit dans des endroits aux noms étranges où leur mère, le chat, est morte en tombant d'un grand arbre. Ce décès a causé une grande tristesse à leur père, le hibou. L'argent est entièrement dépensé mais le père chante toujours sur la guitare originale.
D'autres média
* Beatrix Potter a écrit une préquelle, The Tale of Little Pig Robinson, racontant l'histoire du personnage de cochon.
* L'histoire a été mise en musique et animée à de nombreuses reprises, notamment par Igor Stravinsky en 1966 en utilisant la technique dodécaphonique (un enregistrement a été réalisé sous la direction du compositeur pour Columbia Records), John Rutter, Victor Hely-Hutchinson, Burl Ives, Humphrey. Searle en 1951, utilisant la technique dodécaphonique pour la flûte, la guitare et le violoncelle d'accompagnement, mais le sprechgesang pour la partie vocale, et Laurie Anderson.
* Elton Hayes a réalisé un enregistrement de la musique de Hely-Hutchinson pour Parlophone en 1953. Il est devenu un élément régulier de Children's Favorites et a été l'un des six enregistrements d'Edward Lear qu'il a réalisés.
* Le film de 1965 Fun in Balloon Land contient des références au poème et fait référence à la Turquie comme « La Turquie qui se marie ».
* C'était le sujet principal d'une pièce musicale pour enfants de 1968 sur les poèmes absurdes de Lear, intitulée La chouette et le minou sont allés voir... La pièce a été écrite par Sheila Ruskin et David Wood.
* Le titre a été emprunté pour une pièce de théâtre sans rapport avec le film de 1970 mettant en vedette Barbra Streisand et George Segal.
* En 1971, un dessin animé basé sur le poème a été réalisé par Weston Woods.
* Dans le long métrage d'animation Disney de 1968, Winnie l'ourson et le Blustery Day, qui fera plus tard partie des nombreuses aventures de Winnie l'ourson de 1977, le personnage de Hibou mentionne un de ses proches qui serait "parti en mer dans un bateau vert pois" avec un minou.
* Les deux personnages principaux ont inspiré X the Owl et Henrietta Pussycat dans le "Neighborhood of Make-Believe" de Mister Rogers' Neighborhood.
* Laurie Anderson a composé et enregistré une version intitulée Beautiful Pea Green Boat qui est apparue sur son album Bright Red de 1994.
* Eric Idle, ancien membre des Monty Python, a écrit un livre pour enfants intitulé Les aventures assez remarquables de la chouette et du minou qui était basé sur le poème. C'est une longue histoire sur le moment où la chouette et le minou ont été attaqués par une bande de rats impitoyables qui tentaient de voler des tartes. Il a été illustré par Wesla Weller et a été publié pour la première fois en 1996 avec une version audio comprenant quelques chansons d'Idle lui-même.
* Entre 2001 et 2003, Stewart Lee a écrit et interprété un spectacle intitulé Pea Green Boat. Le spectacle comprenait une version étendue de l'histoire de « La chouette et le minou », y compris le poème original. Une version de 21 minutes de l'émission a été mise à disposition dans le commerce.
* En 2004, le Folk Duo Sandwich (Buddy Freebury et Andrea Hallier) a enregistré une version musicale du poème sur un air écrit par Andrea Hallier (maintenant Andrea Freebury). Elle a été incluse sur leur troisième album Crystal Ball.
* Le sixième album de Sananda Maitreya, Angels & Vampires – Volume II, contient un morceau intitulé « The Owl and the Pussycat ».
* Une scène supprimée destinée à l'épisode de Family Guy "Quagmire's Baby" implique Glenn Quagmire en train de lire le livre à sa fille, mais ensuite excité par la nature sexuelle de l'histoire.
*En 2013, Julia Donaldson et Charlotte Voake ont publié une suite au poème de Lear, intitulée Les aventures ultérieures de la chouette et du minou. | http://quiz4free.com/ |
Qui était l'épouse française de Charles 1er ? | Henrietta Maria | [
"Charles était le deuxième fils du roi Jacques VI d'Écosse, mais après que son père eut hérité du trône d'Angleterre en 1603, il s'installa en Angleterre, où il passa la majeure partie du reste de sa vie. Il devint l'héritier présomptif des trônes anglais, irlandais et écossais à la mort de son frère aîné, Henry Frederick, prince de Galles, en 1612. Une tentative infructueuse et impopulaire de le marier à la princesse espagnole des Habsbourg, Maria Anna, aboutit à une dispute de huit ans. Visite d'un mois en Espagne en 1623 qui démontra la futilité des négociations de mariage. Deux ans plus tard, il épousa la princesse Bourbon Henrietta Maria de France.",
"Avec l'échec du match espagnol, Charles et Buckingham se tournèrent vers la France. Le 1er mai 1625, Charles se maria par procuration avec la princesse française Henrietta Maria, âgée de quinze ans, devant les portes de Notre-Dame de Paris. Charles avait vu Henrietta Maria à Paris alors qu'il était en route vers l'Espagne. Le couple se maria personnellement le 13 juin 1625 à Cantorbéry. Charles a retardé l'ouverture de son premier Parlement jusqu'après la deuxième cérémonie, pour prévenir toute opposition. De nombreux membres des Communes étaient opposés au mariage du roi avec un catholique, craignant que Charles ne lève les restrictions imposées aux catholiques récusants et ne sape l'établissement officiel de l'Église réformée d'Angleterre. Bien qu'il ait déclaré au Parlement qu'il n'assouplirait pas les restrictions religieuses, il a promis de faire exactement cela dans un traité de mariage secret avec Louis XIII de France. De plus, le traité plaçait sous commandement français une force navale anglaise qui serait utilisée pour réprimer les huguenots protestants à La Rochelle. Charles fut couronné le 2 février 1626 à l'abbaye de Westminster, mais sans son épouse à ses côtés car elle refusait de participer à une cérémonie religieuse protestante.",
"Pendant ce temps, des querelles domestiques entre Charles et Henrietta Maria altèrent les premières années de leur mariage. Les différends concernant son union, les nominations dans sa maison et la pratique de sa religion culminèrent lorsque le roi expulsa la grande majorité de ses serviteurs français en août 1626. Malgré l'accord de Charles de fournir aux Français des navires anglais comme condition pour épouser Henrietta Maria, en 1627, il lance une attaque sur les côtes françaises pour défendre les huguenots à La Rochelle. L’action, menée par Buckingham, n’a finalement pas abouti. L'échec de Buckingham à protéger les huguenots – et sa retraite de Saint-Martin-de-Ré – ont déclenché le siège de La Rochelle par Louis XIII et ont accru la haine du Parlement anglais et du peuple à l'égard du duc.",
"Le 23 août 1628, Buckingham est assassiné. Charles était profondément bouleversé. Selon Edward Hyde, 1er comte de Clarendon, il « se jeta sur son lit, se lamentant avec beaucoup de passion et avec beaucoup de larmes ». Il resta deux jours en deuil dans sa chambre. En revanche, le public se réjouit de la mort de Buckingham, qui accentua le fossé entre la cour et la nation, et entre la Couronne et les Communes. Bien que la mort de Buckingham ait effectivement mis fin à la guerre avec l'Espagne et éliminé son leadership, elle n'a pas mis fin aux conflits entre Charles et le Parlement. Cela coïncida cependant avec une amélioration des relations de Charles avec sa femme et, en novembre 1628, leurs vieilles querelles prirent fin. Peut-être que les liens affectifs de Charles ont été transférés de Buckingham à Henrietta Maria. Elle est tombée enceinte pour la première fois et le lien entre eux est devenu de plus en plus fort. Ensemble, ils incarnaient une image de vertu et de vie de famille, et leur cour devenait un modèle de formalité et de moralité."
] | Charles Ier (19 novembre 1600 - 30 janvier 1649) fut monarque des trois royaumes d'Angleterre, d'Écosse et d'Irlande du 27 mars 1625 jusqu'à son exécution en 1649.
Charles était le deuxième fils du roi Jacques VI d'Écosse, mais après que son père eut hérité du trône d'Angleterre en 1603, il s'installa en Angleterre, où il passa la majeure partie du reste de sa vie. Il devint l'héritier présomptif des trônes anglais, irlandais et écossais à la mort de son frère aîné, Henry Frederick, prince de Galles, en 1612. Une tentative infructueuse et impopulaire de le marier à la princesse espagnole des Habsbourg, Maria Anna, aboutit à une dispute de huit ans. Visite d'un mois en Espagne en 1623 qui démontra la futilité des négociations de mariage. Deux ans plus tard, il épousa la princesse Bourbon Henrietta Maria de France.
Après sa succession, Charles se disputa avec le Parlement d'Angleterre, qui cherchait à restreindre sa prérogative royale. Charles croyait au droit divin des rois et pensait pouvoir gouverner selon sa propre conscience. Beaucoup de ses sujets s'opposaient à sa politique, en particulier la levée d'impôts sans le consentement du Parlement, et percevaient ses actions comme celles d'un monarque absolu tyrannique. Sa politique religieuse, associée à son mariage avec une catholique romaine, a généré l'antipathie et la méfiance de groupes réformés tels que les puritains et les calvinistes, qui pensaient que ses opinions étaient trop catholiques. Il a soutenu les ecclésiastiques de la haute église, tels que Richard Montagu et William Laud, et n'a pas réussi à aider les forces protestantes pendant la guerre de Trente Ans. Ses tentatives pour forcer l'Église d'Écosse à adopter des pratiques anglicanes élevées conduisirent aux guerres épiscopales, renforcèrent la position des parlements anglais et écossais et contribuèrent à précipiter sa propre chute.
À partir de 1642, Charles combattit les armées des parlements anglais et écossais lors de la guerre civile anglaise. Après sa défaite en 1645, il se rendit aux forces écossaises qui le livrèrent finalement au Parlement anglais. Charles refusa d'accepter les demandes de ses ravisseurs concernant une monarchie constitutionnelle et échappa temporairement à la captivité en novembre 1647. Réemprisonné sur l'île de Wight, Charles forge une alliance avec l'Écosse, mais à la fin de 1648, la nouvelle armée modèle d'Oliver Cromwell avait consolidé son contrôle sur l'Angleterre. Charles fut jugé, reconnu coupable et exécuté pour haute trahison en janvier 1649. La monarchie fut abolie et une république appelée Commonwealth d'Angleterre fut déclarée. La monarchie fut restituée au fils de Charles, Charles II, en 1660.
Début de la vie
Deuxième fils du roi Jacques VI d'Écosse et d'Anne de Danemark, Charles est né au palais de Dunfermline, Fife, le 19 novembre 1600. Lors d'une cérémonie protestante à la chapelle royale du palais de Holyrood à Édimbourg le 23 décembre 1600, il fut baptisé par David Lindsay, évêque de Ross, et créa duc d'Albany, titre traditionnel du deuxième fils du roi d'Écosse, avec les titres subsidiaires de marquis d'Ormond, comte de Ross et Lord Ardmannoch.
Jacques VI était le cousin germain de la reine Elizabeth I d'Angleterre à deux reprises et, lorsqu'elle mourut sans enfant en mars 1603, il devint roi d'Angleterre sous le nom de Jacques Ier. Charles était un enfant faible et maladif, et tandis que ses parents et ses frères et sœurs aînés partaient pour Angleterre en avril et début juin de la même année, en raison de sa santé fragile, il resta en Écosse avec l'ami de son père, Lord Fyvie, nommé son tuteur.
En 1604, alors que Charles avait trois ans et demi, il était capable de parcourir la grande salle du palais de Dunfermline sans aide, et il fut décidé qu'il était assez fort pour faire le voyage en Angleterre pour retrouver sa famille. À la mi-juillet 1604, Charles quitta Dunfermline pour l'Angleterre où il passera la majeure partie du reste de sa vie. En Angleterre, Charles fut placé sous la responsabilité d'Elizabeth, Lady Carey, l'épouse du courtisan Sir Robert Carey, qui lui enfila des bottes en cuir espagnol et en laiton pour l'aider à renforcer ses chevilles faibles. Son développement de la parole était également lent et il a conservé un bégaiement ou un discours hésitant pour le reste de sa vie.
En janvier 1605, Charles fut créé duc d'York, comme c'est l'usage pour le deuxième fils du souverain anglais, et fait chevalier du Bain. Thomas Murray, un Écossais presbytérien, a été nommé tuteur. Charles a appris les matières habituelles des classiques, des langues, des mathématiques et de la religion. En 1611, il fut fait chevalier de la Jarretière.
Finalement, Charles a apparemment vaincu son infirmité physique, qui pourrait avoir été causée par le rachitisme. Il est devenu un cavalier et un tireur d'élite adepte et s'est mis à l'escrime. Malgré cela, son profil public est resté faible, contrairement à celui de son frère aîné physiquement plus fort et plus grand, Henry Frederick, prince de Galles, que Charles adorait et tentait d'imiter. Cependant, début novembre 1612, Henry mourut à l'âge de 18 ans de ce que l'on soupçonne être une typhoïde (ou peut-être une porphyrie). Charles, qui a eu 12 ans deux semaines plus tard, est devenu l'héritier présomptif. En tant que fils aîné survivant du souverain, Charles obtint automatiquement plusieurs titres (dont duc de Cornouailles et duc de Rothesay). Quatre ans plus tard, en novembre 1616, il fut créé prince de Galles et comte de Chester.
Héritier présomptif
En 1613, sa sœur Elizabeth épousa Frédéric V, électeur palatin, et s'installa à Heidelberg. En 1617, l'archiduc Ferdinand d'Autriche des Habsbourg, catholique, fut élu roi de Bohême. L'année suivante, les Bohémiens se révoltèrent en défenestrant les gouverneurs catholiques. En août 1619, la diète de Bohême choisit comme monarque Frédéric V, chef de l'Union protestante, tandis que Ferdinand fut élu empereur du Saint-Empire lors des élections impériales. L'acceptation par Frédéric de la couronne de Bohême au mépris de l'empereur marqua le début de la tourmente qui allait se transformer en guerre de Trente Ans. Le conflit, initialement confiné à la Bohême, s’est transformé en une guerre européenne plus large, que le Parlement anglais et le public ont rapidement perçu comme une lutte continentale polarisée entre catholiques et protestants. En 1620, le beau-frère de Charles, Frédéric V, fut vaincu à la bataille de la Montagne Blanche près de Prague et ses terres héréditaires du Palatinat électoral furent envahies par une force des Habsbourg des Pays-Bas espagnols. James, cependant, cherchait à marier le nouveau prince de Galles et la nièce de Ferdinand, la princesse des Habsbourg Maria Anna d'Espagne, et commença à voir le mariage espagnol comme un moyen diplomatique possible pour parvenir à la paix en Europe.
Malheureusement pour James, les négociations avec l'Espagne se sont révélées généralement impopulaires, tant auprès du public que de la cour de James. Le Parlement anglais était activement hostile à l'Espagne et au catholicisme et ainsi, lorsqu'ils furent convoqués par James en 1621, les membres espéraient l'application des lois de récusation, une campagne navale contre l'Espagne et un mariage protestant pour le prince de Galles. Le Lord Chancelier de James, Francis Bacon, a été destitué devant la Chambre des Lords pour corruption. Cette mise en accusation était la première depuis 1459 sans la sanction officielle du roi sous la forme d'un projet de loi. L'incident a créé un précédent important puisque le processus de mise en accusation serait plus tard utilisé contre Charles et ses partisans : le duc de Buckingham, l'archevêque Laud et le comte de Strafford. James a insisté pour que la Chambre des communes se préoccupe exclusivement des affaires intérieures, tandis que les membres ont protesté en affirmant qu'ils avaient le privilège de la liberté d'expression dans les murs des Communes, exigeant la guerre avec l'Espagne et une princesse de Galles protestante. Charles, comme son père, considérait la discussion de son mariage à la Chambre des Communes comme impertinente et comme une atteinte à la prérogative royale de son père. En janvier 1622, James dissout le Parlement, en colère contre ce qu'il percevait comme l'impudence et l'intransigeance des membres.
Charles et le duc de Buckingham, le favori de James et un homme qui avait une grande influence sur le prince, se rendirent incognito en Espagne en février 1623 pour tenter de parvenir à un accord sur le match espagnol en attente depuis longtemps. Mais en fin de compte, le voyage fut un échec embarrassant. L'Infante pensait que Charles n'était guère plus qu'un infidèle, et les Espagnols exigeèrent d'abord qu'il se convertisse au catholicisme romain comme condition du match. Les Espagnols insistaient sur la tolérance envers les catholiques en Angleterre et sur l'abrogation des lois pénales, dont Charles savait qu'elles ne seraient jamais approuvées par le Parlement, et sur le fait que l'infante restait en Espagne pendant un an après tout mariage pour s'assurer que l'Angleterre respectait tous les termes de la loi. le traité. Une querelle personnelle éclata entre Buckingham et le comte d'Olivares, le principal ministre espagnol, et Charles mena donc personnellement les négociations finalement futiles. Lorsque Charles revint à Londres en octobre, sans épouse et avec un accueil public ravi et soulagé, lui et Buckingham poussèrent un roi Jacques réticent à déclarer la guerre à l'Espagne.
Encouragé par ses conseillers protestants, James convoqua le Parlement anglais en 1624 afin de demander des subventions pour une guerre. Charles et Buckingham ont soutenu la mise en accusation du Lord Trésorier, Lionel Cranfield, 1er comte de Middlesex, qui s'est opposé à la guerre pour des raisons de coût et qui est rapidement tombé à peu près de la même manière que Bacon. James a dit à Buckingham qu'il était un imbécile et a prévenu son fils qu'il vivrait pour regretter la résurgence de la destitution en tant qu'outil parlementaire. Une armée de fortune sous-financée dirigée par Ernst von Mansfeld partit pour récupérer le Palatinat, mais elle était si mal approvisionnée qu'elle n'avança jamais au-delà de la côte néerlandaise.
En 1624, James tombait malade et avait par conséquent du mal à contrôler le Parlement. Au moment de sa mort en mars 1625, Charles et le duc de Buckingham avaient déjà pris le contrôle de facto du royaume.
Début du règne
Avec l'échec du match espagnol, Charles et Buckingham se tournèrent vers la France. Le 1er mai 1625, Charles se maria par procuration avec la princesse française Henrietta Maria, âgée de quinze ans, devant les portes de Notre-Dame de Paris. Charles avait vu Henrietta Maria à Paris alors qu'il était en route vers l'Espagne. Le couple se maria personnellement le 13 juin 1625 à Cantorbéry. Charles a retardé l'ouverture de son premier Parlement jusqu'après la deuxième cérémonie, pour prévenir toute opposition. De nombreux membres des Communes étaient opposés au mariage du roi avec un catholique, craignant que Charles ne lève les restrictions imposées aux catholiques récusants et ne sape l'établissement officiel de l'Église réformée d'Angleterre. Bien qu'il ait déclaré au Parlement qu'il n'assouplirait pas les restrictions religieuses, il a promis de faire exactement cela dans un traité de mariage secret avec Louis XIII de France. De plus, le traité plaçait sous commandement français une force navale anglaise qui serait utilisée pour réprimer les huguenots protestants à La Rochelle. Charles fut couronné le 2 février 1626 à l'abbaye de Westminster, mais sans son épouse à ses côtés car elle refusait de participer à une cérémonie religieuse protestante.
La méfiance à l'égard de la politique religieuse de Charles s'est accrue avec son soutien à un ecclésiastique anti-calviniste controversé, Richard Montagu, qui était en discrédit parmi les puritains. Dans son pamphlet Un nouveau bâillon pour une vieille oie (1624), une réponse au pamphlet catholique Un nouveau bâillon pour le nouvel évangile, Montagu s'oppose à la prédestination calviniste, la doctrine selon laquelle le salut et la damnation étaient prédéterminés par Dieu. Les anti-calvinistes – connus sous le nom d’Arminiens – croyaient que les êtres humains pouvaient influencer leur propre destin grâce à l’exercice de leur libre arbitre. Les théologiens arminiens avaient été l'une des rares sources de soutien au mariage espagnol proposé par Charles. Avec le soutien du roi Jacques, Montagu produisit une autre brochure, intitulée Appello Caesarem, en 1625, peu après la mort du vieux roi et l'avènement de Charles. Pour protéger Montagu des critiques des députés puritains, Charles fit de lui l'un de ses aumôniers royaux, augmentant ainsi les soupçons de nombreux puritains selon lesquels Charles favorisait l'arminianisme comme une tentative clandestine d'aider à la résurgence du catholicisme.
Plutôt que de s'impliquer directement dans la guerre terrestre européenne, le Parlement anglais préféra une attaque navale relativement peu coûteuse contre les colonies espagnoles du Nouveau Monde, dans l'espoir de capturer les flottes de trésors espagnoles. Le Parlement vota l'octroi d'une subvention de 140 000 £, somme insuffisante pour les plans de guerre de Charles. De plus, la Chambre des Communes a limité son autorisation de perception royale du tonnage et du poids (deux types de droits de douane) à une période d'un an, bien que les souverains précédents depuis Henri VI d'Angleterre aient obtenu ce droit à vie. De cette manière, le Parlement pourrait retarder l'approbation des taux jusqu'à ce qu'un examen complet des recettes douanières soit effectué. Le projet de loi n'a fait aucun progrès à la Chambre des Lords après sa première lecture. Bien qu'aucune loi parlementaire n'ait été obtenue pour le prélèvement du tonnage et du fourrage, Charles a continué à percevoir les droits.
Une expédition navale mal conçue et exécutée contre l'Espagne sous la direction de Buckingham s'est mal déroulée et la Chambre des communes a entamé une procédure de destitution du duc. En mai 1626, Charles nomma Buckingham chancelier de l'Université de Cambridge en signe de soutien et fit arrêter à la porte de la Chambre deux membres qui s'étaient prononcés contre Buckingham – Dudley Digges et Sir John Eliot. Les Communes ont été indignées par l'emprisonnement de deux de leurs membres et, après environ une semaine de détention, tous deux ont été libérés. Le 12 juin 1626, les Communes lancèrent une protestation directe contre Buckingham, déclarant :
"Nous protestons devant Votre Majesté et devant le monde entier que tant que ce grand personnage n'aura pas été retiré de notre ingérence dans les grandes affaires de l'État, nous n'aurons aucun espoir de succès ; et nous craignons que l'argent que nous donnerons ou pourrons donner ne soit, par son mauvais emploi, soit tourné plutôt vers le préjudice et les préjugés de votre royaume que autrement, car par une lamentable expérience, nous avons découvert ces grandes fournitures autrefois et récemment données. Malgré les protestations du Parlement, Charles a refusé de renvoyer son ami, renvoyant le Parlement à la place.
Pendant ce temps, des querelles domestiques entre Charles et Henrietta Maria altèrent les premières années de leur mariage. Les différends concernant son union, les nominations dans sa maison et la pratique de sa religion culminèrent lorsque le roi expulsa la grande majorité de ses serviteurs français en août 1626. Malgré l'accord de Charles de fournir aux Français des navires anglais comme condition pour épouser Henrietta Maria, en 1627, il lance une attaque sur les côtes françaises pour défendre les huguenots à La Rochelle. L’action, menée par Buckingham, n’a finalement pas abouti. L'échec de Buckingham à protéger les huguenots – et sa retraite de Saint-Martin-de-Ré – ont déclenché le siège de La Rochelle par Louis XIII et ont accru la haine du Parlement anglais et du peuple à l'égard du duc.
Charles a provoqué de nouveaux troubles en essayant de collecter des fonds pour la guerre grâce à un « emprunt forcé » : un impôt perçu sans le consentement du Parlement. En novembre 1627, l'affaire test devant le Banc du Roi, l'« Affaire des Cinq Chevaliers », conclut que le roi avait le droit d'emprisonner sans procès ceux qui refusaient de payer l'emprunt forcé. Convoqué à nouveau en mars 1628, le Parlement adopta le 26 mai une pétition de droit, appelant le roi à reconnaître qu'il ne pouvait pas lever d'impôts sans le consentement du Parlement, ne pas imposer la loi martiale aux civils, ne pas les emprisonner sans procédure régulière et ne pas cantonner les troupes. dans leurs maisons. Charles a accepté la pétition le 7 juin, mais à la fin du mois, il avait prorogé le Parlement et réaffirmé son droit de percevoir des droits de douane sans autorisation du Parlement.
Le 23 août 1628, Buckingham est assassiné. Charles était profondément bouleversé. Selon Edward Hyde, 1er comte de Clarendon, il « se jeta sur son lit, se lamentant avec beaucoup de passion et avec beaucoup de larmes ». Il resta deux jours en deuil dans sa chambre. En revanche, le public se réjouit de la mort de Buckingham, qui accentua le fossé entre la cour et la nation, et entre la Couronne et les Communes. Bien que la mort de Buckingham ait effectivement mis fin à la guerre avec l'Espagne et éliminé son leadership, elle n'a pas mis fin aux conflits entre Charles et le Parlement. Cela coïncida cependant avec une amélioration des relations de Charles avec sa femme et, en novembre 1628, leurs vieilles querelles prirent fin. Peut-être que les liens affectifs de Charles ont été transférés de Buckingham à Henrietta Maria. Elle est tombée enceinte pour la première fois et le lien entre eux est devenu de plus en plus fort. Ensemble, ils incarnaient une image de vertu et de vie de famille, et leur cour devenait un modèle de formalité et de moralité.
Règle personnelle
Le Parlement est prorogé
En janvier 1629, Charles ouvrit la deuxième session du Parlement anglais, prorogée en juin 1628, par un discours modéré sur la question du tonnage et du livre. Les membres de la Chambre des communes ont commencé à exprimer leur opposition à la politique de Charles à la lumière du cas de John Rolle, un député dont les biens avaient été confisqués pour défaut de paiement du tonnage et du poids. De nombreux députés ont considéré l'imposition de cette taxe comme une violation de la pétition de droit. Lorsque Charles a ordonné un ajournement parlementaire le 2 mars, les membres ont maintenu le président, Sir John Finch, sur sa chaise afin que la fin de la session puisse être retardée suffisamment longtemps pour que les résolutions contre le catholicisme, l'arminianisme et le tonnage et le poids soient lues et acclamé par la chambre. La provocation était trop forte pour Charles, qui dissout le Parlement et fit emprisonner neuf dirigeants parlementaires, dont Sir John Eliot, à cause de cette affaire, transformant ainsi ces hommes en martyrs et donnant une cause populaire à leur protestation.
Peu de temps après la prorogation, sans les moyens dans un avenir prévisible de lever des fonds auprès du Parlement pour une guerre européenne, ni l'influence de Buckingham, Charles fit la paix avec la France et l'Espagne. Les onze années suivantes, pendant lesquelles Charles dirigea l'Angleterre sans Parlement, sont appelées le règne personnel ou « la tyrannie des onze ans ». Diriger sans le Parlement n’était pas exceptionnel et était soutenu par un précédent. Cependant, seul le Parlement pouvait légalement augmenter les impôts, et sans lui, la capacité de Charles d'acquérir des fonds pour son trésor était limitée à ses droits et prérogatives coutumiers.
Finances
Un important déficit budgétaire était apparu sous les règnes d'Elizabeth I et de James I. Malgré les campagnes de courte durée de Buckingham contre l'Espagne et la France, Charles avait peu de capacité financière pour mener des guerres à l'étranger. Tout au long de son règne, Charles fut obligé de s'appuyer principalement sur des forces volontaires pour sa défense et sur des efforts diplomatiques pour soutenir sa sœur Elizabeth et son objectif de politique étrangère de restauration du Palatinat. L'Angleterre était encore le pays le moins imposé d'Europe, sans accises officielles ni impôt direct régulier. Pour augmenter les revenus sans convoquer à nouveau le Parlement, Charles a ressuscité une loi presque oubliée appelée « saisie de la chevalerie », en suspens depuis plus d'un siècle, qui obligeait tout homme gagnant 40 £ ou plus de la terre chaque année à se présenter au Parlement. le couronnement du roi doit être fait chevalier. S'appuyant sur cet ancien statut, Charles infligea une amende aux personnes qui n'auraient pas assisté à son couronnement en 1626.
Le principal impôt imposé par Charles était un prélèvement féodal connu sous le nom de monnaie de navire, qui s'est avéré encore plus impopulaire et lucratif que le livre et le tonnage avant lui. Auparavant, la collecte de fonds maritimes n'était autorisée qu'en temps de guerre, et uniquement dans les régions côtières. Charles, cependant, a fait valoir qu'il n'y avait aucun obstacle légal à la perception de l'impôt pour la défense en temps de paix et dans l'ensemble du royaume. L'argent des navires, versé directement au Trésor de la Marine, fournissait entre 150 000 et 200 000 £ par an entre 1634 et 1638, après quoi les rendements ont diminué. L'opposition à l'envoi d'argent ne cessait de croître, mais les 12 juges de common law d'Angleterre déclarèrent que l'impôt relevait de la prérogative du roi, même si certains d'entre eux avaient des réserves. La poursuite contre John Hampden pour non-paiement en 1637-1638 a fourni une plate-forme de protestation populaire, et les juges n'ont statué contre Hampden que par une étroite marge de 7-5.
Le roi obtenait également de l'argent en accordant des monopoles, malgré une loi interdisant de telles actions, qui, bien qu'inefficaces, rapportaient environ 100 000 £ par an à la fin des années 1630. L'un de ces monopoles concernait le savon, appelé savon papiste. Charles a également collecté des fonds auprès de la noblesse écossaise, au prix d'une acrimonie considérable, par l'Act of Revocation (1625), par lequel tous les dons de terres royales ou ecclésiastiques faits à la noblesse depuis 1540 étaient révoqués, le maintien de la propriété étant soumis à une redevance annuelle. louer. En outre, les limites des forêts royales d'Angleterre ont été restaurées à leurs anciennes limites dans le cadre d'un plan visant à maximiser les revenus en exploitant les terres et en infligeant des amendes aux utilisateurs des terres dans les limites réaffirmées pour empiètement. L'objectif du programme était le déboisement et la vente de terres forestières pour les convertir en pâturages et en cultures arables, ou dans le cas de la forêt de Dean, le développement de l'industrie du fer. La désafforestation a fréquemment provoqué des émeutes et des troubles, notamment ceux connus sous le nom de Western Rising.
La pratique consistant à accorder des monopoles étendus a agité le public, qui a été contraint de payer des prix plus élevés par les détenteurs de monopoles. Dans le contexte de ces troubles, Charles fut confronté à la faillite à l'été 1640 alors que le Parlement continuait de refuser de nouveaux impôts. La ville de Londres, préoccupée par ses propres griefs, refusa en outre d'accorder des prêts au roi et, de même, il fut incapable de souscrire à des emprunts étrangers. Dans cette extrémité, Charles s'empara de l'argent détenu en fiducie à la Monnaie de l'Échiquier dans la tour de Londres. La Monnaie royale détenait le monopole de l'échange des pièces de monnaie étrangères et fonctionnait ainsi comme une banque contenant une grande partie du capital des marchands et des orfèvres de la ville. En juillet, Charles saisit la totalité des 130 000 £ de cet argent, et en août, il poursuivit en saisissant tous les stocks de poivre détenus par la Compagnie des Indes orientales et en les vendant à des prix de détresse.
Conflits religieux
Tout au long du règne de Charles, la question de savoir jusqu'où la Réforme anglaise devait progresser a été constamment placée au premier plan du débat politique. La théologie arminienne mettait l'accent sur l'autorité cléricale et la capacité de l'individu à rejeter ou à accepter le salut, et était par conséquent considérée comme hérétique et comme un véhicule potentiel pour la réintroduction du catholicisme romain par ses opposants calvinistes. La sympathie de Charles pour les enseignements de l'arminianisme, et plus particulièrement son souhait d'éloigner l'Église d'Angleterre du calvinisme dans une direction plus traditionnelle et sacramentelle, furent perçues par les puritains comme des tendances irréligieuses. En outre, les sujets protestants de Charles suivaient de près les nouvelles de la guerre européenne et étaient de plus en plus consternés par la diplomatie de Charles avec l'Espagne et par son incapacité à soutenir efficacement la cause protestante à l'étranger.
En 1633, Charles nomma William Laud archevêque de Cantorbéry. Ensemble, ils entamèrent une série de réformes anticalvinistes qui tentaient d'assurer l'uniformité religieuse en restreignant les prédicateurs non conformistes, en insistant pour que la liturgie soit célébrée comme prescrit dans le Book of Common Prayer, en organisant l'architecture interne des églises anglaises de manière à mettre l'accent sur le sacrement de l'autel et la réédition de la Déclaration des sports du roi Jacques, qui autorisait les activités laïques le jour du sabbat. Les Feoffees for Impropriations, une organisation qui achetait des bénéfices et des aveux afin que des puritains puissent y être nommés, furent dissoutes. Pour poursuivre ceux qui s'opposaient à ses réformes, Laud a eu recours aux deux tribunaux les plus puissants du pays, la Cour du Haut-Commissariat et la Cour de la Chambre Étoile. Les tribunaux sont devenus craints pour leur censure des opinions religieuses opposées et sont devenus impopulaires parmi les classes possédantes pour avoir infligé des châtiments dégradants à des messieurs. Par exemple, en 1637, William Prynne, Henry Burton et John Bastwick furent mis au pilori, fouettés et mutilés à coups de rognage et emprisonnés pour une durée indéterminée pour avoir publié des pamphlets antiépiscopaux.
Lorsque Charles tenta d'imposer sa politique religieuse en Écosse, il se heurta à de nombreuses difficultés. Bien que né en Écosse, Charles s'était éloigné de son royaume du nord ; sa première visite depuis la petite enfance fut pour son couronnement écossais en 1633. Au grand désarroi des Écossais, qui avaient supprimé de nombreux rituels traditionnels de leur pratique liturgique, Charles insista pour que le couronnement se déroule selon le rite anglican. En 1637, le roi ordonna l'utilisation en Écosse d'un nouveau livre de prières presque identique au Book of Common Prayer anglais, sans consulter ni le Parlement écossais ni le Kirk. Bien qu'écrit, sous la direction de Charles, par des évêques écossais, de nombreux Écossais s'y opposèrent, considérant le nouveau livre de prières comme un moyen d'introduire l'anglicanisme en Écosse. Le 23 juillet, des émeutes ont éclaté à Édimbourg le premier dimanche de l'utilisation du livre de prières et les troubles se sont répandus dans tout le Kirk. Le public a commencé à se mobiliser autour d'une réaffirmation du Pacte national, dont les signataires se sont engagés à défendre la religion réformée de l'Écosse et à rejeter toute innovation non autorisée par Kirk et le Parlement. Lorsque l'Assemblée générale de l'Église d'Écosse s'est réunie en novembre 1638, elle a condamné le nouveau livre de prières, aboli le gouvernement de l'Église épiscopale par les évêques et adopté le gouvernement presbytérien par les anciens et les diacres.
Guerres des évêques
Charles percevait les troubles en Écosse comme une rébellion contre son autorité, précipitant la première guerre des évêques en 1639. Charles ne chercha pas de subventions du Parlement anglais pour faire la guerre, mais leva plutôt une armée sans l'aide parlementaire et marcha vers Berwick. Tweed, à la frontière de l'Écosse. L'armée de Charles n'engagea pas le combat contre les Covenantaires car le roi craignait la défaite de ses forces, qu'il croyait nettement inférieures en nombre par rapport aux Écossais. Dans le traité de Berwick, Charles reprit la garde de ses forteresses écossaises et obtint la dissolution du gouvernement intérimaire des Covenantaires, bien qu'avec la concession décisive que le Parlement écossais et l'Assemblée générale de l'Église écossaise furent convoqués.
L'échec militaire de Charles lors de la première guerre des évêques a provoqué une crise financière et diplomatique pour Charles qui s'est aggravée lorsque ses efforts pour lever des fonds auprès de l'Espagne, tout en poursuivant simultanément son soutien à ses parents palatins, ont conduit à l'humiliation publique de la bataille des Downs. où les Néerlandais détruisirent une flotte espagnole de lingots au large des côtes du Kent, à la vue de la marine anglaise impuissante.
Charles poursuivit les négociations de paix avec les Écossais dans le but de gagner du temps avant de lancer une nouvelle campagne militaire. En raison de sa faiblesse financière, il a été contraint de convoquer le Parlement en session pour tenter de lever des fonds pour une telle entreprise. Les parlements anglais et irlandais furent convoqués dans les premiers mois de 1640. En mars 1640, le Parlement irlandais vota dûment une subvention de 180 000 £ avec la promesse de lever une armée de 9 000 hommes d'ici la fin mai. Cependant, lors des élections générales anglaises de mars, les candidats à la cour ont eu de mauvais résultats et les relations de Charles avec le Parlement anglais en avril ont rapidement abouti à une impasse. Les comtes de Northumberland et de Strafford tentèrent de négocier un compromis selon lequel le roi accepterait de renoncer à l'argent du navire en échange de 650 000 £ (bien que le coût de la guerre à venir soit estimé à environ 1 million £). Néanmoins, cela ne suffisait pas à lui seul à produire un consensus aux Communes. Les appels des parlementaires à de nouvelles réformes furent ignorés par Charles, qui conservait toujours le soutien de la Chambre des Lords. Malgré les protestations de Northumberland, le Parlement court (comme on l'appelait) fut dissous en mai 1640, moins d'un mois après sa réunion.
À ce stade, Strafford, Lord Député d'Irlande depuis 1632, était devenu le bras droit de Charles et, avec Laud, poursuivait une politique « approfondie » visant à rendre l'autorité royale centrale plus efficace et efficiente au détriment des politiques locales ou anti-irlandaises. -les intérêts du gouvernement. Bien qu'à l'origine critique du roi, Strafford fit défection au service royal en 1628 (en partie à cause de la persuasion de Buckingham) et était depuis devenu, aux côtés de Laud, le plus influent des ministres de Charles.
Fort de l'échec du Short Parliament anglais, le Parlement écossais se déclare capable de gouverner sans le consentement du roi et, en août 1640, l'armée Covenanter s'installe dans le comté anglais de Northumberland. Suite à la maladie du comte de Northumberland, qui était le commandant en chef du roi, Charles et Strafford se rendirent vers le nord pour commander les forces anglaises, bien que Strafford soit lui-même malade d'une combinaison de goutte et de dysenterie. Les soldats écossais, dont beaucoup étaient des vétérans de la guerre de Trente Ans, avaient un moral et un entraînement bien supérieurs à ceux de leurs homologues anglais et ne rencontrèrent pratiquement aucune résistance jusqu'à atteindre Newcastle upon Tyne où, à la bataille de Newburn, ils battirent les Anglais. forces armées et occupèrent la ville, ainsi que le comté voisin de Durham.
Alors que les demandes en faveur d'un parlement augmentaient, Charles prit la mesure inhabituelle de convoquer un grand conseil de pairs. Au moment où il se réunit, le 24 septembre à York, Charles avait décidé de suivre le conseil presque universel de convoquer un parlement. Après avoir informé ses pairs qu'un parlement se réunirait en novembre, il leur a demandé de réfléchir à la manière dont il pourrait acquérir des fonds pour maintenir son armée contre les Écossais entre-temps. Ils ont recommandé de faire la paix. Une cessation des armes, bien qu'elle ne constitue pas un règlement définitif, fut négociée dans l'humiliant Traité de Ripon, signé en octobre 1640. Le traité stipulait que les Écossais continueraient d'occuper Northumberland et Durham et seraient payés 850 £ par jour jusqu'à ce que la paix soit rétablie et a rappelé le Parlement anglais, qui serait tenu de réunir des fonds suffisants pour payer les forces écossaises. Par conséquent, Charles a convoqué ce qui deviendra plus tard connu sous le nom de Long Parlement. Une fois de plus, les partisans de Charles ont eu de mauvais résultats aux élections. Sur les 493 membres des Communes élus en novembre, plus de 350 étaient opposés au roi.
Long Parlement
Les tensions montent
Le long Parlement s'est avéré tout aussi difficile pour Charles que le court Parlement. Il se réunit le 3 novembre 1640 et entama rapidement une procédure visant à mettre en accusation les principaux conseillers du roi pour haute trahison. Strafford a été placé en détention le 10 novembre ; Laud a été mis en accusation le 18 décembre ; Lord Keeper Finch fut mis en accusation le lendemain et s'enfuit par conséquent à La Haye avec la permission de Charles le 21 décembre. Pour empêcher le roi de le dissoudre à volonté, le Parlement a adopté la loi triennale, qui exigeait que le Parlement soit convoqué au moins une fois tous les trois ans, et permettait au Lord Gardien du Grand Sceau et à 12 pairs de convoquer le Parlement si le roi ne le faisait pas. donc. La loi était accompagnée d'un projet de loi de subvention et, pour garantir cette dernière, Charles accorda à contrecœur la sanction royale en février 1641.
Strafford était devenu la cible principale des parlementaires, en particulier de John Pym, et il fut jugé pour haute trahison le 22 mars 1641. Cependant, l'allégation clé de Sir Henry Vane selon laquelle Strafford avait menacé d'utiliser l'armée irlandaise pour soumettre l'Angleterre n'était pas corroboré et le 10 avril, le dossier de Pym s'est effondré. Pym et ses alliés ont immédiatement lancé un projet de loi, qui déclarait simplement Strafford coupable et prononçait la condamnation à mort.
Charles a assuré à Strafford que « sur parole d'un roi, vous ne souffrirez pas dans la vie, l'honneur ou la fortune », et l'objectif ne pourrait pas réussir si Charles refusait son assentiment. En outre, de nombreux membres et la plupart des pairs étaient opposés à l'atteint, ne souhaitant pas, selon les termes de l'un d'entre eux, « commettre un meurtre avec l'épée de la justice ». Cependant, les tensions accrues et une tentative de coup d'État par des officiers de l'armée royaliste soutenant Strafford et dans laquelle Charles était impliqué ont commencé à influencer la question. Les Communes ont adopté le projet de loi le 20 avril à une large majorité (204 pour, 59 contre et 230 abstentions), et les Lords ont acquiescé (par 26 voix contre 19, avec 79 absents) en mai. Charles, craignant pour la sécurité de sa famille face aux troubles, a accepté à contrecœur le 9 mai après avoir consulté ses juges et ses évêques. Strafford a été décapité trois jours plus tard.
Le 3 mai, la protestation du Parlement avait attaqué les « mauvais conseils » du « gouvernement arbitraire et tyrannique » de Charles ; tandis que ceux qui ont signé la pétition s'engageaient à défendre « la personne, l'honneur et les biens » du roi, ils | http://quiz4free.com/ |
Qui était la star du film satirique « Le Dictateur » de 1940 ? | Charlie Chaplin | [
"Karl Kraus est considéré comme le premier grand satiriste européen depuis Jonathan Swift. Dans la littérature du XXe siècle, la satire a été utilisée par des auteurs tels qu'Aldous Huxley (années 1930) et George Orwell (années 1940), qui, sous l'inspiration du roman russe de Zamiatine de 1921, Nous, ont fait des commentaires sérieux, voire effrayants, sur les dangers des changements sociaux radicaux qui ont eu lieu. lieu dans toute l’Europe. De nombreux critiques sociaux de la même époque aux États-Unis, comme Dorothy Parker et H. L. Mencken, ont utilisé la satire comme arme principale, et Mencken en particulier est connu pour avoir déclaré qu'« un rire de cheval vaut dix mille syllogismes » dans le persuader le public d’accepter une critique. Le romancier Sinclair Lewis était connu pour ses histoires satiriques telles que Main Street (1920), Babbitt (1922), Elmer Gantry (1927 ; dédié par Lewis à H.L. Menchen) et It Can't Happen Here (1935), et ses livres souvent a exploré et satirisé les valeurs américaines contemporaines. Le film Le Grand Dictateur (1940) de Charlie Chaplin est lui-même une parodie d'Adolf Hitler ; Chaplin a déclaré plus tard qu'il n'aurait pas réalisé le film s'il avait connu l'existence des camps de concentration."
] | La satire est un genre littéraire, et parfois des arts graphiques et du spectacle, dans lequel les vices, les folies, les abus et les défauts sont ridiculisés, idéalement dans le but de faire honte aux individus, aux entreprises, au gouvernement ou à la société elle-même, pour les amener à s'améliorer. Bien que la satire soit généralement censée être humoristique, son objectif principal est souvent une critique sociale constructive, utilisant l'esprit pour attirer l'attention sur des problèmes à la fois particuliers et plus larges de la société.
Une caractéristique de la satire est une forte ironie ou sarcasme - « dans la satire, l'ironie est militante » - mais la parodie, le burlesque, l'exagération, la juxtaposition, la comparaison, l'analogie et le double sens sont tous fréquemment utilisés dans le discours et l'écriture satiriques. Cette ironie ou ce sarcasme « militant » prétend souvent approuver (ou du moins accepter comme naturel) les choses mêmes que le satiriste souhaite attaquer.
La satire se retrouve aujourd'hui dans de nombreuses formes d'expression artistique, notamment la littérature, les pièces de théâtre, les commentaires, les émissions de télévision et les médias tels que les paroles.
Étymologie et racines
Le mot satire vient du mot latin satur et de l'expression suivante lanx satura. Satur signifiait « complet », mais la juxtaposition avec lanx a changé le sens en « mélange ou mélange » : l'expression lanx satura signifie littéralement « un plat complet de diverses sortes de fruits ».
Le mot satura tel qu'utilisé par Quintilien, cependant, était utilisé pour désigner uniquement la satire en vers romain, un genre strict qui imposait la forme hexamétrique, un genre plus étroit que ce qui serait plus tard considéré comme de la satire. Quintilien a dit que la satura, c'est-à-dire une satire en vers hexamétriques, était un genre littéraire d'origine entièrement romaine (satura tota nostra est). Il connaissait et commentait la satire grecque, mais à l'époque ne la qualifiait pas comme telle, bien qu'aujourd'hui l'origine de la satire soit considérée comme la vieille comédie d'Aristophane. Le premier critique à utiliser la satire dans un sens moderne plus large fut Apulée.
Pour Quintilien, la satire était une forme littéraire stricte, mais le terme s'échappa bientôt de la définition étroite originale. Robert Elliott écrit :
Le mot satire dérive de satura et son origine n'a pas été influencée par la figure mythologique grecque du satyre. Au XVIIe siècle, le philologue Isaac Casaubon fut le premier à contester l'étymologie de satire à satyre, contrairement à ce qu'on croyait jusqu'alors.
Satire et humour
Le rire n'est pas une composante essentielle de la satire ; en fait, il existe des types de satire qui ne sont pas du tout censés être « drôles ». À l'inverse, tout humour, même sur des sujets tels que la politique, la religion ou l'art, n'est pas nécessairement « satirique », même lorsqu'il utilise les outils satiriques de l'ironie, de la parodie et du burlesque.
Même la satire légère a un "arrière-goût" sérieux : les organisateurs du prix Ig Nobel décrivent cela comme "faire d'abord rire les gens, puis les faire réfléchir".
Fonctions sociales et psychologiques
La satire et l'ironie ont dans certains cas été considérées comme la source la plus efficace pour comprendre une société, la forme la plus ancienne d'étude sociale. Ils fournissent les aperçus les plus approfondis de la psyché collective d’un groupe, révèlent ses valeurs et ses goûts les plus profonds ainsi que les structures de pouvoir de la société. Certains auteurs ont considéré la satire comme supérieure aux disciplines non comiques et non artistiques comme l'histoire ou l'anthropologie. Dans un exemple marquant de la Grèce antique, le philosophe Platon, lorsqu'un ami lui a demandé un livre pour comprendre la société athénienne, l'a renvoyé aux pièces d'Aristophane.
Historiquement, la satire a satisfait au besoin populaire de démystifier et de ridiculiser les personnalités de premier plan de la politique, de l’économie, de la religion et d’autres domaines de pouvoir importants. La satire confronte le discours public et l’imaginaire collectif, jouant le rôle de contrepoids de l’opinion publique au pouvoir (qu’il soit politique, économique, religieux, symbolique ou autre), en défiant les dirigeants et les autorités. Par exemple, cela oblige les administrations à clarifier, modifier ou établir leurs politiques. Le travail de la satire est d’exposer les problèmes et les contradictions, et elle n’est pas obligée de les résoudre. Karl Kraus a donné dans l'histoire de la satire un exemple frappant d'un rôle satirique face au discours public.
En raison de sa nature et de son rôle social, la satire a bénéficié dans de nombreuses sociétés d'une liberté particulière pour se moquer d'individus et d'institutions éminents. L’impulsion satirique et ses expressions ritualisées remplissent la fonction de résolution des tensions sociales. Des institutions comme les clowns rituels, en donnant expression aux tendances antisociales, représentent une soupape de sécurité qui rétablit l'équilibre et la santé dans l'imaginaire collectif mis en péril par les aspects répressifs de la société.
L'état de la satire politique dans une société donnée reflète la tolérance ou l'intolérance qui la caractérise, ainsi que l'état des libertés civiles et des droits de l'homme. Sous les régimes totalitaires, toute critique d’un système politique, et notamment la satire, est réprimée. Un exemple typique est celui de l’Union Soviétique où les dissidents, comme Alexandre Soljenitsyne et Andreï Sakharov, subissaient de fortes pressions de la part du gouvernement. Alors que la satire de la vie quotidienne en URSS était autorisée, le satiriste le plus éminent étant Arkady Raikin, la satire politique existait sous la forme d'anecdotes qui se moquaient des dirigeants politiques soviétiques, en particulier de Brejnev, célèbre pour son étroitesse d'esprit et son amour des récompenses et des décorations. .
Classifications de la satire
La satire est un genre diversifié, complexe à classer et à définir, avec un large éventail de « modes » satiriques.
Horatien, Juvénalien, Ménippéen
La littérature satirique peut généralement être classée comme horatienne, juvénalienne ou ménippée.
Horatien
La satire horatienne, du nom du satiriste romain Horace (65-8 avant notre ère), critique de manière ludique certains vices sociaux à travers un humour doux, doux et léger. Horace (Quintus Horatius Flaccus) a écrit des Satires pour ridiculiser doucement les opinions dominantes et les « croyances philosophiques de la Rome et de la Grèce antiques » (Rankin). Plutôt que d’écrire sur des tons durs ou accusateurs, il a abordé les problèmes avec humour et moquerie intelligente. La satire horatienne suit ce même schéma consistant à « [ridiculer] doucement les absurdités et les folies des êtres humains » (Drury).
Il oriente l'esprit, l'exagération et l'humour d'autodérision vers ce qu'il identifie comme de la folie plutôt que du mal. Le ton sympathique de la satire horatienne est courant dans la société moderne.
Le but d’un satiriste horatien est de guérir la situation avec des sourires plutôt que par la colère. La satire horatienne est un doux rappel de prendre la vie moins au sérieux et évoque un sourire ironique. Un satiriste horatien se moque de la folie humaine générale plutôt que de se lancer dans des attaques spécifiques ou personnelles. Shamekia Thomas suggère : « Dans une œuvre utilisant la satire horatienne, les lecteurs se moquent souvent des personnages de l'histoire qui font l'objet de moqueries ainsi que d'eux-mêmes et de la société pour se comporter de cette manière. » Alexander Pope est reconnu comme un auteur dont la satire « guérit par la morale ce qui fait mal par l'esprit » (Green). Alexander Pope – et la satire d’Horatien – tentent d’enseigner.
Exemples:
* Les prix Ig Nobel.
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* Les Opéras Savoyards de Gilbert et Sullivan.
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Juvénalien
La satire juvénalienne, du nom des écrits du satiriste romain Juvénal (fin du Ier siècle – début du IIe siècle après J.-C.), est plus méprisante et abrasive que la satire horatienne. Juvénal était en désaccord avec les opinions des personnalités publiques et des institutions de la République et les attaquait activement à travers sa littérature. « Il a utilisé les outils satiriques de l'exagération et de la parodie pour faire paraître ses cibles monstrueuses et incompétentes » (Podzemny). La satire juvénale suit ce même modèle de ridiculisation agressive des structures sociétales. Juvénal également, contrairement à Horace, a attaqué les fonctionnaires et les organisations gouvernementales à travers ses satires, considérant leurs opinions non seulement comme fausses, mais comme mauvaises. Suivant cette tradition, la satire juvénalienne aborde le mal social perçu par le mépris, l'indignation et le ridicule sauvage. Cette forme est souvent pessimiste, caractérisée par l'utilisation de l'ironie, du sarcasme, de l'indignation morale et des invectives personnelles, avec moins d'accent sur l'humour. La satire politique fortement polarisée peut souvent être qualifiée de juvénalienne. L'objectif d'un satiriste juvénal est généralement de provoquer une sorte de changement politique ou sociétal parce qu'il considère son adversaire ou son objet comme mauvais ou nuisible. Un satiriste juvénal se moque de « la structure sociétale, du pouvoir et de la civilisation » (Thomas) en exagérant les propos ou la position de son adversaire afin de mettre en péril la réputation et/ou le pouvoir de son adversaire. Jonathan Swift est reconnu comme un auteur qui « a largement emprunté aux techniques de Juvénal dans [sa critique] de la société anglaise contemporaine » (Podzemny).
Exemples:
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* , une adaptation de .
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Satire contre taquinerie
Dans l’histoire du théâtre, il y a toujours eu un conflit entre l’engagement et le désengagement sur la politique et les questions pertinentes, entre la satire et le grotesque d’un côté, et la plaisanterie et la taquinerie de l’autre. Max Eastman a défini le spectre de la satire en termes de « degrés de morsure », allant de la satire proprement dite au bout chaud, et de la « plaisanterie » au bout violet ; Eastman a adopté le terme « plaisanterie » pour désigner ce qui est simplement satirique dans sa forme, mais qui ne tire pas vraiment sur la cible. Le dramaturge satirique Dario Fo, lauréat du prix Nobel, a souligné la différence entre la satire et la taquinerie (sfottò). La taquinerie est le côté réactionnaire de la bande dessinée ; il se limite à une parodie superficielle de l’apparence physique. L’effet secondaire des taquineries est qu’elles humanisent et suscitent de la sympathie pour l’individu puissant vers lequel elles s’adressent. La satire utilise plutôt le comique pour s'opposer au pouvoir et à ses oppressions, a un caractère subversif et une dimension morale qui porte un jugement sur ses cibles. Fo a formulé un critère opérationnel pour distinguer la vraie satire du sfottò, affirmant que la vraie satire suscite une réaction indignée et violente, et que plus on essaie de vous arrêter, meilleur est votre travail. Fo soutient qu'historiquement, les personnes en position de pouvoir ont accueilli et encouragé la bouffonnerie de bonne humeur, tandis que les personnes en position de pouvoir d'aujourd'hui ont tenté de censurer, d'ostraciser et de réprimer la satire.
La taquinerie (sfottò) est une forme ancienne de simple bouffonnerie, une forme de comédie sans le côté subversif de la satire. Les taquineries comprennent des parodies légères et affectueuses, des moqueries de bonne humeur, de simples moqueries unidimensionnelles et des parodies bénignes. Les taquineries consistent généralement en une imitation de quelqu'un qui se moque de ses attributs extérieurs, de ses tics, de ses défauts physiques, de sa voix et de ses manières, de ses bizarreries, de sa façon de s'habiller et de marcher, et/ou des phrases qu'il répète habituellement. En revanche, la taquinerie n’aborde jamais le fond du problème, ne formule jamais de critique sérieuse, jugeant la cible avec ironie ; cela ne porte jamais atteinte à la conduite, à l'idéologie et à la position de pouvoir de la cible ; cela ne remet jamais en cause la perception de sa dimension morale et culturelle. Sfottò dirigé vers un individu puissant le fait paraître plus humain et attire de la sympathie à son égard. Hermann Göring a propagé des plaisanteries et des plaisanteries contre lui-même, dans le but d'humaniser son image.
Classements par thèmes
Les types de satire peuvent également être classés selon les sujets traités. Depuis les temps les plus reculés, au moins depuis les pièces d'Aristophane, les principaux thèmes de la satire littéraire ont été la politique, la religion et le sexe. Cela s’explique en partie par le fait qu’il s’agit des problèmes les plus urgents qui touchent toute personne vivant dans une société, et en partie par le fait que ces sujets sont généralement tabous. Parmi ceux-ci, la politique au sens large est considérée comme le sujet prédominant de la satire. La satire qui cible le clergé est un type de satire politique, tandis que la satire religieuse est celle qui cible les croyances religieuses. La satire sur le sexe peut se superposer à la comédie bleue, à l'humour décalé et aux blagues de bite.
La scatologie a une longue association littéraire avec la satire, car c'est un mode classique du grotesque, du corps grotesque et du grotesque satirique. La merde joue un rôle fondamental dans la satire car elle symbolise la mort, l'étron étant « l'objet mort par excellence ». La comparaison satirique d'individus ou d'institutions avec des excréments humains expose leur « inertie inhérente, leur corruption et leur ressemblance avec la mort ». Les clowns rituels des sociétés de clowns, comme chez les Indiens Pueblo, organisent des cérémonies avec des mangeurs d'ordures. Dans d'autres cultures, manger le péché est un rite apotropaïque dans lequel le mangeur de péché (également appelé mangeur d'ordures), en ingérant la nourriture fournie, prend « sur lui les péchés des défunts ». La satire sur la mort se chevauche avec l'humour noir et l'humour de potence.
Une autre classification par thèmes est la distinction entre satire politique, satire religieuse et satire des mœurs. La satire politique est parfois appelée satire d'actualité, la satire des mœurs est parfois appelée satire de la vie quotidienne et la satire religieuse est parfois appelée satire philosophique. La comédie des mœurs, parfois aussi appelée satire des mœurs, critique le mode de vie des gens ordinaires ; la satire politique vise le comportement, les manières des politiciens et les vices des systèmes politiques. Historiquement, la comédie de mœurs, apparue pour la première fois dans le théâtre britannique en 1620, a accepté sans réserve le code social des classes supérieures. La comédie en général accepte les règles du jeu social, tandis que la satire les subvertit.
Une autre analyse de la satire est le spectre de ses tons possibles : l'esprit, le ridicule, l'ironie, le sarcasme, le cynisme, le sardonique et l'invective.
Classements par support
La satire ne se retrouve pas seulement dans les formes littéraires écrites. Dans les cultures pré-alphabétisées, il se manifeste sous des formes rituelles et folkloriques, ainsi que dans des contes filous et de la poésie orale.
On le retrouve également dans les arts graphiques, la musique, la sculpture, la danse, la bande dessinée et le graffiti. Les exemples sont les sculptures Dada, les œuvres Pop Art, la musique de Gilbert et Sullivan et Erik Satie, la musique punk et rock. Dans la culture médiatique moderne, le stand-up comique est une enclave dans laquelle la satire peut être introduite dans les médias de masse, remettant en question le discours dominant. Les rôtisseries comiques, les festivals simulés et les comédiens de stand-up dans les boîtes de nuit et les concerts sont les formes modernes d'anciens rituels satiriques.
Développement
L'Egypte ancienne
L’un des premiers exemples de ce que nous pourrions appeler la satire, La Satire des métiers, se trouve dans l’écriture égyptienne du début du IIe millénaire avant JC. Les lecteurs apparents du texte sont des étudiants, fatigués d'étudier. Il soutient que leur sort de scribes est utile et leur sort bien supérieur à celui de l’homme ordinaire. Des chercheurs comme Helck pensent que le contexte était censé être sérieux.
Le Papyrus Anastasi I (fin du IIe millénaire avant JC) contient une lettre satirique qui loue d'abord les vertus de son destinataire, mais se moque ensuite des maigres connaissances et réalisations du lecteur.
La Grèce ancienne
Les Grecs n'avaient pas de mot pour désigner ce qu'on appellerait plus tard « satire », bien que les termes cynisme et parodie aient été utilisés. Les critiques modernes considèrent le dramaturge grec Aristophane comme l'un des premiers satiristes les plus connus : ses pièces sont connues pour leurs commentaires politiques et sociétaux critiques, en particulier pour la satire politique par laquelle il a critiqué le puissant Cléon (comme dans Les Chevaliers). Il se distingue également par les persécutions qu'il a subies. Les pièces d'Aristophane tournaient autour d'images de saleté et de maladie. Son style de débauche a été adopté par le dramaturge et comédien grec Ménandre. Sa première pièce Drunkenness contient une attaque contre le politicien Callimedon.
La forme de satire la plus ancienne encore utilisée est la satire ménippée de Ménippe de Gadara. Ses propres écrits sont perdus. Les exemples de ses admirateurs et imitateurs mélangent sérieux et moquerie dans des dialogues et présentent des parodies sur fond de diatribe. Comme dans le cas des pièces d’Aristophane, la satire ménippée tournait autour d’images de saleté et de maladie.
Monde romain
Le premier Romain à discuter de manière critique de la satire fut Quintilien, qui inventa le terme pour décrire les écrits de Lucilius. Les deux satiristes romains antiques les plus éminents et les plus influents sont Horace et Juvénal, qui ont écrit au début de l’Empire romain. D'autres satiristes importants du latin ancien sont Lucilius et Persius. La satire dans leur travail est beaucoup plus large que dans le sens moderne du terme, y compris des écrits humoristiques fantastiques et très colorés avec peu ou pas de véritable intention moqueuse. Lorsqu’Horace critiquait Auguste, il utilisait des termes ironiques voilés. En revanche, Pline rapporte que le poète Hipponax du VIe siècle avant JC a écrit des satires si cruelles que les offensés se pendaient.
Monde islamique médiéval
Articles principaux: satire arabe et satire persane
La poésie arabe médiévale comprenait le genre satirique hija. La satire a été introduite dans la littérature arabe en prose par l'auteur afro-arabe Al-Jahiz au IXe siècle. Tout en traitant de sujets sérieux dans ce que l'on appelle aujourd'hui l'anthropologie, la sociologie et la psychologie, il a introduit une approche satirique, "basée sur l'hypothèse que, aussi grave que soit le sujet examiné, il pourrait être rendu plus intéressant et ainsi produire plus d'effet, si un seul levait la solennité en insérant quelques anecdotes amusantes ou en lançant quelques observations spirituelles ou paradoxales. Il était bien conscient qu'en traitant de thèmes nouveaux dans ses œuvres en prose, il lui faudrait employer un vocabulaire. d'une nature plus familière dans la hija, la poésie satirique. Par exemple, dans l’un de ses ouvrages zoologiques, il a fait la satire de la préférence pour un pénis humain plus long, en écrivant : « Si la longueur du pénis était un signe d’honneur, alors la mule appartiendrait à la (tribu honorable des) Quraysh ». Une autre histoire satirique basée sur cette préférence était un conte des mille et une nuits intitulé « Ali avec le grand membre ».
Au 10ème siècle, l'écrivain Tha'alibi a enregistré de la poésie satirique écrite par les poètes arabes As-Salami et Abu Dulaf, As-Salami louant l'étendue des connaissances d'Abu Dulaf puis se moquant de ses capacités dans tous ces sujets, et avec Abu Dulaf répondre et faire la satire d'As-Salami en retour. Un exemple de satire politique arabe comprenait un autre poète du Xe siècle, Jarir, faisant la satire de Farazdaq comme « un transgresseur de la charia » et des poètes arabes plus tard utilisant à leur tour le terme « semblable à Farazdaq » comme forme de satire politique.
Les termes « comédie » et « satire » sont devenus synonymes après la traduction en arabe de la Poétique d'Aristote dans le monde islamique médiéval, où elle a été développée par des philosophes et des écrivains islamiques, tels qu'Abou Bischr, son élève Al-Farabi, Avicenne et Averroès. . En raison des différences culturelles, ils ont dissocié la comédie de la représentation dramatique grecque et l'ont plutôt identifiée avec des thèmes et des formes poétiques arabes, comme la hija (poésie satirique). Ils considéraient la comédie comme simplement « l'art de la répréhension » et ne faisaient aucune référence aux événements légers et joyeux, ni aux débuts troublés et aux fins heureuses, associés à la comédie grecque classique. Après les traductions latines du XIIe siècle, le terme « comédie » acquiert ainsi un nouveau sens sémantique dans la littérature médiévale.
Ubayd Zakani a introduit la satire dans la littérature persane au XIVe siècle. Son travail est connu pour sa satire et ses vers obscènes, souvent politiques ou de débauche, et souvent cités dans des débats impliquant des pratiques homosexuelles. Il a écrit le Resaleh-ye Delgosha, ainsi qu'Akhlaq al-Ashraf (« L'éthique de l'aristocratie ») et la célèbre fable humoristique Masnavi Mush-O-Gorbeh (Souris et chat), qui était une satire politique. Ses vers classiques sérieux non satiriques ont également été considérés comme très bien écrits, en ligue avec les autres grandes œuvres de la littérature persane. Entre 1905 et 1911, Bibi Khatoon Astarabadi et d’autres écrivains iraniens ont écrit des satires remarquables.
L'Europe médiévale
Au début du Moyen Âge, des exemples de satire étaient les chansons des Goliards ou des vagabonds, désormais mieux connues sous le nom d'anthologie intitulée Carmina Burana et rendues célèbres grâce aux textes d'une composition du compositeur du XXe siècle Carl Orff. On pense que la poésie satirique était populaire, même si peu de choses ont survécu. Avec l'avènement du Haut Moyen Âge et la naissance de la littérature vernaculaire moderne au XIIe siècle, il a recommencé à être utilisé, notamment par Chaucer. Cette manière irrespectueuse a été considérée comme « non chrétienne » et ignorée, sauf pour la satire morale, qui se moquait de la mauvaise conduite en termes chrétiens. Des exemples sont le Livre des Manières de (~ 1178) et certains Contes de Canterbury de Chaucer. L'épopée était ridiculisée, ainsi que la société féodale, mais le genre ne suscitait guère d'intérêt général.
Deux satiristes majeurs de l'Europe de la Renaissance étaient Giovanni Boccace et François Rabelais. D'autres exemples de satire de la Renaissance incluent Till Eulenspiegel, Reynard le Renard, Narrenschiff de Sebastian Brant (1494), Moriae Encomium d'Erasmus (1509), Utopia de Thomas More (1516) et Carajicomedia (1519).
Satire occidentale moderne
Le commentaire social direct via la satire est revenu avec vengeance au XVIe siècle, lorsque des textes farfelus tels que les œuvres de François Rabelais abordaient des problèmes plus graves (et s'attiraient ainsi la colère de la couronne).
Les écrivains élisabéthains (c'est-à-dire anglais du XVIe siècle) considéraient la satire comme liée au jeu de satyre notoirement grossier, grossier et acéré. La « satire » élisabéthaine (généralement sous forme de brochure) contient donc des abus plus directs qu'une ironie subtile. Le huguenot français Isaac Casaubon soulignait en 1605 que la satire à la romaine était quelque chose de bien plus civilisé. Casaubon a découvert et publié les écrits de Quintilien et a présenté le sens original du terme (satira, pas satyre), et le sens de l'esprit (reflétant le « plat plein de fruits ») est redevenu plus important. La satire anglaise du XVIIe siècle visait une fois de plus la « modification des vices » (Dryden).
Dans les années 1590, une nouvelle vague de satire en vers éclata avec la publication du Virgidemiarum de Hall, six livres de satires en vers ciblant tout, des modes littéraires aux nobles corrompus. Bien que Donne ait déjà fait circuler des satires sous forme manuscrite, celle de Hall était la première véritable tentative en anglais de satire en vers sur le modèle juvénalien. Le succès de son travail combiné à un sentiment national de désillusion dans les dernières années du règne d'Elizabeth a déclenché une avalanche de satire - en grande partie moins consciente des modèles classiques que celui de Hall - jusqu'à ce que la censure stoppe brusquement la mode.
Siècle des Lumières
Le siècle des Lumières, un mouvement intellectuel des XVIIe et XVIIIe siècles prônant la rationalité, a provoqué un grand renouveau de la satire en Grande-Bretagne. Cela a été alimenté par la montée de la politique partisane, avec la formalisation des partis conservateurs et whigs – et aussi, en 1714, par la formation du Scriblerus Club, qui comprenait Alexander Pope, Jonathan Swift, John Gay, John Arbuthnot, Robert Harley. , Thomas Parnell et Henry St John, 1er vicomte Bolingbroke. Ce club comprenait plusieurs des satiristes notables de la Grande-Bretagne du début du XVIIIe siècle. Ils ont concentré leur attention sur Martinus Scriblerus, "un érudit inventé... dont ils attribuaient au travail tout ce qui était fastidieux, borné et pédant dans l'érudition contemporaine". Entre leurs mains, la satire astucieuse et mordante des institutions et des individus est devenue une arme populaire. Le tournant vers le XVIIIe siècle a été caractérisé par le passage de la satire horatienne, douce et pseudo-satire, à la satire « juvénale » mordante.
Jonathan Swift était l'un des plus grands satiristes anglo-irlandais et l'un des premiers à pratiquer la satire journalistique moderne. Par exemple, dans son A Modest Proposal, Swift suggère que les paysans irlandais soient encouragés à vendre leurs propres enfants comme nourriture pour les riches, comme solution au « problème » de la pauvreté. Son objectif est bien sûr de s’attaquer à l’indifférence face au sort des plus pauvres. Dans son livre Les Voyages de Gulliver, il écrit sur les défauts de la société humaine en général et de la société anglaise en particulier. John Dryden a écrit un essai influent intitulé « Un discours sur l'original et le progrès de la satire » qui a contribué à fixer la définition de la satire dans le monde littéraire. Son satirique Mac Flecknoe a été écrit en réponse à une rivalité avec Thomas Shadwell et a finalement inspiré Alexander Pope à écrire son satirique The Rape of the Lock. D'autres œuvres satiriques du pape incluent l'épître au Dr Arbuthnot.
Alexandre Pape b. Le 21 mai 1688 était un satiriste connu pour son style satirique horatien et sa traduction de l'Iliade. Célèbre tout au long et après le long XVIIIe siècle, Pope est décédé en 1744. Pope, dans son Viol de la serrure, réprimande délicatement la société d'une voix sournoise mais polie en tendant un miroir aux folies et aux vanités de la classe supérieure. Pope n'attaque pas activement le faste suffisant de l'aristocratie britannique, mais le présente plutôt de telle manière qu'il donne au lecteur une nouvelle perspective à partir de laquelle il peut facilement considérer les actions de l'histoire comme insensées et ridicules. Moqueur de la classe supérieure, plus délicat et lyrique que brutal, Pope est néanmoins capable de mettre en lumière efficacement la dégradation morale de la société auprès du public. L'Enlèvement de la serrure assimile les qualités magistrales d'une épopée héroïque, comme l'Iliade, que Pope traduisait au moment d'écrire L'Enlèvement de la serrure. Cependant, Pope a appliqué ces qualités de manière satirique à une querelle élitiste apparemment mesquine et égoïste pour prouver son point de vue avec ironie.
Daniel Defoe a poursuivi un type de satire plus journalistique, étant célèbre pour son livre The True-Born Englishman qui se moque du patriotisme xénophobe, et The Shortest-Way with the Dissenters – prônant la tolérance religieuse au moyen d'une exagération ironique des attitudes hautement intolérantes de son époque. .
La satire picturale de William Hogarth est un précurseur du développement des caricatures politiques dans l'Angleterre du XVIIIe siècle. Le médium s'est développé sous la direction de son plus grand représentant, James Gillray de Londres. Avec ses œuvres satiriques demandant des comptes au roi (George III), aux premiers ministres et aux généraux (en particulier Napoléon), l'esprit de Gillray et son sens aigu du ridicule ont fait de lui le caricaturiste prééminent de l'époque.
Ebenezer Cooke (1665-1732), auteur de « The Sot-Weed Factor » (1708), fut l'un des premiers colonialistes américains à écrire une satire littéraire. Benjamin Franklin (1706-1790) et d'autres suivirent, utilisant la satire pour façonner la culture d'une nation émergente à travers son sens du ridicule.
La satire dans l'Angleterre victorienne
Plusieurs journaux satiriques rivalisaient pour attirer l'attention du public à l'époque victorienne (1837-1901) et à la période édouardienne, comme Punch (1841) et Fun (1861).
Cependant, les exemples les plus durables de satire victorienne se trouvent peut-être dans les opéras savoyards de Gilbert et Sullivan. En fait, dans Les Yeomen of the Guard, un bouffon reçoit des lignes qui brossent un tableau très précis de la méthode et du but du satiriste, et pourraient presque être considérées comme une déclaration de la propre intention de Gilbert :
"Je peux faire trembler un fanfaron avec une boutade,
Le parvenu, je peux le dépérir d’un coup de tête ;
Il peut avoir un rire joyeux sur ses lèvres,
Mais son rire a un écho sinistre !"
Des romanciers tels que Charles Dickens ont souvent utilisé des passages d'écriture satirique dans leur traitement des questions sociales.
À la même époque, aux États-Unis, Mark Twain (1835-1910) était un grand satiriste américain : son roman Huckleberry Finn (1884) se déroule dans le Sud d'avant-guerre, où les valeurs morales que Twain souhaite promouvoir sont complètement retournées contre elles. têtes. Son héros, Huck, est un garçon plutôt simple mais au bon cœur qui a honte de la « tentation pécheresse » qui le pousse à aider un esclave en fuite. En fait, sa conscience, déformée par le monde moral déformé dans lequel il a grandi, le dérange souvent le plus lorsqu'il est au meilleur de sa forme. Ironiquement, il est prêt à faire le bien, estimant que c'est le mal.
Le jeune contemporain de Twain, Ambrose Bierce (1842-1913), a acquis une notoriété en tant qu'humoriste cynique, pessimiste et noir avec ses histoires sombres et amèrement ironiques, dont beaucoup se déroulent pendant la guerre civile américaine, qui font la satire des limites de la perception et de la raison humaines. L'œuvre satirique la plus célèbre de Bierce est probablement The Devil's Dictionary (1906), dans laquelle les définitions se moquent de l'absurdité, de l'hypocrisie et de la sagesse reçue.
Satire du 20e siècle
Karl Kraus est considéré comme le premier grand satiriste européen depuis Jonathan Swift. Dans la littérature du XXe siècle, la satire a été utilisée par des auteurs tels qu'Aldous Huxley (années 1930) et George Orwell (années 1940), qui, sous l'inspiration du roman russe de Zamiatine de 1921, Nous, ont fait des commentaires sérieux, voire effrayants, sur les dangers des changements sociaux radicaux qui ont eu lieu. lieu dans toute l’Europe. De nombreux critiques sociaux de la même époque aux États-Unis, comme Dorothy Parker et H. L. Mencken, ont utilisé la satire comme arme principale, et Mencken en particulier est connu pour avoir déclaré qu'« un rire de cheval vaut dix mille syllogismes » dans le persuader le public d’accepter une critique. Le romancier Sinclair Lewis était connu pour ses histoires satiriques telles que Main Street (1920), Babbitt (1922), Elmer Gantry (1927 ; dédié par Lewis à H.L. Menchen) et It Can't Happen Here (1935), et ses livres souvent a exploré et satirisé les valeurs américaines contemporaines. Le film Le Grand Dictateur (1940) de Charlie Chaplin est lui-même une parodie d'Adolf Hitler ; Chaplin a déclaré plus tard qu'il n'aurait pas réalisé le film s'il avait connu l'existence des camps de concentration.
Aux États-Unis dans les années 1950, la satire a été introduite dans la comédie américaine, notamment par Lenny Bruce et Mort Sahl. Alors qu'ils remettaient en question les tabous et les idées reçues de l'époque, ils ont été ostracisés par l'establishment médiatique en les qualifiant de comédiens malades. Au cours de la même période, le magazine de Paul Krassner, The Realist, a commencé à paraître et est devenu extrêmement populaire dans les années 1960 et au début des années 1970 parmi les membres de la contre-culture ; il contenait des articles et des caricatures sauvages, des satires mordantes de politiciens tels que Lyndon Johnson et Richard Nixon, la guerre du Vietnam, la guerre froide et la guerre contre la drogue. L'éminent comédien satirique George Carlin a reconnu l'influence que The Realist a eue lors de sa conversion dans les années 1970 en comédien satirique.
Une satire plus humoristique a connu une renaissance au Royaume-Uni au début des années 1960 avec le boom de la satire, mené par des sommités telles que Peter Cook, Alan Bennett, Jonathan Miller et Dudley Moore, dont le spectacle Beyond the Fringe a été un succès non seulement en Grande-Bretagne, mais aussi aux États-Unis. D'autres influences significatives dans la satire britannique des années 1960 incluent David Frost, Eleanor Bron et le programme télévisé That Was The Week That Was.
L'œuvre la plus célèbre de Joseph Heller, Catch-22 (1961), fait la satire de la bureaucratie et de l'armée et est fréquemment citée comme l'une des plus grandes œuvres littéraires du XXe siècle. Le film Dr Folamour de 1964 était une satire populaire de la guerre froide.
Satire contemporaine
L'usage populaire contemporain du terme « satire » est souvent très imprécis. Bien que la satire recourt souvent à la caricature et à la parodie, toutes les utilisations de ces dispositifs ou d’autres dispositifs humoristiques ne sont en aucun cas satiriques. Reportez-vous à la définition minutieuse de la satire qui figure en tête de cet article.
La satire est utilisée dans de nombreux programmes de télévision britanniques, en particulier dans des panels et des quiz populaires tels que Mock the Week (2005) et Have I Got News for You (1990 – en cours). De même, on le trouve dans des quiz radiophoniques tels que The News Quiz (depuis 1977) et The Now Show (depuis 1998). L'une des émissions de télévision britanniques les plus regardées des années 1980 et du début des années 1990, le spectacle de marionnettes Spitting Image était une satire de la famille royale, de la politique, du divertissement, du sport et de la culture britannique de l'époque. Créée par DMA Design en 1997, la satire figure également en bonne place dans la série de jeux vidéo britannique Grand Theft Auto.
L'émission télévisée South Park (depuis 1997) s'appuie presque exclusivement sur la satire pour aborder les problèmes de la culture américaine, avec des épisodes traitant de l'antisémitisme, de l'athéisme militant, de l'homophobie, de l'environnementalisme, de la culture d'entreprise, du politiquement correct et de l'anti-catholicisme, entre autres. .
L'Australien Chris Lilley produit des comédies dans le style des faux documentaires (We Can Be Heroes, Summer Heights High, Angry Boys) et son travail est souvent décrit comme une satire sociale complexe.
L’émission télévisée de Stephen Colbert, The Colbert Report (2005-2014), est instructive sur les méthodes de la satire américaine contemporaine. Le personnage de Colbert est un commentateur opiniâtre et bien-pensant qui, dans ses interviews télévisées, interrompt les gens, les montre du doigt et les montre du doigt, et utilise « involontairement » un certain nombre d'erreurs logiques. Ce faisant, il démontre le principe de la satire politique américaine moderne : le ridicule des actions des politiciens et d’autres personnalités publiques en poussant toutes leurs déclarations et prétendues croyances jusqu’à leur conclusion la plus (supposément) logique, révélant ainsi leur hypocrisie ou leur absurdité perçue.
L'émission télévisée américaine de sketchs Saturday Night Live est également connue pour ses impressions satiriques et ses parodies de personnalités et de politiciens éminents, parmi les plus remarquables, leurs parodies de personnalités politiques américaines Hillary Clinton[http://www.tvguide.com/ news/snl-hillary-clinton-saturday-night-live-kate-mckinnon-amy-poehler/ L | http://quiz4free.com/ |
Sorti pour la première fois en 1969, quel single a donné à David Bowie son premier numéro 1 en 1975 ? | Space Oddity | [
"Né et élevé dans le sud de Londres, Bowie a développé un intérêt pour la musique dès son enfance, étudiant finalement l'art, la musique et le design avant de se lancer dans une carrière professionnelle de musicien en 1963. \"Space Oddity\" est devenu sa première entrée dans le top cinq du Royaume-Uni. Singles Chart après sa sortie en juillet 1969. Après une période d'expérimentation, il réapparaît en 1972 à l'époque du glam rock avec son alter ego flamboyant et androgyne Ziggy Stardust. Le personnage a été mené par le succès de son single \"Starman\" et de son album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, qui lui ont valu une grande popularité. En 1975, le style de Bowie a radicalement changé vers un son qu'il a qualifié de « plastic soul », s'aliénant d'abord beaucoup de ses fidèles britanniques, mais lui a valu son premier grand succès crossover aux États-Unis avec le single numéro un « Fame » et l'album Young Americans. En 1976, Bowie entame une carrière d'acteur sporadique, en jouant dans le film culte L'Homme qui tombait sur Terre. L'année suivante, il confond encore davantage les attentes musicales avec l'album aux accents électroniques Low (1977), la première des trois collaborations avec Brian Eno qui seront connues sous le nom de « Trilogie de Berlin ». \"Heroes\" (1977) et Lodger (1979) suivirent ; chaque album a atteint le top cinq britannique et a reçu des éloges critiques durables.",
"Bowie a rencontré la danseuse Lindsay Kemp en 1967 et s'est inscrit à son cours de danse au London Dance Centre. Il a commenté en 1972 que sa rencontre avec Kemp était le moment où son intérêt pour l'image « s'est vraiment épanoui ». \"Il vivait de ses émotions, il avait une merveilleuse influence. Sa vie quotidienne était la chose la plus théâtrale que j'aie jamais vue. C'était tout ce que je pensais que la Bohême était probablement. J'ai rejoint le cirque.\" Étudiant les arts dramatiques sous Kemp, du théâtre d'avant-garde et du mime à la commedia dell'arte, Bowie s'est immergé dans la création de personnages à présenter au monde. Entre-temps, satirisant la vie dans une prison britannique, \"Over the Wall We Go\", écrit par Bowie, est devenu un single pour Oscar en 1967 ; une autre composition de Bowie, \"Silly Boy Blue\", est sortie par Billy Fury l'année suivante. En janvier 1968, Kemp a chorégraphié une scène de danse pour une pièce de la BBC The Pistol Shot dans la série Theatre 625 et a utilisé Bowie avec une danseuse, Hermione Farthingale ; le couple a commencé à sortir ensemble et a emménagé ensemble dans un appartement à Londres. Jouant de la guitare acoustique, Farthingale a formé un groupe avec Bowie et le guitariste John Hutchinson ; entre septembre 1968 et début 1969, le trio donne un petit nombre de concerts mêlant folk, Merseybeat, poésie et mime. Bowie et Farthingale se séparèrent au début de 1969 lorsqu'elle se rendit en Norvège pour participer à un film, Song of Norwegian ; cela l'a affecté, et plusieurs chansons, comme \"Lettre à Hermione\" et \"Life on Mars ?\" faites-lui référence, et pour la vidéo accompagnant \"Où sommes-nous maintenant ?\" il portait un T-shirt avec les mots \"Chanson pour la Norvège\". Ils étaient ensemble pour la dernière fois en janvier 1969 pour le tournage de Je t'aime jusqu'à mardi, un film de 30 minutes, sorti seulement en 1984, destiné à être un moyen de le promouvoir, présentant des performances du répertoire de Bowie, dont un \"Space Oddity\" encore inédit. .",
"Après la rupture avec Farthingale, Bowie a emménagé avec Mary Finnigan comme locataire. Au cours de cette période, il est apparu dans une publicité de crème glacée Lyons Maid et a été rejeté pour une autre par Kit Kat. En février et mars 1969, il entreprend une courte tournée avec le duo Tyrannosaurus Rex de Marc Bolan, en tant que troisième à l'affiche, exécutant un numéro de mime. Le 11 juillet 1969, \"Space Oddity\" est sorti cinq jours avant le lancement d'Apollo 11 et a atteint le top cinq au Royaume-Uni. Poursuivant la divergence entre le rock and roll et le blues amorcée par son travail avec Farthingale, Bowie s'est associé à Finnigan, Christina Ostrom et Barrie Jackson pour diriger un club folk le dimanche soir au pub Three Tuns à Beckenham High Street.",
"Influencé par le mouvement Arts Lab, celui-ci s'est développé pour devenir le Beckenham Arts Lab et est devenu extrêmement populaire. L'Arts Lab a organisé un festival gratuit dans un parc local, sujet de sa chanson \"Memory of a Free Festival\". Le deuxième album de Bowie a suivi en novembre ; initialement publié au Royaume-Uni sous le nom de David Bowie, il a provoqué une certaine confusion avec son prédécesseur du même nom, et la première version américaine était plutôt intitulée Man of Words/Man of Music ; il a été réédité à l'international en 1972 par RCA sous le titre Space Oddity. Présentant des paroles philosophiques post-hippie sur la paix, l'amour et la moralité, son folk rock acoustique parfois fortifié par du rock plus dur, l'album n'était pas un succès commercial au moment de sa sortie.",
"Bowie a rencontré Angela Barnett en avril 1969. Ils se sont mariés moins d'un an. Son impact sur lui a été immédiat et son implication dans sa carrière a été considérable, laissant au manager Ken Pitt une influence limitée, ce qu'il a trouvé frustrant. S'étant imposé comme artiste solo avec \"Space Oddity\", Bowie a commencé à ressentir un manque : \"un groupe à plein temps pour les concerts et l'enregistrement, des gens avec qui il pourrait s'identifier personnellement\". Cette lacune était soulignée par sa rivalité artistique avec Marc Bolan, qui lui servait alors de guitariste de session. Un groupe a été dûment constitué. John Cambridge, un batteur que Bowie a rencontré à l'Arts Lab, a été rejoint par Tony Visconti à la basse et Mick Ronson à la guitare électrique. Connus sous le nom de Hype, les membres du groupe se créaient des personnages et portaient des costumes élaborés qui préfiguraient le style glamour des Spiders From Mars. Après un concert d'ouverture désastreux au London Roundhouse, ils sont revenus à une configuration présentant Bowie comme un artiste solo. Leur travail initial en studio a été entaché par un vif désaccord entre Bowie et Cambridge sur le style de batterie de ce dernier. Les choses ont atteint leur paroxysme lorsqu'un Bowie enragé a accusé le batteur d'être responsable du dérangement, s'exclamant \"Tu es en train de foutre en l'air mon album\". Cambridge a démissionné sommairement et a été remplacé par Mick Woodmansey. Peu de temps après, dans une démarche qui a donné lieu à des années de litige, à l'issue duquel Bowie a été contraint de verser une compensation à Pitt, le chanteur a licencié son manager, le remplaçant par Tony Defries.",
"Les sessions en studio se sont poursuivies et ont abouti au troisième album de Bowie, The Man Who Sold the World (1970), qui contenait des références à la schizophrénie, à la paranoïa et à l'illusion. Caractérisé par le son heavy rock de son nouveau groupe d'accompagnement, il s'agissait d'un changement marqué par rapport au style de guitare acoustique et de folk rock établi par Space Oddity. Pour le promouvoir aux États-Unis, Mercury Records a financé une tournée publicitaire d'un océan à l'autre au cours de laquelle Bowie, entre janvier et février 1971, a été interviewé par les stations de radio et les médias. Exploitant son apparence androgyne, la pochette originale de la version britannique dévoilée deux mois plus tard représentait le chanteur portant une robe : emportant le vêtement avec lui, il le portait lors d'interviews - avec l'approbation des critiques, notamment John Mendelsohn des Rolling Stones qui le décrit comme \"ravissant, rappelant de manière presque déconcertante Lauren Bacall\" - et dans la rue, à des réactions mitigées, y compris des rires et, dans le cas d'un piéton, il a sorti une arme à feu et a dit à Bowie de \"me baiser le cul\".",
"Hunky Dory (1971) trouve Visconti, le producteur et bassiste de Bowie, supplanté dans les deux rôles respectivement par Ken Scott et Trevor Bolder. L'album voit le retour partiel du chanteur pop féerique de \"Space Oddity\", avec des plats légers comme \"Kooks\", une chanson écrite pour son fils, Duncan Zowie Haywood Jones, né le 30 mai. (Ses parents ont choisi « son nom délirant » – il était connu sous le nom de Zowie pendant les 12 années suivantes – d'après le mot grec zoe, la vie.) Ailleurs, l'album explorait des thèmes plus sérieux et trouvait Bowie rendant un hommage inhabituellement direct à ses influences avec \"Chanson pour Bob Dylan\", \"Andy Warhol\" et \"Queen Bitch\", un pastiche du Velvet Underground. Ce n’était pas un succès commercial significatif à l’époque.",
"Après avoir séparé les Spiders from Mars, Bowie a tenté de quitter son personnage de Ziggy. Son catalogue était désormais très recherché : The Man Who Sold the World avait été réédité en 1972 avec Space Oddity. \"Life on Mars?\", de Hunky Dory, est sorti en juin 1973 et s'est classé numéro trois du classement des singles britanniques. Entré dans le même classement en septembre, le record de nouveautés de Bowie de 1967, \"The Laughing Gnome\", atteint la sixième place. Pin Ups, une collection de reprises de ses favoris des années 1960, a suivi en octobre, produisant un hit numéro trois au Royaume-Uni dans \"Sorrow\" et culminant lui-même au numéro un, faisant de David Bowie l'acte le plus vendu de 1973 au Royaume-Uni. Cela porte à six le nombre total d’albums de Bowie simultanément sur les charts britanniques.",
"Le fruit des sessions d'enregistrement de Philadelphie fut Young Americans (1975). Le biographe Christopher Sandford écrit : « Au fil des années, la plupart des rockers britanniques ont essayé, d'une manière ou d'une autre, de devenir noirs par extension. Rares sont ceux qui ont réussi comme Bowie le fait aujourd'hui. » Le son de l'album, que le chanteur a identifié comme de la « soul plastique », constituait un changement radical de style qui a d'abord aliéné nombre de ses fidèles britanniques. Young Americans a produit le premier numéro un américain de Bowie, \"Fame\", co-écrit avec John Lennon, qui a contribué aux chœurs, et Carlos Alomar. Lennon a qualifié le travail de Bowie de « génial, mais c'est juste du rock'n'roll avec du rouge à lèvres ». Ayant été l'un des premiers artistes blancs à apparaître dans l'émission de variétés américaine Soul Train, Bowie a mimé \"Fame\", ainsi que \"Golden Years\", son single de novembre, initialement proposé à Elvis Presley, qui l'a décliné. . Young Americans a été un succès commercial aux États-Unis et au Royaume-Uni, et une réédition du single \"Space Oddity\" de 1969 est devenue le premier succès numéro un de Bowie au Royaume-Uni quelques mois après que \"Fame\" ait obtenu le même succès aux États-Unis. En dépit de sa célébrité désormais bien établie, Bowie, selon les mots de Sandford, \"malgré toutes ses ventes de disques (plus d'un million d'exemplaires de Ziggy Stardust rien que), vivait essentiellement de petites monnaies\". En 1975, faisant écho au licenciement acrimonieux de Ken Pitt cinq ans plus tôt, Bowie licencia son manager. Au point culminant du conflit juridique qui a suivi et qui a duré des mois, il a vu, comme le décrit Sandford, « des millions de dollars de ses revenus futurs être cédés » dans des « conditions particulièrement généreuses pour Defries », puis « s'enfermer dans le West 20th ». Rue, où pendant une semaine ses hurlements ont pu être entendus à travers la porte verrouillée du grenier. Michael Lippman, l'avocat de Bowie pendant les négociations, est devenu son nouveau manager ; Lippman a à son tour reçu une compensation substantielle lorsque Bowie l'a licencié l'année suivante.",
"Scary Monsters (And Super Creeps) (1980) a produit le hit numéro un \"Ashes to Ashes\", mettant en vedette le travail textural du synthétiseur de guitare Chuck Hammer et revisitant le personnage du Major Tom de \"Space Oddity\". Le fils"
] | David Robert Jones (8 janvier 1947 – 10 janvier 2016), mieux connu sous son nom de scène David Bowie, était un chanteur, auteur-compositeur et acteur anglais. Il a été une figure de la musique populaire pendant plus de cinq décennies, considéré par les critiques et les musiciens comme un innovateur, notamment pour son travail dans les années 1970. Sa carrière a été marquée par la réinvention et la présentation visuelle, sa musique et sa scénographie influençant considérablement la musique populaire. De son vivant, ses ventes de disques, estimées à 140 millions dans le monde, ont fait de lui l'un des artistes musicaux les plus vendus au monde. Au Royaume-Uni, il a reçu neuf certifications d'album de platine, onze d'or et huit d'argent, sortant onze albums numéro un. Aux États-Unis, il a reçu cinq certifications platine et sept certifications or. Il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame en 1996.
Né et élevé dans le sud de Londres, Bowie a développé un intérêt pour la musique dès son enfance, étudiant finalement l'art, la musique et le design avant de se lancer dans une carrière professionnelle de musicien en 1963. "Space Oddity" est devenu sa première entrée dans le top cinq du Royaume-Uni. Singles Chart après sa sortie en juillet 1969. Après une période d'expérimentation, il réapparaît en 1972 à l'époque du glam rock avec son alter ego flamboyant et androgyne Ziggy Stardust. Le personnage a été mené par le succès de son single "Starman" et de son album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, qui lui ont valu une grande popularité. En 1975, le style de Bowie a radicalement changé vers un son qu'il a qualifié de « plastic soul », s'aliénant d'abord beaucoup de ses fidèles britanniques, mais lui a valu son premier grand succès crossover aux États-Unis avec le single numéro un « Fame » et l'album Young Americans. En 1976, Bowie entame une carrière d'acteur sporadique, en jouant dans le film culte L'Homme qui tombait sur Terre. L'année suivante, il confond encore davantage les attentes musicales avec l'album aux accents électroniques Low (1977), la première des trois collaborations avec Brian Eno qui seront connues sous le nom de « Trilogie de Berlin ». "Heroes" (1977) et Lodger (1979) suivirent ; chaque album a atteint le top cinq britannique et a reçu des éloges critiques durables.
Après un succès commercial inégal à la fin des années 1970, Bowie devient numéro un au Royaume-Uni avec le single "Ashes to Ashes" de 1980, son album parent Scary Monsters (And Super Creeps), et "Under Pressure", une collaboration de 1981 avec Queen. Il atteint ensuite son apogée commerciale en 1983 avec Let's Dance, dont la chanson titre figure en tête des charts britanniques et américains. Tout au long des années 1990 et 2000, Bowie a continué à expérimenter des styles musicaux, notamment l'industriel et la jungle. Bowie a également continué à jouer ; ses rôles incluaient le major Celliers dans Joyeux Noël, M. Lawrence (1983), le roi gobelin Jareth dans Labyrinthe (1986), Ponce Pilate dans La dernière tentation du Christ (1988) et Nikola Tesla dans Le Prestige (2006), entre autres. apparitions et camées au cinéma et à la télévision. Il a arrêté ses tournées de concerts après 2004 et sa dernière prestation live a eu lieu lors d'un événement caritatif en 2006. En 2013, Bowie est revenu d'une interruption d'enregistrement d'une décennie avec la sortie de The Next Day et est resté actif musicalement jusqu'à sa mort d'un cancer du foie deux jours plus tard. après la sortie de son dernier album, Blackstar (2016).
Début de la vie
Bowie est né à Brixton, au sud de Londres. Sa mère, Margaret Mary « Peggy » (née Burns ; 1913-2001), qui, bien que née dans le Kent, était d'origine irlandaise, travaillait comme serveuse, tandis que son père, Haywood Stenton « John » Jones (1912-1969), du Yorkshire. , était agent de promotion pour l'association caritative pour enfants Barnardo's. La famille vivait au 40 Stansfield Road, près de la frontière des quartiers du sud de Londres, Brixton et Stockwell. Bowie a fréquenté la Stockwell Infants School jusqu'à l'âge de six ans, acquérant une réputation d'enfant doué et déterminé, ainsi que de bagarreur provocateur.
En 1953, Bowie déménage avec sa famille dans la banlieue de Bromley, où, deux ans plus tard, il commence à fréquenter la Burnt Ash Junior School. Sa voix était considérée comme « adéquate » par la chorale de l'école et il démontrait des capacités supérieures à la moyenne pour jouer de la flûte à bec. À l'âge de neuf ans, sa danse pendant les cours de musique et de mouvement nouvellement introduits était étonnamment imaginative : les professeurs qualifiaient ses interprétations de « vivement artistiques » et son équilibre « étonnant » pour un enfant. La même année, son intérêt pour la musique est encore stimulé lorsque son père rapporte à la maison une collection de 45 tours américains d'artistes tels que Frankie Lymon and the Teenagers, the Platters, Fats Domino, Elvis Presley et Little Richard. En écoutant "Tutti Frutti", Bowie dira plus tard : "J'avais entendu Dieu".
L'impact de Presley sur lui a également été catégorique : "J'ai vu une de mes cousines danser sur... 'Hound Dog' et je ne l'avais jamais vue se lever et être autant émue par quoi que ce soit. Cela m'a vraiment impressionné, la puissance de la musique. . J'ai commencé à obtenir des disques immédiatement après." À la fin de l'année suivante, il s'était mis au ukulélé et au tea-chest bass, avait commencé à participer à des séances de skiffle avec des amis et avait commencé à jouer du piano ; pendant ce temps, sa présentation sur scène des numéros de Presley et de Chuck Berry - avec des girations en hommage aux artistes originaux - à son groupe local Wolf Cub a été décrite comme "hypnotisante ... comme quelqu'un d'une autre planète". Après avoir passé son examen Eleven-Plus à la fin de ses études à Burnt Ash Junior, Bowie est allé au Bromley Technical High School.
C'était une école technique inhabituelle, comme l'a écrit le biographe Christopher Sandford :
Bowie a étudié l'art, la musique et le design, y compris la mise en page et la composition. Après que Terry Burns, son demi-frère, l'ait initié au jazz moderne, son enthousiasme pour des musiciens comme Charles Mingus et John Coltrane a conduit sa mère à lui offrir un saxophone alto en plastique en 1961 ; il reçut bientôt des leçons d'un musicien local. Bowie a été grièvement blessé à l'école en 1962 lorsque son ami George Underwood l'a frappé à l'œil gauche lors d'une bagarre pour une fille, et les médecins craignaient qu'il ne devienne aveugle de cet œil. Après une série d'opérations au cours d'une hospitalisation de quatre mois, ses médecins ont déterminé que les dégâts ne pouvaient pas être entièrement réparés et Bowie s'est retrouvé avec une perception de la profondeur défectueuse et une pupille dilatée en permanence, ce qui donnait une fausse impression d'un changement de couleur de l'iris. . Malgré leur altercation, Underwood et Bowie sont restés de bons amis et Underwood a ensuite créé les illustrations des premiers albums de Bowie.
Carrière
1962-1967 : début de carrière jusqu'au premier album
En 1962, Bowie forme son premier groupe à l'âge de 15 ans. Jouant du rock and roll à base de guitare lors de rassemblements de jeunes locaux et de mariages, les Konrads comptaient entre quatre et huit membres, parmi lesquels Underwood. Lorsque Bowie quitta l'école technique l'année suivante, il informa ses parents de son intention de devenir une pop star. Sa mère lui a rapidement trouvé un emploi de compagnon électricien. Frustré par les aspirations limitées de ses camarades du groupe, Bowie quitte les Konrads et rejoint un autre groupe, les King Bees. Il a écrit au nouvel entrepreneur de machines à laver John Bloom, l'invitant à "faire pour nous ce que Brian Epstein a fait pour les Beatles - et à gagner un million de plus". Bloom n'a pas répondu à l'offre, mais sa référence à la partenaire de Dick James, Leslie Conn, a conduit à le premier contrat de gestion personnelle de Bowie.
Conn a rapidement commencé à promouvoir Bowie. Le premier single du chanteur, "Liza Jane", attribué à Davie Jones et aux King Bees, n'a eu aucun succès commercial. Insatisfait des King Bees et de leur répertoire de numéros de blues de Howlin' Wolf et Willie Dixon, Bowie quitta le groupe moins d'un mois plus tard pour rejoindre les Manish Boys, un autre groupe de blues, qui incorporait du folk et de la soul : « Je rêvais d'être leur Mick Jagger", devait se rappeler Bowie. "I Pity the Fool" n'a pas eu plus de succès que "Liza Jane", et Bowie n'a pas tardé à repartir pour rejoindre le Lower Third, un trio de blues fortement influencé par les Who. "You've Got a Habit of Leaving" ne s'en sort pas mieux, signalant la fin du contrat de Conn. Déclarant qu'il quitterait le monde de la pop « pour étudier le mime à Sadler's Wells », Bowie resta néanmoins dans le Lower Third. Son nouveau manager, Ralph Horton, qui a ensuite joué un rôle déterminant dans sa transition vers l'artiste solo, a rapidement été témoin du passage de Bowie dans un autre groupe, The Buzz, donnant lieu au cinquième single infructueux du chanteur, "Do Anything You Say". Alors qu'il était avec le Buzz, Bowie a également rejoint le Riot Squad ; leurs enregistrements, qui comprenaient un numéro de Bowie et du matériel The Velvet Underground, sont restés inédits. Ken Pitt, présenté par Horton, a pris la direction de Bowie.
Insatisfait de son nom de scène Davy (et Davie) Jones, qui, au milieu des années 1960, prêtait à confusion avec Davy Jones des Monkees, Bowie s'est renommé en hommage au pionnier américain du XIXe siècle Jim Bowie et au couteau qu'il avait popularisé. Son single solo d'avril 1967, "The Laughing Gnome", utilisant des voix accélérées et donc aiguës, n'a pas réussi à figurer dans les charts. Sorti six semaines plus tard, son premier album, David Bowie, amalgame de pop, de psychédélisme et de music-hall, connaît le même sort. C'était sa dernière sortie depuis deux ans.
1968-1971 : Bizarre spatiale à Hunky Dory
Bowie a rencontré la danseuse Lindsay Kemp en 1967 et s'est inscrit à son cours de danse au London Dance Centre. Il a commenté en 1972 que sa rencontre avec Kemp était le moment où son intérêt pour l'image « s'est vraiment épanoui ». "Il vivait de ses émotions, il avait une merveilleuse influence. Sa vie quotidienne était la chose la plus théâtrale que j'aie jamais vue. C'était tout ce que je pensais que la Bohême était probablement. J'ai rejoint le cirque." Étudiant les arts dramatiques sous Kemp, du théâtre d'avant-garde et du mime à la commedia dell'arte, Bowie s'est immergé dans la création de personnages à présenter au monde. Entre-temps, satirisant la vie dans une prison britannique, "Over the Wall We Go", écrit par Bowie, est devenu un single pour Oscar en 1967 ; une autre composition de Bowie, "Silly Boy Blue", est sortie par Billy Fury l'année suivante. En janvier 1968, Kemp a chorégraphié une scène de danse pour une pièce de la BBC The Pistol Shot dans la série Theatre 625 et a utilisé Bowie avec une danseuse, Hermione Farthingale ; le couple a commencé à sortir ensemble et a emménagé ensemble dans un appartement à Londres. Jouant de la guitare acoustique, Farthingale a formé un groupe avec Bowie et le guitariste John Hutchinson ; entre septembre 1968 et début 1969, le trio donne un petit nombre de concerts mêlant folk, Merseybeat, poésie et mime. Bowie et Farthingale se séparèrent au début de 1969 lorsqu'elle se rendit en Norvège pour participer à un film, Song of Norwegian ; cela l'a affecté, et plusieurs chansons, comme "Lettre à Hermione" et "Life on Mars ?" faites-lui référence, et pour la vidéo accompagnant "Où sommes-nous maintenant ?" il portait un T-shirt avec les mots "Chanson pour la Norvège". Ils étaient ensemble pour la dernière fois en janvier 1969 pour le tournage de Je t'aime jusqu'à mardi, un film de 30 minutes, sorti seulement en 1984, destiné à être un moyen de le promouvoir, présentant des performances du répertoire de Bowie, dont un "Space Oddity" encore inédit. .
Après la rupture avec Farthingale, Bowie a emménagé avec Mary Finnigan comme locataire. Au cours de cette période, il est apparu dans une publicité de crème glacée Lyons Maid et a été rejeté pour une autre par Kit Kat. En février et mars 1969, il entreprend une courte tournée avec le duo Tyrannosaurus Rex de Marc Bolan, en tant que troisième à l'affiche, exécutant un numéro de mime. Le 11 juillet 1969, "Space Oddity" est sorti cinq jours avant le lancement d'Apollo 11 et a atteint le top cinq au Royaume-Uni. Poursuivant la divergence entre le rock and roll et le blues amorcée par son travail avec Farthingale, Bowie s'est associé à Finnigan, Christina Ostrom et Barrie Jackson pour diriger un club folk le dimanche soir au pub Three Tuns à Beckenham High Street.
Influencé par le mouvement Arts Lab, celui-ci s'est développé pour devenir le Beckenham Arts Lab et est devenu extrêmement populaire. L'Arts Lab a organisé un festival gratuit dans un parc local, sujet de sa chanson "Memory of a Free Festival". Le deuxième album de Bowie a suivi en novembre ; initialement publié au Royaume-Uni sous le nom de David Bowie, il a provoqué une certaine confusion avec son prédécesseur du même nom, et la première version américaine était plutôt intitulée Man of Words/Man of Music ; il a été réédité à l'international en 1972 par RCA sous le titre Space Oddity. Présentant des paroles philosophiques post-hippie sur la paix, l'amour et la moralité, son folk rock acoustique parfois fortifié par du rock plus dur, l'album n'était pas un succès commercial au moment de sa sortie.
Bowie a rencontré Angela Barnett en avril 1969. Ils se sont mariés moins d'un an. Son impact sur lui a été immédiat et son implication dans sa carrière a été considérable, laissant au manager Ken Pitt une influence limitée, ce qu'il a trouvé frustrant. S'étant imposé comme artiste solo avec "Space Oddity", Bowie a commencé à ressentir un manque : "un groupe à plein temps pour les concerts et l'enregistrement, des gens avec qui il pourrait s'identifier personnellement". Cette lacune était soulignée par sa rivalité artistique avec Marc Bolan, qui lui servait alors de guitariste de session. Un groupe a été dûment constitué. John Cambridge, un batteur que Bowie a rencontré à l'Arts Lab, a été rejoint par Tony Visconti à la basse et Mick Ronson à la guitare électrique. Connus sous le nom de Hype, les membres du groupe se créaient des personnages et portaient des costumes élaborés qui préfiguraient le style glamour des Spiders From Mars. Après un concert d'ouverture désastreux au London Roundhouse, ils sont revenus à une configuration présentant Bowie comme un artiste solo. Leur travail initial en studio a été entaché par un vif désaccord entre Bowie et Cambridge sur le style de batterie de ce dernier. Les choses ont atteint leur paroxysme lorsqu'un Bowie enragé a accusé le batteur d'être responsable du dérangement, s'exclamant "Tu es en train de foutre en l'air mon album". Cambridge a démissionné sommairement et a été remplacé par Mick Woodmansey. Peu de temps après, dans une démarche qui a donné lieu à des années de litige, à l'issue duquel Bowie a été contraint de verser une compensation à Pitt, le chanteur a licencié son manager, le remplaçant par Tony Defries.
Les sessions en studio se sont poursuivies et ont abouti au troisième album de Bowie, The Man Who Sold the World (1970), qui contenait des références à la schizophrénie, à la paranoïa et à l'illusion. Caractérisé par le son heavy rock de son nouveau groupe d'accompagnement, il s'agissait d'un changement marqué par rapport au style de guitare acoustique et de folk rock établi par Space Oddity. Pour le promouvoir aux États-Unis, Mercury Records a financé une tournée publicitaire d'un océan à l'autre au cours de laquelle Bowie, entre janvier et février 1971, a été interviewé par les stations de radio et les médias. Exploitant son apparence androgyne, la pochette originale de la version britannique dévoilée deux mois plus tard représentait le chanteur portant une robe : emportant le vêtement avec lui, il le portait lors d'interviews - avec l'approbation des critiques, notamment John Mendelsohn des Rolling Stones qui le décrit comme "ravissant, rappelant de manière presque déconcertante Lauren Bacall" - et dans la rue, à des réactions mitigées, y compris des rires et, dans le cas d'un piéton, il a sorti une arme à feu et a dit à Bowie de "me baiser le cul".
Au cours de la tournée, l'observation par Bowie de deux artistes proto-punk américains majeurs l'a amené à développer un concept qui a finalement trouvé forme dans le personnage de Ziggy Stardust : une fusion du personnage d'Iggy Pop avec la musique de Lou Reed, produisant « l'ultime pop ». idole". Une petite amie a rappelé ses "notes griffonnées sur une serviette à cocktail à propos d'une rock star folle nommée Iggy ou Ziggy", et à son retour en Angleterre, il a déclaré son intention de créer un personnage "qui a l'air d'avoir atterri de Mars". Le nom de famille « Stardust » était un hommage au « Legendary Stardust Cowboy », dont le disque lui a été remis lors de la tournée. Bowie reprendra plus tard "I Took a Trip on a Gemini Space Ship" dans Heathen de 2002.
Hunky Dory (1971) trouve Visconti, le producteur et bassiste de Bowie, supplanté dans les deux rôles respectivement par Ken Scott et Trevor Bolder. L'album voit le retour partiel du chanteur pop féerique de "Space Oddity", avec des plats légers comme "Kooks", une chanson écrite pour son fils, Duncan Zowie Haywood Jones, né le 30 mai. (Ses parents ont choisi « son nom délirant » – il était connu sous le nom de Zowie pendant les 12 années suivantes – d'après le mot grec zoe, la vie.) Ailleurs, l'album explorait des thèmes plus sérieux et trouvait Bowie rendant un hommage inhabituellement direct à ses influences avec "Chanson pour Bob Dylan", "Andy Warhol" et "Queen Bitch", un pastiche du Velvet Underground. Ce n’était pas un succès commercial significatif à l’époque.
1972-1973 : Ziggy Stardust
Vêtu d'un costume saisissant, les cheveux teints en brun rougeâtre, Bowie a lancé son spectacle sur scène Ziggy Stardust avec les Spiders from Mars - Ronson, Bolder et Woodmansey - au pub Toby Jug à Tolworth le 10 février 1972. Le spectacle était extrêmement populaire, le catapultant au rang de célébrité lors de sa tournée au Royaume-Uni au cours des six mois suivants et créant, comme le décrit Buckley, un « culte de Bowie » qui était « unique – son influence a duré plus longtemps et a été plus créative que peut-être presque n'importe quelle autre force au sein de la pop. fandom." The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), combinant les éléments hard rock de The Man Who Sold the World avec le rock expérimental plus léger et la pop de Hunky Dory, est sorti en juin. "Starman", sorti en single en avril avant l'album, devait consolider la percée de Bowie au Royaume-Uni : le single et l'album ont rapidement été classés après son interprétation Top of the Pops de la chanson en juillet. L'album, qui est resté dans les charts pendant deux ans, a été bientôt rejoint par Hunky Dory, 6 mois. Dans le même temps, le single hors album "John, I'm Only Dancing" et "All the Young Dudes", une chanson qu'il a écrite et produite pour Mott the Hoople, ont connu du succès au Royaume-Uni. La tournée Ziggy Stardust s'est poursuivie aux États-Unis.
Bowie a contribué aux chœurs du solo révolutionnaire de Lou Reed en 1972, Transformer, coproduisant l'album avec Mick Ronson. Son propre Aladdin Sane (1973) est arrivé en tête des charts britanniques, son premier album numéro un. Décrit par Bowie comme "Ziggy va en Amérique", il contenait des chansons qu'il avait écrites lors de voyages aux États-Unis et à travers les États-Unis au cours de la première partie de la tournée de Ziggy, qui se poursuivait maintenant au Japon pour promouvoir le nouvel album. Aladdin Sane a engendré les cinq meilleurs singles britanniques "The Jean Genie" et "Drive-In Saturday".
L'amour de Bowie pour le théâtre l'a conduit à une immersion totale dans les personnages qu'il a créés pour sa musique. "En dehors de la scène, je suis un robot. Sur scène, je suscite l'émotion. C'est probablement pour cela que je préfère me déguiser en Ziggy plutôt qu'en David." À la satisfaction s'ajoutent de graves difficultés personnelles : jouant le même rôle pendant une période prolongée, il lui devient impossible de séparer Ziggy Stardust – et, plus tard, Thin White Duke – de son propre personnage en dehors de la scène. Ziggy, a déclaré Bowie, "ne me laisserait pas tranquille pendant des années. C'est à ce moment-là que tout a commencé à se gâter ... Toute ma personnalité en a été affectée. C'est devenu très dangereux. J'avais vraiment des doutes sur ma santé mentale." Ses derniers spectacles de Ziggy, qui comprenaient des chansons de Ziggy Stardust et d'Aladdin Sane, étaient des affaires ultra-théâtrales remplies de moments choquants sur scène, comme Bowie se déshabillant dans un pagne de sumo ou simulant un sexe oral avec la guitare de Ronson. Bowie a fait une tournée et a donné des conférences de presse sous le nom de Ziggy avant une « retraite » dramatique et abrupte sur scène au Hammersmith Odeon de Londres le 3 juillet 1973. Les images du spectacle final ont été diffusées la même année pour le film Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.
Après avoir séparé les Spiders from Mars, Bowie a tenté de quitter son personnage de Ziggy. Son catalogue était désormais très recherché : The Man Who Sold the World avait été réédité en 1972 avec Space Oddity. "Life on Mars?", de Hunky Dory, est sorti en juin 1973 et s'est classé numéro trois du classement des singles britanniques. Entré dans le même classement en septembre, le record de nouveautés de Bowie de 1967, "The Laughing Gnome", atteint la sixième place. Pin Ups, une collection de reprises de ses favoris des années 1960, a suivi en octobre, produisant un hit numéro trois au Royaume-Uni dans "Sorrow" et culminant lui-même au numéro un, faisant de David Bowie l'acte le plus vendu de 1973 au Royaume-Uni. Cela porte à six le nombre total d’albums de Bowie simultanément sur les charts britanniques.
1974-1976 : « Plastic Soul » et le Thin White Duke
Bowie a déménagé aux États-Unis en 1974, restant d'abord à New York avant de s'installer à Los Angeles. Diamond Dogs (1974), dont certaines parties le conduisaient vers la soul et le funk, était le produit de deux idées distinctes : une comédie musicale basée sur un avenir sauvage dans une ville post-apocalyptique et une mise en musique de 1984 de George Orwell. L'album est devenu numéro un au Royaume-Uni, donnant naissance aux tubes "Rebel Rebel" et "Diamond Dogs", et numéro cinq aux États-Unis. Pour en faire la promotion, Bowie a lancé le Diamond Dogs Tour, visitant des villes d'Amérique du Nord entre juin et décembre 1974. Chorégraphiée par Toni Basil et richement produite avec des effets spéciaux théâtraux, la production scénique à gros budget a été filmée par Alan Yentob. Le documentaire qui en résulte, Cracked Actor, mettait en vedette un Bowie pâteux et émacié : la tournée a coïncidé avec le passage du chanteur d'une forte consommation de cocaïne à une dépendance, produisant une grave débilité physique, de la paranoïa et des problèmes émotionnels. Il a commenté plus tard que l'album live qui l'accompagnait, David Live, aurait dû être intitulé "David Bowie Is Alive and Well and Living Only in Theory". David Live a néanmoins consolidé le statut de superstar de Bowie, se classant numéro deux au Royaume-Uni et numéro huit aux États-Unis. Il a également engendré un hit numéro dix au Royaume-Uni dans la reprise de Bowie de " Knock on Wood ". Après une pause à Philadelphie, où Bowie a enregistré du nouveau matériel, la tournée a repris avec un nouvel accent sur la soul.
Le fruit des sessions d'enregistrement de Philadelphie fut Young Americans (1975). Le biographe Christopher Sandford écrit : « Au fil des années, la plupart des rockers britanniques ont essayé, d'une manière ou d'une autre, de devenir noirs par extension. Rares sont ceux qui ont réussi comme Bowie le fait aujourd'hui. » Le son de l'album, que le chanteur a identifié comme de la « soul plastique », constituait un changement radical de style qui a d'abord aliéné nombre de ses fidèles britanniques. Young Americans a produit le premier numéro un américain de Bowie, "Fame", co-écrit avec John Lennon, qui a contribué aux chœurs, et Carlos Alomar. Lennon a qualifié le travail de Bowie de « génial, mais c'est juste du rock'n'roll avec du rouge à lèvres ». Ayant été l'un des premiers artistes blancs à apparaître dans l'émission de variétés américaine Soul Train, Bowie a mimé "Fame", ainsi que "Golden Years", son single de novembre, initialement proposé à Elvis Presley, qui l'a décliné. . Young Americans a été un succès commercial aux États-Unis et au Royaume-Uni, et une réédition du single "Space Oddity" de 1969 est devenue le premier succès numéro un de Bowie au Royaume-Uni quelques mois après que "Fame" ait obtenu le même succès aux États-Unis. En dépit de sa célébrité désormais bien établie, Bowie, selon les mots de Sandford, "malgré toutes ses ventes de disques (plus d'un million d'exemplaires de Ziggy Stardust rien que), vivait essentiellement de petites monnaies". En 1975, faisant écho au licenciement acrimonieux de Ken Pitt cinq ans plus tôt, Bowie licencia son manager. Au point culminant du conflit juridique qui a suivi et qui a duré des mois, il a vu, comme le décrit Sandford, « des millions de dollars de ses revenus futurs être cédés » dans des « conditions particulièrement généreuses pour Defries », puis « s'enfermer dans le West 20th ». Rue, où pendant une semaine ses hurlements ont pu être entendus à travers la porte verrouillée du grenier. Michael Lippman, l'avocat de Bowie pendant les négociations, est devenu son nouveau manager ; Lippman a à son tour reçu une compensation substantielle lorsque Bowie l'a licencié l'année suivante.
Station to Station (1976) a introduit un nouveau personnage de Bowie, "The Thin White Duke" de sa chanson titre. Visuellement, le personnage était une extension de Thomas Jerome Newton, l'être extraterrestre qu'il incarnait dans le film L'Homme qui tombait sur Terre la même année. Développant le funk et la soul des Young Americans, les arrangements riches en synthétiseurs de Station to Stations préfiguraient la musique influencée par le krautrock de ses prochains albums. La mesure dans laquelle la toxicomanie affectait désormais Bowie a été rendue publique lorsque Russell Harty a interviewé le chanteur pour son émission-débat à la London Weekend Television en prévision de la tournée de soutien de l'album. Peu avant le début de l'interview par satellite, la mort du dictateur espagnol Franco a été annoncée. Bowie a été invité à renoncer à la réservation du satellite, pour permettre au gouvernement espagnol de diffuser un fil d'actualité en direct. Il a refusé de le faire et son entretien a eu lieu. Dans la longue conversation qui a suivi avec Harty, Bowie était incohérent et semblait « déconnecté ». Sa santé mentale – de son propre aveu ultérieur – avait été altérée par la cocaïne ; il a fait une overdose à plusieurs reprises au cours de l'année et se dépérissait physiquement à un degré alarmant. Les commentaires positifs de Bowie sur Hitler et ceux d'Eric Clapton sur les restrictions à l'immigration en 1976 ont conduit à la création de Rock Against Racism.
La sortie de Station to Stations en janvier 1976 a été suivie en février par une tournée de concerts de trois mois et demi en Europe et en Amérique du Nord. Présentant un décor bien éclairé, la tournée Isolar – 1976 a mis en valeur les chansons de l'album, y compris la chanson titre dramatique et longue, les ballades "Wild Is the Wind" et "Word on a Wing", et les plus funky "TVC 15" et " Rester". Le groupe principal qui s'est réuni pour produire cet album et cette tournée – le guitariste rythmique Carlos Alomar, le bassiste George Murray et le batteur Dennis Davis – a continué à former une unité stable pour le reste des années 1970. La tournée a été très réussie mais embourbée dans une controverse politique. Bowie a été cité à Stockholm comme disant que "la Grande-Bretagne pourrait bénéficier d'un leader fasciste", et a été arrêté par les douanes à la frontière russo-polonaise pour possession d'attirail nazi.
Les choses ont atteint leur paroxysme à Londres en mai lors de ce qui est devenu connu sous le nom d'« incident de la gare Victoria ». En arrivant dans une Mercedes décapotable à toit ouvert, Bowie a salué la foule dans un geste que certains ont qualifié de salut nazi, qui a été filmé et publié dans NME. Bowie a déclaré que le photographe l'avait simplement surpris en pleine vague. Il a ensuite imputé ses commentaires profascistes et son comportement au cours de cette période à ses dépendances et au caractère du Thin White Duke. "J'étais fou, complètement fou. La principale chose sur laquelle je fonctionnais était la mythologie ... toute cette histoire d'Hitler et du droitisme ... J'avais découvert le roi Arthur". Selon le dramaturge Alan Franks, écrivant plus tard dans The Times, « il était en effet « dérangé ». Il a eu de très mauvaises expériences avec les drogues dures. » La dépendance à la cocaïne de Bowie, qui avait provoqué ces controverses, avait beaucoup à voir avec son séjour à Los Angeles, une ville qui l'a énormément aliéné. Discutant de ses flirts avec le fascisme dans une interview accordée au NME en 1980, Bowie a expliqué que Los Angeles était "là où tout s'était passé. Ce putain d'endroit devrait être effacé de la surface de la Terre. Pour avoir quelque chose à voir avec le rock and roll et aller et vivre à Los Angeles, c'est, je pense, se diriger vers le désastre. C'est vraiment le cas."
1976-1979 : ère berlinoise
Bowie s'installe en Suisse en 1976 et achète un chalet dans les collines au nord du lac Léman. Dans ce nouvel environnement, sa consommation de cocaïne a diminué et il a trouvé du temps pour d'autres activités en dehors de sa carrière musicale. Il consacre davantage de temps à sa peinture et réalise de nombreuses œuvres post-modernistes. Lors de ses tournées, il s'est mis à dessiner dans un cahier et à photographier des scènes pour référence ultérieure. En visitant des galeries à Genève et au Brücke Museum de Berlin, Bowie est devenu, selon les mots du biographe Christopher Sandford, « un producteur et collectionneur prolifique d'art contemporain. ... Non seulement il est devenu un mécène bien connu de l'art expressionniste : Au Clos des Mésanges, il entame un cours intensif de perfectionnement en musique classique et en littérature, et commence à travailler sur une autobiographie."
Avant la fin de 1976, l'intérêt de Bowie pour la scène musicale allemande en plein essor, ainsi que sa toxicomanie, l'incitent à déménager à Berlin-Ouest pour faire le ménage et revitaliser sa carrière. Là, on le voyait souvent faire du vélo entre son appartement de la Hauptstraße à Schöneberg et Hansa Tonstudio, le studio d'enregistrement qu'il utilisait, situé sur la Köthener Straße à Kreuzberg, près du mur de Berlin. Tout en travaillant avec Brian Eno et en partageant un appartement avec Iggy Pop, il a commencé à se concentrer sur la musique minimaliste et ambiante pour le premier des trois albums, coproduits avec Tony Visconti, devenus connus sous le nom de sa trilogie berlinoise. Au cours de la même période, Iggy Pop, avec Bowie comme co-auteur et musicien, termine son premier album solo The Idiot et son suivi Lust for Life, en tournée au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis en mars et avril 1977.
L'album Low (1977), en partie influencé par le son Krautrock de Kraftwerk et Neu!, témoigne d'un éloignement de la narration dans l'écriture de Bowie pour une forme musicale plus abstraite dans laquelle les paroles étaient sporadiques et facultatives. Bien qu'il ait terminé l'album en novembre 1976, il a fallu encore trois mois à sa maison de disques instable pour le sortir. Il a reçu de nombreuses critiques négatives lors de sa sortie - une sortie que RCA, soucieuse de maintenir la dynamique commerciale établie, n'a pas accueillie favorablement, et que l'ancien manager de Bowie, Tony Defries, qui entretenait toujours un intérêt financier important dans les affaires du chanteur, a tenté d'empêcher. . Malgré ces pressentiments, Low a produit le single numéro trois au Royaume-Uni " Sound and Vision ", et sa propre performance a dépassé celle de Station to Station dans le classement britannique, où il a atteint le numéro deux. Le principal compositeur contemporain Philip Glass a décrit Low comme « une œuvre de génie » en 1992, lorsqu'il l'a utilisé comme base pour sa Symphonie n° 1 « Low » ; par la suite, Glass a utilisé le prochain album de Bowie comme base pour sa Symphonie n°4 « Heroes » de 1996. Glass a loué le don de Bowie pour créer « des morceaux de musique assez complexes, se faisant passer pour des morceaux simples ».
Faisant écho à l'approche instrumentale et minimaliste de Low, le deuxième de la trilogie, "Heroes" (1977), incorporait davantage la pop et le rock, voyant Bowie rejoint par le guitariste Robert Fripp. Comme Low, "Heroes" incarnait l'air du temps de la guerre froide, symbolisé par la ville divisée de Berlin. Incorporant des sons ambiants provenant de diverses sources, notamment des générateurs de bruit blanc, des synthétiseurs et du koto, l'album fut un autre succès, atteignant le numéro trois au Royaume-Uni. Sa chanson titre, bien qu'elle n'ait atteint que la 24e place du classement des singles britanniques, a gagné en popularité et, en quelques mois, elle a été publiée en allemand et en français. Vers la fin de l'année, Bowie a interprété la chanson pour l'émission télévisée de Marc Bolan, Marc, et de nouveau deux jours plus tard pour le dernier spécial de Noël télévisé de Bing Crosby sur CBS, lorsqu'il a rejoint Crosby dans "Peace on Earth/Little Drummer Boy", une version de "The Little Drummer Boy" avec un nouveau couplet contrapuntique. Cinq ans plus tard, le duo s'est avéré un succès saisonnier mondial, se classant au troisième rang au Royaume-Uni le jour de Noël 1982.
Après avoir terminé Low et "Heroes", Bowie a passé une grande partie de 1978 sur la tournée mondiale Isolar II, apportant la musique des deux premiers albums de Berlin Trilogy à près d'un million de personnes lors de 70 concerts dans 12 pays. Il avait désormais mis fin à sa dépendance à la drogue ; Le biographe David Buckley écrit qu'Isolar II était « la première tournée de Bowie depuis cinq ans au cours de laquelle il ne s'était probablement pas anesthésié avec de grandes quantités de cocaïne avant de monter sur scène. ... Sans l'oubli que la drogue avait apporté, il était maintenant dans un état de santé sain. assez de condition mentale pour vouloir se faire des amis. » Les enregistrements de la tournée constituent l'album live Stage, sorti la même année.
Le dernier morceau de ce que Bowie appelle son « triptyque », Lodger (1979), évite la nature minimaliste et ambiante des deux autres, faisant un retour partiel au rock et pop à base de batterie et de guitare de son époque pré-berlinoise. Le résultat était un mélange complexe de new wave et de musique du monde, intégrant dans des lieux des gammes non occidentales du Hijaz. Certains morceaux ont été composés à l'aide des cartes Oblique Strategies d'Eno et Peter Schmidt : "Boys Keep Swinging" impliquait que les membres du groupe échangeaient leurs instruments, "Move On" utilisait les accords de la première composition de Bowie "All the Young Dudes" joués à l'envers, et "Red Money" prenait morceaux d'accompagnement de "Sister Midnight", un morceau précédemment composé avec Iggy Pop. L'album a été enregistré en Suisse. Avant sa sortie, Mel Ilberman de RCA a déclaré : « Il serait juste de l'appeler Bowie's Sergeant Pepper ... un album concept qui dépeint le Lodger comme un vagabond sans abri, évité et victime des pressions de la vie et de la technologie. » Comme le décrit le biographe Christopher Sandford, "Le disque a anéanti de grands espoirs avec des choix douteux et une production qui a sonné le glas - pendant quinze ans - du partenariat de Bowie avec Eno." Lodger a atteint le numéro 4 au Royaume-Uni et le numéro 20 aux États-Unis, et a donné les singles à succès britanniques "Boys Keep Swinging" et "DJ". Vers la fin de l'année, Bowie et Angela ont entamé une procédure de divorce et, après des mois de batailles judiciaires, le mariage a pris fin au début des années 1980.
1980-1988 : nouvelle ère romantique et pop
Scary Monsters (And Super Creeps) (1980) a produit le hit numéro un "Ashes to Ashes", mettant en vedette le travail textural du synthétiseur de guitare Chuck Hammer et revisitant le personnage du Major Tom de "Space Oddity". Le fils | http://quiz4free.com/ |
Dans quel pays se trouve le mont. L'Everest' ? | Népal | [
"Le mont Everest, également connu au Népal sous le nom de Sagarmāthā et au Tibet sous le nom de Chomolungma, est la plus haute montagne de la Terre. Il est situé dans la chaîne de montagnes Mahalangur au Népal et au Tibet. Son sommet culmine à 8 848 m d'altitude. La frontière internationale entre la Chine (région autonome du Tibet) et le Népal traverse précisément le point culminant de l'Everest. Son massif comprend les sommets voisins Lhotse, 8516 m ; Nuptse, 7855 m et Changtse, 7580 m.",
"En 1856, le Grand relevé trigonométrique de l'Inde a établi la première hauteur publiée de l'Everest, alors connue sous le nom de pic XV, à 29 002 pieds. La hauteur officielle actuelle de 8 848 m, reconnue par la Chine et le Népal, a été établie par une enquête indienne de 1955 et confirmée par la suite. par une enquête chinoise en 1975. En 1865, l'Everest a reçu son nom anglais officiel par la Royal Geographical Society sur recommandation d'Andrew Waugh, l'arpenteur général britannique de l'Inde. Comme il semblait y avoir plusieurs noms locaux différents, Waugh a choisi de donner à la montagne le nom de son prédécesseur au poste, Sir George Everest, malgré les objections de George Everest.",
"Le mont Everest attire de nombreux alpinistes, dont certains sont des alpinistes très expérimentés. Il existe deux voies d'escalade principales : l'une s'approchant du sommet par le sud-est du Népal (connue sous le nom de voie standard) et l'autre par le nord au Tibet. Bien qu'il ne pose pas de problèmes techniques d'escalade importants sur l'itinéraire standard, l'Everest présente des dangers tels que le mal d'altitude, les conditions météorologiques, le vent ainsi que des dangers objectifs importants liés aux avalanches et à la cascade de glace du Khumbu. En 2016, il y avait encore plus de 200 cadavres sur la montagne, certains d'entre eux servant même de points de repère.",
"Les premiers efforts enregistrés pour atteindre le sommet de l'Everest ont été réalisés par des alpinistes britanniques. Le Népal n'autorisant pas les étrangers à entrer dans le pays à l'époque, les Britanniques ont fait plusieurs tentatives sur la route de la crête nord depuis le côté tibétain. Après que la première expédition de reconnaissance des Britanniques en 1921 ait atteint 7 000 m sur le col Nord, l'expédition de 1922 a poussé la route de la crête Nord jusqu'à 8 320 m, marquant la première fois qu'un humain grimpait au-dessus de 8 000 m. Tragédie survenu lors de la descente du col Nord lorsque sept porteurs furent tués dans une avalanche. L'expédition de 1924 a donné lieu au plus grand mystère sur l'Everest à ce jour : George Mallory et Andrew Irvine ont tenté une dernière fois le sommet le 8 juin mais ne sont jamais revenus, suscitant un débat quant à savoir s'ils étaient les premiers à atteindre le sommet. Ils avaient été repérés en haut de la montagne ce jour-là mais avaient disparu dans les nuages pour ne plus jamais être revus, jusqu'à ce que le corps de Mallory soit retrouvé en 1999 à 8 155 m sur la face Nord. Tenzing Norgay et Edmund Hillary ont réalisé la première ascension officielle de l'Everest en 1953 en empruntant la route de la crête sud-est. Tenzing avait atteint 8595 m l'année précédente en tant que membre de l'expédition suisse de 1952. L'équipe d'alpinistes chinois composée de Wang Fuzhou, Gonpo et Qu Yinhua a réalisé la première ascension signalée du sommet depuis la crête nord le 25 mai 1960.",
"En 1802, les Britanniques ont lancé la Grande enquête trigonométrique de l'Inde pour déterminer l'emplacement et les noms des plus hautes montagnes du monde. Partant du sud de l'Inde, les équipes d'enquête se sont déplacées vers le nord à l'aide de théodolites géants, pesant chacun 500 kg et nécessitant 12 hommes à transporter, pour mesurer les hauteurs aussi précisément que possible. Ils atteignirent les contreforts de l'Himalaya dans les années 1830, mais le Népal n'était pas disposé à permettre aux Britanniques d'entrer dans le pays en raison de soupçons d'agression politique et d'annexion possible. Plusieurs demandes d'entrée des géomètres au Népal ont été rejetées.",
"Les Britanniques ont été contraints de poursuivre leurs observations depuis le Terai, une région située au sud du Népal et parallèle à l'Himalaya. Les conditions dans le Terai étaient difficiles en raison des pluies torrentielles et du paludisme. Trois enquêteurs sont morts du paludisme tandis que deux autres ont dû prendre leur retraite en raison de problèmes de santé.",
"Alors que l'enquête visait à préserver les noms locaux si possible (par exemple Kangchenjunga et Dhaulagiri), Waugh a fait valoir qu'il n'avait trouvé aucun nom local couramment utilisé. La recherche par Waugh d'un nom local a été entravée par l'exclusion des étrangers par le Népal et le Tibet. De nombreux noms locaux existaient, dont « Deodungha » (« Montagne Sainte ») à Darjeeling et le tibétain « Chomolungma », qui figurait sur une carte de 1733 publiée à Paris par le géographe français D'Anville. À la fin du XIXe siècle, de nombreux cartographes européens croyaient à tort que le nom indigène de la montagne était Gaurishankar, qui est une montagne située entre Katmandou et l'Everest.",
"La hauteur de 8 848 m indiquée est officiellement reconnue par le Népal et la Chine, bien que le Népal envisage une nouvelle étude.",
"L'altitude de 8 848 m a été déterminée pour la première fois par un levé indien en 1955, réalisé plus près de la montagne, également à l'aide de théodolites. Il a ensuite été réaffirmé par une mesure chinoise de 1975. Dans les deux cas, c'est la calotte neigeuse et non la tête rocheuse qui a été mesurée. En mai 1999, une expédition américaine sur l'Everest, dirigée par Bradford Washburn, a ancré une unité GPS dans le substrat rocheux le plus élevé. Une élévation de la tête rocheuse de 8 850 m et une élévation de la neige/glace de 1 m plus haut ont été obtenues grâce à cet appareil. Bien qu’il n’ait pas été officiellement reconnu par le Népal, ce chiffre est largement cité. L'incertitude du géoïde jette le doute sur la précision revendiquée par les levés de 1999 et de 2005.",
"Les premières expéditions, comme celle du général Charles Bruce dans les années 1920 et les deux tentatives infructueuses de Hugh Ruttledge en 1933 et 1936, tentèrent de gravir la montagne depuis le Tibet, via la face nord. L'accès du nord aux expéditions occidentales a été fermé en 1950, après que la Chine a affirmé son contrôle sur le Tibet. En 1950, Bill Tilman et un petit groupe comprenant Charles Houston, Oscar Houston et Betsy Cowles entreprirent une expédition exploratoire vers l'Everest à travers le Népal le long de la route qui est maintenant devenue l'approche standard de l'Everest depuis le sud.",
"L'expédition suisse de 1952, dirigée par Edouard Wyss-Dunant, fut autorisée à tenter une ascension depuis le Népal. L'expédition a établi un itinéraire à travers la cascade de glace du Khumbu et est montée jusqu'au col sud à une altitude de 7 986 m. Aucune tentative d’ascension de l’Everest n’a jamais été envisagée dans cette affaire. Raymond Lambert et le Sherpa Tenzing Norgay ont réussi à atteindre une hauteur d'environ 8595 m sur la crête sud-est, établissant ainsi un nouveau record d'altitude d'escalade. L'expérience de Tenzing s'est avérée utile lorsqu'il a été embauché pour faire partie de l'expédition britannique en 1953.",
"En 1953, une neuvième expédition britannique, dirigée par John Hunt, retourna au Népal. Hunt a sélectionné deux paires d'escalades pour tenter d'atteindre le sommet. Le premier duo (Tom Bourdillon et Charles Evans) s'approcha à moins de 100 m du sommet le 26 mai 1953, mais fit demi-tour après avoir rencontré des problèmes d'oxygène. Comme prévu, leur travail de recherche d'itinéraire et de traçage ainsi que leurs caches d'oxygène supplémentaire ont été d'une grande aide pour le duo suivant. Deux jours plus tard, l'expédition effectuait son deuxième et dernier assaut sur le sommet avec son deuxième duo d'escalade, le Néo-Zélandais Edmund Hillary et Tenzing Norgay, un alpiniste sherpa népalais de Darjeeling, en Inde. Ils atteignirent le sommet à 11 h 30, heure locale, le 29 mai 1953, via la route du col sud. À l’époque, tous deux reconnaissaient qu’il s’agissait d’un effort d’équipe de la part de toute l’expédition, mais Tenzing révéla quelques années plus tard qu’Hillary avait mis le pied sur le sommet en premier. Ils se sont arrêtés au sommet pour prendre des photos et ont enterré quelques bonbons et une petite croix dans la neige avant de redescendre.",
"Hillary et Tenzing sont également reconnus à l'échelle nationale au Népal, où des cérémonies annuelles dans les écoles et les bureaux célèbrent leur réussite."
] | Le mont Everest, également connu au Népal sous le nom de Sagarmāthā et au Tibet sous le nom de Chomolungma, est la plus haute montagne de la Terre. Il est situé dans la chaîne de montagnes Mahalangur au Népal et au Tibet. Son sommet culmine à 8 848 m d'altitude. La frontière internationale entre la Chine (région autonome du Tibet) et le Népal traverse précisément le point culminant de l'Everest. Son massif comprend les sommets voisins Lhotse, 8516 m ; Nuptse, 7855 m et Changtse, 7580 m.
En 1856, le Grand relevé trigonométrique de l'Inde a établi la première hauteur publiée de l'Everest, alors connue sous le nom de pic XV, à 29 002 pieds. La hauteur officielle actuelle de 8 848 m, reconnue par la Chine et le Népal, a été établie par une enquête indienne de 1955 et confirmée par la suite. par une enquête chinoise en 1975. En 1865, l'Everest a reçu son nom anglais officiel par la Royal Geographical Society sur recommandation d'Andrew Waugh, l'arpenteur général britannique de l'Inde. Comme il semblait y avoir plusieurs noms locaux différents, Waugh a choisi de donner à la montagne le nom de son prédécesseur au poste, Sir George Everest, malgré les objections de George Everest.
Le mont Everest attire de nombreux alpinistes, dont certains sont des alpinistes très expérimentés. Il existe deux voies d'escalade principales : l'une s'approchant du sommet par le sud-est du Népal (connue sous le nom de voie standard) et l'autre par le nord au Tibet. Bien qu'il ne pose pas de problèmes techniques d'escalade importants sur l'itinéraire standard, l'Everest présente des dangers tels que le mal d'altitude, les conditions météorologiques, le vent ainsi que des dangers objectifs importants liés aux avalanches et à la cascade de glace du Khumbu. En 2016, il y avait encore plus de 200 cadavres sur la montagne, certains d'entre eux servant même de points de repère.
Les premiers efforts enregistrés pour atteindre le sommet de l'Everest ont été réalisés par des alpinistes britanniques. Le Népal n'autorisant pas les étrangers à entrer dans le pays à l'époque, les Britanniques ont fait plusieurs tentatives sur la route de la crête nord depuis le côté tibétain. Après que la première expédition de reconnaissance des Britanniques en 1921 ait atteint 7 000 m sur le col Nord, l'expédition de 1922 a poussé la route de la crête Nord jusqu'à 8 320 m, marquant la première fois qu'un humain grimpait au-dessus de 8 000 m. Tragédie survenu lors de la descente du col Nord lorsque sept porteurs furent tués dans une avalanche. L'expédition de 1924 a donné lieu au plus grand mystère sur l'Everest à ce jour : George Mallory et Andrew Irvine ont tenté une dernière fois le sommet le 8 juin mais ne sont jamais revenus, suscitant un débat quant à savoir s'ils étaient les premiers à atteindre le sommet. Ils avaient été repérés en haut de la montagne ce jour-là mais avaient disparu dans les nuages pour ne plus jamais être revus, jusqu'à ce que le corps de Mallory soit retrouvé en 1999 à 8 155 m sur la face Nord. Tenzing Norgay et Edmund Hillary ont réalisé la première ascension officielle de l'Everest en 1953 en empruntant la route de la crête sud-est. Tenzing avait atteint 8595 m l'année précédente en tant que membre de l'expédition suisse de 1952. L'équipe d'alpinistes chinois composée de Wang Fuzhou, Gonpo et Qu Yinhua a réalisé la première ascension signalée du sommet depuis la crête nord le 25 mai 1960.
Découverte occidentale
En 1802, les Britanniques ont lancé la Grande enquête trigonométrique de l'Inde pour déterminer l'emplacement et les noms des plus hautes montagnes du monde. Partant du sud de l'Inde, les équipes d'enquête se sont déplacées vers le nord à l'aide de théodolites géants, pesant chacun 500 kg et nécessitant 12 hommes à transporter, pour mesurer les hauteurs aussi précisément que possible. Ils atteignirent les contreforts de l'Himalaya dans les années 1830, mais le Népal n'était pas disposé à permettre aux Britanniques d'entrer dans le pays en raison de soupçons d'agression politique et d'annexion possible. Plusieurs demandes d'entrée des géomètres au Népal ont été rejetées.
Les Britanniques ont été contraints de poursuivre leurs observations depuis le Terai, une région située au sud du Népal et parallèle à l'Himalaya. Les conditions dans le Terai étaient difficiles en raison des pluies torrentielles et du paludisme. Trois enquêteurs sont morts du paludisme tandis que deux autres ont dû prendre leur retraite en raison de problèmes de santé.
Néanmoins, en 1847, les Britanniques poursuivirent la Grande étude trigonométrique et commencèrent des observations détaillées des sommets himalayens à partir de stations d'observation situées jusqu'à 240 km de distance. Les conditions météorologiques ont limité les travaux aux trois derniers mois de l'année. En novembre 1847, Andrew Waugh, l'arpenteur général britannique de l'Inde, fit plusieurs observations depuis la station Sawajpore située à l'extrémité orientale de l'Himalaya. Le Kangchenjunga était alors considéré comme le plus haut sommet du monde, et il remarqua avec intérêt un sommet au-delà, à environ 230 km de là. John Armstrong, l'un des responsables de Waugh, a également vu le pic depuis un endroit plus à l'ouest et l'a appelé pic « b ». Waugh écrira plus tard que les observations indiquaient que le pic « b » était plus haut que le Kangchenjunga, mais étant donné la grande distance des observations, des observations plus rapprochées étaient nécessaires pour la vérification. L'année suivante, Waugh envoya un responsable de l'enquête dans le Terai pour faire des observations plus rapprochées du pic « b », mais les nuages contrecarrèrent toutes les tentatives.
En 1849, Waugh envoya James Nicolson dans la région, qui fit deux observations depuis Jirol, à 190 km. Nicolson a ensuite pris le plus grand théodolite et s'est dirigé vers l'est, obtenant plus de 30 observations à cinq endroits différents, le plus proche étant à 174 km du sommet.
Nicolson se retira à Patna, sur le Gange, pour effectuer les calculs nécessaires basés sur ses observations. Ses données brutes donnaient une altitude moyenne de 9 200 m pour le pic « b », mais cela ne tenait pas compte de la réfraction de la lumière, qui déforme les hauteurs. Cependant, le nombre indiquait clairement que le pic « b » était supérieur à celui du Kangchenjunga. Ensuite, Nicolson a contracté le paludisme et a été contraint de rentrer chez lui sans avoir terminé ses calculs. Michael Hennessy, l'un des assistants de Waugh, avait commencé à désigner les pics sur la base de chiffres romains, le Kangchenjunga étant nommé Pic IX, tandis que le pic « b » était désormais connu sous le nom de Pic XV.
En 1852, en poste au siège de l'enquête à Dehradun, Radhanath Sikdar, mathématicien indien et géomètre du Bengale, fut le premier à identifier l'Everest comme le plus haut sommet du monde, en utilisant des calculs trigonométriques basés sur les mesures de Nicolson. L'annonce officielle selon laquelle le pic XV était le plus élevé a été retardée de plusieurs années car les calculs ont été vérifiés à plusieurs reprises. Waugh a commencé à travailler sur les données de Nicolson en 1854 et, avec son équipe, a passé près de deux ans à travailler sur les calculs, devant faire face aux problèmes de réfraction de la lumière, de pression barométrique et de température sur les vastes distances des observations. Finalement, en mars 1856, il annonça ses découvertes dans une lettre adressée à son adjoint à Calcutta. Le Kangchenjunga a été déclaré à 28 156 pieds, tandis que le pic XV a reçu une hauteur de 29 002 pieds. Waugh a conclu que le pic XV était "très probablement le plus haut du monde". Le pic XV (mesuré en pieds) a été calculé comme ayant une hauteur exacte de 29 000 pieds, mais a été publiquement déclaré comme étant de 29 002 pieds afin d'éviter l'impression qu'une hauteur exacte de 29 000 pieds n'était rien de plus qu'une estimation arrondie. Waugh est donc crédité avec humour d’être « la première personne à mettre les deux pieds au sommet du mont Everest ».
Nom
Alors que l'enquête visait à préserver les noms locaux si possible (par exemple Kangchenjunga et Dhaulagiri), Waugh a fait valoir qu'il n'avait trouvé aucun nom local couramment utilisé. La recherche par Waugh d'un nom local a été entravée par l'exclusion des étrangers par le Népal et le Tibet. De nombreux noms locaux existaient, dont « Deodungha » (« Montagne Sainte ») à Darjeeling et le tibétain « Chomolungma », qui figurait sur une carte de 1733 publiée à Paris par le géographe français D'Anville. À la fin du XIXe siècle, de nombreux cartographes européens croyaient à tort que le nom indigène de la montagne était Gaurishankar, qui est une montagne située entre Katmandou et l'Everest.
Waugh a fait valoir que, parce qu'il y avait de nombreux noms locaux, il serait difficile de privilégier un nom par rapport à tous les autres, il a donc décidé que Peak XV devrait porter le nom de l'arpenteur gallois Sir George Everest, son prédécesseur en tant qu'arpenteur général de l'Inde. Everest lui-même s'est opposé au nom suggéré par Waugh et a déclaré à la Royal Geographical Society en 1857 que « Everest » ne pouvait pas être écrit en hindi ni prononcé par « le natif de l'Inde ». Le nom proposé par Waugh a prévalu malgré les objections et, en 1865, la Royal Geographical Society a officiellement adopté le mont Everest comme nom de la plus haute montagne du monde. Les prononciations modernes de l'Everest (et) sont différentes de la prononciation par Sir George de son nom de famille (,).
Le nom tibétain du mont Everest est (, lit. "Sainte Mère"), dont la forme officielle du pinyin tibétain est Qomolangma. Il est également populairement romanisé sous le nom de Chomolungma et (en Wylie) sous le nom de Jo-mo-glang-ma ou Jomo Langma. La transcription chinoise officielle est dont la forme pinyin est Zhūmùlǎngmǎ Fēng ("Chomolungma Peak"). Il est également rarement simplement traduit en chinois par Shèngmǔ Fēng lit. "Sainte Mère Peak"). En 2002, le Quotidien du Peuple chinois a publié un article contre l'utilisation du « Mont Everest » en anglais, insistant sur le fait que la montagne devrait être appelée « Mont Qomolangma », sur la base de la forme officielle du nom tibétain local. L'article affirmait que les colonialistes britanniques n'avaient pas « découvert en premier » la montagne, telle qu'elle était connue des Tibétains et cartographiée par les Chinois sous le nom de « Qomolangma » depuis au moins 1719.
Au début des années 1960, le gouvernement népalais a inventé un nom népalais pour le mont Everest, Sagarmāthā ou Sagar-Matha (सागर-मथ्था), prétendument pour supplanter le nom tibétain parmi les habitants, un usage que le gouvernement népalais jugeait « inacceptable ».
Enquêtes
La hauteur de 8 848 m indiquée est officiellement reconnue par le Népal et la Chine, bien que le Népal envisage une nouvelle étude.
En 1856, Andrew Waugh a annoncé que l'Everest (alors connu sous le nom de Peak XV) culminait à 29 002 pieds, après plusieurs années de calculs basés sur les observations faites par le Great Trigonometric Survey.
L'altitude de 8 848 m a été déterminée pour la première fois par un levé indien en 1955, réalisé plus près de la montagne, également à l'aide de théodolites. Il a ensuite été réaffirmé par une mesure chinoise de 1975. Dans les deux cas, c'est la calotte neigeuse et non la tête rocheuse qui a été mesurée. En mai 1999, une expédition américaine sur l'Everest, dirigée par Bradford Washburn, a ancré une unité GPS dans le substrat rocheux le plus élevé. Une élévation de la tête rocheuse de 8 850 m et une élévation de la neige/glace de 1 m plus haut ont été obtenues grâce à cet appareil. Bien qu’il n’ait pas été officiellement reconnu par le Népal, ce chiffre est largement cité. L'incertitude du géoïde jette le doute sur la précision revendiquée par les levés de 1999 et de 2005.
Une carte photogrammétrique détaillée (à l'échelle 1:50 000) de la région du Khumbu, y compris le versant sud du mont Everest, a été réalisée par Erwin Schneider dans le cadre de l'expédition internationale himalayenne de 1955, qui a également tenté le Lhotse. Une carte topographique encore plus détaillée de la région de l'Everest a été réalisée à la fin des années 1980 sous la direction de Bradford Washburn, à l'aide de nombreuses photographies aériennes.
Le 9 octobre 2005, après plusieurs mois de mesures et de calculs, l'Académie chinoise des sciences et le Bureau d'État d'arpentage et de cartographie ont officiellement annoncé la hauteur de l'Everest avec une précision de ±. Ils ont affirmé qu’il s’agissait de la mesure la plus précise et la plus précise à ce jour. Cette hauteur est basée sur le point culminant réel du rocher et non sur la neige et la glace qui le recouvrent. L'équipe chinoise a également mesuré une épaisseur de neige/glace de , ce qui est en accord avec une altitude nette de 8 848 m. L'épaisseur de la neige et de la glace varie avec le temps, ce qui rend impossible la détermination définitive de la hauteur de la calotte neigeuse.
On pense que la tectonique des plaques de la région augmente la hauteur et déplace le sommet vers le nord-est. Deux récits suggèrent que les taux de changement sont de 4 mm par an (vers le haut) et de 3 à par an (vers le nord-est), mais un autre récit mentionne davantage de mouvements latéraux (27 mm),
et même un rétrécissement a été suggéré.
Comparaisons
Le sommet de l'Everest est le point où la surface de la Terre atteint la plus grande distance au-dessus du niveau de la mer. Plusieurs autres montagnes sont parfois revendiquées comme « les plus hautes montagnes du monde ». Mauna Kea à Hawaï est le plus haut lorsqu'on le mesure à partir de sa base ; il s'élève à plus de 10 200 m lorsqu'on le mesure à partir de sa base au milieu de l'océan, mais n'atteint que 4 205 m au-dessus du niveau de la mer.
Par la même mesure de la base au sommet, Denali, en Alaska, anciennement connu sous le nom de mont McKinley, est également plus haut que l'Everest. Malgré sa hauteur au-dessus du niveau de la mer de seulement 6 190 m, Denali se trouve au sommet d'une plaine en pente avec des altitudes de 300 à, ce qui donne une hauteur au-dessus de la base comprise entre 5 300 et ; un chiffre communément cité est de 5 600 m. En comparaison, les altitudes de base raisonnables de l'Everest vont de 4 200 m du côté sud à 5 200 m sur le plateau tibétain, ce qui donne une hauteur au-dessus de la base comprise entre 3 650 et 3 650 m.
Le sommet du Chimborazo en Équateur est 2 168 m plus éloigné du centre de la Terre () que celui de l'Everest (), car la Terre est bombée au niveau de l'équateur. Ceci malgré le fait que le Chimborazo culmine à 6 268 m au-dessus du niveau de la mer, contre 8 848 m pour le mont Everest.
Géologie
Les géologues ont subdivisé les roches du mont Everest en trois unités appelées formations. Chaque formation est séparée de l'autre par des failles à faible angle, appelées détachements, le long desquelles elles ont été poussées les unes sur les autres vers le sud. Du sommet du mont Everest à sa base, ces unités rocheuses sont la formation Qomolangma, la formation North Col et la formation Rongbuk.
La Formation de Qomolangma, également connue sous le nom de Formation de Jolmo Lungama ou Formation de l'Everest, s'étend du sommet au sommet de la Bande Jaune, à peu près au-dessus du niveau de la mer. Il se compose de calcaire ordovicien grisâtre à gris foncé ou blanc, laminé et lité parallèlement, intercalé avec des lits subordonnés de dolomite recristallisée avec des lamines argileuses et du siltstone. Gansser a signalé pour la première fois la découverte de fragments microscopiques de crinoïdes dans ce calcaire. Une analyse pétrographique ultérieure d'échantillons de calcaire provenant de près du sommet a révélé qu'ils étaient composés de pastilles de carbonate et de restes finement fragmentés de trilobites, de crinoïdes et d'ostracodes. D'autres échantillons étaient tellement cisaillés et recristallisés que leurs constituants d'origine n'ont pas pu être déterminés. Un épais lit de thrombolite aux intempéries blanches de 60 m d'épaisseur constitue le pied de la « Troisième Marche » et la base de la pyramide sommitale de l'Everest. Ce lit, qui affleure à partir d'environ 70 m sous le sommet du mont Everest, est constitué de sédiments piégés, liés et cimentés par des biofilms de micro-organismes, notamment de cyanobactéries, dans les eaux marines peu profondes. La Formation de Qomolangma est divisée par plusieurs failles à angle élevé qui se terminent à la faille normale à faible angle, le détachement de Qomolangma. Ce détachement le sépare de la bande jaune sous-jacente. Les cinq mètres inférieurs de la Formation de Qomolangma recouvrant ce détachement sont très fortement déformés.
La majeure partie du mont Everest, entre , est constituée de la formation North Col, dont la bande jaune forme la partie supérieure entre . La bande jaune est constituée de lits intercalés de marbre porteur de diopside-épidote du Cambrien moyen, qui s'altère d'un brun jaunâtre distinctif, ainsi que de phyllite et de semischiste à muscovite-biotite. L'analyse pétrographique du marbre collecté à environ a révélé qu'il s'agissait de jusqu'à cinq pour cent de fantômes d'osselets crinoïdes recristallisés. Les cinq mètres supérieurs de la bande jaune adjacente au détachement de Qomolangma sont gravement déformés. Une brèche de faille de 5 épaisseurs la sépare de la formation sus-jacente de Qomolangma.
Le reste de la formation North Col, exposé entre le mont Everest, est constitué de schistes interstratifiés et déformés, de phyllite et de marbre mineur. Entre , la Formation de North Col se compose principalement de phyllite à biotite-quartz et de phyllite à chlorite-biotite intercalée avec des quantités mineures de schiste à biotite-séricite-quartz. Entre , la partie inférieure de la Formation de North Col est constituée de schistes à biotite-quartz intercalés avec des schistes à épidote-quartz, des schistes à biotite-calcite-quartz et de fines couches de marbre quartzeux. Ces roches métamorphiques semblent être le résultat du métamorphisme du flysch marin profond du Cambrien moyen à précoce composé d'interstratifications de mudstone, de schiste, de grès argileux, de grès calcaire, de grauwacke et de calcaire sableux. La base de la formation North Col est une faille normale régionale à faible angle appelée « détachement de Lhotse ».
En dessous de 7 000 m (23 000 pieds), la formation de Rongbuk sous-tend la formation de North Col et forme la base du mont Everest. Il se compose de schistes et de gneiss de qualité sillimanite-K-feldspath recoupés par de nombreux filons-couches et dykes de leucogranite dont l'épaisseur varie de 1 cm à 1 500 m (0,4 po à 4 900 pi). Ces leucogranites font partie d'une ceinture de roches intrusives de la fin de l'Oligocène – Miocène connue sous le nom de leucogranite de l'Himalaya supérieur. Ils se sont formés à la suite de la fusion partielle de roches métasédimentaires de haute qualité du Paléoprotérozoïque à l'Ordovicien de la séquence himalayenne supérieure il y a environ 20 à 24 millions d'années lors de la subduction de la plaque indienne.
Le mont Everest est constitué de roches sédimentaires et métamorphiques qui ont été faillées vers le sud sur une croûte continentale composée de granulites archéennes de la plaque indienne lors de la collision cénozoïque de l'Inde avec l'Asie.
Les interprétations actuelles soutiennent que les formations Qomolangma et North Col sont constituées de sédiments marins qui se sont accumulés sur le plateau continental de la marge continentale passive nord de l'Inde avant sa collision avec l'Asie. La collision cénozoïque de l'Inde avec l'Asie a ensuite déformé et métamorphosé ces strates en les poussant vers le sud et vers le haut. La Formation de Rongbuk se compose d'une séquence de roches métamorphiques et granitiques de haute qualité dérivées de l'altération de roches métasédimentaires de haute qualité. Lors de la collision de l'Inde avec l'Asie, ces roches ont été poussées vers le bas et vers le nord car elles ont été remplacées par d'autres strates ; chauffé, métamorphisé et partiellement fondu à des profondeurs situées au-dessous du niveau de la mer ; puis forcé de remonter à la surface en poussant vers le sud entre deux détachements majeurs. L'Himalaya s'élève d'environ 5 mm par an.
la faune et la flore
Il y a très peu de flore ou de faune indigène sur l’Everest. Il y a une mousse qui pousse à 6480 m d'altitude sur le mont Everest. Il s’agit peut-être de l’espèce végétale la plus élevée. Une plante alpine en coussin appelée Arenaria pousse en contrebas dans la région.
Euophrys omnisuperstes, une minuscule araignée sauteuse noire, a été trouvée à des altitudes allant jusqu'à 6 700 m, ce qui en fait peut-être le résident permanent non microscopique confirmé le plus élevé sur Terre. Il se cache dans les crevasses et peut se nourrir d'insectes gelés transportés par le vent. Il convient de noter qu’il existe une forte probabilité de vie microscopique à des altitudes encore plus élevées.
Des oiseaux, comme l'oie à tête barrée, ont été aperçus volant aux altitudes les plus élevées de la montagne, tandis que d'autres, comme le crave, ont été aperçus jusqu'au col Sud, à 7 920 m. Des craves à bec jaune ont été observés aussi haut que les oies à tête barrée susmentionnées migrent au-dessus de l'Himalaya. Dès 1953, George Lowe, lors de la célèbre expédition de Tenzing et Hillary, avait remarqué avoir vu des oies survoler le mont Everest.
Les yaks sont souvent utilisés pour transporter du matériel pour l'ascension du mont Everest ; ils peuvent transporter 100 kg (220 livres) et ont une fourrure épaisse et de gros poumons. Un conseil courant pour les habitants de la région de l'Everest est de se trouver sur un terrain plus élevé à proximité de yaks et d'autres animaux, car ils peuvent faire tomber les gens de la montagne s'ils se tiennent au bord d'un sentier en descente. D'autres animaux de la région comprennent le tahr himalayen qui est parfois mangé par le léopard des neiges. L'ours noir de l'Himalaya peut être trouvé jusqu'à environ et le panda roux est également présent dans la région. Une expédition scientifique a découvert une gamme surprenante d'espèces dans la région, notamment un pika qui se nourrit de ses propres excréments et dix nouvelles espèces de fourmis.
Environnement
En 2008, une nouvelle station météorologique située à environ 8 000 m d'altitude (26 246 pieds) a été mise en ligne. Les premières données de la station en mai 2008 étaient la température de l'air, l'humidité relative 41,3 %, la pression atmosphérique 382,1 hPa (38,21 kPa), la direction du vent 262,8°, la vitesse du vent 12,8 m/s (28,6 mph, 46,1 km/h), le rayonnement solaire global 711,9. watts/m2, rayonnement solaire UVA 30,4 W/m2. Le projet a été orchestré par Stations à haute altitude pour la recherche sur l'environnement (SHARE), qui a également installé la webcam du mont Everest en 2011. La station météorologique est située sur le col Sud et fonctionne à l'énergie solaire.
L’un des problèmes auxquels sont confrontés les grimpeurs est la présence fréquente de vents à grande vitesse. Le sommet du mont Everest s’étend dans la haute troposphère et pénètre dans la stratosphère, ce qui peut l’exposer au vent rapide et glacial du courant-jet. En février 2004, une vitesse de vent de 175 mph a été enregistrée au sommet et des vents de plus de 100 mph sont fréquents. Ces vents peuvent chasser les alpinistes de l'Everest. Les grimpeurs visent généralement les fenêtres de 7 à 10 jours au printemps et à l'automne, lorsque la saison de la mousson asiatique commence ou se termine et que les vents sont plus légers. La pression atmosphérique au sommet est environ un tiers de ce qu'elle est au niveau de la mer, et selon le principe de Bernoulli, les vents peuvent réduire davantage la pression, provoquant une réduction supplémentaire de 14 % de l'oxygène pour les grimpeurs. La réduction de la disponibilité de l’oxygène provient de la pression globale réduite et non d’une réduction du rapport oxygène/autres gaz.
En été, la mousson indienne amène de l'air chaud et humide de l'océan Indien vers le sud de l'Everest. Pendant l'hiver, le courant-jet s'écoulant d'ouest en sud-ouest se déplace vers le sud et souffle sur le sommet.
Histoire des expéditions
Le mont Everest étant la plus haute montagne du monde, il a attiré beaucoup d’attention et de tentatives d’escalade. Un ensemble de voies d'escalade a été établi au cours de plusieurs décennies d'expéditions d'escalade en montagne. On ne sait pas si la montagne a été escaladée dans les temps anciens ; il a peut-être été escaladé en 1924.
Aperçu
On a finalement appris que son sommet avait été atteint en 1953, mais il est resté un sommet difficile pendant des décennies. Malgré les efforts et l'attention consacrés aux expéditions, environ 200 personnes seulement en ont atteint le sommet en 1987. L'Everest s'est révélé être un endroit difficile pendant des décennies, même pour les tentatives sérieuses des alpinistes professionnels et les grandes expéditions nationales, qui étaient la norme jusqu'à l'avènement commercial. Cette époque a repris dans les années 1990.
En mars 2012, l'Everest avait été escaladé 5 656 fois, faisant 223 morts. Bien que les montagnes les plus basses puissent être plus longues ou plus raides, l'Everest est si haut que le courant-jet peut le frapper. Les grimpeurs peuvent être confrontés à des vents dépassant 200 mph lorsque le temps change. À certaines périodes de l'année, le courant-jet se déplace vers le nord, offrant des périodes de calme relatif à la montagne. D'autres dangers incluent les blizzards et les avalanches.
En 2013, la base de données himalayenne enregistrait 6 871 sommets réalisés par 4 042 personnes différentes.
Premières tentatives
En 1885, Clinton Thomas Dent, président du Club alpin, suggérait que l'ascension du mont Everest était possible dans son livre Above the Snow Line.
L'approche nord de la montagne a été découverte par George Mallory et Guy Bullock lors de la première expédition de reconnaissance britannique de 1921. Il s’agissait d’une expédition exploratoire non équipée pour une tentative sérieuse d’escalader la montagne. Sous la direction de Mallory (et devenant ainsi le premier Européen à fouler les flancs de l'Everest), ils gravirent le col Nord jusqu'à une altitude de 7 005 m. De là, Mallory a repéré une route menant au sommet, mais le groupe n'était pas préparé à la grande tâche de grimper plus loin et est descendu.
Les Britanniques revinrent pour une expédition en 1922. George Finch ("L'autre George") a grimpé pour la première fois en utilisant de l'oxygène. Il est monté à une vitesse remarquable : 290 m par heure et a atteint une altitude de 8 320 m, c'est la première fois qu'un humain rapporte grimper à plus de 8 000 m. Cet exploit a été entièrement perdu pour l'establishment britannique de l'escalade, à l'exception de sa nature « antisportive ». Mallory et le colonel Felix Norton ont fait une deuxième tentative infructueuse. Mallory a été accusé d'avoir dirigé un groupe depuis le col Nord qui a été pris dans une avalanche. Mallory a également été démoli, mais sept porteurs indigènes ont été tués.
L'expédition suivante eut lieu en 1924. La tentative initiale de Mallory et Geoffrey Bruce fut avortée lorsque les conditions météorologiques empêchèrent l'établissement du Camp VI. La tentative suivante fut celle de Norton et Somervell, qui grimpèrent sans oxygène et par temps parfait, traversant la face nord jusqu'au Grand Couloir. Norton a réussi à atteindre 8 550 m, même s'il n'a gravi qu'environ 30 m au cours de la dernière heure. Mallory a rassemblé du matériel d'oxygène pour un dernier effort. Il a choisi le jeune Andrew Irvine comme partenaire.
Le 8 juin 1924, George Mallory et Andrew Irvine tentèrent d'atteindre le sommet via la route North Col/North Ridge/Northeast Ridge dont ils ne revinrent jamais. Le 1er mai 1999, l'expédition de recherche Mallory and Irvine a retrouvé le corps de Mallory sur la face nord, dans un bassin de neige en contrebas et à l'ouest du site traditionnel du Camp VI. La controverse fait rage au sein de la communauté des alpinistes pour savoir si l'un d'entre eux ou les deux ont atteint le sommet 29 ans avant l'ascension confirmée (et bien sûr, la descente en toute sécurité) de l'Everest par Sir Edmund Hillary et Tenzing Norgay en 1953.
En 1933, Lady Houston, une millionnaire britannique, a financé le vol Houston Everest de 1933, qui a vu une formation d'avions dirigée par le marquis de Clydesdale survoler le sommet dans le but de déployer le drapeau de l'Union britannique au sommet.
Les premières expéditions, comme celle du général Charles Bruce dans les années 1920 et les deux tentatives infructueuses de Hugh Ruttledge en 1933 et 1936, tentèrent de gravir la montagne depuis le Tibet, via la face nord. L'accès du nord aux expéditions occidentales a été fermé en 1950, après que la Chine a affirmé son contrôle sur le Tibet. En 1950, Bill Tilman et un petit groupe comprenant Charles Houston, Oscar Houston et Betsy Cowles entreprirent une expédition exploratoire vers l'Everest à travers le Népal le long de la route qui est maintenant devenue l'approche standard de l'Everest depuis le sud.
L'expédition suisse de 1952, dirigée par Edouard Wyss-Dunant, fut autorisée à tenter une ascension depuis le Népal. L'expédition a établi un itinéraire à travers la cascade de glace du Khumbu et est montée jusqu'au col sud à une altitude de 7 986 m. Aucune tentative d’ascension de l’Everest n’a jamais été envisagée dans cette affaire. Raymond Lambert et le Sherpa Tenzing Norgay ont réussi à atteindre une hauteur d'environ 8595 m sur la crête sud-est, établissant ainsi un nouveau record d'altitude d'escalade. L'expérience de Tenzing s'est avérée utile lorsqu'il a été embauché pour faire partie de l'expédition britannique en 1953.
Première ascension réussie de Tenzing et Hillary
En 1953, une neuvième expédition britannique, dirigée par John Hunt, retourna au Népal. Hunt a sélectionné deux paires d'escalades pour tenter d'atteindre le sommet. Le premier duo (Tom Bourdillon et Charles Evans) s'approcha à moins de 100 m du sommet le 26 mai 1953, mais fit demi-tour après avoir rencontré des problèmes d'oxygène. Comme prévu, leur travail de recherche d'itinéraire et de traçage ainsi que leurs caches d'oxygène supplémentaire ont été d'une grande aide pour le duo suivant. Deux jours plus tard, l'expédition effectuait son deuxième et dernier assaut sur le sommet avec son deuxième duo d'escalade, le Néo-Zélandais Edmund Hillary et Tenzing Norgay, un alpiniste sherpa népalais de Darjeeling, en Inde. Ils atteignirent le sommet à 11 h 30, heure locale, le 29 mai 1953, via la route du col sud. À l’époque, tous deux reconnaissaient qu’il s’agissait d’un effort d’équipe de la part de toute l’expédition, mais Tenzing révéla quelques années plus tard qu’Hillary avait mis le pied sur le sommet en premier. Ils se sont arrêtés au sommet pour prendre des photos et ont enterré quelques bonbons et une petite croix dans la neige avant de redescendre.
La nouvelle du succès de l'expédition parvint à Londres le matin du couronnement de la reine Elizabeth II, le 2 juin. De retour à Katmandou quelques jours plus tard, Hunt (un Britannique) et Hillary (une Néo-Zélandaise) ont découvert qu'ils avaient été rapidement faits chevaliers de l'Ordre de l'Empire britannique pour leur ascension. Tenzing, un sherpa népalais citoyen indien, a reçu la médaille George du Royaume-Uni. Hunt a finalement été nommé pair à vie en Grande-Bretagne, tandis qu'Hillary est devenue membre fondateur de l'Ordre de Nouvelle-Zélande.
Hillary et Tenzing sont également reconnus à l'échelle nationale au Népal, où des cérémonies annuelles dans les écoles et les bureaux célèbrent leur réussite.
La prochaine ascension réussie eut lieu le 23 mai 1956 par Ernst Schmied et Juerg Marmet. Viennent ensuite Dölf Reist et Hans-Rudolf von Gunten le 24 mai 1957. Wang Fuzhou, Gonpo et Qu Yinhua, de Chine, effectuent la première ascension signalée du sommet depuis la crête nord le 25 mai 1960. Le premier Américain à gravir l'Everest, Jim Whittaker, rejoint par Nawang Gombu, atteint le sommet le 1er mai 1963.
Catastrophe de 1970
En 1970, les alpinistes japonais ont mené une expédition majeure, la pièce maîtresse était une grande expédition de style « siège » visant à trouver une nouvelle route vers la face sud-ouest dirigée par Saburo Matsukata, et une autre était une tentative de skier sur le mont Everest. Malgré un effectif de plus d'une centaine de personnes et une décennie de travail de planification, les expéditions ont subi 8 morts et n'ont pas réussi à atteindre le sommet par l'itinéraire prévu. Cependant, les expéditions japonaises ont connu quelques succès, comme celui de Yuichiro Miura qui est devenu le premier homme à descendre l'Everest à ski depuis le col sud (il est descendu de près de 4 200 pieds de dénivelé depuis le col sud avant de tomber avec des blessures extrêmes), et une expédition qui a mis quatre hommes sur pied. le sommet par la route du col Sud. Les exploits de Miura sont devenus le sujet d'un film et il est devenu la personne la plus âgée à avoir gravi le mont Everest en 2003 à 70 ans, puis à nouveau en 2013 à 80 ans.
De plus, plus tard dans les années 1970, la Japonaise Junko Tabei est devenue la première femme humaine à gravir le sommet du mont Everest.
Catastrophe de 1996
Le 11 mai 1996, huit alpinistes sont morts après que plusieurs expéditions aient été prises dans une tempête de neige au sommet de la montagne. Durant toute la saison 1996, 15 personnes sont mortes lors de l'ascension du mont Everest. Il s'agit du bilan le plus élevé pour un seul événement et pour une seule saison, jusqu'aux seize morts lors de l'avalanche du mont Everest en 2014. La catastrophe a fait l'objet d'une large publicité et a soulevé des questions sur la commercialisation de l'ascension du mont Everest.
Le journaliste Jon Krakauer, en mission pour le magazine Outside, faisait partie des victimes et a ensuite publié le best-seller Into Thin Air, qui racontait son expérience. Anatoli Boukreev, un guide qui s'est senti contesté par le livre de Krakauer, a co-écrit un livre de réfutation intitulé The Climb. La dispute a déclenché un débat au sein de la communauté des grimpeurs.
En mai 2004, Kent Moore, physicien, et John L. Semple, chirurgien, tous deux chercheurs de l'Université de Toronto, ont déclaré au magazine New Scientist qu'une analyse des conditions météorologiques du 11 mai suggérait que des conditions météorologiques anormales avaient fait chuter les niveaux d'oxygène d'environ 14%.
L'un des survivants était Beck Weathers, un client américain du service de guides Adventure Consultants basé en Nouvelle-Zélande. Weathers a été laissé pour mort à environ 275 mètres (900 pieds) du camp 4 à 7 950 mètres (26 085 pieds). Après avoir passé une nuit sur la montagne, Weathers a réussi à trouver son chemin vers le camp 4 avec d'énormes engelures et une vision altérée en raison de la cécité des neiges. Lorsqu'il est arrivé au camp 4, d'autres grimpeurs ont considéré son état en phase terminale et l'ont laissé dans une tente pour mourir pendant la nuit.
Avant de quitter le camp 4, Jon Krakauer a entendu Weathers appeler à l'aide depuis sa tente. L'état de Beck ne s'était pas amélioré et une descente immédiate à une altitude plus basse était jugée essentielle. Un sauvetage par hélicoptère a été envisagé mais était hors de question ; le camp 4 était plus haut que le plafond nominal de n'importe quel hélicoptère disponible et serait de toute façon extrêmement dangereux. Finalement, un sauvetage a été organisé grâce à un lieutenant-colonel de l'armée népalaise qui a effectué la deuxième évacuation médicale par hélicoptère la plus importante connue à ce jour.
L'impact de la tempête sur les alpinistes de la crête nord du mont Everest, où plusieurs alpinistes sont également morts, a été détaillé dans un récit de première main du cinéaste et écrivain britannique Matt Dickinson dans son livre The Other Side of Everest. Mark Pfetzer, 16 ans, était en train de gravir l'ascension et en a parlé dans son récit, Within Reach: My Everest Story.
Le long métrage Everest de 2015, réalisé par Baltasar Kormákur, est basé sur les événements réels de cette catastrophe.
Saison d'alpinisme 2006
En 2006, 12 personnes sont mortes. Un décès en particulier (voir ci-dessous) a déclenché un débat international et des années de discussions sur l'éthique de l'escalade. La saison a également été marquée par le sauvetage de Lincoln Hall qui avait été abandonné par son équipe d'escalade et déclaré mort, mais qui a ensuite été découvert vivant et a survécu en étant aidé à quitter la montagne.
Polémique sur l'éthique de David Sharp
Il y a eu une controverse internationale à propos de la mort de l'alpiniste britannique David Sharp, qui avait tenté de gravir le mont Everest en 2006, mais qui est décédé dans sa tentative. L’histoire a éclaté de la communauté des alpinistes jusqu’aux médias populaires, avec une série boule de neige d’interviews, d’allégations, de critiques et de rétablissement de la paix. La question était de savoir si les grimpeurs cette saison-là | http://quiz4free.com/ |
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"Le slam dunk est le tir de basket le plus efficace. De plus, il plaît au public. Ainsi, la manœuvre est souvent extraite du match de basket et mise en valeur dans les concours de slam dunk. Le plus populaire est peut-être le concours NBA Slam Dunk organisé lors du week-end annuel NBA All-Star. L'incarnation phare du NBA Slam Dunk Contest a eu lieu à la mi-temps du All-Star Game de l'American Basketball Association en 1976.",
"La Premier Basketball League a connu deux slam-dunks qui ont entraîné des panneaux cassés. Les deux sont arrivés consécutivement lors des finales PBL 2008 et 2009, et tous deux ont été réalisés par Sammy Monroe des Rochester Razorsharks."
] | Un slam dunk, également dunk ou dunk shot, est un type de tir de basket-ball qui est effectué lorsqu'un joueur saute en l'air, contrôle le(s) ballon(s) au-dessus du plan horizontal de la jante et marque en plaçant le ballon directement à travers le panier avec une ou deux mains. Ceci est considéré comme une tentative de panier normale ; en cas de succès, cela vaut deux points. Un tel tir était connu sous le nom de « dunk shot » jusqu'à ce que le terme « slam dunk » soit inventé par l'ancien annonceur des Los Angeles Lakers Chick Hearn.
Le slam dunk est le tir de basket le plus efficace. De plus, il plaît au public. Ainsi, la manœuvre est souvent extraite du match de basket et mise en valeur dans les concours de slam dunk. Le plus populaire est peut-être le concours NBA Slam Dunk organisé lors du week-end annuel NBA All-Star. L'incarnation phare du NBA Slam Dunk Contest a eu lieu à la mi-temps du All-Star Game de l'American Basketball Association en 1976.
Le Dunking a été interdit dans la NCAA de 1967 à 1976. De nombreuses personnes ont attribué cela à la domination du phénomène universitaire de l'époque, Lew Alcindor (maintenant connu sous le nom de Kareem Abdul-Jabbar) ; la règle de non-dunking est parfois appelée « règle de Lew Alcindor ».
L'expression « slam dunk » est depuis entrée dans l'usage populaire de l'anglais américain, signifiant « chose sûre » : une action avec un résultat garanti, ou une réalisation tout aussi impressionnante, de la même manière que les expressions inspirées du baseball « s'approchent du plate » ou « il l'a frappé hors du parc » étaient plus couramment utilisés les années précédentes.
Introduction
Au cours des années 1940 et 1950, le centre de 7 pieds et médaillé d'or olympique Bob Kurland dunkait régulièrement pendant les matchs. Pourtant, les défenseurs considéraient l’exécution d’un slam dunk comme un affront personnel qui méritait des représailles ; ainsi, les défenseurs intimidaient souvent les joueurs offensifs et contrecarraient le mouvement. Satch Sanders, joueur du Boston Celtic de 1960 à 1973, a déclaré : "...autrefois, [les défenseurs] couraient sous vous lorsque vous étiez dans les airs... ...essayant de faire sortir les gens des matchs afin ils ne pouvaient pas jouer. C'était une règle non écrite... » Pourtant, à la fin des années 1950 et au début des années 1960, des joueurs tels que Bill Russell et Wilt Chamberlain avaient intégré ce mouvement dans leur arsenal offensif. Le dunk est devenu un favori des fans, alors que les joueurs offensifs ont commencé à intimider agressivement les défenseurs avec la menace de chelems vicieux. Dans les années 1970, le slam dunk était un plat standard ; David Thompson, Julius Erving, Darryl Dawkins et d'autres ont épaté les foules avec des mouvements de haut vol.
Types de dunks
Les types de dunk reflètent les différents mouvements effectués sur le chemin vers le panier. Ils commencent par le dunk de base à une ou deux mains face à l'avant et passent par différents niveaux d'athlétisme et de complexité. Les types de dunk discrets peuvent être modifiés en ajoutant d’autres mouvements ; par exemple, un joueur qui passe le ballon hors du panneau, l'attrape en l'air et exécute un dunk à double pompe aurait effectué une « auto-passe hors du panneau, double pompe ».
Double pompe
Au début du saut, le ballon est contrôlé par une ou par les deux mains et une fois en l'air, il est généralement amené au niveau de la poitrine. Le joueur poussera alors rapidement le ballon vers le bas et étendra complètement ses bras, amenant le ballon sous la taille. Enfin, le ballon est amené au-dessus de la tête et dunk avec une ou les deux mains ; et la double pompe apparaît comme un seul mouvement fluide. En guise de démonstration de prouesses athlétiques, le ballon peut être maintenu en position sous la taille pendant quelques millisecondes de plus, mettant ainsi en valeur le temps de suspension du joueur (capacité de saut).
Qu'il s'agisse d'une vrille à 180° ou d'un angle de corps au décollage, le double pompage s'effectue généralement dos du joueur vers la jante. Bien que cette orientation soit plutôt propice au mouvement de double pompe, Spud Webb était connu pour effectuer le dunk face au panier. De plus, Kenny "Sky" Walker, Tracy McGrady - respectivement lors des concours NBA de 1989 et 2000 - et d'autres, ont effectué une variation à 360° de la double pompe (McGrady a effectué une passe automatique lobée avant le dunk). Vers 2007, le slam dunker indépendant T-Dub a réalisé le double pompage avec une vrille à 540° qu'il a conclu en s'accrochant à la jante.
Tomahawk
En raison de la mécanique corporelle peu exigeante impliquée dans l'exécution, le tomahawk est utilisé par des joueurs de toutes tailles et de toutes capacités de saut. En raison de la sécurité du ballon assurée par l'utilisation des deux mains, le tomahawk est un incontournable des situations de jeu, fréquemment utilisé dans les alley-oops et dans les dunks avec rebond offensif. De plus, la finition à deux mains peut exercer une force énorme sur le panier : Darryl Dawkins a brisé à deux reprises les panneaux arrière de la NBA avec des dunks tomahawk.
Dans une variante courante, une rotation à 360° peut être effectuée avant ou simultanément avec le tomahawk. Vers 2009, le slam dunker indépendant Troy McCray a été le pionnier d'une variante particulièrement complexe du dunk : une fois le mouvement du tomahawk terminé, au lieu de claquer la balle dans la jante, un dunk en moulin à vent (voir ci-dessous) est ensuite effectué.
Moulin à vent
Avant le décollage, ou au début du saut, le ballon est amené vers l'abdomen, puis le mouvement du moulin à vent est déclenché en déplaçant le ballon sous la taille en fonction de la longueur du bras complètement étendu du joueur. Ensuite, suite à la rotation du bras tendu, le ballon est déplacé dans un mouvement circulaire, se déplaçant généralement de l'avant vers l'arrière, puis est projeté à travers la jante (depuis la vue de profil d'un joueur face au panier, le mouvement du moulin à vent le plus généralement). apparaît dans le sens des aiguilles d’une montre). Bien que, en raison de l'élan, de nombreux joueurs soient incapables de manipuler le ballon tout au long du mouvement du moulin à vent, le dunk est souvent effectué avec une seule main, car la force centripète permet au joueur de guider le ballon avec uniquement sa main dunk. Dans certains cas, des résines ou des poudres collantes peuvent être appliquées sur la paume, on pense qu'elles améliorent l'adhérence et évitent la perte de possession. Chez les joueurs, de subtiles variations dans la direction du moulin à vent dépendent de l'orientation corporelle au décollage ainsi que du style de saut (un pied ou deux pieds) par rapport à la main dominante.
Il existe un certain nombre de variantes du moulin à vent, les plus courantes étant les variantes susmentionnées à une ou deux mains. Dans ces cas, le mouvement du moulin à vent peut être effectué avec la technique à un bras évoquée précédemment et terminé avec une ou deux mains, ou le joueur peut contrôler le ballon à deux mains, les deux bras effectuant le mouvement du moulin à vent, en terminant par un. ou les deux mains. De plus, le ballon peut être passé entre la main et l'avant-bras, généralement avec la main dominante. La technique du brassard offre une meilleure sécurité du ballon, permettant un mouvement de moulin à vent plus rapide et une force accrue exercée sur le panier à la fin, avec une ou les deux mains. En utilisant la méthode des menottes, les joueurs ont également la possibilité d'effectuer le mouvement du moulin à vent vers l'avant (dans le sens inverse des aiguilles d'une montre), une technique exploitée par l'athlète français Kadour Ziani lorsqu'il a été le pionnier de son double moulin à vent.
Parfois, dans le cadre du jeu, le moulin à vent est exécuté via alley-oop, mais est rarement vu dans les dunks de retrait avec rebond offensif en raison du temps d'antenne requis. Dominique Wilkins a popularisé les moulins à vent puissants, dans les jeux comme dans les concours, notamment à deux mains, à passage automatique, à 360°, à suspension sur jante et leurs variantes combinées.
Sous la jambe
Pour les sauteurs unipieds, le ballon est généralement transféré à la main non dominante juste avant ou lors de l'envol ; pour les joueurs de deux pieds, ce transfert est souvent retardé de quelques millisecondes car les deux mains contrôlent le ballon pour éviter de le laisser tomber. Une fois en vol, le dunkeur transfère généralement le ballon de la main non dominante à la main dominante sous une jambe levée. Finalement, le ballon est amené vers le haut par la main dominante et projeté à travers le bord.
Le dunk sous la jambe a été popularisé par Isaiah Rider lors du concours de slam dunk de la NBA en 1994, à tel point que le dunk est souvent appelé familièrement un « dunk de Rider » - malgré le propre dunk d'Orlando Woolridge dans le concours de la NBA il y a une décennie. plus tôt. Depuis lors, le sous-jambe a été tenté lors de la compétition NBA par un certain nombre de participants et a également été un incontournable d'autres compétitions. Sa difficulté – en raison de la coordination œil-main, de la flexibilité et du temps de suspension requis – le maintient généralement réservé aux expositions et aux concours, et non aux jeux compétitifs. Ricky Davis a réussi à terminer le dunk dans un match de la NBA, mais lui et Josh Smith ont également raté au moins une tentative dans le jeu.
En raison des combinaisons possibles de mains de départ et d'arrivée et de jambes levées, il existe de nombreuses variantes du dunk de base sous les jambes, plus que tout autre. Par exemple, lors d'un concours de dunk français en 1997, Dali Taamallah a sauté avec sa jambe droite tout en contrôlant le ballon avec sa main gauche, et une fois en l'air, il a transféré le ballon de sa main gauche, sous sa jambe droite, à sa main droite avant de terminer le dunk. . La star de la NBA, Jason Richardson, a également été le pionnier de plusieurs variantes notables de l'entre-jambes, notamment une passe lobée pour lui-même et une passe du panneau arrière pour lui-même. L'athlète indépendant Shane 'Slam' Wise a introduit le ballon avec un revers avant de commencer le transfert sous la jambe et de terminer à deux mains. Alors qu'un certain nombre de joueurs ont terminé le dunk en utilisant une ou deux mains, dos au bord, la variante la plus connue du dunk est peut-être la combinaison avec un 360°, ou simplement : un 360-entre-les- jambes. En raison de l'athlétisme et du temps de suspension requis, le dunk est un favori du public et est présenté par les joueurs comme le prééminent de tous les dunks.
Coup de coude
Le joueur s'approche du but et saute comme il le ferait pour un dunk générique. Au lieu de simplement plonger le ballon avec une ou deux mains, le joueur laisse son ou ses avant-bras passer à travers le panier, accrochant son coude au bord avant de s'accrocher pendant une courte période de temps. Bien que le dunk ait été introduit par Vince Carter lors du concours NBA Slam Dunk 2000, Kobe Bryant a été filmé en train d'effectuer le dunk deux ans plus tôt lors d'une exposition aux Philippines. Familièrement, le dunk porte une variété de noms, notamment « trempette au miel », « pot à biscuits » et « crochet coudé ».
Lors de la compétition NBA 2011, l'attaquant des L.A. Clippers Blake Griffin a effectué une passe automatique du panneau arrière avant de s'accrocher au bord du coude. Un certain nombre d'autres variantes de suspension du coude ont été exécutées, notamment une passe automatique lobée, suspendue par l'aisselle, un moulin à vent et au-dessus d'une personne. Les plus remarquables sont deux variantes qui, en juillet 2012, n'avaient pas encore été dupliquées. En 2008, l'athlète canadien Justin Darlington a introduit une itération intitulée à juste titre « suspension à double coude », dans laquelle le joueur insère ses deux avant-bras à travers le bord et s'accroche ensuite aux deux creux des coudes. Vers 2009, l'athlète français Guy Dupuy a démontré sa capacité à effectuer un accrochage du coude entre les jambes ; cependant, Guy a choisi de ne pas s'accrocher à la jante par le coude, probablement parce que le moment descendant aurait pu entraîner une blessure.
Modificateurs de dunk
Ce module aborde les activités qui, lorsqu'elles sont appliquées, modifient un type de dunk donné. Les activités modificatrices se produisent avant le saut ou en vol. Les modifications effectuées avant le saut concernent la manière d'approche (par exemple, la locomotion ou l'arrêt), l'angle d'approche (par exemple, à partir de la ligne de base), la distance du saut par rapport au panier, l'ajout d'une passe (par exemple, alley-oop), ou une combinaison de ceux-ci. Les modifications effectuées en vol concernent la rotation corporelle (par exemple, 360 °), l'obstruction de la propre vision (par exemple, le bras au-dessus des yeux), d'autres mouvements corporels superflus de type dunk (par exemple, un coup de pied volontaire dans les jambes), ou certains combinaison de ceux-ci. Les types de dunk peuvent également être modifiés avec des obstructions (par exemple, sauter par-dessus une voiture ou une personne) qui influencent les activités à la fois avant le saut et pendant le vol.
Les modificateurs sont inhérents au dunk en jeu et contribuent à un dunk réussi comme moyen de marquer des points. Les modificateurs sont importants dans l'évaluation des concours de slam dunk, car les types de dunk sont rendus plus difficiles lorsqu'ils sont modifiés (c'est-à-dire que des dunks modifiés exécutés avec succès donnent ostensiblement des scores élevés dans les concours).
À des fins taxonomiques, il s'agit d'une distinction importante, mais les modificateurs évoqués ci-dessous sont souvent considérés comme des types dunk dans le langage courant. Cette idée fausse est peut-être attribuable au fait que le modificateur est l'élément le plus saillant du dunk du point de vue de l'observateur. Cependant, chaque modificateur de dunk nécessite un type de dunk pour réussir un dunk, bien qu'il s'agisse du type de dunk le plus basique.
Allée-oop
Un alley-oop dunk, comme on l'appelle familièrement, est effectué lorsqu'une passe est captée en l'air puis immergée. L'application d'un alley-oop à un slam dunk se produit à la fois dans les jeux et dans les concours. Dans les jeux, lorsqu'il ne reste que quelques fractions de seconde au chronomètre de jeu ou aux tirs, un alley-oop peut être tenté sur une passe en jeu car aucune des deux horloges ne reprend le compte à rebours jusqu'à ce qu'un joueur en jeu touche le ballon. Les images de droite représentent un intervalle de 1/5 de seconde.
Dunk de base
Le dunk de base est un modificateur d'approche de tout type de dunk dans lequel le joueur s'approche du panier le long de la limite du terrain (ligne de base) qui est parallèle au panneau arrière. Dans le cadre du jeu, le dunk résulte souvent d'une passe, créant une opportunité de passe décisive pour un coéquipier. Dans le concours, l'approche de base peut être utilisée comme moyen de commodité, facilitant un type de dunk particulier (par exemple, des passes rebondies sur le côté du panneau ou de son rembourrage) ou pour augmenter la difficulté d'un type de dunk dans l'espoir de mériter un prix plus élevé. scores.
D'une certaine distance
Il s'agit d'un dunk dans lequel le joueur décolle à une distance nettement plus éloignée du panier que ce qui est considéré comme typique. La ligne de lancer franc constitue le plus souvent le point de décollage, un effet probablement attribué à l'écart facilement observable entre la ligne et le panier aux yeux du public télévisé. Afin d'obtenir le temps de suspension et l'altitude nécessaires, les joueurs sauteront généralement d'un pied pour maximiser l'élan généré par le départ en course sur demi-terrain, souvent nécessaire pour terminer le dunk. Pierre angulaire des concours de dunk, les dunks à distance sont également effectués dans les jeux, le plus souvent sur la contre-attaque.
Ligne de tir libre
Dans les années 1950, Jim Pollard et Wilt Chamberlain avaient tous deux plongé depuis la ligne des lancers francs, à 15 pieds du panier. Chamberlain a réussi à dunk depuis la ligne des lancers francs sans départ courant, commençant son mouvement vers l'avant depuis la moitié supérieure du cercle des lancers francs. Ce fut le catalyseur du changement de règle de la NCAA en 1956, qui exige qu'un tireur maintienne les deux pieds derrière la ligne lors d'une tentative de lancer franc.
Lors de l'ABA Slam Dunk Contest de 1976, Julius Erving a dunké après avoir sauté de la ligne de lancer franc, avec son talon sur la ligne, et a depuis été crédité d'avoir introduit le dunk de ligne de lancer franc au grand public.
Lors du NBA Slam Dunk Contest de 1988, Michael Jordan a plongé depuis la ligne des lancers francs, de la même manière que Julius Erving, mais a écarté les jambes, rendant son dunk plus révolutionnaire que celui d'Erving.
Lors du concours NBA Sprite Slam Dunk 2011, Serge Ibaka a plongé derrière la ligne des lancers francs, obtenant un score de 45 pour le dunk et terminant 4e.
Lors du NBA Slam Dunk Contest 2016, Zach LaVine a plongé depuis la ligne des lancers francs à trois reprises : une main, un moulin à vent et entre les jambes. Tous les Dunks ont reçu une note de 50 pour le dunk et ont remporté le concours Dunk.
Autre
D’autres exemples de dunks à distance abondent. James White, lors du concours NCAA Slam Dunk 2006, a exécuté avec succès des variantes de tomahawk et de moulin à vent du dunk sur la ligne de faute. Bien qu'il n'ait pas été en mesure de réaliser un entre-jambes depuis la ligne des fautes lors de cette compétition, il a été connu pour l'exécuter à d'autres occasions.
Lors du NBA Slam Dunk Contest 2008, Jamario Moon a sauté de la ligne de faute puis, en utilisant sa main non dominante, a attrapé et dunk une passe rebondissante de son coéquipier Jason Kapono.
L'athlète nord-américain indépendant de 6'2" Eric Bishop a présenté un dunk intitulé "Paint Job". Le titre fait référence à la clé d'un terrain de basket-ball, souvent connue sous le nom de "paint" dans le langage courant. S'approcher le long de la ligne de fond avec une course dribble, Bishop a sauté avec un pied au bord de la clé, a plongé d'une main tout en glissant sur la clé et a atterri juste au-delà de la frontière du côté opposé à son décollage - un vol de 16 pieds.
Obstructions
Le joueur s'approche du panier et de l'obstruction, puis saute. Pendant le vol, une partie du corps du joueur est surélevée au-dessus de l'obstacle. Cela peut impliquer de lever les jambes ou une partie de celles-ci dans les airs pour survoler l'obstacle. Dans d’autres cas, le tronc se déplace au-dessus d’un obstacle lorsque les jambes le contournent. Les obstacles courants comprennent : les véhicules à moteur ; personne(s) accroupie(s), assise(s) ou debout ; porte-balles; ou d'autres objets disponibles.
Le dunk modifié par obstruction le plus populaire est peut-être le Dubble-Up. Éponyme de son pionnier – T-Dub, un dunker américain originaire du Minnesota – le Dubble-Up commence avec une personne debout devant le panier, tenant le ballon au-dessus de sa tête. Le dunker s'approche et saute comme si son aine s'élevait juste au-dessus de la tête et ses jambes autour de la personne immobile. Juste avant de dégager la personne, le dunkeur prendra le contrôle du ballon avec une ou deux mains, le guidera sous une jambe levée, le transférera dans la main appropriée, dégagera le porteur du ballon, élèvera le ballon au-dessus du plan horizontal du terrain. bord, puis en le guidant vers le bas à travers le panier. Alors que le Dubble-Up imite un dunk entre les jambes, Kenny Dobbs et Justin Darlington ont tous deux réalisé une variante sous les deux jambes.
D'autres dunks d'obstruction méritent d'être notés : Haneef Munir a exécuté un Dubble-Up, dunk avec sa main droite, puis a attrapé et dunk une deuxième balle avec sa main gauche - un dunk qui n'a pas encore été reproduit, lancé par Jordan Kilganon sur un terrain plus bas, non -jante de régulation. Jordan Kilganon, un athlète canadien, s'est approché depuis la ligne de fond d'une personne debout, tenant le ballon au-dessus de sa tête. Kilganon a bondi, a contrôlé le ballon devant son torse et l'a soulevé au-dessus du plan horizontal de la jante avant de ramener le ballon vers le bas dans le cerceau et d'accrocher les deux coudes et de s'accrocher à la jante.
Dunks notables
Wilt Chamberlain était connu pour avoir plongé sur un panier expérimental de 12 pieds installé par Phog Allen à l'Université du Kansas dans les années 1950.
Michael Wilson, ancien joueur de basket-ball des Harlem Globetrotter et de l'Université de Memphis, a égalé cet exploit le 1er avril 2000, mais avec un alley-oop.
Vince Carter a plongé en sautant par-dessus le centre français de 7 pieds 2 pouces (2,18 m) Frédéric Weis aux Jeux olympiques d'été de 2000. Les médias français l'ont surnommé « le dunk de la mort ».
Au moins un joueur a effectué un dunk à 720 degrés (soit deux tours complets dans les airs) : Taurian Fontenette également connu sous le nom d'Air Up There lors d'un match de Streetball.
Dans le concours NBA Slam Dunk
Plusieurs dunks notables et remarquables ont été réalisés par les participants au concours annuel NBA Slam Dunk.
Spud Webb à 5 pieds a battu Dominique Wilkins à 6 pieds lors du concours de 1986.
Michael Jordan a popularisé un dunk qualifié par certains fans de « Leaner ». Ce dunk s'appelait ainsi parce que le corps de Jordan n'était pas perpendiculaire au sol lors de l'exécution du dunk. Les téléspectateurs de TNT l'ont qualifié de "meilleur dunk de tous les temps" face au slam entre les jambes de Vince Carter.
Lors du NBA Slam Dunk Contest 2000, Carter a utilisé un coup de coude avec son dunk inversé à 360° avec moulin à vent et son dunk entre les jambes. Lors de l'exécution, une grande partie du public était sans voix, y compris les juges, car personne n'avait vu ce type de dunks auparavant (le premier tour du dunk à 360° avec le moulin à vent de Carter rappelle le dunk à 360° avec le moulin à vent de Kenny Walker en 1989, sauf que Carter tourne dans le sens des aiguilles d'une montre, alors que Walker tourne dans le sens des aiguilles d'une montre. dans le sens inverse des aiguilles d'une montre).
Lors du concours Slam Dunk du Sprite Rising Star 2008, Dwight Howard a interprété le dunk "Superman". Il a enfilé une tenue de Superman tandis que le garde d'Orlando Magic, Jameer Nelson, attachait une cape autour de ses épaules. Nelson a fait un alley-oop avec le ballon de basket alors que Howard sautait du côté clé de la ligne du cercle des lancers francs, attrapait le ballon et le lançait à travers le bord. Ce dunk est quelque peu controversé, car sa main n'était pas aussi bien placée que sur un plan vertical par rapport au bord. Certains insistent sur le fait que cela devrait en fait être considéré comme un dunk parce que le ballon a été poussé vers le bas dans le panier, répondant ainsi à la définition de base du dunk.
Lors du concours de dunk NBA 2009, Howard avait un but distinct sur le terrain, et le bord était nettement plus haut qu'un but standard. Howard, après être entré dans une cabine téléphonique des années 1950 et avoir à nouveau confectionné la tenue de Superman, a capté une passe de Nelson et a facilement complété un dunk à deux mains sur le but le plus élevé. Bien que cela n'ait pas été réalisé dans le but d'établir un record, le dunk a reçu une partition parfaite et une réponse chaleureuse de la foule, en partie à cause de sa théâtralité. Également dans ce concours, le gardien de 5'9" Nate Robinson portait un maillot vert des New York Knicks et des baskets vertes pour représenter Kryptonite, jouant sur le thème Superman de Howard. Il a utilisé une balle verte "Kryptonite" et a sauté par-dessus le Howard de 6'11". avant de tremper. Ce dunk et cette mise en scène auraient pu remporter la compétition pour Robinson, qui a été élu vainqueur par les fans de la NBA. Robinson a ensuite remercié Howard de lui avoir gracieusement permis de plonger sur lui, demandant à la foule de donner également à Howard une salve d'applaudissements.
JaVale McGee détient actuellement le record du monde du plus grand nombre de dunks de basket-ball en un seul saut : trois. Alors qu'il participait au concours NBA Sprite Slam Dunk 2011, McGee a sauté avec deux balles en sa possession et a dunk chacune avant de recevoir et de claquer une passe alley-oop de son coéquipier de l'époque, John Wall.
Panneaux cassés
Dans le passé, il était possible pour les joueurs de dunk un ballon de basket et d'abaisser le rebord si fort que le panneau en verre se brise, soit autour du rebord lui-même, soit, parfois, en brisant tout le panneau, ou encore en cas d'échec de la norme de but dans son ensemble. Les panneaux renforcés et les jantes détachables ont minimisé ce problème aux niveaux universitaire et professionnel, mais cela se produit toujours aux niveaux inférieurs.
L'attaquant vedette Gus Johnson des Baltimore Bullets a été le premier des célèbres briseurs de panneau de la NBA, en brisant trois au cours de sa carrière dans les années 1960 et au début des années 1970. Darryl Dawkins des 76ers de Philadelphie était également connu pour ses deux dunks brisés en 1979, ce qui a amené la ligue à menacer de lui infliger une amende et finalement à installer des jantes échappées. À deux reprises au cours de sa saison recrue () lors des matchs, le centre Shaquille O'Neal a plongé si fort qu'il a brisé le support hydraulique d'un étalon de but (contre les Phoenix Suns) et a brisé les soudures retenant un autre étalon de but, provoquant la rupture du panier. et tomber au sol (contre les New Jersey Nets), même si dans aucun des cas le verre ne s'est brisé. Cela a également abouti à des supports de panneau renforcés. Au cours de la même saison, Chris Morris du New Jersey a brisé un panneau lors d'un match contre les Chicago Bulls (l'incident de panneau brisé le plus récent dans la NBA à ce jour). La NBA a fait de la destruction du panneau une faute technique, même si cela ne compte pas dans le décompte de sept fautes personnelles d'un joueur pouvant entraîner une suspension, ni de deux pour l'expulsion d'un match, et cela compte dans le décompte de six fautes personnelles d'un joueur. Cela a contribué à dissuader cette action, car elle peut coûter des points à l'équipe.
Dans l'ABA, Charlie Hentz a cassé deux panneaux dans le même match le 6 novembre 1970, ce qui a entraîné l'arrêt du match. Dans la NCAA, Jerome Lane a brisé un panneau alors qu'il jouait pour Pitt lors d'un match de saison régulière en 1988 contre Providence, et Darvin Ham a fait de même en jouant pour Texas Tech lors d'un match de tournoi contre la Caroline du Nord en 1996.
La Premier Basketball League a connu deux slam-dunks qui ont entraîné des panneaux cassés. Les deux sont arrivés consécutivement lors des finales PBL 2008 et 2009, et tous deux ont été réalisés par Sammy Monroe des Rochester Razorsharks.
Dunking dans le jeu des femmes
Le dunk est beaucoup moins courant dans le basket-ball féminin que chez les hommes. Le dunk est légèrement plus courant lors des séances d'entraînement, mais de nombreux entraîneurs le déconseillent en compétition en raison des risques de blessure ou de non-marquage.
En 1984, Georgeann Wells, une junior de 201 cm (6'7") évoluant pour l'Université de Virginie occidentale, est devenue la première femme à réussir un slam dunk dans un jeu collégial féminin, lors d'un match contre l'Université de Charleston le 21 décembre.
En 2014, 11 dunks ont été marqués en WNBA. Le premier et le deuxième ont été marqués par Lisa Leslie des Sparks de Los Angeles, le 30 juillet 2002 (contre le Miami Sol) et le 9 juillet 2005. D'autres dunks de la WNBA ont été marqués par Michelle Snow, Candace Parker (deux fois) et Sylvia Fowles.
Le record du plus grand nombre de dunks WNBA appartient à Brittney Griner. En tant que lycéenne, elle a dunk 52 fois en 32 matchs et a établi un record en un seul match de sept dunks. En tant que vedette à l'Université Baylor, Griner est devenue la septième joueuse à dunk lors d'un match de basket-ball universitaire féminin et la deuxième femme à dunk deux fois dans un seul match universitaire. Lors de ses débuts en WNBA le 27 mai 2013, Griner a dunk deux fois et, depuis 2014, compte cinq dunks en WNBA, dont le premier lors d'un match éliminatoire (25 août 2014).
Aux Jeux olympiques de Londres en 2012, Liz Cambage des Australian Opals est devenue la première femme à dunk aux Jeux olympiques, marquant contre la Russie.
Les femmes dans les concours de dunk
En 2004, alors qu'elle était lycéenne, Candace Parker a été invitée à participer au McDonald's All-American Game et aux festivités qui l'accompagnaient au cours desquelles elle a participé et remporté le concours de slam dunk. Au cours des années suivantes, d'autres femmes ont participé au concours ; bien que Kelley Cain, Krystal Thomas et Maya Moore se soient vu refuser l'entrée au même concours en 2007. Brittney Griner avait l'intention de participer au concours McDonald's Dunk 2009 mais n'a pas pu assister à l'événement en raison de la politique de fréquentation de son lycée. Breanna Stewart, à 6'3" (191 cm), Alexis Prince (6'2" ; 188 cm) et Brittney Sykes (5'9" ; 175 cm) ont participé au concours de 2012 ; Prince et Sykes n'ont pas réussi à terminer leur dunks, tandis que Stewart en a décroché deux au premier tour mais a raté ses deux deuxièmes tentatives au tour final.
Utiliser comme une expression
L'expression « slam dunk », l'un des nombreux idiomes sportifs, est souvent utilisée en dehors du basket-ball pour désigner familièrement quelque chose qui a un certain résultat ou un succès garanti (« une chose sûre »). | http://quiz4free.com/ |
En quelle année Torvill et Dean (Jane et Christopher) ont-ils remporté leur première médaille d'or olympique, marquant 12 six parfaits dans leur routine de danse libre ? | 1984 | [
"Torvill et Dean (Jayne Torvill et Christopher Dean) sont des danseurs sur glace britanniques et anciens champions britanniques, européens, olympiques et mondiaux. Aux Jeux olympiques d'hiver de Sarajevo de 1984, le duo est devenu le patineur artistique le plus performant de tous les temps (pour un seul programme), recevant douze 6,0 parfaits et six 5,9 qui comprenaient des notes d'impression artistique de 6,0 de la part de chaque juge, après avoir patiné sur le Boléro de Maurice Ravel.",
"Le duo est devenu professionnel après les Championnats du monde de 1984, retrouvant brièvement le statut d'amateur dix ans plus tard, en 1994, pour participer à nouveau aux Jeux olympiques. Le duo a définitivement pris sa retraite du patinage de compétition en 1998 lorsqu'ils ont effectué une dernière tournée avec leur propre spectacle, Ice Adventures, avant de rejoindre Stars on Ice pour une saison supplémentaire. Leur routine finale a été exécutée sur \"Still Crazy After All These Years\" de Paul Simon, une routine qu'ils avaient conçue quelques années plus tôt pour la compétition.",
"Tous deux sont originaires de Nottingham, en Angleterre, où l'on accède au National Ice Centre local via un espace public connu sous le nom de Bolero Square, en l'honneur de leurs réalisations olympiques. Il y a aussi un lotissement dans le quartier de Wollaton de la ville nommé « Torvill Drive » et « Dean Close » qui est situé juste à côté de Torvill Drive, avec de nombreuses routes environnantes nommées d'après les entraîneurs et les danses associées au couple. Dans un sondage britannique réalisé par Channel 4 en 2002, le public britannique a élu la performance historique de Torvill et Dean, médaillée d'or aux Jeux olympiques d'hiver de 1984, au 8e rang de la liste des 100 plus grands moments sportifs.",
"Le chanteur-acteur Michael Crawford était le quatrième membre de l'équipe, avec leur entraîneur. Il est devenu leur mentor vers 1981, et les a ensuite aidés à créer leurs routines olympiques de 1983 et 1984 et « leur a appris à agir ». Crawford a dit d'eux: \"Je les ai trouvés comme des jeunes charmants, du genre que vous voulez aider si vous le pouvez.\" (The Times novembre 1982). Il était présent avec leur entraîneur au bord du ring, lorsque l'équipe a remporté son score parfait aux Jeux olympiques avec sa routine Boléro. (Source : autobiographie de Torvill et Dean de 1996, partiellement citée à )",
"Bien que Torvill et Dean aient pu quitter leur emploi de commis aux livres d'assurance et de policier, respectivement – grâce à des subventions de la ville de Nottingham – ils n'étaient pas autorisés à gagner de l'argent en patinant tant qu'ils souhaitaient rester éligibles au programme. Jeux olympiques. Devenus professionnels en 1984, ils profitent non seulement des possibilités financières mais aussi artistiques de leur nouveau statut. Ils ont d'abord travaillé avec le chorégraphe de danse australien Graeme Murphy et ont pu créer non seulement des routines pour eux-mêmes, mais aussi des spectacles sur glace entiers avec une cohérence thématique, qui ont fait une tournée en Australie, aux États-Unis et en Europe. Leurs projets comprenaient un conte de fées filmé \"Fire and Ice\". En général, Dean imaginait la séquence qu'il souhaitait réaliser et Torvill travaillait avec lui pour l'affiner techniquement. Ils ont chorégraphié, en équipe, pour d'autres danseurs et patineurs sur glace, en particulier l'équipe canadienne frère-sœur Isabelle et Paul Duchesnay, qui ont patiné pour la France aux Jeux olympiques d'hiver d'Albertville de 1992, remportant la médaille d'argent avec leur routine West Side Story.",
"Après avoir remporté les Championnats du monde de patinage artistique de 1981 (ce qui leur a valu la distinction de MBE) et trois années supplémentaires avant les Jeux olympiques, ils ont commencé à planifier des routines utilisant un seul morceau de musique et comportant un élément narratif ou thématique. À cette époque, les « longues » routines de danse sur glace utilisaient généralement plusieurs morceaux de musique, souvent avec des rythmes différents pour montrer la maîtrise de différents pas (ainsi leur Free Dance en 1981 utilisait « Fame », « Caravan », « Red Sails in the Coucher de soleil\" et \"Chante, chante, chante\"); la danse sur tracé original n'utilisait qu'un seul morceau de musique, mais la routine entière devait être exécutée trois fois de suite, exactement de la même manière. En 1982, ils présentent un long programme sur l'ouverture de la comédie musicale Mack and Mabel, qui évoque les émotions d'une romance douce mais orageuse ; aux Championnats du monde en 1983, ils ont simulé une visite au cirque avec la musique de Barnum, une performance qui leur a valu l'honneur de recevoir la première partition parfaite au monde, avec l'aide de la star du spectacle, Michael Crawford ; en 1984, aux Jeux olympiques, ils ont stupéfié le monde avec le Boléro, mais aussi avec leur courte routine dramatique de Paso Doble (Capriccio Espagnol), dans laquelle Torvill était la cape du torero. Ils avaient appris à choisir et à éditer la musique avec soin et à concevoir des routines attrayantes à la fois techniquement et imaginativement, et leur présentation complète comprenait des costumes thématiquement appropriés.",
"La danse libre olympique de Torvill et Dean en 1984 a été patinée sur le Boléro de Maurice Ravel. La composition originale du Boléro de Ravel dure plus de 17 minutes. Les règles olympiques stipulent que la danse libre doit durer quatre minutes (plus ou moins dix secondes). Torvill et Dean se sont adressés à un arrangeur musical pour condenser Boléro en une version \"skateable\". Cependant, on leur a dit que la durée minimale à laquelle Boléro pouvait être condensé était de 4 minutes 28 secondes, soit 18 secondes de plus que les règles olympiques. Torvill et Dean ont examiné le livre des règles olympiques et ont constaté qu'il indiquait que le chronométrage réel d'une routine de patinage commençait lorsque les patineurs commençaient à patiner. Ils pourraient donc utiliser Boléro s'ils ne plaçaient pas les lames de leurs patins sur la glace pendant les 18 premières secondes. Ils ont chronométré la performance de manière à ce que lorsque Torvill plaçait pour la première fois une lame sur la glace, il leur restait le temps de patinage maximum.",
"Les années professionnelles 1984-1998",
"Chanson de l'Inde 1984",
"* Période de performance connue 1984-1987",
"* Compétition : Championnats du Monde Professionnels Washington 1984",
"Conçu à l'automne 1984 pour les Championnats du monde professionnels organisés en décembre 1984 (source Facing the Music : 1995 : 148).",
"La pièce a été jouée pour la première fois au Royal Variety Show de 1984 à Londres, avant de remporter avec des 10 consécutifs aux Championnats du monde professionnels de 1984. Une version étendue de la compagnie de la danse a été conçue pour la tournée mondiale 1985/1986. On sait également qu'il a été joué à nouveau pour une production télévisée unique avec les Russian All Stars à la patinoire Luzhniki de Moscou en 1987.",
"Rencontre 1984",
"* Période de performance connue 1984-1995",
"* Compétition : Championnats du Monde Professionnels Washington 1984",
"La rencontre dure plus de six minutes et a été pour Torvill et Dean leur performance professionnelle la plus durable, leur remportant les Championnats du monde professionnels en 1984 et connue pour être utilisée comme pièce de performance jusqu'en 1987. Ils ont ressuscité la pièce en 1994 pour gagner aux Championnats du monde par équipe. . On sait qu'il a été joué pour la dernière fois à Wembley pour la tournée mondiale Face the Music filmée en juin 1995."
] | Torvill et Dean (Jayne Torvill et Christopher Dean) sont des danseurs sur glace britanniques et anciens champions britanniques, européens, olympiques et mondiaux. Aux Jeux olympiques d'hiver de Sarajevo de 1984, le duo est devenu le patineur artistique le plus performant de tous les temps (pour un seul programme), recevant douze 6,0 parfaits et six 5,9 qui comprenaient des notes d'impression artistique de 6,0 de la part de chaque juge, après avoir patiné sur le Boléro de Maurice Ravel.
Le duo est devenu professionnel après les Championnats du monde de 1984, retrouvant brièvement le statut d'amateur dix ans plus tard, en 1994, pour participer à nouveau aux Jeux olympiques. Le duo a définitivement pris sa retraite du patinage de compétition en 1998 lorsqu'ils ont effectué une dernière tournée avec leur propre spectacle, Ice Adventures, avant de rejoindre Stars on Ice pour une saison supplémentaire. Leur routine finale a été exécutée sur "Still Crazy After All These Years" de Paul Simon, une routine qu'ils avaient conçue quelques années plus tôt pour la compétition.
Après avoir pris sa retraite du patinage professionnel, Dean a déménagé à Colorado Springs (États-Unis), où il vivait auparavant avec sa femme, Jill Trenary, et ses deux fils : Jack Robert, né le 17 novembre 1998, et Sam Colin, né le 3 septembre 2000. L'agent de Dean a confirmé en mars 2010, le couple s'était séparé.
Entre 1991 et 1993, Dean a été marié à la patineuse Isabelle Duchesnay.
Torvill a élu domicile dans le Surrey (Royaume-Uni), avec son mari, Phil Christensen, et ses deux enfants : Kieran, né en mai 2002 ; et Jessica, née en mars 2006.
Bien qu'ils soient restés amis proches, les deux hommes n'ont plus patiné ensemble jusqu'à ce qu'ils soient incités à sortir de leur retraite pour participer à l'émission Dancing on Ice d'ITV.
Tous deux sont originaires de Nottingham, en Angleterre, où l'on accède au National Ice Centre local via un espace public connu sous le nom de Bolero Square, en l'honneur de leurs réalisations olympiques. Il y a aussi un lotissement dans le quartier de Wollaton de la ville nommé « Torvill Drive » et « Dean Close » qui est situé juste à côté de Torvill Drive, avec de nombreuses routes environnantes nommées d'après les entraîneurs et les danses associées au couple. Dans un sondage britannique réalisé par Channel 4 en 2002, le public britannique a élu la performance historique de Torvill et Dean, médaillée d'or aux Jeux olympiques d'hiver de 1984, au 8e rang de la liste des 100 plus grands moments sportifs.
Carrières
Partenariat et Jeux olympiques
Vers 1975, Jayne Torvill était une ancienne championne britannique de danse sur glace junior, et Christopher Dean et son partenaire avaient remporté une compétition britannique de danse sur glace junior. L'entraîneur de Nottingham, Janet Sawbridge, les a réunis et peu de temps après, ils ont commencé leur histoire de danse sur glace. Ils ont remporté leur premier trophée en 1976. Ils ont changé d'entraîneur pour Betty Callaway en 1979. Après une 5e place à leurs premiers Jeux olympiques, à Lake Placid lors des Jeux olympiques d'hiver de 1980, et une 4e place aux Mondiaux cette année-là, ils n'ont jamais remporté le trophée. inférieur à la première place dans toutes les compétitions auxquelles ils ont participé, à l'exception des Jeux olympiques d'hiver de 1994.
Le chanteur-acteur Michael Crawford était le quatrième membre de l'équipe, avec leur entraîneur. Il est devenu leur mentor vers 1981, et les a ensuite aidés à créer leurs routines olympiques de 1983 et 1984 et « leur a appris à agir ». Crawford a dit d'eux: "Je les ai trouvés comme des jeunes charmants, du genre que vous voulez aider si vous le pouvez." (The Times novembre 1982). Il était présent avec leur entraîneur au bord du ring, lorsque l'équipe a remporté son score parfait aux Jeux olympiques avec sa routine Boléro. (Source : autobiographie de Torvill et Dean de 1996, partiellement citée à )
(Pour plus d'informations et biographies, voir les articles individuels sur Jayne Torvill et Christopher Dean)
Devenir professionnel
Bien que Torvill et Dean aient pu quitter leur emploi de commis aux livres d'assurance et de policier, respectivement – grâce à des subventions de la ville de Nottingham – ils n'étaient pas autorisés à gagner de l'argent en patinant tant qu'ils souhaitaient rester éligibles au programme. Jeux olympiques. Devenus professionnels en 1984, ils profitent non seulement des possibilités financières mais aussi artistiques de leur nouveau statut. Ils ont d'abord travaillé avec le chorégraphe de danse australien Graeme Murphy et ont pu créer non seulement des routines pour eux-mêmes, mais aussi des spectacles sur glace entiers avec une cohérence thématique, qui ont fait une tournée en Australie, aux États-Unis et en Europe. Leurs projets comprenaient un conte de fées filmé "Fire and Ice". En général, Dean imaginait la séquence qu'il souhaitait réaliser et Torvill travaillait avec lui pour l'affiner techniquement. Ils ont chorégraphié, en équipe, pour d'autres danseurs et patineurs sur glace, en particulier l'équipe canadienne frère-sœur Isabelle et Paul Duchesnay, qui ont patiné pour la France aux Jeux olympiques d'hiver d'Albertville de 1992, remportant la médaille d'argent avec leur routine West Side Story.
Retour aux Jeux olympiques
Après dix ans en tant que professionnels, Torvill et Dean ont décidé de revenir sur la scène amateur pour les Jeux olympiques de 1994 à Lillehammer, en Norvège (avec d'autres grands patineurs des années 1980, comme Brian Boitano et Katarina Witt, suite à un changement dans les règles d'éligibilité). Le couple a déménagé à Hamar, en Norvège, en 1993 pour s'entraîner à l'amphithéâtre olympique de Hamar, qui accueillait les épreuves de patinage artistique. Leur danse libre avait pour but de rétablir certaines des idées sur la danse sur glace qu'ils avaient eux-mêmes contribué à démanteler ; "Let's Face The Music and Dance" n'avait pas d'amants évanouis, d'accessoires de théâtre ou de message idéologique fort ; au lieu de cela, l'accent était mis sur la danse pure et légère dans la tradition d'Astaire et Rogers. La routine comportait un mouvement, un porté assisté, qui repoussait les limites des règles, bien qu'ils aient dansé la routine aux Championnats d'Europe sans aucune indication de problème de la part des juges. Selon leur autobiographie commune, Facing the Music, l'ascenseur était techniquement légal car la règle interdisait de soulever "au-dessus des épaules", et l'ascenseur qu'ils utilisaient n'était pas au-dessus des épaules. Les juges ont placé Torvill et Dean troisièmes, donnant la deuxième place aux éternels médaillés d'argent Usova et Zhulin, et la médaille d'or à Grishuk et Platov, qui ont continué à remporter l'or au cours des quatre années suivantes.
La vie après les Jeux olympiques
Après un résultat décevant à Lillehammer, Torvill et Dean « se retirèrent du patinage de compétition » le 2 mars 1994. Au lieu de cela, ils poursuivirent leur tournée « Face the Music » prévue et très réussie, suivie de nombreux autres projets : Dean chorégraphia une suite de danses sur les chansons de Paul Simon pour l'English National Ballet, de concours professionnels, de tournées avec Stars on Ice et de collaboration avec le violoncelliste Yo-Yo Ma et la réalisatrice Patricia Rozema sur la vidéo Inspired by Bach: Six Gestures. Fin 1998, ils ont produit un spectacle sur glace au stade de Wembley à Londres, « Ice Adventures », qui comprenait un ballet sur glace « volant » et d'autres merveilles. Entre-temps, ils continuent à chorégraphier, notamment pour la dynamique équipe de France de danse sur glace, Anissina et Peizerat, qui a remporté la première place aux Championnats du monde en 2000.
En 1998, les deux hommes prennent officiellement leur retraite, chacun continuant à entraîner et à chorégraphier séparément. Depuis 2006, ils jouent le rôle d'entraîneurs, de chorégraphes et d'interprètes dans Dancing on Ice d'ITV et dans sa version australienne Torvill and Dean's Dancing on Ice. L'émission ITV est revenue pour une cinquième série en janvier 2010. Après la série britannique de Dancing on Ice de 2007 et 2008, Torvill et Dean ont pris la route pour une tournée britannique ; une tournée similaire, le « 25e anniversaire » (de leur succès olympique à Sarajevo) a eu lieu en 2009.
En 2014, Torvill et Dean sont retournés à Sarajevo pour danser une fois de plus le Boléro, célébrant ainsi le 30e anniversaire de leur performance aux Jeux olympiques. Invité par le maire de Sarajevo avant les Jeux olympiques de la jeunesse de 2017, l'événement a permis de collecter des fonds pour une patinoire permanente et a rappelé au monde leurs efforts pour ramener les Jeux olympiques à Sarajevo.
En 2015, Torvill et Dean feront leurs débuts en pantomime au Manchester Opera House, dans "Cendrillon".
Style et approche
Utilisation de musique narrative et thématique
Après avoir remporté les Championnats du monde de patinage artistique de 1981 (ce qui leur a valu la distinction de MBE) et trois années supplémentaires avant les Jeux olympiques, ils ont commencé à planifier des routines utilisant un seul morceau de musique et comportant un élément narratif ou thématique. À cette époque, les « longues » routines de danse sur glace utilisaient généralement plusieurs morceaux de musique, souvent avec des rythmes différents pour montrer la maîtrise de différents pas (ainsi leur Free Dance en 1981 utilisait « Fame », « Caravan », « Red Sails in the Coucher de soleil" et "Chante, chante, chante"); la danse sur tracé original n'utilisait qu'un seul morceau de musique, mais la routine entière devait être exécutée trois fois de suite, exactement de la même manière. En 1982, ils présentent un long programme sur l'ouverture de la comédie musicale Mack and Mabel, qui évoque les émotions d'une romance douce mais orageuse ; aux Championnats du monde en 1983, ils ont simulé une visite au cirque avec la musique de Barnum, une performance qui leur a valu l'honneur de recevoir la première partition parfaite au monde, avec l'aide de la star du spectacle, Michael Crawford ; en 1984, aux Jeux olympiques, ils ont stupéfié le monde avec le Boléro, mais aussi avec leur courte routine dramatique de Paso Doble (Capriccio Espagnol), dans laquelle Torvill était la cape du torero. Ils avaient appris à choisir et à éditer la musique avec soin et à concevoir des routines attrayantes à la fois techniquement et imaginativement, et leur présentation complète comprenait des costumes thématiquement appropriés.
Respecter les règles olympiques
La danse libre olympique de Torvill et Dean en 1984 a été patinée sur le Boléro de Maurice Ravel. La composition originale du Boléro de Ravel dure plus de 17 minutes. Les règles olympiques stipulent que la danse libre doit durer quatre minutes (plus ou moins dix secondes). Torvill et Dean se sont adressés à un arrangeur musical pour condenser Boléro en une version "skateable". Cependant, on leur a dit que la durée minimale à laquelle Boléro pouvait être condensé était de 4 minutes 28 secondes, soit 18 secondes de plus que les règles olympiques. Torvill et Dean ont examiné le livre des règles olympiques et ont constaté qu'il indiquait que le chronométrage réel d'une routine de patinage commençait lorsque les patineurs commençaient à patiner. Ils pourraient donc utiliser Boléro s'ils ne plaçaient pas les lames de leurs patins sur la glace pendant les 18 premières secondes. Ils ont chronométré la performance de manière à ce que lorsque Torvill plaçait pour la première fois une lame sur la glace, il leur restait le temps de patinage maximum.
Résultats des compétitions amateurs
Danses de compétition amateur
Résultats des compétitions professionnelles
Danses de compétition professionnelle
Les années professionnelles 1984-1998
Chanson de l'Inde 1984
* Musique : Rimski-Korsakov
* Période de performance connue 1984-1987
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
* Compétition : Championnats du Monde Professionnels Washington 1984
**Résultat : 1er (10, 10, 10, 10, 10, 10, 10.) Pièce technique
Conçu à l'automne 1984 pour les Championnats du monde professionnels organisés en décembre 1984 (source Facing the Music : 1995 : 148).
La pièce a été chorégraphiée conjointement par Jayne et Chris avec Graeme Murphy, directeur artistique de la Sydney Dance Company à l'époque. Les costumes consistaient en Jayne et Chris portant un pantalon gonflé orange/rouge avec de brefs hauts ornés de bijoux indiens. La pièce consiste en une énorme quantité d'ascenseurs allongés, se tordant, s'entrelaçant et même s'asseyant et roulant sur la glace pour créer une pièce ballet qu'ils décrivent comme évoquant des sculptures indiennes.
La pièce a été jouée pour la première fois au Royal Variety Show de 1984 à Londres, avant de remporter avec des 10 consécutifs aux Championnats du monde professionnels de 1984. Une version étendue de la compagnie de la danse a été conçue pour la tournée mondiale 1985/1986. On sait également qu'il a été joué à nouveau pour une production télévisée unique avec les Russian All Stars à la patinoire Luzhniki de Moscou en 1987.
La pièce contient un mouvement unique d'un immense équilibre technique, de conception et de force, par lequel Dean soulève Torvill les pieds en premier, lui permettant de saisir le bas de son mollet. Il lève ensuite sa jambe en arrière avec Torvill tenu horizontalement sur son corps alors qu'il termine l'ascenseur en glissant vers l'avant sur une jambe. La difficulté évidente et la symétrie étonnante de l'ascenseur en ont fait un véritable spectacle, et on peut les voir répéter l'ascenseur lors de l'exposition Skates of Gold de 1993 à Boston, aux États-Unis, lorsqu'ils se lancent sur la glace avec leurs pairs de leur période amateur : Marina Klimova & Sergei Ponomarenko, ainsi que Natalia Bestemianova et Andrei Bukin. Dean et Torvill ont montré que les années n'ont rien fait pour nuire à leurs compétences, leur force et leur équilibre lorsqu'ils ont incorporé le même porté dans une version retravaillée du Boléro pour la série 2007 de Dancing on Ice.
Rencontre 1984
* Musique : « January Stars » écrite et interprétée par George Otis Winston
* Période de performance connue 1984-1995
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
* Compétition : Championnats du Monde Professionnels Washington 1984
**Résultat : 1ère (10, 10, 10, 10, 10, 10, 10.) Pièce artistique
* Championnat du monde par équipe 1994
**Résultat : 1er
La rencontre dure plus de six minutes et a été pour Torvill et Dean leur performance professionnelle la plus durable, leur remportant les Championnats du monde professionnels en 1984 et connue pour être utilisée comme pièce de performance jusqu'en 1987. Ils ont ressuscité la pièce en 1994 pour gagner aux Championnats du monde par équipe. . On sait qu'il a été joué pour la dernière fois à Wembley pour la tournée mondiale Face the Music filmée en juin 1995.
Le thème de la pièce implique deux personnes qui se croisent dans la rue, se remarquent, font une double prise et tombent instantanément amoureuses. Ce qui suit est une brève rencontre de deux personnes très amoureuses mais destinées à être séparées. Les costumes étaient minimalistes et discrets, en accord avec la sobriété de la pièce, composée dans les années 1980 d'une petite robe épurée gris-bleu clair pour Torvill taillée comme une mini-jupe et d'une tenue gris argenté pour Dean. Lorsque Encounter a été joué dans les années 1990, Torvill portait une robe conçue pour être identique à l'original, tandis que Dean portait désormais une chemise et un pantalon pour correspondre exactement à la couleur de la tenue de Torvill.
Paradis et enfer 1985 (numéro de groupe)
* Musique : dérivée du Seven Deadly Sins Ballet
* Période de performance connue : 1985-1986
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : aucune connue
Un numéro de groupe de dix minutes, avec Torvill et Dean participant à la section Heaven, vêtus de tenues blanc crème.
Vénus 1985
* Musique : Gustav Holst (La Suite Planète)
* Période de performance connue 1985-1986
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
* Compétition : Championnats du Monde Professionnels Washington 1985
**Résultat : 1er (10, 10, 10, 10, 10, 10, 10.)
Cette danse a été conçue dans le cadre de leur première tournée mondiale et a formé leur numéro dans la Planet Suite, avec divers membres de la compagnie interprétant les autres pièces de la planète et toute la compagnie interprétant Jupiter.
La prémisse de Vénus est que Jayne est la déesse de l'amour qui s'occupe du monde (source Facing the Music : 1995 : 167). Le monde est en fait physiquement représenté dans la pièce par un grand globe éclairé à l'intérieur et suspendu par un fil (contrôlé par un perchman) en orbite autour de Torvill et Dean tout au long de la danse. L'ouverture du numéro était des plus inhabituelles, consistant en un Jayne immensément grand patinant dans une grande cape volumineuse et envoyant le globe/sphère en orbite. Chris était en fait caché dans la cape, soulevant Jayne tout au long de la séquence d'ouverture, pour ensuite être révélé au début de la danse. La danse est extrêmement gracieuse, avec de nombreux portés inhabituels et des mouvements complexes. Les costumes étaient blancs, Jayne portant un foulard blanc orné d'une couronne dorée.
La danse a été utilisée comme pièce artistique pour les Championnats du monde de 1985 qu'ils ont remportés pour la deuxième année consécutive.
Jupiter 1985 (numéro de groupe)
* Musique : Holst (La Suite Planète)
* Période de performance connue : 1985-1986
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : aucune connue
La pièce finale spectaculaire de la première tournée mondiale de Torvill et Dean impliquant Torvill et Dean tournant comme des corps célestes avec une demi-douzaine de volants autour d'eux en orbite sur des fils. À la fin, toutes les lumières s'éteignaient à l'exception des ultraviolets, les laissant apparemment tourner dans l'espace (source Facing the Music : 1995 : 167).
Diablo Tango1985
* Musique : « Valentino Tango » Janko Nilovic
* Période de performance connue 1985-1987
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
* Compétition : Championnats du Monde Professionnels Washington 1985
**Résultat : 1er (10, 10, 10, 10, 9.9, 9,9, 10.) Pièce technique
Une autre danse conçue dans le cadre de leur première tournée mondiale et également utilisée comme pièce technique lors des Championnats du monde professionnels de 1985.
Cette danse était la première véritable aventure de Torvill et Dean dans l’humour. Les danses comiques ultérieures notables seraient Hatrick, Low Commotion et Trunk Tango, mais cela reste sans doute le plus burlesque. Le costume de Dean est d'apparence espagnole, reflétant la musique espagnole, composé d'une chemise blanche à col ouvert avec une cravate noire ample, un pantalon noir et une grande ceinture violette autour de sa taille. Jayne porte une tenue noire des années 1920, avec des gants longs et un chapeau de bassin.
Chant du berger 1986
* Musique : Baylero – Un chant de berger tiré des Chants d'Auvergne
* Compositeur : Joseph Canteloube ; Chanté par Kiri Te Kanawa
* Période de performance connue : 1986
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
Cette danse a été conçue spécifiquement pour le Gala Sports Aid de 1986, dont les bénéfices ont été reversés à des causes dans le besoin en Afrique. Il n'est pas clair s'il a été joué à nouveau par la suite, mais la légende de la photo à la page 76 de Fire on Ice (Wilson : 1994) suggère qu'il a ensuite été intégré au World Tour, au moins pour sa prochaine visite à Wembley.
Les paroles sont en fait celles d'une vieille chanson folklorique très simple représentant un berger et une bergère s'appelant à travers les alpages. Le livret avec le CD "" donne la traduction suivante de la chanson :
"Berger, de l'autre côté de l'eau, tu ne t'amuses guère,
Chante bailero, lero, lero.
A peine, et vous ?
Chantez bailero, aujourd'hui.
Berger, comment puis-je aller là-bas, il y a un gros ruisseau, chante bailero, lero.
Attends, je viendrai te chercher,
Bailero, léro, léro.
La danse commence et se termine de manière très inhabituelle avec les danseurs allongés, enlacés, endormis sur la glace. L'ouverture représentant l'aube et la fin de la nuit. À l'inverse du Boléro, c'est Dean qui monte le premier sur la glace et remet Jayne sur ses pieds. La danse est hautement balletique, avec des mouvements d'opéra incorporés. À un moment donné de la danse, Torvill et Dean s'encerclent en se saisissant mutuellement du patin à glace en succession constante, créant un mouvement fluide très beau, complexe et hautement technique. Les costumes sont très simples, avec Torvill en blanc et Dean dans une chemise ample sans bras et un pantalon marron avec des attaches blanches aux jambes.
Feu et glace 1986
* Musique : Carl Davis
* Écrit par : Tom Gutteridge
* Réalisé par : Tom Gutteridge
* Produit par : Nick Elliot
* Produit et filmé pour LWT : 1986
*Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : Disponible sur le DVD Dancing on Ice 2006
Torvill et Dean ont conçu Fire and Ice en Australie avec Graeme Murphy et l'ont vendu à LWT (London Weekend Television – qui fait partie d'ITV). Il a été écrit par Tom Gutteridge et Carl Davis et répété et filmé en Allemagne, prêt pour sa première télévision au Royaume-Uni à Noël 1986.
Fire and Ice est une pièce de compagnie complète créant un ballet narratif sur glace. Ensemble
entre la Planète de Feu et la Planète de Glace, il raconte une histoire d'amour entre un Prince de Feu et une Princesse de Glace. Il s'agit d'un décor complet avec des conceptions et des effets visuels représentant différents endroits sur les deux planètes et racontant l'histoire. La pièce s'ouvre avec Dean exécutant un ballet dans les catacombes de la Plante du Feu, tout en voyant Torvill dans les flammes bleues de leur autel. En plongeant, il se retrouve sur sa planète. Il la rencontre et, après avoir pris le temps de s'adapter à sa planète, ils tombent amoureux. Elle est convoquée à une cérémonie royale mais elle le rejoint plus tard. Le lendemain matin, ils sont découverts et une violente attaque est menée contre le Prince du Feu par son propre peuple. Elle supplie son père d'avoir pitié de lui mais il la bannit de sa vue et le Prince du Feu se retrouve piégé dans une prison de glace. Plus tard, la Princesse des Glaces revient vers lui et fait fondre la glace de toutes ses forces, la laissant proche de la mort. Le Prince du Feu la ressuscite et ils sont à nouveau ensemble. Pendant ce temps, le peuple du Prince a été témoin de son sort dans les flammes et est arrivé sur la planète de glace. Une guerre éclate qui se solde par la mort des pères du prince et de la princesse. Dévastés et seuls, ils se retrouvent et pleurent. Alors que le temps guérit leurs blessures et que leur amour perdure, une arche lointaine apparaît dominant les montagnes glacées. Nous les regardons faire leur voyage vers l'arche et enfin entrer et faire leur pause vers la liberté et une nouvelle vie ensemble.
Diffusée dans le monde entier en vidéo et DVD, la production est unique dans le répertoire de Torvill et Dean – leur long métrage. La pièce contient de nombreuses danses entre eux deux, certaines comiques (dont une où Dean porte en fait des chaussures ordinaires sur la glace alors qu'il apprend à s'adapter), certaines romantiques et passionnées, et certaines très dramatiques. y compris danser séparément avec les danseurs de la compagnie représentant les gens de leurs planètes respectives. Pour la plupart, Dean porte un costume presque identique à son costume de Song of India, mais cette fois, plutôt que d'être rouge et orange, celui-ci est rouge et bordeaux, représentant ses origines ardentes. Torvill porte un costume de reine des glaces avec une couronne, des cheveux argentés et une robe bleu argenté coupée comme des glaçons en bas.
Fred Astaire et Ginger Rogers Medley 1987
* Musique : Irving Berlin : "Steppin' Out" / "Change Partners" et "Dance with Me" / "Cheek to Cheek" / "Puttin' On the Ritz" / "Top Hat"
* Période de performance connue : 1987-1990
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
Ce mélange de numéros d'Irving Berlin dansés en hommage à Fred Astaire et Ginger Rogers a été conçu pour la brève tournée que Torvill et Dean ont faite avec les Ice Capades en 1987, mais a continué comme numéro final tout au long de leur longue tournée Russian All Stars jusqu'en 1990. Pour les costumes Chris portait une cravate, un gilet et une queue-de-pie blancs, tandis que Jayne portait une robe bleue fluide presque longue avec un boa en plumes bleues. Bien que soigneusement chorégraphié avec une musique et des effets de lumière spectaculaires, il n'était sans doute pas aussi évocateur de Fred et Ginger ni aussi accompli techniquement que les incroyables routines « Puttin' On the Ritz » qu'ils ont exécutées lors de l'exposition amateur de Patinage Canada en 1982. Un élément impressionnant cependant, il y avait l'incorporation de pas de claquettes sur la glace au milieu de la routine. Pendant le All Stars Tour (et peut-être aussi les Ice Capades), ils ont gardé un thème similaire pour la révérence finale, patinant avec la compagnie sur I Got Rhythm.
Le rêve d'Eleanor 1987
* Musique : Eleanor Rigby – Paul McCartney
* Période de performance connue 1987
*Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : Aucune connue
On sait peu de choses sur cette pièce et elle n’a jamais été commercialisée et peut-être jamais enregistrée. Il a également été créé comme l'une de leurs pièces pour la tournée Ice Capades de 1987. Dans leur autobiographie, Chris déclare qu'il a en fait transmis la danse à Isabelle et Paul Duchesnay en 1988, déclarant que la danse parlait de la relation entre un garçon et une fille, le garçon pénétrant dans les rêves de la femme.
Extrait tiré de : Torvill et Dean : Romancing the Ice – Ice Cycles 1988
Dean et Torvill semblent tous deux impatients de réponses à leurs nouvelles routines dans la série et satisfaits du verdict selon lequel tout va bien, avec des distinctions spéciales allant à "Eleanor Rigby". C'était leur nouveau numéro et c'est une version très intéressante de la chanson, réalisée avec Paul McCartney, ayant peu de rapport avec l'enregistrement précédent des Beatles. La version utilisée était tirée de la bande originale du film de McCartney Give My Regards to Broad Street. Dean et Torvill ont détesté le film mais ont vraiment aimé cette version de la chanson.
"C'est en quelque sorte notre version d'une séquence de rêve", explique Dean, faisant référence à leur routine.
"Et je m'appelle Eleanor", dit simplement Torvill.
Torvill est le personnage principal fragile, vêtu d'un blanc discret avec des tons pastel sur le costume. C'est pour elle une sorte d'amant de rêve, vêtu principalement de noir ; il est à la fois excitant et dangereux. Elle le craint, mais elle le veut aussi, et finalement son désir l'emporte sur sa peur. C'est finalement sa perte, car il la fait tournoyer autour de son corps et elle ne peut rien faire d'autre que d'être manœuvrée à sa guise. Cela se termine avec elle sous la forme d'un crucifix sur son dos alors qu'il l'emporte dans le brouillard. Elle avait raison de le craindre après tout...
Paganini1987
* Musique : Nicolò Paganini
* Période de performance connue 1987
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
Paganini est un ballet de compagnie complet chorégraphié par Tatiana Tarasova, avec Torvill et Dean, ainsi que le danseur principal Yuri Ovchinikov comme chefs de file. Le spectacle comprend de nombreuses danses hautement balletiques entre Torvill et Dean et quelques performances en solo avec les autres membres de la compagnie présents sur la glace. La pièce évoque le ballet russe traditionnel et Torvill et Dean se comportent extrêmement bien tout au long avec de nombreux mouvements magnifiques et uniques. Les costumes sont simples – Chris dans une chemise blanche flamboyante et Jayne tout en blanc, très similaire, sinon identique, à son costume dans Shepherd's Song. Filmé et joué à l'origine pour une production télévisée unique avec les Russian All Stars à la patinoire Luzhniki de Moscou en 1987, il n'est pas clair s'il est devenu une partie permanente de la tournée Russian All Stars, mais il semble probable qu'il ait été joué. au moins pendant les cinq premiers mois du Tour. Il n’est pas clair si un autre spectacle de la compagnie sur lequel ils travaillaient sous la chorégraphie de Chris à l’époque, La Ronde, a jamais été achevé ou joué. Il semblerait qu'elle ait probablement été dissoute et remplacée par Akhenaton.
Extrait tiré de l’autobiographie de Torvill et Dean :
Tatiana voulait faire une histoire de Paganini, décrivant deux facettes de son personnage. Niccolo Paganini était beaucoup de choses : le plus grand virtuose du violon du siècle dernier, un compositeur, la mégastar de son époque et un aventurier romantique dévoré par la mélancolie. Il était apparu à Tatiana comme un héros russe parfait – une âme en conflit avec elle-même. Yuri Ovchinikov danserait le personnage fou de Paganini, Chris danserait le personnage créatif, avec Jayne comme muse du grand homme. Aucun de nous n'a accepté ce numéro, mais nous nous sommes retenus pour le bien d'une vie paisible.
Manquant 1987
* Musique : Dolencias – Incantation
* Période de performance connue 1987-1994
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
Interprété sur de la musique sud-américaine, ce numéro était toujours très faiblement éclairé, donnant l'impression de deux personnes en fuite, voyageant la nuit et luttant contre les éléments. Chris porte un pantalon et une chemise gris-marron, tandis que Jayne porte une simple robe unicolore rouge brûlé. La symétrie de cette danse est époustouflante, en particulier les mouvements de rotation créés spécifiquement pour démontrer le désespoir des danseurs/personnages. Ils l'ont interprété tout au long de la tournée Russian All Stars et lors de diverses expositions, dont le Sports Aid Gala de 1990, et l'ont recréé en 1994 pour le documentaire américain Artistry on Ice.
Extrait tiré de l’autobiographie de Torvill et Dean (Facing the Music : 1995 : 201) :
Une chose qui a retenu notre attention était la réaction de Chris à certaines musiques andines, qui lui rappelaient les choses terribles – en particulier les enlèvements officiellement autorisés – qui s'étaient produits au Chili et en Argentine ces dernières années. Le sujet était très d'actualité après la guerre des Malouines et plus récemment avec le film de Costa Gavras, Missing. Chris a vu dans son esprit ceux qui avaient disparu, les pères, les mères, les maris, les femmes, les amants, les amis et les enfants, et a conçu une série de mouvements reliant deux personnes qui pouvaient être considérées comme des amis ou un frère et une sœur, affrontant l'autorité, se recroquevillant devant cela, à la recherche d'êtres chers perdus et se terminant là où ils ont commencé, dans les limbes.
Akhenaton 1987
* Musique : Akhenaton – Philip Glass
* Période de performance connue 1987-1989
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : Oui (YouTube)
Akhenaton est une autre performance de la société conçue pour la tournée russe All Stars qui n'a jamais été commercialisée sous forme de film et aucune copie connue n'existe. Les costumes étaient inspirés de la conception traditionnelle de la royauté égyptienne. L'article a reçu de bonnes critiques, notamment des éloges répétés dans le New York Times, et ils y font régulièrement référence dans leur autobiographie.
Extrait tiré de l’autobiographie de Torvill et Dean :
Chris s'intéressait depuis un certain temps à l'histoire ancienne du Moyen-Orient et, lors d'un voyage à Londres, il s'immergea dans la salle égyptienne du British Museum. Il aimait l'atmosphère de la mythologie, Isis et Osiris, Pharaon en dieu, l'idée de mourir comme une renaissance dans le monde réel, la richesse de l'ornementation funéraire, tout ce lapis-lazuli d'or, les poses stylisées dans les peintures, les hiéroglyphes, et notamment l'histoire d'amour d'Akhenaton et de sa reine Néfertiti. Puis, par hasard, nous sommes tombés sur le CD d'un nouvel opéra de Philip Glass, intitulé Of All Things Akhenaton. Ce n’est pas exactement le top dix – un style minimaliste, des phrases très longues de notes répétées, mais une ambiance exactement ce que Chris recherchait. Tout ce dont nous avions besoin était de réduire une épopée de trois heures à 30 minutes. Pour ce faire, il fallait une immersion totale dans l’histoire et les images. C'était une chose étrange à faire, qui impliquait de longues négociations de notre part avec Philip Glass lui-même.
La danse s'est ouverte sur une image forte pour captiver et retenir le public. Une immense pyramide de soie, mesurant 25 pieds carrés à sa base, était admirée par les touristes modernes. Soudain, une ligne attachée au sommet a fait voler la pyramide vers le haut, révélant le monde des Égyptiens ordinaires du 14ème siècle avant JC, tous en jupes et en patins ressemblant à des sandales. Chris en tant que Pharaon a fait son entrée sur un trône, ce qui a conduit à une séquence d'amour avec Jayne en Néfertiti, puis une rébellion du peuple et une mort royale, laissant Jayne/Néfertiti en deuil.
Ragtime Poker 1987
* Musique:
* Période de performance connue 1987-1990
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
Largement disponible sur la vidéo Russian All Stars réalisée en 1990, le numéro de groupe impliquait toute l'entreprise déguisée en jeu de cartes – représentant différentes couleurs, numéros et personnages de cour. Il s'agit d'une pièce très légère, avec peu de substance, et a clairement été présentée comme un soulagement comique accessible par rapport aux autres pièces de groupe plus exigeantes. Jayne et Chris entrent en jeu à la fin avec les piques. Chaque danseur porte une grande carte représentative, celle de Jayne est la reine de pique et celle de Chris est le roi. Jayne patine principalement avec les patineuses dans un groupe avec Chris les rejoignant, les défendant des avancées comiques du Joker dans le peloton. Chris porte un pantalon noir, une chemise et un gilet blancs, avec un nœud papillon rouge scintillant et une veste à revers dorés. Jayne a une robe rouge flashy très courte avec un pique au milieu.
Fille des neiges 1987
* Musique : La Procession du Tsar Berendey – Rimski-Korsakov
* Période de performance connue 1987-1990
* Versions disponibles en vidéo/DVD ou internet : oui
Vraisemblablement conçu au début du All Stars Tour, mais peut-être pas plus tard, c'est en quelque sorte un chef-d'œuvre oublié, même s'il a toujours été disponible sur la vidéo Russian All Stars. Tous deux sont vêtus de tenues blanches brillantes avec des broderies bleues et mauves. La glace est éclairée d'un bleu hivernal et les mouvements tirent pleinement parti des images de traîneaux tirés par des Husky, de concours d'hiver et de paysages enneigés que la musique évoque avec tant de succès. La danse est extrêmement rapide et pourtant gracieuse à la fois. Il commence en fait par un ascenseur statique déjà posé au fur et à mesure que les lumières s'allument, et il contient désormais de nombreux grands ascenseurs. Jayne saute sans effort sur les épaules de Chris à plusieurs reprises et, d'un seul mouvement, saute même tout autour de lui, passant au-dessus de sa tête, avec apparemment très peu d'aide (ils ont ensuite intégré ce mouvement dans Mack et Mabel pour leur Face the Music Tournée au milieu des années 90). Il contient de nombreux pas de danse symétriques et de grands mouvements de bras, avec une succession de levées impressionnantes et une série de sauts et sauts symétriques effectués en parfaite unisson les uns avec les autres, donnant l'impression d'animaux courant à travers la forêt. Unique à cette danse est une série de deux pas symétriques où ils sautent littéralement haut dans les airs ensemble mais se penchent en avant avec leur jambe intérieure pliée alors qu'ils replongent vers le sol, plaçant leur jambe extérieure droite derrière eux. | http://quiz4free.com/ |
À qui est « Snoopy » le copain beagle ? | Woodstock | [
"Snoopy s'imagine parler, mais tout comme les animaux réels, les personnages humains n'en sont pas conscients. Ses pensées (très articulées) sont représentées dans des bulles de pensée. Dans les films d'animation et les émissions spéciales de télévision Peanuts, les pensées de Snoopy ne sont pas verbalisées ; ses humeurs sont plutôt véhiculées par des grognements, des sanglots, des rires et des énoncés monosyllabiques tels que « bleah » ou « hey », ainsi que par la pantomime. Les seules exceptions concernent les adaptations animées des comédies musicales You're a Good Man, Charlie Brown et Snoopy !!! La comédie musicale dans laquelle les pensées de Snoopy sont verbalisées respectivement par Robert Towers et Cameron Clarke. (Son dialogue, cependant, n'est pas « entendu » par les autres personnages à l'exception de Woodstock et d'autres personnages non humains.)",
"Woodstock est le meilleur ami et acolyte de Snoopy. Il parle dans une langue gazouillante que seuls Snoopy et ses autres amis oiseaux peuvent comprendre. En retour, les oiseaux comprennent d'une manière ou d'une autre les pensées de Snoopy. Dans certaines bandes, Snoopy raconte une blague à Woodstock et tous deux rient si fort qu'ils finissent par tomber de la niche. Woodstock dort parfois sur le nez de Snoopy, comme dans une bande où Snoopy dit \"Ne partagez jamais votre coussin avec un oiseau agité\".",
"Fifi est un amour majeur de Snoopy et elle apparaît dans Life Is a Circus, Charlie Brown et The Peanuts Movie. Dans Life Is a Circus, Charlie Brown, Snoopy voit Fifi dans un cirque et commence à être attiré par elle. Lui et Fifi font un numéro de trapèze et après, il s'enfuit, emmenant Fifi avec lui. Fifi décide cependant de retourner au cirque, laissant Snoopy le cœur brisé et contraint de retourner auprès de Charlie Brown. Dans The Peanuts Movie, Fifi (exprimé par Kristin Chenoweth) est un pilote tout comme Snoopy, et ensemble, ils ont une interaction via la machine à écrire de Snoopy contre le Baron Rouge. Il montre à quel point il tient à elle lorsqu'il pleure chez Schroeder après sa capture par le Baron Rouge. Snoopy, Woodstock et les Beagle Scouts se lancent en mission pour la sauver. Finalement, ils la sauvent et elle montre son affection à Snoopy.",
"Schulz était un passionné de bridge et Peanuts incluait parfois des références au bridge. En 1997, selon Alan Truscott, l'American Contract Bridge League (ACBL) a décerné à Snoopy et Woodstock le rang honorifique de Life Master, et Schulz en était ravi. Selon l'ACBL, seul Snoopy a reçu cet honneur."
] | Snoopy est le beagle de compagnie de Charlie Brown dans la bande dessinée Peanuts de Charles M. Schulz. On peut également le trouver dans tous les films et émissions spéciales télévisées de Peanuts, comme The Peanuts Movie. Depuis ses débuts le 4 octobre 1950, Snoopy est devenu l'un des personnages les plus reconnaissables et emblématiques de la bande dessinée. Les dessins originaux de Snoopy ont été inspirés par Spike, l'un des chiens d'enfance de Schulz.
Caractéristiques
Snoopy est un beagle parlant loyal, innocent, imaginatif et de bonne humeur qui a tendance à imaginer des vies fantastiques, notamment en tant qu'auteur, étudiant connu sous le nom de "Joe Cool" et as de l'aviation de la Première Guerre mondiale. Il est peut-être mieux connu dans ce dernier personnage alternatif, portant un casque, des lunettes et un foulard d'aviateur tout en portant un bâton de fanfaronnade.
Tous ses fantasmes ont une formule similaire : Snoopy fait semblant d'être quelque chose et échoue. Ses courts « romans » ne sont jamais publiés et son Sopwith Camel est systématiquement abattu par son ennemi imaginaire, le Baron Rouge. Schulz a déclaré à propos du personnage de Snoopy dans une interview en 1997 : "Il doit se retirer dans son monde fantaisiste pour survivre. Sinon, il mène une vie ennuyeuse et misérable. Je n'envie pas les chiens la vie qu'ils doivent vivre."
Snoopy s'imagine parler, mais tout comme les animaux réels, les personnages humains n'en sont pas conscients. Ses pensées (très articulées) sont représentées dans des bulles de pensée. Dans les films d'animation et les émissions spéciales de télévision Peanuts, les pensées de Snoopy ne sont pas verbalisées ; ses humeurs sont plutôt véhiculées par des grognements, des sanglots, des rires et des énoncés monosyllabiques tels que « bleah » ou « hey », ainsi que par la pantomime. Les seules exceptions concernent les adaptations animées des comédies musicales You're a Good Man, Charlie Brown et Snoopy !!! La comédie musicale dans laquelle les pensées de Snoopy sont verbalisées respectivement par Robert Towers et Cameron Clarke. (Son dialogue, cependant, n'est pas « entendu » par les autres personnages à l'exception de Woodstock et d'autres personnages non humains.)
La niche de Snoopy défie la physique et se révèle plus grande à l'intérieur qu'à l'extérieur. C'est aussi son « avion » dans ses fantasmes. Dans les bandes dessinées des années 90, il est obsédé par les cookies.
Histoire
Snoopy est apparu dans le strip du 4 octobre 1950, deux jours après le premier strip. Il s'appelait Snoopy pour la première fois un mois plus tard, le 10 novembre. Le 16 mars 1952, ses pensées furent montrées pour la première fois dans une bulle de pensée. Snoopy est apparu pour la première fois debout sur ses pattes arrière le 9 janvier 1956, lorsqu'il a été montré en train de patiner sur un lac gelé.
Relation avec d'autres personnages de Peanuts
Charlie Brown
Malgré son histoire de loyautés conflictuelles et son incapacité à se souvenir du nom de Charlie Brown (il l'appelle "ce gamin à tête ronde"), Snoopy a fait preuve d'amour et de loyauté envers son propriétaire. Il rejoint Charlie Brown pour sortir d'une partie de Ha-Ha Herman lorsque Peppermint Patty insulte Charlie Brown, ignorant que Charlie Brown est à portée de voix. Il aide également Charlie Brown à récupérer sa balle de baseball dédicacée lorsqu'un intimidateur la prend et met Charlie Brown au défi de se battre pour l'obtenir. Lorsque Charlie Brown doit cesser de se consacrer à rendre Snoopy heureux, Snoopy répond : "Ne vous inquiétez pas. J'étais déjà heureux." Dans The Peanuts Movie, Snoopy reste fidèle à Charlie Brown, le soutenant et prenant soin de lui tout au long du film.
Lucie
Snoopy essaie fréquemment d'embrasser Lucy sur la joue et/ou le nez, ce que Lucy, qui a peur des germes des chiens, déteste complètement. Ces actions amènent parfois Lucy à blesser Snoopy. Malgré leur rivalité l'un envers l'autre, chacun semble se soucier de l'autre : dans Snoopy, Come Home, Lucy est triste de le voir partir et est (momentanément) heureuse quand il rentre à la maison. Dans certaines bandes, Lucy demande de l'aide à Snoopy, comme dans la bande du 16 avril 1961, dans laquelle Lucy et Frieda, jalouses, se battent au piano de Schroeder, Lucy finit par gagner et serre la main de Snoopy à la fin, l'air légèrement blessé.
Linus
Snoopy essaie souvent de voler la couverture de Linus, conduisant à des combats burlesques que Snoopy gagne souvent.
Lilas
Lila était la propriétaire de Snoopy avant Charlie Brown. Snoopy lui rend visite dans le film Snoopy, Come Home et a du mal à décider s'il doit rester avec Charlie Brown ou retourner auprès de Lila. Lila finit par le convaincre de quitter Charlie Brown pour qu'il puisse à nouveau vivre avec elle. Cependant, en arrivant à sa résidence, Snoopy est ravi de voir un panneau « CHIENS INTERDITS » et retourne vivre avec Charlie Brown.
Galette à la menthe poivrée
Peppermint Patty se réfère souvent à Snoopy comme à un "enfant drôle avec un gros nez", ignorant qu'il est un beagle. Dans un cas, elle lui fait servir d'avocat dans une affaire impliquant le code vestimentaire de l'école. Dans la bande dessinée du 21 mars 1974, Marcie dit à Peppermint Patty que Snoopy est un beagle, ce qui lui permet finalement de réaliser sa véritable identité. Snoopy sert à plusieurs reprises de chien de garde à Peppermint Patty. Elle est l'une des rares filles à ne pas être dégoûtée après avoir été embrassée par lui.
Sally Brun
Comme Lucy, Sally ne se soucie pas beaucoup de Snoopy et le traite souvent de beagle stupide. Sally se plaint généralement lorsque son grand frère lui demande de nourrir Snoopy chaque fois qu'il est loin de chez lui. Alors qu'elle est encore bébé, Sally entretient une relation amicale et ludique avec Snoopy. Au cours des années suivantes, Sally fait occasionnellement appel à l'aide de Snoopy pour ses devoirs scolaires. Elle lui offre même un cornet de glace (un très grand cornet de glace, avec des boules d'une douzaine de saveurs) lorsque Snoopy l'aide à obtenir un « A » sur un reportage sur « Nos amis les animaux ». Dans une histoire, Sally utilise Snoopy comme une « arme » pour l'aider à se protéger des intimidateurs sur le terrain de jeu (Snoopy aboie bruyamment contre quiconque menace Sally, ce qui amène Snoopy à commenter : « Je me sens comme une boîte de masse ! »), mais cela se termine par un désastre lorsque Snoopy voit une de ses anciennes petites amies et s'enfuit à sa rencontre, abandonnant Sally et la laissant se faire « massacrer » par les intimidateurs du terrain de jeu.
Schröder
Article principal: Schroeder (Cacahuètes)
Schroeder ne s'en soucie pas beaucoup lorsque Snoopy s'assoit contre son piano jouet, sauf lorsque Snoopy danse sur le piano, au grand dam de Schroeder. Il joue aussi parfois avec les notes provenant du piano.
Reprise de Van Pelt
Article principal: Rediffusion de van Pelt
Rerun, le plus jeune personnage enfant de la bande dessinée, joue parfois avec Snoopy. Dans certaines bandes, Rerun et Snoopy jouent aux cartes l'un avec l'autre, tous deux ne sachant pas comment jouer.
Frères et sœurs
Snoopy est généralement représenté comme ayant sept frères et sœurs, dont cinq apparaissent à un moment donné dans la bande : Andy, Belle, Marbles, Olaf et Spike. Le plus souvent vu est Spike, qui vit une existence d'ermite dans le désert, près du lieu réel de Needles, en Californie.
Woodstock
Woodstock est le meilleur ami et acolyte de Snoopy. Il parle dans une langue gazouillante que seuls Snoopy et ses autres amis oiseaux peuvent comprendre. En retour, les oiseaux comprennent d'une manière ou d'une autre les pensées de Snoopy. Dans certaines bandes, Snoopy raconte une blague à Woodstock et tous deux rient si fort qu'ils finissent par tomber de la niche. Woodstock dort parfois sur le nez de Snoopy, comme dans une bande où Snoopy dit "Ne partagez jamais votre coussin avec un oiseau agité".
Fifi
Fifi est un amour majeur de Snoopy et elle apparaît dans Life Is a Circus, Charlie Brown et The Peanuts Movie. Dans Life Is a Circus, Charlie Brown, Snoopy voit Fifi dans un cirque et commence à être attiré par elle. Lui et Fifi font un numéro de trapèze et après, il s'enfuit, emmenant Fifi avec lui. Fifi décide cependant de retourner au cirque, laissant Snoopy le cœur brisé et contraint de retourner auprès de Charlie Brown. Dans The Peanuts Movie, Fifi (exprimé par Kristin Chenoweth) est un pilote tout comme Snoopy, et ensemble, ils ont une interaction via la machine à écrire de Snoopy contre le Baron Rouge. Il montre à quel point il tient à elle lorsqu'il pleure chez Schroeder après sa capture par le Baron Rouge. Snoopy, Woodstock et les Beagle Scouts se lancent en mission pour la sauver. Finalement, ils la sauvent et elle montre son affection à Snoopy.
Réception
Snoopy et Charlie Brown ont été classés par TV Guide comme le 8ème plus grand personnage de dessin animé de tous les temps.
Certains critiques estiment que la qualité de la bande dessinée a décliné après les années 1960. Écrivant en 2000, Christopher Caldwell a fait valoir que le personnage de Snoopy et l'attention accrue portée à lui par la bande dessinée dans les années 1970, "est passé de la faiblesse artistique de la bande dessinée à sa ruine totale". Caldwell a estimé que Snoopy "n'a jamais été un participant à part entière dans l'enchevêtrement de relations qui ont conduit Peanuts à son âge d'or", car il ne pouvait pas parler. Il a poursuivi en disant que Snoopy "était beaucoup trop superficiel pour la bande dessinée telle qu'elle s'est développée dans les années 1960, et les bandes dans lesquelles il figurait étaient des anomalies".
Récompenses et honneurs
Schulz était un passionné de bridge et Peanuts incluait parfois des références au bridge. En 1997, selon Alan Truscott, l'American Contract Bridge League (ACBL) a décerné à Snoopy et Woodstock le rang honorifique de Life Master, et Schulz en était ravi. Selon l'ACBL, seul Snoopy a reçu cet honneur.
Le 2 novembre 2015, Snoopy a reçu une étoile sur le Hollywood Walk of Fame, devenant ainsi la deuxième personnalité liée à Peanuts à être intronisée avec une étoile, après Schulz.
Dans l'aviation et l'espace
* Suite à l'incendie d'Apollo 1, Snoopy est devenu la mascotte officielle de la sécurité aérospatiale, des essais et de la reconstruction du programme Apollo.
* Le module lunaire d'Apollo 10 s'appelait Snoopy et le module de commande Charlie Brown. Bien qu'ils ne soient pas inclus dans le logo officiel de la mission, Charlie Brown et Snoopy sont devenus des mascottes semi-officielles de la mission, comme on le voit [http://science.ksc.nasa.gov/mirrors/images/images/pao/AS10/10075138.jpg ici] et [http://science.ksc.nasa.gov/mirrors/images/images/pao/AS10/10075088.jpg ici]. Schulz a également dessiné des illustrations spéciales liées à la mission pour la NASA, ainsi que plusieurs bandes régulières liées à la mission, l'une montrant Snoopy en route vers la lune au sommet de sa niche avec un bocal à poisson sur la tête en guise de casque. La bande diffusée le 21 juillet 1969 – un jour après l’atterrissage du module lunaire Eagle d’Apollo 11 sur la lune – comprenait une pleine lune en arrière-plan, avec une marque noire représentant le module.
* La casquette en tissu portée par les astronautes de la NASA dans le cadre de l'unité de mobilité extravéhiculaire est connue sous le nom de « casquette Snoopy », une référence à la façon dont la couronne blanche et les oreillettes noires de la casquette ressemblent à la fourrure et aux oreilles de Snoopy.
* Le prix Silver Snoopy est un honneur spécial de la NASA, sous la forme d'une épingle en argent sterling avec une gravure de Snoopy dans un casque de combinaison spatiale. Il est offert par un astronaute à quelqu'un qui travaille dans le programme spatial et qui s'est surpassé en matière de qualité et de sécurité.
* Snoopy est le nom d'un bombardier B-58 Hustler de l'US Air Force, numéro de série 55-0665, qui a été modifié pour tester un système radar.
* La compagnie d'assurance américaine MetLife utilise Snoopy comme mascotte depuis les années 1980. Snoopy One, Snoopy Two et Snoopy J sont trois dirigeables détenus et exploités par MetLife qui assurent une couverture aérienne des événements sportifs et présentent Snoopy comme l'as de l'aviation de la Première Guerre mondiale sur leur fuselage.[http://www.metlife.com/ Applications/Corporate/WPS/CDA/PageGenerator/0,4773,P309,00.html Informations sur les opérations du dirigeable pour le dirigeable MetLife]
* L'aéroport Charles M. Schulz – Sonoma County en Californie, nommé d'après Schulz, a un logo représentant Snoopy dans sa tenue d'as de l'aviation de la Première Guerre mondiale volant au sommet de sa niche. | http://quiz4free.com/ |
Quel écrivain anglais est décédé le même jour que l'écrivain espagnol « Miguel de Cervantes » en 1616 ? | William Shakespeare | [
"L'anglais a commencé à gagner en prestige sous le règne d'Henri V. Vers 1430, la Cour de Chancellerie de Westminster a commencé à utiliser l'anglais dans ses documents officiels, et une nouvelle forme standard d'anglais moyen, connue sous le nom de Chancery Standard, s'est développée à partir des dialectes de Londres. et les East Midlands. En 1476, William Caxton introduisit l’imprimerie en Angleterre et commença à publier les premiers livres imprimés à Londres, élargissant ainsi l’influence de cette forme d’anglais. La littérature de la période moderne comprend les œuvres de William Shakespeare et la traduction de la Bible commandée par le roi Jacques Ier. Même après le changement de voyelle, la langue sonnait toujours différemment de l'anglais moderne : par exemple, les groupes de consonnes dans chevalier, moucheron et l'épée était encore prononcée. De nombreuses caractéristiques grammaticales qu'un lecteur moderne de Shakespeare pourrait trouver désuètes ou archaïques représentent les caractéristiques distinctes de l'anglais moderne."
] | L'anglais est une langue germanique occidentale qui a été parlée pour la première fois au début de l'Angleterre médiévale et qui est aujourd'hui une lingua franca mondiale. L'anglais est soit la langue officielle, soit une langue officielle dans près de 60 États souverains. C'est la langue la plus parlée au Royaume-Uni, aux États-Unis, au Canada, en Australie, en Irlande et en Nouvelle-Zélande, et elle est largement parlée dans certaines régions des Caraïbes, d'Afrique et d'Asie du Sud. C’est la troisième langue maternelle la plus répandue au monde, après le mandarin et l’espagnol. C'est la deuxième langue la plus largement apprise et une langue officielle des Nations Unies, de l'Union européenne et de nombreuses autres organisations internationales mondiales et régionales.
L'anglais s'est développé au cours de plus de 1 400 ans. Les premières formes d'anglais, un ensemble de dialectes anglo-frisons introduits en Grande-Bretagne par les colons anglo-saxons au cinquième siècle, sont appelées vieil anglais. Le moyen anglais a commencé à la fin du XIe siècle avec la conquête normande de l'Angleterre. L'anglais moderne a commencé à la fin du XVe siècle avec l'introduction de l'imprimerie à Londres et de la Bible King James, ainsi que le début du Grand Changement de Voyelles. Grâce à l'influence mondiale de l'Empire britannique, l'anglais moderne s'est répandu dans le monde entier du XVIIe au milieu du XXe siècle. Grâce à tous les types de médias imprimés et électroniques, ainsi qu'à l'émergence des États-Unis en tant que superpuissance mondiale, l'anglais est devenu la langue principale du discours international et la lingua franca dans de nombreuses régions et dans des contextes professionnels tels que la science, la navigation et loi.
L'anglais moderne a peu d'inflexion par rapport à de nombreuses autres langues et s'appuie davantage sur les verbes auxiliaires et l'ordre des mots pour l'expression des temps, des aspects et des modes complexes, ainsi que sur les constructions passives, les interrogatifs et certaines négations. Malgré des variations notables entre les accents et les dialectes de l'anglais utilisés dans différents pays et régions – en termes de phonétique et de phonologie, et parfois aussi de vocabulaire, de grammaire et d'orthographe – les anglophones du monde entier sont capables de communiquer entre eux avec une relative facilité. .
Classification
L'anglais est une langue indo-européenne et appartient au groupe germanique occidental des langues germaniques. Les langues frisonnes sont les plus étroitement liées à l'anglais, et l'anglais et le frison forment le sous-groupe anglo-frison au sein du germanique occidental. Le vieux saxon et ses langues descendantes du bas allemand sont également étroitement liées, et parfois le bas allemand, l'anglais et le frison sont regroupés sous le nom de langues ingvaeoniques ou germaniques de la mer du Nord. L’anglais moderne descend du moyen anglais, qui à son tour descend du vieil anglais. Des dialectes particuliers de l'ancien et du moyen anglais se sont également développés dans un certain nombre d'autres langues anglaises (angliques), notamment l'écossais et les dialectes éteints Fingallian et Forth et Bargy (Yola) d'Irlande.
L'anglais est classé comme langue germanique car il partage de nouvelles caractéristiques linguistiques (différentes des autres langues indo-européennes) avec d'autres langues germaniques telles que le néerlandais, l'allemand et le suédois. Ces innovations partagées montrent que les langues descendent d’un seul ancêtre commun, que les linguistes appellent proto-germanique. Certaines caractéristiques communes des langues germaniques sont l'utilisation de verbes modaux, la division des verbes en classes fortes et faibles et les changements sonores affectant les consonnes proto-indo-européennes, connues sous le nom de lois de Grimm et de Verner. Selon la loi de Grimm, le mot pour pied commence par dans les langues germaniques, mais ses équivalents dans d'autres langues indo-européennes commencent par. L'anglais est classé comme langue anglo-frisonne car le frison et l'anglais partagent d'autres caractéristiques, telles que la palatalisation des consonnes qui étaient des consonnes vélaires en proto-germanique (voir ).
* Les anglais chantent, chantent, chantent ; Néerlandais zingen, zong, gezongen ; Allemand chanté, chanté, gesungen (verbe fort)
Les Anglais rient, rient ; néerlandais et allemand lachen, lachte (verbe faible)
* Foot anglais, voet néerlandais, Fuß allemand, fot norvégien et suédois (initiale dérivée du proto-indo-européen par la loi de Grimm)
Latin pes, tige ped-; Pódi grec moderne ; Pod russe ; Sanskrit pád (original proto-indo-européen)
* Fromage anglais, tsiis frison (ch et ts de palatalisation)
Käse allemand et kaas néerlandais (k sans palatalisation)
L'anglais, comme les autres langues germaniques insulaires, l'islandais et le féroïen, s'est développé indépendamment des langues germaniques continentales et de leurs influences. L'anglais n'est donc mutuellement intelligible avec aucune langue germanique continentale, différant par son vocabulaire, sa syntaxe et sa phonologie, bien que certaines, comme le néerlandais, montrent de fortes affinités avec l'anglais, en particulier dans ses premiers stades.
Parce que l'anglais au cours de son histoire a considérablement changé en réponse au contact avec d'autres langues, en particulier le vieux norrois et le français normand, certains chercheurs ont soutenu que l'anglais peut être considéré comme une langue mixte ou un créole – une théorie appelée l'hypothèse créole du moyen anglais. Bien que le degré élevé d’influence de ces langues sur le vocabulaire et la grammaire de l’anglais moderne soit largement reconnu, la plupart des spécialistes du contact linguistique ne considèrent pas l’anglais comme une véritable langue mixte.
Histoire
Du proto-germanique au vieil anglais
La première forme d'anglais est appelée vieil anglais ou anglo-saxon (vers 550-1066 CE). Le vieil anglais s'est développé à partir d'un ensemble de dialectes germaniques de la mer du Nord parlés à l'origine le long des côtes de la Frise, de la Basse-Saxe, du Jutland et du sud de la Suède par des tribus germaniques connues sous le nom d'Angles, de Saxons et de Jutes. Au Ve siècle, les Anglo-Saxons s'installèrent en Grande-Bretagne et les Romains se retirèrent de la Grande-Bretagne. Au septième siècle, la langue germanique des Anglo-Saxons est devenue dominante en Grande-Bretagne, remplaçant les langues de la Grande-Bretagne romaine (43-409 CE) : le breton commun, une langue celtique, et le latin, introduit en Grande-Bretagne par l'occupation romaine. L'Angleterre et l'anglais (à l'origine Englaland et Englisc) portent le nom des Angles.
Le vieil anglais était divisé en quatre dialectes : les dialectes angliens, mercien et northumbrien, et les dialectes saxons, kentish et saxon occidental. Grâce aux réformes éducatives du roi Alfred au IXe siècle et à l'influence du royaume de Wessex, le dialecte saxon occidental est devenu la variété écrite standard. Le poème épique Beowulf est écrit en saxon occidental et le premier poème anglais, Cædmon's Hymn, est écrit en Northumbrie. L'anglais moderne s'est développé principalement à partir du Mercien, mais la langue écossaise s'est développée à partir du Northumbrien. Quelques courtes inscriptions de la première période du vieil anglais ont été écrites en utilisant une écriture runique. Au VIe siècle, un alphabet latin fut adopté, écrit avec des formes de lettres semi-onciales. Il comprenait les lettres runiques wynn et thorn, ainsi que les lettres latines modifiées eth et ash.
Le vieil anglais est très différent de l’anglais moderne et difficile à comprendre pour les anglophones du 21e siècle. Sa grammaire était similaire à celle de l'allemand moderne et son parent le plus proche est le vieux frison. Les noms, adjectifs, pronoms et verbes avaient beaucoup plus de terminaisons et de formes flexionnelles, et l'ordre des mots était beaucoup plus libre qu'en anglais moderne. L'anglais moderne a des formes de cas dans les pronoms (il, lui, son) et quelques terminaisons de verbes (j'ai, il a), mais le vieil anglais avait également des terminaisons de cas dans les noms, et les verbes avaient plus de terminaisons de personnes et de nombres.
La traduction de Matthieu 8 :20 de 1000 CE montre des exemples de terminaisons de cas (nominatif pluriel, accusatif pluriel, génitif singulier) et de terminaison verbale (présent pluriel) :
Nid de Foxas habbað holu et heofonan fuglas
Renard-comme habb-að hol-u et heofon-an fugl-as nid-∅
renard- avoir- trou- et paradis- oiseau- nid-
"Les renards ont des trous et les oiseaux du ciel des nids"
Anglais moyen
Entre le VIIIe et le XIIe siècle, le vieil anglais s'est progressivement transformé, grâce au contact linguistique, en anglais moyen. Le moyen anglais est souvent arbitrairement défini comme commençant par la conquête de l'Angleterre par Guillaume le Conquérant en 1066, mais il s'est développé davantage au cours de la période 1200-1450.
Premièrement, les vagues de colonisation nordique des parties nord des îles britanniques aux VIIIe et IXe siècles ont mis le vieil anglais en contact intense avec le vieux norrois, une langue germanique du Nord. L'influence nordique était la plus forte dans les variétés du vieil anglais du nord-est parlées dans la région de Danelaw autour de York, qui était le centre de la colonisation nordique ; aujourd'hui, ces caractéristiques sont encore particulièrement présentes en écossais et en anglais du nord. Cependant, le centre de l'anglais norsifié semble avoir été dans les Midlands autour de Lindsey, et après 920 CE, lorsque Lindsey a été réincorporée dans le système politique anglo-saxon, les caractéristiques du norrois se sont propagées à partir de là dans des variétés anglaises qui n'avaient pas été en contact intense avec les locuteurs du norrois. Certains éléments d'influence nordique qui persistent aujourd'hui dans toutes les variétés anglaises sont les pronoms commençant par th- (ils, eux, leur) qui ont remplacé les pronoms anglo-saxons par h- (hie, lui, hera).
Avec la conquête normande de l'Angleterre en 1066, la langue anglaise ancienne, désormais norsifiée, fut soumise au contact de la langue ancienne normande, une langue romane étroitement liée au français moderne. La langue normande en Angleterre est finalement devenue anglo-normande. Parce que le normand était parlé principalement par les élites et les nobles, tandis que les classes inférieures continuaient à parler l'anglo-saxon, l'influence du normand consistait à introduire un large éventail d'emprunts liés à la politique, à la législation et aux domaines sociaux prestigieux. Le moyen anglais a également grandement simplifié le système flexionnel, probablement afin de réconcilier le vieux norrois et le vieil anglais, qui étaient flexionnellement différents mais morphologiquement similaires. La distinction entre le cas nominatif et accusatif a été perdue, sauf dans les pronoms personnels, le cas instrumental a été abandonné et l'utilisation du cas génitif s'est limitée à décrire la possession. Le système flexionnel a régularisé de nombreuses formes flexionnelles irrégulières et a progressivement simplifié le système d'accord, rendant l'ordre des mots moins flexible. Dans la Bible Wycliffe des années 1380, le passage Matthieu 8 : 20 a été écrit
Foxis han dennes et briddis de heuene han nestis
Ici, le suffixe pluriel -n sur le verbe have est toujours conservé, mais aucune des terminaisons de casse des noms n'est présente.
Au XIIe siècle, le moyen anglais était pleinement développé, intégrant à la fois des caractéristiques nordiques et normandes ; il a continué à être parlé jusqu'à la transition vers l'anglais moderne vers 1500. La littérature en anglais moyen comprend Les Contes de Canterbury de Geoffrey Chaucer et Le Morte d'Arthur de Malory. Au cours de la période du moyen anglais, l'utilisation de dialectes régionaux dans l'écriture a proliféré, et les traits dialectaux ont même été utilisés à des fins efficaces par des auteurs tels que Chaucer.
Anglais moderne ancien
La période suivante de l’histoire de l’anglais fut celle de l’anglais moderne (1500-1700). L'anglais moderne était caractérisé par le grand changement de voyelle (1350-1700), la simplification flexionnelle et la standardisation linguistique.
Le Great Vowel Shift a affecté les voyelles longues accentuées du moyen anglais. Il s’agissait d’un changement en chaîne, ce qui signifie que chaque changement déclenchait un changement ultérieur dans le système vocalique. Les voyelles moyennes et ouvertes étaient élevées et les voyelles fermées étaient divisées en diphtongues. Par exemple, le mot morsure était à l'origine prononcé comme le mot betterave l'est aujourd'hui, et la deuxième voyelle du mot about a été prononcée comme l'est aujourd'hui le mot botte. Le grand changement de voyelle explique de nombreuses irrégularités dans l'orthographe, puisque l'anglais conserve de nombreuses orthographes du moyen anglais, et explique également pourquoi les voyelles anglaises ont des prononciations très différentes des mêmes lettres dans d'autres langues.
L'anglais a commencé à gagner en prestige sous le règne d'Henri V. Vers 1430, la Cour de Chancellerie de Westminster a commencé à utiliser l'anglais dans ses documents officiels, et une nouvelle forme standard d'anglais moyen, connue sous le nom de Chancery Standard, s'est développée à partir des dialectes de Londres. et les East Midlands. En 1476, William Caxton introduisit l’imprimerie en Angleterre et commença à publier les premiers livres imprimés à Londres, élargissant ainsi l’influence de cette forme d’anglais. La littérature de la période moderne comprend les œuvres de William Shakespeare et la traduction de la Bible commandée par le roi Jacques Ier. Même après le changement de voyelle, la langue sonnait toujours différemment de l'anglais moderne : par exemple, les groupes de consonnes dans chevalier, moucheron et l'épée était encore prononcée. De nombreuses caractéristiques grammaticales qu'un lecteur moderne de Shakespeare pourrait trouver désuètes ou archaïques représentent les caractéristiques distinctes de l'anglais moderne.
Dans la version King James de la Bible de 1611, écrite en anglais moderne, Matthieu 8 : 20 dit :
Les renards ont des trous et les oiseaux de l'ayre ont des nids
Cela illustre la perte de casse et ses effets sur la structure de la phrase (remplacement par l'ordre des mots Sujet-Verbe-Objet et utilisation de of au lieu du génitif non possessif), ainsi que l'introduction d'emprunts au français (ayre) et de remplacements de mots. (oiseau signifiant à l'origine « niché » avait remplacé OE fugol).
Propagation de l'anglais moderne
À la fin du XVIIIe siècle, l’Empire britannique avait facilité la propagation de l’anglais grâce à ses colonies et à sa domination géopolitique. Le commerce, la science et la technologie, la diplomatie, l’art et l’éducation formelle ont tous contribué à faire de l’anglais la première langue véritablement mondiale. L'anglais a également facilité la communication internationale dans le monde entier. À mesure que l’Angleterre continuait à former de nouvelles colonies, celles-ci devinrent à leur tour indépendantes et développèrent leurs propres normes sur la façon de parler et d’écrire la langue. L'anglais a été adopté en Amérique du Nord, en Inde, dans certaines parties de l'Afrique, en Australasie et dans de nombreuses autres régions. Dans la période postcoloniale, certaines des nations nouvellement créées qui avaient plusieurs langues autochtones ont choisi de continuer à utiliser l'anglais comme langue officielle pour éviter les difficultés politiques inhérentes à la promotion d'une langue autochtone au-dessus des autres. Au XXe siècle, l'influence économique et culturelle croissante des États-Unis et leur statut de superpuissance après la Seconde Guerre mondiale ont, parallèlement à la diffusion mondiale en anglais de la BBC et d'autres diffuseurs, accéléré considérablement la diffusion de la langue à travers la planète. . Au 21e siècle, l’anglais était plus largement parlé et écrit que n’importe quelle autre langue.
Une caractéristique majeure des premiers développements de l'anglais moderne a été la codification de normes explicites pour un usage standard et leur diffusion à travers les médias officiels tels que l'éducation publique et les publications parrainées par l'État. En 1755, Samuel Johnson publia son A Dictionary of the English Language qui introduisit un ensemble standard de conventions orthographiques et de normes d'usage. En 1828, Noah Webster a publié l'American Dictionary of the English Language dans le but d'établir une norme pour parler et écrire l'anglais américain, indépendante de la norme britannique. En Grande-Bretagne, les caractéristiques dialectales non standard ou de classe inférieure étaient de plus en plus stigmatisées, conduisant à la propagation rapide des variétés de prestige parmi les classes moyennes.
En termes d'évolution grammaticale, l'anglais moderne a maintenant atteint un stade où la perte de casse est presque totale (la casse ne se trouve désormais que dans les pronoms, comme lui et lui, elle et elle, qui et qui), et où le mot SVO- l'ordre est en grande partie fixe. Certains changements, comme l'utilisation du do-support, sont devenus universalisés. (Auparavant, l'anglais n'utilisait pas le mot « do » comme auxiliaire général comme le fait l'anglais moderne ; au début, il n'était utilisé que dans les constructions de questions où il n'était pas obligatoire. Aujourd'hui, le support do avec le verbe have est de plus en plus standardisé.) L'utilisation de formes progressives en -ing semble s'étendre aux nouvelles constructions, et les formes telles que celles qui étaient en cours de construction deviennent plus courantes. La régularisation des formes irrégulières se poursuit également lentement (par exemple rêvé au lieu de rêvé), et les alternatives analytiques aux formes flexionnelles deviennent de plus en plus courantes (par exemple plus polies au lieu de plus polies). L'anglais britannique subit également des changements sous l'influence de l'anglais américain, alimentés par la forte présence de l'anglais américain dans les médias et le prestige associé aux États-Unis en tant que puissance mondiale.
Distribution géographique
En 2010, 359 millions de personnes parlaient l'anglais comme langue maternelle. L'anglais est probablement la troisième langue en termes de nombre de locuteurs natifs, après le mandarin et l'espagnol. Cependant, si l’on combine locuteurs natifs et non natifs, c’est probablement la langue la plus parlée au monde. L'anglais est parlé par des communautés sur tous les continents et sur les îles océaniques de tous les principaux océans. Les pays dans lesquels l'anglais est parlé peuvent être regroupés en différentes catégories selon la manière dont l'anglais est utilisé dans chaque pays. Les pays du « cercle restreint » comptant de nombreux locuteurs natifs de l’anglais partagent une norme internationale d’anglais écrit et influencent conjointement les normes d’expression de l’anglais dans le monde entier. L’anglais n’appartient pas à un seul pays ni aux seuls descendants de colons anglais. L'anglais est une langue officielle dans des pays peuplés de quelques descendants de locuteurs natifs de l'anglais. Il est également devenu de loin la langue de communication internationale la plus importante lorsque des personnes qui ne partagent aucune langue maternelle se rencontrent n’importe où dans le monde.
Trois cercles de pays anglophones
Braj Kachru distingue les pays où l'anglais est parlé selon un modèle à trois cercles. Dans son modèle, les pays du « cercle intérieur » sont des pays avec de grandes communautés de locuteurs natifs de l'anglais, les pays du « cercle extérieur » ont de petites communautés de locuteurs natifs de l'anglais mais une utilisation répandue de l'anglais comme langue seconde dans l'éducation ou la radiodiffusion ou pour les activités locales. à des fins officielles, et les pays du « cercle en expansion » sont des pays où de nombreux apprenants apprennent l'anglais comme langue étrangère. Kachru fonde son modèle sur l'histoire de la diffusion de l'anglais dans différents pays, sur la manière dont les utilisateurs acquièrent l'anglais et sur l'éventail d'utilisations de l'anglais dans chaque pays. Les trois cercles changent de composition au fil du temps.
Les pays comptant de grandes communautés de locuteurs natifs de l'anglais (le cercle intérieur) comprennent la Grande-Bretagne, les États-Unis, l'Australie, le Canada, l'Irlande et la Nouvelle-Zélande, où la majorité parle anglais, et l'Afrique du Sud, où une minorité importante parle anglais. Les pays comptant le plus de locuteurs natifs anglais sont, par ordre décroissant, les États-Unis (au moins 231 millions), le Royaume-Uni (60 millions), le Canada (19 millions), l'Australie (au moins 17 millions), l'Afrique du Sud (4,8 millions). millions), l'Irlande (4,2 millions) et la Nouvelle-Zélande (3,7 millions). Dans ces pays, les enfants de locuteurs natifs apprennent l'anglais auprès de leurs parents, et les populations locales qui parlent d'autres langues ou les nouveaux immigrants apprennent l'anglais pour communiquer dans leur quartier et sur leur lieu de travail. Les pays du cercle restreint constituent la base à partir de laquelle l’anglais se propage dans d’autres pays du monde.
Les estimations du nombre d'anglophones qui parlent une langue seconde ou une langue étrangère varient considérablement de 470 millions à plus de 1 000 millions selon la façon dont la compétence est définie. Le linguiste David Crystal estime que les locuteurs non natifs sont désormais plus nombreux que les locuteurs natifs dans un rapport de 3 pour 1. Dans le modèle à trois cercles de Kachru, les pays du « cercle extérieur » sont des pays tels que les Philippines, la Jamaïque, l'Inde, le Pakistan, Singapour et Le Nigéria, avec une proportion beaucoup plus faible de locuteurs natifs de l'anglais mais une forte utilisation de l'anglais comme langue seconde pour l'éducation, le gouvernement ou les affaires nationales,
et où l'anglais est couramment utilisé pour l'enseignement scolaire et les interactions officielles avec le gouvernement. Ces pays comptent des millions de locuteurs natifs de continuums dialectaux allant du créole basé sur l'anglais à une version plus standard de l'anglais. Ils comptent beaucoup plus d'anglophones qui acquièrent l'anglais en grandissant, en l'utilisant au quotidien et en écoutant des émissions, surtout s'ils fréquentent des écoles où l'anglais est la langue d'enseignement. Les variétés d'anglais apprises par des locuteurs qui ne sont pas des locuteurs natifs nés de parents anglophones peuvent être influencées, notamment dans leur grammaire, par les autres langues parlées par ces apprenants. La plupart de ces variétés d’anglais comprennent des mots peu utilisés par les locuteurs natifs de l’anglais dans les pays du cercle restreint, et elles peuvent également présenter des différences grammaticales et phonologiques par rapport aux variétés du cercle restreint. L’anglais standard des pays du cercle intérieur est souvent considéré comme la norme d’utilisation de l’anglais dans les pays du cercle extérieur.
Dans le modèle des trois cercles, des pays comme la Pologne, la Chine, le Brésil, l'Allemagne, le Japon, l'Indonésie, l'Égypte et d'autres pays où l'anglais est enseigné comme langue étrangère constituent le « cercle en expansion ». Les distinctions entre l'anglais comme première langue, comme deuxième langue et comme langue étrangère sont souvent discutables et peuvent changer dans certains pays au fil du temps. Par exemple, aux Pays-Bas et dans certains autres pays d'Europe, la connaissance de l'anglais comme langue seconde est presque universelle, avec plus de 80 pour cent de la population capable de l'utiliser. L'anglais est donc couramment utilisé pour communiquer avec les étrangers et souvent dans les domaines supérieurs. éducation. Dans ces pays, bien que l'anglais ne soit pas utilisé dans les affaires gouvernementales, l'usage répandu de l'anglais dans ces pays les place à la frontière entre le « cercle extérieur » et le « cercle en expansion ». L'anglais est inhabituel parmi les langues du monde dans la mesure où nombre de ses utilisateurs ne sont pas des locuteurs natifs mais des locuteurs de l'anglais comme langue seconde ou étrangère. De nombreux utilisateurs de l'anglais dans le cercle en expansion l'utilisent pour communiquer avec d'autres personnes du cercle en expansion, de sorte que l'interaction avec des locuteurs natifs de l'anglais ne joue aucun rôle dans leur décision d'utiliser l'anglais. Les variétés non natives de l'anglais sont largement utilisées pour la communication internationale, et les locuteurs d'une de ces variétés rencontrent souvent les caractéristiques d'autres variétés. Très souvent aujourd’hui, une conversation en anglais n’importe où dans le monde peut ne comporter aucun locuteur natif de l’anglais, même si elle inclut des locuteurs de plusieurs pays différents.
Anglais pluricentrique
L’anglais est une langue pluricentrique, ce qui signifie qu’aucune autorité nationale ne fixe de norme d’utilisation de la langue. Mais l'anglais n'est pas une langue divisée, malgré une plaisanterie de longue date attribuée à l'origine à George Bernard Shaw selon laquelle le Royaume-Uni et les États-Unis sont « deux pays séparés par une langue commune ». L'anglais parlé, par exemple l'anglais utilisé dans la radiodiffusion, suit généralement les normes nationales de prononciation qui sont également établies par la coutume plutôt que par la réglementation. Les diffuseurs internationaux sont généralement identifiables comme venant d'un pays plutôt que d'un autre grâce à leurs accents, mais les scripts des lecteurs de nouvelles sont également rédigés en grande partie dans un anglais écrit standard international. Les normes de l’anglais écrit standard sont maintenues uniquement par le consensus des anglophones instruits du monde entier, sans aucune surveillance de la part d’un gouvernement ou d’une organisation internationale. Les auditeurs américains comprennent généralement facilement la plupart des émissions britanniques, et les auditeurs britanniques comprennent facilement la plupart des émissions américaines. La plupart des anglophones du monde entier peuvent comprendre les programmes de radio, les programmes de télévision et les films de nombreuses régions du monde anglophone. Les variétés d'anglais standard et non standard peuvent inclure des styles formels ou informels, se distinguant par le choix des mots et la syntaxe et utiliser des registres techniques et non techniques.
L'histoire de la colonisation des pays anglophones du cercle restreint en dehors de la Grande-Bretagne a contribué à niveler les distinctions dialectales et à produire une forme koinisée de l'anglais en Afrique du Sud, en Australie et en Nouvelle-Zélande. La majorité des immigrants aux États-Unis sans ascendance britannique ont rapidement adopté l'anglais après leur arrivée. Aujourd’hui, la majorité de la population des États-Unis est monolingue anglophone, bien que l’anglais n’ait reçu un statut officiel que de 30 des 50 gouvernements des États américains.
L'anglais comme langue mondiale
L'anglais a cessé d'être une « langue anglaise » dans le sens d'appartenir uniquement à des personnes d'origine ethnique anglaise. L’usage de l’anglais se développe pays par pays en interne et pour la communication internationale. La plupart des gens apprennent l’anglais pour des raisons pratiques plutôt qu’idéologiques. De nombreux locuteurs de l'anglais en Afrique font désormais partie d'une communauté linguistique « afro-saxonne » qui unit les Africains de différents pays.
Alors que la décolonisation progressait dans l’ensemble de l’Empire britannique dans les années 1950 et 1960, les anciennes colonies ne rejetaient pas l’anglais mais continuaient plutôt à l’utiliser en tant que pays indépendants définissant leurs propres politiques linguistiques. Par exemple, chez de nombreux Indiens, la langue anglaise est passée du colonialisme à l’association au progrès économique, et l’anglais continue d’être une langue officielle de l’Inde. L'anglais est également largement utilisé dans les médias et la littérature, et le nombre de livres en anglais publiés chaque année en Inde est le troisième au monde après les États-Unis et le Royaume-Uni. Cependant, l'anglais est rarement parlé comme première langue, avec seulement quelques centaines de milliers de personnes, et moins de 5 % de la population parle couramment l'anglais en Inde. David Crystal a affirmé en 2004 qu'en combinant locuteurs natifs et non natifs, l'Inde compte désormais plus de personnes parlant ou comprenant l'anglais que tout autre pays au monde, mais le nombre d'anglophones en Inde est très incertain, la plupart des chercheurs concluant que les États-Unis comptent encore plus d’anglophones que l’Inde.
L'anglais moderne, parfois décrit comme la première lingua franca mondiale, est également considéré comme la première langue mondiale. L'anglais est la langue la plus utilisée au monde dans l'édition de journaux, l'édition de livres, les télécommunications internationales, l'édition scientifique, le commerce international, le divertissement de masse et la diplomatie. L'anglais est, par traité international, la base des langues naturelles contrôlées requises Seaspeak et Airspeak, utilisées comme langues internationales de la navigation et de l'aviation. L'anglais a remplacé l'allemand comme langue dominante de la recherche scientifique. Il a atteint la parité avec le français comme langue de diplomatie lors des négociations du Traité de Versailles en 1919. Au moment de la fondation des Nations Unies à la fin de la Seconde Guerre mondiale, l'anglais était devenu prédominant et est aujourd'hui la principale langue mondiale. de la diplomatie et des relations internationales. C'est l'une des six langues officielles des Nations Unies. De nombreuses autres organisations internationales à travers le monde, y compris le Comité international olympique, spécifient l'anglais comme langue de travail ou langue officielle de l'organisation.
De nombreuses organisations internationales régionales telles que l'Association européenne de libre-échange, l'Association des nations de l'Asie du Sud-Est (ASEAN) et la Coopération économique Asie-Pacifique (APEC) ont défini l'anglais comme seule langue de travail de leur organisation, même si la plupart de leurs membres ne sont pas des pays à majorité autochtone. Anglophones. Alors que l'Union européenne (UE) autorise les États membres à désigner n'importe quelle langue nationale comme langue officielle de l'Union, dans la pratique, l'anglais est la principale langue de travail des organisations de l'UE.
Bien que dans la plupart des pays l’anglais ne soit pas une langue officielle, c’est actuellement la langue la plus souvent enseignée comme langue étrangère. Dans les pays de l’UE, l’anglais est la langue étrangère la plus parlée dans dix-neuf des vingt-cinq États membres où il n’est pas langue officielle (c’est-à-dire les pays autres que le Royaume-Uni, l’Irlande et Malte). Dans un sondage Eurobaromètre officiel de 2012, 38 % des personnes interrogées dans l'UE en dehors des pays où l'anglais est une langue officielle ont déclaré qu'elles parlaient suffisamment bien l'anglais pour avoir une conversation dans cette langue. La deuxième langue étrangère la plus fréquemment mentionnée, le français (qui est la langue étrangère la plus connue au Royaume-Uni et en Irlande), pourrait être utilisée dans une conversation par 12 % des personnes interrogées.
Une connaissance pratique de l'anglais est devenue une exigence dans un certain nombre de métiers tels que la médecine et l'informatique. L'anglais est devenu si important dans l'édition scientifique que plus de 80 pour cent de tous les articles de revues scientifiques indexés par Chemical Abstracts en 1998 étaient rédigés en anglais, tout comme 90 pour cent de tous les articles dans des publications en sciences naturelles en 1996 et 82 pour cent des articles dans des publications en sciences humaines. d'ici 1995.
Des sous-ensembles spécialisés de l’anglais apparaissent spontanément dans les communautés internationales, par exemple parmi les hommes d’affaires internationaux, en tant que langue auxiliaire. Cela a conduit certains chercheurs à développer l’étude de l’anglais comme langue auxiliaire. Globish utilise un sous-ensemble relativement restreint de vocabulaire anglais (environ 1 500 mots les plus utilisés en anglais des affaires internationales) en combinaison avec la grammaire anglaise standard. D'autres exemples incluent l'anglais simple.
L'utilisation accrue de la langue anglaise à l'échelle mondiale a eu un effet sur d'autres langues, conduisant à l'assimilation de certains mots anglais dans le vocabulaire d'autres langues. Cette influence de l'anglais a suscité des inquiétudes quant à la mort de la langue et des affirmations d'impérialisme linguistique, et a provoqué une résistance à la diffusion de l'anglais ; Cependant, le nombre de locuteurs continue d'augmenter parce que de nombreuses personnes dans le monde pensent que l'anglais leur offre des opportunités d'emploi et d'amélioration de la vie.
Bien que certains chercheurs évoquent la possibilité d’une future divergence des dialectes anglais en langues mutuellement inintelligibles, la plupart pensent qu’un résultat plus probable est que l’anglais continuera à fonctionner comme une langue koinisée dans laquelle la forme standard unifie les locuteurs du monde entier. L'anglais est utilisé comme langue de communication plus large dans les pays du monde entier. Ainsi, l’usage de l’anglais s’est développé dans le monde entier bien plus que n’importe quelle langue construite proposée comme langue auxiliaire internationale, y compris l’espéranto.
Phonologie
La phonétique et la phonologie de l'anglais diffèrent selon les dialectes, généralement sans interférer avec la communication mutuelle. La variation phonologique affecte l'inventaire des phonèmes (sons de la parole qui distinguent le sens), et la variation phonétique correspond aux différences de prononciation des phonèmes. Cet aperçu décrit principalement les prononciations standards du Royaume-Uni et des États-Unis : Prononciation reçue (RP) et General American (GA) (voir la section ci-dessous sur « Dialectes, accents et variétés »). Les symboles phonétiques utilisés ci-dessous proviennent de l'alphabet phonétique international (IPA).
Les consonnes
La plupart des dialectes anglais partagent les mêmes 24 phonèmes consonnes. L'inventaire des consonnes indiqué ci-dessous est valable pour l'anglais californien américain et pour le RP.
*Transcrit de manière conventionnelle.
Dans le tableau, lorsque les obstruants (stops, affriquées et fricatives) apparaissent par paires, comme, et, le premier est fortis (fort) et le second est lenis (faible). Les obstruants Fortis, tels que, sont prononcés avec plus de tension musculaire et de force respiratoire que les consonnes lenis, telles que, et sont toujours sans voix. Les consonnes de Lenis sont partiellement exprimées au début et à la fin des énoncés, et entièrement exprimées entre les voyelles. Les arrêts Fortis ont des caractéristiques articulatoires ou acoustiques supplémentaires dans la plupart des dialectes : ils sont aspirés lorsqu'ils apparaissent seuls au début d'une syllabe accentuée, souvent non aspirés dans d'autres cas, et souvent inédits ou pré-glottalisés à la fin d'une syllabe. Dans un mot d'une seule syllabe, une voyelle avant un arrêt fortis est raccourcie : ainsi nip a une voyelle sensiblement plus courte (phonétiquement, mais pas phonémiquement) que nib (voir ci-dessous).
* lenis s'arrête : bin, about, nib
* arrêts fortis : épingler, tourner, heureux, pincer ou
En RP, l'approximant latéral, possède deux allophones principaux (variantes de prononciation) : le clair ou clair, comme en clair, et le sombre ou vélarisé, comme en entier. GA a un l sombre dans la plupart des cas.
* clair l : voyant RP
* foncé l : RP et GA pleins, GA clair
Tous les sonorants (liquides et nasaux) dévoient lorsqu'ils suivent un obstruant sourd, et ils sont syllabiques lorsqu'ils suivent une consonne à la fin d'un mot.
* sonorités sourdes : argile et neige
* sonorités syllabiques : pagaie et bouton
Voyelles
La prononciation des voyelles varie beaucoup selon les dialectes et constitue l'un des aspects les plus détectables de l'accent d'un locuteur. Le tableau ci-dessous répertorie les phonèmes voyelles dans la prononciation reçue (RP) et l'américain général (GA), avec des exemples de mots dans lesquels ils apparaissent à partir d'ensembles lexicaux compilés par des linguistes. Les voyelles sont représentées par des symboles de l'alphabet phonétique international ; ceux donnés pour RP sont standard dans les dictionnaires britanniques et autres publications.
En RP, la longueur des voyelles est phonémique ; les voyelles longues sont marquées d'un deux-points triangulaire dans le tableau ci-dessus, comme la voyelle de besoin par opposition à enchère. GA n'a pas de voyelles longues.
En RP comme en GA, les voyelles sont phonétiquement | http://quiz4free.com/ |
Qui a joué « Callan » dans la série télévisée du même nom ? | Edward Woodward | [
"Callan était une série télévisée d'action/drame britannique de la fin des années 60 et du début des années 70 créée par James Mitchell. Il mettait en vedette Edward Woodward dans le rôle de David Callan, un agent d'un service secret d'État chargé des menaces à la sécurité intérieure du Royaume-Uni. Bien que décrite comme ayant des responsabilités similaires à celles du MI5 réel, la « Section » fictive de Callan a carte blanche pour utiliser les méthodes les plus impitoyables. Dans les scénarios, les interrogatoires se font au moyen de la torture, tandis que les exécutions extrajudiciaires sont si routinières qu'elles sont soumises à un système de classement à code couleur. À l’exception peut-être de La Femme Nikita, aucune série télévisée n’a jamais présenté une agence gouvernementale occidentale sous un jour aussi sinistre que Callan. Bien qu'il soit un assassin qui reste dans un travail socialement isolant parce que c'est la seule chose pour laquelle il est bon, Callan est un personnage sympathique par rapport à ses collègues sadiques de la classe supérieure et à son supérieur implacable. La couverture pessimiste du quartier général de la section était le commerce de ferraille de « Charlie Hunter » (une référence au Richardson Gang). Produit par ABC Weekend Television et Thames Television, le programme s'est avéré extrêmement populaire et, outre quatre saisons entre 1967 et 1972, il y a eu un film en 1974.",
"Les sorties DVD du film comprennent une interview, enregistrée en 2000, avec Edward Woodward.",
"Autre série télévisée réalisée à la fin des années 1990, La Femme Nikita s'inspire du film français du même nom (pas des remakes) et met en vedette Peta Wilson dans le rôle de Nikita. Accusée de meurtre et forcée de rejoindre la Section Un, elle affiche toute la réticence à tuer manifestée par Callan et le besoin de savoir pourquoi. Dans une sorte de reprise étrange, Edward Woodward entre dans la dernière saison en tant que chef du Centre « Mr Jones » qui s'avère être le père de Nikita."
] | Callan était une série télévisée d'action/drame britannique de la fin des années 60 et du début des années 70 créée par James Mitchell. Il mettait en vedette Edward Woodward dans le rôle de David Callan, un agent d'un service secret d'État chargé des menaces à la sécurité intérieure du Royaume-Uni. Bien que décrite comme ayant des responsabilités similaires à celles du MI5 réel, la « Section » fictive de Callan a carte blanche pour utiliser les méthodes les plus impitoyables. Dans les scénarios, les interrogatoires se font au moyen de la torture, tandis que les exécutions extrajudiciaires sont si routinières qu'elles sont soumises à un système de classement à code couleur. À l’exception peut-être de La Femme Nikita, aucune série télévisée n’a jamais présenté une agence gouvernementale occidentale sous un jour aussi sinistre que Callan. Bien qu'il soit un assassin qui reste dans un travail socialement isolant parce que c'est la seule chose pour laquelle il est bon, Callan est un personnage sympathique par rapport à ses collègues sadiques de la classe supérieure et à son supérieur implacable. La couverture pessimiste du quartier général de la section était le commerce de ferraille de « Charlie Hunter » (une référence au Richardson Gang). Produit par ABC Weekend Television et Thames Television, le programme s'est avéré extrêmement populaire et, outre quatre saisons entre 1967 et 1972, il y a eu un film en 1974.
Personnages
Aperçu de la série
L'épisode pilote de la série a été diffusé en février 1967, dans une pièce intitulée A Magnum for Schneider de James Mitchell. Mitchell fut plus tard responsable de la création du tout aussi populaire When the Boat Comes In (1976-1981). Le personnage hanté de Callan a tellement captivé l'imagination du public qu'une série de six épisodes a été commandée et diffusée plus tard dans la même année. Une autre série de 16 a suivi, bien qu'ABC et Associated Rediffusion (diffuseurs de la région de Londres) soient en train de fusionner. Au moment où la deuxième série a été diffusée en 1969, elle a été attribuée à la télévision « Thames ».
Dans l'ensemble, la série a été populaire auprès du public, entre 1967 et 1972. L'épisode final de la série de 1969 a vu Callan gravement sous pression se faire tirer dessus, suivi d'une campagne intelligente garantissant que les téléspectateurs se souciaient de savoir si le personnage avait survécu ou non (bien sûr, il a fait). Les deux dernières séries étaient en couleur et se sont avérées toujours aussi populaires. Un film de cinéma simplement intitulé Callan suivit en 1974, réalisé par Don Sharp. Callan a été vu pour la dernière fois dans le long métrage télévisé de 1981 réalisé par ATV, intitulé Wet Job. Bien que moins satisfaisante que la série précédente, c'était une dernière chance pour les téléspectateurs de revoir les personnages principaux de Callan et Lonely.
Fichiers codés par couleur
La Section a utilisé une série de fichiers codés par couleur pour indiquer des cibles de différentes priorités (ce qui est très pertinent pour le titre du roman « Fichier rouge pour Callan » );
Un Magnum pour Schneider
Callan a été licencié d'une agence gouvernementale anonyme connue sous le nom de « The Section », dirigée par le colonel Hunter. ("Hunter" est un pseudonyme pour l'actuel chef de section, comme le C du SIS.) La section élimine ceux qui représentent un danger pour les "innocents" par la persuasion, le chantage, l'extorsion ou la mort.
David Callan était le principal opérateur de la Section, mais il était devenu trop curieux de connaître ses cibles et les raisons de leur retrait. La Section le considérait comme vulnérable, instable et dangereux et l'avait licencié pour un travail de comptabilité sans issue pour un employeur ingrat. Callan est l'endroit où Hunter peut garder un œil sur lui et également en contact quotidien, occasionnel et inconscient avec sa prochaine victime. S'il peut tuer Schneider après avoir fait sa connaissance en tant que passionné de jeux de guerre, alors il peut tuer n'importe qui : c'est la question à laquelle Hunter demande de toute urgence une réponse.
Hunter décrit Callan comme « un tireur mort, avec le courage de tuer » et le considère comme beaucoup trop utile pour être autorisé à prendre sa retraite. Dans ce scénario, Hunter invite Callan à revenir dans la Section pour retirer Schneider en guise de faveur. Les activités néfastes de Schneider sont connues des autorités, mais il est trop intelligent pour être arrêté par les méthodes normales. Hunter veut que Schneider soit éliminé mais n'offre à Callan aucune aide de la Section, apparemment pour permettre à Callan de prouver sa loyauté et son dévouement. Hunter envoie secrètement Toby Meres préparer Callan pour qu'il assume la responsabilité de l'assassinat, si cela devenait nécessaire.
La curiosité de Callan à l'égard de ses victimes le submerge à nouveau et il enquête sur Schneider et découvre une opération massive de trafic d'armes. Satisfait, Callan formule son plan. Il fait appel à son petit contact criminel Lonely, joué par Russell Hunter. Lonely n'est pas sûr de l'identité et des motivations de Callan, mais fournit avec crainte un "Noguchi .38 Magnum" plus 20 cartouches (il n'y a aucune preuve que Callan a rendu le revolver .38 qu'il avait précédemment acheté à Lonely pour avoir tué Schneider). Callan a la chance de rencontrer Schneider et trouve un terrain d'entente dans leur intérêt pour les modèles réduits de soldats et les jeux de guerre.
Chez Schneider, où Callan et son hôte rejouent un scénario de la guerre péninsulaire et continuent de recréer la bataille de Gettysburg, Meres fait irruption, distrayant Callan. Hunter envoie la police pour s'assurer que Callan soit pris en flagrant délit. Schneider, méfiant, découvre Meres et tient les deux hommes sous la menace d'une arme. Schneider cherche Callan mais manque le Magnum et Callan tue Schneider.
Meres tente de terminer la mise en place mais Callan assomme Meres. Callan téléphone à Hunter à propos de Schneider et lui dit qu'il laissera Meres à la police, quittant ainsi la section. Hunter ordonne que le fichier de Callan soit remplacé par un dossier rouge, le ciblant pour sa suppression.
Série 1 - ABC (monochrome) - 6 épisodes
ABC commande ensuite une série de six épisodes en 1967. Dans le premier épisode, Callan rejoint la section à titre non officiel. La série était caractérisée par la relation à peine respectueuse de Callan entre lui et son patron. Hunter avait prévu de garder Callan à ses côtés et le jouerait dans de petits scénarios de division pour régner avec ou contre ses collègues agents pour garder le contrôle. Il n’était pas toujours évident que cela fonctionnait. Le contact de Callan, Lonely (Russell Hunter), est devenu un acolyte non officiel, dont les qualités d'ombre éclipsaient son sens de l'hygiène personnelle, ce que Meres en particulier prenait plaisir à souligner. Lonely restait ignorant du véritable travail de Callan et le considérait comme un méchant des gangs.
Série 2 - Thames (monochrome - 15 épisodes)
En 1969, ABC Weekend Television était devenue, par fusion forcée, Thames Television. Une deuxième saison de quinze épisodes déjà bouclée par ABC a donc été diffusée par son successeur. Cette série s'est terminée par "Death Of A Hunter" dans lequel le chef de section rencontre sa disparition et Callan est abattu - peut-être mortellement. Il n'avait pas été décidé si la série reviendrait pour une troisième série, donc ce dispositif a été utilisé pour laisser ouverte soit la possibilité d'autres histoires dans le futur, soit un moyen de clôturer la série. Deux fins ont été enregistrées, dans lesquelles Callan a vécu ou est mort. Finalement, Thames a décidé de reprendre le programme de la série de 1970, cette fois en couleur et composé de neuf épisodes.
Dans la série télévisée, les chasseurs successifs ont été interprétés par Ronald Radd, Derek Bond, Michael Goodliffe et William Squire. La représentation du dernier d'un extérieur d'acier, prenant des décisions glaciales avec un flair théâtral sous-estimé, a fait un match pour Callan. Squire est probablement le plus connu de tous les acteurs secondaires qui ont joué Hunter en conséquence.
Toby Meres a été animé par Anthony Valentine (Peter Bowles dans le pilote), un voyou de la classe supérieure dont l'attitude cachait à peine le voyou froid et calculateur qu'il était véritablement. Meres appréciait beaucoup son travail sans se poser de questions, une valeur que Hunter trouvait extrêmement utile et qui irritait Callan sans fin. Pourtant, en tant que collègues sur le terrain, dont les vies peuvent dépendre l'une de l'autre à tout moment, Meres et Callan ont développé un respect mutuel nerveux. Meres est parti pour un poste aux États-Unis à la fin de la deuxième série (en vérité, Valentine est parti pour apparaître dans la série Codename sur le réseau rival BBC).
Série 3 - Thames (couleur) - 9 épisodes
La troisième série de neuf épisodes, la première en couleur, a vu Callan se remettre encore d'avoir été abattu et avoir du mal à accepter sa situation. Les entretiens avec Snell (le médecin de la section) et les mauvais résultats au stand de tir décrivent Callan comme un être humain à peine fonctionnel, dont l'avenir au sein de la section semble sérieusement mis en doute. Si Callan doit être utile à Hunter, quelque chose l'a donné vie. En collaboration avec le remplaçant plus jeune, plus impétueux, plus audacieux et imprévisible de Meres, James Cross (joué par Patrick Mower), Hunter concocte un scénario dans lequel les énergies de Callan sont incitées à susciter une véritable émotion qui peut être retournée contre l'ennemi. Les huit épisodes restants voient l'assassin revitalisé mais de plus en plus fatigué du monde couvrir plus de terrain, y compris un épisode où l'amour entre de manière inattendue dans sa vie et qui a une fin (attendue) inattendue.
Cross est un agent dont l'arrogance fait plus que correspondre à celle de son prédécesseur Meres, mais son manque d'années signifiait qu'il avait besoin de plus de soutien de la part de son mentor beaucoup plus expérimenté. Cela comprenait l'enseignement nécessaire des leçons plus de temps en temps. Lorsqu'il est devenu connu que Patrick Mower quitterait la moitié de la série 4 (pour diriger la nouvelle série filmée de "Special Branch"), le personnage de Cross s'est développé, devenant de plus en plus imprévisible et soumis au contrôle de Snell, le médecin de la section. , jusqu'à sa disparition finale qui était apparemment de son propre choix. Cela a ouvert la voie à un Meres plus mature pour revenir de son détachement à Washington et aider à terminer la série.
Série 4 - Thames (couleur) - 13 épisodes
La dernière série de treize épisodes a été diffusée en 1972. Cela a permis à Callan de se développer davantage qu'auparavant. Une mission infructueuse signifie que Callan est interrogé dans une prison russe, mais est échangé avec les Russes contre l'un de leurs agents. Maintenant qu’il est connu, il est devenu un handicap. Ce qu'il faut faire avec le meilleur agent de la section est résolu plus tard en le promouvant au rôle de Hunter - un poste qu'il n'aimait pas autant, voire plus, que celui de servir sous les ordres d'un Hunter. Cependant, cette décision de ses maîtres a des motifs et il est finalement relevé de ses fonctions après un incident au cours duquel Callan est entré dans le champ de ses fonctions, ce qui était contraire aux règles. Il a été remplacé en tant que Hunter par son prédécesseur. Les trois derniers épisodes formaient une trilogie basée sur l'agent soviétique en défection Richmond (joué par T. P. McKenna) qui était sous-titrée "The Richmond Files".
Après une tentative d'interrogatoire subtil et de débriefing dans un endroit éloigné, Richmond évite Callan et les autres gardes à l'extérieur. La ligne de « défection » s'est avérée être une couverture élaborée, le mandat de Richmond est de commettre un assassinat sur le sol britannique et la section doit l'arrêter. À la fin du long jeu du chat et de la souris, les deux hommes s'affrontent au milieu d'une foule de conteneurs à l'intérieur d'un entrepôt. Callan a finalement pris le dessus. Richmond - sachant exactement comment il serait traité - supplie Callan de le tuer au lieu de le capturer, ce que Callan fait. Ayant désobéi aux ordres afin d'aider A Man Like Me (titre du dernier épisode), Callan quitte finalement la section, sachant que son dossier sera sans aucun doute placé dans un dossier rouge.
Film de cinéma
Le film de cinéma était une refonte étendue du pilote original, A Magnum for Schneider, tirant une grande partie de son nouveau matériel de la novélisation également élargie de son téléplay, initialement publié sous le titre Red File for Callan, également par James Mitchell. Cependant, le générique du film ne donne que le roman comme source (aucune mention n'est faite du téléfilm pilote ou de la série télévisée) et identifie le roman comme A Red File for Callan, la variante légère du titre sous lequel il avait été publié aux États-Unis. États (en 1969) par Simon & Schuster. (En 1974, Dell rééditerait le livre sous ce titre en livre de poche, mais bien qu'elle coïncide avec l'année de sortie du film, l'édition ne donne aucune indication qu'il s'agit d'un lien.)
Le patron de Callan, "Charlie" Hunter, a été joué par Eric Porter et Meres a de nouveau été recasté, cette fois joué par Peter Egan (mieux connu à l'époque comme un gangster branché d'une série télévisée controversée Big Breadwinner Hog - maintenant mieux connu pour ses sitcoms comme les cercles toujours décroissants). Les seuls acteurs récurrents de la série télévisée étaient Woodward dans le rôle de Callan, Russell Hunter dans le rôle de Lonely et Clifford Rose dans le rôle du Dr Snell (qui est apparu dans cinq épisodes de la série des saisons deux, trois et quatre (bien qu'il soit indiqué que Callan n'a jamais rencontré Snell auparavant). )).
Épisode de la Réunion : Wet Job
Dans le long métrage télévisé Wet Job de 1981, écrit par Mitchell et produit par ATV (sans le thème musical ni le logo original), Callan est devenu propriétaire d'un magasin de souvenirs militaires lorsqu'il est recruté par le nouveau Hunter pour un emploi supplémentaire. Hélas, il doit le faire seul : Lonely est devenu un gentleman élégant, fiancé et avec suffisamment de confiance en lui pour défier la demande d'aide de Callan. En fin de compte, Callan termine la tâche, survit et se retrouve même avec une petite amie.
Épisodes
La pièce télévisée originale a été projetée en 1967, suivie d'une première saison de six épisodes, d'une deuxième saison de quinze épisodes, d'une troisième saison de neuf épisodes et d'une quatrième saison de treize épisodes.
Musique
Le thème distinctif de la série, "Girl in the Dark", était une composition de bibliothèque écrite par le compositeur néerlandais Jan Stoeckart (sous l'un des nombreux pseudonymes qu'il a utilisés, "Jack Trombey"), et publiée par De Wolfe Music. Cela dit, le journal Billboard du 15 novembre 1975 rapportait la fin d'une affaire de droit d'auteur de sept ans intentée par Mood Music (une filiale du Sparta-Florida Music Group). Ils ont soutenu que "Girl in the Dark" était "suffisamment" similaire à une chanson italienne pour constituer une violation du droit d'auteur. Cette chanson, "Sogno Nostalgico", aurait été composée en 1963 ; le droit d'auteur a été cédé l'année suivante; records réalisés en Italie la même année ; et cette chanson a été mise à disposition dans la bibliothèque de la société en 1965. (Il est intéressant de noter que l'article du Billboard indique également que "Sogno Nostalgico" a été utilisé comme thème pour la série télévisée britannique The Rat Catchers, alors que la chanson thème a toujours été attribuée au compositeur britannique. Johnny Pearson.)
DeWolfe a affirmé que "Girl in the Dark" était l'œuvre d'un compositeur néerlandais en 1960 et soumise à d'autres personnes avant que les droits d'auteur ne soient cédés en 1966. Ils ont perdu le procès et ont été condamnés à payer tous les frais, estimés à environ 70 000 $. Le chef du Sparta-Florida, Jefferey S. Kruger, aurait déclaré que la lutte de sept ans « avait apporté la justification de nos revendications et, en conséquence, un nouveau précédent a rendu admissible des preuves de « faits similaires », généralement liées à des affaires pénales. , dans une action en justice pour droits d'auteur.
La musique accessoire n'était pas une caractéristique de la série principale de Callan, à l'exception de "A Magnum for Schneider" où "Girl in the Dark" était jouée à plusieurs reprises dans des scènes où Callan se mettait au travail.
Sorties DVD
Région 2
Clear Vision Video a sorti trois DVD sous-titrés "Series 1 Parts 1 - 3 of 3", également disponibles dans un coffret intitulé Callan - The Complete Series One, en 2001. En fait, ces DVD comprennent les neuf épisodes de la série 3, la première saison en couleur. , bien que les textes de présentation de la couverture arrière indiquent à tort que "Cette édition provient de la première série jamais diffusée sur Thames Television en 1970".
Prism Leisure a sorti le film de cinéma sous le titre Callan - The Movie sur Région 0 PAL en 2001. Le DVD comprend également une interview avec Woodward.
Le DVD réseau est sorti Callan - The Monochrome Years le 22 février 2010. Cet ensemble de quatre DVD comprend les 2 épisodes restants (sur 6) de la première saison et 9 épisodes (sur 15) de la deuxième saison, ainsi que la pièce pilote d'Armchair Theatre. "Un Magnum pour Schnieder". Network a également publié Callan - The Color Years en 2010. Callan - Wet Job a été publié par Network en 2011. Network devait publier la série complète contenant tous les épisodes existants, The Definitive Collection l'année suivante, mais cela a été retardé et finalement les fonctionnalités spéciales annoncé pour l'ensemble a commencé à être publié individuellement en 2015. Cela suggère que la collection a peut-être été abandonnée.
Région 4
Umbrella Entertainment a sorti les troisième et quatrième saisons sur DVD en Australie en 2007.
Région 1
Acorn Media a publié Callan- Set 1 le 7 juillet 2009, qui comprend les 9 épisodes de la série 3. Le 26 janvier 2010, Callan- Set 2 est sorti avec les 13 épisodes de la série 4. Il n'a pas encore été décidé si d'autres saisons seront sorti sur DVD dans la région 1.
Callan dans les archives
La pièce de théâtre Armchair existe sous la forme d'un enregistrement cinématographique de l'émission télévisée originale en noir et blanc. Les deux premières séries (ou saisons) ont été enregistrées en vidéo noir et blanc, avec des inserts filmés, et plusieurs épisodes de celles-ci ont été perdus ou effacés. Les épisodes survivants de la série 1 semblent avoir été refilmés sur une bande vidéo de 625 lignes en pointant une caméra vers un moniteur affichant la version originale de 405 lignes. Les épisodes survivants de la série 2 existent sur des bandes vidéo de 625 lignes. Dans le cas de "Le pire soldat que j'ai jamais vu", la couverture du DVD du réseau indique que l'épisode n'a survécu que sous forme de bloc de studio non édité, qui a dû être édité dans son format approprié pour la sortie du DVD.
Tous les épisodes en couleur existent et la série de 1970 est sortie sur DVD au Royaume-Uni en 2001. Les épisodes ont été édités pour supprimer les sous-titres qui auraient conduit aux pauses publicitaires de la transmission originale. Cela a entraîné des sauts visuels et audio maladroits. Les versions ultérieures du DVD britannique conservent toutes les légendes des pauses publicitaires. Le film de 1974 est sorti séparément sur DVD.
Les séries 1970 et 1972 ont eu des sorties DVD Région 4 par Umbrella Entertainment. La série de 1972 comprend également le film.
Les sorties DVD du film comprennent une interview, enregistrée en 2000, avec Edward Woodward.
Échos de Callan
L'égaliseur
Dans les années 1980, Woodward a joué dans la série américaine The Equalizer, dans le rôle d'un ancien agent secret affligé de conscience qui devient le protecteur des personnes dans le besoin, mais se retrouve de temps en temps rappelé au service par ses anciens employeurs.
Contrairement à la spéculation selon laquelle John Drake de Danger Man est également le numéro 6 de The Prisoner, il est clair que Robert McCall (surnommé « Equalizer » par un collègue) n'a aucun lien de parenté avec Callan. Bien que les personnages partagent certaines similitudes, McCall avait pris sa retraite d'une agence de renseignement américaine tandis que Callan avait été licencié d'une agence britannique, et d'autres éléments de l'histoire (y compris un mariage raté et un fils (William Zabka) au début de la vingtaine) éliminent toute possibilité. que Callan était devenu McCall. Cela dit, il y a des échos clairs de Callan dans la représentation de McCall par Woodward, comme un premier épisode où un personnage féminin rencontre McCall en détresse émotionnelle après avoir dû tuer un groupe d'agresseurs et sa prise de conscience que tuer est tout ce qu'il est bon à faire. (Ce point d'intrigue existe également dans "A Magnum for Schneider" et dans le film Callan de 1974.) McCall et Callan partagent également des intérêts éclectiques en matière de loisirs en dehors de leur travail.
La Femme Nikita
Autre série télévisée réalisée à la fin des années 1990, La Femme Nikita s'inspire du film français du même nom (pas des remakes) et met en vedette Peta Wilson dans le rôle de Nikita. Accusée de meurtre et forcée de rejoindre la Section Un, elle affiche toute la réticence à tuer manifestée par Callan et le besoin de savoir pourquoi. Dans une sorte de reprise étrange, Edward Woodward entre dans la dernière saison en tant que chef du Centre « Mr Jones » qui s'avère être le père de Nikita.
Des romans
*A Magnum pour Schneider - également publié sous le titre Red File for Callan and Callan - (1969)
*Roulette russe (1973)
*Mort et eau vive (1974)
*Travail de frottis (1975)
*Soirée de feu de joie (2002)
Histoires courtes
Il existe deux recueils de nouvelles
*Callan découvert (2014)
*Callan découvert 2 (2015) | http://quiz4free.com/ |
En quelle année Marlene Dietrich est-elle devenue citoyenne américaine ? | 1941 | [
"En décembre 1941, les États-Unis entrèrent dans la Seconde Guerre mondiale et Dietrich devint l’une des premières célébrités à aider à vendre des obligations de guerre. Elle fit une tournée aux États-Unis de janvier 1942 à septembre 1943 (se présentant devant 250 000 soldats rien que sur la partie de sa tournée sur la côte Pacifique) et aurait vendu plus d'obligations de guerre que toute autre star. Sudendorf, Werner.",
"Tout au long de sa carrière, Dietrich a eu une série interminable d'aventures, certaines de courte durée, d'autres qui ont duré des décennies ; ils se chevauchaient souvent et étaient presque tous connus de son mari, à qui elle avait l'habitude de transmettre les lettres d'amour de ses hommes, avec parfois des commentaires mordants. Lorsque Dietrich arriva à Hollywood et tourna Maroc (1930), elle trouva le temps d'avoir une liaison avec Gary Cooper, même s'il était marié et avait une liaison avec l'actrice mexicaine capricieuse Lupe Vélez. Vélez a dit un jour : \"Si j'en avais l'occasion, j'arracherais les yeux de Marlene Dietrich.\" Une autre de ses aventures célèbres était John Gilbert, célèbre pour sa prétendue liaison avec Greta Garbo. La mort prématurée de Gilbert fut l'un des événements les plus douloureux de sa vie. Dietrich a également eu une brève liaison avec Douglas Fairbanks Jr. même s'il était marié à Joan Crawford. Lors du tournage de Destry Rides Again, Dietrich a entamé une histoire d'amour avec son co-star James Stewart, qui s'est terminée après le tournage. En 1938, Dietrich rencontre et entame une relation avec l'écrivain Erich Maria Remarque, et en 1941, avec l'acteur et héros militaire français Jean Gabin. Leur romance commence alors qu'ils soutiennent tous deux les troupes alliées pendant la Seconde Guerre mondiale. La relation a pris fin au milieu des années 40. Au début des années 1940, Dietrich eut également une liaison avec John Wayne, sa co-vedette dans deux films. Dietrich entretenait également une forte amitié avec Orson Welles, qui était pour elle une sorte d’amour platonique et qu’elle considérait comme un génie. Elle a également eu une liaison avec l'écrivaine cubano-américaine Mercedes de Acosta, qui prétendait être l'amante de Greta Garbo. Cercle de couture était une expression utilisée par Dietrich pour décrire les actrices de cinéma underground, lesbiennes et bisexuelles et leurs relations à Hollywood. Dans le supposé \"Marlene's Sewing Circle\" sont mentionnés les noms d'autres amis proches tels que Ann Warner (l'épouse de Jack L. Warner, l'un des propriétaires des studios Warner), Lili Damita (une vieille amie de Marlene de Berlin et l'épouse d'Errol Flynn), Claudette Colbert et Dolores del Río (que Dietrich considérait comme la plus belle femme d'Hollywood). La chanteuse française Edith Piaf était également l'une des amies les plus proches de Dietrich lors de son séjour à Paris dans les années 1950 et la rumeur disait toujours qu'il y avait entre eux quelque chose de plus que de l'amitié."
] | Marie Magdalene "Marlene" Dietrich (née le 27 décembre 1901 et décédée le 6 mai 1992) était une actrice et chanteuse germano-américaine.
Dietrich a maintenu sa popularité tout au long de sa carrière inhabituellement longue dans le show business en se réinventant continuellement, professionnellement et caractéristiquement. Dans les années 1920, à Berlin, elle joue sur scène et dans des films muets. Son interprétation du rôle de Lola-Lola dans L'Ange bleu (1930), réalisé par Josef von Sternberg, lui apporta une renommée internationale et lui valu un contrat avec Paramount Pictures. Dietrich a joué dans des films hollywoodiens tels que Maroc (1930), Shanghai Express (1932) et Désir (1936). Elle a réussi à mettre en valeur sa personnalité glamour et son look "exotique", consolidant ainsi sa célébrité et devenant l'une des actrices les mieux payées de l'époque.
Dietrich est devenue citoyenne américaine en 1939 et, tout au long de la Seconde Guerre mondiale, elle a été une artiste de premier plan de premier plan. Bien qu'elle fasse encore des films occasionnels après la Seconde Guerre mondiale, Dietrich a passé la majeure partie des années 1950 aux années 1970 à parcourir le monde en tant qu'artiste de renom dans des spectacles en direct. Dietrich était connue pour ses efforts humanitaires pendant la guerre, hébergeant des exilés allemands et français, leur apportant un soutien financier et plaidant même pour leur citoyenneté américaine. Pour son travail visant à améliorer le moral sur les lignes de front pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a reçu les honneurs des États-Unis, de la France, de la Belgique et d'Israël.
En 1999, l’American Film Institute a désigné Dietrich comme la neuvième plus grande star féminine du cinéma hollywoodien classique.
Enfance
Marie Magdalene Dietrich est née le 27 décembre 1901 au 65 Leberstrasse sur la Rote Insel à Schöneberg, aujourd'hui un quartier de Berlin, en Allemagne. Elle était la plus jeune des deux filles (sa sœur Elisabeth avait un an de plus) de Wilhelmina Elisabeth Josephine (née Felsing) et de Louis Erich Otto Dietrich, qui se sont mariés en décembre 1898. La mère de Dietrich était issue d'une famille berlinoise aisée qui possédait une entreprise de bijouterie et d'horlogerie. Son père était un lieutenant de police décédé en 1907. Son meilleur ami Eduard von Losch, premier lieutenant aristocratique des Grenadiers, courtisa Wilhelmina et l'épousa en 1916, mais il mourut peu après des suites de blessures subies pendant la Première Guerre mondiale. Eduard von Losch n'a jamais officiellement adopté les filles Dietrich, donc le nom de famille de Dietrich n'a jamais été von Losch, comme on l'a parfois affirmé. Sa famille la surnommait « Lena » et « Lene » (prononcé Lay-neh). Vers l'âge de 11 ans, elle contracte ses deux prénoms pour former le prénom « Marlène ».
Dietrich fréquente l'école de filles Auguste-Viktoria de 1907 à 1917 et est diplômée de la Victoria-Luise-Schule (aujourd'hui Goethe-Gymnasium Berlin-Wilmersdorf) en 1918. Elle étudie le violon et s'intéresse au théâtre et à la poésie à l'adolescence. Ses rêves de devenir violoniste de concert ont été interrompus lorsqu'elle s'est blessée au poignet, mais en 1922, elle a obtenu son premier emploi, jouant du violon dans un orchestre de fosse qui accompagnait des films muets dans un cinéma de Berlin. Cependant, elle a été licenciée au bout de quatre semaines seulement.
Carrière cinématographique
Les débuts
Ses premières apparitions professionnelles sur scène furent en tant que choriste en tournée avec Girl-Kabarett de Guido Thielscher, des divertissements de style vaudeville et dans des revues de Rudolf Nelson à Berlin. En 1922, Dietrich auditionna sans succès pour l'académie d'art dramatique du metteur en scène et imprésario Max Reinhardt ; cependant, elle se retrouva bientôt à travailler dans ses théâtres comme choriste et à jouer de petits rôles dans des drames, sans attirer au début une attention particulière. Elle fait ses débuts au cinéma en jouant un petit rôle dans le film Le Petit Napoléon (1923).
Elle a rencontré son futur mari, Rudolf Sieber, sur le tournage d'un autre film réalisé cette année-là, Tragödie der Liebe. Dietrich et Sieber se sont mariés civilement à Berlin le 17 mai 1923. Sa fille unique, Maria Elisabeth Sieber, est née le 13 décembre 1924.
Dietrich a continué à travailler sur scène et au cinéma à Berlin et à Vienne tout au long des années 1920. Sur scène, elle a joué des rôles d'importance variable dans La Boîte de Pandore de Frank Wedekind, La Mégère apprivoisée et Le Songe d'une nuit d'été de William Shakespeare ainsi que Retour à Mathusalem et Mésalliance de George Bernard Shaw. Mais c'est dans des comédies musicales et des revues comme Broadway, Es Liegt in der Luft et Zwei Krawatten qu'elle attire le plus l'attention. À la fin des années 1920, Dietrich jouait également des rôles importants à l'écran, notamment Café Elektric (1927), Ich küsse Ihre Hand, Madame (1928) et Das Schiff der verlorenen Menschen (1929).
Percée
En 1929, Dietrich décroche le rôle décisif de Lola Lola, une chanteuse de cabaret sexy qui a provoqué la chute d'un maître d'école jusqu'alors respectable (joué par Emil Jannings), dans la production de l'UFA L'Ange bleu (1930). Josef von Sternberg a réalisé le film et s'est ensuite attribué le mérite d'avoir « découvert » Dietrich. Le film est également remarquable pour avoir introduit la chanson signature de Dietrich "Falling in Love Again", pour laquelle elle a enregistré pour Electrola et a ensuite réalisé d'autres enregistrements dans les années 1930 pour Polydor et Decca Records.
Succès aux États-Unis
En 1930, fort du succès international de L'Ange Bleu et avec les encouragements et la promotion de Josef von Sternberg, déjà établi à Hollywood, Dietrich s'installe aux États-Unis sous contrat avec Paramount Pictures. Le studio cherchait à commercialiser Dietrich comme une réponse allemande à la sensation suédoise de Metro-Goldwyn-Mayer, Greta Garbo.
Sternberg l'a accueillie avec des cadeaux, dont une Rolls-Royce Phantom II verte. La voiture est apparue plus tard dans leur premier film américain, Maroc.
Dietrich a joué dans six films réalisés par von Sternberg à la Paramount entre 1930 et 1935. Sternberg a travaillé efficacement avec Dietrich pour créer l'image d'une femme fatale glamour et mystérieuse. Il l'a encouragée à perdre du poids et l'a entraînée intensivement en tant qu'actrice. Elle, à son tour, était prête à lui faire confiance et à suivre ses directives parfois impérieuses, d'une manière à laquelle un certain nombre d'autres interprètes résistaient.
Leur première collaboration américaine, Maroc (1930), la présente à nouveau comme chanteuse de cabaret ; on se souvient surtout du film pour la séquence dans laquelle elle interprète une chanson vêtue d'une cravate blanche d'homme et embrasse une autre femme, toutes deux provocatrices pour l'époque. Le film a valu à Dietrich sa seule nomination aux Oscars.
Le Maroc est suivi de Dishonored (1931), un succès majeur, avec Dietrich en espion à la Mata Hari. Shanghai Express (1932), surnommé par la critique « Grand Hôtel sur roues », fut le plus grand succès au box-office de Sternberg et Dietrich, devenant le film le plus rentable de 1932. Dietrich et Sternberg ont de nouveau collaboré sur la romance Blonde Venus. (1932), qui a été une déception critique et au box-office. Dietrich a travaillé sans Sternberg pour la première fois en trois ans dans le drame romantique Le Cantique des Cantiques (1933), dans le rôle d'un paysan allemand naïf, sous la direction de Rouben Mamoulian. Les deux derniers films de Dietrich et Sternberg, L'Impératrice écarlate (1934) et Le Diable est une femme (1935) – la plus stylisée de leurs collaborations – furent leurs films les moins rentables. Dietrich a fait remarquer plus tard qu'elle était à son meilleur dans Le Diable est une femme.
Une partie cruciale de l'effet global a été créée par l'habileté exceptionnelle de Sternberg à éclairer et à photographier Dietrich pour un effet optimal - l'utilisation de la lumière et de l'ombre, y compris l'impact de la lumière passée à travers un voile ou des stores à lamelles (comme par exemple dans Shanghai Express) - qui, combinés à une attention scrupuleuse portée à tous les aspects de la scénographie et des costumes, font de cette série de films l'une des plus élégantes visuellement de l'histoire du cinéma. Les critiques débattent encore vigoureusement pour savoir quelle part du crédit appartenait à Sternberg et quelle part à Dietrich, mais la plupart conviendraient que ni l'un ni l'autre n'a systématiquement atteint de tels sommets après que Paramount a renvoyé Sternberg et que les deux ont cessé de travailler ensemble. La collaboration d'une actrice et d'un réalisateur créant sept films est encore inégalée dans l'histoire du cinéma.
Le premier film de Dietrich après la fin de son partenariat avec Sternberg fut Le Désir de Frank Borzage (1936), un succès commercial qui donna à Dietrich l'occasion de s'essayer à la comédie romantique. Son prochain projet, J'ai aimé un soldat (1936), s'est terminé en ruine lorsque le film a été abandonné plusieurs semaines après le début de la production en raison de problèmes de scénario, de confusion d'horaire et de la décision du studio de licencier le réalisateur, Ernst Lubitsch.
"Poison au box-office"
Des offres extravagantes ont attiré Dietrich loin de Paramount pour réaliser son premier film couleur Le Jardin d'Allah (1936) pour le producteur indépendant David O. Selznick,
recevant 200 000 $, et en Grande-Bretagne pour la production d'Alexander Korda, Knight Without Armor (1937), avec un salaire de 450 000 $, ce qui fait d'elle l'une des stars de cinéma les mieux payées. Même si les deux films ont fait un box-office respectable, ses véhicules étaient coûteux à produire et sa popularité auprès du public avait décliné. À cette époque, Dietrich se classait 126e au classement du box-office et les exploitants de films américains proclamèrent son « poison au box-office » en mai 1938, une distinction qu'elle partagea avec Greta Garbo, Joan Crawford, Mae West, Katharine Hepburn, Norma Shearer, Dolores del Río. et Fred Astaire entre autres.
Alors qu'elle était à Londres, des responsables du parti nazi ont approché Dietrich et lui ont proposé des contrats lucratifs, si elle acceptait de retourner en Allemagne en tant que star de cinéma de premier plan du Troisième Reich. Elle refusa leurs offres et demanda la citoyenneté américaine en 1937.
Elle retourna à la Paramount pour réaliser Angel (1937)
, une comédie romantique réalisée par Ernst Lubitsch ; le film a été mal accueilli, ce qui a conduit Paramount à racheter le reste du contrat de Dietrich. Lorsque les projets de films dans d'autres studios ont échoué, Dietrich et sa famille ont mis le cap sur des vacances prolongées en Europe.
Reprise et carrière cinématographique ultérieure
En 1939, avec les encouragements de Josef von Sternberg, elle accepta l'offre du producteur Joe Pasternak – et une réduction de salaire importante – de jouer à contre-courant dans son premier film en deux ans : celui de la cow-boy du saloon, Frenchie, dans le western-comédie Destry. Rides Again, face à James Stewart.
Pasternak avait tenté de recruter Marlene à Universal Studios après la sortie de The Blue Angel. Le rôle de débauche a relancé sa carrière et "See What the Boys in the Back Room Will Have", une chanson qu'elle a introduite dans le film, est devenue un succès lorsqu'elle l'a enregistrée pour Decca. Elle a joué des types similaires dans Seven Sinners (1940)
et Les spoilers (1942)
, tous deux face à John Wayne.
Bien que Dietrich n'ait jamais complètement retrouvé son ancien succès au cinéma, elle a continué à jouer dans des films, y compris des apparitions pour des réalisateurs aussi distingués que Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Orson Welles et Billy Wilder, dans des films dont A Foreign Affair (1948),
Le trac (1950),
Rancho notoire (1952),
Témoin à charge (1957),
et Toucher du mal (1958).
La Seconde Guerre mondiale
Dietrich était connu pour ses convictions politiques fortes et son esprit pour les exprimer. Dans des interviews, Dietrich a déclaré qu'elle avait été approchée par des représentants du parti nazi pour retourner en Allemagne, mais qu'elle avait catégoriquement refusé. À la fin des années 30, Dietrich créa un fonds avec Billy Wilder et plusieurs autres Allemands pour aider les Juifs et les dissidents à fuir l’Allemagne. En 1937, la totalité de son salaire de Chevalier sans armure (450 000) fut mise sous séquestre pour aider les réfugiés. En 1939, elle devint citoyenne américaine et renonça à sa citoyenneté allemande.
En décembre 1941, les États-Unis entrèrent dans la Seconde Guerre mondiale et Dietrich devint l’une des premières célébrités à aider à vendre des obligations de guerre. Elle fit une tournée aux États-Unis de janvier 1942 à septembre 1943 (se présentant devant 250 000 soldats rien que sur la partie de sa tournée sur la côte Pacifique) et aurait vendu plus d'obligations de guerre que toute autre star. Sudendorf, Werner.
Au cours de deux longues tournées pour l'USO en 1944 et 1945, elle se produit pour les troupes alliées sur les lignes de front en Algérie, en Italie, en Grande-Bretagne et en France, puis se rend en Allemagne avec les généraux James M. Gavin et George S. Patton. Lorsqu'on lui a demandé pourquoi elle avait fait cela, malgré le danger évident de se trouver à quelques kilomètres des lignes allemandes, elle a répondu « aus Anstand » – « par décence ». Billy Wilder a fait remarquer plus tard qu'elle était plus en première ligne qu'Eisenhower. Sa revue, avec Danny Thomas en première partie, comprenait des chansons de ses films, des performances sur sa scie musicale (une compétence qu'elle avait initialement acquise pour des apparitions sur scène à Berlin dans les années 1920) et un faux numéro de « lecture d'esprit ». Dietrich informait le public qu'elle pouvait lire dans les pensées et leur demandait de se concentrer sur tout ce qui leur venait à l'esprit. Ensuite, elle se dirigeait vers un soldat et lui disait sincèrement : « Oh, pense à autre chose. Je ne peux pas en parler ! Des journaux religieux américains auraient publié des articles se plaignant de cette partie de l'acte de Dietrich.
En 1944, la branche des opérations morales du Bureau des services stratégiques (OSS) a lancé le projet Musak, des émissions de propagande musicale destinées à démoraliser les soldats ennemis. Dietrich, la seule artiste à avoir été informée que ses enregistrements seraient destinés à l'OSS, a enregistré un certain nombre de chansons en allemand pour le projet, dont "Lili Marleen", une chanson préférée des soldats des deux côtés du conflit. Le major-général William J. Donovan, chef de l'OSS, a écrit à Dietrich : « Je suis personnellement profondément reconnaissant de votre générosité en réalisant ces enregistrements pour nous. »
À la fin de la guerre en Europe, Dietrich retrouve sa sœur Elisabeth, ainsi que le mari et le fils de sa sœur. Ils avaient résidé dans la ville allemande de Belsen tout au long des années de guerre, dirigeant un cinéma fréquenté par les officiers nazis et les fonctionnaires qui supervisaient le camp de concentration de Bergen-Belsen. La mère de Dietrich est restée à Berlin pendant la guerre et son mari a déménagé dans un ranch dans la vallée de San Fernando en Californie. Dietrich s'est portée garante au nom de sa sœur et du mari de sa sœur, les mettant ainsi à l'abri d'éventuelles poursuites en tant que collaborateurs nazis. Dietrich omettra plus tard l'existence de sa sœur et du fils de sa sœur dans tous les récits de sa vie, les reniant complètement et prétendant être une enfant unique. Dietrich a reçu la Médaille de la Liberté en novembre 1947. Elle a déclaré que c'était sa plus grande fierté. Elle a également reçu la Légion d'honneur du gouvernement français en reconnaissance de son travail en temps de guerre.
Scène et cabaret
Du début des années 1950 au milieu des années 1970, Dietrich a travaillé presque exclusivement comme artiste de cabaret hautement rémunéré, se produisant en direct dans les grands théâtres des grandes villes du monde.
En 1953, Dietrich s'est vu offrir 30 000 $ par semaine, alors considérable, pour apparaître en direct à l'hôtel Sahara sur le Strip de Las Vegas. Le spectacle était court, composé uniquement de quelques chansons qui lui étaient associées. Sa « robe nue » audacieusement transparente – une robe de soirée en soie soufflée à forte perles, qui donnait l'illusion de transparence – conçue par Jean Louis, a attiré beaucoup de publicité. Cet engagement fut un tel succès qu'elle fut engagée pour apparaître au Café de Paris à Londres l'année suivante ; ses contrats à Las Vegas ont également été renouvelés.
Dietrich a employé Burt Bacharach comme arrangeur musical à partir du milieu des années 1950 ; ensemble, ils ont affiné son numéro de boîte de nuit en un spectacle solo théâtral plus ambitieux avec un répertoire élargi. Son répertoire comprenait des chansons de ses films ainsi que des chansons populaires de l'époque. Les arrangements de Bacharach ont aidé à dissimuler la gamme vocale limitée de Dietrich - elle était contralto - et lui ont permis d'interpréter ses chansons avec un effet dramatique maximal ; ensemble, ils ont enregistré quatre albums et plusieurs singles entre 1957 et 1964. Dans une interview télévisée en 1971, elle a crédité Bacharach de lui avoir donné « l'inspiration » pour se produire pendant ces années.
Elle jouait souvent la première partie de son spectacle dans l'une de ses robes moulantes et un manteau en duvet de cygne, et se changeait en haut de forme et en queue-de-pie pour la seconde moitié du spectacle. Cela lui a permis de chanter des chansons généralement associées à des chanteurs masculins, comme "One for My Baby" et "I've Grown Habitued to Her Face".
"Elle… transcende son matériau", selon Peter Bogdanovich. "Qu'il s'agisse d'un vieux air léger comme 'I Can't Give You Anything But Love, Baby'… d'une chanson d'amour allemande schmaltzy, 'Das Lied ist Aus' ou d'une chanson française 'La Vie en Rose', elle donne à chacun un air de l'aristocrate, mais elle ne condescend jamais… Une chanson folklorique, « Go 'Way From My Window' » n'a jamais été chantée avec autant de passion, et entre ses mains « Où sont passées toutes les fleurs ? n’est pas simplement une autre lamentation anti-guerre mais une accusation tragique contre nous tous. »
Francis Wyndham a proposé une évaluation plus critique du phénomène Dietrich de concert. Il écrivait en 1964 : « Ce qu'elle fait n'est ni difficile ni divertissant, mais le fait qu'elle le fasse émerveille les spectateurs… Il faut être deux pour réaliser un tour de prestidigitation : le tour de passe-passe de l'illusionniste et le désir du larbin d'être. À ces éléments nécessaires (sa propre compétence technique et la sentimentalité de son public), Marlene Dietrich en ajoute un troisième : la force mystérieuse de sa croyance en sa propre magie. Ceux qui se trouvent incapables de partager cette croyance ont tendance à s'en prendre à eux-mêmes plutôt qu'à elle. "
Son utilisation de sous-vêtements sculptants, de liftings temporaires non chirurgicaux (ruban adhésif), de maquillage expert et de perruques, combinés à un éclairage de scène soigné, a contribué à préserver l'image glamour de Dietrich à mesure qu'elle grandissait.
Le retour de Dietrich en Allemagne de l'Ouest en 1960 pour une tournée de concerts a rencontré un accueil mitigé : malgré une presse toujours négative, des protestations véhémentes d'Allemands chauvins qui estimaient qu'elle avait trahi sa patrie et deux alertes à la bombe, sa performance a attiré des foules immenses. Lors de ses représentations au théâtre Titania Palast de Berlin, les manifestants scandaient « Marlene Go Home ! » D’un autre côté, Dietrich a été chaleureusement accueilli par d’autres Allemands, notamment le maire de Berlin Willy Brandt, qui était, comme Dietrich, un opposant aux nazis qui avait vécu en exil pendant leur règne. La tournée fut un triomphe artistique, mais un échec financier. Elle a été épuisée émotionnellement par l’hostilité qu’elle a rencontrée et elle est repartie convaincue de ne plus jamais revenir. L’Allemagne de l’Est, cependant, l’a bien accueillie. Elle a également entrepris une tournée en Israël à peu près à la même époque, qui a été bien accueillie ; elle chante quelques chansons en allemand lors de ses concerts, dont, à partir de 1962, une version allemande de l'hymne anti-guerre de Pete Seeger "Where Have All the Flowers Gone", brisant ainsi le tabou officieux contre l'usage de l'allemand en Israël. Elle deviendra la première femme allemande à recevoir le médaillon israélien de la vaillance en 1965, « en reconnaissance de son adhésion courageuse aux principes et de son historique constant d'amitié envers le peuple juif ». Dietrich in London, un album de concert, a été enregistré lors de ses fiançailles en 1964 au Queen's Theatre.
Elle s'est produite à Broadway deux fois (en 1967 et 1968) et a remporté un Tony Award spécial en 1968. En novembre 1972, I Wish You Love, une version du spectacle de Dietrich à Broadway intitulée An Evening With Marlene Dietrich, a été tournée à Londres. Elle a reçu 250 000 $ pour sa coopération, mais n'était pas satisfaite du résultat. L'émission a été diffusée au Royaume-Uni sur la BBC et aux États-Unis sur CBS en janvier 1973.
Entre soixante et soixante-dix ans, la santé de Dietrich s'est dégradée : elle a survécu à un cancer du col de l'utérus en 1965 et souffrait d'une mauvaise circulation dans les jambes. Dietrich est devenu de plus en plus dépendant des analgésiques et de l'alcool. Une chute sur scène au Shady Grove Music Fair dans le Maryland en 1973 lui a blessé la cuisse gauche, nécessitant des greffes de peau pour permettre à la plaie de guérir. Elle s'est fracturée la jambe droite en août 1974. "Pensez-vous que c'est glamour ? Que c'est une belle vie et que je le fais pour ma santé ? Eh bien, ce n'est pas le cas. Peut-être une fois, mais pas maintenant", a déclaré Dietrich à Clive Hirschhorn dans 1973, expliquant qu'elle continuait à se produire uniquement pour l'argent.
Dernières années et mort
La carrière de Dietrich dans le show business s'est en grande partie terminée le 29 septembre 1975, lorsqu'elle est tombée de la scène et s'est cassé la cuisse lors d'une représentation à Sydney, en Australie. L'année suivante, son mari, Rudolf Sieber, décède d'un cancer le 24 juin 1976.
La dernière apparition de Dietrich devant la caméra était un rôle de camée dans Just a Gigolo (1979), mettant en vedette David Bowie et réalisé par David Hemmings, dans lequel elle a chanté la chanson titre.
Alcoolique dépendante des analgésiques, Dietrich se retire dans son appartement du 12 avenue Montaigne à Paris. Elle a passé les 11 dernières années de sa vie essentiellement alitée, ne permettant qu'à quelques privilégiés, dont sa famille et ses employés, d'entrer dans l'appartement. Pendant cette période, elle était une écrivaine prolifique et une appelante téléphonique. Son autobiographie, Nehmt nur mein Leben (Prends juste ma vie), a été publiée en 1979.
En 1982, Dietrich accepte de participer à un film documentaire sur sa vie, Marlene (1984), mais refuse d'être filmé. Le réalisateur du film, Maximilian Schell, n'a été autorisé qu'à enregistrer sa voix. Il a utilisé ses interviews avec elle comme base pour le film, accompagné d'un collage d'extraits de films de sa carrière. Le film final a remporté plusieurs prix cinématographiques européens et a été nominé aux Oscars pour le meilleur documentaire en 1984. Newsweek l'a qualifié de "film unique, peut-être le documentaire le plus fascinant et le plus émouvant jamais réalisé sur une grande star de cinéma".
En 1988, Dietrich a enregistré des introductions parlées aux chansons d'un album nostalgique d'Udo Lindenberg.
Dans une interview accordée au magazine allemand Der Spiegel en novembre 2005, la fille et le petit-fils de Dietrich affirment que Dietrich était politiquement actif durant ces années. Elle est restée en contact téléphonique avec les dirigeants du monde entier, notamment Ronald Reagan et Mikhaïl Gorbatchev, ce qui lui a coûté une facture mensuelle de plus de 3 000 dollars. En 1989, son appel pour sauver les studios de Babelsberg de la fermeture a été diffusé sur la radio BBC et elle s'est exprimée à la télévision par téléphone à l'occasion de la chute du mur de Berlin plus tard cette année-là.
Le 7 mai 1992, Dietrich est décédée d'une insuffisance rénale dans son appartement parisien à l'âge de 90 ans. Ses funérailles ont eu lieu à La Madeleine à Paris, une église catholique romaine, le 14 mai 1992.
Les funérailles de Dietrich ont réuni environ 1 500 personnes dans l'église elle-même, dont plusieurs ambassadeurs d'Allemagne, de Russie, des États-Unis, du Royaume-Uni et d'autres pays, et des milliers d'autres à l'extérieur. Son cercueil fermé reposait sous l'autel drapé du drapeau français et orné d'un simple bouquet de fleurs sauvages blanches et de roses du président français François Mitterrand. Trois médailles, dont la Légion d'honneur française et la Médaille américaine de la liberté, ont été exposées au pied du cercueil, dans un style militaire, pour une cérémonie symbolisant le sens du devoir que Dietrich a incarné dans sa carrière d'actrice et dans sa lutte personnelle contre Nazisme. Sa fille a placé dans le cercueil un crucifix en bois, une médaille de Saint-Christophe et un médaillon contenant des photos des petits-fils de Dietrich. Le célébrant a déclaré : "Tout le monde connaissait sa vie d'artiste de cinéma et de chanson, et tout le monde connaissait ses positions difficiles... Elle vivait comme un soldat et aimerait être enterrée comme un soldat". Par un hasard du destin, sa photo a été utilisée cette année-là sur l'affiche du Festival de Cannes, actuellement collée dans tout Paris.
Après la chute du mur de Berlin, Dietrich a indiqué dans son testament qu'elle serait enterrée dans sa ville natale, Berlin, près de sa famille ; le 16 mai, son corps a été transporté là-bas pour réaliser son souhait. Dietrich a été enterrée au Städtischer Friedhof III, Berlin-Schöneberg, à côté de la tombe de sa mère, Josefine von Losch, et près de la maison où elle est née.
Vie privée
Contrairement à sa célébrité professionnelle, qui a été soigneusement conçue et entretenue, la vie personnelle de Dietrich a été tenue hors de la vue du public. Dietrich, qui était bisexuel, appréciait tranquillement la scène gay florissante de l'époque et les drag-balls du Berlin des années 1920. Elle a également défié les rôles de genre conventionnels en boxant dans le studio de boxe de l’entraîneur et boxeur turc Sabri Mahir à Berlin, ouvert aux femmes à la fin des années 1920. Comme le rappelle l'écrivaine autrichienne Hedwig (Vicki) Baum dans ses mémoires : « Je ne sais pas comment l'élément féminin s'est infiltré dans ces domaines masculins [le studio de boxe], mais de toute façon, seuls trois ou quatre d'entre nous étaient assez forts pour y aller. en finir avec cela (Marlene Dietrich en faisait partie)."
Elle ne s'est mariée qu'une seule fois avec l'assistant-réalisateur Rudolf Sieber, qui deviendra plus tard assistant-réalisateur chez Paramount Pictures en France, responsable du doublage en langues étrangères. La fille unique de Dietrich, Maria Elisabeth Sieber, est née à Berlin le 13 décembre 1924. Elle deviendra plus tard une actrice, travaillant principalement à la télévision, connue sous le nom de Maria Riva. Lorsque Maria a donné naissance à un fils (John, un célèbre décorateur) en 1948, Dietrich a été surnommée « la grand-mère la plus glamour du monde ». Après la mort de Dietrich, Riva a publié une biographie franche de sa mère, intitulée Marlene Dietrich (1992).
Tout au long de sa carrière, Dietrich a eu une série interminable d'aventures, certaines de courte durée, d'autres qui ont duré des décennies ; ils se chevauchaient souvent et étaient presque tous connus de son mari, à qui elle avait l'habitude de transmettre les lettres d'amour de ses hommes, avec parfois des commentaires mordants. Lorsque Dietrich arriva à Hollywood et tourna Maroc (1930), elle trouva le temps d'avoir une liaison avec Gary Cooper, même s'il était marié et avait une liaison avec l'actrice mexicaine capricieuse Lupe Vélez. Vélez a dit un jour : "Si j'en avais l'occasion, j'arracherais les yeux de Marlene Dietrich." Une autre de ses aventures célèbres était John Gilbert, célèbre pour sa prétendue liaison avec Greta Garbo. La mort prématurée de Gilbert fut l'un des événements les plus douloureux de sa vie. Dietrich a également eu une brève liaison avec Douglas Fairbanks Jr. même s'il était marié à Joan Crawford. Lors du tournage de Destry Rides Again, Dietrich a entamé une histoire d'amour avec son co-star James Stewart, qui s'est terminée après le tournage. En 1938, Dietrich rencontre et entame une relation avec l'écrivain Erich Maria Remarque, et en 1941, avec l'acteur et héros militaire français Jean Gabin. Leur romance commence alors qu'ils soutiennent tous deux les troupes alliées pendant la Seconde Guerre mondiale. La relation a pris fin au milieu des années 40. Au début des années 1940, Dietrich eut également une liaison avec John Wayne, sa co-vedette dans deux films. Dietrich entretenait également une forte amitié avec Orson Welles, qui était pour elle une sorte d’amour platonique et qu’elle considérait comme un génie. Elle a également eu une liaison avec l'écrivaine cubano-américaine Mercedes de Acosta, qui prétendait être l'amante de Greta Garbo. Cercle de couture était une expression utilisée par Dietrich pour décrire les actrices de cinéma underground, lesbiennes et bisexuelles et leurs relations à Hollywood. Dans le supposé "Marlene's Sewing Circle" sont mentionnés les noms d'autres amis proches tels que Ann Warner (l'épouse de Jack L. Warner, l'un des propriétaires des studios Warner), Lili Damita (une vieille amie de Marlene de Berlin et l'épouse d'Errol Flynn), Claudette Colbert et Dolores del Río (que Dietrich considérait comme la plus belle femme d'Hollywood). La chanteuse française Edith Piaf était également l'une des amies les plus proches de Dietrich lors de son séjour à Paris dans les années 1950 et la rumeur disait toujours qu'il y avait entre eux quelque chose de plus que de l'amitié.
Greta Garbo est généralement considérée comme la plus grande rivale de Dietrich au cinéma, mais il y a aussi des rumeurs faisant état d'une liaison entre eux. Cette rumeur a connu son apogée en 2000 lorsque l'écrivain Diana McLellan a publié son livre The Girls : Sappho va à Hollywood. L'auteur a écrit que, dans ses recherches, elle a trouvé la preuve d'une liaison inédite entre Garbo et Dietrich. Elle a écrit qu'ils se sont rencontrés à Berlin en 1925 pendant que Garbo tournait The Joyless Street et que Marlene avait un rôle mineur dans le film. Marlene a confirmé qu'elle était bien dans The Joyless Street avec Garbo. Elle l'a avoué à son ami et biographe britannique David Bret, un expert de la vie nocturne berlinoise de son époque. Les deux ennemis partageaient les amis les plus intimes, sans même se dire un mot ni se nommer en public. Finalement, à l'été 1945, alors que Dietrich était l'invité d'Orson Welles et de son épouse Rita Hayworth dans leur maison de Los Angeles, elle décida qu'il était temps de tenter une réconciliation avec Garbo. Dietrich a persuadé Welles d'inviter Garbo à un dîner organisé par Clifton Webb, et Garbo a accepté. Welles a présenté les deux femmes l'une à l'autre, et immédiatement Dietrich a envahi Garbo et lui a dit à quel point elle était inspirante, qualifiant Garbo de « goettlich » (divin) et de « unsterbliche » (éternelle) muse. Dietrich n'était visiblement pas impressionné par la remarque de Garbo à Welles "Ce n'est pas vrai qu'elle ne se maquille pas. Elle avait ses cils perlés. Savez-vous combien de temps il faut pour avoir vos cils perlés ?" Ils se seraient rencontrés une dernière fois à New York lorsque Dietrich, habillée en nourrice pour rester icognito, était avec son petit-fils dans Central Park à New York. Garbo aurait admiré le bébé et n'aurait pas reconnu Dietrich.
Dans l'une de ses dernières interviews, au début des années 1990, le magazine Paris Match demandait à Marlène quelles sont, à ses côtés, les plus grandes légendes du cinéma de tous les temps. Elle a nommé Garbo, Marilyn Monroe et Rita Hayworth.
Sa dernière grande passion, lorsque Dietrich avait la cinquantaine, semble avoir été pour l'acteur Yul Brynner, avec qui elle a eu une liaison qui a duré plus d'une décennie ; Pourtant, sa vie amoureuse s’est poursuivie jusqu’à 70 ans. Elle a compté Errol Flynn,[https://books.google.com/books?idSMb1DpW1_YgC&pg
PA32 Thomas McNulty, Errol Flynn : La vie et la carrière] George Bernard Shaw, John F. Kennedy, Michael Wilding et Frank Sinatra parmi ses conquêtes. Dietrich a d'abord entretenu son mari et sa maîtresse en Europe, puis dans un ranch de la vallée de San Fernando, près d'Hollywood.
La famille de Dietrich l'a élevée dans la religion luthérienne, mais elle l'a abandonnée à la suite de ses expériences d'adolescente pendant la Première Guerre mondiale, après avoir entendu des prédicateurs des deux côtés invoquer Dieu comme soutien. "J'ai perdu la foi pendant la guerre et je n'arrive pas à croire qu'ils soient tous là-haut, volant partout ou assis à des tables, tous ceux que j'ai perdus." Citant Goethe dans son autobiographie, elle écrit : « Si Dieu a créé ce monde, il devrait revoir son plan. »
Cependant, selon sa fille Maria Riva, Dietrich voyageait toujours avec un cartable contenant de nombreux médaillons religieux (par exemple Saint-Christophe, etc.), témoignant de son désir de garder sa foi. De plus, au cours de ses années de recluse à Paris, Dietrich s'est convertie et a fortement embrassé le catholicisme romain. Le 14 mai 1992, ses funérailles ont lieu dans son église parisienne préférée, La Madeleine.
Dietrich parlait couramment trois langues : son allemand natal, l'anglais et le français.
Héritage
Dietrich était une icône de la mode pour les plus grands créateurs ainsi qu'une icône d'écran que les stars ultérieures suivraient. Elle a dit un jour : "Je m'habille pour moi. Pas pour l'image, pas pour le public, pas pour la mode, pas pour les hommes." Son image publique défiait ouvertement les normes sexuelles, et elle était connue pour ses rôles androgynes au cinéma et sa bisexualité.
Un volume important de littérature académique, surtout depuis 1975, analyse l'image de Dietrich, telle que créée par l'industrie cinématographique, dans divers cadres théoriques, dont celui de la psychanalyse. L'accent est mis, entre autres, sur la manipulation « fétichiste » de l'image féminine.
En 1992, une plaque a été dévoilée au 65 Leberstraße à Berlin-Schöneberg, lieu de naissance de Dietrich. Un timbre-poste à son portrait a été émis en Allemagne le 14 août 1997.
Le fabricant de stylos de luxe MontBlanc a produit un stylo « Marlene Dietrich » en édition limitée pour commémorer la vie de Dietrich. Il est plaqué platine et possède un saphir bleu profond incrusté.
Pour certains Allemands, Dietrich restait un personnage controversé pour avoir pris le parti des ennemis de l’Allemagne nazie pendant la Seconde Guerre mondiale. En 1996, après quelques débats, il fut décidé de ne pas donner son nom à une rue de Berlin-Schöneberg, sa ville natale. Cependant, le 8 novembre 1997, la Marlene-Dietrich-Platz centrale a été inaugurée à Berlin en son honneur. La commémoration se lit comme suit : Berliner Weltstar des Films und des Chansons. Einsatz für Freiheit und Demokratie, für Berlin und Deutschland (« Star mondiale berlinoise du cinéma et de la chanson. Dévouement à la liberté et à la démocratie, à Berlin et à l'Allemagne »).
Dietrich a été nommé citoyen d'honneur de Berlin le 16 mai 2002.
Traduit de l'allemand, sa plaque commémorative indique
"Dis-moi, où sont passées toutes les fleurs"
27 décembre 1901-6 mai 1992
Actrice et chanteuse
Elle était l'une des rares actrices allemandes à atteindre une renommée internationale.
Malgré les offres alléchantes du régime nazi, elle a émigré aux États-Unis et est devenue citoyenne américaine.
En 2002, la ville de Berlin l'a nommée citoyenne d'honneur à titre posthume.
"Je suis, Dieu merci, un Berlinois."
Financé par la GASAG Berlin Gasworks Corporation.
Le gouvernement américain a décerné à Dietrich la Médaille de la Liberté pour son travail de guerre. Dietrich aurait déclaré que c'était l'honneur dont elle était la plus fière de sa vie. Ils lui ont également décerné la médaille Operation Entertainment. Le gouvernement français l'a faite Chevalier (la | http://quiz4free.com/ |
Quelle lettre se trouve à droite de Q sur une machine à écrire ? | W | [
"Les fabricants notables de machines à écrire comprenaient E. Remington and Sons, IBM, Imperial Typewriters, Oliver Typewriter Company, Olivetti, Royal Typewriter Company, Smith Corona, Underwood Typewriter Company, Adler Typewriter Company et Olympia Werke. L'article sur Olympia Werke est disponible uniquement sur Wikipédia allemand.",
"*En 1829, William Austin Burt a breveté une machine appelée « Typographer » qui, comme de nombreuses autres machines anciennes, est répertoriée comme la « première machine à écrire ». Le Science Museum de Londres le décrit simplement comme « le premier mécanisme d'écriture dont l'invention a été documentée », mais même cette affirmation est peut-être excessive, puisque l'invention de Turri est antérieure à elle. Même entre les mains de son inventeur, cette machine était plus lente que l’écriture manuscrite. Burt et son promoteur John D. Sheldon n'ont jamais trouvé d'acheteur pour le brevet, de sorte que l'invention n'a jamais été produite commercialement. Parce que le typographe utilisait un cadran plutôt que des touches pour sélectionner chaque caractère, on l'appelait une « machine à écrire à index » plutôt qu'une « machine à écrire à clavier ». Les machines à écrire à index de cette époque ressemblent davantage à la machine à gaufrer à pression des années 1960 qu'à la machine à écrire à clavier moderne.",
"En 1865, le révérend Rasmus Malling-Hansen du Danemark a inventé le Hansen Writing Ball, qui est entré en production commerciale en 1870 et a été la première machine à écrire vendue dans le commerce. Ce fut un succès en Europe et aurait été utilisé dans des bureaux à Londres jusqu'en 1909. Malling-Hansen utilisait un échappement à solénoïde pour retourner la cage sur certains de ses modèles, ce qui fait de lui un candidat au titre d'inventeur du premier machine à écrire \"électrique\".",
"D'après le livre Hvem er skrivekuglens opfinder ? (Anglais : Qui est l'inventeur de la boule d'écriture ?), écrit par la fille de Malling-Hansen, Johanne Agerskov, en 1865, Malling-Hansen a réalisé un modèle en porcelaine du clavier de sa boule d'écriture et a expérimenté différents placements des lettres pour atteindre la vitesse d'écriture la plus rapide. Malling-Hansen plaçait les lettres sur de courts pistons qui traversaient directement la balle et descendaient jusqu'au papier. Ceci, combiné au placement des lettres de manière à ce que les doigts d'écriture les plus rapides frappent les lettres les plus fréquemment utilisées, ont fait de la Hansen Writing Ball la première machine à écrire à produire du texte beaucoup plus rapidement qu'une personne ne pourrait écrire à la main.",
"Le Hansen Writing Ball a été produit avec uniquement des caractères majuscules. La boule d'écriture a été utilisée comme modèle par l'inventeur Frank Haven Hall pour créer un dérivé qui produirait des impressions de lettres moins chères et plus rapides.",
"La première machine à écrire à connaître un succès commercial a été inventée en 1868 par les Américains Christopher Latham Sholes, Frank Haven Hall, Carlos Glidden et Samuel W. Soule à Milwaukee, Wisconsin, bien que Sholes ait rapidement renié la machine et refusé de l'utiliser, voire de la recommander. Cela ressemblait \"à quelque chose comme un croisement entre un piano et une table de cuisine\". Le prototype fonctionnel a été réalisé par le machiniste Matthias Schwalbach. Le brevet (US 79 265) a été vendu pour 12 000 $ à Densmore et Yost, qui ont conclu un accord avec E. Remington and Sons (alors célèbre en tant que fabricant de machines à coudre) pour commercialiser la machine sous le nom de Sholes and Glidden Type-Writer.",
"Ce fut l'origine du terme machine à écrire. Remington a commencé la production de sa première machine à écrire le 1er mars 1873 à Ilion, New York. Elle disposait d'un clavier QWERTY qui, en raison du succès de la machine, fut lentement adopté par d'autres fabricants de machines à écrire. Comme avec la plupart des autres premières machines à écrire, les barres de caractères étant dirigées vers le haut, le dactylo ne pouvait pas voir les caractères au fur et à mesure qu'ils étaient tapés.",
"Au début du 20e siècle, une machine à écrire était commercialisée sous le nom de « Noiseless » et présentée comme « silencieuse ». Il a été développé par Wellington Parker Kidder et le premier modèle a été commercialisé par la Noiseless Typewriter Company en 1917. Un accord avec Remington en 1924 a vu la production transférée à Remington, et un autre accord en 1929 a permis à Underwood de le produire également. //web.archive.org/web/20091028054256/http://www.geocities.com/wbd641/UndNoiselessAd.html OOcities.com] Reproduction d'une publicité pour les machines à écrire Noiseless, avec liste des modèles et schéma du mécanisme de la barre de type Portables Noiseless vendus bien dans les années 1930 et 1940, et des standards silencieux ont continué à être fabriqués jusque dans les années 1960.",
"Une variante connue sous le nom de \"Correcting Selectrics\" a introduit une fonction de correction, où un ruban adhésif devant le ruban de film de carbone pouvait supprimer l'image en poudre noire d'un caractère tapé, éliminant ainsi le besoin de petites bouteilles de liquide correcteur blanc à tamponner et pour les gommes dures qui pourraient déchirer le papier. Ces machines ont également introduit un « pas » sélectionnable afin que la machine à écrire puisse basculer entre le type pica (10 caractères par pouce) et le type élite (12 par pouce), même dans un seul document. Malgré cela, tous les Selectric étaient à espacement fixe : chaque caractère et chaque espace de lettres se voyait attribuer la même largeur sur la page, d'un « W » majuscule à un point. Bien qu'IBM ait produit avec succès une machine basée sur une barre de caractères avec cinq niveaux d'espacement proportionnel, appelée IBM Executive, l'espacement proportionnel n'était pas fourni avec la machine à écrire Selectric ou ses successeurs, la Selectric II et la Selectric III.",
"Contrairement aux Selectrics et aux modèles antérieurs, ceux-ci étaient réellement « électroniques » et reposaient sur des circuits intégrés et de multiples composants électromécaniques. Ces machines à écrire étaient parfois appelées machines à écrire à affichage, traitements de texte dédiés ou machines à écrire de traitement de texte, bien que ce dernier terme soit également fréquemment appliqué à des machines moins sophistiquées qui ne comportaient qu'un petit écran, parfois juste une seule rangée. Les modèles sophistiqués étaient également appelés traitements de texte, bien qu'aujourd'hui ce terme désigne presque toujours un type de logiciel. Les fabricants de ces machines comprenaient Brother (Brother WP1 et WP500, etc., où WP signifiait traitement de texte), Canon (Canon Cat), Smith-Corona (PWP, c'est-à-dire ligne de traitement de texte personnel) et Philips/Magnavox (VideoWriter).",
"Fichier : Brother WP1-IMG 6991.jpg | La Brother WP1, une machine à écrire électronique dotée d'un petit écran et d'un lecteur de disquettes",
"La domination croissante des ordinateurs personnels, de la publication assistée par ordinateur, l'introduction de technologies d'imprimantes laser et à jet d'encre peu coûteuses et de très haute qualité, ainsi que l'utilisation généralisée de la publication sur le Web, du courrier électronique et d'autres techniques de communication électronique ont largement remplacé les machines à écrire aux États-Unis. États. Pourtant, les machines à écrire ont continué à être utilisées par un certain nombre d'agences gouvernementales et d'autres institutions aux États-Unis, où elles sont principalement utilisées pour remplir des formulaires préimprimés. Selon un réparateur de machines à écrire de Boston cité par le Boston Globe, « chaque maternité possède une machine à écrire, ainsi que les salons funéraires »."
] | Une machine à écrire est une machine mécanique ou électromécanique permettant d'écrire des caractères similaires à ceux produits par les caractères mobiles d'une imprimante au moyen de caractères actionnés par un clavier frappant un ruban pour transférer des impressions d'encre ou de carbone sur du papier. Généralement, un caractère est imprimé à chaque pression de touche. La machine imprime des caractères en réalisant des impressions à l'encre d'éléments de caractères similaires à ceux utilisés dans l'impression typographique à caractères mobiles.
À la fin du XIXe siècle, le terme machine à écrire était également appliqué à toute personne utilisant une telle machine.
Après leur invention dans les années 1860, les machines à écrire sont rapidement devenues des outils indispensables pour pratiquement tout écrit autre que la correspondance personnelle. Ils étaient largement utilisés par les écrivains professionnels, dans les bureaux et pour la correspondance commerciale dans les maisons privées. À la fin des années 1980, les traitements de texte et les ordinateurs personnels avaient largement remplacé les machines à écrire dans la plupart de ces utilisations dans le monde occidental, mais depuis les années 2010, la machine à écrire est toujours importante dans de nombreuses régions du monde, y compris en Inde.
Les fabricants notables de machines à écrire comprenaient E. Remington and Sons, IBM, Imperial Typewriters, Oliver Typewriter Company, Olivetti, Royal Typewriter Company, Smith Corona, Underwood Typewriter Company, Adler Typewriter Company et Olympia Werke. L'article sur Olympia Werke est disponible uniquement sur Wikipédia allemand.
Histoire
Bien que de nombreuses machines à écrire modernes aient l'un des nombreux modèles similaires, leur invention a été progressive, développée par de nombreux inventeurs travaillant indépendamment ou en concurrence les uns avec les autres sur une série de décennies. Comme pour l’automobile, le téléphone et le télégraphe, un certain nombre de personnes ont contribué à leurs idées et à leurs inventions qui ont finalement abouti à des instruments toujours plus performants sur le plan commercial. Les historiens estiment qu’une forme de machine à écrire a été inventée 52 fois alors que les penseurs tentaient de trouver un modèle réalisable.
Premières innovations
Certains des premiers instruments de frappe :
*En 1575, un graveur italien, Francesco Rampazzetto, inventa la scrittura tattile, une machine pour imprimer des lettres sur des papiers.
*En 1714, Henry Mill a obtenu un brevet en Grande-Bretagne pour une machine qui, d'après le brevet, semble avoir été similaire à une machine à écrire. Le brevet montre que cette machine a effectivement été créée : « [il] a, par ses grandes études, ses efforts et ses dépenses, inventé et perfectionné une machine ou une méthode artificielle pour imprimer ou transcrire des lettres, l'une après l'autre, comme par écrit, grâce à laquelle tous tout écrit pouvant être gravé sur du papier ou du parchemin si net et exact qu'il ne peut être distingué de l'impression ; que ladite machine ou méthode peut être d'une grande utilité dans les colonies et les archives publiques, l'impression étant plus profonde et plus durable que toute autre écriture, et ne doit pas être effacé ou contrefait sans découverte manifeste.
*En 1802, l'Italien Agostino Fantoni a développé une machine à écrire particulière pour permettre à sa sœur aveugle d'écrire.
*En 1808, l'Italien Pellegrino Turri inventa une machine à écrire. Il a également inventé le papier carbone pour fournir l'encre de sa machine.
*En 1823, l'Italien Pietro Conti di Cilavegna invente un nouveau modèle de machine à écrire, le tachigrafo, également connu sous le nom de tachitipo.
*En 1829, William Austin Burt a breveté une machine appelée « Typographer » qui, comme de nombreuses autres machines anciennes, est répertoriée comme la « première machine à écrire ». Le Science Museum de Londres le décrit simplement comme « le premier mécanisme d'écriture dont l'invention a été documentée », mais même cette affirmation est peut-être excessive, puisque l'invention de Turri est antérieure à elle. Même entre les mains de son inventeur, cette machine était plus lente que l’écriture manuscrite. Burt et son promoteur John D. Sheldon n'ont jamais trouvé d'acheteur pour le brevet, de sorte que l'invention n'a jamais été produite commercialement. Parce que le typographe utilisait un cadran plutôt que des touches pour sélectionner chaque caractère, on l'appelait une « machine à écrire à index » plutôt qu'une « machine à écrire à clavier ». Les machines à écrire à index de cette époque ressemblent davantage à la machine à gaufrer à pression des années 1960 qu'à la machine à écrire à clavier moderne.
Au milieu du XIXe siècle, le rythme croissant de la communication commerciale a créé un besoin de mécanisation du processus d'écriture. Les sténographes et les télégraphistes pouvaient noter des informations à une vitesse allant jusqu'à 130 mots par minute, tandis qu'un écrivain muni d'un stylo était limité à un maximum de 30 mots par minute (le record de vitesse de 1 853).
De 1829 à 1870, de nombreuses machines à imprimer ou à écrire ont été brevetées par des inventeurs en Europe et en Amérique, mais aucune n’a été produite commercialement.
*Charles Thurber a développé plusieurs brevets, dont le premier en 1843 a été développé pour aider les aveugles, comme le Chirographe de 1845.
*En 1855, l'Italien Giuseppe Ravizza créa un prototype de machine à écrire appelé Cembalo scrivano o macchina da scrivere a tasti (« Clavecin Scribe, ou machine à écrire avec touches »). Il s’agissait d’une machine avancée qui permettait à l’utilisateur de voir l’écriture au fur et à mesure qu’elle était tapée.
*En 1861, le père Francisco João de Azevedo, prêtre brésilien, fabriquait sa propre machine à écrire avec des matériaux et des outils de base, comme du bois et des couteaux. La même année, l'empereur brésilien D. Pedro II remit une médaille d'or au père Azevedo pour cette invention. De nombreux Brésiliens ainsi que le gouvernement fédéral brésilien reconnaissent le Père. Azevedo comme l'inventeur de la machine à écrire, une affirmation qui a fait l'objet d'une certaine controverse. En 1865, John Pratt, de Centre, en Alabama, a construit une machine appelée ptérotype qui est apparue dans un article du Scientific American de 1867 et a inspiré d'autres inventeurs. Entre 1864 et 1867, un menuisier du Tyrol du Sud (qui faisait alors partie de l'Autriche) développa plusieurs modèles et un prototype de machine à écrire entièrement fonctionnel en 1867.
*1895 a vu une brève production de la machine à écrire Ford, qui présentait la première machine à écrire avec une construction en aluminium et un mouvement de clé à poussée vers l'avant.
Boule d'écriture Hansen
En 1865, le révérend Rasmus Malling-Hansen du Danemark a inventé le Hansen Writing Ball, qui est entré en production commerciale en 1870 et a été la première machine à écrire vendue dans le commerce. Ce fut un succès en Europe et aurait été utilisé dans des bureaux à Londres jusqu'en 1909. Malling-Hansen utilisait un échappement à solénoïde pour retourner la cage sur certains de ses modèles, ce qui fait de lui un candidat au titre d'inventeur du premier machine à écrire "électrique".
D'après le livre Hvem er skrivekuglens opfinder ? (Anglais : Qui est l'inventeur de la boule d'écriture ?), écrit par la fille de Malling-Hansen, Johanne Agerskov, en 1865, Malling-Hansen a réalisé un modèle en porcelaine du clavier de sa boule d'écriture et a expérimenté différents placements des lettres pour atteindre la vitesse d'écriture la plus rapide. Malling-Hansen plaçait les lettres sur de courts pistons qui traversaient directement la balle et descendaient jusqu'au papier. Ceci, combiné au placement des lettres de manière à ce que les doigts d'écriture les plus rapides frappent les lettres les plus fréquemment utilisées, ont fait de la Hansen Writing Ball la première machine à écrire à produire du texte beaucoup plus rapidement qu'une personne ne pourrait écrire à la main.
Le Hansen Writing Ball a été produit avec uniquement des caractères majuscules. La boule d'écriture a été utilisée comme modèle par l'inventeur Frank Haven Hall pour créer un dérivé qui produirait des impressions de lettres moins chères et plus rapides.
Malling-Hansen perfectionna sa machine à écrire au cours des années 1870 et 1880 et y apporta de nombreuses améliorations, mais la tête d'écriture resta la même. Sur le premier modèle de boule à écrire de 1870, le papier était fixé à un cylindre à l'intérieur d'une boîte en bois. En 1874, le cylindre est remplacé par un chariot se déplaçant sous la tête d'écriture. Puis, en 1875, le fameux « modèle haut » fut breveté, qui fut la première des billes d'écriture fonctionnant sans électricité. Malling-Hansen assista aux expositions universelles de Vienne en 1873 et de Paris en 1878 et reçut le premier prix pour son invention lors des deux expositions.
Machine à écrire Sholes et Glidden
La première machine à écrire à connaître un succès commercial a été inventée en 1868 par les Américains Christopher Latham Sholes, Frank Haven Hall, Carlos Glidden et Samuel W. Soule à Milwaukee, Wisconsin, bien que Sholes ait rapidement renié la machine et refusé de l'utiliser, voire de la recommander. Cela ressemblait "à quelque chose comme un croisement entre un piano et une table de cuisine". Le prototype fonctionnel a été réalisé par le machiniste Matthias Schwalbach. Le brevet (US 79 265) a été vendu pour 12 000 $ à Densmore et Yost, qui ont conclu un accord avec E. Remington and Sons (alors célèbre en tant que fabricant de machines à coudre) pour commercialiser la machine sous le nom de Sholes and Glidden Type-Writer.
Ce fut l'origine du terme machine à écrire. Remington a commencé la production de sa première machine à écrire le 1er mars 1873 à Ilion, New York. Elle disposait d'un clavier QWERTY qui, en raison du succès de la machine, fut lentement adopté par d'autres fabricants de machines à écrire. Comme avec la plupart des autres premières machines à écrire, les barres de caractères étant dirigées vers le haut, le dactylo ne pouvait pas voir les caractères au fur et à mesure qu'ils étaient tapés.
Standardisation
Vers 1910, la machine à écrire « manuelle » ou « mécanique » avait atteint une conception quelque peu standardisée. Il y avait des variations mineures d'un fabricant à l'autre, mais la plupart des machines à écrire suivaient le concept selon lequel chaque touche était attachée à une barre de caractères sur laquelle la lettre correspondante était moulée, à l'envers, dans sa tête de frappe. Lorsqu'une touche était frappée vivement et fermement, la barre de caractères heurtait un ruban (généralement fait de tissu encré), créant une marque imprimée sur le papier enroulé autour d'un plateau cylindrique. La platine était montée sur un chariot qui se déplaçait vers la gauche ou la droite, avançant automatiquement la position de frappe horizontalement après la saisie de chaque caractère. Le papier, enroulé autour de la platine de la machine à écrire, était ensuite avancé verticalement par le levier de « retour chariot » (à l'extrême gauche, ou parfois à l'extrême droite) en position pour chaque nouvelle ligne de texte. Une petite cloche était sonnée pour avertir l'opérateur lorsqu'il fallait utiliser le levier latéral pour ramener le papier au début de chaque ligne.
Frappe de front
Dans la plupart des premières machines à écrire, les barres de caractères frappaient vers le haut contre le papier, appuyées contre le bas de la platine, de sorte que le dactylographe ne pouvait pas voir le texte au fur et à mesure qu'il était tapé. Ce qui était tapé n'était pas visible jusqu'à ce qu'un retour chariot le fasse défiler. La difficulté avec tout autre arrangement était de garantir que les barres de caractères se remettaient en place de manière fiable lorsque la touche était relâchée. Ceci a finalement été réalisé grâce à diverses conceptions mécaniques ingénieuses et aux soi-disant « machines à écrire visibles » qui utilisaient la frappe frontale, dans lesquelles les barres de caractères frappaient vers l'avant contre la face avant de la platine, sont devenues la norme.
L'une des premières fut la Daugherty Visible, introduite en 1893, qui introduisit également le clavier à quatre banques qui devint standard, bien que l'Underwood, sortie deux ans plus tard, fut la première grande machine à écrire dotée de ces caractéristiques. Cependant, les anciens modèles « non visibles » ont continué à être produits jusqu'en 1915.
Touche Majuscule
Une innovation significative a été la touche Maj, introduite avec la Remington No. 2 en 1878. Cette touche « décalait » physiquement soit le panier de barres de caractères, auquel cas la machine à écrire est décrite comme « changement de panier », soit le chariot porte-papier, auquel cas la machine à écrire est qualifiée de « changement de chariot ». L'un ou l'autre mécanisme faisait entrer en contact une partie différente de la barre de caractères avec le ruban/la platine. Le résultat est que chaque barre de type peut saisir deux caractères différents, réduisant de moitié le nombre de touches et de barres de type (et simplifiant considérablement les mécanismes internes). L'utilisation évidente de cela était de permettre aux touches alphabétiques de taper à la fois des majuscules et des minuscules, mais normalement les touches numériques étaient également duplexées, permettant l'accès à des symboles spéciaux tels que le pourcentage (%) et l'esperluette (&).
Avant la touche Maj, les machines à écrire devaient avoir une touche et une barre de saisie distinctes pour les lettres majuscules ; en substance, la machine à écrire avait deux claviers superposés. Avec la touche Maj, les coûts de fabrication (et donc le prix d'achat) ont été considérablement réduits et le fonctionnement de la dactylo a été simplifié ; ces deux facteurs ont grandement contribué à l’adoption massive de la technologie. Certains modèles, comme le Barlet, avaient un double décalage afin que chaque touche remplisse trois fonctions. Ces petites machines à trois rangées étaient portables et pouvaient être utilisées par les journalistes.
Cependant, comme la touche Maj nécessitait plus de force pour être poussée (son mécanisme déplaçait une masse beaucoup plus importante que les autres touches) et était actionnée par le petit doigt (normalement le doigt le plus faible de la main), il était difficile de maintenir la touche Maj enfoncée. pendant plus de deux ou trois coups consécutifs. La clé « shift lock » (le précurseur du verrouillage moderne des majuscules) permettait de maintenir indéfiniment l'opération de changement de vitesse.
La touche TAB
Pour faciliter l'utilisation de la machine à écrire dans un environnement professionnel, une touche de tabulation (tabulation) a été ajoutée à la fin du XIXe siècle. Avant d'utiliser la clé, l'opérateur devait régler des « butées de tabulation » mécaniques, des emplacements prédéfinis vers lesquels le chariot avancerait lorsque la touche de tabulation était enfoncée. Cela a facilité la saisie de colonnes de chiffres, libérant l'opérateur de la nécessité de positionner manuellement le chariot. Les premiers modèles avaient un taquet de tabulation et une touche de tabulation ; les plus récents autorisaient autant d'arrêts que souhaité, et avaient parfois plusieurs touches de tabulation, dont chacune déplaçait le chariot d'un nombre différent d'espaces en avant de la virgule décimale (la butée de tabulation), pour faciliter la saisie de colonnes avec des nombres de longueur différente ( 1,00 $, 10,00 $, 100,00 $, etc.)
Tailles des caractères
Dans les pays anglophones, les machines à écrire courantes imprimant des caractères à largeur fixe étaient standardisées pour imprimer six lignes horizontales par pouce vertical et avaient l'une des deux variantes de largeur de caractère, appelée « pica » pour dix caractères par pouce horizontal et « élite » pour douze. Cela différait de l'utilisation de ces termes en imprimerie, où ils font référence à la hauteur des caractères sur la page (« pica » désignant dix lignes horizontales par pouce vertical).
Certaines machines à écrire ont été conçues pour imprimer des caractères très grands (généralement double hauteur, double largeur) à des fins d'étiquetage. Les numéros de classification des livres dans les bibliothèques pourraient être effectués de cette façon.
Couleur
Certains rubans étaient encrés de rayures noires et rouges, chacune mesurant la moitié de la largeur et s'étendant sur toute la longueur du ruban. Un levier sur la plupart des machines permettait de basculer entre les couleurs, ce qui était utile pour les écritures comptables où les montants négatifs étaient surlignés en rouge. La couleur rouge était également utilisée sur certains caractères sélectionnés dans le texte en cours, pour mettre l'accent. Lorsqu'une machine à écrire disposait de cette fonctionnalité, elle pouvait encore être équipée d'un solide ruban noir ; le levier était ensuite utilisé pour passer à un nouveau ruban lorsque la première bande manquait d'encre. Certaines machines à écrire avaient également une troisième position qui empêchait complètement le ruban de frapper. Cela permettait aux touches de toucher le papier sans obstruction et était utilisé pour découper des pochoirs pour les duplicateurs de pochoirs (alias machines à polycopier).
Des modèles « silencieux »
Au début du 20e siècle, une machine à écrire était commercialisée sous le nom de « Noiseless » et présentée comme « silencieuse ». Il a été développé par Wellington Parker Kidder et le premier modèle a été commercialisé par la Noiseless Typewriter Company en 1917. Un accord avec Remington en 1924 a vu la production transférée à Remington, et un autre accord en 1929 a permis à Underwood de le produire également. //web.archive.org/web/20091028054256/http://www.geocities.com/wbd641/UndNoiselessAd.html OOcities.com] Reproduction d'une publicité pour les machines à écrire Noiseless, avec liste des modèles et schéma du mécanisme de la barre de type Portables Noiseless vendus bien dans les années 1930 et 1940, et des standards silencieux ont continué à être fabriqués jusque dans les années 1960.
Dans une machine à écrire conventionnelle, la barre de caractères atteint la fin de sa course simplement en frappant le ruban et le papier. Une machine à écrire « silencieuse » possède un mécanisme de levier complexe qui ralentit mécaniquement la barre de caractères avant de la presser contre le ruban et le papier pour tenter d'amortir le bruit. Cela a certainement réduit le contenu haute fréquence du son, le rendant plus comme un « claquement » que comme un « clac » et sans doute moins intrusif, mais des publicités telles que « Une machine qui peut être utilisée à quelques mètres de votre bureau — Et ne pas être entendu" n'étaient pas vrais.
Conceptions électriques
Bien que les machines à écrire électriques n'atteignirent une grande popularité que près d'un siècle plus tard, les bases de la machine à écrire électrique furent posées par le Universal Stock Ticker, inventé par Thomas Edison en 1870. Cet appareil imprimait à distance des lettres et des chiffres sur un flux de ruban de papier depuis entrée générée par une machine à écrire spécialement conçue à l’autre extrémité d’une ligne télégraphique.
Premiers modèles électriques
La première machine à écrire électrique a été produite par la Blickensderfer Manufacturing Company, de Stamford, Connecticut, en 1902. Comme les machines à écrire manuelles Blickensderfer, elle utilisait une roue à caractères cylindrique plutôt que des barres de caractères individuelles. Ce ne fut pas un succès commercial, peut-être parce qu’à l’époque l’électricité n’était pas standardisée et que la tension variait d’une ville à l’autre. L'étape suivante dans le développement de la machine à écrire électrique eut lieu en 1910, lorsque Charles et Howard Krum déposèrent un brevet pour le premier téléimprimeur pratique. La machine des Krums, nommée Morkrum Printing Telegraph, utilisait une roue à caractères plutôt que des barres de caractères individuelles. Cette machine a été utilisée pour le premier système de téléscripteur commercial sur les lignes de la Postal Telegraph Company entre Boston et New York en 1910.
La première machine à écrire Olympia a été inventée en 1903, mais le premier modèle Olympia à succès, le modèle 3, a été lancé en 1923. Les machines à écrire Olympia ont connu le plus grand succès en Allemagne, le pays de l'invention, mais entre 1950 et 1970, des usines de fabrication ont ouvert leurs portes au Canada. , l'Irlande, le Mexique et le Chili. Les machines à écrire portables Olympia étaient les plus populaires parmi tous les différents modèles produits par Olympia. Les machines à écrire Olympia étaient connues pour leur « savoir-faire, leur design accrocheur et leur innovation continue ». Certaines des caractéristiques novatrices de la machine à écrire Olympia étaient des touches à ressort individuelles, qui offraient un confort et un amorti supplémentaires ; différentes couleurs comme le caramel, l'aigue-marine menthe et le rose ; et options de saisie de script. Il existait même une version à une main d'une machine à écrire Olympia, la Model 8, destinée aux utilisateurs handicapés.
James Fields Smathers de Kansas City a inventé ce qui est considéré comme la première machine à écrire électrique pratique en 1914. En 1920, après son retour du service militaire, il a produit un modèle à succès et en 1923 l'a confié à la Northeast Electric Company de Rochester pour le développement. Northeast souhaitait trouver de nouveaux marchés pour ses moteurs électriques et développa le modèle de Smathers afin qu'il puisse être commercialisé auprès des fabricants de machines à écrire. À partir de 1925, les machines à écrire Remington Electric furent produites, alimentées par les moteurs de Northeast.
Après la production de quelque 2 500 machines à écrire électriques, Northeast a demandé à Remington un contrat ferme pour le prochain lot. Cependant, Remington était engagé dans des pourparlers de fusion qui aboutiraient finalement à la création de Remington Rand et aucun dirigeant n'était disposé à s'engager sur une commande ferme. Northeast a plutôt décidé de se lancer dans le secteur des machines à écrire et, en 1929, a produit la première machine à écrire électromatique.
En 1928, Delco, une division de General Motors, a acheté Northeast Electric et l'activité des machines à écrire a été scindée sous le nom d'Electromatic Typewriters, Inc. En 1933, Electromatic a été rachetée par IBM, qui a ensuite consacré une refonte à la machine à écrire Electromatic, lançant la IBM Electric Typewriter Model 01 en 1935. En 1958, IBM tirait 8 % de ses revenus de la vente de machines à écrire électriques.
En 1931, une machine à écrire électrique a été introduite par Varityper Corporation. On l'appelait Varityper, car une roue étroite en forme de cylindre pouvait être remplacée pour changer la police.
Les conceptions des machines à écrire électriques supprimaient la connexion mécanique directe entre les touches et l'élément qui frappait le papier. À ne pas confondre avec les machines à écrire électroniques ultérieures, les machines à écrire électriques ne contenaient qu'un seul composant électrique : le moteur. Là où la frappe au clavier déplaçait auparavant directement une barre de caractères, elle engageait désormais des liaisons mécaniques qui dirigeaient la puissance mécanique du moteur vers la barre de caractères.
En 1941, IBM a annoncé la machine à écrire électrique Electromatic Model 04, dotée du concept révolutionnaire d'espacement proportionnel. En attribuant un espacement varié plutôt qu'uniforme aux caractères de différentes tailles, le Type 4 a recréé l'apparence d'une page imprimée, un effet qui a été encore amélioré par une innovation de ruban de machine à écrire qui a produit des mots plus clairs et plus nets sur la page. La fonction d'espacement proportionnel est devenue un incontournable des machines à écrire de la série IBM Executive.
IBM Électrique
Les machines à écrire électriques IBM et Remington Rand étaient les principaux modèles jusqu'à ce qu'IBM présente la machine à écrire IBM Selectric en 1961, qui remplaçait les barres de caractères par un élément sphérique (ou balle de type) légèrement plus petit qu'une balle de golf, avec des lettres à image inversée moulées dans sa surface. Le Selectric utilisait un système de loquets, de bandes métalliques et de poulies entraînées par un moteur électrique pour faire tourner la balle dans la bonne position, puis la frapper contre le ruban et le plateau. La bille se déplaçait latéralement devant le papier, au lieu des modèles précédents utilisant un chariot porte-platine déplaçant le papier dans une position d'impression stationnaire.
En raison de la similitude physique, le typeball était parfois appelé « balle de golf ». La conception de la typeball présentait de nombreux avantages, notamment l'élimination des "bourrages" (lorsque plus d'une touche était enfoncée à la fois et que les barres de caractères s'emmêlent) et la possibilité de changer la typeball, permettant d'utiliser plusieurs polices dans un seul document.
L'IBM Selectric est devenue un succès commercial, dominant le marché des machines à écrire de bureau pendant au moins deux décennies. IBM a également obtenu un avantage en faisant davantage de marketing auprès des écoles que Remington, avec l'idée que les étudiants qui ont appris à taper sur une Selectric choisiraient plus tard les machines à écrire IBM plutôt que la concurrence sur le lieu de travail, les entreprises remplaçant leurs anciens modèles manuels. Dans les années 1970, IBM avait réussi à établir la Selectric comme la machine à écrire standard de facto dans les environnements de bureau de milieu à haut de gamme, remplaçant le « clac » rauque des anciennes machines à barres de caractères par le son plus silencieux des billes de type giratoires.
Les modèles ultérieurs d'IBM Executives et de Selectrics ont remplacé les rubans en tissu encré par des rubans à « film de carbone » comportant une poudre sèche noire ou colorée sur un ruban en plastique transparent. Celles-ci ne pouvaient être utilisées qu'une seule fois, mais les modèles ultérieurs utilisaient une cartouche simple à remplacer. Un effet secondaire de cette technologie était que le texte tapé sur la machine pouvait être facilement lu à partir du ruban utilisé, ce qui soulevait des problèmes lorsque les machines étaient utilisées pour préparer des documents classifiés (les rubans devaient être pris en compte pour garantir que les dactylographes ne les transportaient pas depuis la facilité).
Une variante connue sous le nom de "Correcting Selectrics" a introduit une fonction de correction, où un ruban adhésif devant le ruban de film de carbone pouvait supprimer l'image en poudre noire d'un caractère tapé, éliminant ainsi le besoin de petites bouteilles de liquide correcteur blanc à tamponner et pour les gommes dures qui pourraient déchirer le papier. Ces machines ont également introduit un « pas » sélectionnable afin que la machine à écrire puisse basculer entre le type pica (10 caractères par pouce) et le type élite (12 par pouce), même dans un seul document. Malgré cela, tous les Selectric étaient à espacement fixe : chaque caractère et chaque espace de lettres se voyait attribuer la même largeur sur la page, d'un « W » majuscule à un point. Bien qu'IBM ait produit avec succès une machine basée sur une barre de caractères avec cinq niveaux d'espacement proportionnel, appelée IBM Executive, l'espacement proportionnel n'était pas fourni avec la machine à écrire Selectric ou ses successeurs, la Selectric II et la Selectric III.
La seule machine à écrire Selectric entièrement électromécanique avec un espacement entièrement proportionnel et qui utilisait un élément de type Selectric était la coûteuse Selectric Composer, qui était capable de justifier la marge droite et était considérée comme une machine à composer plutôt qu'une machine à écrire.
En plus de ses successeurs électroniques, le Magnetic Tape Selectric Composer (MT/SC), le Mag Card Selectric Composer et l'Electronic Selectric Composer, IBM a également fabriqué des machines à écrire électroniques à espacement proportionnel utilisant l'élément Selectric qui étaient plutôt considérées comme des machines à écrire ou des traitements de texte. de machines à composer.
Le premier d’entre eux était le relativement obscur Mag Card Executive, qui utilisait des éléments de 88 caractères. Plus tard, certains des mêmes styles de caractères utilisés pour celui-ci ont été utilisés sur les éléments de 96 caractères utilisés sur l'IBM Electronic Typewriter 50 et les modèles ultérieurs 65 et 85.
En 1970, alors que l’impression offset commençait à remplacer l’impression typographique, le Composer serait adapté comme unité de sortie pour un système de composition. Le système comprenait une station de saisie pilotée par ordinateur pour capturer les frappes sur la bande magnétique et insérer les commandes de format de l'opérateur, ainsi qu'une unité Composer pour lire la bande et produire le texte formaté pour la reproduction de photos.
Avantages :
* raisonnablement rapide, sans bourrage et fiable
* relativement silencieux et, surtout, exempt de vibrations majeures
* pourrait produire des sorties en minuscules et majuscules de haute qualité, par rapport aux concurrents tels que les machines Teletype
* pourrait être activé par une action mécanique courte et faible, permettant une interface plus facile avec les commandes électroniques
* ne nécessitait pas le mouvement d'un "type panier" lourd pour basculer entre les minuscules et les majuscules, permettant une vitesse plus élevée sans impacts importants
* ne nécessitait pas que l'ensemble rouleau de platine se déplace d'un côté à l'autre (un problème avec le papier à alimentation continue utilisé pour l'impression automatisée)
Le terminal IBM 2741 était un exemple populaire de terminal informatique basé sur Selectric, et des mécanismes similaires ont été utilisés comme consoles pour de nombreux ordinateurs IBM System/360. Ces mécanismes utilisaient des conceptions « robustes » par rapport à celles des machines à écrire de bureau standard.
Modèles électriques ultérieurs
Certaines des avancées d'IBM ont ensuite été adoptées dans des machines concurrentes moins chères. Par exemple, les machines à écrire électriques Smith-Corona des années 1970 utilisaient des cartouches à ruban interchangeables, notamment des versions en tissu, en film, à effacer et bicolores. À peu près au même moment, l’avènement de la photocopie signifiait que les copies carbone et les gommes étaient de moins en moins nécessaires ; il suffit de dactylographier l'original et d'en faire des photocopies.
Hybrides machine à écrire/imprimante
Vers la fin de la popularité commerciale des machines à écrire dans les années 1970, un certain nombre de modèles hybrides combinant les caractéristiques des imprimantes ont été introduits. Ceux-ci incorporaient souvent des claviers de modèles de machines à écrire existants et des mécanismes d'impression d'imprimantes matricielles. La génération de téléimprimeurs équipés de moteurs d'impression à broches à impact n'était pas adaptée à la qualité exigeante requise pour la sortie dactylographiée, et les technologies alternatives de transfert thermique utilisées dans les imprimantes d'étiquettes thermiques étaient devenues techniquement réalisables pour les machines à écrire.
IBM a produit une série de machines à écrire appelées Thermotronic avec une sortie de qualité lettre et une bande correctrice, ainsi que des imprimantes étiquetées Quietwriter. Brother a prolongé la durée de vie de sa gamme de machines à écrire avec des produits similaires. Le développement de ces moteurs d'impression exclusifs a fourni aux fournisseurs des marchés exclusifs pour les rubans consommables et la possibilité d'utiliser des moteurs d'impression standardisés avec différents degrés de sophistication électronique et logicielle pour développer des gammes de produits. Bien que ces changements aient réduit les prix – et augmenté considérablement la commodité – des machines à écrire, la perturbation technologique provoquée par les traitements de texte n’a laissé ces améliorations qu’un marché bas de gamme à court terme. Pour prolonger la durée de vie de ces produits, de nombreux exemplaires ont été dotés de ports de communication pour les connecter à des ordinateurs comme des imprimantes.
Machines à écrire électroniques
Le dernier développement majeur de la machine à écrire fut la machine à écrire « électronique ». La plupart d'entre eux ont remplacé la bille par un mécanisme de marguerite en plastique ou en métal (un disque avec les lettres moulées sur le bord extérieur des « pétales »). Le concept de marguerite est apparu pour la première fois dans les imprimantes développées par Diablo Systems dans les années 1970. En 1981, Xerox Corporation, qui avait alors racheté Diablo Systems, a lancé une gamme de machines à écrire électroniques intégrant cette technologie (la gamme de produits Memorywriter). Pendant un certain temps, ces produits ont connu un grand succès car leur marguerite en plastique était beaucoup plus simple et moins chère que la bille en métal et leur mémoire et leur affichage électroniques permettaient à l'utilisateur de voir facilement les erreurs et de les corriger avant qu'elles ne soient réellement imprimées. L’un des problèmes des marguerites en plastique était qu’elles n’étaient pas toujours durables. Pour résoudre ce problème, des marguerites métalliques plus durables ont été mises à disposition (mais à un prix légèrement plus élevé).
Ces machines à écrire électroniques et d'autres similaires étaient essentiellement des traitements de texte dédiés dotés soit d'écrans LCD à une seule ligne, soit d'écrans CRT multilignes, d'éditeurs de lignes intégrés dans la ROM, d'un vérificateur d'orthographe et de grammaire, de quelques kilo-octets de RAM interne et d'une cartouche en option, magnétique. dispositifs de stockage de mémoire externe sur carte ou sur disquette pour stocker des formats de texte et même de documents. Le texte peut être saisi ligne ou paragraphe à la fois et modifié à l'aide de l'écran et des outils logiciels intégrés avant d'être mis sur papier.
Contrairement aux Selectrics et aux modèles antérieurs, ceux-ci étaient réellement « électroniques » et reposaient sur des circuits intégrés et de multiples composants électromécaniques. Ces machines à écrire étaient parfois appelées machines à écrire à affichage, traitements de texte dédiés ou machines à écrire de traitement de texte, bien que ce dernier terme soit également fréquemment appliqué à des machines moins sophistiquées qui ne comportaient qu'un petit écran, parfois juste une seule rangée. Les modèles sophistiqués étaient également appelés traitements de texte, bien qu'aujourd'hui ce terme désigne presque toujours un type de logiciel. Les fabricants de ces machines comprenaient Brother (Brother WP1 et WP500, etc., où WP signifiait traitement de texte), Canon (Canon Cat), Smith-Corona (PWP, c'est-à-dire ligne de traitement de texte personnel) et Philips/Magnavox (VideoWriter).
Image:type.jpg|Machine à écrire électronique – la dernière étape du développement de la machine à écrire. Un Canon Typestar 110 de 1989
Fichier : Brother WP1-IMG 6991.jpg | La Brother WP1, une machine à écrire électronique dotée d'un petit écran et d'un lecteur de disquettes
Fin d'une époque
Les années 1970 et le début des années 1980 ont été une période de transition pour les machines à écrire et les traitements de texte. À un moment donné, la plupart des bureaux des petites entreprises seraient complètement « à l'ancienne », tandis que les grandes entreprises et les ministères seraient déjà du « nouveau style » ; d'autres bureaux auraient un mélange. Le rythme du changement était si rapide qu'il était courant que le personnel de bureau doive apprendre plusieurs nouveaux systèmes, l'un après l'autre, en quelques années seulement. Même si des changements aussi rapides sont monnaie courante aujourd’hui et sont tenus pour acquis, cela n’a pas toujours été le cas ; en fait, la technologie de la dactylographie a très peu changé au cours de ses 80 ou 90 premières années.
En raison de la baisse des ventes, IBM a vendu sa division machines à écrire en 1991 à Lexmark, sortant ainsi complètement d'un marché qu'elle dominait autrefois.
La domination croissante des ordinateurs personnels, de la publication assistée par ordinateur, l'introduction de technologies d'imprimantes laser et à jet d'encre peu coûteuses et de très haute qualité, ainsi que l'utilisation généralisée de la publication sur le Web, du courrier électronique et d'autres techniques de communication électronique ont largement remplacé les machines à écrire aux États-Unis. États. Pourtant, les machines à écrire ont continué à être utilisées par un certain nombre d'agences gouvernementales et d'autres institutions aux États-Unis, où elles sont principalement utilisées pour remplir des formulaires préimprimés. Selon un réparateur de machines à écrire de Boston cité par le Boston Globe, « chaque maternité possède une machine à écrire, ainsi que les salons funéraires ».
La ville de New York est un utilisateur assez important de machines à écrire, qui a acheté en 2008 plusieurs milliers de machines à écrire, principalement destinées à la police de New York, pour un coût total de 982 269 dollars. Un montant supplémentaire de 99 570 $ a été dépensé en 2009 pour l'entretien des machines à écrire existantes. Les policiers de New York utiliseraient ces machines pour saisir les pièces justificatives de propriété et de preuves sur des formulaires en papier carbone.
Il existe un marché plutôt spécialisé pour les machines à écrire en raison des réglementations de nombreux systèmes pénitentiaires aux États-Unis, où il est interdit aux détenus de posséder des ordinateurs ou des équipements de télécommunication, mais sont autorisés à posséder des machines à écrire. La société Swintec (dont le siège est à Moonachie, dans le New Jersey), qui, depuis 2011, produisait encore des machines à écrire dans ses usines à l'étranger (au Japon, en Indonésie et/ou en Malaisie), fabrique une variété de machines à écrire destinées aux prisons, en plastique transparent. plastique (pour qu'il soit plus difficile pour les prisonniers de cacher des objets interdits à l'intérieur). En 2011, l'entreprise avait des contrats avec des prisons dans 43 États américains.
En avril 2011, Godrej and Boyce, un fabricant de machines à écrire mécaniques basé à Mumbai, a fermé ses portes, provoquant une vague de reportages erronés selon lesquels « la dernière machine à écrire au monde était fabriquée ». | http://quiz4free.com/ |
En quelle année a été le premier « lièvre mécanique » utilisé dans les courses de lévriers ? | 1919 | [
"Les courses de lévriers modernes trouvent leurs origines dans les courses de chiens. Encyclopædia Britannica, édition de la bibliothèque en ligne, Encyclopædia Britannica, Inc., 2012. [http://library.eb.co.uk/eb/article-9030788 Web. 5 février 2012] La première tentative enregistrée de course de lévriers sur une piste droite a été réalisée à côté du réservoir Welsh Harp, à Hendon, en Angleterre, en 1876, mais cette expérience n'a pas abouti. L'industrie a émergé sous sa forme moderne reconnaissable, avec des pistes circulaires ou ovales, avec l'invention du lièvre mécanique ou artificiel, en 1912, par un Américain, Owen Patrick Smith. O.P. Smith avait des objectifs altruistes pour que l'industrie arrête le massacre des lapins et voit « les courses de lévriers comme nous voyons les courses de chevaux ». En 1919, Smith a ouvert la première piste professionnelle de courses de chiens avec des stands à Emeryville, en Californie. Le système de certificats a ouvert la voie aux paris parimutuels, comme les jeux de carrière et les jeux de hasard, aux États-Unis dans les années 1930."
] | Les courses de lévriers sont un sport organisé et compétitif dans lequel des chiens lévriers courent autour d'une piste. Il existe deux formes de courses de lévriers : les courses sur piste (normalement autour d'une piste ovale) et les coursing. Les courses sur piste utilisent un leurre artificiel (maintenant basé sur une manche à air) qui se déplace devant les chiens sur un rail jusqu'à ce que les lévriers franchissent la ligne d'arrivée. Comme pour les courses de chevaux, les courses de lévriers permettent souvent au public de parier sur le résultat. En courant, les chiens poursuivent un leurre (à l'origine un lièvre ou un lapin vivant qui pourrait être tué par le chien).
Dans de nombreux pays, les courses de lévriers sont purement amateurs et uniquement pour le plaisir. Dans d'autres pays, notamment en Australie, en Irlande, à Macao, au Mexique, en Espagne, au Royaume-Uni et aux États-Unis, les courses de lévriers font partie de l'industrie du jeu et sont similaires aux courses de chevaux, bien que beaucoup moins rentables. Les groupes de défense des droits des animaux critiquent le bien-être des chiens dans l'industrie des courses commerciales où, dans certains pays, les dresseurs de chiens utilisent illégalement des appâts vivants. Un mouvement d'adoption de lévriers a vu le jour pour aider les chiens de course à la retraite à trouver un foyer comme animal de compagnie, avec un taux d'adoption estimé à plus de 90 % aux États-Unis.
Histoire
Les courses de lévriers modernes trouvent leurs origines dans les courses de chiens. Encyclopædia Britannica, édition de la bibliothèque en ligne, Encyclopædia Britannica, Inc., 2012. [http://library.eb.co.uk/eb/article-9030788 Web. 5 février 2012] La première tentative enregistrée de course de lévriers sur une piste droite a été réalisée à côté du réservoir Welsh Harp, à Hendon, en Angleterre, en 1876, mais cette expérience n'a pas abouti. L'industrie a émergé sous sa forme moderne reconnaissable, avec des pistes circulaires ou ovales, avec l'invention du lièvre mécanique ou artificiel, en 1912, par un Américain, Owen Patrick Smith. O.P. Smith avait des objectifs altruistes pour que l'industrie arrête le massacre des lapins et voit « les courses de lévriers comme nous voyons les courses de chevaux ». En 1919, Smith a ouvert la première piste professionnelle de courses de chiens avec des stands à Emeryville, en Californie. Le système de certificats a ouvert la voie aux paris parimutuels, comme les jeux de carrière et les jeux de hasard, aux États-Unis dans les années 1930.
La piste ovale et le lièvre mécanique ont été introduits en Grande-Bretagne, en 1926, par un autre Américain, Charles Munn, en association avec le major Lyne-Dixson, un Canadien qui était une figure clé du coursing. Trouver d'autres partisans s'est toutefois avéré assez difficile et, à l'approche de la grève générale de 1926, les deux hommes ont parcouru le pays pour tenter d'en trouver d'autres qui pourraient les rejoindre. Finalement, ils rencontrèrent le brigadier-général Critchley, qui les présenta à son tour à Sir William Gentle. À eux deux, ils ont collecté 22 000 £ et, comme l'« International Greyhound Racing Association » américaine (ou I.G.R.A.), ils ont lancé la Greyhound Racing Association en organisant la première réunion britannique au stade Belle Vue de Manchester. L'industrie a connu du succès dans les villes et villages du Royaume-Uni : à la fin de 1927, quarante voies étaient en activité.
L'industrie des courses de lévriers était particulièrement attractive pour un public ouvrier majoritairement masculin, pour qui les emplacements urbains des pistes et les horaires des réunions en soirée étaient accessibles, ainsi que pour les clients et propriétaires issus de divers milieux sociaux. Les paris ont toujours été un ingrédient clé des courses de lévriers, à la fois par l'intermédiaire des bookmakers sur le parcours et du totalisateur, introduit pour la première fois en 1930. Comme les courses de chevaux, il est populaire de parier sur les courses de lévriers comme forme de pari mutuel.
Les courses de lévriers ont connu leur plus forte fréquentation au Royaume-Uni juste après la Seconde Guerre mondiale : par exemple, il y avait 34 millions de spectateurs payants en 1946. L'industrie a connu un déclin à partir du début des années 1960, après que la loi britannique de 1960 sur les paris et les jeux ait autorisé les paris en espèces hors parcours. . Le parrainage, la couverture télévisée limitée et la suppression ultérieure de la taxe sur les paris sur les parcours ont partiellement compensé cette baisse.
Aujourd'hui
Les courses commerciales de lévriers sont caractérisées par plusieurs critères, notamment le jeu légalisé, l'existence d'une structure réglementaire, la présence physique d'hippodromes, la participation de l'État hôte ou de la subdivision aux revenus du jeu, les frais facturés par les lieux d'accueil, le recours à des chenils de courses professionnels. , le nombre de chiens participant aux courses, l'existence d'un code de course officiel et l'appartenance à une fédération ou à une association professionnelle de courses de lévriers.
En plus des huit pays où existent des courses commerciales de lévriers, dans au moins vingt et un pays, des courses de chiens ont lieu mais n'ont pas atteint le stade commercial.
Soins médicaux
Les groupes d'adoption de lévriers rapportent fréquemment que les chiens des pistes ont des problèmes dentaires, dont la cause est débattue. Les groupes constatent également souvent que les chiens sont porteurs de maladies et de parasites transmis par les tiques en raison du manque de traitements préventifs appropriés. Les chiens doivent être vaccinés régulièrement pour minimiser les épidémies de maladies telles que la toux de chenil.
Récemment, le dopage est également apparu comme un problème dans les courses de lévriers. L'industrie des courses travaille activement pour empêcher la propagation de cette pratique ; des tentatives sont faites pour récupérer des échantillons d'urine de tous les lévriers participant à une course, pas seulement des vainqueurs. Les lévriers dont les échantillons ne peuvent être obtenus pour un certain nombre de courses consécutives sont susceptibles d'être exclus de la piste. Les contrevenants sont passibles de sanctions pénales et de la perte de leur licence de course par les commissions des jeux de l'État et d'une interdiction permanente de la National Greyhound Association. L'entraîneur du lévrier est à tout moment "l'assureur absolu" de l'état de l'animal. L'entraîneur est responsable de tout test positif, quelle que soit la manière dont la substance interdite est entrée dans le système du lévrier.
La vie après la course
Généralement, la carrière d'un lévrier se termine entre quatre et six ans, lorsque le chien ne peut plus courir, ou éventuellement lorsqu'il n'est plus compétitif.
Les meilleurs chiens sont élevés pour la reproduction, et il existe à la fois des groupes d'adoption associés à l'industrie et des groupes de sauvetage qui s'efforcent d'obtenir des lévriers de course à la retraite et de les placer comme animaux de compagnie. Au Royaume-Uni, selon la BBC, un lévrier retraité sur quatre trouve un foyer comme animal de compagnie. Aux États-Unis, avant la formation des groupes d'adoption, plus de 20 000 lévriers à la retraite étaient tués chaque année ; des estimations récentes se chiffrent toujours par milliers, l'industrie affirmant qu'environ 90 % des animaux enregistrés auprès de la National Greyhound Association sont soit adoptés, soit renvoyés à des fins de reproduction (selon l'industrie, plus de 2 000 chiens sont encore euthanasiés chaque année aux États-Unis, tandis que les groupes anti-course estiment ce chiffre à plus de 12 000.)[http://www.gra-america.org/media_kit/press/mediakit.html Kit média de la Greyhound Racing Association] : Les chiffres de l'industrie référencés n'incluent pas d'informations sur les portées, ni les résultats pour les chiens après avoir terminé leur carrière de reproducteurs. Les statistiques varient selon l'organisation déclarante. Selon le Greyhound Network News [http://www.greyhoundnetworknews.org/Fact%20Sheets/One%20Page%20Fact%20Sheet%2009%202006.pdf fiche d'information d'une page] estime que sur les 26 600 lévriers qui ne couraient plus en 2005, 45 % d'entre eux ont été euthanasiés soit par des groupes qui ne pouvaient pas les adopter, soit par des éleveurs de chiens via l'abattage à la ferme. D'autres lévriers sont vendus à des laboratoires de recherche, comme l'école de dressage d'animaux de l'université de Liverpool, qui ont reçu les restes de chiens tués au stade Belle Vue de Manchester. Un entraîneur du Lincolnshire a également été exposé en train de proposer des chiens « lents » à l'école de Liverpool. De plus, les chiens sont envoyés sur des hippodromes étrangers comme en Espagne et parfois dans des pays en développement. Dans le nord-est de l'Angleterre, un homme aurait détruit jusqu'à 10 000 lévriers en bonne santé avec un fusil à verrou captif.
Plusieurs organisations, telles que British Greyhounds Retired Database, Greyhound Rescue West of England, Birmingham Greyhound Protection, GAGAH, Adopt-a-Greyhound et Greyhound Pets of America, ainsi que le Retired Greyhound Trust, tentent de garantir que le plus grand nombre possible de chiens soient adopté. Certains de ces groupes préconisent également un meilleur traitement des chiens sur la piste et/ou à la fin des courses à but lucratif. Ces dernières années, l'industrie des courses a réalisé des progrès significatifs dans la mise en place de programmes d'adoption de coureurs à la retraite. En plus de coopérer activement avec des groupes d'adoption privés à travers le pays, de nombreux hippodromes ont mis en place leurs propres programmes d'adoption sur diverses pistes.
Critique
Les courses de lévriers ont été une source de controverse ces dernières années. Un certain nombre d'organisations de protection des animaux critiquent l'industrie des courses de lévriers, alléguant que les pratiques standard de l'industrie sont cruelles et inhumaines et que l'industrie viole les lois sur le bien-être animal et dissimule des preuves d'actes répréhensibles.
Des critiques ont également été formulées à l'égard des courses commerciales au niveau international, notamment en ce qui concerne la reproduction excessive de chiens, la dissimulation des chiffres des blessures et les taux élevés d'euthanasie. Un examen indépendant réalisé en 2014 par l'Irish Greyhound Board a critiqué la gouvernance d'entreprise de l'organisme, sa gestion des questions de bien-être animal et ses mauvaises performances financières.
La communauté humanitaire a utilisé le processus législatif pour mettre fin aux courses de chiens et améliorer les conditions des courses de lévriers. Par exemple, en mars 2014, le gouverneur John Hickenlooper a signé une mesure interdisant les courses commerciales de lévriers au Colorado, ce qui en fait le 39e État à interdire cette activité.
En Australie, Brent Hogan, directeur général de Greyhound Racing New South Wales (GRNSW), a déclaré en 2013 qu'environ 3 000 lévriers étaient euthanasiés chaque année dans cet État seulement.
En février 2015, un reportage de l'émission télévisée Four Corners a découvert l'utilisation d'appâts vivants pour entraîner des chiens à courir en Australie. Ceci est illégal dans de nombreux pays, notamment au Royaume-Uni et en Australie, et contraire aux règles et réglementations de la loi britannique sur la protection des animaux de 2006.
L'ancien juge australien de la Haute Cour, Michael McHugh, a mené une commission d'enquête spéciale pour l'État australien de Nouvelle-Galles du Sud. L'examen a évalué les pratiques d'élevage et de gaspillage, l'utilisation de courses et d'appâts vivants par certains entraîneurs, ainsi que le taux de décès de chiens signalés sur les hippodromes. L'examen a conclu à l'existence d'une dissimulation et d'une tromperie généralisées à l'égard du public. Certaines conclusions clés du rapport incluent : un taux de mortalité élevé, où au moins 48 891 lévriers non compétitifs ont été tués au cours des 12 dernières années, et le sous-déclaration des décès et des blessures de lévriers malgré une récente révélation secrète. Le rapport révèle également que jusqu'à 20 % des dresseurs se livrent à des pratiques illégales d'appâtage vivant et que, pour que l'industrie reste viable, 2 000 à 4 000 lévriers seraient encore tués chaque année. Le premier ministre de la Nouvelle-Galles du Sud, Mike Baird, a annoncé que toutes les courses de lévriers seraient interdites dans l'État à partir du 1er juillet 2017.
Par pays
Australie
L'Australian Greyhound Racing Association (AGRA) est divisée en plusieurs organes directeurs d'État, qui réglementent le bien-être et les conditions de vie des lévriers. Certaines autorités australiennes des courses financent en partie certains groupes d'adoption de lévriers, qui hébergent des dizaines de lévriers par mois.
Chaque État et territoire australien dispose d'un organisme régissant les courses de lévriers. Greyhound Racing New South Wales (GRNSW) et Greyhound Racing Victoria (GRV) sont les deux plus grandes autorités, régissant plus de 40 hippodromes. La Queensland Greyhound Racing Authority (QGRA), la Western Australian Greyhound Racing Authority (WAGRA), la Tasmanian Greyhound Racing Authority (TGRA), la Greyhound Racing South Australia (GRSA), la Northern Territory Racing Authority et le Canberra Greyhound Racing Club (CGRC), toutes contribuer à l'organisation et au suivi des courses de lévriers en Australie.
Les principaux sites de courses de lévriers comprennent Wentworth Park à Sydney, Cannington Fields à Perth, Angle Park à Adélaïde, Albion Park à Brisbane et Sandown Park à Melbourne.
De nombreux programmes d'adoption ont été mis en place dans toute l'Australie, connus sous le nom de Greyhound Adoption Program ou Greyhounds As Pets, GAP. Ils travaillent généralement avec leur Greyhound Racing Administration. Les lévriers sont contrôlés par un vétérinaire sur le parcours pour déceler des parasites, une malnutrition ou toute autre condition médicale avant de pouvoir concourir.
Les lévriers sont généralement achetés et vendus comme chiots juste après avoir été mis bas ou comme chiens de course entièrement dressés par le bouche à oreille sur la piste ou via les quelques plateformes d'échange et de vente de lévriers. En Australie, l'achat et la vente de lévriers sont contrôlés et réglementés par les États et territoires.
Une enquête télévisée de 2015 a révélé une utilisation généralisée de petits animaux vivants comme appâts pour entraîner les lévriers à chasser et à tuer. En conséquence, de nombreux acteurs de l'industrie ont appelé à une refonte complète des organismes de contrôle des courses de lévriers en Australie.
Interdiction en Nouvelle-Galles du Sud
Le 5 mai 2015, l'ancien juge de la Haute Cour Michael McHugh a été nommé à la tête de la commission spéciale d'enquête sur l'industrie des courses de lévriers en Nouvelle-Galles du Sud.
Le 7 juillet 2016, le Premier ministre de la Nouvelle-Galles du Sud, Mike Baird, a annoncé que les courses de lévriers seraient interdites dans l'État à partir du 1er juillet 2017 après que l'enquête ait trouvé des preuves accablantes de cruauté envers les animaux systémique, notamment des massacres massifs de lévriers et des appâts vivants. Après l'annonce de NSW, le ministre en chef du Territoire de la capitale australienne (ACT), Andrew Barr, a déclaré que les courses de lévriers seraient interdites dans l'ACT.
Nouvelle-Zélande
En Nouvelle-Zélande, environ 700 chiens sont élevés chaque année pour la course (moyenne tirée du tableau « Greyhounds Named »), et environ 500 sont importés d'Australie. Plus de 200 personnes sont retraitées chaque année par un organisme de bienfaisance créé et partiellement financé par la New Zealand Greyhound Racing Association. De nombreux lévriers sont gardés comme animaux de compagnie ou hébergés par leurs entraîneurs après la course, ainsi qu'un grand nombre par d'autres organisations d'adoption de lévriers à travers le pays. Certains lévriers sont même restitués à des propriétaires étrangers. Les courses de lévriers représentent une industrie de 75 millions de dollars néo-zélandais. Il existe une certaine inquiétude quant au bien-être des lévriers de course néo-zélandais de la part d'une petite communauté anti-course qui a conduit l'industrie des courses à lancer sa propre enquête interne sur leurs résultats, leurs blessures et leur bien-être.
Afrique du Sud
En Afrique du Sud, les chiens sont gardés avec leurs propriétaires. En raison du caractère amateur des courses, les propriétaires sont généralement également entraîneurs et éleveurs de chiens ; il est très rare qu'un chien soit en pension avec un dresseur.
Les courses sont contrôlées par un partenariat entre la United Greyhound Racing and Breeders Society (UGRABS) et la Renhond Unie sud-africaine (SARU - South African Racing Dog Union). Le stud-book est tenu par le Stud-book sud-africain et l'organisation qui tiennent des stud-books pour tous les étalons. Les courses se déroulent sur des pistes ovales et droites. Les courses sont illégales en Afrique du Sud.
Royaume-Uni
Les courses de lévriers sont une industrie populaire en Grande-Bretagne avec environ 3,2 millions de spectateurs lors de plus de 5 750 réunions en 2007. Il existe 26 stades enregistrés en Grande-Bretagne et un système de pari mutuel avec des paris sur le parcours et hors parcours disponibles, avec un chiffre d'affaires de 75 100 000 £.
Le 24 juillet 1926, devant 1 700 spectateurs, la première course de lévriers eut lieu au stade Belle Vue où sept lévriers couraient autour d'un circuit ovale pour attraper un lièvre artificiel électrique. Il s'agissait de la toute première course de lévriers modernes en Grande-Bretagne.
Les courses de lévriers en Grande-Bretagne sont réglementées par le Greyhound Board of Great Britain (GBGB). Les lévriers ne sont pas gardés sur les pistes, mais sont hébergés dans les chenils des entraîneurs et transportés sur les pistes pour courir. Ceux qui courent sur le circuit indépendant (appelé « flapping ») n'ont pas cette réglementation.
Il existe 133 pistes réglementées (117 en Angleterre, 11 en Écosse et 5 au Pays de Galles) et 256 pistes indépendantes connues depuis 1926.
Certains des stades les plus importants qui ont fermé leurs portes et où des courses de lévriers ont eu lieu dans le passé sont les suivants :
Stade de White City, stade de Walthamstow, stade de Wembley, stade de Harringay, stade de West Ham, stade de Powderhall, stade de White City, Glasgow et Cardiff Arms Park.
États-Unis
Aux États-Unis, les courses de lévriers sont régies par la loi de l'État. Les tentatives d’autoréglementation de l’industrie ont été critiquées par les organisations humanitaires. Cependant, la National Greyhound Association a plus de 100 ans de pratiques évolutives et auto-améliorées en matière de réglementation des membres. Le système d'application strict imposé par l'industrie, en conjonction avec les lois nationales et locales, garantit que les lévriers sont maintenus selon les normes les plus élevées.
Sur les pistes américaines, les lévriers sont gardés dans des chenils, dans des caisses d'environ trois pieds de large, quatre pieds de profondeur et trois pieds de haut. La plupart des chenils chassent les chiens 4 à 6 fois par jour. Chaque participation peut durer de 30 à 90 minutes. Étant donné que les chenils de lévriers abritent souvent plus de 50 à 70 chiens, la mise en cage est essentielle à la sécurité et au bien-être de la vie canine. personnel professionnel et agréé.
En plus des lois et réglementations de l'État, la plupart des pistes adoptent leurs propres règles, politiques et procédures. En échange du droit de faire courir leurs lévriers sur l'hippodrome, les propriétaires de chenil doivent signer des contrats dans lesquels ils acceptent de respecter toutes les règles de l'hippodrome, y compris celles relatives au bien-être des animaux. Si les propriétaires de chenil violent ces clauses contractuelles, ils risquent de perdre leurs privilèges de piste et même leur licence de course. Afin d'être autorisés à posséder, à manipuler un chien de course ou à travailler dans un chenil, les professionnels canins doivent avoir une vérification des antécédents du FBI et être agréés par les États. De plus, la National Greyhound Association impose à ses membres de respecter des normes strictes en matière de soins et de manipulation des athlètes. Le non-respect peut entraîner la résiliation à vie de l’adhésion et une interdiction du sport.
Ces dernières années, plusieurs gouvernements d’États américains ont adopté des lois visant à améliorer le traitement des chiens de course sur leur territoire. Au cours des années 1990, sept États ont interdit les paris sur les courses de lévriers en direct. En novembre 2008, le Massachusetts a organisé un vote pour interdire les courses de lévriers, qui a obtenu un vote de 56 % contre 44 %. Actuellement, 40 États et le territoire de Guam ont des lois permanentes interdisant cette pratique, et cinq autres États, le Connecticut, le Kansas, l'Oregon, le Texas et le Wisconsin, ne pratiquent pas les courses de lévriers bien que cette pratique n'y soit pas illégale.
Fin 2016, le Texas prévoit de réintroduire les courses de lévriers. Outre le Texas, l'Alabama, l'Arkansas, la Floride, l'Iowa et la Virginie occidentale ont des industries de courses actives. Quinze États sans courses en direct autorisent les paris en diffusion simultanée sur les courses de lévriers dans d'autres États.
Entre 2001 et 2011, le montant total misé sur les courses de lévriers à l'échelle nationale a diminué de 67 %.
En Floride, où subsistent 12 des pistes canines opérationnelles aux États-Unis, le déclin financier est encore plus significatif. Dans l'État, les montants misés sur les courses de chiens ont diminué de 72 % entre 1990 et 2013. Selon une étude commandée par le législateur, l'État a perdu entre 1 et 3,3 millions de dollars en courses de lévriers en 2012. Pas plus tard qu'en 2016, l'industrie de Floride les professionnels commencent à se demander si les paris connaissent une baisse ou s'ils s'orientent simplement vers des formats en ligne non déclarés.
Liste des pistes actives
*Hippodrome de Birmingham, Birmingham, Alabama
*Mobile Greyhound Park, Theodore, Alabama
*Southland Park Gaming and Racing, West Memphis, Arkansas
*Daytona Beach Kennel Club et salle de poker, Daytona Beach, Floride
*Derby Lane Greyhound Track, Saint-Pétersbourg, Floride
*Ebro Greyhound Park et Poker Room, Ebro, Floride
*Flagler Greyhound Track et Magic City Casino, Miami, Floride
*Casino Mardi Gras, Hallandale Beach, Floride
*Melbourne Greyhound Park & Club 52 Poker, Melbourne, Floride
*Centre d'athlétisme et de divertissement Naples-Fort Myers, Bonita Springs, Floride
*Orange Park Kennel Club, Orange Park, Floride
*Palm Beach Kennel Club, West Palm Beach, Floride
*Pensacola Greyhound Track, Pensacola, Floride
*Sanford-Orlando Kennel Club, Longwood, Floride
*Sarasota Kennel Club, Sarasota, Floride
*Horseshoe Council Bluffs, Council Bluffs, Iowa
*Mardi Gras Casino and Resort, Nitro, Virginie-Occidentale
*Wheeling Island Hotel-Casino-Racetrack, Wheeling, Virginie-Occidentale | http://quiz4free.com/ |
Quel était le nom de l'île où Nelson Mandela a été emprisonné pendant 18 ans ? | Robben Island | [
"Mandela a purgé 27 ans de prison, d'abord à Robben Island, puis dans la prison de Pollsmoor et la prison Victor Verster. Face à la pression internationale et à la crainte croissante d’une guerre civile raciale, le président F. W. de Klerk l’a libéré en 1990. Mandela et de Klerk ont négocié la fin de l’apartheid et organisé les élections multiraciales de 1994, au cours desquelles Mandela a mené l’ANC à la victoire et est devenu président. À la tête d'un large gouvernement de coalition qui a promulgué une nouvelle constitution, Mandela a mis l'accent sur la réconciliation entre les groupes raciaux du pays et a créé la Commission Vérité et Réconciliation pour enquêter sur les violations passées des droits de l'homme. Tout en poursuivant le libéralisme économique de l'ancien gouvernement, son administration a introduit des mesures visant à encourager la réforme agraire, à lutter contre la pauvreté et à développer les services de santé. Sur le plan international, il a agi comme médiateur dans le procès de l'attentat à la bombe contre le vol Pan Am 103 et a été secrétaire général du Mouvement des pays non alignés de 1998 à 1999. Refusant un second mandat présidentiel, il a été remplacé par son adjoint, Thabo Mbeki. Mandela est devenu un homme d'État âgé, se concentrant sur le travail caritatif de lutte contre la pauvreté et le VIH/SIDA par le biais de la Fondation Nelson Mandela."
] | Nelson Rolihlahla Mandela (18 juillet 1918 – 5 décembre 2013) était un révolutionnaire, homme politique et philanthrope sud-africain anti-apartheid, qui a été président de l'Afrique du Sud de 1994 à 1999. Il a été le premier chef de l'exécutif noir du pays et le élu pour la première fois lors d’élections démocratiques pleinement représentatives. Son gouvernement s’est concentré sur le démantèlement de l’héritage de l’apartheid en s’attaquant au racisme institutionnalisé et en favorisant la réconciliation raciale. Politiquement nationaliste africain et socialiste démocratique, il a été président du parti Congrès national africain (ANC) de 1991 à 1997.
Xhosa né dans la famille royale Thembu, Mandela a fréquenté l'Université de Fort Hare et l'Université du Witwatersrand, où il a étudié le droit. Vivant à Johannesburg, il s'est impliqué dans la politique anticoloniale, rejoignant l'ANC et devenant membre fondateur de sa Ligue de la jeunesse. Après que le gouvernement minoritaire afrikaner du Parti national ait établi l'apartheid – un système de ségrégation raciale privilégiant les Blancs – en 1948, il s'est fait connaître dans la campagne de défiance anti-apartheid de l'ANC en 1952, a été nommé président de la branche Transvaal de l'organisation et a co-organisé le Congrès du peuple de 1955. Travaillant comme avocat, il fut arrêté à plusieurs reprises pour activités séditieuses et, avec la direction de l'ANC, fut poursuivi sans succès lors du procès pour trahison de 1956 à 1961. Influencé par le marxisme, il rejoignit secrètement le Parti communiste sud-africain (SACP). Bien qu'initialement engagé dans la protestation non violente, en association avec le SACP, il a cofondé le militant Umkhonto we Sizwe en 1961, menant une campagne de sabotage contre le gouvernement. En 1962, il a été arrêté, reconnu coupable de complot visant à renverser l’État et condamné à la réclusion à perpétuité lors du procès de Rivonia.
Mandela a purgé 27 ans de prison, d'abord à Robben Island, puis dans la prison de Pollsmoor et la prison Victor Verster. Face à la pression internationale et à la crainte croissante d’une guerre civile raciale, le président F. W. de Klerk l’a libéré en 1990. Mandela et de Klerk ont négocié la fin de l’apartheid et organisé les élections multiraciales de 1994, au cours desquelles Mandela a mené l’ANC à la victoire et est devenu président. À la tête d'un large gouvernement de coalition qui a promulgué une nouvelle constitution, Mandela a mis l'accent sur la réconciliation entre les groupes raciaux du pays et a créé la Commission Vérité et Réconciliation pour enquêter sur les violations passées des droits de l'homme. Tout en poursuivant le libéralisme économique de l'ancien gouvernement, son administration a introduit des mesures visant à encourager la réforme agraire, à lutter contre la pauvreté et à développer les services de santé. Sur le plan international, il a agi comme médiateur dans le procès de l'attentat à la bombe contre le vol Pan Am 103 et a été secrétaire général du Mouvement des pays non alignés de 1998 à 1999. Refusant un second mandat présidentiel, il a été remplacé par son adjoint, Thabo Mbeki. Mandela est devenu un homme d'État âgé, se concentrant sur le travail caritatif de lutte contre la pauvreté et le VIH/SIDA par le biais de la Fondation Nelson Mandela.
Mandela a été un personnage controversé pendant une grande partie de sa vie. Les critiques de droite l'ont dénoncé comme un terroriste communiste, tandis que ceux de gauche radicale l'ont jugé trop désireux de négocier et de se réconcilier avec les partisans de l'apartheid. À l’inverse, il a acquis une renommée internationale pour son activisme, ayant reçu plus de 250 distinctions, dont le prix Nobel de la paix, la Médaille présidentielle américaine de la liberté et le prix soviétique Lénine de la paix. Il jouit d'un profond respect en Afrique du Sud, où il est souvent désigné par son nom de clan Xhosa, Madiba, ou par Tata (« Père »), et décrit comme le « Père de la nation ».
Début de la vie
Enfance : 1918-1934
Mandela est né le 18 juillet 1918 dans le village de Mvezo à Umtata, qui faisait alors partie de la province du Cap en Afrique du Sud. Étant donné le prénom Rolihlahla, un terme Xhosa signifiant familièrement « fauteur de troubles », il devint plus tard connu sous le nom de son clan, Madiba. Son arrière-grand-père patrilinéaire, Ngubengcuka, était roi du peuple Thembu dans les territoires du Transkeian de la province moderne du Cap oriental en Afrique du Sud. L'un des fils de Ngubengcuka, nommé Mandela, est devenu le grand-père de Nelson et la source de son nom de famille. Parce que Mandela n'était que l'enfant du roi par une épouse du clan Ixhiba, une soi-disant « maison de la main gauche », les descendants de sa branche cadette de la famille royale étaient morganatiques, inéligibles à l'héritage du trône mais reconnus comme conseillers royaux héréditaires. . Son père, Gadla Henry Mphakanyiswa, était chef local et conseiller du monarque ; il a été nommé à ce poste en 1915, après que son prédécesseur ait été accusé de corruption par un magistrat blanc au pouvoir. En 1926, Gadla fut également limogé pour corruption, mais Nelson apprit que son père avait perdu son emploi pour avoir résisté aux exigences déraisonnables du magistrat. Dévot du dieu Qamata, Gadla était polygame, ayant quatre femmes, quatre fils et neuf filles, qui vivaient dans des villages différents. La mère de Nelson était la troisième épouse de Gadla, Nosekeni Fanny, fille de Nkedama de la Right Hand House et membre du clan amaMpemvu de Xhosa.
Déclarant plus tard que son enfance était dominée par la coutume et les tabous traditionnels des Thembu, Mandela a grandi avec deux sœurs dans le kraal de sa mère, dans le village de Qunu, où il s'occupait des troupeaux en tant que gardien de bétail, passant beaucoup de temps dehors avec d'autres garçons. Ses deux parents étaient analphabètes, mais étant une fervente chrétienne, sa mère l'envoya dans une école méthodiste locale quand il avait environ sept ans. Baptisé méthodiste, Mandela a reçu le prénom anglais de « Nelson » de son professeur. Quand Mandela avait environ neuf ans, son père est venu s'installer à Qunu, où il est mort d'une maladie non diagnostiquée que Mandela croyait être une maladie pulmonaire. Se sentant « à la dérive », il a déclaré plus tard qu'il avait hérité de la « fière rébellion » et du « sens obstiné de l'équité » de son père.
La mère de Mandela l'a emmené au palais « Great Place » à Mqhekezweni, où il a été confié sous la tutelle du régent de Thembu, le chef Jongintaba Dalindyebo. Bien qu'il n'ait pas revu sa mère pendant de nombreuses années, Mandela a estimé que Jongintaba et sa femme Noengland le traitaient comme leur propre enfant, l'élevant aux côtés de leur fils, Justice, et de leur fille, Nomafu. Alors que Mandela assistait aux services religieux tous les dimanches avec ses tuteurs, le christianisme est devenu une partie importante de sa vie. Il a fréquenté une école missionnaire méthodiste située à côté du palais, où il a étudié l'anglais, le xhosa, l'histoire et la géographie. Il a développé un amour pour l'histoire africaine en écoutant les récits racontés par les visiteurs âgés du palais et a été influencé par la rhétorique anti-impérialiste du chef Joyi en visite. À l’époque, il considérait néanmoins les colonialistes européens non comme des oppresseurs mais comme des bienfaiteurs qui avaient apporté l’éducation et d’autres avantages à l’Afrique australe. Agé de 16 ans, lui, Justice et plusieurs autres garçons se sont rendus à Tyhalarha pour subir le rituel de circoncision qui marquait symboliquement leur transition de garçon à homme ; le rite terminé, on lui donna le nom de Dalibunga.
Clarkebury, Healdtown et Fort Hare : 1934-1940
Dans l'intention d'acquérir les compétences nécessaires pour devenir conseiller privé de la maison royale Thembu, Mandela a commencé ses études secondaires au lycée méthodiste de Clarkebury, à Engcobo, une institution de style occidental qui était la plus grande école pour noirs africains de Thembuland. Incité à socialiser avec d'autres étudiants sur un pied d'égalité, il a affirmé avoir perdu son attitude « coincée », devenant pour la première fois le meilleur ami d'une fille ; il a commencé à faire du sport et a développé son amour du jardinage. Après avoir obtenu son Junior Certificate en deux ans, il s'installe en 1937 à Healdtown, le collège méthodiste de Fort Beaufort fréquenté par la plupart des membres de la royauté Thembu, y compris Justice. Le directeur a souligné la supériorité de la culture et du gouvernement anglais, mais Mandela s'est de plus en plus intéressé à la culture africaine indigène, se faisant son premier ami non-Xhosa, un locuteur de la langue sotho, et étant sous l'influence de l'un de ses professeurs préférés, un Xhosa qui a brisé le tabou en épousant une Sotho. Consacrant une grande partie de son temps libre à la course de fond et à la boxe, Mandela est devenu préfet au cours de sa deuxième année.
Avec le soutien de Jongintaba, Mandela a commencé à préparer un baccalauréat ès arts (BA) à l'Université de Fort Hare, une institution noire d'élite à Alice, au Cap oriental, avec environ 150 étudiants. Là, il a étudié l'anglais, l'anthropologie, la politique, l'administration autochtone et le droit romano-néerlandais au cours de sa première année, désirant devenir interprète ou commis au Département des affaires autochtones. Mandela est resté dans le dortoir de Wesley House, se liant d'amitié avec son propre parent, K. D. Matanzima, ainsi qu'avec Oliver Tambo, qui est devenu un ami proche et un camarade pendant des décennies. Poursuivant son intérêt pour le sport, Mandela s'est mis à la danse de salon, a joué dans une pièce de théâtre sur Abraham Lincoln et a donné des cours bibliques dans la communauté locale dans le cadre de l'Association chrétienne des étudiants. Bien qu'ayant des amis liés à l'African National Congress (ANC) et au mouvement anti-impérialiste qui voulaient que l'Afrique du Sud soit indépendante de l'Empire britannique, Mandela a évité toute implication et est devenu un fervent partisan de l'effort de guerre britannique lorsque la Seconde Guerre mondiale a éclaté. a éclaté. Contribuant à fonder un comité interne des étudiants de première année qui contestait la domination des deuxième années, à la fin de sa première année, il s'impliqua dans un boycott du Conseil représentatif des étudiants (SRC) contre la qualité de la nourriture, pour lequel il était temporairement suspendu de l'université; il est parti sans diplôme.
Arrivée à Johannesburg : 1941-1943
De retour à Mqhekezweni en décembre 1940, Mandela découvrit que Jongintaba avait arrangé des mariages pour lui et Justice ; consternés, ils s'enfuirent à Johannesburg via Queenstown, où ils arrivèrent en avril 1941. Mandela trouva du travail comme veilleur de nuit à Crown Mines, son « premier aperçu du capitalisme sud-africain en action », mais fut renvoyé lorsque l'induna (chef) découvrit qu'il était un fugitif. Séjournant chez un cousin dans le township de George Goch, Mandela a été présenté à l'agent immobilier et militant de l'ANC Walter Sisulu, qui lui a obtenu un emploi de stagiaire au cabinet d'avocats Witkin, Sidelsky et Eidelman. L'entreprise était dirigée par un juif libéral, Lazar Sidelsky, favorable à la cause de l'ANC. Au sein de l'entreprise, Mandela s'est lié d'amitié avec Gaur Radebe, un membre Xhosa de l'ANC et du Parti communiste, ainsi qu'avec Nat Bregman, un communiste juif qui est devenu son premier ami blanc. Participant aux conférences et aux fêtes communistes, Mandela a été impressionné par le fait que les Européens, les Africains, les Indiens et les Métis se mélangeaient sur un pied d'égalité. Il a déclaré plus tard qu'il n'avait pas rejoint le Parti parce que son athéisme était en conflit avec sa foi chrétienne et parce qu'il considérait la lutte sud-africaine comme une lutte raciale plutôt que comme une guerre de classes. Poursuivant ses études supérieures, Mandela s'est inscrit à un cours par correspondance à l'Université d'Afrique du Sud, travaillant le soir sur son baccalauréat.
Gagnant un petit salaire, Mandela loua une chambre dans la maison de la famille Xhoma, dans le township d'Alexandra ; Malgré la pauvreté, la criminalité et la pollution, Alexandra est toujours restée un endroit spécial pour lui. Bien qu'embarrassé par sa pauvreté, il courtisa brièvement une femme swazie avant de courtiser sans succès la fille de son propriétaire. Afin d'économiser de l'argent et de se rapprocher du centre-ville de Johannesburg, Mandela a emménagé dans l'enceinte de la Witwatersrand Native Labour Association, vivant parmi des mineurs de diverses tribus ; Comme l'enceinte était visitée par divers chefs, il rencontra un jour la reine régente du Basutoland. À la fin de 1941, Jongintaba lui rendit visite, pardonnant à Mandela sa fugue. De retour à Thembuland, le régent mourut à l'hiver 1942 ; Mandela et Justice sont arrivés avec un jour de retard aux funérailles. Après avoir réussi ses examens de licence au début de 1943, Mandela retourna à Johannesburg pour suivre une carrière politique en tant qu'avocat plutôt que de devenir conseiller privé à Thembuland. Il a déclaré plus tard qu'il n'avait éprouvé aucune révélation, mais qu'il « s'était simplement retrouvé en train de le faire et ne pouvait pas faire autrement ».
Activité révolutionnaire
Études de droit et Ligue de la jeunesse de l'ANC : 1943-1949
Mandela a commencé à étudier le droit à l'Université du Witwatersrand, où il était le seul étudiant noir africain de la faculté. Bien que confronté au racisme de certains, il s'est lié d'amitié avec des étudiants européens, juifs et indiens libéraux et communistes, parmi lesquels Joe Slovo et Ruth First. Devenant de plus en plus politisé, Mandela manifesta en août 1943 en faveur d'un boycott réussi des bus pour inverser la hausse des tarifs. En rejoignant l'ANC, il fut de plus en plus influencé par Sisulu, passant beaucoup de temps avec d'autres militants dans la maison de Sisulu à Orlando, dont un vieil ami Oliver Tambo. En 1943, Mandela rencontra Anton Lembede, membre de l’ANC affilié à la branche africaniste du nationalisme africain, farouchement opposé à un front racial uni contre le colonialisme et l’impérialisme ou à une alliance avec les communistes. Malgré ses amitiés avec des non-noirs et des communistes, Mandela a adopté les vues de Lembede, estimant que les Africains noirs devraient être totalement indépendants dans leur lutte pour l'autodétermination politique. Décidant de la nécessité d'une jeunesse pour mobiliser massivement les Africains contre leur asservissement, Mandela faisait partie d'une délégation qui a approché le président de l'ANC, Alfred Bitini Xuma, à ce sujet, à son domicile de Sophiatown ; la Ligue de la jeunesse du Congrès national africain (ANCYL) a été fondée le dimanche de Pâques 1944 au Centre social des hommes bantous, avec Lembede comme président et Mandela comme membre de son comité exécutif.
Chez Sisulu, Mandela a rencontré Evelyn Mase, infirmière stagiaire et militante de l'ANC d'Engcobo, Transkei. Entamant une relation et se mariant en octobre 1944, ils vécurent d'abord avec ses proches jusqu'à emménager dans une maison louée dans le canton d'Orlando au début de 1946. Leur premier enfant, Madiba "Thembi" Thembekile, est né en février 1945; une fille, Makaziwe, est née en 1947 mais est décédée d'une méningite neuf mois plus tard. Mandela aimait la vie à la maison, accueillant sa mère et sa sœur Leabie chez lui. Au début de 1947, ses trois années d'articles se terminèrent chez Witkin, Sidelsky et Eidelman, et il décida de devenir étudiant à temps plein, subsistant grâce aux prêts du Bantu Welfare Trust.
En juillet 1947, Mandela transporta d’urgence Lembede, malade, à l’hôpital, où il mourut ; il a été remplacé à la présidence de l'ANCYL par le plus modéré Peter Mda, qui a accepté de coopérer avec les communistes et les non-noirs, nommant Mandela comme secrétaire de l'ANCYL. Mandela n'était pas d'accord avec l'approche de Mda, soutenant en décembre 1947 une mesure infructueuse visant à expulser les communistes de l'ANCYL, considérant leur idéologie non africaine. En 1947, Mandela a été élu au comité exécutif de la branche provinciale du Transvaal de l'ANC, sous la direction du président régional C. S. Ramohanoe. Lorsque Ramohanoe a agi contre la volonté du comité en coopérant avec les Indiens et les communistes, Mandela a été l'un de ceux qui ont forcé sa démission.
Lors des élections générales sud-africaines de 1948, au cours desquelles seuls les Blancs étaient autorisés à voter, le parti Herenigde Nasionale, dominé par les Afrikaners et dirigé par Daniel François Malan, prit le pouvoir, s'unissant bientôt au parti afrikaner pour former le Parti national. Ouvertement raciste, le parti a codifié et élargi la ségrégation raciale avec la nouvelle législation sur l'apartheid. Ayant gagné en influence au sein de l'ANC, Mandela et ses cadres ont commencé à préconiser une action directe contre l'apartheid, comme le boycott et les grèves, influencés par les tactiques déjà employées par la communauté indienne d'Afrique du Sud. Xuma n'a pas soutenu ces mesures et a été démis de la présidence lors d'un vote de censure, remplacé par James Moroka et un exécutif plus militant comprenant Sisulu, Mda, Tambo et Godfrey Pitje. Mandela a raconté plus tard que « [lui et ses collègues] avaient [...] guidé l'ANC vers une voie plus radicale et révolutionnaire ». Après avoir consacré son temps à la politique, Mandela a échoué trois fois lors de sa dernière année à Witwatersrand ; il se vit finalement refuser son diplôme en décembre 1949.
Campagne de défiance et présidence de l'ANC du Transvaal : 1950-1954
Mandela prit la place de Xuma au sein de l'exécutif national de l'ANC en mars 1950 et, la même année, fut élu président national de l'ANCYL. En mars, la Convention Defend Free Speech s'est tenue à Johannesburg, réunissant des militants africains, indiens et communistes pour appeler à une grève générale le 1er mai pour protester contre l'apartheid et le régime de la minorité blanche. Mandela s'est opposé à la grève parce qu'elle était multiraciale et non dirigée par l'ANC, mais une majorité de travailleurs noirs y ont participé, ce qui a entraîné une répression policière accrue et l'introduction de la loi sur la répression du communisme de 1950, affectant les actions de tous les groupes de protestation. Lors de la conférence nationale de l'ANC de décembre 1951, il continua à plaider contre un front racialement uni, mais fut mis en minorité.
Dès lors, Mandela rejeta les convictions africanistes de Lembede et embrassa l’idée d’un front multiracial contre l’apartheid. Influencé par des amis comme Moses Kotane et par le soutien de l'Union soviétique aux guerres d'indépendance, sa méfiance à l'égard du communisme s'est effondrée et il a commencé à lire la littérature de marxistes comme Karl Marx, Vladimir Lénine et Mao Zedong, pour finalement adopter la philosophie marxiste du matérialisme dialectique. Commentant le communisme, il a déclaré plus tard qu'il « s'est trouvé fortement attiré par l'idée d'une société sans classes qui, à son avis, était similaire à la culture africaine traditionnelle où la vie était partagée et communautaire ». En avril 1952, Mandela commença à travailler au H.M. Basner, qui appartenait à un communiste, même si son engagement croissant dans le travail et l'activisme signifiait qu'il passait moins de temps avec sa famille.
En 1952, l'ANC a commencé à préparer une campagne de défiance commune contre l'apartheid avec des groupes indiens et communistes, en fondant un Conseil national volontaire pour recruter des volontaires. La campagne a été conçue pour suivre la voie de la résistance non-violente influencée par le Mahatma Gandhi ; certains l’ont soutenu pour des raisons éthiques, mais Mandela l’a plutôt considéré comme pragmatique. Lors d'un rassemblement à Durban le 22 juin, Mandela s'est adressé à une foule rassemblée de 10 000 personnes, lançant ainsi les manifestations de campagne, pour lesquelles il a été arrêté et brièvement interné dans la prison de Marshall Square. Les événements de la campagne ont permis à Mandela de s'imposer comme l'une des personnalités politiques noires les plus connues d'Afrique du Sud. Avec de nouvelles protestations, le nombre de membres de l'ANC est passé de 20 000 à 100 000 ; le gouvernement a répondu par des arrestations massives et a introduit la loi sur la sécurité publique de 1953 pour autoriser la loi martiale. En mai, les autorités ont interdit au président de l’ANC du Transvaal, J. B. Marks, de faire des apparitions publiques ; incapable de maintenir son poste, il recommanda Mandela comme son successeur. Bien que les africanistes se soient opposés à sa candidature, Mandela a été élu président régional en octobre.
En juillet 1952, Mandela fut arrêté en vertu de la loi sur la répression du communisme et fut jugé comme l'un des 21 accusés – parmi lesquels Moroka, Sisulu et Yusuf Dadoo – à Johannesburg. Reconnus coupables de « communisme statutaire », terme utilisé par le gouvernement pour décrire la plupart des opposants à l'apartheid, leur peine de neuf mois de travaux forcés a été suspendue de deux ans. En décembre, Mandela s’est vu interdire pendant six mois d’assister à des réunions ou de parler à plus d’une personne à la fois, ce qui a rendu sa présidence de l’ANC du Transvaal peu pratique, et pendant cette période, la campagne de défiance s’est essoufflée. En septembre 1953, Andrew Kunene a lu le discours de Mandela « Pas de marche facile vers la liberté » lors d'une réunion de l'ANC au Transvaal ; le titre est tiré d'une citation du leader indépendantiste indien Jawaharlal Nehru, qui a eu une influence déterminante sur la pensée de Mandela. Le discours présentait un plan d’urgence pour un scénario dans lequel l’ANC serait interdite. Ce plan Mandela, ou M-Plan, impliquait de diviser l'organisation en une structure cellulaire avec une direction plus centralisée.
Mandela a obtenu un emploi d'avocat au sein du cabinet Terblanche et Briggish, avant de rejoindre le cabinet libéral Helman et Michel, où il a réussi les examens de qualification pour devenir avocat à part entière. En août 1953, Mandela et Tambo ouvrent leur propre cabinet d'avocats, Mandela et Tambo, au centre-ville de Johannesburg. Seul cabinet d'avocats géré par des Africains dans le pays, il était populaire auprès des Noirs lésés, traitant souvent de cas de brutalités policières. Détestée par les autorités, l'entreprise a été contrainte de déménager dans un endroit éloigné après que son permis de bureau lui ait été retiré en vertu de la loi sur les zones de groupe ; en conséquence, leur clientèle a diminué. En tant qu'avocat d'origine aristocratique, Mandela faisait partie de l'élite de la classe moyenne noire de Johannesburg et, en conséquence, lui accordait beaucoup de respect de la part de la communauté noire. Bien qu'une deuxième fille, Makaziwe Phumia, soit née en mai 1954, la relation de Mandela avec Evelyn devint tendue et elle l'accusa d'adultère. Des allégations ont émergé selon lesquelles il aurait eu des relations avec la membre de l'ANC Lillian Ngoyi et la secrétaire Ruth Mompati ; Plusieurs personnalités proches de Mandela à cette époque ont affirmé que ce dernier lui avait donné un enfant. Dégoûtée par le comportement de son fils, Nosekeni retourna au Transkei, tandis qu'Evelyn embrassait les Témoins de Jéhovah et rejetait les préoccupations politiques de Mandela.
Le Congrès du peuple et le procès pour trahison : 1955-1961
Après avoir pris part à la protestation infructueuse visant à empêcher le déplacement forcé de tous les Noirs de la banlieue de Sophiatown à Johannesburg en février 1955, Mandela conclut qu'une action violente s'avérerait nécessaire pour mettre fin à l'apartheid et au régime de la minorité blanche. Il a conseillé à Sisulu de demander des armes à la République populaire de Chine, mais bien que le gouvernement chinois ait soutenu la lutte anti-apartheid, il pensait que le mouvement n'était pas suffisamment préparé à la guérilla. Avec la participation du Congrès indien sud-africain, du Congrès des gens de couleur, du Congrès sud-africain des syndicats et du Congrès des démocrates, l'ANC a planifié un Congrès du peuple, appelant tous les Sud-Africains à envoyer des propositions pour un après-guerre. époque de l'apartheid. Sur la base des réponses, une Charte de la liberté a été rédigée par Rusty Bernstein, appelant à la création d'un État démocratique et non raciste avec la nationalisation des grandes industries. Lorsque la charte fut adoptée lors d'une conférence en juin 1955 à Kliptown, à laquelle participaient 3 000 délégués, la police réprima l'événement, mais il resta un élément clé de l'idéologie de Mandela.
Après la fin d'une deuxième interdiction en septembre 1955, Mandela partit en vacances-travail au Transkei pour discuter des implications de la loi sur les autorités bantoues de 1951 avec les chefs tribaux locaux, rendant également visite à sa mère et à Noengland avant de se rendre au Cap. En mars 1956, il reçut sa troisième interdiction d'apparition publique, le limitant à Johannesburg pendant cinq ans, mais il la défia souvent. Le mariage de Mandela s'est rompu lorsqu'Evelyn l'a quitté, emmenant leurs enfants vivre avec son frère. Entamant une procédure de divorce en mai 1956, elle affirma que Mandela l'avait agressée physiquement ; il a nié les allégations et s'est battu pour obtenir la garde de leurs enfants. Elle a retiré sa demande de séparation en novembre, mais Mandela a demandé le divorce en janvier 1958 ; le divorce a été finalisé en mars, les enfants étant confiés à la garde d'Evelyn. Au cours de la procédure de divorce, il a commencé à courtiser et à politiser une assistante sociale, Winnie Madikizela, qu'il a épousée à Bizana en juin 1958. Elle s'est ensuite impliquée dans les activités de l'ANC, passant plusieurs semaines en prison. Ensemble, ils eurent deux enfants : Zenani, né en février 1959, et Zindziswa, née en décembre 1960.
En décembre 1956, Mandela fut arrêté aux côtés de la plupart des dirigeants nationaux de l’ANC, accusé de « haute trahison » contre l’État. Détenus dans la prison de Johannesburg au milieu de manifestations massives, ils ont subi un examen préparatoire avant d'être libérés sous caution. La réfutation de la défense a commencé en janvier 1957, sous la supervision de l'avocat de la défense Vernon Berrangé, et s'est poursuivie jusqu'à l'ajournement en septembre. En janvier 1958, Oswald Pirow fut nommé pour poursuivre l'affaire et, en février, le juge statua qu'il y avait des « raisons suffisantes » pour que les accusés soient jugés devant la Cour suprême du Transvaal. Le procès officiel pour trahison a débuté à Pretoria en août 1958, les accusés ayant demandé avec succès le remplacement des trois juges – tous liés au parti national au pouvoir. En août, une accusation a été abandonnée et en octobre, l’accusation a retiré son acte d’accusation, soumettant en novembre une version reformulée affirmant que les dirigeants de l’ANC avaient commis une haute trahison en prônant une révolution violente, une accusation que les accusés ont niée.
En avril 1959, les africanistes mécontents de l'approche du front unique de l'ANC fondèrent le Congrès panafricaniste (PAC) ; Mandela n'était pas d'accord avec les opinions d'exclusion raciale du groupe, les décrivant comme « immatures » et « naïves ». Les deux partis ont pris part à une campagne anti-pass au début des années 1960, au cours de laquelle les Africains ont brûlé les laissez-passer qu'ils étaient légalement obligés de porter. L'une des manifestations organisées par le PAC a été la cible de tirs de la police, entraînant la mort de 69 manifestants lors du massacre de Sharpeville. L'incident a suscité une condamnation internationale du gouvernement et a entraîné des émeutes dans toute l'Afrique du Sud, Mandela brûlant publiquement son laissez-passer en signe de solidarité.
En réponse aux troubles, le gouvernement a mis en œuvre des mesures d'état d'urgence, déclarant la loi martiale et interdisant l'ANC et le PAC, tandis qu'en mars, il a arrêté Mandela et d'autres militants, les emprisonnant pendant cinq mois sans inculpation dans les conditions insalubres de la prison locale de Pretoria. L'emprisonnement a causé des problèmes à Mandela et à ses coaccusés lors du procès pour trahison ; leurs avocats ne pouvaient pas les joindre, et il fut donc décidé que les avocats se retireraient en signe de protestation jusqu'à ce que les accusés soient libérés de prison lorsque l'état d'urgence fut levé fin août 1960. Au cours des mois suivants, Mandela utilisa son temps libre pour organiser une conférence All-In African près de Pietermaritzburg, Natal, en mars 1961, au cours de laquelle 1 400 délégués anti-apartheid se sont réunis, convenant d'une grève au foyer pour marquer le 31 mai, jour où l'Afrique du Sud est devenue une république. Le 29 mars 1961, six ans après le début du procès pour trahison, les juges ont rendu un verdict de non-culpabilité, affirmant qu'il n'y avait pas suffisamment de preuves pour condamner les accusés de « haute trahison », car ils n'avaient prôné ni le communisme ni la révolution violente ; le résultat a embarrassé le gouvernement.
MK, le SACP et la tournée africaine : 1961-1962
Déguisé en chauffeur, Mandela a parcouru le pays incognito, organisant la nouvelle structure cellulaire de l'ANC et la grève de masse prévue au foyer. Surnommé le « Mouron noir » dans la presse – une référence au roman d'Emma Orczy de 1905, Le Mouron écarlate – un mandat d'arrêt contre lui a été émis par la police. Mandela a tenu des réunions secrètes avec des journalistes et, après que le gouvernement n'a pas réussi à empêcher la grève, il les a avertis que de nombreux militants anti-apartheid allaient bientôt recourir à la violence par l'intermédiaire de groupes comme Poqo du PAC. Il pensait que l’ANC devrait former un groupe armé pour canaliser une partie de cette violence dans une direction contrôlée, convainquant à la fois le leader de l’ANC Albert Luthuli – qui était moralement opposé à la violence – et les groupes militants alliés de sa nécessité.
Inspirés par les actions du Mouvement du 26 juillet de Fidel Castro dans la Révolution cubaine, Mandela, Sisulu et Slovo ont cofondé en 1961 Umkhonto we Sizwe (« Lance de la nation », en abrégé MK). Devenu président du groupe militant, Mandela s'est inspiré de la littérature marxiste sur la guérilla de Mao et de Che Guevara ainsi que du théoricien militaire Carl von Clausewitz. Bien qu'initialement déclaré officiellement séparé de l'ANC afin de ne pas entacher la réputation de ce dernier, il est ensuite devenu largement reconnu que MK était la branche armée du parti. La plupart des premiers membres de MK étaient des communistes blancs qui étaient capables de cacher Mandela chez eux ; après s'être caché dans l'appartement du communiste Wolfie Kodesh à Berea, Mandela a déménagé dans la ferme communiste Liliesleaf à Rivonia, rejoint par Raymond Mhlaba, Slovo et Bernstein, qui ont rédigé la constitution du MK. Même si, plus tard, Mandela a nié avoir jamais été membre du Parti communiste, des recherches historiques publiées en 2011 suggèrent fortement qu'il l'avait rejoint à la fin des années 1950 ou au début des années 1960. Cela a été confirmé à la fois par le SACP et l'ANC après la mort de Mandela. Selon le SACP, il était non seulement membre du parti, mais il était également membre de son Comité central, mais il l'a ensuite nié pour des raisons politiques.
Opérant à travers une structure cellulaire, MK prévoyait de commettre des actes de sabotage qui exerceraient une pression maximale sur le gouvernement avec un minimum de victimes ; ils ont cherché à bombarder des installations militaires, des centrales électriques, des lignes téléphoniques et des liaisons de transport la nuit, lorsque les civils n'étaient pas présents. Mandela a déclaré qu'ils avaient choisi le sabotage parce que c'était l'action la moins nuisible, qu'elle n'impliquait pas de meurtre et qu'elle offrait le meilleur espoir de réconciliation raciale par la suite ; il a néanmoins reconnu que si cela avait échoué, une guérilla aurait pu être nécessaire. Peu de temps après que le leader de l'ANC, Luthuli, ait reçu le prix Nobel de la paix, MK a annoncé publiquement son existence avec 57 attentats à la bombe le jour de Dingane (16 décembre) 1961, suivis d'autres attaques le soir du Nouvel An.
L'ANC a décidé d'envoyer Mandela comme délégué à la réunion du Mouvement panafricain pour la liberté pour l'Afrique orientale, centrale et australe (PAFMECSA) de février 1962 à Addis-Abeba, en Éthiopie. Quittant secrètement l'Afrique du Sud via le Bechuanaland, Mandela visita le Tanganyika et rencontra son président, Julius Nyerere. En arrivant en Éthiopie, Mandela a rencontré l'empereur Hailé Sélassié Ier et a prononcé son discours après celui de Sélassié lors de la conférence. Après le symposium, il s'est rendu au Caire, en Égypte, admirant les réformes politiques du président Gamal Abdel Nasser, puis s'est rendu à Tunis, en Tunisie, où le président Habib Bourguiba lui a donné 5 000 £ pour des armes. Il s'est rendu au Maroc, au Mali, en Guinée, en Sierra Leone, au Libéria et au Sénégal, recevant des fonds du président libérien William Tubman et du président guinéen Ahmed Sékou Touré. Quittant l'Afrique pour Londres, en Angleterre, il a rencontré des militants anti-apartheid, des journalistes et d'éminents hommes politiques. De retour en Éthiopie, il commença un cours de guérilla de six mois, mais ne le termina que deux mois avant d'être rappelé en Afrique du Sud.
Emprisonnement
Arrestation et procès Rivonia : 1962-1964
Le 5 août 1962, la police a capturé Mandela avec son compatriote Cecil Williams près de Howick. Diverses rumeurs ont circulé suggérant que les autorités avaient été informées de l'endroit où se trouvait Mandela, bien que Mandela lui-même ait accordé peu de crédit à ces informations. Une idée était que son emplacement avait été révélé à la police sud-africaine par la Central Intelligence Agency (CIA) des États-Unis, qui craignait que Mandela ne soit un communiste ; cette affirmation a ensuite reçu le soutien d'un ancien Américain. diplomate qui a revendiqué son implication dans l'opération. Emprisonné à la prison Marshall Square de Johannesburg, Mandela a été accusé d'incitation aux grèves ouvrières et d'avoir quitté le pays sans autorisation. Se représentant avec Slovo comme conseiller juridique, Mandela avait l'intention d'utiliser le procès pour montrer « l'opposition morale de l'ANC au racisme » pendant que ses partisans manifestaient devant le tribunal. Déménagé à Pretoria, où Winnie pouvait lui rendre visite, il a commencé dans sa cellule des études par correspondance pour obtenir un baccalauréat en droit (LLB) de l'Université de Londres. Son audience a débuté en octobre, mais il a perturbé les débats en portant un kaross traditionnel, en refusant de citer des témoins et en transformant sa demande d'atténuation en discours politique. Reconnu coupable, il a été condamné à cinq ans de prison ; alors qu'il quittait la salle d'audience, ses partisans ont chanté "Nkosi Sikelel iAfrika".
En juillet 1963, la police fit une descente à la ferme Liliesleaf, arrêtant ceux qu'elle y trouva et découvrant des documents documentant les activités de MK, dont certains mentionnaient Mandela. Le procès Rivonia a débuté devant la Cour suprême de Pretoria en octobre, avec Mandela et ses camarades inculpés de quatre chefs d'accusation de sabotage et de complot visant à renverser violemment le gouvernement ; leur procureur en chef était Percy Yutar. Le juge Quartus de Wet a rapidement rejeté les arguments de l'accusation pour insuffisance de preuves, mais Yutar a reformulé les accusations, présentant son nouveau dossier de décembre à février 1964, appelant 173 témoins et apportant des milliers de documents et de photographies au procès.
Bien que quatre des accusés aient nié toute implication dans MK, Mandela et les cinq autres accusés ont admis le sabotage mais ont nié avoir jamais accepté de lancer une guérilla contre le gouvernement. Ils ont utilisé le procès pour mettre en avant leur cause politique ; à l'ouverture de la procédure de défense, Mandela a prononcé son discours de trois heures « Je suis prêt à mourir ». Ce discours – inspiré de « L’Histoire m’absoudra » de Castro – a été largement repris dans la presse malgré la censure officielle. Le procès a attiré l'attention internationale; il y a eu des appels mondiaux pour la rel | http://quiz4free.com/ |
En quelle année le capitaine Matthew Webb est-il devenu le premier à traverser la Manche à la nage ? | 1875 | [
"Le capitaine Matthew Webb (19 janvier 1848 - 24 juillet 1883) fut la première personne enregistrée à traverser la Manche à la nage sans utiliser d'aides artificielles à des fins sportives. Le 25 août 1875, Webb navigue de Douvres à Calais en moins de 22 heures.",
"Le 12 août 1875, il effectue sa première tentative de traversée de la Manche à la nage, mais des vents violents et de mauvaises conditions de mer l'obligent à abandonner la nage. Le 24 août, il entame une deuxième baignade en plongeant depuis le quai de l'Amirauté à Douvres. Soutenu par trois bateaux d'escorte et enduit d'huile de marsouin, il s'élança dans la marée descendante d'une brasse régulière. Malgré des piqûres de méduses et des courants forts au large du Cap Gris Nez qui l'ont empêché d'atteindre le rivage pendant cinq heures, finalement, après 21 heures et 45 minutes, il a atterri près de Calais, première traversée réussie de la Manche. Son parcours en zigzag à travers la Manche faisait plus de 64 km de long."
] | Le capitaine Matthew Webb (19 janvier 1848 - 24 juillet 1883) fut la première personne enregistrée à traverser la Manche à la nage sans utiliser d'aides artificielles à des fins sportives. Le 25 août 1875, Webb navigue de Douvres à Calais en moins de 22 heures.
Jeunesse et carrière
Webb est né à Dawley dans le Shropshire, l'un des douze enfants d'un médecin de Coalbrookdale. Il a acquis sa capacité à nager dans la rivière Severn à Coalbrookdale. En 1860, à l'âge de douze ans, il rejoint le navire-école HMS Conway pendant deux ans, puis entre dans la marine marchande et fait un apprentissage de trois ans chez Rathbone Brothers de Liverpool.
Alors qu'il était second sur le navire Russia de la Cunard Line, voyageant de New York à Liverpool, il a tenté de sauver un homme à la mer en plongeant dans la mer au milieu de l'Atlantique. L'homme n'a jamais été retrouvé, mais l'audace de Webb lui a valu une récompense de 100 £ et la médaille Stanhope, et a fait de lui un héros de la presse britannique.
À l'été 1863, alors qu'il était chez lui, il sauva son frère Thomas, 12 ans, de la noyade dans la Severn, près d'Ironbridge.
Record de natation dans la Manche
En 1873, Webb était capitaine du navire à vapeur Emerald lorsqu'il lut le récit de la tentative ratée de J. B. Johnson de traverser la Manche à la nage. Il a eu envie de s'essayer et a quitté son emploi pour commencer sa formation, d'abord à Lambeth Baths, puis dans les eaux froides de la Tamise, de la Manche et du lac Hollingworth.
Le 12 août 1875, il effectue sa première tentative de traversée de la Manche à la nage, mais des vents violents et de mauvaises conditions de mer l'obligent à abandonner la nage. Le 24 août, il entame une deuxième baignade en plongeant depuis le quai de l'Amirauté à Douvres. Soutenu par trois bateaux d'escorte et enduit d'huile de marsouin, il s'élança dans la marée descendante d'une brasse régulière. Malgré des piqûres de méduses et des courants forts au large du Cap Gris Nez qui l'ont empêché d'atteindre le rivage pendant cinq heures, finalement, après 21 heures et 45 minutes, il a atterri près de Calais, première traversée réussie de la Manche. Son parcours en zigzag à travers la Manche faisait plus de 64 km de long.
La vie plus tard
Après son record de natation, le capitaine Webb a connu l'adulation nationale et internationale et a poursuivi une carrière de nageur professionnel. Il a autorisé son nom à utiliser des produits dérivés tels que des poteries commémoratives et a écrit un livre intitulé The Art of Swimming. Une marque d'allumettes porte son nom. Il a participé à des matchs de natation hors-concours et à des cascades telles que flotter dans un réservoir d'eau pendant 128 heures.
Le 27 avril 1880, il épousa Madeline Kate Chaddock et ils eurent deux enfants, Matthew et Helen.
La mort
Son dernier exploit devait être une nage dangereuse dans les rapides Whirlpool sur la rivière Niagara, en aval des chutes du Niagara, un exploit que de nombreux observateurs considéraient comme suicidaire. Bien que Webb n'ait pas réussi à susciter l'intérêt pour le financement de l'événement, le 24 juillet 1883, il sauta dans la rivière depuis un petit bateau situé près du pont suspendu des chutes du Niagara et commença à nager. Les récits de l'époque indiquent que, selon toute vraisemblance, Webb a survécu avec succès à la première partie de la baignade, mais qu'il est mort dans la section de la rivière située près de l'entrée du bain à remous. Webb a été enterré au cimetière d'Oakwood, à Niagara Falls, New York.
Héritage
En 1909, le frère aîné de Webb, Thomas, a dévoilé un mémorial à Dawley. On y lit la courte inscription : « Rien de grand n'est facile ». Le mémorial a été enlevé pour réparation après qu'un camion est entré en collision avec lui en février 2009. Le mémorial emblématique a été restitué après une restauration complète et a été hissé sur son socle dans High Street en octobre 2009. Une route (Webb Crescent) et l'école Captain Webb, tous deux à Dawley, portent le nom du nageur. Une plaque commémorative avec son portrait a également été dévoilée dans l'église paroissiale de Coalbrookdale. La maison Webb du lycée Adams de Newport, Shropshire, porte le nom de Webb.
Références culturelles
Le poème de John Betjeman "A Shropshire Lad" (1940) commémore la mort du capitaine Webb, représentant son fantôme nageant le long du canal jusqu'à Dawley. Elle a été mise en musique par Jim Parker et a été la chanson la plus demandée du répertoire de John Kirkpatrick tout au long de sa carrière.
La photo du capitaine Webb sur les boîtes d'allumettes de Bryant et May aurait inspiré l'apparence physique du personnage de l'inspecteur Clouseau représenté à l'origine dans les films Pink Panther de Peter Sellers.
Il a été parodié dans Horrible Histories (série télévisée) dans des morts stupides. | http://quiz4free.com/ |
Everton FC a battu le Rapid Vienna en finale de la Coupe des vainqueurs de coupe européenne, en quelle année ? | 1985 | [
"Formé en 1878, Everton était membre fondateur de la Ligue de football en 1888 et a remporté son premier championnat de ligue deux saisons plus tard. Après quatre titres de champion et deux victoires en FA Cup, Everton a connu une accalmie immédiatement après la Seconde Guerre mondiale jusqu'à un renouveau dans les années 1960 qui a vu le club remporter deux championnats de ligue et une FA Cup. Le milieu des années 1980 a représenté leur période la plus récente de succès soutenu, avec deux succès en championnat de la Ligue, une FA Cup et la Coupe des vainqueurs de coupe d'Europe 1985. Le trophée majeur le plus récent du club était la FA Cup 1995. Les supporters du club sont connus sous le nom d'Evertoniens.",
"Howard Kendall a pris la relève en tant que manager et a guidé Everton vers son époque la plus réussie. Au niveau national, Everton a remporté la FA Cup en 1984 et deux titres de champion en 1984-1985 et 1986-1987 et le premier et jusqu'à présent le seul trophée européen du club, remportant la Coupe des vainqueurs de coupe d'Europe lors de la finale de 1985.",
"Après avoir remporté le championnat et la Coupe des vainqueurs de coupe en 1985, Everton a failli remporter un triplé, mais a perdu contre Manchester United en finale de la FA Cup.",
"La saison suivante, 1985-1986, Everton était finaliste derrière ses voisins de Liverpool en championnat et en FA Cup, mais a reconquis le titre de champion en 1986-1987.",
"Everton en emmène régulièrement un grand nombre à l'extérieur, tant au niveau national que lors des matches européens. Le club met en place un système de points de fidélité offrant en première opportunité d'acheter des billets à l'extérieur aux détenteurs d'abonnements ayant assisté au plus grand nombre de matchs à l'extérieur. Everton vend souvent la totalité de son allocation sur les terrains à l'extérieur et les billets se vendent particulièrement bien pour les matchs à l'extérieur du nord-ouest de l'Angleterre. En octobre 2009, Everton a emmené 7 000 supporters itinérants à Benfica, la plus grande foule jamais enregistrée en Europe depuis la finale de la Coupe des vainqueurs de coupe européenne de 1985.",
"** 1928, 1932, 1963, 1970, 1984, 1985, 1986 (partagé), 1987, 1995",
"Depuis 2004, les sponsors des maillots d'Everton sont Chang Beer. Les sponsors précédents incluent Hafnia (1979-85), NEC (1985-95), Danka (1995-97), one2one (1997-2002) et Kejian (2002-04). Pour la saison 2008-09, Everton a vendu des répliques de maillots juniors sans le nom ni le logo actuel de son sponsor principal, la bière Chang, suite à une recommandation du groupe Portman selon laquelle les noms de marques d'alcool soient supprimés des kits vendus aux enfants."
] | Everton Football Club est un club de football anglais basé à Liverpool, dans le Merseyside, évoluant en Premier League. Le club a concouru en première division pendant un nombre record de 113 saisons (en jouant seulement quatre saisons en deuxième division) et a remporté un certain nombre d'honneurs majeurs, dont le championnat de la Ligue à neuf reprises et la FA Cup à cinq reprises.
Formé en 1878, Everton était membre fondateur de la Ligue de football en 1888 et a remporté son premier championnat de ligue deux saisons plus tard. Après quatre titres de champion et deux victoires en FA Cup, Everton a connu une accalmie immédiatement après la Seconde Guerre mondiale jusqu'à un renouveau dans les années 1960 qui a vu le club remporter deux championnats de ligue et une FA Cup. Le milieu des années 1980 a représenté leur période la plus récente de succès soutenu, avec deux succès en championnat de la Ligue, une FA Cup et la Coupe des vainqueurs de coupe d'Europe 1985. Le trophée majeur le plus récent du club était la FA Cup 1995. Les supporters du club sont connus sous le nom d'Evertoniens.
Everton a une rivalité avec ses voisins de Liverpool et les deux équipes participent au derby du Merseyside. Le club est basé à Goodison Park à Walton, Liverpool, depuis 1892, après avoir quitté Anfield après une dispute sur son loyer.
Les couleurs du club sont des chemises bleu royal avec des shorts et des chaussettes blancs.
Histoire
Everton a été fondée sous le nom de St Domingo's en 1878 afin que les habitants de la paroisse de l'église méthodiste de St Domingo d'Everton puissent pratiquer du sport toute l'année : le cricket se jouait en été. Le premier match du club a été une victoire 1-0 contre Everton Church Club. Le club a été rebaptisé Everton en novembre 1879 en l'honneur de la région, car des personnes extérieures à la paroisse souhaitaient y participer.
Le club a été membre fondateur de la Ligue de football en 1888-1889, remportant son premier titre de champion de la Ligue au cours de la saison 1890-1891. Everton a remporté la FA Cup pour la première fois en 1906 et à nouveau le titre de la Ligue en 1914-1915. Le déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914 interrompit le programme de football alors qu'Everton était champion, ce qui se reproduira à nouveau en 1939.
Ce n'est qu'en 1927 que débute la première période de succès soutenu d'Everton. En 1925, le club recrute Dixie Dean de Tranmere Rovers qui, en 1927-1928, établit le record de buts en championnat de haut niveau en une seule saison avec 60 buts en 39 matches de championnat, un record qui tient toujours à ce jour. Dean a aidé Everton à remporter son troisième titre de champion.
Everton a été relégué en deuxième division deux ans plus tard lors de troubles internes au club. Cependant, le club a été promu du premier coup en marquant un nombre record de buts en deuxième division. De retour dans l'élite en 1931-1932, Everton ne perdit pas de temps pour réaffirmer son statut et remporta un quatrième titre de champion à la première occasion. Everton a également remporté sa deuxième FA Cup en 1933 avec une victoire 3-0 contre Manchester City en finale. L'ère s'est terminée en 1938-1939 avec un cinquième titre de champion.
Le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale a de nouveau vu la suspension de la ligue de football et lorsque la compétition officielle a repris en 1946, l'équipe d'Everton était divisée et pâle par rapport à l'équipe d'avant-guerre. Everton a été relégué pour la deuxième fois en 1950-1951 et n'est revenu qu'en 1953-1954, terminant deuxième lors de sa troisième saison en deuxième division. Depuis, le club est une présence de premier plan.
La deuxième ère réussie d'Everton a commencé lorsque Harry Catterick a été nommé manager en 1961. En 1962-1963, sa deuxième saison à la tête, Everton a remporté le titre de la Ligue et en 1966, la FA Cup a suivi avec une victoire 3-2 contre Sheffield Wednesday. Everton atteint de nouveau la finale en 1968, mais cette fois ne parvient pas à vaincre West Bromwich Albion à Wembley. Deux saisons plus tard, en 1969-1970, Everton remporte le championnat de la Ligue, avec neuf points d'avance sur son rival le plus proche, Leeds United. Au cours de cette période, Everton a été le premier club anglais à réaliser cinq années consécutives dans des compétitions européennes : saisons 1961-1962 à 1966-1967.
Cependant, le succès ne dura pas ; l'équipe a terminé quatorzième, quinzième, dix-septième et septième les saisons suivantes. Harry Catterick a pris sa retraite mais ses successeurs n'ont réussi à remporter aucun titre pendant le reste des années 1970. Bien que le club ait relevé des défis pour le titre, terminant quatrième en 1974-1975 sous la direction de Billy Bingham et sous la direction de Gordon Lee, troisième en 1977-1978 et quatrième la saison suivante. Le manager Gordon Lee a été limogé en 1981.
Howard Kendall a pris la relève en tant que manager et a guidé Everton vers son époque la plus réussie. Au niveau national, Everton a remporté la FA Cup en 1984 et deux titres de champion en 1984-1985 et 1986-1987 et le premier et jusqu'à présent le seul trophée européen du club, remportant la Coupe des vainqueurs de coupe d'Europe lors de la finale de 1985.
Le succès européen est survenu après avoir battu pour la première fois l'University College Dublin, l'Inter Bratislava et le Fortuna Sittard. Everton a battu les géants allemands du Bayern Munich 3-1 en demi-finale, malgré un retard à la mi-temps (dans un match élu le plus grand de l'histoire de Goodison Park) et a enregistré le même score contre le club autrichien du Rapid Vienne en finale.
Après avoir remporté le championnat et la Coupe des vainqueurs de coupe en 1985, Everton a failli remporter un triplé, mais a perdu contre Manchester United en finale de la FA Cup.
La saison suivante, 1985-1986, Everton était finaliste derrière ses voisins de Liverpool en championnat et en FA Cup, mais a reconquis le titre de champion en 1986-1987.
Après la catastrophe du stade du Heysel et l'interdiction qui a suivi de tous les clubs anglais du football continental, Everton a perdu l'occasion de concourir pour d'autres trophées européens. Une grande partie de l'équipe vainqueur du titre a été dissoute à la suite de l'interdiction. Kendall lui-même a rejoint l'Athletic Bilbao après le triomphe du titre en 1987 et a été remplacé par son assistant Colin Harvey. Harvey a emmené Everton à la finale de la FA Cup 1989, mais a perdu 3-2 après la prolongation contre Liverpool.
Everton était membre fondateur de la Premier League en 1992, mais a eu du mal à trouver le bon manager. Howard Kendall était revenu en 1990 mais n'avait pas pu répéter son succès précédent, tandis que son successeur, Mike Walker, était statistiquement le manager d'Everton le moins performant à ce jour. Lorsque l'ancien joueur d'Everton, Joe Royle, a pris la relève en 1994, la forme du club a commencé à s'améliorer ; son premier match en charge a été une victoire 2-0 contre son rival du derby, Liverpool. Royle a éloigné Everton de la relégation, menant le club à la FA Cup pour la cinquième fois de son histoire, battant Manchester United 1-0 en finale.
Le triomphe de la Coupe était également le passeport d'Everton pour la Coupe des vainqueurs de coupe, leur première campagne européenne dans l'ère post-Heysel. Les progrès sous Joe Royle se sont poursuivis en 1995-1996 alors qu'ils grimpaient à la sixième place de la Premiership. Une quinzième place la saison suivante a vu Royle démissionner vers la fin de la campagne, pour être temporairement remplacé par le capitaine du club, Dave Watson. Howard Kendall a été nommé manager d'Everton pour la troisième fois en 1997, mais la nomination s'est avérée infructueuse puisqu'Everton a terminé dix-septième de la Premiership ; évitant seulement la relégation en raison de leur différence de buts supérieure à Bolton Wanderers. L'ancien manager des Rangers, Walter Smith, a ensuite succédé à Kendall à l'été 1998, mais n'a réussi que trois finitions successives dans la moitié inférieure du tableau.
Le conseil d'administration d'Everton a finalement perdu patience avec Smith et il a été limogé en mars 2002 après une sortie de la FA Cup à Middlesbrough, Everton étant réellement en danger de relégation. David Moyes, était son remplaçant et a guidé Everton vers une arrivée en toute sécurité à la quinzième place. En 2002-03, Everton a terminé septième, son meilleur classement depuis 1996. Une quatrième place en 2004-05 a permis à Everton de se qualifier pour le tour de qualification de la Ligue des champions. L'équipe n'a pas réussi à se qualifier pour la phase de groupes de la Ligue des champions et a ensuite été éliminée de la Coupe UEFA. Everton s'est qualifié pour les compétitions de Coupe UEFA 2007-08 et 2008-09 et a terminé deuxième de la finale de la FA Cup 2009.
Moyes a battu le record du club pour les frais de transfert les plus élevés payés à quatre reprises, en signant James Beattie pour 6 millions de livres sterling en janvier 2005, Andy Johnson pour 8,6 millions de livres sterling à l'été 2006, Yakubu pour 11,25 millions de livres sterling à l'été 2007 et Marouane Fellaini pour 15 £. millions en septembre 2008. C'est sous la direction de David Moyes que Wayne Rooney a fait son entrée dans l'équipe première, avant d'être vendu à Manchester United pour un montant record de 28 millions de livres sterling.
À la fin de la saison 2012-13, David Moyes a quitté son poste à Everton pour prendre la relève à Manchester United. Il a été remplacé par Roberto Martínez, qui a mené Everton à la 5e place du championnat lors de sa première saison, amassant le meilleur total de points du club depuis 27 ans avec 72. Martínez a mené Everton aux huitièmes de finale de l'UEFA Europa League 2014-15, où ils ont été battus par le Dynamo Kiev, tout en terminant 11e au niveau national. Everton a atteint les demi-finales de la Coupe de la Ligue et de la FA Cup en 2015-16, mais a été battu dans les deux. Après une mauvaise forme en championnat, Martínez a été limogé après l'avant-dernier match de la saison, avec Everton à la 12e place, et a été remplacé par Ronald Koeman à la fin de la saison, qui a signé un contrat de 3 ans.
Couleurs
Au cours des premières décennies de son histoire, Everton avait plusieurs couleurs de kit différentes. L'équipe jouait à l'origine avec des rayures blanches, puis bleues et blanches, mais à mesure que les nouveaux joueurs arrivant au club portaient les maillots de leur ancienne équipe pendant les matches, la confusion s'ensuivit rapidement. Il a été décidé que les chemises seraient teintes en noir, à la fois pour économiser sur les dépenses et pour donner un look plus professionnel. Le résultat, cependant, semblait morbide, c'est pourquoi une ceinture écarlate fut ajoutée.
Lorsque le club a déménagé à Goodison Park en 1892, les couleurs étaient des chemises à rayures rose saumon et bleu foncé avec un short bleu foncé, puis des chemises rubis avec bordure bleue et un short bleu foncé. Les maillots bleu royal avec des shorts blancs ont été utilisés pour la première fois lors de la saison 1901-1902. Le club a joué en bleu ciel en 1906, mais les supporters ont protesté et la couleur est revenue au bleu royal. Parfois, Everton a joué dans des tons plus clairs que le bleu royal (comme 1930-1931 et 1997-1998).
Les couleurs traditionnelles d'Everton à l'extérieur étaient des chemises blanches avec des shorts noirs, mais à partir de 1968, les chemises ambrées et les shorts bleu royal sont devenus courants. Diverses éditions sont parues au cours des années 1970 et 1980. Cependant, récemment, des chemises extérieures noires, blanches, grises et jaunes ont été utilisées. Le maillot extérieur de la saison 2011-2012 est revenu à une chemise ambre avec un short bleu marine.
Le kit domicile d'aujourd'hui est composé de chemises bleu royal, de shorts blancs et de chaussettes bleues, bien que lorsqu'il affronte des équipes à l'extérieur qui portent également des shorts blancs, Everton peut porter du bleu pour éviter tout conflit de couleurs. La tenue de gardien de but d'Everton pour la saison 2014-15 était entièrement jaune.
Crête
À la fin de la saison 1937-1938, le secrétaire d'Everton, Theo Kelly, qui deviendra plus tard le premier manager du club, souhaita concevoir une cravate de club. Il a été convenu que la couleur serait bleue et Kelly a été chargée de concevoir un écusson qui figurerait sur la cravate. Kelly a travaillé dessus pendant quatre mois, jusqu'à se décider sur une reproduction de la tour de Prince Rupert, qui se dresse au cœur du quartier d'Everton.
La tour est inextricablement liée à la région d'Everton depuis sa construction en 1787. Elle servait à l'origine de prison pour incarcérer principalement les ivrognes et les criminels mineurs, et elle se dresse toujours aujourd'hui sur Everton Brow, à Netherfield Road. La tour était accompagnée de deux couronnes de laurier de chaque côté et, selon le College of Arms de Londres, Kelly a choisi d'inclure les lauriers car ils étaient le signe des gagnants. L'écusson était accompagné de la devise du club, "Nil Satis Nisi Optimum", signifiant "Rien que le meilleur n'est assez bon".
Les cravates ont été portées pour la première fois par Kelly et le président d'Everton, M. E. Green, le premier jour de la saison 1938-1939.
Le club incorporait rarement un insigne de quelque sorte que ce soit sur ses maillots. Un design « EFC » entrelacé a été adopté entre 1922 et 1930 avant que le club ne revienne aux chemises unies bleu royal, jusqu'en 1972, date à laquelle le lettrage « EFC » en gras a été ajouté. L'écusson conçu par Kelly a été utilisé pour la première fois sur les maillots de l'équipe en 1978 et y est resté depuis, subissant des modifications progressives pour devenir la version utilisée aujourd'hui.
En mai 2013, le club a lancé un nouvel écusson pour améliorer la reproductibilité du design dans les médias imprimés et audiovisuels, notamment à petite échelle. Les critiques ont suggéré que c'était la pression externe des fabricants de sports Nike, Inc. qui avait évoqué la refonte, car le nombre de couleurs avait été réduit et l'effet radial avait été supprimé, ce qui rendait le kit plus rentable à reproduire. La refonte a été mal accueillie par les supporters, avec un sondage sur un site de fans d'Everton enregistrant une réponse négative à 91 % à l'écusson. Une pétition de protestation a atteint plus de 22 000 signatures avant que le club ne présente des excuses et n'annonce qu'un nouvel écusson serait créé pour la saison 2014-15 en mettant l'accent sur la consultation des fans. Peu de temps après, le responsable du marketing a quitté le club.
Le dernier écusson a été révélé par le club le 3 octobre 2013 ; après un processus de consultation avec les supporters, trois nouveaux écussons ont été présélectionnés et lors du vote final, le nouvel écusson a été choisi par près de 80 % des partisans participants et a commencé à être utilisé en juillet 2014.
Fichier : Everton FC Crest (2000-13).svg|Monochrome Everton crest (2000-13)
Fichier:Everton F.C. (2013).svg| Emblème de la saison 2013-2014
Fichier:Everton FC logo.svg|Écusson actuel - à partir de la saison 2014-2015.
Surnom
Le surnom le plus largement reconnu d'Everton est "The Toffees" ou "The Toffeemen", qui est apparu après le déménagement d'Everton à Goodison. Il y a plusieurs explications sur la façon dont ce nom a été adopté, la plus connue étant qu'il y avait une entreprise dans le village d'Everton, entre Everton Brow et Brow Side, nommée Mother Noblett's, une boutique de caramels, qui faisait de la publicité et vendait des bonbons, y compris l'Everton. Menthe. Il était également situé en face du lock-up sur lequel est basé l'écusson du club d'Everton.
La tradition de Toffee Lady dans laquelle une fille se promène autour du terrain avant le début d'un match et lance des Everton Mints gratuites dans la foule symbolise la connexion. Une autre raison possible est qu'il y avait une maison nommée Ye Anciente Everton Toffee House dans Village Street à proximité, à Everton, dirigée par Ma Bushell. La maison du caramel était située près de l'hôtel Queen's Head, dans lequel se déroulaient les premières réunions du club.
Everton a eu de nombreux autres surnoms au fil des ans. Lorsque le kit noir était porté, Everton était surnommé « The Black Watch », du nom du célèbre régiment militaire. Depuis qu'il est devenu bleu en 1901, Everton a reçu le simple surnom de "The Blues". Le style de jeu attrayant d'Everton a conduit Steve Bloomer à qualifier l'équipe de « scientifique » en 1928, ce qui aurait inspiré le surnom de « l'École des sciences ». L'équipe gagnante de la FA Cup 1995 était connue sous le nom de « Les chiens de guerre ». Lorsque David Moyes est arrivé en tant que manager, il a proclamé Everton comme « le club du peuple », qui a été adopté comme surnom semi-officiel du club.
Stade
Everton jouait à l'origine dans le coin sud-est du parc Stanley, qui était le site du nouveau Liverpool F.C. stade, le premier match officiel ayant lieu en 1879. En 1882, un homme nommé J. Cruitt a fait don d'un terrain à Priory Road qui est devenu la maison du club avant de déménager à Anfield, qui fut la maison d'Everton jusqu'en 1892. À cette époque, un différend La façon dont le club devait être détenu et géré a émergé avec le propriétaire d'Anfield et président d'Everton, John Houlding. Un différend entre Houlding et le comité du club sur la manière dont le club devrait être géré a conduit Houlding à tenter de prendre le contrôle total du club en enregistrant la société "Everton F.C. and Athletic Grounds Ltd". En réponse, Everton a quitté Anfield pour un nouveau terrain, Goodison Park, où le club joue depuis. Houlding a tenté de reprendre le nom, les couleurs, les matches et la position d'Everton dans la ligue, mais a été refusé par la Football Association. Au lieu de cela, Houlding a formé un nouveau club, le Liverpool F.C.
Depuis ces événements, une rivalité féroce existe entre Everton et Liverpool, même si elle est généralement perçue comme plus respectueuse que de nombreux autres derbys du football anglais. Cela a été illustré par une chaîne de foulards rouges et bleus reliés entre les portes des deux terrains du parc Stanley en hommage aux supporters de Liverpool tués dans la catastrophe de Hillsborough.
Goodison Park, le premier grand stade de football construit en Angleterre, a été inauguré en 1892. Goodison Park a accueilli plus de matchs de football de haut niveau que tout autre stade du Royaume-Uni et a été le seul terrain de club anglais à accueillir une demi-finale. à la Coupe du Monde de la FIFA 1966. Ce fut également le premier terrain anglais à disposer d'un chauffage au sol, le premier à avoir deux niveaux de tous les côtés.
Le terrain de l'église Saint-Luc l'Évangéliste est adjacent au coin de la tribune principale et de la tribune de la rue Gwladys.
Les jours de match, selon une tradition remontant à 1962, les joueurs se promènent au son du thème de Z-Cars, nommé "Johnny Todd", une chanson traditionnelle pour enfants de Liverpool recueillie en 1890 par Frank Kidson qui raconte l'histoire d'un marin trahi par son amoureux en mer, même si à deux reprises en 1994, ils ont couru sur des chansons différentes. En août 1994, le club a joué la chanson "Get Ready For This" de 2 Unlimited, et un mois plus tard, une reprise du classique de Creedence Clearwater Revival "Bad Moon Rising". Les deux ont été totalement désapprouvés par les fans d’Everton.
Les réserves d'Everton jouent au Halton Stadium de Widnes.
Installations de formation
De 1966 à 2007, Everton s'est entraîné à Bellefield, dans le quartier de West Derby à Liverpool. Ils ont déménagé au complexe d'entraînement Finch Farm à Halewood en 2007. Le terrain d'entraînement abrite à la fois la première équipe d'Everton et l'académie des jeunes.
Nouveaux stades proposés
Depuis 1996, des indications suggèrent qu'Everton déménagera dans un nouveau stade. Le plan initial prévoyait la construction d'un nouveau stade de 60 000 places, mais en 2000, une proposition a été soumise pour construire un stade de 55 000 places dans le cadre de la régénération de King's Dock. Cela n'a pas abouti car Everton n'a pas réussi à générer les 30 millions de livres sterling nécessaires pour une demi-participation dans le projet de stade, le conseil municipal ayant rejeté la proposition en 2003. Fin 2004, sous l'impulsion du conseil de Liverpool et de la Northwest Development Corporation, le club a entamé des négociations. avec le Liverpool F.C. sur le partage d'un stade proposé sur le parc Stanley. Les négociations ont échoué car Everton n'a pas réussi à augmenter 50 % des coûts. Le 11 janvier 2005, Liverpool a annoncé que le partage du terrain n'était pas une possibilité et a commencé à planifier son propre stade Stanley Park.
Le 16 juin 2006, il a été annoncé qu'Everton avait entamé des pourparlers avec Knowsley Council et Tesco sur la possibilité de construire un nouveau stade de 55 000 places, extensible à plus de 60 000, à Kirkby. Le club a pris la décision inhabituelle de donner à ses supporters leur mot à dire sur l'avenir du club en organisant un vote sur la proposition, obtenant une répartition de 59 % contre 41 % en sa faveur. Les opposants au plan comprenaient d'autres conseils locaux préoccupés par l'effet de la construction d'un grand magasin Tesco dans le cadre du développement, et un groupe de fans exigeant qu'Everton reste dans les limites de la ville de Liverpool.
À la suite d'une enquête publique sur le projet, le gouvernement central a rejeté la proposition. Les responsables politiques locaux et régionaux tentent d'élaborer un plan de sauvetage modifié. Le conseil municipal de Liverpool a convoqué une réunion avec l'Everton F.C. en vue d'évaluer certains sites appropriés qu'ils ont présélectionnés dans les limites de la ville.
Le comité spécial de régénération et de transport du conseil municipal de Liverpool, réuni le 10 février 2011, propose d'ouvrir la ligne Bootle Branch en utilisant « le Liverpool Football Club et l'Everton Football Club comme priorités, en tant que catalyseurs économiques du projet ». Cette proposition placerait les deux clubs de football sur une ligne de transport en commun rapide Merseyrail faisant le tour de la ville, facilitant ainsi l'accès aux transports.
En septembre 2014, le club, en collaboration avec le conseil municipal de Liverpool et Liverpool Mutual Homes, a présenté ses plans initiaux pour construire un nouveau stade à Walton Hall Park. Cependant, ces projets ont ensuite été abandonnés en mai 2016 avec la perspective d'identifier deux nouveaux sites pour le club.
Supporters et rivalités
Everton a une large base de fans, avec la huitième participation moyenne la plus élevée de la Premier League lors de la saison 2008-09. La majorité du soutien d'Everton lors de la journée vient du nord-ouest de l'Angleterre, principalement du Merseyside, du Cheshire, du West Lancashire et de certaines parties de l'ouest du Grand Manchester, ainsi que de nombreux fans venant du nord du Pays de Galles et d'Irlande. Au sein de la ville de Liverpool, le soutien à Everton et à ses rivaux de la ville, Liverpool, n'est pas déterminé par une base géographique avec des supporters répartis dans toute la ville. Cependant, le centre de soutien d'Everton est traditionnellement basé dans le nord-ouest de la ville et dans le sud de Sefton. Everton compte également de nombreux clubs de supporters dans le monde entier, dans des pays comme l'Amérique du Nord, Singapour, l'Indonésie, le Liban, la Malaisie, la Thaïlande et l'Australie. Le club de supporters officiel est FOREVERTON, et il existe également plusieurs fanzines, dont When Skies are Grey et Speke from the Harbour, qui sont vendus autour de Goodison Park les jours de match.
Everton en emmène régulièrement un grand nombre à l'extérieur, tant au niveau national que lors des matches européens. Le club met en place un système de points de fidélité offrant en première opportunité d'acheter des billets à l'extérieur aux détenteurs d'abonnements ayant assisté au plus grand nombre de matchs à l'extérieur. Everton vend souvent la totalité de son allocation sur les terrains à l'extérieur et les billets se vendent particulièrement bien pour les matchs à l'extérieur du nord-ouest de l'Angleterre. En octobre 2009, Everton a emmené 7 000 supporters itinérants à Benfica, la plus grande foule jamais enregistrée en Europe depuis la finale de la Coupe des vainqueurs de coupe européenne de 1985.
La plus grande rivalité d'Everton est avec ses voisins de Liverpool, contre qui ils disputent le derby du Merseyside. Le derby du Merseyside se déroule généralement à guichets fermés et est connu sous le nom de « derby amical » car les deux groupes de supporters peuvent souvent être vus côte à côte, rouge et bleu, à l'intérieur du stade, à Anfield et à Goodison Park. Récemment, sur le terrain, les matchs ont tendance à être extrêmement houleux ; le derby a reçu plus de cartons rouges que tout autre match de l'histoire de la Premiership. La rivalité découle d'un différend interne entre les responsables d'Everton et les propriétaires d'Anfield, qui était alors le terrain d'origine d'Everton, ce qui a conduit Everton à déménager à Goodison Park et à la formation ultérieure du Liverpool F.C., en 1892.
Joueurs
Première équipe
Prêté
Réserves et Académie
*Voir Everton F.C. Réserves et Académie
Anciens joueurs notables
Voir également Liste des joueurs d'Everton F.C. acteurs internationaux.
;Géants d'Everton
Les joueurs suivants sont considérés comme des « géants » pour leurs grandes contributions à Everton. Un panel nommé par le club a établi la liste inaugurale en 2000 et un nouveau intronisé est annoncé chaque saison.
;La meilleure équipe de tous les temps
Au début de la saison 2003-2004, dans le cadre de la célébration officielle du 125e anniversaire du club, les supporters ont voté pour déterminer la meilleure équipe d'Everton de tous les temps.
* Neville Southall (1981-1997)
*Gary Stevens (1982-1989)
*Brian Labone (1958-1971)
*Kévin Ratcliffe (1980-1991)
* Ray Wilson (1964-1969)
*Trevor Steven (1983-90)
*Alan Ball (1966-1971)
*Peter Reid (1982-1989)
*Kevin Sheedy (1982-1992)
* Dixie Dean (1925-1937)
* Graeme Sharp (1980-1991)
;Membres du Temple de la renommée du football anglais
Un certain nombre de joueurs d'Everton ont été intronisés au Temple de la renommée du football anglais :
* Dixie Dean (intronisé en 2002)
* Paul Gascoigne (intronisé en 2002)
* Alan Ball (intronisé en 2003)
* Pat Jennings (intronisé en 2003)
* Tommy Lawton (intronisé en 2003)
* Gary Lineker (intronisé en 2003)
* Howard Kendall (intronisé en 2005)
* Peter Beardsley (intronisé en 2007)
* Mark Hughes (intronisé en 2007)
* Neville Southall (intronisé en 2008)Southall a été intronisé avec Steven Gerrard du Liverpool F.C. lors d'une soirée européenne spéciale pour célébrer la candidature réussie de la ville à la Capitale européenne de la culture.
* Ray Wilson (intronisé en 2008)
* Joe Mercer (intronisé en 2009)
* Harry Catterick (intronisé en 2010)
* Peter Reid (intronisé en 2014)
;Ligue de football 100 Légendes
La Football League 100 Legends est une liste de « 100 joueurs de football légendaires » produite par la Football League en 1998, pour célébrer la 100e saison de la Ligue de football.
*
*Alan Ball
* Dixie Dean
*Paul Gascoigne
*Tommy Lawton
*Gary Lineker
*Joe Mercer
*Neville Southall
*Alex Young
Personnel d'entraîneur
Honneurs du club
Domestique
;Titres de championnat
*Première Division 9 :
** 1890-1891, 1914-15, 1927-28, 1931-32, 1938-39, 1962-63, 1969-70, 1984-85, 1986-87
*Deuxième Division 1 :
** 1930-1931
;Tasses
*FA Coupe 5 :
** 1905-06, 1932-33, 1965-66, 1983-84, 1994-95
*Bouclier caritatif FA 9 :
** 1928, 1932, 1963, 1970, 1984, 1985, 1986 (partagé), 1987, 1995
européen
*Coupe des vainqueurs de coupe d'Europe 1 :
** 1984-85
Record européen
Propriété et financement
Everton FC est une société anonyme dont le conseil d'administration détient la majorité des actions. Les comptes les plus récents du club, datant de mai 2014, font apparaître une dette nette totale de 28,1 millions de livres sterling, avec un chiffre d'affaires de 120,5 millions de livres sterling et un bénéfice de 28,2 millions de livres sterling. Le découvert du club auprès de la Barclays Bank est garanti par le « Basic Award Fund » de la Premier League, une somme garantie versée aux clubs pour leur participation à la Premier League. Everton a conclu un prêt à long terme de 30 millions de livres sterling avec Bear Stearns et Prudential plc en 2002 sur une durée de 25 ans ; une consolidation de dettes à l'époque ainsi qu'une source de capital pour l'acquisition de nouveaux joueurs. Goodison Park est garanti en garantie.
Le 27 février 2016, il a été annoncé que Farhad Moshiri allait acquérir une participation de 49,9 % dans le club.
Chiffres tirés des comptes 2013-2014.
Sponsors et fabricants de chemises
Depuis 2004, les sponsors des maillots d'Everton sont Chang Beer. Les sponsors précédents incluent Hafnia (1979-85), NEC (1985-95), Danka (1995-97), one2one (1997-2002) et Kejian (2002-04). Pour la saison 2008-09, Everton a vendu des répliques de maillots juniors sans le nom ni le logo actuel de son sponsor principal, la bière Chang, suite à une recommandation du groupe Portman selon laquelle les noms de marques d'alcool soient supprimés des kits vendus aux enfants.
Les fabricants actuels de kits d'Everton sont Umbro, qui a déjà été trois fois le fabricant de kits du club (1974-1983, 1986-2000 et 2004-09). Les autres entreprises manufacturières précédentes sont Le Coq Sportif (1983-86, 2009-12), Puma (2000-04) et Nike (2012-14).
Le club possède actuellement deux « mégastores », un situé près de Goodison Park sur Walton Lane nommé « Everton One » et un magasin dans le complexe commercial Liverpool One, nommé « Everton Two », donnant au deuxième magasin l'adresse « Everton Two, Liverpool ». Un'.
Gestionnaires
L'ancien entraîneur, Roberto Martínez, était le quatorzième titulaire permanent de ce poste depuis sa création en 1939. Il y a également eu quatre entraîneurs intérimaires et, avant 1939, l'équipe était sélectionnée soit par le secrétaire du club, soit par un comité. Le manager le plus ancien du club a été Harry Catterick, qui a dirigé l'équipe de 1961 à 1973, disputant 594 matches en équipe première. Le manager d'Everton qui a remporté le plus de trophées nationaux et internationaux est Howard Kendall, qui a remporté deux championnats de Division 1, la FA Cup 1984, la Coupe des vainqueurs de coupe UEFA 1984 et trois Charity Shields.
Registres et statistiques
Neville Southall détient le record du plus grand nombre d'apparitions à Everton, après avoir disputé 751 matches en équipe première entre 1981 et 1997, et détenait auparavant le record du plus grand nombre de feuilles blanches en championnat au cours d'une saison (15). Lors de la saison 2008-09, ce record a été battu par le gardien américain Tim Howard (17 ans). Le défunt demi-centre et ancien capitaine Brian Labone arrive deuxième, après avoir joué 534 fois. Le joueur le plus ancien est le gardien Ted Sagar qui a joué pendant 23 ans entre 1929 et 1953, des deux côtés de la Seconde Guerre mondiale, faisant un total de 495 apparitions. Le meilleur buteur du club, avec 383 buts toutes compétitions confondues, est Dixie Dean ; le deuxième meilleur buteur est Graeme Sharp avec 159. Dean détient toujours le record national anglais du plus grand nombre de buts en une saison, avec 60.
Le record de fréquentation pour un match à domicile d'Everton est de 78 299 contre Liverpool le 18 septembre 1948. Étonnamment, il n'y a eu qu'une seule blessure lors de ce match : Tom Fleetwood a été touché à la tête par une pièce de monnaie lancée par la foule alors qu'il marchait autour du périmètre avec St. Edward's Orphanage Band, jouant du cornet. Goodison Park, comme tous les grands terrains de football anglais depuis la mise en œuvre des recommandations du rapport Taylor, est désormais un terrain de football complet et n'en accueille qu'un peu moins de 40 000, ce qui signifie qu'il est peu probable que ce record de fréquentation soit un jour battu à Goodison. Le transfert record d'Everton a été payé à Chelsea pour l'attaquant belge Romelu Lukaku pour une somme de 28 millions de livres sterling. Everton a acheté le joueur après avoir joué l'année précédente avec l'équipe en prêt.
Everton détient le record du plus grand nombre de saisons dans le premier niveau d'Angleterre (Division One/Premier League), avec 111 saisons sur 114 en 2014-15 (le club a joué en Division 2 en 1930-1931 et de 1951-1954). Ils sont l'une des six équipes à avoir disputé chaque saison de la Premier League depuis sa création en août 1992 – les autres étant Arsenal, Chelsea, Liverpool, Manchester United et Tottenham Hotspur. Everton contre Aston Villa est le match le plus joué dans l'élite anglaise, depuis la saison 2012-13, les deux membres fondateurs de la Ligue de football ont disputé un record de 196 matchs de championnat.
Département communautaire d’Everton
Le département communautaire d'Everton, Everton in the Community (EitC) est une organisation caritative sportive proposant des activités multisports et autres activités sociales. Représente également le club auprès de l'Association européenne des clubs multisports.
Relations avec d'autres clubs
Everton a un lien avec l'académie de football de la République d'Irlande Ballyoulster United basée à Celbridge, l'Association canadienne de football de l'Ontario et l'Association de football de Thaïlande où ils organisent une compétition appelée la Coupe Chang-Everton pour laquelle concourent les écoliers locaux. Le club dispose également d'une académie de football à Limassol, à Chypre et d'un accord de partenariat avec le club américain des Pittsburgh Riverhounds.
Le club possédait et exploitait également une équipe de basket-ball professionnelle, du nom d'Everton Tigers, qui participe à l'élite de la British Basketball League. L'équipe a été lancée à l'été 2007 dans le cadre du programme communautaire des clubs et joue ses matchs à domicile à la Greenbank Sports Academy. L'équipe était un amalgame du programme communautaire pour les jeunes des Toxteth Tigers qui a débuté en 1968. L'équipe est rapidement devenue l'une des équipes les plus titrées de la ligue en remportant la Coupe BBL en 2009 et les barrages en 2010. Cependant, Everton a retiré son financement avant la Coupe BBL de 2010. –11 saison et l'équipe a été relancée sous le nom de Mersey Tigers.
Everton a également des liens avec l'équipe chilienne d'Everton de Viña del Mar, qui porte le nom du club anglais. Le 4 août 2010, les deux Evertons se sont affrontés lors d'un match amical nommé Copa Hermandad à Goodison Park pour marquer le centenaire de l'équipe chilienne, un événement organisé par la Ruleteros Society, une société fondée pour promouvoir les liens entre les deux clubs. D'autres Evertons existent à Rosario dans le département de Colonia, en Uruguay, à La Plata et à Río Cuarto en Argentine, à Elk Grove, en Californie aux États-Unis, et à Cork, en Irlande.
Dans la culture populaire
Comme tous les grands clubs d'Angleterre, Everton est référencé dans de nombreux films, livres, programmes télévisés, chansons et pièces de théâtre tels que Boys from the Blackstuff, "All You Need Is Cash" des Rutles, "The Scousers" de Harry Enfield et un Publicité télévisée de 1979 pour le service télétexte ORACLE d'ITV.
Le téléfilm de 1997 The Fix a dramatisé l'histoire vraie d'un scandale de matchs truqués dans lequel le récent demi-ailier du club, Tony Kay, joué par Jason Isaacs, est impliqué dans le fait d'avoir aidé à organiser un match entre son ancien club Sheffield Wednesday et Ipswich Town. . La majorité de l'histoire se déroule pendant la saison gagnante du championnat de la Ligue 1962-1963 d'Everton avec le manager de l'époque, Harry Catterick, joué par Colin Welland.
Présenté pour la première fois en 1969, le téléfilm The Golden Vision, réalisé par Ken Loach, combinait drame improvisé et séquences documentaires pour raconter l'histoire d'un groupe de supporters d'Everton dont le but principal de la vie, suivre l'équipe, est interrompu par des inconvénients tels que le travail. et les mariages. Le personnage principal du film, le célèbre attaquant Alex Young, était l'un des nombreux à apparaître dans leur propre rôle.
Dans le film Creed de 2015, qui fait partie de la franchise Rocky, Goodison Park figure en bonne place et sert de lieu de scène de combat climatique. Le tournage avait été réalisé du stade et de la foule lors d'un match contre West Bromwich Albion. Le boxeur Tony Bellew incarne l'adversaire de Creed, Ricky Conlon, et porte le badge d'Everton sur son équipement d'entraînement et son short.
Le club est entré dans les charts pop britanniques à quatre reprises sous différents titres au cours des années 1980 et 1990, lorsque de nombreux clubs ont sorti une chanson pour marquer leur atteinte à la finale de la FA Cup. "The Boys in Blue", sorti en 1984, culmine au numéro 82. L'année suivante, le club | http://quiz4free.com/ |
Diane Belmont est devenue célèbre sous le nom de qui ? | Lucille Ball | [
"Née à Jamestown, New York, Lucille Ball était la fille de Henry Durrell Ball (16 septembre 1887 - 28 février 1915) et de Désirée « DeDe » Evelyn (née Hunt ; 21 septembre 1892 - 20 juillet 1977). Après la mort de son père des suites de la fièvre typhoïde à l'âge de 27 ans en 1915, elle et sa famille ont déménagé à Celoron, à proximité, pour vivre avec ses grands-parents. Elle a parfois affirmé plus tard qu'elle était née à Anaconda, dans le Montana.",
"En 1948, Ball incarna Liz Cugat (plus tard « Cooper »), une épouse farfelue, dans My Favorite Husband, une émission de radio pour CBS Radio. Le programme a été un succès et CBS lui a demandé de le développer pour la télévision. Elle a accepté, mais a insisté pour travailler avec son vrai mari, le chef d'orchestre cubain Desi Arnaz. Les dirigeants de CBS étaient réticents, pensant que le public n'accepterait pas qu'une rousse américaine et un Cubain forment un couple. CBS n'a pas été initialement impressionné par l'épisode pilote produit par la société Desilu Productions du couple, alors le couple a parcouru la route dans un numéro de vaudeville avec Lucy dans le rôle de la femme au foyer loufoque voulant participer à l'émission d'Arnaz. La tournée a été un grand succès et CBS a ajouté I Love Lucy à sa programmation. Le spectacle I Love Lucy n'était pas seulement un véhicule vedette pour Lucille Ball, mais aussi un moyen pour elle d'essayer de sauver son mariage avec Desi Arnaz, qui était devenu très tendu, en partie parce que les deux avaient des horaires de représentation chargés qui les séparaient souvent. .",
"Lorsque Ball s'est inscrite sur les listes électorales en 1936, elle a indiqué que son affiliation à un parti était communiste. (Elle a également été enregistrée comme communiste en 1938.) Afin de parrainer le candidat du Parti communiste de 1936 pour le 57e district de l'Assemblée de l'État de Californie, Ball a signé un certificat indiquant : « Je suis enregistrée comme affiliée au Parti communiste ». La même année, elle a été nommée au Comité central d'État du Parti communiste de Californie, selon les archives du secrétaire d'État de Californie. En 1937, l'écrivain hollywoodien Rena Vale, une ancienne communiste auto-identifiée, a assisté à un cours de nouveaux membres du Parti communiste au domicile de Ball, selon le témoignage de Vale devant le Comité spécial de la Chambre des représentants des États-Unis sur les activités anti-américaines, le 22 juillet. , 1940. Deux ans plus tard, Vale affirma ce témoignage dans une déposition sous serment : « Quelques jours après ma troisième demande d'adhésion au Parti communiste, j'ai reçu une convocation pour assister à une réunion sur North Ogden Drive, à Hollywood ; était une note dactylographiée et non signée, demandant simplement ma présence à l'adresse à 20 heures du soir un jour donné, je savais que c'était l'avis tant attendu pour assister aux cours des nouveaux membres du Parti communiste... à mon arrivée à cet endroit. J'ai trouvé plusieurs autres personnes présentes ; un homme âgé nous a informés que nous étions les invités de l'actrice de cinéma Lucille Ball, et nous a montré diverses photos, livres et autres objets pour établir ce fait, et a déclaré qu'elle était heureuse de prêter sa maison pour une classe de nouveaux membres du Parti communiste. Affidavit de Rena M. Vale, 23 novembre 1942. Comité conjoint d'enquête sur les activités anti-américaines en Californie.",
"Il y a un musée Lucille Ball-Desi Arnaz Center dans la ville natale de Lucy, Jamestown, New York. Le Petit Théâtre a été rebaptisé Lucille Ball Little Theatre en son honneur. Ball figurait parmi les « 100 personnes les plus importantes du siècle » du magazine Time.",
"Le 6 août 2001, qui aurait été son 90e anniversaire, le service postal des États-Unis lui a rendu hommage avec un timbre-poste commémoratif dans le cadre de sa série Legends of Hollywood. Ball est apparu sur la couverture de TV Guide plus que toute autre personne ; elle est apparue sur trente-neuf couvertures, dont la toute première couverture en 1953 avec son bébé, Desi Arnaz, Jr. TV Guide a élu Lucille Ball comme « la plus grande star de la télévision de tous les temps » et a ensuite commémoré le cinquantième anniversaire de I Love. Lucy avec huit couvertures collector célébrant des scènes mémorables de la série. Dans un autre cas, I Love Lucy a été désigné comme le deuxième meilleur programme télévisé de l'histoire américaine, après Seinfeld. En raison de son état d'esprit libéré et de son approbation du mouvement des femmes, Ball a été intronisée au Temple national de la renommée des femmes en 2001.",
"Le Friars Club a nommé une salle de son club-house de New York pour Lucille Ball. Elle a reçu le prix « Legacy of Laughter » lors de la cinquième édition des TV Land Awards en 2007. En novembre 2007, Lucille Ball a été choisie comme la deuxième des « 50 plus grandes icônes de la télévision », après Johnny Carson. Cependant, dans un sondage réalisé par le public, ils l'ont choisie comme la plus grande icône.",
"Le 1er août 2016, il a été annoncé qu'une nouvelle statue de Ball remplacerait l'originale. Carolyn Palmer a été choisie à l'unanimité parmi un concours national regroupant plus de 65 sculpteurs. Elle a déclaré dans un communiqué : \"Je voulais non seulement représenter Lucy enjouée, animée et spontanée, mais aussi l'icône glamour d'Hollywood\" et \"J'espère juste que tous les fans de Lucy sont contents et que Lucille Ball elle-même aurait apprécié cette image. d'elle.\""
] | Lucille Désirée Ball (6 août 1911 – 26 avril 1989) est une actrice, comédienne, mannequin, directrice de studio de cinéma et productrice américaine. Elle était surtout connue comme la star des sitcoms autoproduites I Love Lucy, The Lucy-Desi Comedy Hour, The Lucy Show, Here's Lucy et Life with Lucy.
La carrière de Ball a commencé en 1929 lorsqu'elle a décroché un emploi de mannequin. Peu de temps après, elle a commencé sa carrière d'interprète à Broadway sous les noms de scène Diane Belmont et Dianne Belmont. Elle est apparue plus tard dans plusieurs rôles mineurs au cinéma dans les années 1930 et 1940 en tant qu'actrice sous contrat pour RKO Radio Pictures, en tant que choriste ou dans des rôles similaires. Pendant ce temps, elle rencontra le chef d'orchestre cubain Desi Arnaz et les deux s'enfuirent en novembre 1940. Dans les années 1950, Ball s'aventura dans la télévision. En 1951, elle et Arnaz créent la sitcom I Love Lucy, une série qui deviendra l'un des programmes les plus appréciés de l'histoire de la télévision. La même année, Ball donne naissance à leur premier enfant, Lucie Arnaz, suivie de Desi Arnaz, Jr. en 1953. Ball et Arnaz divorcent en mai 1960 et elle épouse le comédien Gary Morton en 1961.
En 1962, Ball est devenue la première femme à diriger un grand studio de télévision, Desilu Productions, qui a produit de nombreuses séries télévisées populaires, notamment Mission : Impossible et Star Trek. Ball n'a pas reculé complètement d'agir, apparaissant dans des rôles au cinéma et à la télévision pour le reste de sa carrière jusqu'à sa mort en avril 1989 des suites d'une dissection de l'aorte abdominale à l'âge de 77 ans.
Ball a été nominé pour treize Primetime Emmy Awards, gagnant quatre fois. En 1977, Ball a été parmi les premiers récipiendaires du Women in Film Crystal Award. Elle a reçu le Golden Globe Cecil B. DeMille Award en 1979, le Lifetime Achievement Award du Kennedy Center Honors en 1986 et le Governors Award de l'Academy of Television Arts & Sciences en 1989.
Début de la vie
Née à Jamestown, New York, Lucille Ball était la fille de Henry Durrell Ball (16 septembre 1887 - 28 février 1915) et de Désirée « DeDe » Evelyn (née Hunt ; 21 septembre 1892 - 20 juillet 1977). Après la mort de son père des suites de la fièvre typhoïde à l'âge de 27 ans en 1915, elle et sa famille ont déménagé à Celoron, à proximité, pour vivre avec ses grands-parents. Elle a parfois affirmé plus tard qu'elle était née à Anaconda, dans le Montana.
Un certain nombre de magazines ont rapporté à tort qu'elle avait décidé que le Montana était un endroit plus romantique pour naître que New York et ont répété le fantasme d'une « enfance occidentale ». En fait, son père y avait brièvement installé la famille, entre autres pour le travail. Sa famille était baptiste et son ascendance était principalement anglaise, mais comprenait de petites quantités d'écossais, de français et d'irlandais. Une partie de sa généalogie mène aux premiers colons des colonies, notamment l'ancien John Crandall de Westerly, Rhode Island, et Edmund Rice, un des premiers émigrants d'Angleterre vers la colonie de la baie du Massachusetts.
Son père, monteur de lignes pour la Bell Telephone Company, était fréquemment muté en raison de son métier. Trois ans après sa naissance, Lucille avait déménagé avec ses parents de Jamestown à Anaconda, dans le Montana, puis à Trenton. Alors que DeDe Ball était enceinte de son deuxième enfant, Frederick, Henry Ball contracta la fièvre typhoïde et mourut en février 1915. Ball se souvenait peu du jour de la mort de son père, mais se souvenait d'un oiseau coincé dans la maison. À partir de ce jour, elle souffrit d’ornitophobie.
Après la mort de son père, sa mère est retournée à New York et chez ses parents. Ball et son frère, Fred Henry Ball (17 juillet 1915 - 5 février 2007), ont été élevés par leur mère et leurs grands-parents maternels à Celoron, New York, un village de villégiature estival sur le lac Chautauqua, juste à l'ouest de Jamestown. Lucy adorait Celoron Park, l'une des meilleures zones de divertissement des États-Unis à l'époque. Sa promenade avait une rampe menant au lac qui servait de toboggan pour enfants, la salle de bal Pier, des montagnes russes, un kiosque à musique et une scène où étaient présentés du vaudeville, des concerts et des spectacles théâtraux réguliers, ce qui faisait de Celoron Park un divertissement. destination.
Quatre ans après la mort d'Henry Ball, DeDe Ball épousa Edward Peterson. Pendant que sa mère et son beau-père cherchaient du travail dans une autre ville, les parents du beau-père de Lucy prenaient soin d'elle et de son frère. Les nouveaux tuteurs de Ball étaient un couple suédois puritain qui a banni tous les miroirs de la maison, à l’exception d’un miroir au-dessus du lavabo de la salle de bain. Lorsque la jeune Ball fut surprise en train de s'y admirer, elle fut sévèrement réprimandée pour sa vanité. Cette période a si profondément affecté Ball que, plus tard dans sa vie, elle a affirmé qu'elle avait duré sept ou huit ans. Peterson était un Shriner. Lorsque son organisation avait besoin d'artistes féminines pour la chorale de son prochain spectacle, il a encouragé sa belle-fille de 12 ans à auditionner. Alors que Ball était sur scène, elle a réalisé que jouer sur scène était un excellent moyen d'obtenir des éloges et une reconnaissance. Son appétit de reconnaissance avait ainsi été éveillé dès son plus jeune âge. En 1927, sa famille connaît le malheur. Leur maison et leurs meubles ont été perdus pour régler un jugement juridique financier après qu'un garçon du quartier ait été accidentellement abattu et paralysé par quelqu'un tirant sur une cible dans leur cour sous la surveillance du grand-père de Ball. La famille a ensuite emménagé dans un petit appartement à Jamestown.
Carrière
Adolescentes et début de carrière
En 1925, Ball, alors âgé de 14 ans seulement, commença à sortir avec Johnny DeVita, un voyou local de 23 ans. DeDe n'était pas satisfaite de leur relation, mais n'a pas pu influencer sa fille pour y mettre fin. Elle s'attendait à ce que la romance s'éteigne dans quelques semaines, mais cela ne s'est pas produit. Après environ un an, DeDe a tenté de les séparer en utilisant le désir de Lucille de faire partie du show business. Malgré les maigres finances de la famille, elle a fait en sorte que Lucille aille à la John Murray Anderson School for the Dramatic Arts de New York, où Bette Davis était une camarade de classe. Ball a déclaré plus tard à propos de cette période de sa vie: "Tout ce que j'ai appris à l'école d'art dramatique, c'est comment avoir peur."
Ball était déterminée à prouver à ses professeurs qu'ils avaient tort et retourna à New York en 1928. Parmi ses autres emplois, elle décroche du travail comme mannequin pour Hattie Carnegie. Sa carrière était florissante lorsqu'elle tomba malade, atteinte de polyarthrite rhumatoïde, et fut incapable de travailler pendant deux ans. Elle est retournée à New York en 1932 pour reprendre sa carrière d'actrice et a subvenu à ses besoins en travaillant à nouveau pour Carnegie et en tant que fille aux cigarettes de Chesterfield. Utilisant le nom de Diane (parfois orthographié Dianne) Belmont, elle a commencé à travailler dans des chorales à Broadway, mais le travail n'a pas duré. Ball a été embauché – mais rapidement licencié – par l'impresario de théâtre Earl Carroll, de ses Vanities, et par Florenz Ziegfeld, d'une compagnie en tournée de Rio Rita.
Hollywood
Après un passage non crédité en tant que Goldwyn Girl dans Roman Scandals (1933), avec Eddie Cantor et Gloria Stuart, Ball s'installe définitivement à Hollywood pour apparaître dans des films. Elle est apparue dans de nombreux petits rôles au cinéma dans les années 1930 en tant qu'actrice sous contrat pour RKO Radio Pictures, notamment dans un court métrage comique à deux rouleaux avec les Trois Stooges (Three Little Pigskins, 1934) et dans un film avec les Marx Brothers (Room Service, 1938). . Elle peut également être vue comme l'un des modèles vedettes dans le film Roberta (1935) de Fred Astaire et Ginger Rogers, brièvement comme la demoiselle d'honneur dans Top Hat (1935), et dans un bref rôle de soutien au début de Follow the Fleet ( 1936), un autre film d'Astaire-Rogers. Ginger Rogers était une cousine maternelle éloignée de Ball. Rogers et elle ont joué des actrices en herbe dans le film Stage Door (1937), avec Katharine Hepburn.
En 1936, elle décroche le rôle qui, espérait-elle, la mènerait à Broadway, dans la pièce de Bartlett Cormack Hey Diddle Diddle, une comédie se déroulant dans un appartement en duplex à Hollywood. La pièce a été créée à Princeton, New Jersey, le 21 janvier 1937 avec Ball jouant le rôle de Julie Tucker, "l'une des trois colocataires aux prises avec des réalisateurs névrosés, des cadres confus et des stars avides qui interfèrent avec la capacité des filles à avancer". " La pièce a reçu de bonnes critiques, mais il y a eu des problèmes, principalement avec sa star, Conway Tearle, qui était en mauvaise santé. Cormack voulait le remplacer, mais la productrice, Anne Nichols, a déclaré que la faute incombait au personnage et a insisté sur le fait que le rôle devait être remodelé et réécrit. Les deux n’ont pas réussi à s’entendre sur une solution. La pièce devait débuter à Broadway au Vanderbilt Theatre, mais a fermé ses portes après une semaine à Washington, D.C., lorsque Tearle est soudainement tombée gravement malade.
Ball a signé avec Metro-Goldwyn-Mayer dans les années 1940, mais n'a jamais atteint une célébrité majeure grâce à son apparition dans les films du studio. Elle était connue dans de nombreux cercles hollywoodiens sous le nom de « Reine des B » – un titre précédemment détenu par Fay Wray - – jouant dans un certain nombre de films de série B, tels que Five Came Back (1939). Comme beaucoup d’actrices en herbe, Ball a choisi de travailler à la radio pour gagner un revenu secondaire et pour se faire connaître. En 1937, elle apparaît régulièrement au Phil Baker Show.
Lorsque celui-ci fut terminé en 1938, Ball rejoignit le casting de The Wonder Show avec Jack Haley (mieux connu sous le nom de Tin Woodman dans Le Magicien d'Oz, 1939). C'est ici qu'elle a commencé sa relation professionnelle de 50 ans avec Gale Gordon, qui a été présentatrice de l'émission. The Wonder Show dura une saison, le dernier épisode étant diffusé le 7 avril 1939. Le producteur de la MGM, Arthur Freed, acheta la pièce musicale à succès de Broadway, DuBarry Was a Lady (1943), spécialement pour Ann Sothern, mais lorsque Sothern refusa le rôle, le choix le rôle a été attribué à Ball, qui dans la vraie vie était le meilleur ami de Sothern. En 1946, Ball a joué dans Lover Come Back.
J'aime Lucy et Desilu
En 1948, Ball incarna Liz Cugat (plus tard « Cooper »), une épouse farfelue, dans My Favorite Husband, une émission de radio pour CBS Radio. Le programme a été un succès et CBS lui a demandé de le développer pour la télévision. Elle a accepté, mais a insisté pour travailler avec son vrai mari, le chef d'orchestre cubain Desi Arnaz. Les dirigeants de CBS étaient réticents, pensant que le public n'accepterait pas qu'une rousse américaine et un Cubain forment un couple. CBS n'a pas été initialement impressionné par l'épisode pilote produit par la société Desilu Productions du couple, alors le couple a parcouru la route dans un numéro de vaudeville avec Lucy dans le rôle de la femme au foyer loufoque voulant participer à l'émission d'Arnaz. La tournée a été un grand succès et CBS a ajouté I Love Lucy à sa programmation. Le spectacle I Love Lucy n'était pas seulement un véhicule vedette pour Lucille Ball, mais aussi un moyen pour elle d'essayer de sauver son mariage avec Desi Arnaz, qui était devenu très tendu, en partie parce que les deux avaient des horaires de représentation chargés qui les séparaient souvent. .
Chemin faisant, elle crée une dynastie télévisuelle et réalise plusieurs « premières ». Ball a été la première femme de la télévision à diriger une société de production : Desilu, la société qu'Arnaz et elle ont créée. Après leur divorce, Ball a racheté la part d'Arnaz dans le studio et elle a commencé à fonctionner comme une directrice de studio très active. Desilu et I Love Lucy ont été les pionniers d'un certain nombre de méthodes encore utilisées aujourd'hui dans la production télévisuelle, telles que le tournage devant un public de studio en direct avec un certain nombre de caméras et des décors distincts adjacents les uns aux autres. Pendant ce temps, Ball a enseigné un atelier de comédie de 32 semaines à l'Institut Brandeis-Bardin. Ball aurait déclaré: "Vous ne pouvez pas enseigner la comédie à quelqu'un; soit il l'a, soit il ne l'a pas."
Ball et Arnaz voulaient rester dans leur domicile de Los Angeles, mais la logistique du fuseau horaire rendait cette norme de diffusion impossible. Les heures de grande écoute à Los Angeles étaient trop tard dans la nuit sur la côte Est pour diffuser une série télévisée majeure, ce qui signifiait que la majorité des téléspectateurs verraient non seulement l'image inférieure des kinéscopes, mais les verraient au moins un jour plus tard.
Le sponsor Philip Morris ne voulait pas montrer des kinéscopes d'un jour sur les principaux marchés de la côte Est, mais il ne voulait pas non plus payer les coûts supplémentaires qu'exigeraient le tournage, le traitement et le montage, faisant pression sur Ball et Arnaz pour qu'ils déménagent à New York. La ville de York. Ball et Arnaz ont proposé d'accepter une réduction de salaire pour financer le tournage, à condition que leur société, Desilu, conserve les droits sur ce film une fois diffusé. CBS a renoncé aux droits d'émission de Desilu après la diffusion initiale, sans se rendre compte qu'ils cédaient un actif précieux et durable. En 1957, CBS rachète les droits pour 1 000 000 $, ce qui fournit à Ball et Arnaz l'acompte pour l'achat des anciens studios RKO, devenus Desilu Studios.
I Love Lucy a dominé les audiences aux États-Unis pendant la majeure partie de sa diffusion. (Une tentative a été faite pour adapter l'émission à la radio ; les acteurs et les scénaristes ont adapté l'épisode mémorable « Breaking the Lease » – dans lequel les Ricardo et Mertz se disputent à cause d'une dispute, les Ricardo menacent de déménager, mais ils sont coincés dans un conflit. bail ferme - pour un disque d'audition radio qui n'a jamais été diffusé, mais a survécu.) Une scène dans laquelle Lucy et Ricky pratiquent le tango, dans l'épisode "Lucy Does The Tango", a évoqué le rire du public en studio le plus long enregistré dans l'histoire de le spectacle; c'était si long que le monteur sonore a dû couper cette partie particulière de la bande originale en deux. Pendant les pauses de production de la série, Lucy et Desi ont joué ensemble dans deux longs métrages : The Long, Long Trailer (1954) et Forever, Darling (1956). Desilu a produit plusieurs autres émissions populaires, telles que The Untouchables, Star Trek et Mission : Impossible. Desilu a finalement été vendu pour 17 000 000 $ et a fusionné avec Paramount Pictures en 1967.
Carrière ultérieure
La comédie musicale Wildcat de Broadway de 1960 a pris fin prématurément lorsque Ball est tombé trop malade pour continuer dans la série. Le spectacle est à l'origine de la chanson qu'elle a rendue célèbre, "Hey, Look Me Over", qu'elle a interprétée avec Paula Stewart au Ed Sullivan Show. Elle a réalisé quelques autres films, dont Yours, Mine, and Ours (1968) et la comédie musicale Mame (1974), ainsi que deux autres sitcoms de longue durée à succès pour CBS : The Lucy Show (1962-1968), avec Vivian Vance et Gale Gordon et Here's Lucy (1968-1974), qui mettait également en vedette Gordon, ainsi que les vrais enfants de Lucy, Lucie Arnaz et Desi Arnaz, Jr. Elle est apparue dans l'émission Dick Cavett en 1974 et a parlé de son histoire et de sa vie avec Arnaz. Elle a révélé ce qu'elle ressentait à l'égard des autres acteurs et actrices ainsi que son amour pour Arnaz. Ball a révélé dans cette interview que la chose la plus étrange qui lui soit jamais arrivée s'est produite après avoir effectué des soins dentaires ; après avoir eu des plombages dans les dents, elle a commencé à entendre les stations de radio dans sa tête. Elle a expliqué qu'en rentrant chez elle un soir du studio, elle a entendu ce qu'elle pensait être du code morse, ou un « écoute ». Le lendemain matin, je l'ai signalé aux autorités et, après enquête, elles ont trouvé un émetteur radio japonais qui avait été enterré et qui transmettait activement des codes aux Japonais. "
Ball a été initialement envisagé par Frank Sinatra pour le rôle de Mme Iselin dans le thriller de la guerre froide The Manchurian Candidate. Le réalisateur/producteur John Frankenheimer avait cependant travaillé avec Angela Lansbury dans un rôle de mère dans All Fall Down et avait insisté pour qu'elle joue le rôle.
Au milieu des années 1980, Ball a tenté de ressusciter sa carrière télévisuelle. En 1982, elle a animé une rétrospective en deux parties de Three's Company, montrant des extraits des cinq premières saisons de la série, résumant des intrigues mémorables et commentant son amour pour la série. Un film dramatique réalisé pour la télévision en 1985 sur une femme âgée sans abri, Stone Pillow, a reçu des critiques mitigées. Son retour dans la sitcom Life With Lucy en 1986, avec son film de longue date Gale Gordon et coproduit par Ball, Gary Morton et le prolifique producteur/ancien acteur Aaron Spelling, a été annulé moins de deux mois après le début de sa diffusion par ABC. En février 1988, Ball a été nommée Hasty Pudding Woman of the Year.
En mai 1988, Ball a été hospitalisé après avoir subi une légère crise cardiaque. Sa dernière apparition publique, juste un mois avant sa mort, a eu lieu lors de la télédiffusion des Oscars de 1989, au cours de laquelle elle et son collègue présentateur, Bob Hope, ont reçu une ovation debout.
Témoignage devant le comité de la Chambre sur les activités anti-américaines
Lorsque Ball s'est inscrite sur les listes électorales en 1936, elle a indiqué que son affiliation à un parti était communiste. (Elle a également été enregistrée comme communiste en 1938.) Afin de parrainer le candidat du Parti communiste de 1936 pour le 57e district de l'Assemblée de l'État de Californie, Ball a signé un certificat indiquant : « Je suis enregistrée comme affiliée au Parti communiste ». La même année, elle a été nommée au Comité central d'État du Parti communiste de Californie, selon les archives du secrétaire d'État de Californie. En 1937, l'écrivain hollywoodien Rena Vale, une ancienne communiste auto-identifiée, a assisté à un cours de nouveaux membres du Parti communiste au domicile de Ball, selon le témoignage de Vale devant le Comité spécial de la Chambre des représentants des États-Unis sur les activités anti-américaines, le 22 juillet. , 1940. Deux ans plus tard, Vale affirma ce témoignage dans une déposition sous serment : « Quelques jours après ma troisième demande d'adhésion au Parti communiste, j'ai reçu une convocation pour assister à une réunion sur North Ogden Drive, à Hollywood ; était une note dactylographiée et non signée, demandant simplement ma présence à l'adresse à 20 heures du soir un jour donné, je savais que c'était l'avis tant attendu pour assister aux cours des nouveaux membres du Parti communiste... à mon arrivée à cet endroit. J'ai trouvé plusieurs autres personnes présentes ; un homme âgé nous a informés que nous étions les invités de l'actrice de cinéma Lucille Ball, et nous a montré diverses photos, livres et autres objets pour établir ce fait, et a déclaré qu'elle était heureuse de prêter sa maison pour une classe de nouveaux membres du Parti communiste. Affidavit de Rena M. Vale, 23 novembre 1942. Comité conjoint d'enquête sur les activités anti-américaines en Californie.
Dans une actualité britannique Pathé de 1944, intitulée Fund Raising For Roosevelt, Ball figurait en bonne place parmi plusieurs stars de la scène et du cinéma lors d'événements en soutien à la campagne de collecte de fonds du président Franklin D. Roosevelt pour la Marche des dix sous. Elle a déclaré que lors de l'élection présidentielle américaine de 1952, elle avait voté pour le républicain Dwight Eisenhower.
Le 4 septembre 1953, Ball rencontra en privé l'enquêteur du HUAC, William A. Wheeler, à Hollywood et lui donna un témoignage scellé. Elle a déclaré qu'elle s'était inscrite sur les listes électorales en tant que communiste « ou qu'elle avait l'intention de voter pour le Parti communiste » en 1936 sur l'insistance de son grand-père socialiste. Elle a déclaré qu'elle "à aucun moment n'avait eu l'intention de voter en tant que communiste".
J. Edgar Hoover, alors directeur du FBI, a nommé « Lucy et Dezi [sic] » parmi ses « favoris du monde du divertissement ». Immédiatement avant le tournage de l'épisode 68 (« Les filles se lancent dans les affaires ») de I Love Lucy, Desi Arnaz, au lieu de son échauffement habituel du public, a parlé au public de Lucy et de son grand-père. Reprenant la phrase qu'il avait donnée pour la première fois à Hedda Hopper dans une interview, il a plaisanté : "La seule chose rouge chez Lucy, ce sont ses cheveux, et même cela n'est pas légitime."
Vie privée
Mariage, enfants et divorce
En 1940, Ball rencontra le chef d'orchestre d'origine cubaine Desi Arnaz lors du tournage du tube de Rodgers et Hart, Too Many Girls. Lorsqu'ils se sont revus le deuxième jour, les deux se sont immédiatement connectés et se sont enfuis la même année. Bien qu'Arnaz ait été enrôlé dans l'armée en 1942, il a fini par être classé pour un service limité en raison d'une blessure au genou. En conséquence, Arnaz est resté à Los Angeles, organisant et présentant des spectacles USO pour les GI blessés ramenés du Pacifique. La même année, Ball apparaît face à Henry Fonda dans The Big Street, dans lequel elle incarne une chanteuse de boîte de nuit paralysée et Fonda incarne un serveur qui l'idolâtre. L'année suivante, Ball est apparu dans DuBarry Was a Lady.
Ball a initialement demandé le divorce en 1944, allant jusqu'à obtenir un jugement interlocutoire ; cependant, elle s'est réconciliée avec Arnaz et a arrêté la procédure.
Le 17 juillet 1951, un mois avant son 40e anniversaire, Ball donne naissance à sa fille Lucie Désirée Arnaz. Un an et demi plus tard, Ball a donné naissance à son deuxième enfant, Desiderio Alberto Arnaz IV, connu sous le nom de Desi Arnaz, Jr. Avant sa naissance, I Love Lucy a connu un solide succès d'audience, et Ball et Arnaz ont écrit la grossesse dans le montrer. (La césarienne nécessaire et planifiée de Ball dans la vraie vie était prévue pour la même date à laquelle son personnage télévisé a accouché.) CBS a lancé plusieurs contestations, insistant sur le fait qu'une femme enceinte ne pouvait pas être montrée à la télévision, ni le mot « enceinte ». être parlé à l'antenne. Après l'approbation de plusieurs personnalités religieuses, la chaîne a autorisé l'histoire de la grossesse, mais a insisté pour que le mot « en attente » soit utilisé à la place de « enceinte ». (Arnaz a fait rire lorsqu'il l'a délibérément mal prononcé comme "'spectin'".) Le titre officiel de l'épisode était "Lucy Is Enceinte", empruntant le mot français pour enceinte ; cependant, les titres des épisodes ne sont jamais apparus dans la série. Le pays était en émoi à l'approche de l'accouchement de Lucy pendant l'hiver 1952. Même la couverture médiatique de la victoire de Dwight D. Eisenhower à l'élection présidentielle américaine de 1952 a dû batailler pour gagner du temps dans les médias face à l'événement spécial de Lucy. Le 14 janvier 1953, des informations circulaient selon lesquelles le bébé Ricardo naîtrait lors de l'émission du lundi suivant. Des milliers de personnes ont appelé le studio et le bureau de presse d'Hollywood, exigeant de connaître les détails. Le 19 janvier serait une date marquante dans l’histoire de la télévision. La cérémonie d'investiture d'Eisenhower a réuni 29 millions de personnes, tandis que 44 millions ont regardé Lucy Ricardo accueillir le petit Ricky. La naissance a fait la première couverture de TV Guide pour la semaine du 3 au 9 avril 1953. Lucy est apparue sur la couverture de TV Guide plus de fois que toute autre star de l'histoire du magazine.
En octobre 1956, Ball, Vivian Vance, Desi Arnaz et William Frawley sont tous apparus dans une émission spéciale de Bob Hope sur NBC, y compris une parodie de I Love Lucy, la seule fois où les quatre stars étaient ensemble dans une émission couleur. À la fin des années 1950, Desilu était devenue une grande entreprise, ce qui causait beaucoup de stress à Ball et à Arnaz.
Le 3 mars 1960, un jour après le quarante-troisième anniversaire de Desi (et un jour après le tournage du dernier épisode de Lucy et Desi ensemble), Lucy déposa des documents à la Cour supérieure de Santa Monica, affirmant que la vie conjugale de Desi était "un cauchemar" et rien de comparable à ce qui est apparu dans I Love Lucy.
Le 4 mai 1960, deux mois seulement après le tournage de cet épisode (le dernier épisode de The Lucy-Desi Comedy Hour), le couple divorça. Cependant, jusqu'à sa mort en 1986, Arnaz et Ball sont restés amis et se parlaient souvent avec beaucoup d'affection. Son divorce réel a indirectement trouvé sa place dans sa série télévisée ultérieure, car elle a toujours été interprétée comme une femme célibataire.
L'année suivante, Ball a joué dans la comédie musicale Wildcat de Broadway, avec Keith Andes et Paula Stewart. Cela a marqué le début d'une amitié de trente ans entre Lucy et Stewart, qui ont présenté Lucy à son deuxième mari Gary Morton, un comique de Borscht Belt qui avait treize ans son cadet. Selon Ball, Morton a affirmé qu'il n'avait jamais vu un épisode de I Love Lucy en raison de son horaire de travail chargé. Ball a immédiatement installé Morton dans sa société de production, lui apprenant le métier de la télévision et le promouvant finalement au rang de producteur. Morton a joué des petits rôles occasionnels dans les différentes séries de Ball.
Ball s'est prononcée ouvertement contre la relation que son fils entretenait avec l'actrice Patty Duke. Plus tard, commentant la date à laquelle son fils est sorti avec Liza Minnelli, elle aurait déclaré: "Liza me manque, mais vous ne pouvez pas domestiquer Liza."
Les amis proches de Ball dans l'entreprise comprenaient la co-star éternelle Vivian Vance ainsi que les stars de cinéma Judy Garland, Ann Sothern et Ginger Rogers, et les interprètes de télévision comiques Mary Wickes et Mary Jane Croft ; tous sauf Garland sont apparus au moins une fois dans ses différentes séries. Les anciennes co-stars de Broadway, Andes et Stewart, sont également apparues au moins une fois dans ses sitcoms ultérieures. Ball a encadré l'actrice et chanteuse Carole Cook et s'est liée d'amitié avec Barbara Eden, lorsqu'Eden est apparue dans un épisode de I Love Lucy.
La mort
Le 18 avril 1989, Ball se trouvait chez elle à Beverly Hills lorsqu'elle s'est plainte de douleurs à la poitrine. Une ambulance a été appelée et elle a été transportée d'urgence aux urgences du centre médical Cedars-Sinai. On lui a diagnostiqué un anévrisme disséquant de l'aorte et elle a subi une opération cardiaque pendant près de huit heures, recevant une aorte d'un homme de 27 ans décédé dans un accident de moto. L'opération semble avoir réussi et Ball a commencé à se rétablir très rapidement, se promenant même dans sa chambre avec peu d'aide. Elle a reçu une vague de vœux de bon rétablissement de la part d'Hollywood et, en face du centre médical Cedars-Sinai, le Hard Rock Café a érigé une pancarte indiquant "Hard Rock Loves Lucy". Cependant, peu après l'aube du 26 avril, Ball s'est réveillé avec de graves maux de dos et a rapidement perdu connaissance. Toutes les tentatives pour la réanimer se sont révélées infructueuses et elle est décédée à 05h47 PDT. Les médecins ont déterminé que l'humoriste de 77 ans avait succombé à une deuxième rupture aortique, cette fois au niveau de l'abdomen, et que cela n'avait aucun rapport avec son opération chirurgicale de la semaine précédente. Son corps a été incinéré et les cendres ont été enterrées au cimetière Forest Lawn - Hollywood Hills à Los Angeles. Cependant, en 2002, ses enfants ont transféré sa dépouille sur le terrain familial du cimetière Lake View à Jamestown, New York, où sont enterrés les parents, le frère et les grands-parents de Ball.
Héritage
Le 8 février 1960, Ball reçut deux étoiles sur le Hollywood Walk of Fame : une au 6436 Hollywood Boulevard pour sa contribution au cinéma et une au 6100 Hollywood Boulevard pour la télévision.
Ball a reçu de nombreux prix prestigieux tout au long de sa carrière, dont certains à titre posthume, comme la Médaille présidentielle de la liberté décernée par le président George H. W. Bush le 6 juillet 1989, et le « Living Legacy Award » du Women's International Center.
Il y a un musée Lucille Ball-Desi Arnaz Center dans la ville natale de Lucy, Jamestown, New York. Le Petit Théâtre a été rebaptisé Lucille Ball Little Theatre en son honneur. Ball figurait parmi les « 100 personnes les plus importantes du siècle » du magazine Time.
Le 7 juin 1990, Universal Studios Florida a ouvert une attraction dédiée à Lucille, nommée "Lucy - A Tribute", qui présente des extraits de spectacles, ainsi que diverses anecdotes sur Lucille, ainsi que des objets appartenant à ou associés. avec Lucille, et un quiz interactif pour les invités.
Le 6 août 2001, qui aurait été son 90e anniversaire, le service postal des États-Unis lui a rendu hommage avec un timbre-poste commémoratif dans le cadre de sa série Legends of Hollywood. Ball est apparu sur la couverture de TV Guide plus que toute autre personne ; elle est apparue sur trente-neuf couvertures, dont la toute première couverture en 1953 avec son bébé, Desi Arnaz, Jr. TV Guide a élu Lucille Ball comme « la plus grande star de la télévision de tous les temps » et a ensuite commémoré le cinquantième anniversaire de I Love. Lucy avec huit couvertures collector célébrant des scènes mémorables de la série. Dans un autre cas, I Love Lucy a été désigné comme le deuxième meilleur programme télévisé de l'histoire américaine, après Seinfeld. En raison de son état d'esprit libéré et de son approbation du mouvement des femmes, Ball a été intronisée au Temple national de la renommée des femmes en 2001.
Le Friars Club a nommé une salle de son club-house de New York pour Lucille Ball. Elle a reçu le prix « Legacy of Laughter » lors de la cinquième édition des TV Land Awards en 2007. En novembre 2007, Lucille Ball a été choisie comme la deuxième des « 50 plus grandes icônes de la télévision », après Johnny Carson. Cependant, dans un sondage réalisé par le public, ils l'ont choisie comme la plus grande icône.
Le 6 août 2011, qui aurait été son 100e anniversaire, Google a honoré Ball avec un doodle interactif sur sa page d'accueil. Ce doodle affiche six moments classiques de I Love Lucy. Le même jour, un total de 915 sosies de Ball ont convergé vers Jamestown, New York, pour célébrer l'anniversaire et établir un nouveau record du monde pour un tel rassemblement.
Depuis 2009, une statue de Ball est exposée dans sa ville natale de Celoron, à New York, où les habitants la jugent « effrayante » et inexacte. L'artiste a discuté de la réparation de la statue avec les autorités municipales, mais a affirmé qu'ils voulaient qu'il le fasse à ses propres frais. En 2015, le maire de Celoron a déclaré que la ville cherchait plutôt à embaucher un autre artiste. En 2015, @midnight, qui utilise le même studio où I Love Lucy a été tourné, organise une campagne pour acheter la statue et la « ramener à la maison ».
Le 1er août 2016, il a été annoncé qu'une nouvelle statue de Ball remplacerait l'originale. Carolyn Palmer a été choisie à l'unanimité parmi un concours national regroupant plus de 65 sculpteurs. Elle a déclaré dans un communiqué : "Je voulais non seulement représenter Lucy enjouée, animée et spontanée, mais aussi l'icône glamour d'Hollywood" et "J'espère juste que tous les fans de Lucy sont contents et que Lucille Ball elle-même aurait apprécié cette image. d'elle."
Filmographie et travail télévisuel
Apparitions à la radio
Dans la culture populaire
Ball sera joué par Cate Blanchett dans un film biographique sans titre, écrit par Aaron Sorkin. | http://quiz4free.com/ |
De quel album de Dire Straits de 1985 le chanteur « Sting » figurait-il ? | Frères d'armes | [
"1985-1986 : l'ère des Frères d'armes et le succès international",
"* Frères d'armes (1985)"
] | Dire Straits était un groupe de rock britannique formé en 1977 par Mark Knopfler (chant et guitare solo), son jeune frère David Knopfler (guitare rythmique et choeurs), John Illsley (guitare basse et choeurs) et Pick Withers (batterie et choeurs). percussion). Le son de Dire Straits s'inspire d'une variété d'influences musicales, notamment le jazz, le folk et le blues, et se rapproche le plus de la beat music dans le contexte du rock and roll. Malgré l'importance du punk rock au cours des premières années du groupe, leur son épuré contrastait avec le punk, démontrant une influence plus «roots» issue du pub rock. Beaucoup de compositions de Dire Straits étaient mélancoliques.
L'album le plus vendu de Dire Straits, Brothers in Arms de 1985, s'est vendu à plus de 30 millions d'exemplaires et a été le premier album à se vendre à un million d'exemplaires sur le nouveau format CD de l'époque. Ils sont également devenus l'un des groupes les plus prospères commercialement au monde, avec des ventes de disques mondiales de plus de 100 millions. Dire Straits a remporté quatre Grammy Awards, trois Brit Awards – gagnant deux fois du meilleur groupe britannique, deux MTV Video Music Awards et divers autres prix musicaux. 8394556.stm "Dire Straits reçoit l'honneur de la plaque"]. BBC News, 4 décembre 2009. Récupéré le 14 janvier 2015. Les chansons du groupe incluent "Money for Nothing", "Sultans of Swing", "So Far Away", "Walk of Life", "Brothers in Arms", "Private Investigations". ", " Roméo et Juliette ", " Tunnel de l'Amour " et " Telegraph Road ".
Selon le Livre Guinness des albums à succès britanniques, Dire Straits a passé plus de 1 100 semaines dans le classement des albums britanniques, se classant au cinquième rang de tous les temps. Leur carrière s'est étalée sur un total de 15 ans. Ils se sont séparés en 1988, mais se sont reformés en 1991 et se sont définitivement dissous en 1995 lorsque Mark Knopfler a lancé sa carrière solo à plein temps. Il y a eu plusieurs changements de personnel au cours des deux périodes, laissant Mark Knopfler et John Illsley comme les deux seuls membres originaux du groupe qui sont restés tout au long de la carrière du groupe.
Histoire
1977-1979 : premières années et deux premiers albums
Les frères Mark et David Knopfler, ainsi que leurs amis John Illsley et Pick Withers, ont formé le groupe en 1977. En 1977, Dire Straits (un nom donné au groupe par un colocataire musicien du batteur Pick Withers) aurait été inventé pendant qu'ils répétaient au concert. cuisine d'un ami, Simon Cowe, de Lindisfarne), a enregistré une démo de cinq chansons qui comprenait leur futur single à succès, "Sultans of Swing", ainsi que "Water of Love", "Down to the Waterline", "Wild West End" et "Sacred Loving" de David Knopfler. Après une performance au Rock Garden en 1977, ils ont apporté une démo au MCA à Soho mais ont été refusés. Ensuite, ils sont allés voir le DJ Charlie Gillett, qui avait une émission de radio intitulée "Honky Tonk" sur BBC Radio London. Le groupe voulait simplement des conseils, mais Gillett aimait tellement la musique qu'il joua "Sultans of Swing" dans son émission. Deux mois plus tard, Dire Straits signe un contrat d'enregistrement avec la division Vertigo de Phonogram Inc. En octobre 1977, le groupe enregistre des cassettes démo de "Southbound Again", "In the Gallery" et "Six Blade Knife" pour BBC Radio London ; en novembre, des démos ont été réalisées avec "Setting Me Up", "Eastbound Train" et "Real Girl".
Le premier album du groupe, Dire Straits, a été enregistré dans les studios de Basing Street dans l'ouest de Londres en février 1978, pour un coût de 12 500 £. Produit par Muff Winwood, l'album est sorti pour la première fois au Royaume-Uni sur Vertigo Records, alors une division de Phonogram Inc. L'album a attiré l'attention de la représentante A&R Karin Berg, travaillant chez Warner Bros. Records à New York. Elle pensait que c’était le genre de musique dont le public avait faim, mais au début, une seule personne de son département était d’accord. De nombreuses chansons de l'album reflètent les expériences de Mark Knopfler à Newcastle, Leeds et Londres. "Down to the Waterline" a rappelé des images de la vie à Newcastle ; "In the Gallery" est un hommage au sculpteur/artiste de Leeds Harry Phillips (père de Steve Phillips) ; "Wild West End" et "Lions" sont tirés des premiers jours de Knopfler dans la capitale.
La même année, Dire Straits entame une tournée en tant que groupe d'ouverture de Talking Heads après que la réédition de "Sultans of Swing" ait finalement commencé à grimper dans les charts britanniques. Cela a conduit à un contrat d'enregistrement aux États-Unis avec Warner Bros. Records ; avant la fin de 1978, Dire Straits avait sorti son premier album éponyme dans le monde entier. Ils ont reçu plus d'attention aux États-Unis, mais sont également arrivés en tête des charts au Canada, en Australie et en Nouvelle-Zélande. Dire Straits a finalement atteint le top 10 dans tous les pays européens.
L'année suivante, Dire Straits entame sa première tournée nord-américaine. Ils ont donné 51 concerts à guichets fermés sur une période de 38 jours. "Sultans of Swing" a atteint la quatrième place aux États-Unis et la huitième au Royaume-Uni. La chanson a été l'un des plus grands succès de Dire Straits et est devenue un incontournable des performances live du groupe. Bob Dylan, qui avait vu le groupe jouer à Los Angeles, fut tellement impressionné qu'il invita Mark Knopfler et le batteur Pick Withers à jouer sur son prochain album, Slow Train Coming.
Les sessions d'enregistrement du deuxième album du groupe, Communiqué, ont eu lieu en décembre 1978 aux Compass Point Studios à Nassau, aux Bahamas. Sorti en juin 1979, Communiqué a été produit par Jerry Wexler et Barry Beckett et s'est classé n°1 dans les charts allemands, avec le premier album Dire Straits simultanément au n°3. Au Royaume-Uni, l'album a culminé au n°5 en 1979. les classements des albums. Avec le single "Lady Writer", le deuxième album continue dans la même veine que le premier et montre la portée croissante du lyrisme de Knopfler sur le morceau d'ouverture, "Once Upon a Time in the West". L'année suivante, cependant, cette approche a commencé à changer, ainsi que la composition du groupe.
1980-1984 : complexité musicale accrue et premiers succès
En 1980, Dire Straits a été nominé pour deux Grammy Awards pour le meilleur nouvel artiste et la meilleure performance vocale rock par un duo ou un groupe pour "Sultans of Swing". En juillet 1980, le groupe commence à enregistrer des morceaux pour leur troisième album. Produit par Jimmy Iovine avec Mark Knopfler partageant également le crédit, Making Movies est sorti en octobre 1980. Pendant les sessions d'enregistrement, la tension entre Mark et David Knopfler a fait des ravages sur le groupe, et David Knopfler a laissé ses différences créatives avec son frère pour poursuivre une carrière solo; il n'était pas crédité sur l'album. Les sessions se sont poursuivies avec Sid McGinnis à la guitare rythmique et le claviériste Roy Bittan du E Street Band de Bruce Springsteen. Une fois les sessions d'enregistrement terminées, le claviériste Alan Clark et le guitariste californien Hal Lindes rejoignent Dire Straits en tant que membres à plein temps pour des tournées en Europe et en Amérique du Nord.
Making Movies a reçu des critiques majoritairement positives et a présenté des chansons plus longues avec des arrangements plus complexes, un style qui se poursuivra pour le reste de la carrière du groupe. L'album présentait plusieurs des compositions les plus personnelles de Mark Knopfler. Le single le plus réussi était "Romeo and Juliet" (numéro 8 dans le classement des singles britanniques), une chanson sur une histoire d'amour ratée, avec la marque de fabrique de Knopfler consistant à conserver ses chansons personnelles sous des noms fictifs. Bien qu'il n'ait jamais été sorti en tant que single à succès, "Solid Rock" a été présenté dans tous les concerts de Dire Straits à partir de ce moment-là pour le reste de leur carrière, tandis que le long morceau d'ouverture de l'album, "Tunnel of Love", avec son intro "The Carousel Waltz" de Richard Rodgers et Oscar Hammerstein II, a été présenté dans le film An Officer and a Gentleman. Bien que "Tunnel of Love" n'ait atteint la 54e place du UK Singles Chart que lors de sa sortie en single en 1981, elle reste l'une des chansons les plus célèbres et les plus populaires de Dire Straits et est immédiatement devenue l'une des préférées des concerts. Making Movies est resté dans le classement des albums britanniques pendant 5 ans, culminant au numéro 4.
Le quatrième album studio de Dire Straits, Love Over Gold, un album de chansons rempli de longs passages expérimentaux mettant en vedette le travail au piano et au clavier d'Alan Clark, a été bien accueilli lors de sa sortie en septembre 1982, devenant disque d'or en Amérique et passant quatre semaines au numéro 1. un au Royaume-Uni. Le titre a été inspiré par des graffitis vus depuis la fenêtre de l'ancien appartement social de Knopfler à Londres. La phrase est tirée de la pochette d'un album de Captain Beefheart. Love Over Gold a été le premier album de Dire Straits produit uniquement par Mark Knopfler, et son principal succès dans les charts, "Private Investigations", a donné à Dire Straits son premier single dans le top 5 au Royaume-Uni, où il a atteint la position numéro 2 malgré son presque record. d'une durée de sept minutes et est devenue une autre des chansons live les plus populaires du groupe.[https://books.google.com/books?id
gZIjT8PgJMEC&pgPA282&dq
enquêtes+privées+dire+straits&hlen&ei
SAAcTcmEE4iChQeP-pW3Dg&saX&oi
book_result&ctresult&resnum
5&ved0CEIQ6AEwBA#v
onepage&qprivate%20investigations%20dire%20straits&f
faux International who's who dans la musique populaire], p. 282. Routledge, 2002.
Dans d'autres parties du monde, "Industrial Disease", une chanson qui évoque le déclin de l'industrie manufacturière britannique au début des années 1980, en se concentrant sur les grèves, la dépression et le dysfonctionnement, était le principal single de l'album, en particulier au Canada, où c'est devenu un hit du top 10. En plus de la chanson titre et de "It Never Rains", Love Over Gold présentait l'épopée "Telegraph Road" de 14 minutes. "Private Dancer" a également été écrit par Knopfler au cours de cette période, qui n'apparaît pas sur l'album, mais a finalement été donné à Tina Turner pour son album de retour du même nom. Love Over Gold se serait vendu à deux millions d'exemplaires au cours des six premières semaines suivant sa sortie. Peu de temps après la sortie de Love Over Gold, le batteur Pick Withers quitte le groupe. Son remplaçant était Terry Williams, anciennement de Rockpile et de divers autres groupes gallois, dont Man.
En 1983, un EP de quatre chansons intitulé ExtendedancEPlay est sorti alors que Love Over Gold était toujours dans les charts. Il présentait le single à succès " Twisting By the Pool " qui a atteint le Top 20 au Royaume-Uni et au Canada. Dire Straits s'est également lancé dans une tournée mondiale de huit mois pour promouvoir Love Over Gold, qui s'est terminée par deux concerts à guichets fermés au Hammersmith Odeon de Londres les 22 et 23 juillet 1983. Le double album Alchemy Live était un enregistrement d'extraits de ces deux concerts et aurait été sorti sans overdubs en studio. Il a été mixé en novembre 1983 et sorti en mars 1984, atteignant le Top 3 du UK Albums Chart. Le concert a également été diffusé en VHS et a été remasterisé et diffusé sur DVD et Blu-ray en 2010 – la seule représentation sur le nouveau format à ce jour.
En 1983 et 1984, Mark Knopfler fut également impliqué dans d'autres projets en dehors du groupe. Il a écrit les musiques des films Local Hero et Cal, qui sont également sortis sous forme d'albums. De plus, pendant cette période, Knopfler a produit l'album Infidels de Bob Dylan qui mettait en vedette Alan Clark aux claviers, ainsi que Aztec Camera et Willy DeVille. Toujours en 1984, John Illsley sort son premier album solo, Never Told a Soul, auquel contribuent Mark Knopfler, Alan Clark et Terry Williams.
1985-1986 : l'ère des Frères d'armes et le succès international
Dire Straits retourne aux studios d'enregistrement à la fin de 1984 et commence à enregistrer des morceaux aux Air Studios Montserrat pour leur cinquième album studio, Brothers in Arms, produit par Knopfler avec Neil Dorfsman. Les sessions ont vu d'autres changements de personnel. Le groupe a ajouté un deuxième claviériste, Guy Fletcher, qui avait auparavant travaillé comme musicien de session avec Roxy Music et sur la bande originale de Cal. Le guitariste Hal Lindes a quitté le groupe pendant les sessions d'enregistrement et a été remplacé par le guitariste new-yorkais Jack Sonni.
Selon une interview accordée au magazine Sound on Sound avec Neil Dorfsman, un mois après le début des sessions d'enregistrement, le batteur Terry Williams a été temporairement remplacé par le batteur de session de jazz, Omar Hakim, qui a enregistré la batterie pour l'intégralité de l'album pendant un séjour de deux jours avant de partir. pour d'autres engagements. Hakim et Williams sont tous deux crédités sur l'album, bien que la seule contribution de Williams soit la batterie sur "Walk of life" et le crescendo improvisé au début de "Money for Nothing". Le reste de l'album présente Hakim à la batterie. Andy Kanavan a rejoint brièvement le groupe en tant que batteur permanent potentiel. Williams serait de retour dans le groupe pour les vidéoclips et la tournée mondiale qui s'ensuivra. Ni Kanavan ni Sonni n'ont été crédités en tant que membres officiels du groupe pour la sortie du nouvel album.
Sorti en mai 1985, Brothers in Arms est entré au numéro 1 du UK Albums Chart et a passé un total de 228 semaines dans les charts. Il est devenu l'album le plus vendu de 1985 au Royaume-Uni. Brothers in Arms a connu un succès similaire aux États-Unis, atteignant la première place du Billboard 200 pendant neuf semaines, devenant multi-platine et se vendant à neuf millions d'exemplaires. L'album a passé trente-quatre semaines au numéro 1 du classement australien ARIA Chart, ce qui en fait l'album numéro un le plus ancien en Australie. L'album présentait une production et un son global plus somptueux que les travaux précédents de Dire Straits, et a engendré plusieurs grands singles dans les charts :
"Money for Nothing", qui a atteint le numéro 1 du Billboard Hot 100 américain et le numéro 4 du UK Singles Chart, "So Far Away" (#20 UK, No. 19 US), "Brothers in Arms" (#16 Royaume-Uni), "Walk of Life" (n°2 au Royaume-Uni, n°7 aux États-Unis) et "Your Latest Trick" (n°26 au Royaume-Uni).[http://www.rockonthenet.com/artists-d/direstraits_main.htm Rock sur le Net : Dire Straits/Mark Knopfler] Récupéré : 29-12-10. "Money for Nothing" a été la première vidéo à être diffusée sur MTV en Grande-Bretagne et présentait la voix d'un invité de Sting, à qui l'on attribue la co-écriture de la chanson avec Mark Knopfler, même si en fait, il s'agissait simplement de l'inclusion de la ligne mélodique de "Don't Stand So Close To Me" qui a déclenché le crédit du droit d'auteur, aucune parole réelle n'a été écrite par Sting. Il a également remporté un Grammy Award pour la meilleure performance rock d'un duo ou d'un groupe avec voix aux 28e Grammy Awards en février 1986.
Brothers in Arms a été l'un des premiers albums enregistrés sur un équipement numérique grâce à la volonté de Knopfler d'améliorer la qualité sonore. La chanson titre de l'album serait le premier CD single au monde. Il a été publié au Royaume-Uni en tant qu'article promotionnel caractérisé par un logo pour la tournée, Live in '85, tandis qu'un second pour commémorer l'étape australienne de la tournée a marqué Live in '86. Contenant seulement quatre titres, il a eu une diffusion très limitée. "Walk of Life" a quant à lui été presque exclu de l'album lorsque le coproducteur Neil Dorfsman a voté contre son inclusion, mais les membres du groupe ont voté contre lui. Le résultat a été le single à succès commercial de Dire Straits le plus réussi au Royaume-Uni, atteignant la deuxième place. "Money for Nothing", "Walk of Life" et "Brothers in Arms" sont immédiatement devenus les favoris des concerts live.
L'album est répertorié dans le Livre Guinness des records comme le premier disque compact à se vendre à un million d'exemplaires et a été reconnu pour avoir contribué à populariser le format CD. Le CD Brothers in Arms présentait la version complète du morceau "Money for Nothing", plutôt que la version qui apparaît sur le LP. En fait, le CD comprend des versions étendues de tous les morceaux présentés sur la première face du LP original, à l'exception de "Walk of Life".
La tournée mondiale 1985-1986 qui suivit la sortie de l'album connut un succès phénoménal. Le saxophoniste Chris White rejoint le groupe et la tournée débute le 25 avril 1985 à Split, en Yougoslavie (aujourd'hui Croatie). Alors qu'ils jouaient une résidence de 13 nuits à la Wembley Arena, le groupe s'est rendu au stade de Wembley dans l'après-midi du 13 juillet 1985, pour apparaître dans une machine à sous Live Aid, dans laquelle leur set comprenait "Money For Nothing" avec Sting en tant qu'invité. chanteur. La tournée s'est terminée au Entertainment Centre de Sydney, en Australie, le 26 avril 1986, où Dire Straits détient toujours le record d'apparitions consécutives pendant 21 nuits. Le groupe a également fait une tentative impromptue de la célèbre chanson folk australienne "Waltzing Matilda". En deux ans, Dire Straits a donné 247 concerts dans plus de 100 villes différentes.
De plus, en 1985, un groupe parti de Londres à Khartoum pour collecter des fonds pour lutter contre la famine, dirigé par John Abbey, s'appelait The Walk of Life. Dire Straits a fait don du disque Brothers in Arms Gold aux participants en reconnaissance de ce qu'ils faisaient.
Le concert du groupe le 10 juillet 1985 à Wembley Arena, dans lequel ils étaient accompagnés par Nils Lofgren pour "Solid Rock" et Hank Marvin a rejoint le groupe à la fin pour jouer "Going Home" (le thème de Local Hero), a été télévisé dans le Royaume-Uni sur The Tube sur Channel 4 en janvier 1986. (Bien qu'ils n'aient jamais été officiellement publiés, des enregistrements bootleg de la performance intitulée Wembley makes the Walk (2005) ont circulé.)
En 1986, Brothers in Arms a remporté deux Grammy Awards et a également remporté le prix du meilleur album britannique aux Brit Awards 1987. Le magazine Q a placé l'album au numéro 51 de sa liste des 100 plus grands albums britanniques de tous les temps en 2000. L'album s'est également classé au numéro 351 sur la liste des « 500 plus grands albums de tous les temps » du magazine Rolling Stone en 2003. Brothers in Arms est également classé numéro 3 des meilleurs albums de 1985 et numéro 31 des meilleurs albums des années 1980, et en avril 2012, l'album était classé septième album le plus vendu de l'histoire des charts britanniques et est le 107e album le plus vendu en les États Unis. En août 1986, MTV Europe a été lancée avec "Money for Nothing" de Dire Straits.
1987-1990 : première rupture
Après la fin de la tournée Brothers in Arms, Mark Knopfler a pris une pause avec Dire Straits et, en 1987, il s'est concentré sur des projets solo et des bandes originales de films. Dire Straits s'est regroupé en 1988 pour le concert hommage au 70e anniversaire de Nelson Mandela organisé le 11 juin 1988 au stade de Wembley, dont ils faisaient la une. Ils ont été rejoints pour leur set par Eric Clapton [http://www.mark-knopfler-news.co.uk/biogs/mark.html Mark Knopfler – Biographie autorisée]. mark-knopfler-news.co.uk qui a interprété son tube "Wonderful Tonight" avec le groupe et a joué de la guitare rythmique sur les autres chansons interprétées par le groupe, tandis que le guitariste Jack Sonni était absent. Peu de temps après, Williams quitte le groupe.
Mark Knopfler a annoncé la dissolution officielle de Dire Straits en septembre 1988. Il a déclaré à Rob Tannenbaum dans Rolling Stone : « De nombreux articles de presse disaient que nous étions le plus grand groupe du monde. Il n'y a donc pas d'accent sur la musique, il y a un accent. sur la popularité. J'avais besoin de repos. L'énorme succès de l'album Brothers in Arms et la tournée qui l'accompagnait ont laissé les membres du groupe dans un stress important, et Knopfler a annoncé qu'il souhaitait travailler sur des projets plus personnels. Un album à succès, Money for Nothing, est sorti en octobre 1988 et a atteint la première place au Royaume-Uni. Également en 1988, John Illsley sort son deuxième album solo, Glass, qui met en vedette Mark Knopfler, Alan Clark, Guy Fletcher et Chris White.
En 1989, lors d'un repas dans un bar à vin de Notting Hill, Knopfler forme The Notting Hillbillies, un groupe country dont le line-up comprenait Guy Fletcher, Brendan Croker et Steve Phillips et le manager Ed Bicknell à la batterie. Le seul album des Notting Hillbillies, Missing...Presumed Have a Good Time avec son single à succès mineur "Your Own Sweet Way", est sorti en 1990. Les Notting Hillbillies ont tourné pendant le reste de l'année et sont également apparus dans Saturday Night. En direct. Knopfler mettra davantage l'accent sur ses influences de la musique country lors de sa collaboration en 1990 avec le guitariste Chet Atkins, Neck and Neck.
En 1990, Dire Straits se produit aux côtés d'Elton John et Eric Clapton au Knebworth Festival, interprétant trois chansons : "Solid Rock", "Money for Nothing" et une chanson que Knopfler a préfacée comme une chanson expérimentale, ne sachant pas s'ils devaient l'enregistrer sur un disque suivant. enregistrer. La chanson, intitulée "I Think I Love You Too Much", un morceau de blues rock avec des solos de Knopfler et Clapton ; cette chanson est également apparue sur l'album de 1990 Hell To Pay en cadeau à l'artiste canadien de blues/jazz Jeff Healey de Knopfler. C'était avant le moment où Knopfler, Illsley et le manager Ed Bicknell décidèrent de reformer le groupe l'année suivante. Tobler, John. (1991) Qui est qui dans le rock & roll, p. 1988. Livres Croissant.
1991-1995 : Résurrection, derniers albums et dissolution définitive
Début 1991, Knopfler et Illsley ressuscitent Dire Straits, ramenant avec eux les anciens claviéristes Alan Clark et Guy Fletcher. En conservant Bicknell comme manager, Dire Straits a été réduit et ne comprenait à nouveau que quatre membres. Le groupe a commencé à enregistrer des morceaux pour un nouvel album, intégrant de nouveaux musiciens de session, dont le guitariste steel Paul Franklin et le percussionniste Danny Cummings. Le saxophoniste Chris White est revenu et le guitariste Phil Palmer a remplacé le poste laissé par Sonni. Pendant les sessions d'enregistrement, le batteur américain Jeff Porcaro a remplacé Williams. Par la suite, il a été invité à rejoindre le groupe à plein temps mais a refusé en raison d'un engagement préalable envers Toto.
Dire Straits a sorti son dernier album studio, On Every Street, en septembre 1991, qui, bien que très attendu, a rencontré un succès plus modéré et des critiques mitigées, ainsi qu'un public considérablement réduit, malgré le précédent succès international de Dire Straits. Certains critiques, dont le All Music Guide, ont qualifié On Every Street de suivi "décevant" de Brothers in Arms. Cependant, il réussit tout de même à se vendre à 8 millions d'exemplaires, atteignant le numéro un au Royaume-Uni et le numéro 12 aux États-Unis.
L'album n'a pas réussi à produire un single à succès au Royaume-Uni. Le premier single était le morceau d'ouverture "Calling Elvis", qui contenait une vidéo basée sur l'émission télévisée des années 1960 Thunderbirds. Il s'est classé au 21e rang au Royaume-Uni, mais a disparu des charts en quatre semaines. Le single suivant, "Heavy Fuel", n'a pas réussi à atteindre le Top 50 du classement des singles britanniques, mais aux États-Unis, le morceau a atteint le numéro un du classement Billboard Mainstream Rock Tracks, leur deuxième chanson à le faire (après " De l'argent pour rien"). De même, la chanson titre de l'album a également été relativement infructueuse, ne parvenant pas à atteindre le Top 40 britannique. Le dernier single sorti de l'album et du groupe au Royaume-Uni était "The Bug", qui contient des chœurs de Vince Gill, qui était a également été invité à rejoindre le groupe à plein temps et a refusé.
Le batteur de session Chris Whitten a rejoint Dire Straits en tant que side-man lorsque le groupe s'est lancé dans une longue tournée de 300 concerts sur deux ans, jouant devant quelque 7,1 millions de fans achetant des billets. Bien que musicalement plus élaborée que la précédente tournée mondiale de 1985 à 1986, la tournée finale épuisante du groupe n'a pas été aussi réussie. Cela s'est avéré trop difficile pour Dire Straits, et à ce moment-là, Mark Knopfler en avait assez de ces opérations massives. Cela a conduit à la deuxième et dernière dissolution du groupe. Bill Flanagan a décrit la séquence des événements dans Gentleman's Quarterly : « La tournée mondiale qui a suivi a duré près de deux ans, a rapporté des montagnes d'argent et a conduit Dire Straits dans le sol. Une fois la tournée terminée, le mariage de Knopfler et son groupe avaient disparu ». La dernière étape de la tournée et le dernier concert du groupe ont eu lieu le 9 octobre 1992 à Saragosse, en Espagne.
Après la fin de la tournée, Mark Knopfler a exprimé le souhait d'abandonner les tournées à grande échelle et a pris une pause dans le monde de la musique. Un album live, On the Night, est sorti en mai 1993, qui documente la tournée, toujours avec des critiques très mitigées. Néanmoins, il atteint le Top 5 britannique, un exploit rare pour un album live. L'EP de quatre titres Encores est également sorti et s'est hissé au premier rang du classement des singles français.
Le dernier album de Dire Straits, Live at the BBC, était une collection d'enregistrements live couvrant les années 1978-1981, qui présentaient principalement la formation originale du groupe. Sorti en juin 1995, leur troisième et dernier album live était une sortie contractuelle chez Vertigo Records (maintenant une division de Mercury Records).[https://books.google.com/books?idwAsEAAAAMBAJ&pg
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false Billboard 26 août 1995] Billboard Récupéré le 30 décembre 2010. À cette époque, Mark Knopfler dissout discrètement Dire Straits et se prépare à travailler sur son premier album solo à part entière (toujours signé chez Mercury Records).
1996-présent
Après avoir dissous Dire Straits, Mark Knopfler a commencé sa carrière en tant qu'artiste solo en sortant son premier album solo, Golden Heart, en mars 1996 après près de 20 ans de collaboration.
Brothers in Arms a été certifié neuf fois platine aux États-Unis en août 1996. Au cours de cette année, l'intégralité du catalogue de Dire Straits a été remasterisée par Bob Ludwig et réédité sur CD sur Mercury Records, dans la plupart des pays du monde en dehors des États-Unis. Les remasters sont sortis en septembre 2000 aux États-Unis, sur Warner Bros.
Knopfler, John Illsley, Alan Clark et Guy Fletcher se sont réunis une dernière fois le 19 juin 1999, avec Ed Bicknell à la batterie, interprétant cinq chansons dont une interprétation de " Nadine " de Chuck Berry pour le mariage d'Illsley. En 2000, Ed Bicknell, qui avait dirigé Dire Straits, a officiellement mis fin à sa relation professionnelle avec Mark Knopfler et les anciens membres de Dire Straits, Illsley, Clark et Fletcher.
En 2002, Mark Knopfler est rejoint par John Illsley, Guy Fletcher, Danny Cummings et Chris White pour quatre concerts caritatifs. Brendan Croker a rejoint Knopfler au cours de la première mi-temps, jouant principalement du matériel composé avec The Notting Hillbillies. Illsley est venu pour une session de Dire Straits, vers la fin de laquelle, lors d'un concert de Shepherd's Bush, Jimmy Nail est venu fournir des chœurs pour la composition solo de Knopfler, "Pourquoi Aye Man".
La compilation la plus récente, The Best of Dire Straits & Mark Knopfler: Private Investigations, est sortie en novembre 2005 et a atteint le Top 20 britannique. Présentant des éléments de la majorité des albums studio de Dire Straits ainsi que des solos et des bandes originales de Mark Knopfler, il est sorti en deux éditions, un simple CD avec couverture grise et un double CD avec couverture bleue. Le seul morceau inédit de l'album, "All the Roadrunning", est un duo avec la chanteuse Emmylou Harris. L'album a été bien accueilli. Également en 2005, Brothers in Arms a été réédité dans une édition limitée du 20e anniversaire, qui a été un succès, remportant un Grammy Award pour le meilleur album de son surround lors de la 48e cérémonie des Grammy Awards.
Depuis la séparation de Dire Straits, Mark Knopfler n'a montré aucun intérêt à reformer le groupe et aurait déclaré "Oh, je ne sais pas s'il faut recommencer à rassembler tout ça", et aurait déclaré aux journalistes que "Je Je ne ferais ça que pour une œuvre caritative. Je suis content d'avoir tout vécu – je me suis beaucoup amusé – mais j'aime les choses telles qu'elles sont. Cependant, le claviériste Guy Fletcher a été associé à presque tous les morceaux solo de Knopfler à ce jour, et Danny Cummings a fréquemment contribué, notamment à trois des plus récents albums solo de Knopfler, All the Roadrunning (avec Emmylou Harris), Kill to Get Crimson et Être chanceux.
En 2007, Knopfler a déclaré qu'il n'avait pas manqué la renommée mondiale qui lui était venue au plus fort du succès du groupe, expliquant que "c'est devenu trop grand". En octobre 2008, John Illsley a déclaré à la BBC qu'il souhaitait que Knopfler accepte de reformer Dire Straits pour une tournée de retour. Knopfler a refusé, affirmant qu'il était souvent réticent à réformer le groupe et a insisté sur le fait qu'il "n'est même pas un fan des premiers succès de Dire Straits". Dans la même interview, Illsley a également suggéré que Knopfler apprécie son succès continu en tant qu'artiste solo, déclarant : "Il se débrouille incroyablement bien en tant qu'artiste solo, alors chapeau bas. Il passe un très bon moment en faisant ce qu'il fait." Guy Fletcher a déclaré sur son site Internet que Knopfler n'avait aucun intérêt à réformer Dire Straits.
En décembre 2009, le groupe a été commémoré par un Heritage Award de PRS for Music. Une plaque a été placée sur un immeuble à Deptford, Londres, l'endroit où Dire Straits a joué son premier concert.
En 2011, Alan Clark, Chris White et Phil Palmer, ainsi que Tom Petty et le batteur des Heartbreakers, Steve Ferrone, ont formé un groupe appelé "The Straits", pour se produire lors d'un spectacle caritatif à l'Albert Hall.
Membres du groupe
* Mark Knopfler : chant, guitare
* John Illsley : basse, chant, guitare
* Pick Withers : batterie
*David Knopfler : guitare
* Alan Clark : claviers, orgue, piano
*Hal Lindes : guitare
*Terry Williams : batterie
* Guy Fletcher : synthétiseur, claviers, guitare, chant
*Jack Sonni : guitare
* Chris White : saxophone, flûte, percussions
* Divers autres membres du personnel de 1989 à 1992 en tant que musiciens de session et de tournée.
Discography
;Studio albums
* Dire Straits (1978)
*Communiqué (1979)
* Faire des films (1980)
* L'amour sur l'or (1982)
* Frères d'armes (1985)
* Dans chaque rue (1991)
Prix
* BRIT Awards 1983 – Meilleur groupe britannique
* Grammy Awards 1986 – Meilleure performance rock par un duo ou un groupe (pour « Money for Nothing »)
* Grammy Awards 1986 – Brothers in Arms Meilleur enregistrement technique, non classique
* Prix Juno 1986 – Album international de l'année
* BRIT Awards 1986 – Meilleur groupe britannique
* MTV Video Music Awards 1986 – Vidéo de l'année (pour "Money for Nothing")
* MTV Video Music Awards 1986 – Meilleure vidéo de groupe (pour « Money for Nothing »)
* Grammy Awards 1987 – Meilleur clip vidéo, forme courte "Dire Straits Brothers in Arms"
* BRIT Awards 1987 – Meilleur album britannique (pour Brothers in Arms)
* Grammy Awards 2006 – Meilleur album de son surround pour sa production de son surround (pour Brothers in Arms—20th Anniversary Edition, Chuck Ainlay, ingénieur de mixage surround ; Bob Ludwig, ingénieur de mastering surround ; Chuck Ainlay et Mark Knopfler, producteurs surround)
* PRS pour Music Heritage Award 2009.
Nominations aux prix
* Grammy Awards 1980 – Meilleur nouvel artiste
* Grammy Awards 1980 – Meilleure performance vocale rock par un duo ou un groupe (pour "Sultans of Swing")
* American Music Award 1986 – Single Pop/Rock préféré (pour « Money for Nothing »)
* Grammy Awards 1986 – Album de l'année (pour Brothers in Arms)
* Grammy Awards 1986 – Disque de l'année (pour "Money for Nothing")
* MTV Video Music Awards 1986 – Meilleure vidéo de performance sur scène (pour "Money for Nothing")
* MTV Video Music Awards 1986 – Meilleure vidéo conceptuelle (pour « Money for Nothing »)
* MTV Video Music Awards 1986 – Meilleure réalisation (pour "Money for Nothing")
* MTV Video Music Awards 1986 – Meilleurs effets spéciaux (pour "Money for Nothing")
* MTV Video Music Awards 1986 – Choix du public (pour "Money for Nothing")
* MTV Video Music Awards 1986 – Meilleure direction artistique (pour « Money for Nothing »)
* MTV Video Music Awards 1986 – Meilleur montage (pour "Money for Nothing")
* MTV Video Music Awards 1986 – Vidéo la plus expérimentale (pour « Money for Nothing »)
* MTV Video Music Awards 1986 – Meilleure performance globale (pour « Money for Nothing »)
* Grammy Awards 1992 – Meilleur clip vidéo, forme courte (pour "Calling Elvis") | http://quiz4free.com/ |
8Â Fort Ville-Marie était le nom original de quelle ville canadienne ? | Montréal | [
"Le Fort Ville-Marie était un avant-poste fortifié de la France en Amérique du Nord. C'est le noyau historique autour duquel s'est développée la colonie originale de Montréal. Compte tenu de son importance, le site du fort a été désigné lieu historique national du Canada en 1924.",
"En 1641, une cinquantaine de colons français, hommes et femmes - recrutés en France par Jérôme Le Royer de la Dauversière, d'Anjou, pour le compte de la Société de Notre-Dame de Montréal - mettent le cap sur la Nouvelle-France. Ils espéraient convertir les autochtones et créer une communauté catholique modèle. Après une longue traversée et plusieurs arrêts, le petit groupe, dirigé par Paul de Chomedey de Maisonneuve, de Champagne, arrive à Québec avec environ 40 hommes, dont trois arrivent avec leurs épouses; Jean Gorry avec Isabeau Panie, Antoine Damien avec Marie Joly et Nicolas Godé avec Françoise Gadois et leurs quatre enfants ; François (21 ans), Françoise (15 ans), Nicolas (13 ans) et Mathurine (5 ans). Les Godés sont souvent appelés la « Première famille de Montréal ». Il y avait aussi une femme célibataire, Catherine Lezeau. L'hiver se passait sur les terres de Pierre de Puiseaux près de Sillery.",
"En mai 1642, le groupe quitte Québec pour se rendre sur l'île de Montréal malgré les efforts du gouverneur de Montmagny pour les faire s'établir sur l'île d'Orléans. Depuis l’époque de Cartier, une ville amérindienne nommée Hochelaga existait sur l’île de Montréal mais a ensuite été abandonnée à la suite de périodes de guerre. Ils sont arrivés le 17 mai. Mme De la Peltrine, sa dame d'honneur Charlotte Barre, ainsi que Jeanne Mance, faisaient partie de ce voyage.[http://www.vieux.montreal.qc.ca/histoire/fra/v_mara.htm \" Ville-Marie\", Vieux-Montréal] François Godé reste au Québec et ne fait pas le voyage inaugural à Montréal.",
"Les Français et les Hollandais (de Fort Orange et de New Amsterdam) s'intéressaient principalement au commerce des fourrures. Les Iroquois s'étaient alliés aux Hollandais de Fort Orange et de la Nouvelle-Amsterdam, qui leur fournissaient des armes. En 1641 éclate la guerre avec les Iroquois. En 1643, Ville-Marie était déjà touchée par les raids iroquois. En 1649, la situation est si critique que Maisonneuve retourne en France chercher du secours. En 1653, pour faire face à ce danger iroquois, un groupe de 100 soldats-colons viennent séjourner à Ville-Marie. Avec elles se trouvaient 15 Filles du Roi confiées aux soins de Marguerite Bourgeoys. Jeanne Mance fondera l'hôpital Hôtel-Dieu de Montréal à Montréal. Dans les premières années, l'Hôtel-Dieu était hébergé à l'intérieur du fort.",
"En 1685, Ville-Marie comptait quelque 600 colons, la plupart vivant dans de modestes maisons de bois. L'église paroissiale et le séminaire des Pères sulpiciens, seigneurs de l'Île, dominaient la petite ville. La plupart des affaires se faisaient sur la place du marché, située juste à côté de l'embouchure de la petite rivière. Ici, Montréalais et Amérindiens se rencontraient pour faire du commerce.",
"Le fort, utilisé entre 1642-1674, a été démoli en 1688. La résidence Louis-Hector de Callière a été construite à cet endroit en 1695. En 2007, des fouilles archéologiques ont mis au jour les vestiges de Ville-Marie sous un entrepôt maritime à Montréal.",
"Fichier:Montréal 1647.jpg|Montréal en 1647",
"Fichier:DollierRuesMontreal.jpg|Montréal en 1672",
"Fichier:Place Montréal 1675.jpg|Montréal en 1675"
] | Le Fort Ville-Marie était un avant-poste fortifié de la France en Amérique du Nord. C'est le noyau historique autour duquel s'est développée la colonie originale de Montréal. Compte tenu de son importance, le site du fort a été désigné lieu historique national du Canada en 1924.
Aperçu
Samuel de Champlain construit un fort temporaire en 1611. Il établit un poste de traite des fourrures à l'emplacement actuel de Pointe-à-Callière dans le cadre d'un projet de création d'un empire colonial français. Lui et son équipe passèrent quelques semaines à défricher un site qu'il nomma « Place Royale », creusèrent deux jardins et plantèrent des graines qui poussèrent bien, confirmant la fertilité du sol. En 1613, Samuel de Champlain revient à la Place Royale et au Sault-au-Récollet.
Histoire
Place Royale
Avant l'arrivée des Européens, la jonction de la rivière Saint-Pierre et du fleuve Saint-Laurent marquait un territoire utilisé comme camping Wyandot (Huron). Entre 1642 et 1676, c'était le lieu des rencontres annuelles de traite des fourrures, alors que les Amérindiens apportaient leurs peaux pour échanger diverses marchandises avec les Français. Lorsque la colonie a été aménagée par les Sulpiciens à la fin des années 1600, ils ont réservé un petit terrain le long de la rive de la rivière pour l'utiliser comme marché public, et il était connu sous le nom de Place du Marché.
En 1641, une cinquantaine de colons français, hommes et femmes - recrutés en France par Jérôme Le Royer de la Dauversière, d'Anjou, pour le compte de la Société de Notre-Dame de Montréal - mettent le cap sur la Nouvelle-France. Ils espéraient convertir les autochtones et créer une communauté catholique modèle. Après une longue traversée et plusieurs arrêts, le petit groupe, dirigé par Paul de Chomedey de Maisonneuve, de Champagne, arrive à Québec avec environ 40 hommes, dont trois arrivent avec leurs épouses; Jean Gorry avec Isabeau Panie, Antoine Damien avec Marie Joly et Nicolas Godé avec Françoise Gadois et leurs quatre enfants ; François (21 ans), Françoise (15 ans), Nicolas (13 ans) et Mathurine (5 ans). Les Godés sont souvent appelés la « Première famille de Montréal ». Il y avait aussi une femme célibataire, Catherine Lezeau. L'hiver se passait sur les terres de Pierre de Puiseaux près de Sillery.
En mai 1642, le groupe quitte Québec pour se rendre sur l'île de Montréal malgré les efforts du gouverneur de Montmagny pour les faire s'établir sur l'île d'Orléans. Depuis l’époque de Cartier, une ville amérindienne nommée Hochelaga existait sur l’île de Montréal mais a ensuite été abandonnée à la suite de périodes de guerre. Ils sont arrivés le 17 mai. Mme De la Peltrine, sa dame d'honneur Charlotte Barre, ainsi que Jeanne Mance, faisaient partie de ce voyage.[http://www.vieux.montreal.qc.ca/histoire/fra/v_mara.htm " Ville-Marie", Vieux-Montréal] François Godé reste au Québec et ne fait pas le voyage inaugural à Montréal.
Les nouveaux arrivants se mettent au travail pour construire le fort de Ville-Marie à l'endroit où Champlain avait autrefois séjourné. Le fort abritait jusqu'à 50 premiers colons. Le premier gouverneur fut Paul Chomedey de Maisonneuve.
Les Français et les Hollandais (de Fort Orange et de New Amsterdam) s'intéressaient principalement au commerce des fourrures. Les Iroquois s'étaient alliés aux Hollandais de Fort Orange et de la Nouvelle-Amsterdam, qui leur fournissaient des armes. En 1641 éclate la guerre avec les Iroquois. En 1643, Ville-Marie était déjà touchée par les raids iroquois. En 1649, la situation est si critique que Maisonneuve retourne en France chercher du secours. En 1653, pour faire face à ce danger iroquois, un groupe de 100 soldats-colons viennent séjourner à Ville-Marie. Avec elles se trouvaient 15 Filles du Roi confiées aux soins de Marguerite Bourgeoys. Jeanne Mance fondera l'hôpital Hôtel-Dieu de Montréal à Montréal. Dans les premières années, l'Hôtel-Dieu était hébergé à l'intérieur du fort.
En 1685, Ville-Marie comptait quelque 600 colons, la plupart vivant dans de modestes maisons de bois. L'église paroissiale et le séminaire des Pères sulpiciens, seigneurs de l'Île, dominaient la petite ville. La plupart des affaires se faisaient sur la place du marché, située juste à côté de l'embouchure de la petite rivière. Ici, Montréalais et Amérindiens se rencontraient pour faire du commerce.
Le fort, utilisé entre 1642-1674, a été démoli en 1688. La résidence Louis-Hector de Callière a été construite à cet endroit en 1695. En 2007, des fouilles archéologiques ont mis au jour les vestiges de Ville-Marie sous un entrepôt maritime à Montréal.
Galerie
Fichier:Montréal 1647.jpg|Montréal en 1647
Fichier:DollierRuesMontreal.jpg|Montréal en 1672
Fichier:Place Montréal 1675.jpg|Montréal en 1675
Fichier:Pointe-à-Callière sous-sol.jpg|Site archéologique de Pointe-à-Callière | http://quiz4free.com/ |
Quel film de 1945 a remporté l'Oscar du meilleur film, acteur et réalisateur ? | Le week-end perdu | [
"Meilleur film : Le week-end perdu - Paramount",
"Meilleur réalisateur : Billy Wilder - Le week-end perdu",
"Meilleur acteur : Ray Milland pour Le week-end perdu",
"Meilleur film : Le week-end perdu",
"Meilleur réalisateur : Billy Wilder - Le week-end perdu",
"Meilleur acteur : Ray Milland pour Le week-end perdu",
"*Le week-end perdu, réalisé par Billy Wilder, avec Ray Milland et Jane Wyman"
] | L’année 1945 au cinéma a été marquée par des événements marquants.
Événements
* 20 avril - Sortie de Son of Lassie, le deuxième film de Lassie, le premier film jamais tourné en utilisant la méthode Technicolor Monobook, où un seul magasin de film est utilisé pour enregistrer toutes les couleurs primaires. Avant cette méthode, la méthode d'enregistrement la plus populaire était le Technicolor à 3 bandes, qui utilisait simultanément 3 magasins de films individuels pour enregistrer les couleurs primaires.
* 10 août – Sortie du court métrage d'animation Duck Pimples de Donald Duck.
* 27 septembre - Sortie de Roma Città aperta de Roberto Rossellini marque le début du néoréalisme italien au cinéma.
* 5 octobre - Une grève entre le syndicat des décorateurs de décors et les studios éclate et devient ce qui est désormais considéré comme le Hollywood Black Friday.
* 16 novembre - Paramount Pictures publie un court dessin animé théâtral intitulé The Friendly Ghost, présentant un fantôme nommé Casper.
* 29 novembre - Au procès de Nuremberg est joint un documentaire sur les camps de concentration nazis réalisé par John Ford.
* 28 décembre - Sortie de Spellbound, réalisé par Alfred Hitchcock.
Films les plus rentables (États-Unis)
Prix
Oscars:
Meilleur film : Le week-end perdu - Paramount
Meilleur réalisateur : Billy Wilder - Le week-end perdu
Meilleur acteur : Ray Milland pour Le week-end perdu
Meilleure actrice : Joan Crawford - Mildred Pierce
Meilleur acteur dans un second rôle : James Dunn pour Un arbre pousse à Brooklyn
Meilleure actrice dans un second rôle : Anne Revere pour National Velvet
Prix des Golden Globes :
Meilleur film : Le week-end perdu
Meilleur réalisateur : Billy Wilder - Le week-end perdu
Meilleur acteur : Ray Milland pour Le week-end perdu
Meilleure actrice : Ingrid Bergman pour Les Cloches de Sainte-Marie
Meilleur film pour la promotion de la bonne volonté internationale : La maison dans laquelle je vis (court métrage)
Les dix meilleures stars qui gagnent de l’argent
Films notables sortis en 1945
États-Unis, sauf indication contraire
À
*Les Abandonnés (Las Abandonadas), avec Dolores del Río et Pedro Armendáriz - (Mexique)
*Abbott et Costello à Hollywood, avec Bud Abbott et Lou Costello
*Allotment Wives, avec Kay Francis
*Along Came Jones, avec Gary Cooper et Loretta Young
*Amok - (Mexique)
*Anchors Aweigh, avec Gene Kelly et Frank Sinatra
*Et puis il n'y en avait pas, avec Barry Fitzgerald, Walter Huston, Louis Hayward, Judith Anderson
B
*Retour à Bataan, réalisé par Edward Dmytryk, avec John Wayne
*Une cloche pour Adano, avec Gene Tierney et John Hodiak
*Les Cloches de Sainte-Marie, réalisé par Leo McCarey, avec Bing Crosby et Ingrid Bergman
*Blithe Spirit, réalisé par David Lean, avec Rex Harrison et Constance Cummings, d'après la pièce de Noël Coward - (GB)
* Du sang sur le soleil, avec James Cagney
*The Body Snatcher, réalisé par Robert Wise, avec Boris Karloff
*Boule de suif (Ange et Pécheur) - (France)
*Bougainvillea (Bugambilia), avec Pedro Armendariz et Dolores del Rio - (Mexique)
*Brewster's Millions, avec Dennis O'Keefe
*Brief Encounter, réalisé par David Lean, avec Celia Johnson et Trevor Howard- (GB)
C
*César et Cléopâtre, réalisé par Gabriel Pascal, avec Vivien Leigh et Claude Rains - (GB)
*Capitaine Kidd, avec Charles Laughton
*Les Tricheurs, avec Joseph Schildkraut et Billie Burke
*The Cherokee Flash, avec Sunset Carson et Linda Stirling
*Les Enfants du Paradis, de Marcel Carné, avec Arletty, sorti après la libération de la France
*Noël dans le Connecticut, avec Barbara Stanwyck
*Circus Cavalcade (La cabalgata del circo) - (Argentine)
*L'Horloge, avec Judy Garland
*Agent confidentiel, avec Charles Boyer et Lauren Bacall
*Conflit, avec Humphrey Bogart
*Contre-Attaque, avec Paul Muni et Marguerite Chapman
*Le maïs est vert, avec Bette Davis et John Dall
*Cornered, réalisé par Edward Dmytryk, avec Dick Powell
D-F
*Dakota, starring John Wayne
*Les dames du Bois de Boulogne, directed by Robert Bresson - (France)
*Dead of Night, recueil de refroidisseurs d'Ealing Studios avec Mervyn Johns et Googie Withers - (GB)
*Moulins à mort, réalisé par Billy Wilder
*Détour, avec Tom Neal et Ann Savage
*Diamond Horseshoe, avec Betty Grable
*Dick Tracy, avec Morgan Conway et Mike Mazurki
*Dillinger, avec Lawrence Tierney
*Docks de New York, avec The East Side Kids
*Visage de poupée, avec Vivian Blaine
*Les Dolly Sisters, avec Betty Grable
*Le Cottage Enchanté, avec Dorothy McGuire et Robert Young
*Fallen Angel, réalisé par Otto Preminger, avec Alice Faye dans son dernier grand rôle au cinéma, Dana Andrews et Linda Darnell
*Flamme de la Côte de Barbarie, avec John Wayne
G-H
*Le Grand Flamarion, réalisé par Anthony Mann, avec Erich von Stroheim
*Épouse invitée, avec Claudette Colbert et Don Ameche
*Gun Smoke, avec Johnny Mack Brown et Jennifer Holt
*Hangover Square, avec Laird Cregar, Linda Darnell et George Sanders
*Here Come the Co-Eds, avec Bud Abbott et Lou Costello
*High Powered, avec Phyllis Brooks et Robert Lowery
*Hôtel Berlin, avec Faye Emerson et Raymond Massey
*The House I Live In, un court métrage avec Frank Sinatra
*La Maison de Dracula, avec Lon Chaney, Jr. et John Carradine
*La Maison de la 92ème rue, produit par Louis de Rochemont, avec Lloyd Nolan et Signe Hasso
*Humayun, avec Ashok Kumar - (Inde)
I-J
*Je sais où je vais !, réalisé par Michael Powell et Emeric Pressburger, avec Wendy Hiller et Roger Livesey - (GB)
*Je vis à Grosvenor Square, avec Anna Neagle, Rex Harrison et Robert Morley - (GB)
*Je serai ton chérie, réalisé par Val Guest, avec Margaret Lockwood (GB)
* Blonde incendiaire, avec Betty Hutton
*L'Armée Invisible (Den usynlige hær) - (Danemark)
*L'Île des Morts, avec Boris Karloff et Ellen Drew
*C'est dans le sac !, avec Fred Allen, Jack Benny, Don Ameche
*Johnny Angel, avec George Raft et Claire Trevor
KL
*Kiss and Tell, avec Shirley Temple
*Kitty, réalisé par Mitchell Leisen, avec Paulette Goddard et Ray Milland
*La Dame dans un train, avec Deanna Durbin et Ralph Bellamy
*La Dernière Chance (Die letzte Chance) - (Suisse)
*Laissez-la au paradis, avec Gene Tierney et Cornel Wilde
*Life Begins Anew, réalisé par Mario Mattoli avec Alida Valli, Fosco Giachetti (Italie)
*La Lettre Perdue (Propavshaya gramota) - (URSS)
*Le week-end perdu, réalisé par Billy Wilder, avec Ray Milland et Jane Wyman
*Lettres d'amour, avec Jennifer Jones et Joseph Cotten
M-N
*Madonna of the Seven Moons, avec Phyllis Calvert et Stewart Granger - (GB)
*L'Homme dans Half Moon Street, avec Nils Asther
*Une médaille pour Benny, avec Dorothy Lamour
*Les Hommes qui marchent sur la queue du tigre (Tora no o wo fumu otokotachi), réalisé par Akira Kurosawa - (Japon)
*Mildred Pierce, réalisé par Michael Curtiz, avec Joan Crawford, Ann Blyth, Jack Carson, Zachary Scott, Eve Arden
*Maman et Papa, un documentaire sur l'hygiène
*Momotaro, Sacred Sailors (Momotarō : Umi no Shinpei), le premier long métrage d'animation japonais
*Je m'appelle Julia Ross, avec Nina Foch
*Les Naughty Nineties, avec Bud Abbott et Lou Costello
O-Q
*Objectif, Birmanie !, avec Errol Flynn
*Nos vignes ont des raisins tendres, avec Edward G. Robinson et Margaret O'Brien
*Pardon My Past, avec Fred MacMurray et Marguerite Chapman
*Perfect Strangers, avec Robert Donat et Deborah Kerr - (GB)
*Le Portrait de Dorian Gray, avec George Sanders et Hurd Hatfield
*Ficelle rose et cire à cacheter, avec Googie Withers et Mervyn Johns - (GB)
*La porta del cielo (La Porte du Ciel), réalisé par Vittorio De Sica - (Italie)
*Fierté des Marines, avec John Garfield
*Poursuite vers Alger, avec Basil Rathbone et Nigel Bruce
R.
*The Rake's Progress, avec Rex Harrison - (GB)
*Les Prés Rouges (De røde enge) - (Danemark)
*Rhapsody in Blue, un biopic de George Gershwin avec Robert Alda
*Roll Call in Heaven (Quand le ciel passe par liste) - (Argentine)
*Rome, Ville Ouverte, réalisé par Roberto Rossellini, avec Anna Magnani et Aldo Fabrizi - (Italie)
*Un scandale royal, avec Tallulah Bankhead
*Rustlers' Hideout, avec Buster Crabbe et Al St. John
S
*Salomé où elle dansait, avec Yvonne De Carlo
*San Antonio, avec Errol Flynn et Alexis Smith
* Saratoga Trunk, avec Gary Cooper et Ingrid Bergman
*Scarlett Street, réalisé par Fritz Lang, avec Edward G. Robinson et Joan Bennett
*The Forest Fire, avec Dolores del Rio et Arturo de Cordova - (Mexique)
*Le Septième Voile, avec James Mason et Ann Todd - (GB)
*Sherlock Holmes et la Maison de la Peur, avec Basil Rathbone et Nigel Bruce
*Fils de Lassie, avec Peter Lawford
*A Song to Remember, un biopic de Frédéric Chopin avec Cornel Wilde
*Le Sudiste, avec Zachary Scott
*The Spanish Main, avec Maureen O'Hara et Paul Henreid
*Spellbound, réalisé par Alfred Hitchcock, avec Ingrid Bergman et Gregory Peck
*Foire d'État, avec Dana Andrews et Jeanne Crain
*Le Stork Club, avec Betty Hutton
*L'histoire de G.I. Joe, réalisé par William Wellman, avec Burgess Meredith et Robert Mitchum
*L'étrange affaire de l'oncle Harry, avec George Sanders
LA TÉLÉ
*Ils étaient expendables, réalisé par John Ford, avec Robert Montgomery et John Wayne
*L'homme mince rentre à la maison, avec William Powell et Myrna Loy
* Les Trois Caballeros, un film d'animation de Walt Disney avec Donald Duck et Dora Luz
*Frisson d'une romance, réalisé par Richard Thorpe, avec Esther Williams et Van Johnson
*Thunderhead, fils de Flicka, avec Roddy McDowall
*Ce soir et tous les soirs, avec Rita Hayworth
*Un arbre pousse à Brooklyn, réalisé par Elia Kazan, avec Dorothy McGuire
*Twice Blessed, avec Lee et Lyn Wilde
*Two O'Clock Courage, avec Ann Rutherford et Tom Conway
*L'Invisible, avec Joel McCrea et Gail Russell
*La Vallée de la Décision, avec Greer Garson et Gregory Peck
*La vida en un hilo (La vie sur un fil) - (Espagne)
W-Z
*Une promenade au soleil, avec Dana Andrews
*La guerre arrive en Amérique, réalisé par Frank Capra et Anatole Litvak
*Waterloo Road, avec John Mills et Stewart Granger - (GB)
*Le Chemin des étoiles, avec John Mills et Michael Redgrave, écrit par Terence Rattigan - (GB)
*The Wicked Lady, avec Margaret Lockwood et James Mason - (GB)
*Sans amour, avec Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Lucille Ball
*La Femme en vert, avec Basil Rathbone (dans le rôle de Sherlock Holmes) et Nigel Bruce
*Wonder Man, avec Danny Kaye et Virginia Mayo
*Yolanda et le voleur, avec Fred Astaire et Lucille Bremer
*Ziegfeld Follies, avec un casting de stars de la MGM
Séries
*Brenda Starr, journaliste, avec Joan Woodbury
*Opérateur fédéral 99, avec Marten Lamont
*Jungle Queen, avec Edward Norris et Eddie Quillan
*Les Aventuriers de la Jungle
*Chasse à l'homme sur Mystery Island, avec Richard Bailey et Linda Stirling
*Le Passe-partout, avec Dennis Moore
*Le Monstre et le Singe, avec Robert Lowery
*The Purple Monster Strikes, avec Dennis Moore et Linda Stirling
*La Montée Royale monte à nouveau
*Agent secret X-9, avec Lloyd Bridges
*Qui est coupable ?
Série de courts métrages
*Mickey la souris (1928-1953)
*Looney Tunes (1930-1969)
*Terrytoons (1930-1964)
*Mélodies Merrie (1931-1969)
*Débris (1931-1941)
*Popeye (1933-1957)
*Rhapsodies de couleurs (1934-1949)
*Donald Canard (1937-1956)
* Dingo (1939-1955)
*Andy Panda (1939-1949)
*Tom et Jerry (1940-1958)
*Bugs Lapin (1940-1962)
*Pic boisé (1941-1949)
*Symphonies swing (1941-1945)
*Le renard et le corbeau (1941-1950)
*Le Chaperon Rouge (1943-1949)
*Dropy (1943-1958)
*Écureuil boule à neige (1944-1946)
*Yosemite Sam (1945-1963)
Naissances
*25 janvier - Leigh Taylor-Young, actrice
*29 janvier - Tom Selleck, acteur américain
*9 février - Mia Farrow, actrice américaine
*12 février - Maud Adams, actrice suédoise
*16 février - Jeremy Bulloch, acteur anglais
*17 février - Brenda Fricker, actrice irlandaise
*20 février - Brion James, acteur américain (décédé en 1999)
*24 février - Barry Bostwick, acteur américain
*7 mars - John Heard, acteur américain
*2 avril - Linda Hunt, actrice américaine
*24 mai - Priscilla Presley, actrice américaine
*31 mai - Rainer Werner Fassbinder, réalisateur, producteur et scénariste allemand (décédé en 1982)
*2 juin - Jon Peters, producteur américain
*6 juin - David Dukes, acteur américain (décédé en 2000)
*11 juin - Adrienne Barbeau, actrice américaine
*26 juillet - Helen Mirren, actrice anglaise
*2 août - Joanna Cassidy, actrice américaine
*5 août - Loni Anderson, actrice américaine
*14 août
**Steve Martin, acteur et comédien américain
**Wim Wenders, réalisateur, producteur et scénariste allemand
*23 août : Bob Peck, acteur anglais (décédé en 1999)
*18 octobre - Huell Howser, acteur américain, personnalité de la télévision, animateur, comédien (décédé en 2013)
*19 octobre - John Lithgow, acteur américain
*27 octobre - Carrie Snodgress, actrice américaine (décédée en 2004)
*30 octobre - Henry Winkler, acteur américain
*31 octobre - Brian Doyle-Murray, acteur et comédien américain
*21 novembre - Goldie Hawn, actrice américaine
*27 novembre - James Avery, acteur américain (décédé en 2013)
*1er décembre - Bette Midler, actrice, comédienne et chanteuse américaine
*17 décembre - Ernie Hudson, acteur américain
*24 décembre - Nicholas Meyer, scénariste, réalisateur et producteur américain
*31 décembre - Barbara Carrera, actrice américaine d'origine nicaraguayenne
Décès
*14 janvier - Heinrich Schroth, 73 ans, acteur allemand. Journal de Hart, La mélodie d'une grande ville, Les Lumières, Rembrandt
*23 février - Reginald Barker, 58 ans, réalisateur américain, Civilization, The Bargain, The Coward, The Moonstone
*4 mars - Lucille La Verne, 72 ans, actrice américaine, Blanche-Neige et les Sept Nains, Abraham Lincoln, Les Orphelins de la Tempête, A Tale of Two Cities
*30 mars - Béla Balogh, 60 ans, réalisateur hongrois
*29 avril - Malcolm McGregor, 52 ans, star américaine du cinéma muet, Lady of the Night, The Circle, The Whispering Shadow, The Ladybird
*4 mai - Anna Dodge, 77 ans, actrice américaine, The Extra Girl, Ride for Your Life
*13 juillet - Alla Nazimova, 66 ans, actrice de théâtre et de cinéma d'origine ukrainienne, Blood and Sand, Salomé, Since You Went Away, Madame Peacock
*11 août - Stefan Jaracz, 61 ans, acteur polonais
*12 novembre - Jaro Fürth, 74 ans, acteur autrichien, Journal d'une fille perdue, Joyless Street
Débuts
*Vittorio Gassman - Rencontre avec Laura
*Déforester Kelley - Il est temps de tuer
*Silvana Mangano - Le Jugement dernier
Remarques | http://quiz4free.com/ |
Quel nom a été donné aux onze États qui ont combattu l’Union lors de la guerre civile américaine ? | Confédérés | [
"Lors de l’élection présidentielle de 1860, les républicains, dirigés par Abraham Lincoln, ont soutenu l’interdiction de l’esclavage dans tous les territoires américains, ce que les États du Sud considéraient comme une violation de leurs droits constitutionnels et comme faisant partie d’un plan visant à abolir l’esclavage. Le Parti républicain, dominant dans le Nord, a obtenu la majorité des voix électorales et Lincoln a été élu premier président républicain, mais avant son investiture, sept États esclavagistes dont l'économie était basée sur le coton ont formé la Confédération. Les six premiers à faire sécession avaient les proportions d'esclaves les plus élevées dans leur population, soit un total de 48,8 pour cent. Huit États esclavagistes restants ont continué de rejeter les appels à la sécession. Le président démocrate sortant James Buchanan et les nouveaux républicains ont rejeté la sécession comme étant illégale. Dans son discours inaugural du 4 mars 1861, Lincoln déclarait que son administration ne déclencherait pas de guerre civile. S'adressant directement aux « États du Sud », il a réaffirmé : « Je n'ai aucun objectif, directement ou indirectement, d'interférer avec l'institution de l'esclavage aux États-Unis là où elle existe. Je crois que je n'ai aucun droit légal de le faire, et j'ai aucune envie de le faire. » Les forces confédérées s'emparent de nombreux forts fédéraux sur le territoire revendiqué par la Confédération. Les efforts de compromis échouèrent et les deux camps se préparèrent à la guerre. Les Confédérés supposaient que les pays européens étaient tellement dépendants du « King Cotton » qu'ils interviendraient ; aucun ne l’a fait et aucun n’a reconnu les nouveaux États confédérés d’Amérique."
] | La guerre civile américaine était une guerre civile aux États-Unis qui s'est déroulée de 1861 à 1865. L'Union a affronté des sécessionnistes dans onze États du Sud connus sous le nom d'États confédérés d'Amérique. L’Union a gagné la guerre, qui reste la plus sanglante de l’histoire des États-Unis.
Parmi les 34 États américains, en janvier 1861, sept États esclavagistes du Sud ont déclaré individuellement leur sécession des États-Unis et ont formé les États confédérés d'Amérique. La guerre éclata en avril 1861 lorsqu'ils attaquèrent une forteresse américaine, Fort Sumter. La Confédération, familièrement connue sous le nom de Sud, s'est agrandie pour inclure onze États ; il revendiquait deux autres États et plusieurs territoires occidentaux. La Confédération n'a jamais été reconnue diplomatiquement par aucun pays étranger. Les États qui restèrent fidèles, y compris les États frontaliers où l'esclavage était légal, étaient connus sous le nom d'Union ou de Nord. La guerre se termina avec la capitulation de toutes les armées confédérées et l'effondrement du gouvernement confédéré au printemps 1865.
La guerre trouve son origine dans la question factice de l’esclavage, notamment dans son extension aux territoires occidentaux. Quatre années de combats intenses ont fait entre 620 000 et 750 000 morts parmi les soldats, un nombre plus élevé que les pertes américaines de la Première et de la Seconde Guerre mondiale réunies, et ont détruit une grande partie des infrastructures du Sud. La Confédération s'effondre et l'esclavage est aboli dans tout le pays. L’ère de la reconstruction (1863-1877) chevaucha et suivit la guerre, avec son processus intermittent de restauration de l’unité nationale, de renforcement du gouvernement national et de garantie des droits civils aux esclaves affranchis.
Histoire
Lors de l’élection présidentielle de 1860, les républicains, dirigés par Abraham Lincoln, ont soutenu l’interdiction de l’esclavage dans tous les territoires américains, ce que les États du Sud considéraient comme une violation de leurs droits constitutionnels et comme faisant partie d’un plan visant à abolir l’esclavage. Le Parti républicain, dominant dans le Nord, a obtenu la majorité des voix électorales et Lincoln a été élu premier président républicain, mais avant son investiture, sept États esclavagistes dont l'économie était basée sur le coton ont formé la Confédération. Les six premiers à faire sécession avaient les proportions d'esclaves les plus élevées dans leur population, soit un total de 48,8 pour cent. Huit États esclavagistes restants ont continué de rejeter les appels à la sécession. Le président démocrate sortant James Buchanan et les nouveaux républicains ont rejeté la sécession comme étant illégale. Dans son discours inaugural du 4 mars 1861, Lincoln déclarait que son administration ne déclencherait pas de guerre civile. S'adressant directement aux « États du Sud », il a réaffirmé : « Je n'ai aucun objectif, directement ou indirectement, d'interférer avec l'institution de l'esclavage aux États-Unis là où elle existe. Je crois que je n'ai aucun droit légal de le faire, et j'ai aucune envie de le faire. » Les forces confédérées s'emparent de nombreux forts fédéraux sur le territoire revendiqué par la Confédération. Les efforts de compromis échouèrent et les deux camps se préparèrent à la guerre. Les Confédérés supposaient que les pays européens étaient tellement dépendants du « King Cotton » qu'ils interviendraient ; aucun ne l’a fait et aucun n’a reconnu les nouveaux États confédérés d’Amérique.
Les hostilités débutèrent le 12 avril 1861, lorsque les forces confédérées tirèrent sur Fort Sumter. Alors que sur le théâtre occidental, l'Union réalisait des gains permanents importants, sur le théâtre oriental, la bataille ne fut pas concluante en 1861-1862. Les campagnes confédérées de l'automne 1862 dans le Maryland et le Kentucky échouèrent, dissuadant l'intervention britannique. Lincoln a publié la Proclamation d'émancipation, qui a fait de la fin de l'esclavage un objectif de guerre. À l'ouest, à l'été 1862, l'Union détruisit la marine fluviale confédérée, puis une grande partie de leurs armées occidentales, et s'empara de la Nouvelle-Orléans. Le siège de l'Union à Vicksburg en 1863 divisa la Confédération en deux au niveau du fleuve Mississippi. En 1863, l'incursion confédérée de Robert E. Lee dans le nord se termina par la bataille de Gettysburg. Les succès occidentaux conduisirent Ulysses S. Grant à prendre le commandement de toutes les armées de l'Union en 1864. Infligeant un blocus naval de plus en plus serré aux ports confédérés, l'Union rassembla les ressources et la main-d'œuvre pour attaquer la Confédération de toutes les directions, conduisant à la chute d'Atlanta aux mains de William. T. Sherman et sa marche vers la mer. Les dernières batailles importantes firent rage autour du siège de Pétersbourg. La tentative d'évasion de Lee se termina par sa reddition au palais de justice d'Appomattox, le 9 avril 1865. Alors que la guerre militaire touchait à sa fin, la réintégration politique de la nation devait prendre encore 12 années de l'ère de la reconstruction.
La guerre civile américaine fut l’une des premières véritables guerres industrielles. Les chemins de fer, le télégraphe, les bateaux à vapeur et les armes produites en série furent largement utilisés. La mobilisation des usines civiles, des mines, des chantiers navals, des banques, des transports et de l’approvisionnement alimentaire préfigurait l’impact de l’industrialisation lors de la Première Guerre mondiale. Elle reste la guerre la plus meurtrière de l’histoire américaine. De 1861 à 1865, on estime traditionnellement qu'environ 620 000 personnes sont mortes, mais des études récentes affirment que 750 000 soldats sont morts, ainsi qu'un nombre indéterminé de civils. Selon une estimation, la guerre a coûté la vie à 10 pour cent de tous les hommes du Nord âgés de 20 à 45 ans et à 30 pour cent de tous les hommes blancs du Sud âgés de 18 à 40 ans.
Causes de la sécession
Les causes de la guerre civile étaient complexes et controversées depuis le début de la guerre. James C. Bradford a écrit que la question a été encore compliquée par les révisionnistes historiques, qui ont tenté de proposer diverses raisons pour expliquer la guerre. L’esclavage était la principale source de tensions politiques croissantes dans les années 1850. Le Parti républicain était déterminé à empêcher toute propagation de l’esclavage, et de nombreux dirigeants du Sud avaient menacé de faire sécession si le candidat républicain, Lincoln, remportait les élections de 1860. Après la victoire de Lincoln sans remporter aucun État du Sud, de nombreux Blancs du Sud ont estimé que la désunion était devenue leur seule option, car ils pensaient qu'ils perdaient leur représentation, ce qui entraverait leur capacité à promouvoir des actes et des politiques pro-esclavagistes.
Causes profondes
Esclavage
Les acteurs contemporains, les dirigeants de l’Union et de la Confédération et les soldats combattants des deux côtés pensaient que l’esclavage avait causé la guerre civile. Les syndicalistes croyaient principalement que la guerre avait pour but d’émanciper les esclaves. Les confédérés se sont battus pour protéger la société du Sud et l'esclavage en tant que partie intégrante de celle-ci. Du point de vue anti-esclavagiste, la question était principalement de savoir si le système esclavagiste était un mal anachronique incompatible avec le républicanisme aux États-Unis. La stratégie des forces anti-esclavagistes était l’endiguement – pour arrêter l’expansion et ainsi mettre l’esclavage sur la voie d’une extinction progressive. Les intérêts esclavagistes du Sud ont dénoncé cette stratégie comme portant atteinte à leurs droits constitutionnels. Les Blancs du Sud croyaient que l'émancipation des esclaves détruirait l'économie du Sud en raison de la prétendue paresse des Noirs face au travail libre.
L'esclavage était illégal dans le Nord, après avoir été interdit à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle. Elle s'estompait dans les États frontaliers et dans les villes du Sud, mais se développait dans les districts cotonniers très rentables du Sud et du Sud-Ouest. Les auteurs ultérieurs de la guerre civile américaine se sont penchés sur plusieurs facteurs expliquant la fracture géographique, notamment le sectionnalisme, le protectionnisme et les droits de l'État.
Sectionnalisme
Le sectionnalisme fait référence aux différentes économies, structures sociales, coutumes et valeurs politiques du Nord et du Sud. Elle a augmenté régulièrement entre 1800 et 1860 à mesure que le Nord, qui a progressivement éliminé l’esclavage, s’est industrialisé, urbanisé et construit des fermes prospères, tandis que le Sud profond s’est concentré sur l’agriculture de plantation basée sur le travail des esclaves, ainsi que sur l’agriculture de subsistance pour les affranchis pauvres. Dans les années 1840 et 1850, la question de l’acceptation de l’esclavage (sous couvert du rejet des évêques et des missionnaires propriétaires d’esclaves) a divisé les plus grandes confessions religieuses du pays (les églises méthodiste, baptiste et presbytérienne) en confessions distinctes du Nord et du Sud.
Les historiens se sont demandé si les différences économiques entre le Nord-Est industriel et le Sud agricole avaient contribué à provoquer la guerre. La plupart des historiens sont désormais en désaccord avec le déterminisme économique de l’historien Charles A. Beard dans les années 1920 et soulignent que les économies du Nord et du Sud étaient largement complémentaires. Bien que socialement différentes, les sections se bénéficiaient mutuellement sur le plan économique.
Protectionnisme
Historiquement, les États esclavagistes du sud, en raison de leur main-d’œuvre manuelle à faible coût, n’avaient que peu de besoins de mécanisation et soutenaient le droit de vendre du coton et d’acheter des produits manufacturés de n’importe quelle nation. Les États du Nord, qui avaient massivement investi dans leur industrie manufacturière encore naissante, ne pouvaient pas rivaliser avec les industries à part entière d’Europe en offrant en retour des prix élevés pour le coton importé du Sud et des prix bas pour les exportations de produits manufacturés. Ainsi, les intérêts manufacturiers du Nord soutenaient les tarifs douaniers et le protectionnisme tandis que les planteurs du Sud exigeaient le libre-échange.
Les démocrates du Congrès, contrôlés par les sudistes, ont rédigé les lois tarifaires dans les années 1830, 1840 et 1850, et ont continué à réduire les taux de sorte que les taux de 1857 soient les plus bas depuis 1816. Les Whigs et les républicains se sont plaints parce qu'ils étaient favorables à des tarifs élevés pour stimuler l'industrie. croissance, et les républicains ont appelé à une augmentation des tarifs douaniers lors des élections de 1860. Les augmentations n'ont été adoptées qu'en 1861, après que les sudistes ont démissionné de leur siège au Congrès. La question des tarifs douaniers a été et est parfois évoquée – longtemps après la guerre – par les historiens de la cause perdue et les apologistes néo-confédérés. En 1860-1861, aucun des groupes qui proposèrent des compromis pour éviter la sécession ne souleva la question des tarifs douaniers. Les pamphlétaires du Nord et du Sud mentionnaient rarement le tarif, et lorsque certains le faisaient, par exemple Matthew Fontaine Maury et John Lothrop Motley, ils écrivaient généralement pour un public étranger.
Les droits de l'État
Le Sud affirmait que chaque État avait le droit de faire sécession – de quitter l’Union – à tout moment, et que la Constitution était un « pacte » ou un accord entre les États. Les habitants du Nord (y compris le président Buchanan) ont rejeté cette notion, contrairement à la volonté des pères fondateurs qui affirmaient établir une union perpétuelle. L'historien James McPherson écrit concernant les droits des États et d'autres explications non esclavagistes :
Crise territoriale
Entre 1803 et 1854, les États-Unis ont réalisé une vaste expansion territoriale par le biais d’achats, de négociations et de conquêtes. Dans un premier temps, les nouveaux États issus de ces territoires entrant dans l’union étaient répartis à parts égales entre États esclaves et États libres. C’est sur les territoires à l’ouest du Mississippi que les forces pro-esclavagistes et anti-esclavagistes se sont affrontées.
Avec la conquête du nord du Mexique jusqu'à la Californie en 1848, les intérêts des esclavagistes espéraient s'étendre sur ces terres et peut-être également à Cuba et en Amérique centrale.
Les intérêts du « sol libre » du Nord cherchaient vigoureusement à freiner toute nouvelle expansion du territoire esclavagiste. Le compromis de 1850 sur la Californie équilibrait un État libre avec des lois plus strictes sur les esclaves fugitifs pour un règlement politique après quatre années de conflits dans les années 1840. Mais les États admis après la Californie étaient tous libres : Minnesota (1858), Oregon (1859) et Kansas (1861). Dans les États du Sud, la question de l’expansion territoriale de l’esclavage vers l’ouest devint à nouveau explosive. Le Sud comme le Nord tiraient la même conclusion : « Le pouvoir de décider de la question de l'esclavage pour les territoires était le pouvoir de déterminer l'avenir de l'esclavage lui-même. »
En 1860, quatre doctrines avaient émergé pour répondre à la question du contrôle fédéral sur les territoires, et elles prétendaient toutes qu'elles étaient sanctionnées par la Constitution, implicitement ou explicitement. La première de ces théories « conservatrices », représentée par le Parti de l'Union constitutionnelle, soutenait que le compromis du Missouri, la répartition du territoire au nord pour les terres libres et au sud pour l'esclavage, devrait devenir un mandat constitutionnel. Le compromis de Crittenden de 1860 était l’expression de ce point de vue.
La deuxième doctrine de la prééminence du Congrès, défendue par Abraham Lincoln et le Parti républicain, insistait sur le fait que la Constitution n'obligeait pas les législateurs à une politique d'équilibre – que l'esclavage pouvait être exclu sur un territoire comme cela était fait dans l'Ordonnance du Nord-Ouest à la discrétion de Le Congrès pourrait donc restreindre la servitude humaine, mais ne jamais l'établir. Le Wilmot Proviso a annoncé cette position en 1846.
Le sénateur Stephen A. Douglas a proclamé la doctrine de la souveraineté territoriale ou « populaire » – qui affirmait que les colons d'un territoire avaient les mêmes droits que les États de l'Union d'établir ou de supprimer l'esclavage en tant que question purement locale. La loi Kansas-Nebraska de 1854 a légiféré sur cette doctrine. Dans le territoire du Kansas, des années de violence et de conflit politique pro et anti-esclavagiste ont éclaté ; la Chambre des Représentants du Congrès vota l'admission du Kansas comme État libre au début de 1860, mais son admission au Sénat fut retardée jusqu'en janvier 1861, après les élections de 1860, lorsque les sénateurs du Sud commencèrent à partir.
La quatrième théorie a été préconisée par le sénateur du Mississippi Jefferson Davis, celle de la souveraineté des États (« droits des États »), également connue sous le nom de « doctrine Calhoun », du nom du théoricien politique et homme d'État de Caroline du Sud John C. Calhoun. Rejetant les arguments en faveur de l’autorité fédérale ou de l’autonomie gouvernementale, la souveraineté des États permettrait aux États de promouvoir l’expansion de l’esclavage dans le cadre de l’Union fédérale en vertu de la Constitution américaine. Les « droits des États » étaient une idéologie formulée et appliquée comme un moyen de faire progresser les intérêts des États esclavagistes par le biais de l'autorité fédérale. Comme le souligne l'historien Thomas L. Krannawitter, « la demande du Sud d'une protection fédérale des esclaves représentait une demande d'expansion sans précédent du pouvoir fédéral ». Ces quatre doctrines constituaient les principales idéologies présentées au public américain sur les questions d'esclavage, de territoires et de Constitution américaine avant l'élection présidentielle de 1860.
Élections nationales
À partir de la Révolution américaine et de manière accélérée après la guerre de 1812, le peuple des États-Unis a développé son sentiment de pays en tant qu'exemple important pour le monde d'une république nationale de liberté politique et de droits personnels. Les précédents mouvements d'indépendance régionale, tels que la révolte grecque dans l'Empire ottoman, la division et la redivision de la carte politique latino-américaine et le triomphe franco-britannique de Crimée, qui ont conduit à un intérêt pour redessiner l'Europe selon les différences culturelles, ont tous conspiré pour créer une époque de bouleversements et incertitudes sur les fondements de l’État-nation. Dans le monde des Américains autodidactes du XIXe siècle, dont la prospérité, la population augmentaient et s'étendaient vers l'ouest, la « liberté » pouvait signifier la liberté personnelle ou les droits de propriété. Le différend non résolu entraînerait un échec, d’abord dans leurs institutions politiques, puis dans leur vie civile commune.
Nationalisme et honneur
Le nationalisme était une force puissante au début du XIXe siècle, avec des porte-parole célèbres tels qu'Andrew Jackson et Daniel Webster. Alors que pratiquement tous les Nordistes soutenaient l'Union, les Sudistes étaient divisés entre ceux qui étaient fidèles à l'ensemble des États-Unis (appelés « unionistes ») et ceux qui étaient principalement fidèles à la région du Sud, puis à la Confédération. C. Vann Woodward a dit à propos de ce dernier groupe :
Les insultes perçues à l'honneur collectif du Sud comprenaient l'énorme popularité de La Case de l'oncle Tom (1852) et les actions de l'abolitionniste John Brown en tentant d'inciter à une rébellion d'esclaves en 1859.
Alors que le Sud évoluait vers un nationalisme sudiste, les dirigeants du Nord devenaient également plus soucieux de leur nationalisme et rejetaient toute idée de division de l’Union. Le programme électoral national républicain de 1860 prévenait que les Républicains considéraient la désunion comme une trahison et ne la toléreraient pas : « Nous dénonçons ces menaces de désunion ... comme niant les principes vitaux d'un gouvernement libre et comme un aveu d'une trahison envisagée, qu'il est le devoir impératif d’un peuple indigné de réprimander sévèrement et de se taire pour toujours. » Le Sud a ignoré les avertissements : les Sudistes n’ont pas réalisé avec quelle ardeur le Nord lutterait pour maintenir l’unité de l’Union.
L'élection de Lincoln
L’élection d’Abraham Lincoln en novembre 1860 fut le dernier déclencheur de la sécession. Les efforts de compromis, notamment « l’amendement Corwin » et le « compromis Crittenden », ont échoué.
Les dirigeants du Sud craignaient que Lincoln mette un terme à l’expansion de l’esclavage et le mette sur la voie de l’extinction. Les États esclavagistes, qui étaient déjà devenus une minorité à la Chambre des représentants, étaient désormais confrontés à un avenir de minorité perpétuelle au Sénat et au Collège électoral face à un Nord de plus en plus puissant. Avant que Lincoln n'entre en fonction en mars 1861, sept États esclavagistes avaient déclaré leur sécession et s'étaient joints pour former la Confédération.
Déclenchement de la guerre
Crise de sécession
L'élection de Lincoln a amené la législature de Caroline du Sud à convoquer une convention d'État pour envisager la sécession. Avant la guerre, la Caroline du Sud a fait plus que tout autre État du Sud pour promouvoir l’idée selon laquelle un État avait le droit d’annuler les lois fédérales et même de faire sécession des États-Unis. La convention convoquée vota à l'unanimité la sécession le 20 décembre 1860 et adopta la « Déclaration des causes immédiates qui induisent et justifient la sécession de la Caroline du Sud de l'Union fédérale ». Il plaidait en faveur des droits des États pour les propriétaires d'esclaves du Sud, mais contenait une plainte concernant les droits des États du Nord sous la forme d'une opposition au Fugitive Slave Act, affirmant que les États du Nord ne remplissaient pas leurs obligations fédérales en vertu de la Constitution. Les « États cotonniers » du Mississippi, de la Floride, de l'Alabama, de la Géorgie, de la Louisiane et du Texas emboîtèrent le pas, faisant sécession en janvier et février 1861.
Parmi les ordonnances de sécession adoptées par chaque État, celles de trois États – le Texas, l'Alabama et la Virginie – mentionnaient spécifiquement le sort des « États esclavagistes » aux mains des abolitionnistes du Nord. Le reste ne fait aucune mention de la question de l’esclavage et constitue souvent de brèves annonces de dissolution des liens par les législatures. Cependant, au moins quatre États – la Caroline du Sud, le Mississippi, la Géorgie et le Texas – ont également donné des explications longues et détaillées sur les causes de leur sécession, qui ont toutes clairement imputé la faute au mouvement abolissant l'esclavage et à l'influence de ce mouvement sur la politique du pays. les états du nord. Les États du Sud considéraient que la possession d’esclaves était un droit constitutionnel en raison de la clause relative aux esclaves fugitifs de la Constitution.
Ces États ont convenu de former un nouveau gouvernement fédéral, les États confédérés d'Amérique, le 4 février 1861. Ils ont pris le contrôle des forts fédéraux et d'autres propriétés à l'intérieur de leurs frontières avec peu de résistance de la part du président sortant James Buchanan, dont le mandat a pris fin le 4 mars. 1861. Buchanan a déclaré que la décision Dred Scott était la preuve que le Sud n'avait aucune raison de faire sécession et que l'Union "... était destinée à être perpétuelle", mais que "le pouvoir, par la force des armes, de contraindre un État à rester dans l'Union", ne figurait pas parmi les "... pouvoirs énumérés accordés au Congrès". Un quart de l'armée américaine – la totalité de la garnison du Texas – fut cédée aux forces de l'État en février 1861 par son général commandant, David E. Twiggs, qui rejoignit ensuite la Confédération.
Alors que les Sudistes démissionnaient de leurs sièges au Sénat et à la Chambre, les Républicains purent adopter des projets de loi pour des projets qui avaient été bloqués par les sénateurs du Sud avant la guerre, notamment le tarif Morrill, les collèges de concession de terres (la loi Morill), une loi sur la propriété, une loi sur la propriété. le chemin de fer transcontinental (les Pacific Railway Acts), la National Banking Act et l'autorisation des billets des États-Unis par le Legal Tender Act de 1862. Le Revenue Act de 1861 a introduit l'impôt sur le revenu pour aider à financer la guerre.
Le 18 décembre 1860, le compromis de Crittenden fut proposé pour rétablir la ligne du compromis du Missouri en interdisant constitutionnellement l'esclavage dans les territoires au nord de la ligne tout en le garantissant au sud. L'adoption de ce compromis aurait probablement empêché la sécession de tous les États du sud, à l'exception de la Caroline du Sud, mais Lincoln et les républicains l'ont rejeté. Il a alors été proposé d'organiser un référendum national sur le compromis. Les Républicains ont de nouveau rejeté l’idée, même si une majorité des Nordistes et des Sudistes auraient voté en sa faveur. Une conférence de paix d'avant-guerre en février 1861 s'est réunie à Washington, proposant une solution similaire à celle du compromis de Crittenden ; elle a été rejetée par le Congrès. Les républicains ont proposé un compromis alternatif pour ne pas interférer avec l'esclavage là où il existait, mais le Sud l'a considéré comme insuffisant. Néanmoins, les huit États esclavagistes restants ont rejeté les appels à rejoindre la Confédération à la suite d'un vote négatif de deux contre un lors de la première convention sécessionniste de Virginie le 4 avril 1861.
Le 4 mars 1861, Abraham Lincoln prête serment comme président. Dans son discours inaugural, il a fait valoir que la Constitution était une union plus parfaite que les articles antérieurs de la Confédération et de l'Union perpétuelle, qu'il s'agissait d'un contrat contraignant et a qualifié toute sécession de « juridiquement nulle ». Il n'avait pas l'intention d'envahir les États du Sud, ni de mettre fin à l'esclavage là où il existait, mais a déclaré qu'il utiliserait la force pour maintenir la possession des propriétés fédérales. Le gouvernement ne ferait aucune démarche pour récupérer les bureaux de poste et, en cas de résistance, la livraison du courrier s'arrêterait aux frontières de l'État. Lorsque les conditions populaires ne permettaient pas une application pacifique de la loi fédérale, les maréchaux et les juges américains seraient révoqués. Aucune mention n'a été faite des lingots perdus dans les monnaies américaines de Louisiane, de Géorgie et de Caroline du Nord. Dans le discours inaugural de Lincoln, il a déclaré que la politique américaine serait de percevoir les droits d'importation uniquement dans ses ports ; il ne pouvait y avoir de préjudice grave causé au Sud pour justifier une révolution armée sous son administration. Son discours s'est terminé par un plaidoyer en faveur du rétablissement des liens d'union, faisant notamment appel aux "cordes mystiques de la mémoire" qui lient les deux régions.
Le Sud a envoyé des délégations à Washington et a proposé de payer pour les propriétés fédérales et de conclure un traité de paix avec les États-Unis. Lincoln a rejeté toute négociation avec des agents confédérés parce qu'il affirmait que la Confédération n'était pas un gouvernement légitime et que conclure un traité avec elle équivaudrait à la reconnaître en tant que gouvernement souverain. Le secrétaire d'État William Seward, qui se considérait à l'époque comme le véritable gouverneur ou « premier ministre » derrière le trône de Lincoln inexpérimenté, s'est engagé dans des négociations non autorisées et indirectes qui ont échoué. Le président Lincoln était déterminé à détenir tous les forts restants occupés par l'Union dans la Confédération, Fort Monroe en Virginie, en Floride, Fort Pickens, Fort Jefferson et Fort Taylor, et dans le cockpit de la sécession, Charleston, Fort Sumter en Caroline du Sud.
Bataille de Fort Sumter
Fort Sumter était situé au milieu du port de Charleston, en Caroline du Sud, où la garnison du fort américain s'était retirée pour éviter des incidents avec les milices locales dans les rues de la ville. Contrairement à Buchanan, qui autorisait les commandants à renoncer à leur possession pour éviter une effusion de sang, Lincoln exigeait que le major Anderson tienne le coup jusqu'à ce qu'on lui tire dessus. Jefferson Davis ordonna la reddition du fort. Anderson donna une réponse conditionnelle que le gouvernement confédéré rejeta et Davis ordonna à P. G. T. Beauregard d'attaquer le fort avant qu'une expédition de secours puisse arriver. Les troupes sous Beauregard ont bombardé Fort Sumter les 12 et 13 avril, forçant sa capitulation.
L’attaque de Fort Sumter a rallié le Nord à la défense du nationalisme américain. L'historien Allan Nevins dit :
Le coup de tonnerre de Sumter produisit une cristallisation surprenante du sentiment du Nord. ... La colère a balayé le pays. De toutes parts arrivaient des nouvelles de réunions de masse, de discours, de résolutions, d'appels d'offres pour le soutien des entreprises, du rassemblement de compagnies et de régiments, de l'action déterminée des gouverneurs et des législatures.
Cependant, une grande partie de l'attitude du Nord reposait sur la fausse croyance selon laquelle seule une minorité de Sudistes était réellement favorable à la sécession et qu'il existait un grand nombre d'unionistes du Sud sur lesquels on pouvait compter. Si les habitants du Nord avaient réalisé que la plupart des Sudistes étaient réellement favorables à la sécession, ils auraient peut-être hésité à tenter l’énorme tâche qu’est la conquête d’un Sud uni.
Lincoln a appelé tous les États à envoyer des forces pour reprendre le fort et d'autres propriétés fédérales. Il a cité les pouvoirs présidentiels conférés par les Militia Acts de 1792. L'ampleur de la rébellion apparemment faible jusqu'à présent, Lincoln n'a fait appel qu'à 75 000 volontaires pour 90 jours. Le gouverneur du Massachusetts avait des régiments d'État dans des trains en direction du sud le lendemain. Dans l’ouest du Missouri, les sécessionnistes locaux se sont emparés du Liberty Arsenal. Le 3 mai 1861, Lincoln fit appel à 42 000 volontaires supplémentaires pour une période de trois ans.
Quatre États du Moyen et du Haut Sud avaient rejeté à plusieurs reprises les ouvertures confédérées, mais maintenant la Virginie, le Tennessee, l'Arkansas et la Caroline du Nord refusèrent d'envoyer des forces contre leurs voisins, déclarèrent leur sécession et rejoignirent la Confédération. Pour récompenser la Virginie, la capitale confédérée fut déplacée à Richmond.
Attitude des États frontaliers
Le Maryland, le Delaware, le Missouri et le Kentucky étaient des États esclavagistes opposés à la fois à la sécession et à la coercition du Sud. Ils furent ensuite rejoints par la Virginie occidentale, qui se sépara de la Virginie et devint un nouvel État.
Le Maryland comptait de nombreux responsables anti-Lincoln qui toléraient les émeutes anti-armée à Baltimore et l'incendie de ponts, toutes deux visant à entraver le passage des troupes vers le Sud. La législature du Maryland a voté en faveur du maintien dans l'Union, mais a également rejeté les hostilités avec le Sud, votant pour la fermeture des lignes ferroviaires du Maryland afin d'éviter qu'elles ne soient utilisées à des fins de guerre. Lincoln a répondu en instaurant la loi martiale et en suspendant unilatéralement l'habeas corpus dans le Maryland, ainsi qu'en envoyant des unités de milice du Nord. Lincoln a rapidement pris le contrôle du Maryland et du District de Columbia, en s'emparant de nombreuses personnalités, notamment en arrêtant un tiers des membres de l'Assemblée générale du Maryland le jour de sa reprise. Tous ont été détenus sans procès, ignorant une décision du juge en chef de la Cour suprême des États-Unis, Roger Taney, originaire du Maryland, selon laquelle seul le Congrès (et non le président) pouvait suspendre l'habeas corpus (Ex parte Merryman). En effet, les troupes fédérales ont emprisonné un éminent rédacteur en chef du journal de Baltimore, Frank Key Howard, petit-fils de Francis Scott Key, après avoir critiqué Lincoln dans un éditorial pour avoir ignoré la décision du juge en chef de la Cour suprême.
Dans le Missouri, une convention élue sur la sécession a voté de manière décisive en faveur du maintien au sein de l'Union. Lorsque le gouverneur pro-confédéré Claiborne F. Jackson a appelé la milice de l'État, celle-ci a été attaquée par les forces fédérales dirigées par le général Nathaniel Lyon, qui ont chassé le gouverneur et le reste de la garde d'État jusqu'au coin sud-ouest de l'État. (Voir aussi : sécession du Missouri). Dans le vide qui en a résulté, la convention sur la sécession s'est réunie de nouveau et a pris le pouvoir en tant que gouvernement provisoire unioniste du Missouri.
Le Kentucky n'a pas fait sécession ; pendant un certain temps, elle se déclara neutre. Lorsque les forces confédérées entrèrent dans l'État en septembre 1861, la neutralité prit fin et l'État réaffirma son statut d'Union, tout en essayant de maintenir l'esclavage. Au cours d'une brève invasion par les forces confédérées, les sympathisants confédérés organisèrent une convention de sécession, inaugurèrent un gouverneur et obtinrent la reconnaissance de la Confédération. Le gouvernement rebelle s'est rapidement exilé et n'a jamais contrôlé le Kentucky.
Après la sécession de la Virginie, un gouvernement unioniste à Wheeling a demandé à 48 comtés de voter une ordonnance visant à créer un nouvel État le 24 octobre 1861. Un taux de participation de 34 pour cent a approuvé le projet de loi sur la création d'un État (96 pour cent d'approbation). L'inclusion de 24 comtés sécessionnistes dans l'État et la guérilla qui a suivi ont engagé environ 40 000 soldats fédéraux pendant une grande partie de la guerre. Le Congrès a admis la Virginie occidentale dans l'Union le 20 juin 1863. La Virginie occidentale a fourni environ 20 000 à 22 000 soldats à la fois à la Confédération et à l'Union.
Une tentative de sécession unioniste a eu lieu dans l'Est du Tennessee, mais a été réprimée par la Confédération, qui a arrêté plus de 3 000 hommes soupçonnés d'être loyaux à l'Union. Ils ont été détenus sans procès.
Guerre
La guerre civile a été une compétition marquée par la férocité et la fréquence des combats. En quatre ans, 237 batailles nommées ont eu lieu, ainsi que de nombreuses autres actions et escarmouches mineures, souvent caractérisées par leur intensité amère et leurs pertes élevées. "La guerre civile américaine devait s'avérer l'une des guerres les plus féroces jamais menées". Sans objectifs géographiques, la seule cible de chaque camp était le soldat ennemi.
La mobilisation
Alors que les sept premiers États commençaient à organiser une Confédération à Montgomery, l'armée américaine au complet comptait 16 000 hommes. Cependant, les gouverneurs du Nord avaient commencé à mobiliser leurs milices. Le Congrès confédéré a autorisé la nouvelle nation à envoyer jusqu'à 100 000 soldats par les gouverneurs dès février. En mai, Jefferson Davis faisait pression pour que 100 000 hommes soient sous les armes pour un an ou toute la durée, et le Congrès américain a répondu de la même manière.
Au cours de la première année de la guerre, les deux camps disposaient de bien plus de volontaires qu’ils ne pouvaient effectivement former et équiper. Après que l’enthousiasme initial se soit estompé, il ne suffisait plus de compter sur la cohorte de jeunes hommes qui atteignaient la majorité chaque année et souhaitaient nous rejoindre. Les deux camps ont utilisé un projet de loi – la conscription – comme moyen d’encourager ou de forcer le volontariat ; relativement peu ont été réellement rédigés et servis. La Confédération a adopté un projet de loi en avril 1862 pour les jeunes hommes âgés de 18 à 35 ans ; les surveillants des esclaves, les fonctionnaires du gouvernement et les membres du clergé en étaient exemptés. Le Congrès américain a suivi en juillet, autorisant le recrutement d’une milice au sein d’un État lorsque celui-ci ne pouvait pas atteindre son quota de volontaires. Les immigrants européens ont rejoint l'armée de l'Union en grand nombre, dont 177 000 nés en Allemagne et 144 000 en Irlande.
Lorsque la Proclamation d'émancipation entra en vigueur en janvier 1863, les anciens esclaves furent énergiquement recrutés par les États et utilisés pour respecter les quotas de l'État. Les États et les communautés locales offraient des primes en espèces de plus en plus élevées aux volontaires blancs. Le Congrès renforça la loi en mars 1863. Les hommes sélectionnés dans le projet pouvaient fournir des remplaçants ou, jusqu'au milieu de 1864, payer une somme d'argent de commutation. De nombreux éligibles ont mis leur argent en commun pour couvrir le coût de toute personne recrutée. Les familles utilisaient cette disposition de substitution pour sélectionner quel homme devait rejoindre l'armée et lequel devait rester à la maison. Il y a eu beaucoup de tentatives de fuite et de résistance ouverte à la conscription, en particulier dans les régions catholiques. La grande émeute de la conscription à New York en juillet 1863 impliquait des immigrants irlandais qui s'étaient inscrits comme citoyens pour gonfler le vote de la machine politique démocrate de la ville, sans se rendre compte que cela les rendait responsables de la conscription. Sur les 168 649 hommes recrutés pour l'Union par le biais de la conscription, 117 986 étaient des remplaçants, ne laissant que 50 663 dont les services personnels ont été enrôlés.
Au Nord comme au Sud, les projets de loi étaient très impopulaires. Dans le Nord, quelque 120 000 hommes ont échappé à la conscription, bon nombre d'entre eux ont fui vers le Canada, et 280 000 autres soldats ont déserté pendant la guerre. Au moins 100 000 Sudistes ont déserté, soit environ 10 pour cent. Dans le Sud, de nombreux hommes ont déserté temporairement pour prendre soin de leurs familles en détresse, puis sont retournés dans leurs unités. Dans le Nord, les « bounty jumpers » s'enrôlaient pour obtenir la généreuse prime, désertaient, puis retournaient dans un deuxième poste de recrutement sous un autre nom pour s'inscrire à nouveau pour une deuxième prime ; 141 ont été arrêtés et exécutés.
D'une petite force frontalière en 1860, les armées de l'Union et confédérées étaient devenues en quelques années « les armées les plus grandes et les plus efficaces du monde ». Les observateurs européens de l'époque les considéraient comme des amateurs et des non-professionnels, mais l'historien britannique John Keegan estime que chacune d'entre elles surpassait les armées française, prussienne et russe de l'époque et, sans l'Atlantique, elles auraient menacé chacune d'entre elles de défaite.
Motivation
Perman et Taylor (2010) affirment que les historiens sont partagés quant aux raisons pour lesquelles des millions d’hommes semblaient si désireux de se battre, de souffrir et de mourir sur une période de quatre ans :
Les prisonniers
Au début de la guerre civile, un système de libération conditionnelle était en vigueur. Les captifs ont accepté de ne pas se battre jusqu'à ce qu'ils soient officiellement échangés. Pendant ce temps, ils étaient détenus dans des camps gérés par leur propre armée où ils étaient payés mais n'étaient pas autorisés à accomplir des tâches militaires. Le système d'échanges s'effondra en 1863 lorsque la Confédération refusa d'échanger des prisonniers noirs. Après cela, environ 56 000 des 409 000 prisonniers de guerre sont morts dans les prisons pendant la guerre, ce qui représente près de 10 % des décès dus au conflit.
Guerre navale
La petite marine américaine de 1861 fut rapidement élargie pour atteindre 6 000 officiers et 45 000 hommes en 1865, avec 671 navires, dotés d'un | http://quiz4free.com/ |
Qui est l'auteur de « Les oiseaux épineux » ? | Colleen McCullough | [
"The Thorn Birds est un roman à succès de 1977 de l'auteur australien Colleen McCullough. Se déroulant principalement à Drogheda, une bergerie fictive dans l'Outback australien nommée d'après Drogheda, en Irlande, l'histoire se concentre sur la famille Cleary et s'étend sur les années 1915 à 1969."
] | The Thorn Birds est un roman à succès de 1977 de l'auteur australien Colleen McCullough. Se déroulant principalement à Drogheda, une bergerie fictive dans l'Outback australien nommée d'après Drogheda, en Irlande, l'histoire se concentre sur la famille Cleary et s'étend sur les années 1915 à 1969.
En 1983, le roman a été adapté en une mini-série télévisée qui, au cours de sa diffusion du 27 au 30 mars, est devenue la deuxième mini-série la mieux notée de tous les temps aux États-Unis derrière Roots. La mini-série mettait en vedette Richard Chamberlain, Rachel Ward, Barbara Stanwyck, Christopher Plummer, Richard Kiley, Bryan Brown, Mare Winningham, Philip Anglim et Jean Simmons. Il a été réalisé par Daryl Duke et produit par le vétéran de la télévision David L. Wolper (qui a également produit Roots).
Parcelle
L'épopée commence avec Meghann "Meggie" Cleary, une petite fille de quatre ans vivant en Nouvelle-Zélande au début du XXe siècle, fille unique de Paddy, un ouvrier agricole irlandais, et de Fee, sa femme harcelée mais aristocratique. Bien que Meggie soit une belle enfant aux cheveux bouclés rouge-or, elle reçoit peu de câlins et doit lutter pour se défendre contre ses nombreux frères aînés. Parmi ces frères, son préféré est l'aîné, Frank, un jeune homme rebelle qui se prépare malgré lui au métier de forgeron. Il est beaucoup plus petit que ses frères, mais très fort ; De plus, contrairement aux autres Clearys, il a les cheveux et les yeux noirs.
Paddy est pauvre, mais a une sœur riche, Mary Carson, qui vit en Australie dans une énorme bergerie appelée Drogheda. Un jour, Paddy reçoit une lettre de Mary lui proposant un emploi dans son domaine, Drogheda.
À Drogheda, Meggie rencontre Ralph de Bricassart, un jeune prêtre compétent et ambitieux qui, en guise de punition pour avoir insulté un évêque, a été relégué dans une paroisse isolée de la ville de Gillanbone, près de Drogheda. Ralph s'est lié d'amitié avec Mary, espérant qu'un legs suffisamment important de sa part à l'Église catholique pourrait le libérer de son exil. Ralph est d'une beauté saisissante, « un bel homme » ; Marie, qui ne prend pas la peine de cacher son désir pour lui, fait souvent de grands efforts pour voir s'il peut être amené à rompre ses vœux. Ralph ignore doucement ces attentions et continue ses visites. Pendant ce temps, il prend soin de tous les Cleary et apprend bientôt à chérir la belle mais désespérée petite Meggie. Meggie, en retour, fait de Ralph le centre de sa vie.
La relation de Frank avec son père, Paddy, n'a jamais été paisible. Les deux rivalisent pour attirer l'attention de Fee, et Frank n'apprécie pas les nombreuses grossesses que Paddy lui fait endurer. Un jour, alors que Fee, aujourd'hui âgée d'une quarantaine d'années, révèle qu'elle est de nouveau enceinte, les deux hommes se disputent violemment et Paddy laisse échapper la vérité sur Frank : il n'est pas le fils biologique de Paddy. Il y a bien longtemps, Fee était la fille unique adorée d’un citoyen éminent. Puis elle a eu une liaison avec un homme politique marié, et le résultat, Frank, avait déjà dix-huit mois lorsque son père mortifié l'a mariée à Paddy. Parce qu'il ressemble à son amour perdu, Fee a toujours aimé Frank plus que ses autres enfants. Au grand chagrin de Meggie et Fee, lorsque Frank apprend que Paddy n'est que son beau-père, il s'enfuit pour devenir boxeur. Fee donne naissance plus tard à des jumeaux, James et Patrick (Jims et Patsy), mais montre peu d'intérêt pour eux. Peu de temps après, le petit frère bien-aimé de Meggie, Hal, décède.
Avec le départ de Frank et la mort de Hal, Meggie s'accroche plus que jamais à Ralph. Cela passe largement inaperçu car Ralph est désormais son mentor depuis plusieurs années ; cependant, à mesure qu'elle mûrit et devient une femme, certains commencent à remettre en question leur relation étroite, y compris Ralph et Meggie eux-mêmes. Mary Carson a également remarqué leur relation changeante, et pour des motifs de jalousie mêlés de cruauté machiavélique, elle élabore un plan pour séparer Ralph de Meggie en le tentant avec le désir de son cœur : une place élevée dans la hiérarchie de l'Église. Bien que son testament officiel laisse la majeure partie de sa succession à Paddy, elle en rédige discrètement un nouveau, faisant de l'Église catholique romaine le principal bénéficiaire et Ralph l'exécuteur testamentaire.
Dans le nouveau testament, la véritable ampleur de la richesse de Marie est enfin révélée. Drogheda n'est pas le centre de sa fortune comme Ralph et Paddy le croient depuis longtemps, mais simplement un passe-temps, une diversion de ses véritables intérêts financiers. La richesse de Mary provient d'un vaste empire financier multinational valant plus de treize millions de livres (environ 200 millions de dollars australiens en termes modernes). L'ampleur même du legs de Mary garantira pratiquement l'ascension rapide de Ralph dans l'Église. Elle s'assure également qu'après sa mort, seul Ralph sera au courant du nouveau testament, le forçant à choisir entre Meggie et sa propre ambition. Elle subvient également aux besoins de son frère déshérité, lui promettant, ainsi qu'à tous ses petits-enfants, une maison à Drogheda aussi longtemps que l'un d'entre eux vivra.
Lors de la fête du soixante-quinzième anniversaire de Mary, Ralph fait de grands efforts pour éviter Meggie, aujourd'hui dix-sept ans et vêtue d'une belle robe de soirée rose ; plus tard, il explique que d'autres pourraient ne pas considérer son attention comme innocente. Mary meurt dans la nuit. Ralph prend connaissance du nouveau testament. Il voit immédiatement le génie subtil du plan de Mary et, bien qu'il pleure et la traite de "vieille araignée dégoûtante", il apporte sans délai le nouveau testament à son avocat. L'avocat, scandalisé, presse Ralph de détruire le testament, mais en vain. Le legs de treize millions de livres opère la magie attendue, et Ralph part bientôt pour commencer sa progression rapide dans l'Église.
Avant de partir, Meggie lui avoue son amour ; après la fête d'anniversaire, Ralph la trouve en train de pleurer dans le cimetière familial et ils partagent un baiser passionné, mais Ralph la refuse en raison de ses devoirs de prêtre et supplie Meggie de trouver un partenaire convenable. Les Cleary apprennent que Frank a été reconnu coupable de meurtre après avoir tué quelqu'un lors d'une bagarre. Il passe trois décennies en prison.
Paddy et son fils Stuart sont tués ; Paddy meurt dans un incendie éclair et Stu est tué par un sanglier peu de temps après avoir retrouvé le corps de son père. Pendant ce temps, Ralph, ignorant la mort de Paddy et Stu, est en route pour Drogheda et subit des blessures mineures lorsque son avion s'enlise dans la boue. Alors que Meggie soigne ses blessures, elle tente de le séduire et est repoussée. Ralph ne reste à Drogheda que le temps de diriger les funérailles.
Trois ans plus tard, un nouvel employé du ranch nommé Luke O'Neill commence à courtiser Meggie. Bien que ses motivations soient plus mercenaires que romantiques, elle l'épouse parce qu'il ressemble un peu à Ralph, mais surtout parce qu'il n'est pas catholique et ne veut pas avoir grand-chose à voir avec la religion - sa propre façon de se venger de Ralph. Elle se rend vite compte de son erreur. Après une brève lune de miel, Luke, un skinflint qui considère les femmes comme des objets sexuels et préfère la compagnie des hommes, trouve à Meggie un travail avec un couple aimable, les Mueller, et part rejoindre une bande de coupeurs de canne à sucre ambulants dans le nord du Queensland. . Avant de partir, il s'approprie toutes les économies de Meggie et fait en sorte que son salaire lui soit versé directement. Il lui dit qu'il économise de l'argent pour acheter une propriété ; cependant, il devient rapidement obsédé par le travail compétitif de la coupe de canne à sucre et n'a pas vraiment l'intention d'y renoncer. Dans l'espoir de changer l'ambition de Luke et de le calmer, Meggie contrecarre délibérément sa contraception habituelle et donne naissance à Luke une fille aux cheveux roux, Justine. Le nouveau bébé, cependant, fait peu d'impression sur Luke.
Le père Ralph rend visite à Meggie pendant son travail difficile ; il est venu nous dire au revoir, alors qu'il quitte l'Australie pour Rome. Il voit par lui-même le malheur de Meggie et la plaint. Justine s'avère être un bébé agité, alors les Mueller envoient Meggie dans une station balnéaire isolée pour se reposer. Le père Ralph retourne en Australie, apprend où se trouve Meggie grâce à Anne Mueller et la rejoint pendant plusieurs jours. Là, enfin, les amoureux consomment leur passion, et Ralph se rend compte que malgré son ambition d'être le parfait prêtre, son désir pour Meggie fait de lui un homme comme les autres hommes. Le père Ralph retourne à l'Église et Meggie, enceinte de l'enfant de Ralph, décide de se séparer de Luke. Elle dit à Luke ce qu'elle pense vraiment de lui et retourne à Drogheda, le laissant à sa coupe de canne.
De retour chez elle, elle donne naissance à un beau garçon qu'elle prénomme Dane. Fee, qui a de l'expérience dans ce domaine, remarque la ressemblance de Dane avec Ralph dès sa naissance. La relation entre Meggie et Fee s'améliore. Justine devient une fille indépendante et très intelligente qui aime beaucoup son frère ; cependant, elle n'a que peu d'utilité pour quelqu'un d'autre et repousse calmement les ouvertures d'affection maternelle de Meggie. Aucun des autres frères survivants de Meggie ne se marie jamais et Drogheda devient progressivement un endroit rempli de personnes âgées.
Ralph rend visite à Drogheda après une longue absence et rencontre Dane pour la première fois ; et bien qu'il se sent étrangement attiré par le garçon, il ne parvient pas à reconnaître qu'ils sont père et fils. Dane grandit et décide, au grand désarroi de Meggie, de devenir prêtre. Fee dit à Meggie que ce qu'elle a volé à Dieu, elle doit maintenant le rendre. Justine, quant à elle, décide de devenir actrice et quitte l'Australie pour réaliser son rêve en Angleterre. Ralph, maintenant cardinal, devient le mentor de Dane, mais se rend toujours aveugle au fait que le jeune homme est son propre fils. Dane ignore également leur véritable relation. Ralph prend grand soin de lui et, à cause de leur ressemblance, les gens les prennent pour un oncle et un neveu. Ralph et Dane encouragent la rumeur. Justine et son frère restent proches, même s'il est souvent choqué par ses aventures sexuelles et son style de vie libre. Elle se lie d'amitié avec Rainer Hartheim, un homme politique allemand qui est un grand ami de Dane et de Ralph – à son insu, il tombe profondément amoureux d'elle. Leur amitié devient la plus importante de sa vie et est sur le point de devenir quelque chose de plus lorsque la tragédie survient.
Dane, qui vient de devenir prêtre, est en vacances en Grèce. Là-bas, il va nager un jour et meurt en sauvant deux femmes d'un courant dangereux. Meggie révèle avant les funérailles de Dane que Dane est le fils de Ralph. Ralph meurt dans les bras de Meggie après les funérailles.
Justine rompt toute communication avec Rainer et sombre dans une existence déprimée et monotone. Finalement, ils renouvellent leur connaissance à des conditions strictement platoniques, jusqu'à ce que Rainer rende visite seul à Drogheda afin d'exhorter Meggie à l'aider à obtenir la main de Justine en mariage. Justine, désormais la seule petite-fille survivante de Fee et Paddy Cleary, accepte enfin ses véritables sentiments pour Rainer. Ils se marient mais n'ont pas l'intention de vivre à Drogheda.
Le titre du livre fait obliquement référence au mythique « oiseau épineux » qui recherche les arbres épineux dès le jour de son éclosion. Lorsqu'il trouve l'épine parfaite, il s'empale et chante la plus belle chanson jamais entendue en mourant. Il fait directement allusion, comme cela devrait être évident d'après le sujet du roman, à la Parabole du Semeur dans les Évangiles synoptiques et au chapitre 9 de l'Évangile de Thomas.
Liste des personnages
* Meghann "Meggie" Cleary – Le personnage central, fille unique d'une grande famille de fils. Le roman l'emmène de la petite enfance à la vieillesse.
* Père Ralph de Bricassart – le véritable amour de Meggie, un beau prêtre catholique irlandais.
* Padraic "Paddy" Cleary – le père de Meggie, un Irlandais gentil et simple.
* Fiona "Fee" Armstrong Cleary – L'épouse de Paddy et la mère de Meggie, une femme aristocratique descendue dans le monde.
* Francis "Frank" Armstrong Cleary – le frère aîné de Meggie, le premier fils hors mariage de Fee, le beau-fils de Paddy. Un favori de Meggie et Fee tous les deux. Devient un boxeur.
* Mary Elizabeth Cleary Carson – la sœur aînée immensément riche de Paddy ; le bienfaiteur du Père Ralph ; propriétaire de Drogheda.
* Luke O'Neill – le mari de Meggie lors d'un mariage malheureux de trois ans ; père de Justine.
* Dane O'Neill – Fils de Meggie et Ralph, la fierté et la joie de Meggie, noyé en Grèce à l'âge de vingt-six ans.
* Justine O'Neill – Fille de Meggie et Luke, une fille intelligente et indépendante. À la fin, elle est la seule petite-fille survivante de Paddy et Fee Cleary.
* Luddie et Anne Mueller – les employeurs de Meggie lors de son mariage avec Luke. Ils deviennent amis pour la vie.
* Bob, Jack et Hughie Cleary – les frères aînés de Meggie. Ils ressemblent tous à Paddy et vivent leurs jours, célibataires, à Drogheda.
* Stuart "Stu" Cleary – Un garçon calme et gentil qui ressemble à sa mère et est le plus proche de Meggie en âge.
* Harold "Hal" Cleary – le petit frère chéri de Meggie. Il meurt à l'âge de quatre ans.
* James et Patrick "Jims et Patsy" Cleary – Jumeaux, les plus jeunes frères de Meggie.
* Rainer "Rain" Moerling Hartheim – Ami de Ralph et finalement Dane. Membre du Parlement ouest-allemand et futur mari de Justine.
* Archevêque (plus tard cardinal) Vittorio di Contini-Verchese – mentor de Ralph, ami de Rainer et Dane. | http://quiz4free.com/ |
Quel était le deuxième film d'animation de Disney ? | Pinocchio | [
"Le studio a continué à publier des courts métrages et des longs métrages d'animation, tels que Pinocchio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) et Bambi (1942). Après le début de la Seconde Guerre mondiale, les bénéfices au box-office ont diminué. Lorsque les États-Unis sont entrés en guerre après l’attaque de Pearl Harbor, de nombreux animateurs de Disney ont été enrôlés dans les forces armées. Les gouvernements américain et canadien ont chargé le studio de produire des films de formation et de propagande. En 1942, 90 % de ses 550 employés travaillaient sur des films liés à la guerre. Des films tels que le long métrage Victory Through Air Power et le court métrage Education for Death (tous deux de 1943) étaient destinés à accroître le soutien du public à l’effort de guerre. Même les personnages du studio se sont joints à l'effort, puisque Donald Duck est apparu dans un certain nombre de courts métrages de propagande comiques, dont Der Fuehrer's Face (1943), lauréat d'un Oscar."
] | La Walt Disney Company, communément connue sous le nom de Disney, est un conglomérat multinational américain diversifié de médias de masse et de divertissement dont le siège est aux studios Walt Disney à Burbank, en Californie. Il s'agit du deuxième conglomérat médiatique mondial en termes de revenus, après Comcast. Disney a été fondée le 16 octobre 1923 par Walt Disney et Roy O. Disney sous le nom de Disney Brothers Cartoon Studio, et s'est imposée comme un leader de l'industrie américaine de l'animation avant de se diversifier dans la production de films d'action réelle, la télévision et les parcs à thème. La société opérait également sous les noms de The Walt Disney Studio, puis de Walt Disney Productions. Prenant son nom actuel en 1986, elle a étendu ses activités existantes et a également lancé des divisions axées sur le théâtre, la radio, la musique, l'édition et les médias en ligne.
En outre, Disney a depuis créé des divisions d'entreprise afin de commercialiser un contenu plus mature que celui généralement associé à ses marques phares à vocation familiale. L'entreprise est surtout connue pour les produits de son studio de cinéma, Walt Disney Studios, qui est aujourd'hui l'un des studios les plus grands et les plus connus du cinéma américain. Les trois autres divisions principales de Disney sont Walt Disney Parks and Resorts, Disney Media Networks et Disney Consumer Products and Interactive Media. Disney possède et exploite également le réseau de télévision ABC ; les réseaux de télévision par câble tels que Disney Channel, ESPN, A+E Networks et Freeform ; divisions d'édition, de marchandisage, de musique et de théâtre ; et possède et exploite sous licence 14 parcs à thème à travers le monde. La société fait partie du Dow Jones Industrial Average depuis le 6 mai 1991. Mickey Mouse, l'une des premières créations de dessins animés bien connues de la société, est l'un des principaux symboles et mascottes de Disney.
Histoire de l'entreprise
1923-1928 : l'ère du silence
Au début de 1923, à Kansas City, dans le Missouri, l'animateur Walt Disney créa un court métrage intitulé Alice's Wonderland, dans lequel la jeune actrice Virginia Davis interagissait avec des personnages animés. Après la faillite en 1923 de sa précédente société, Laugh-O-Gram Studios, Disney s'installe à Hollywood pour rejoindre son frère, Roy O. Disney. La distributrice de films Margaret J. Winkler de M.J. Winkler Productions a contacté Disney avec son intention de distribuer toute une série de comédies Alice achetées pour 1 500 $ la bobine avec Disney comme partenaire de production. Walt et Roy Disney ont formé Disney Brothers Cartoon Studio la même année. D'autres films d'animation ont suivi après Alice. En janvier 1926, avec l'achèvement du studio Disney sur Hyperion Street, le nom du Disney Brothers Studio fut changé en Walt Disney Studio.
Après la disparition des comédies Alice, Disney a développé une série entièrement animée mettant en vedette son premier personnage original, Oswald le lapin chanceux, qui a été distribuée par Winkler Pictures via Universal Pictures. Le distributeur possédait Oswald, donc Disney ne gagnait que quelques centaines de dollars. Disney a réalisé 26 courts métrages d'Oswald avant de perdre le contrat en février 1928, en raison d'un vide juridique, lorsque le mari de Winkler, Charles Mintz, a repris leur société de distribution. Après avoir échoué à reprendre le studio Disney, Mintz a embauché quatre des principaux animateurs de Disney (à l'exception d'Ub Iwerks) pour créer son propre studio d'animation, Snappy Comedies.
1928-1934 : Mickey Mouse et Symphonies idiotes
En 1928, pour se remettre de la perte d'Oswald le lapin chanceux, Disney eut l'idée d'un personnage de souris nommé Mortimer alors qu'il était dans un train en direction de la Californie, dessinant quelques dessins simples. La souris a ensuite été rebaptisée Mickey Mouse (l'épouse de Disney, Lillian, n'aimait pas le son de « Mortimer Mouse ») et a joué dans plusieurs films produits par Disney. Ub Iwerks a affiné la conception initiale de Mickey Mouse par Disney. Le premier film sonore de Disney, Steamboat Willie, un dessin animé mettant en vedette Mickey, est sorti le 18 novembre 1928 par l'intermédiaire de la société de distribution de Pat Powers. C'était le premier dessin animé sonore de Mickey Mouse sorti, mais le troisième à être créé, derrière Plane Crazy et The Gallopin' Gaucho. Steamboat Willie a été un succès immédiat, et son succès initial a été attribué non seulement à l'attrait de Mickey en tant que personnage, mais aussi au fait qu'il s'agissait du premier dessin animé à présenter un son synchronisé. Disney a utilisé le système Cinephone de Pat Powers, créé par Powers à l'aide du système Phonofilm de Lee De Forest. Steamboat Willie a été créée au Colony Theatre de B. S. Moss à New York, aujourd'hui The Broadway Theatre. Disney's Plane Crazy et The Galloping Gaucho ont ensuite été équipés de bandes sonores synchronisées et réédités avec succès en 1929.
Disney a continué à produire des dessins animés avec Mickey Mouse et d'autres personnages, et a commencé la série Silly Symphonies avec Columbia Pictures en tant que distributeur des Symphonies en août 1929. En septembre 1929, le directeur du théâtre Harry Woodin a demandé l'autorisation de créer un club Mickey Mouse, ce que Walt a approuvé. En novembre, des bandes dessinées de test ont été envoyées à King Features, qui a demandé des échantillons supplémentaires à montrer à l'éditeur, William Randolph Hearst. Le 16 décembre, le partenariat Walt Disney Studios a été réorganisé en une société sous le nom de Walt Disney Productions, Limited avec une division de marchandisage, Walt Disney Enterprises, et deux filiales, Disney Film Recording Company, Limited et Liled Realty and Investment Company pour de vrai. avoirs immobiliers. Walt et son épouse détenaient 60 % (6 000 actions) et Roy possédait 40 % de WD Productions. Le 30 décembre, King Features a signé son premier journal, New York Mirror, pour publier la bande dessinée Mickey Mouse avec la permission de Walt.
En 1932, Disney signe un contrat exclusif avec Technicolor (jusqu'à la fin de 1935) pour produire des dessins animés en couleur, à commencer par Fleurs et Arbres (1932). Disney a publié des dessins animés via Powers' Celebrity Pictures (1928-1930), Columbia Pictures (1930-1932) et United Artists (1932-1937). La popularité de la série Mickey Mouse a permis à Disney de planifier son premier long métrage d'animation.
Le long métrage Walt Before Mickey, basé sur le livre de Diane Disney Miller, présente ces moments de l'histoire du studio.
1934-1945 : Blanche-Neige et les Sept Nains et la Seconde Guerre mondiale
Décidant de repousser encore plus loin les limites de l'animation, Disney commença la production de son premier long métrage d'animation en 1934. En trois ans, Blanche-Neige et les Sept Nains, créé en décembre 1937, devint le film le plus rentable de l'époque. en 1939. Blanche-Neige a été diffusé via RKO Radio Pictures, qui avait assumé la distribution du produit Disney en juillet 1937, après que United Artists ait tenté d'obtenir les futurs droits de télévision sur les courts métrages Disney.
Grâce aux bénéfices de Blanche-Neige, Disney a financé la construction d'un nouveau complexe de studios de 51 acres à Burbank, en Californie. Les nouveaux studios Walt Disney, dans lesquels la société a encore son siège aujourd'hui, ont été achevés et ouverts aux affaires à la fin de 1939. L'année suivante, le 2 avril, Walt Disney Productions a fait son introduction en bourse.
Le studio a continué à publier des courts métrages et des longs métrages d'animation, tels que Pinocchio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) et Bambi (1942). Après le début de la Seconde Guerre mondiale, les bénéfices au box-office ont diminué. Lorsque les États-Unis sont entrés en guerre après l’attaque de Pearl Harbor, de nombreux animateurs de Disney ont été enrôlés dans les forces armées. Les gouvernements américain et canadien ont chargé le studio de produire des films de formation et de propagande. En 1942, 90 % de ses 550 employés travaillaient sur des films liés à la guerre. Des films tels que le long métrage Victory Through Air Power et le court métrage Education for Death (tous deux de 1943) étaient destinés à accroître le soutien du public à l’effort de guerre. Même les personnages du studio se sont joints à l'effort, puisque Donald Duck est apparu dans un certain nombre de courts métrages de propagande comiques, dont Der Fuehrer's Face (1943), lauréat d'un Oscar.
1946-1954 : après-guerre et télévision
Avec un personnel limité et peu de fonds d'exploitation pendant et après la guerre, les longs métrages de Disney pendant une grande partie des années 1940 étaient des « films complets », ou des collections de courts métrages, tels que Les Trois Caballeros (1944) et Melody Time (1948), qui ont eu de mauvais résultats. Au box-office. Parallèlement, le studio commence à produire des films et des documentaires en live-action. Song of the South (1946) et So Dear to My Heart (1948) présentaient des segments animés, tandis que la série True-Life Adventures, qui comprenait des films tels que Seal Island (1948) et The Vanishing Prairie (1954), étaient également populaires. Huit des films de la série ont remporté des Oscars.
La sortie de Cendrillon en 1950 a prouvé que les longs métrages d'animation pouvaient encore réussir sur le marché. Parmi les autres sorties de cette période, citons Alice au pays des merveilles (1951) et Peter Pan (1953), tous deux en production avant le début de la guerre, ainsi que le premier long métrage d'action entièrement en direct de Disney, Treasure Island (1950). Parmi les autres premiers films Disney entièrement en direct, citons L'histoire de Robin des Bois et de ses joyeux hommes (1952), L'épée et la rose (1953) et 20 000 lieues sous les mers (1954). Disney a mis fin à son contrat de distribution avec RKO en 1953, créant sa propre branche de distribution, Buena Vista Distribution.
En décembre 1950, Walt Disney Productions et The Coca-Cola Company se sont associés pour la première aventure de Disney dans le domaine de la télévision, l'émission spéciale du réseau de télévision NBC Une heure au pays des merveilles. En octobre 1954, le réseau ABC a lancé la première série télévisée régulière de Disney, Disneyland, qui allait devenir l'une des séries diffusées aux heures de grande écoute les plus anciennes de l'histoire. Disneyland a fourni à Disney une plate-forme pour introduire de nouveaux projets et diffuser les plus anciens, et ABC est devenu le partenaire de Disney dans le financement et le développement de la prochaine entreprise de Disney, située au milieu d'une orangeraie près d'Anaheim, en Californie. Il s'agissait de la première phase d'une longue relation d'entreprise qui, même si personne n'aurait pu l'anticiper à l'époque, culminerait quatre décennies plus tard avec l'acquisition par la société Disney du réseau ABC, de ses stations détenues et exploitées, ainsi que de ses nombreux réseaux de câblodistribution et d'édition. entreprises.
1955-1965 : Disneyland
En 1954, Walt Disney a utilisé sa série Disneyland pour dévoiler ce qui allait devenir Disneyland, une idée née du désir d'un lieu où parents et enfants pourraient s'amuser en même temps. Le 18 juillet 1955, Walt Disney ouvre Disneyland au grand public. Le 17 juillet 1955, Disneyland a été présenté en avant-première avec une émission télévisée en direct animée par Art Linkletter et Ronald Reagan. Après des débuts difficiles, Disneyland a continué de croître et d’attirer des visiteurs de tout le pays et du monde entier. Une expansion majeure en 1959 comprenait l'ajout du premier système de monorail américain.
Pour l'Exposition universelle de New York de 1964, Disney a préparé quatre attractions distinctes pour différents sponsors, chacune d'entre elles se retrouvant à Disneyland sous une forme ou une autre. Pendant ce temps, Walt Disney recherchait également secrètement de nouveaux sites pour un deuxième parc à thème Disney. En novembre 1965, « Disney World » fut annoncé, avec des projets de parcs à thème, d'hôtels et même une ville modèle sur des milliers d'acres de terrain achetés à l'extérieur d'Orlando, en Floride.
Disney a continué à concentrer ses talents sur la télévision tout au long des années 1950. Son émission télévisée pour enfants l'après-midi de semaine, The Mickey Mouse Club, mettant en vedette sa liste de jeunes « Mouseketeers », a été créée en 1955 avec un grand succès, tout comme la mini-série de Davy Crockett, mettant en vedette Fess Parker et diffusée dans l'émission d'anthologie de Disneyland. Deux ans plus tard, la série Zorro se révélera tout aussi populaire, durant deux saisons sur ABC. Malgré un tel succès, Walt Disney Productions a peu investi dans les projets télévisuels dans les années 1960, à l'exception de la longue série d'anthologies, connue plus tard sous le nom de Le Monde merveilleux de Disney.
Les studios de cinéma Disney sont également restés occupés. En moyenne cinq ou six sorties par an pendant cette période. Alors que la production de courts métrages ralentit considérablement au cours des années 1950 et 1960, le studio sort un certain nombre de longs métrages d'animation populaires, comme La Belle et le Clochard (1955), La Belle au bois dormant (1959) et Les Cent un Dalmatiens (1961), qui introduisent un nouveau procédé de xérographie pour transférer les dessins sur des cellules d'animation. Les sorties live-action de Disney étaient réparties dans un certain nombre de genres, notamment la fiction historique (Johnny Tremain, 1957), les adaptations de livres pour enfants (Pollyanna, 1960) et les comédies modernes (The Shaggy Dog, 1959). Le film Disney le plus réussi des années 1960 était une adaptation musicale d'action et d'animation de Mary Poppins, qui fut l'un des films les plus rentables de tous les temps et reçut cinq Oscars, dont celui de la meilleure actrice pour Julie Andrews et de la meilleure chanson pour Robert B. Sherman et Richard M. Sherman pour "Chim Chim Cher-ee".
Le groupe de conception et d'architecture du parc à thème est devenu si intégré aux opérations du studio Disney que le studio l'a acheté le 5 février 1965, avec le nom WED Enterprises.
1966-1971 : Mort de Walt et Roy Disney et ouverture de Walt Disney World
Le 15 décembre 1966, Walt Disney décède des suites d'un cancer du poumon et Roy Disney prend la relève en tant que président-directeur général et président de la société. L'un de ses premiers actes fut de renommer Disney World « Walt Disney World » en l'honneur de son frère et de sa vision.
En 1967, les deux derniers films activement supervisés par Walt sont sortis, le long métrage d'animation Le Livre de la Jungle et la comédie musicale Le Millionnaire le plus heureux. Le studio a sorti un certain nombre de comédies à la fin des années 1960, dont The Love Bug (le film le plus rentable de 1969) et The Computer Wore Tennis Shoes (1969), mettant en vedette une autre jeune découverte de Disney, Kurt Russell. Les années 1970 s'ouvrent avec la sortie du premier long métrage d'animation « post-Walt » de Disney, Les Aristochats, suivi d'un retour aux comédies musicales fantastiques en 1971 avec Bedknobs and Broomsticks. Blackbeard's Ghost fut un autre film à succès durant cette période.
Le 1er octobre 1971, Walt Disney World a ouvert ses portes au public et Roy Disney a consacré l'installation en personne plus tard dans le mois. Le 20 décembre 1971, Roy Disney décède des suites d'un accident vasculaire cérébral. Il a quitté l'entreprise sous le contrôle de Donn Tatum, Card Walker et du gendre de Walt, Ron Miller, chacun formé par Walt et Roy.
1972-1984 : Malaise théâtral et nouveau leadership
Alors que Walt Disney Productions a continué à sortir des films familiaux tout au long des années 1970, tels que Escape to Witch Mountain (1975) et Freaky Friday (1976), les films n'ont pas eu d'aussi bons résultats au box-office que les films précédents. Cependant, le studio d'animation connaît le succès avec Robin des Bois (1973), Les Sauveteurs (1977) et Le Renard et le Chien (1981).
En tant que directeur du studio, Miller a tenté de réaliser des films pour stimuler le marché rentable des adolescents, qui refusaient généralement de voir des films Disney. Inspiré par la popularité de Star Wars, Disney a produit l'aventure de science-fiction The Black Hole en 1979, qui a coûté 20 millions de dollars, mais a été perdue dans le sillage de Star Wars. The Black Hole a été le premier film Disney à être classé PG aux États-Unis. Disney s'est essayé au genre de l'horreur avec The Watcher in the Woods et a financé le film audacieusement innovant Tron ; les deux films sont sortis avec un succès minime.
Disney a également embauché des producteurs externes pour des projets de films, ce qui n'avait jamais été réalisé auparavant dans l'histoire du studio. En 1979, Disney a conclu une coentreprise avec Paramount Pictures sur la production de l'adaptation cinématographique de 1980 de Popeye et Dragonslayer (1981) ; c'était la première fois que Disney collaborait avec un autre studio. Paramount distribuait à l'époque des films Disney au Canada, et on espérait que le prestige marketing de Disney aiderait à vendre les deux films.
Enfin, en 1982, la famille Disney a vendu les droits de dénomination et les attractions ferroviaires au studio de cinéma Disney pour 818 461 actions Disney d'une valeur alors de 42,6 millions de dollars, dont aucune n'est allée à Retlaw. En outre, Roy E. Disney s'est opposé au prix d'achat surévalué du droit de dénomination et a voté contre l'achat en tant qu'administrateur du conseil d'administration de Disney.
La sortie en 1983 de Mickey's Christmas Carol a marqué le début d'une série de films à succès, à commencer par Never Cry Wolf et l'adaptation de Ray Bradbury, Something Wicked This Way Comes. La division cinématographique de Walt Disney Productions a été constituée sous le nom de Walt Disney Pictures. En 1984, le PDG de Disney, Ron Miller, a créé Touchstone Films en tant que marque permettant à Disney de sortir davantage de films majeurs. La première sortie de Touchstone fut la comédie Splash (1984), qui fut un succès au box-office.
Le Monde merveilleux de Disney restant un incontournable des heures de grande écoute, Disney est revenu à la télévision dans les années 1970 avec des programmes syndiqués tels que la série d'anthologies The Mouse Factory et une brève reprise du Mickey Mouse Club. En 1980, Disney a lancé Walt Disney Home Video pour profiter du marché émergent des vidéocassettes. Le 18 avril 1983, The Disney Channel a fait ses débuts en tant que chaîne par abonnement sur les systèmes câblés de tout le pays, proposant sa vaste bibliothèque de films et de séries télévisées classiques, ainsi que des programmes originaux et des offres tierces adaptées aux familles.
Walt Disney World a reçu une grande partie de l'attention de l'entreprise dans les années 1970 et 1980. En 1978, les dirigeants de Disney ont annoncé des plans pour le deuxième parc à thème Walt Disney World, EPCOT Center, qui ouvrirait ses portes en octobre 1982. Inspiré par le rêve de Walt Disney d'une ville modèle futuriste, l'EPCOT Center a été construit comme une « exposition universelle permanente », complète avec des expositions sponsorisées par de grandes sociétés américaines, ainsi que des pavillons basés sur les cultures d'autres nations. Au Japon, l'Oriental Land Company s'est associée à Walt Disney Productions pour construire le premier parc à thème Disney en dehors des États-Unis, Tokyo Disneyland, qui a ouvert ses portes en avril 1983.
Malgré le succès de Disney Channel et ses nouvelles créations de parcs à thème, Walt Disney Productions était financièrement vulnérable. Sa cinémathèque était précieuse, mais offrait peu de succès actuels, et son équipe de direction était incapable de suivre le rythme des autres studios, notamment les œuvres de Don Bluth, qui a quitté Disney en 1979.
Au début des années 1980, les parcs généraient 70 % des revenus de Disney.
En 1984, Reliance Group Holdings, du financier Saul Steinberg, a lancé une offre publique d'achat hostile sur Walt Disney Productions, dans le but de vendre certaines de ses activités. Disney a racheté la participation de 11,1 % de Reliance dans la société. Cependant, un autre actionnaire a intenté une action en justice, affirmant que l'opération avait dévalué les actions de Disney et que la direction de Disney conservait ses positions. Le procès des actionnaires a été réglé en 1989 pour un total de 45 millions de dollars par Disney et Reliance.
1984-2005 : l'ère Eisner et la campagne « Save Disney »
Avec l'achat par la famille Sid Bass de 18,7 % de Disney, Bass et le conseil d'administration ont fait appel à Michael Eisner de Paramount en tant que PDG et Frank Wells de Warner Bros. en tant que président. Eisner a mis l'accent sur Touchstone avec Down and Out in Beverly Hills (1985) pour commencer à conduire à une augmentation de la production avec Good Morning, Vietnam (1987), Dead Poets Society (1989), Pretty Woman (1990) et d'autres succès. Eisner a utilisé les marchés en expansion du câble et de la vidéo domestique pour signer des accords utilisant des émissions et des films Disney avec un accord à long terme avec Showtime Networks pour les sorties Disney/Touchstone jusqu'en 1996 et se lancer dans la télévision avec la syndication et la distribution de séries télévisées comme The Golden Girls et Home Improvement. Disney a commencé les sorties limitées de ses films précédents sur cassettes vidéo à la fin des années 1980. Eisner's Disney a acheté KHJ, une chaîne de télévision indépendante de Los Angeles.
Organisé en 1985, Silver Screen Partners II, LP a financé des films pour Disney à hauteur de 193 millions de dollars. En janvier 1987, Silver Screen III a commencé à financer des films pour Disney avec 300 millions de dollars levés, le plus gros montant levé pour une société en commandite de financement de films par E.F. Hutton. Silver Screen IV a également été créé pour financer les studios Disney.
Depuis Who Framed Roger Rabbit en 1988, le studio d'animation phare de Disney a connu une série de succès commerciaux et critiques avec des films tels que La Petite Sirène (1989), La Belle et la Bête (1991), Aladdin (1992) et Le Roi Lion (1994). ). En outre, la société est entrée avec succès dans le domaine de l'animation télévisée avec un certain nombre de séries au budget généreux et acclamées telles que Adventures of the Gummi Bears, Duck Tales, Chip 'n Dale Rescue Rangers, Darkwing Duck et Gargoyles. Disney s'est hissé à la première place des recettes au box-office en 1988 et a augmenté ses revenus de 20 % chaque année.
En 1989, Disney a signé un accord de principe pour acquérir Jim Henson Productions auprès de son fondateur, le créateur des Muppet Jim Henson. L'accord comprenait la bibliothèque de programmation de Henson et les personnages Muppet (à l'exclusion des Muppets créés pour Sesame Street), ainsi que les services de création personnels de Jim Henson. Cependant, Henson est décédé subitement en mai 1990 avant que l'accord ne soit conclu, ce qui a amené les deux sociétés à mettre fin aux négociations de fusion en décembre suivant. Surnommée la « Décennie Disney » par l'entreprise, les talents exécutifs ont tenté de propulser l'entreprise vers de nouveaux sommets dans les années 1990 avec d'énormes changements et réalisations. En septembre 1990, Disney a obtenu un financement pouvant atteindre 200 millions de dollars par une unité de Nomura Securities pour des films Interscope réalisés pour Disney. Le 23 octobre, Disney a formé Touchwood Pacific Partners I, qui supplanterait la série Silver Screen Partnership en tant que principale source de financement de leurs studios de cinéma.
En 1991, les hôtels, la distribution vidéo à domicile et le merchandising Disney représentaient 28 pour cent du chiffre d'affaires total de l'entreprise, les revenus internationaux représentant 22 pour cent des revenus. La société a engagé ses studios au premier trimestre 1991 à produire 25 films en 1992. Cependant, 1991 a vu son revenu net chuter de 23 pour cent et n'a connu aucune croissance pour l'année, mais a vu la sortie de La Belle et la Bête, lauréat de deux Oscars. Récompenses et film le plus rentable du genre. Disney s'est ensuite lancé dans l'édition avec Hyperion Books et la musique pour adultes avec Hollywood Records tandis que Walt Disney Imagineering licenciait 400 employés. Disney a également élargi son offre de films pour adultes lorsque Jeffrey Katzenberg, alors président des studios Disney, a acquis Miramax Films en 1993. La même année, Disney a créé l'équipe de la LNH, les Mighty Ducks of Anaheim, du nom du film à succès de 1992 du même nom. Disney a acheté une participation minoritaire dans l'équipe de baseball des Anaheim Angels à peu près à la même époque.
Wells a été tué dans un accident d'hélicoptère en 1994. Peu de temps après, Katzenberg a démissionné et a formé DreamWorks SKG parce qu'Eisner ne voulait pas nommer Katzenberg au poste désormais disponible de Wells (Katzenberg avait également intenté une action en justice pour les termes de son contrat). Au lieu de cela, Eisner a recruté son ami Michael Ovitz, l'un des fondateurs de la Creative Artists Agency, comme président, avec une implication minimale du conseil d'administration de Disney (qui comprenait à l'époque l'acteur oscarisé Sidney Poitier, PDG de Hilton Hotels Corporation). Stephen Bollenbach, l'ancien sénateur américain George Mitchell, le doyen de Yale Robert A. M. Stern et les prédécesseurs d'Eisner Raymond Watson et Card Walker). Ovitz n'a duré que 14 mois et a quitté Disney en décembre 1996 via un « résiliation sans faute » avec une indemnité de départ de 38 millions de dollars en espèces et 3 millions d'options d'achat d'actions d'une valeur d'environ 100 millions de dollars au moment du départ d'Ovitz. L'épisode Ovitz a engendré une longue poursuite dérivée, qui s'est finalement conclue en juin 2006, près de 10 ans plus tard. Le chancelier William B. Chandler, III de la Cour de chancellerie du Delaware, bien qu'il ait décrit le comportement d'Eisner comme étant « bien en deçà de ce que les actionnaires attendent et exigent de ceux qui sont chargés d'une position fiduciaire... » s'est prononcé en faveur d'Eisner et du reste de la Disney parce qu'ils n'avaient pas violé la lettre de la loi (à savoir, le devoir de diligence des dirigeants et du conseil d'administration d'une société envers ses actionnaires).
Eisner a tenté en 1994 d'acheter NBC à General Electric (GE), mais l'accord a échoué car GE souhaitait conserver 51 % des parts du réseau. Disney a acquis de nombreuses autres sources médiatiques au cours de la décennie, y compris une fusion avec Capital Cities/ABC en 1995 qui a amené le réseau de diffusion ABC et ses actifs, notamment les réseaux de télévision A&E et ESPN, dans le giron de Disney. Eisner a estimé que l'achat d'ABC était un investissement important pour assurer la survie de Disney et lui permettre de rivaliser avec les conglomérats multimédias internationaux.
Disney a perdu un procès de 10,4 millions de dollars en septembre 1997 contre Marsu B.V. pour l'incapacité de Disney à produire comme prévu 13 émissions de dessins animés Marsupilami d'une demi-heure. Au lieu de cela, Disney a estimé que d'autres « propriétés phares » internes méritaient l'attention de l'entreprise.
Disney, qui avait pris le contrôle des Anaheim Angels en 1996, a acheté une participation majoritaire dans l'équipe en 1998. La même année, Disney a commencé à se lancer dans le domaine Internet avec l'achat de Starwave et de 43 % d'Infoseek. En 1999, Disney a acheté les actions restantes d'Infoseek et a lancé le portail Go Network en janvier. Disney a également lancé sa ligne de croisières avec le baptême du Disney Magic et d'un navire jumeau, le Disney Wonder.
L'affaire Katzenberg a traîné en longueur car son contrat incluait à jamais une partie des revenus cinématographiques provenant des marchés auxiliaires. Katzenberg avait proposé 100 dollars pour régler l'affaire, mais Eisner estimait que le montant initial de la réclamation était d'environ un demi-milliard de trop, mais la clause de marché auxiliaire a ensuite été trouvée. Les avocats de Disney ont tenté d'indiquer une situation de déclin qui révèle certains des problèmes de l'entreprise. ABC a connu une baisse de sa cote d'écoute et une augmentation de ses coûts, tandis que le segment cinématographique a connu deux échecs cinématographiques. Bien qu'aucune des parties n'ait révélé le montant du règlement, celui-ci est estimé à 200 millions de dollars.
Le style de contrôle d'Eisner a inhibé l'efficacité et le progrès selon certains critiques, tandis que d'autres experts du secteur ont indiqué que la théorie de la « compression de l'âge » a conduit à un déclin du marché cible de l'entreprise en raison du fait que les jeunes copient plus tôt le comportement des adolescents.
L'année 2000 a été marquée par une augmentation des revenus de 9 pour cent et du bénéfice net de 39 pour cent, avec ABC et ESPN en tête et Parks and Resorts marquant sa sixième année consécutive de croissance. Cependant, les attentats du 11 septembre ont entraîné une baisse des voyages de vacances et la récession du début des années 2000 a entraîné une diminution des revenus d'ABC. De plus, Eisner a demandé à l’entreprise d’acheter coûteusement Fox Family Worldwide. 2001 a été une année de réduction des coûts, de licenciement de 4 000 employés, de diminution des activités des parcs Disney, de réduction considérable des investissements annuels dans les films d'action réelle et de minimisation des opérations Internet. Même si les revenus de 2002 ont légèrement diminué par rapport à 2001 en raison de la réduction des coûts, le revenu net a atteint 1,2 milliard de dollars grâce à la sortie de deux films créatifs. En 2003, Disney est devenu le premier studio à enregistrer plus de 3 milliards de dollars de recettes au box-office mondial.
Eisner ne voulait pas que le conseil d'administration renomme Roy E. Disney, le fils du co-fondateur de Disney, Roy O. Disney, en tant qu'administrateur du conseil d'administration, citant son âge de 72 ans comme âge requis pour la retraite. Stanley Gold a répondu en démissionnant du conseil d'administration et en demandant aux autres membres du conseil d'évincer Eisner. En 2003, Disney a démissionné de ses fonctions de vice-président de la société et de président de Walt Disney Feature Animation, accusant Eisner de microgestion, d'échecs avec le réseau de télévision ABC, de timidité dans le secteur des parcs à thème, transformant la Walt Disney Company en un « rapace, sans âme" et refusant d'établir un plan de succession clair, ainsi qu'une série d'échecs au box-office à partir de l'an 2000.
Le 15 mai 2003, Disney a vendu sa participation dans l'équipe de baseball des Anaheim Angels à Arte Moreno. Disney a acheté les droits des franchises Muppets et Bear in the Big Blue House à la Jim Henson Company le 17 février 2004. Les deux marques ont été placées sous le contrôle de Muppets Holding Company, LLC, une unité de Disney Consumer Products.
En 2004, les studios d'animation Pixar ont commencé à chercher un autre distributeur après la fin de leur contrat de 12 ans avec Disney, en raison de leurs relations tendues avec Eisner sur des questions de contrôle et d'argent. Cette année-là également, Comcast Corporation a fait une offre non sollicitée de 54 milliards de dollars pour acquérir Disney. Quelques films à gros budget ont échoué au box-office. Face à ces difficultés et au mécontentement de certains administrateurs du conseil d'administration, Eisner a cédé la présidence du conseil d'administration.
Le 3 mars 2004, lors de l'assemblée annuelle des actionnaires de Disney, un nombre surprenant de 45 % des actionnaires de Disney, majoritairement ralliés aux anciens membres du conseil d'administration Roy Disney et Stanley Gold, ont refusé leur procuration pour réélire Eisner au conseil d'administration. Le conseil d'administration de Disney a ensuite confié la présidence à Mitchell. Cependant, le conseil d’administration n’a pas immédiatement démis Eisner de son poste de directeur général.
En 2005, Disney a vendu l'équipe de hockey des Mighty Ducks d'Anaheim à Henry et Susan Samueli.
Le 13 mars 2005, Robert A. Iger a été annoncé comme successeur d'Eisner au poste de PDG. Le 30 septembre, Eisner a démissionné de ses fonctions de dirigeant et de membre du conseil d'administration.
2005-présent : l'ère Iger
Le 8 juillet 2005, le neveu de Walt Disney, Roy E. Disney, est revenu dans l'entreprise en tant que consultant et avec le nouveau titre d'administrateur sans droit de vote émérite. Walt Disney Parks and Resorts a célébré le 50e anniversaire du parc Disneyland le 17 juillet et a ouvert Hong Kong Disneyland le 12 septembre. Walt Disney Feature Animation a sorti Chicken Little, le premier film de la société utilisant l'animation 3D. Le 1er octobre, Iger a remplacé Eisner au poste de PDG. Les cofondateurs de Miramax, Bob Weinstein et Harvey Weinstein, ont également quitté l'entreprise pour créer leur propre studio. Le 25 juillet 2005, Disney a annoncé la fermeture de DisneyToon Studios Australia en octobre 2006, après 17 ans d'existence.
En 2006, Disney a acquis Oswald le lapin chanceux, la star de l'animation silencieuse de Disney avant Mickey.
Conscient que la relation entre Disney et Pixar s'amenuisait, Iger a entamé des négociations avec les dirigeants des studios d'animation Pixar, Steve Jobs et Ed Catmull, concernant une éventuelle fusion. Le 23 janvier 2006, il a été annoncé que Disney rachèterait Pixar dans le cadre d'une transaction entièrement en actions d'une valeur de 7,4 milliards de dollars. L'accord a été finalisé le 5 mai ; et parmi les résultats notables, il y a la transition du PDG de Pixar et actionnaire à 50,1 %, Steve Jobs, devenant le plus grand actionnaire individuel de Disney avec 7 % et membre du conseil d'administration de Disney. Ed Catmull a pris la présidence des studios d'animation Pixar. L'ancien vice-président exécutif de Pixar, John Lasseter, est devenu directeur de la création de Walt Disney Animation Studios, de sa division DisneyToon Studios et de Pixar Animation Studios, tout en assumant le rôle de conseiller créatif principal chez Walt Disney Imagineering.
En avril 2007, la Muppets Holding Company, LLC a été rebaptisée Muppets Studio et placée sous une nouvelle direction dans le but d'Iger de renommer la division. Le changement de marque a été achevé en septembre 2008, lorsque le contrôle du Muppets Studio a été transféré de Disney Consumer Products aux Walt Disney Studios.
Le réalisateur émérite Roy E. Disney est décédé d'un cancer de l'estomac le 16 décembre 2009. Au moment de son décès, il possédait environ 1 % de l'ensemble de Disney, soit 16 millions d'actions. Il fut le dernier membre de la famille Disney à s'impliquer activement dans l'entreprise.
Le 31 août 2009, Disney a annoncé un accord pour acquérir Marvel Entertainment, Inc. pour 4,24 milliards de dollars. L'accord a été finalisé le 31 décembre 2009 et Disney a acquis la pleine propriété de la société.
En octobre 2009, le président de Disney Channel, Rich Ross, embauché par Iger, a remplacé Dick Cook en tant que président de la société et, en novembre, a commencé à restructurer l'entreprise pour se concentrer davantage sur des produits adaptés aux familles. Plus tard en janvier 2010, Disney a décidé de fermer Miramax après avoir réduit les effectifs de Touchstone, mais un mois plus tard, ils ont commencé à vendre la marque Miramax et sa bibliothèque de films de 700 titres à Filmyard Holdings. En mars, ImageMovers Digital, que Disney avait créé en 2007 en tant que studio en coentreprise avec Robert Zemeckis, a été fermé. En avril 2010, Lyric Street, le label de musique country de Disney à Nashville, a été fermé. Le mois suivant, la société revend la marque Power Rangers, ainsi que sa bibliothèque de 700 épisodes, à Haim Saban. En janvier 2011, les studios Disney Interactive ont été réduits. En novembre, deux stations ABC ont été vendues.
Avec la sortie de Tangled en 2010, Ed Catmull a déclaré que le genre de films « princesse » prenait une pause jusqu'à ce que « quelqu'un ait une nouvelle vision du sujet… mais nous n'avons pas d'autres comédies musicales ou contes de fées prévus ». Il a expliqué qu'ils cherchaient à s'éloigner de l'ère des princesses en raison des changements dans la composition et les préférences du public. Cependant, sur la page Facebook, Ed Catmull a déclaré qu'il ne s'agissait que d'une rumeur.
En avril 2011, Disney a inauguré le Shanghai Disney Resort. D'un coût de 4,4 milliards de dollars, le complexe devrait ouvrir ses portes en 2015. Plus tard, en août 2011, Bob Iger a déclaré lors d'une conférence téléphonique qu'après le succès des achats de Pixar et Marvel, lui et la Walt Disney Company cherchaient à « acheter soit de nouveaux des personnages ou des entreprises capables de créer de grands personnages et de belles histoires. » Plus tard, début février | http://quiz4free.com/ |
Lequel des frères Kray est mort en premier ? | Ronnie | [
"Les frères jumeaux Ronald \"Ronnie\" Kray (24 octobre 1933 - 17 mars 1995) et Reginald \"Reggie\" Kray (24 octobre 1933 - 1er octobre 2000) étaient des gangsters anglais qui furent les principaux auteurs du crime organisé dans l'East End de Londres pendant la Années 1950 et 1960. Avec leur gang, la Firme, les Krays ont été impliqués dans des vols à main armée, des incendies criminels, des rackets de protection, des agressions et les meurtres de Jack \"the Hat\" McVitie et George Cornell.",
"Ils ont été arrêtés le 8 mai 1968 et condamnés en 1969, grâce aux efforts de détectives dirigés par le surintendant-détective Leonard \"Nipper\" Read. Tous deux ont été condamnés à la réclusion à perpétuité. Ronnie est resté à l'hôpital Broadmoor jusqu'à sa mort le 17 mars 1995 ; Reggie a été libéré de prison pour des raisons humanitaires en août 2000, huit semaines avant sa mort d'un cancer.",
"Ronnie et Reggie Kray sont nés le 24 octobre 1933 à Hoxton, dans l'est de Londres, de Charles David Kray (10 mars 1907 - 8 mars 1983), marchand d'or, et de Violet Annie Lee (5 août 1909 - 4 août 1982).",
"C'étaient de vrais jumeaux, Reggie étant né 10 minutes avant Ronnie. Leurs parents avaient déjà un fils de six ans, Charles James (9 juillet 1927 - 4 avril 2000). Une sœur, Violet (née en 1929), est décédée en bas âge. Quand les jumeaux avaient trois ans, ils ont contracté la diphtérie. Ronnie a failli mourir en 1942 des suites d'un traumatisme crânien subi lors d'un combat avec Reggie.",
"Les jumeaux Kray étaient connus pour leur gang et sa violence, et ont évité de peu d'être envoyés en prison à plusieurs reprises. Les jeunes hommes étaient enrôlés pour le service national à cette époque et ils furent appelés à servir dans les Royal Fusiliers en 1952. Ils se présentèrent, mais tentèrent de partir après seulement quelques minutes. Le caporal responsable a tenté de les arrêter, mais Ronnie l'a frappé au menton, le laissant grièvement blessé, et les Kray sont retournés à l'East End. Ils ont été arrêtés le lendemain matin et remis à l'armée.",
"Leurs casiers judiciaires et leurs licenciements déshonorants ont mis fin à leur carrière de boxeur et les frères se sont tournés vers le crime à plein temps. Ils ont acheté un club de snooker délabré à Bethnal Green où ils ont lancé plusieurs raquettes de protection. À la fin des années 1950, les Kray travaillaient pour Jay Murray de Liverpool et étaient impliqués dans des détournements d'avion, des vols à main armée et des incendies criminels, grâce auxquels ils ont acquis d'autres clubs et propriétés. En 1960, Ronnie Kray a été emprisonné pendant 18 mois pour trafic de protection et menaces associées. Alors qu'il était en prison, Peter Rachman, chef d'une opération de propriétaire violent, a donné à Reggie une discothèque appelée Esmeralda's Barn, à l'extrémité Knightsbridge de Wilton Place, à côté d'un bistro appelé Joan's Kitchen. L'emplacement est l'endroit où se trouve actuellement l'hôtel Berkeley.",
"– Ronnie Kray, dans son autobiographie My Story",
"Le 12 décembre 1966, les Kray ont aidé Frank Mitchell, \"le Mad Axeman\", à s'échapper de la prison de Dartmoor. Ronnie s'était lié d'amitié avec Mitchell alors qu'ils purgeaient une peine ensemble à la prison de Wandsworth. Mitchell a estimé que les autorités devraient examiner son dossier en vue d'une libération conditionnelle, alors Ronnie a pensé qu'il lui rendrait service en le faisant quitter Dartmoor, en mettant en avant son cas dans les médias et en forçant les autorités à agir.",
"Ronnie Kray a tiré et tué George Cornell, un associé des Richardson, chefs d'un gang rival. Le meurtre a eu lieu au pub Blind Beggar à Whitechapel le 9 mars 1966. Ronnie buvait dans un autre pub lorsqu'il a appris l'emplacement de Cornell. Il s'y rendit avec le chauffeur de son frère, John Dickson, et son assistant Ian Barrie, mais tua Cornell seul. Juste avant de mourir, Cornell a déclaré : « Eh bien, regardez qui est ici. »",
"On pensait qu'il avait participé au meurtre de l'ancien associé de Ronnie, Richard Hart.",
"Ronnie Kray souffrait déjà de schizophrénie paranoïaque au moment du meurtre.",
"Selon certaines sources, Ronnie a tué Cornell parce que Cornell avait qualifié Ronnie de « gros pouf » lors d'une confrontation entre les Krays et le gang Richardson au Astor Club le jour de Noël 1965. La confrontation a abouti à une guerre des gangs et l'associé de Ronnie, Richard Hart a été assassiné au « Mr Smith's Club » à Catford le 8 mars 1966. Frankie Fraser, membre du gang Richardson, « Mad » a été traduit en justice pour le meurtre de Hart mais a été déclaré non coupable. Ray \"The Belgian\" Cullinane, membre du gang Richardson, a témoigné avoir vu Cornell donner un coup de pied à Hart. Les témoins n'ont pas voulu coopérer avec la police dans le cas de Hart en raison d'intimidations, et le procès s'est terminé de manière peu concluante sans désigner aucun suspect en particulier.",
"Cornell a été le seul à échapper à la bagarre sans blessures graves et a probablement été soupçonné par Ronnie d'avoir joué un rôle important dans le meurtre de Hart. Mais au tribunal, Ronnie a nié avoir été insulté et que le meurtre avait eu pour but de venger la mort de Hart. Au lieu de cela, il a affirmé que la raison du meurtre était que Cornell avait menacé les frères Kray.",
"Les activités criminelles des Kray sont restées cachées derrière leur statut de célébrité et leurs activités « légitimes ». Reggie aurait été encouragé par son frère en octobre 1967, quatre mois après le suicide de sa femme Frances, à tuer Jack \"the Hat\" McVitie, un membre mineur du gang Kray qui n'avait pas rempli un contrat de 1 000 £ qui lui avait été payé en 1967. avancez pour tuer Leslie Payne. McVitie a été attiré dans un appartement au sous-sol d'Evering Road, Stoke Newington, sous prétexte d'une fête. En entrant, il vit Ronnie Kray assis dans la pièce de devant. Alors que Ronnie s'approchait de lui, il a lâché un barrage de violence verbale et l'a coupé sous l'œil avec un morceau de verre brisé. On pense qu'une dispute a alors éclaté entre les jumeaux et McVitie. Alors que la dispute devenait de plus en plus vive, Reggie Kray a pointé une arme de poing sur la tête de McVitie et a appuyé sur la gâchette à deux reprises, mais l'arme n'a pas réussi à se décharger.",
"Ronnie et Reggie Kray ont été autorisés à assister aux funérailles de leur mère Violet le 11 août 1982 (elle était décédée d'un cancer la semaine précédente), sous haute sécurité. Cependant, ils n'ont pas été autorisés à se rendre à la tombe, qui se trouvait au cimetière de Chingford Mount, dans l'est de Londres, où elle a été enterrée dans le terrain de la famille Kray. Les funérailles ont réuni des célébrités, dont Diana Dors et des personnalités de la pègre connues des Kray. Les jumeaux n'ont pas demandé à assister aux funérailles de leur père lorsque celui-ci est décédé en mars 1983, pour éviter la publicité qui avait entouré les funérailles de leur mère.",
"Ronnie Kray était un prisonnier de catégorie A, privé de presque toutes les libertés et interdit de se mêler aux autres prisonniers. Il a finalement été certifié fou en 1979 et a vécu le reste de sa vie à l'hôpital Broadmoor de Crowthorne, dans le Berkshire. Reggie Kray a été enfermé à la prison de Maidstone pendant 8 ans (catégorie B). Au cours de ses dernières années, il a été rétrogradé en catégorie C et transféré à la prison de Wayland à Norfolk.",
"Dans son livre My Story et dans un commentaire à l'écrivain Robin McGibbon sur The Kray Tapes, Ronnie déclare : « Je suis bisexuel, pas gay. Bisexuel. » Il prévoyait également d'épouser une femme nommée Monica dans les années 1960 avec qui il sortait depuis près de trois ans. Il l'appelait \"la plus belle femme qu'il ait jamais vue\". Ceci est mentionné dans le livre de Reggie, Born Fighter. En outre, des extraits sont mentionnés dans le propre livre de Ron, My Story, et dans les livres de Kate Kray, Sorted ; Meurtre, folie et mariage, et enfin libre.",
"Ronnie a été arrêté avant d'avoir eu la chance d'épouser Monica et, même si elle a épousé l'ex-petit ami de Ronnie, 59 lettres qui lui ont été envoyées entre mai et décembre 1968, alors qu'il était emprisonné, montrent que Ronnie avait toujours des sentiments pour elle et que son amour pour elle était très clair. Il l'appelait « mon petit ange » et « ma petite poupée ». Elle avait aussi toujours des sentiments pour Ronnie. Ces lettres ont été mises aux enchères en 2010.",
"Une lettre, envoyée depuis la prison en 1968, de Ronnie à sa mère Violet fait également référence à Monica ; \"S'ils me laissaient voir Monica et me mettaient avec Reg, je ne pourrais pas demander plus.\" Il a poursuivi en disant, avec des fautes d'orthographe, \"Monica est la seule fille que j'ai aimé dans ma vie. C'est une charmante petite personne comme vous le savez. Quand vous la verrez, dites-lui que je suis amoureux d'elle plus que jamais. \" Ron s'est ensuite marié deux fois, épousant Elaine Mildener en 1985 à la chapelle de Broadmoor avant que le couple ne divorce en 1989, après quoi il a épousé Kate Howard, dont il a divorcé en 1994.",
"En 1997, Reggie a épousé Roberta Jones qu'il a rencontrée alors qu'il était encore en prison. Elle aidait à faire connaître un film en cours sur Ronnie.",
"Dans une interview avec l'auteur John Pearson, Ronnie a indiqué qu'il s'identifiait au soldat Gordon de Khartoum du XIXe siècle : « Gordon était comme moi, homosexuel, et il a rencontré la mort comme un homme. Quand il sera temps pour moi de partir, j'espère que je faire de même.\"",
"Il y a eu une campagne de longue date, avec le soutien de quelques célébrités mineures, pour obtenir la libération des jumeaux de prison, mais les ministres de l'Intérieur successifs ont opposé leur veto à l'idée, en grande partie au motif que les dossiers pénitentiaires des deux Kray étaient entachés de violence envers d'autres détenus. La campagne a pris de l'ampleur après la sortie d'un film basé sur leur vie intitulé The Krays (1990). Produit par Ray Burdis, il mettait en vedette les frères Martin et Gary Kemp du Spandau Ballet, qui jouaient respectivement les rôles de Reggie et Ronnie. Ronnie, Reggie et Charlie Kray ont reçu 255 000 £ pour le film.",
"Reggie a écrit: \"Il semble que j'ai parcouru un double chemin pendant la majeure partie de ma vie. Peut-être qu'un pas supplémentaire dans l'une de ces directions aurait pu me voir célébré plutôt que notoire.\" D'autres soulignent le passé violent de Reggie en prison alors qu'il était détenu séparément de Ronnie et affirment qu'en réalité, les tempéraments des jumeaux étaient peu différents.",
"Le mariage de Reggie avec Frances Shea (1944-1967) en 1965 a duré huit mois lorsqu'elle est partie, bien que le mariage n'ait jamais été officiellement dissous. Une enquête a conclu qu'elle s'était suicidée, mais en 2002, un ex-amant de Reggie Kray a affirmé que Frances avait en fait été assassinée par un Ronnie jaloux. Bradley Allardyce a passé 3 ans dans la prison de Maidstone avec Reggie et a expliqué : « J'étais assis dans ma cellule avec Reg et c'était une de ces nuits où nous baissions les lumières et mettions de la bonne musique et parfois il se souvenait. Il est devenu très profond et s'est ouvert à moi. Il s'est soudainement effondré et a dit : « Je vais vous dire quelque chose que je n'ai dit qu'à deux personnes et quelque chose que j'ai emporté avec moi » – quelque chose qui avait été un trou noir. depuis le jour où il l'a découvert. Il a mis sa tête sur mon épaule et m'a dit que Ronnie avait tué Frances. Il a raconté à Reggie ce qu'il avait fait deux jours plus tard.",
"Un documentaire télévisé britannique, The Gangster and the Pervert Peer (2009), a montré que Ronnie Kray était un violeur d'homme à homme (communément appelé dans les cercles criminels une « affaire occasionnelle »). Le programme a également détaillé sa relation avec son homologue conservateur Bob Boothby ainsi qu'une enquête en cours du Daily Mirror sur les relations de Lord Boothby avec les frères Kray.",
"Ronnie, qui purgeait toujours sa peine à l'hôpital pénitentiaire de Broadmoor, est décédé d'une crise cardiaque le 17 mars 1995 à l'âge de 61 ans à l'hôpital Wexham Park de Slough, dans le Berkshire.",
"Durant son incarcération, Reggie est devenu un chrétien né de nouveau. Il a été libéré de Wayland le 26 août 2000 après avoir purgé plus de 30 ans de prison que les 30 ans recommandés pour lesquels il avait été condamné en mars 1969. Il avait 66 ans et a été libéré pour des raisons humanitaires pour un cancer de la vessie inopérable. Les dernières semaines de sa vie ont été passées avec sa femme Roberta, qu'il avait épousée alors qu'il était incarcéré à la prison de Maidstone en juillet 1997, dans une suite du Townhouse Hotel à Norwich, après avoir quitté l'hôpital de Norwich le 22 septembre 2000. Le 1er octobre 2000, Reggie est mort dans son sommeil. Dix jours plus tard, il a été enterré à côté de son frère Ronnie au cimetière de Chingford Mount.",
"* The Krays (1990), film biographique mettant en vedette Gary Kemp du Spandau Ballet dans le rôle de Ronnie et Martin Kemp dans le rôle de Reggie",
"* The Rise of the Krays (2015), un film à petit budget mettant en vedette Simon Cotton dans le rôle de Ronnie et Kevin Leslie dans le rôle de Reggie",
"* Legend (2015), un biopic mettant en vedette Tom Hardy dans le rôle de Ronnie et Reggie",
"* La Chute des Krays (2016), une suite à petit budget du film précédent de 2015, avec à nouveau Simon Cotton dans le rôle de Ronnie et Kevin Leslie dans le rôle de Reggie.",
"En plus des films explicitement sur les jumeaux, James Fox a rencontré Ronnie alors que les jumeaux étaient détenus à la prison HM de Brixton dans le cadre de ses recherches pour son rôle dans le film Performance de 1970, et Richard Burton a rendu visite à Ronnie à Broadmoor dans le cadre de sa préparation pour son rôle dans le film Performance de 1970. rôle de gangster gay violent dans le film Villain de 1971.",
"* Ronnie Kray est mentionné dans la chanson de Blur \"Charmless Man\", dans la phrase : \"Je pense qu'il aurait aimé être Ronnie Kray\".",
"* L'ancien chanteur des Smiths et artiste solo Morrissey mentionne chaque frère Kray par son nom dans sa chanson « The Last of the Famous International Playboys » en disant : « Reggie Kray, connaissez-vous mon nom ? et \"Ronnie Kray, tu connais mon visage?\". Il a été rapporté que Morrissey avait envoyé une couronne aux funérailles de Reggie Kray en 2000.",
"* La série télévisée dramatique Whitechapel comprend une mini-série de trois épisodes qui a été diffusée pour la première fois le 11 octobre 2010. Dans cette série, les frères jumeaux ont été décrits comme les fils biologiques présumés de Ronnie Kray."
] | Les frères jumeaux Ronald "Ronnie" Kray (24 octobre 1933 - 17 mars 1995) et Reginald "Reggie" Kray (24 octobre 1933 - 1er octobre 2000) étaient des gangsters anglais qui furent les principaux auteurs du crime organisé dans l'East End de Londres pendant la Années 1950 et 1960. Avec leur gang, la Firme, les Krays ont été impliqués dans des vols à main armée, des incendies criminels, des rackets de protection, des agressions et les meurtres de Jack "the Hat" McVitie et George Cornell.
En tant que propriétaires de boîtes de nuit du West End, ils se sont mêlés à des politiciens et à des artistes de premier plan tels que Diana Dors, Frank Sinatra et Judy Garland. Les Krays étaient très redoutés au sein de leur environnement social ; dans les années 1960, ils sont devenus des célébrités, étant même photographiés par David Bailey et interviewés à la télévision.
Ils ont été arrêtés le 8 mai 1968 et condamnés en 1969, grâce aux efforts de détectives dirigés par le surintendant-détective Leonard "Nipper" Read. Tous deux ont été condamnés à la réclusion à perpétuité. Ronnie est resté à l'hôpital Broadmoor jusqu'à sa mort le 17 mars 1995 ; Reggie a été libéré de prison pour des raisons humanitaires en août 2000, huit semaines avant sa mort d'un cancer.
Début de la vie
Ronnie et Reggie Kray sont nés le 24 octobre 1933 à Hoxton, dans l'est de Londres, de Charles David Kray (10 mars 1907 - 8 mars 1983), marchand d'or, et de Violet Annie Lee (5 août 1909 - 4 août 1982).
C'étaient de vrais jumeaux, Reggie étant né 10 minutes avant Ronnie. Leurs parents avaient déjà un fils de six ans, Charles James (9 juillet 1927 - 4 avril 2000). Une sœur, Violet (née en 1929), est décédée en bas âge. Quand les jumeaux avaient trois ans, ils ont contracté la diphtérie. Ronnie a failli mourir en 1942 des suites d'un traumatisme crânien subi lors d'un combat avec Reggie.
Les jumeaux ont d’abord fréquenté l’école Wood Close à Brick Lane, puis l’école Daniel Street. En 1938, la famille Kray a déménagé de Stean Street à Hoxton au 178 Vallance Road à Bethnal Green. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Charles Kray, 32 ans, a été enrôlé dans l'armée, mais il a refusé d'y aller et s'est caché.
L'influence de leur grand-père maternel, Jimmy "Cannonball" Lee, a amené les frères à se lancer dans la boxe amateur, alors un passe-temps populaire pour les garçons de la classe ouvrière de l'East End. La rivalité fraternelle les a stimulés et tous deux ont obtenu un certain succès. On dit qu’ils n’ont jamais perdu un match avant de devenir professionnels à 19 ans.
Service national
Les jumeaux Kray étaient connus pour leur gang et sa violence, et ont évité de peu d'être envoyés en prison à plusieurs reprises. Les jeunes hommes étaient enrôlés pour le service national à cette époque et ils furent appelés à servir dans les Royal Fusiliers en 1952. Ils se présentèrent, mais tentèrent de partir après seulement quelques minutes. Le caporal responsable a tenté de les arrêter, mais Ronnie l'a frappé au menton, le laissant grièvement blessé, et les Kray sont retournés à l'East End. Ils ont été arrêtés le lendemain matin et remis à l'armée.
Alors qu'ils étaient absents sans autorisation, ils ont agressé un agent de police qui tentait de les arrêter. Ils faisaient partie des derniers prisonniers détenus à la Tour de Londres avant d'être transférés à la prison militaire de Shepton Mallet dans le Somerset pendant un mois en attendant leur cour martiale. Ils ont été reconnus coupables et envoyés à la prison Home Counties Brigade Depot à Canterbury, Kent.
Leur comportement en prison était si mauvais qu'ils ont tous deux reçu des renvois déshonorants de l'armée. Ils ont tenté de dominer la zone d'exercice à l'extérieur de leur cellule individuelle pendant leurs quelques semaines de prison, lorsque leur condamnation était certaine. Ils ont fait des crises de colère, ont vidé le seau de leurs latrines sur un sergent, ont jeté un dixie (un grand récipient de nourriture et de liquide) rempli de thé chaud sur un autre garde, ont menotté un garde aux barreaux de leur prison avec une paire de menottes volées et ont posé leur literie. feu.
Ils ont été transférés dans une cellule commune où ils ont agressé leur garde avec un vase en porcelaine et se sont enfuis. Ils ont été rapidement repris et attendaient d'être transférés aux autorités civiles pour les crimes commis alors qu'ils étaient en liberté ; ils ont passé leur dernière nuit à Canterbury à boire du cidre, à manger des chips et à fumer des cigarillos, gracieuseté des jeunes militaires nationaux qui leur servaient de gardes.
Carrières criminelles
Propriétaires de boîtes de nuit
Leurs casiers judiciaires et leurs licenciements déshonorants ont mis fin à leur carrière de boxeur et les frères se sont tournés vers le crime à plein temps. Ils ont acheté un club de snooker délabré à Bethnal Green où ils ont lancé plusieurs raquettes de protection. À la fin des années 1950, les Kray travaillaient pour Jay Murray de Liverpool et étaient impliqués dans des détournements d'avion, des vols à main armée et des incendies criminels, grâce auxquels ils ont acquis d'autres clubs et propriétés. En 1960, Ronnie Kray a été emprisonné pendant 18 mois pour trafic de protection et menaces associées. Alors qu'il était en prison, Peter Rachman, chef d'une opération de propriétaire violent, a donné à Reggie une discothèque appelée Esmeralda's Barn, à l'extrémité Knightsbridge de Wilton Place, à côté d'un bistro appelé Joan's Kitchen. L'emplacement est l'endroit où se trouve actuellement l'hôtel Berkeley.
Cela a accru l'influence des Kray dans le West End en faisant d'eux des célébrités ainsi que des criminels. Ils étaient assistés par un banquier nommé Alan Cooper qui souhaitait se protéger contre les rivaux des Kray, les Richardson, basés dans le sud de Londres.
Statut de célébrité
Dans les années 1960, ils étaient largement considérés comme des propriétaires de boîtes de nuit célèbres et prospères et faisaient partie de la scène Swinging London. Une grande partie de leur renommée était due à leurs activités non criminelles en tant que personnalités populaires du circuit des célébrités, photographiées par David Bailey à plusieurs reprises et socialisant avec des seigneurs, des députés, des mondains et des personnages du show business, y compris les acteurs George. Raft, Judy Garland, Diana Dors, Barbara Windsor et le chanteur Frank Sinatra.
Ce furent les plus belles années de notre vie. Ils les appelaient les swinging sixties. Les Beatles et les Rolling Stones étaient les dirigeants de la musique pop, Carnaby Street dirigeait le monde de la mode... et mon frère et moi dirigeions Londres. Nous étions putain d'intouchables...
– Ronnie Kray, dans son autobiographie My Story
Lord Boothby et Tom Driberg
Les Kray ont également attiré l'attention du public lorsqu'un article paru dans le tabloïd Sunday Mirror a allégué que Ron avait eu une relation sexuelle avec Robert Lord Boothby, un homme politique conservateur. Aucun nom n'a été publié, mais les jumeaux ont menacé les journalistes impliqués et Boothby a menacé de poursuivre en justice, et le journal a fait marche arrière. Il a limogé le rédacteur en chef, publié des excuses et payé à Boothby 40 000 £ dans le cadre d'un règlement à l'amiable. Pour cette raison, d'autres journaux n'étaient pas disposés à révéler les relations et les activités criminelles des Kray. Beaucoup plus tard, Channel 4 a établi la véracité des allégations et a publié un documentaire sur le sujet intitulé The Gangster and the Pervert Peer (2009).
La police a enquêté sur les Kray à plusieurs reprises, mais la réputation de violence des frères a fait que les témoins ont eu peur de témoigner. Il y avait également un problème pour les deux principaux partis politiques. Le Parti conservateur n'était pas disposé à faire pression sur la police pour qu'elle mette fin au pouvoir des Kray, de peur que la connexion avec Boothby ne soit à nouveau médiatisée, et le député du Parti travailliste Tom Driberg aurait également eu une relation avec Ron Kray.
Frank Mitchell
Le 12 décembre 1966, les Kray ont aidé Frank Mitchell, "le Mad Axeman", à s'échapper de la prison de Dartmoor. Ronnie s'était lié d'amitié avec Mitchell alors qu'ils purgeaient une peine ensemble à la prison de Wandsworth. Mitchell a estimé que les autorités devraient examiner son dossier en vue d'une libération conditionnelle, alors Ronnie a pensé qu'il lui rendrait service en le faisant quitter Dartmoor, en mettant en avant son cas dans les médias et en forçant les autorités à agir.
Une fois Mitchell sorti de Dartmoor, les Kray l'ont retenu dans l'appartement d'un ami à Barking Road, East Ham. C'était un homme de grande taille, souffrant de troubles mentaux et difficile à contrôler. Il a disparu, mais les Kray ont été acquittés de son meurtre. Freddie Foreman, un ancien membre du cabinet, a affirmé dans son autobiographie Respect qu'il avait tiré sur Mitchell et jeté son corps en mer.
Georges Cornell
Ronnie Kray a tiré et tué George Cornell, un associé des Richardson, chefs d'un gang rival. Le meurtre a eu lieu au pub Blind Beggar à Whitechapel le 9 mars 1966. Ronnie buvait dans un autre pub lorsqu'il a appris l'emplacement de Cornell. Il s'y rendit avec le chauffeur de son frère, John Dickson, et son assistant Ian Barrie, mais tua Cornell seul. Juste avant de mourir, Cornell a déclaré : « Eh bien, regardez qui est ici. »
Différents motifs sont avancés pour le meurtre :
La position de Cornell en tant que chef d'un gang adverse
Il menaçait les Krays
Il avait déjà insulté Kray
On pensait qu'il avait participé au meurtre de l'ancien associé de Ronnie, Richard Hart.
Ronnie Kray souffrait déjà de schizophrénie paranoïaque au moment du meurtre.
Selon certaines sources, Ronnie a tué Cornell parce que Cornell avait qualifié Ronnie de « gros pouf » lors d'une confrontation entre les Krays et le gang Richardson au Astor Club le jour de Noël 1965. La confrontation a abouti à une guerre des gangs et l'associé de Ronnie, Richard Hart a été assassiné au « Mr Smith's Club » à Catford le 8 mars 1966. Frankie Fraser, membre du gang Richardson, « Mad » a été traduit en justice pour le meurtre de Hart mais a été déclaré non coupable. Ray "The Belgian" Cullinane, membre du gang Richardson, a témoigné avoir vu Cornell donner un coup de pied à Hart. Les témoins n'ont pas voulu coopérer avec la police dans le cas de Hart en raison d'intimidations, et le procès s'est terminé de manière peu concluante sans désigner aucun suspect en particulier.
Cornell a été le seul à échapper à la bagarre sans blessures graves et a probablement été soupçonné par Ronnie d'avoir joué un rôle important dans le meurtre de Hart. Mais au tribunal, Ronnie a nié avoir été insulté et que le meurtre avait eu pour but de venger la mort de Hart. Au lieu de cela, il a affirmé que la raison du meurtre était que Cornell avait menacé les frères Kray.
Jack "le chapeau" McVitie
Les activités criminelles des Kray sont restées cachées derrière leur statut de célébrité et leurs activités « légitimes ». Reggie aurait été encouragé par son frère en octobre 1967, quatre mois après le suicide de sa femme Frances, à tuer Jack "the Hat" McVitie, un membre mineur du gang Kray qui n'avait pas rempli un contrat de 1 000 £ qui lui avait été payé en 1967. avancez pour tuer Leslie Payne. McVitie a été attiré dans un appartement au sous-sol d'Evering Road, Stoke Newington, sous prétexte d'une fête. En entrant, il vit Ronnie Kray assis dans la pièce de devant. Alors que Ronnie s'approchait de lui, il a lâché un barrage de violence verbale et l'a coupé sous l'œil avec un morceau de verre brisé. On pense qu'une dispute a alors éclaté entre les jumeaux et McVitie. Alors que la dispute devenait de plus en plus vive, Reggie Kray a pointé une arme de poing sur la tête de McVitie et a appuyé sur la gâchette à deux reprises, mais l'arme n'a pas réussi à se décharger.
McVitie a ensuite été tenu dans un câlin et Reggie Kray a reçu un couteau à découper. Il a poignardé McVitie au visage et au ventre, enfonçant la lame dans son cou tout en tordant le couteau, sans s'arrêter alors même que McVitie gisait sur le sol en train de mourir. Cependant, on pensait que Reggie n'avait jamais eu l'intention de tuer McVitie et il a été attiré au sous-sol pour être remis en ordre par les jumeaux, pas tué.
Plusieurs autres membres du Cabinet, dont les frères Tony et Chris Lambrianou, ont été reconnus coupables de cela. Dans la biographie de Tony Lambrianou, il affirme que lorsque Reggie a poignardé Jack, son foie est sorti et il a dû le jeter dans les toilettes. Le corps de McVitie n'a jamais été retrouvé.
Arrestation et procès
L'inspecteur Leonard "Nipper" Read de Scotland Yard a été promu à la Murder Squad et sa première mission était de faire tomber les jumeaux Kray. Ce n'était pas sa première implication avec eux. Au cours de la première moitié de 1964, Read avait enquêté sur leurs activités, mais la publicité et les déni officiels de la relation de Ron avec Boothby rendaient inutiles les preuves qu'il avait rassemblées. Read s'en est pris aux jumeaux avec une activité renouvelée en 1967, mais s'est fréquemment heurté au « mur du silence » de l'East End qui décourageait quiconque de fournir des informations à la police.
Néanmoins, à la fin de 1967, Read avait rassemblé suffisamment de preuves contre les Kray. Les déclarations des témoins les ont incriminés, tout comme d'autres éléments de preuve, mais aucun n'a apporté de preuve convaincante sur une quelconque accusation.
Au début de 1968, les Kray employèrent un homme nommé Alan Bruce Cooper qui envoya Paul Elvey à Glasgow pour acheter des explosifs pour une voiture piégée. Elvey était l'ingénieur radio qui a lancé Radio Sutch en 1964, rebaptisée plus tard Radio City. La police l'a arrêté en Écosse et il a avoué avoir été impliqué dans trois tentatives de meurtre. Les preuves ont été affaiblies par Cooper, qui a affirmé qu'il était un agent du département du Trésor américain enquêtant sur les liens entre la mafia américaine et le gang Kray. Les meurtres bâclés étaient sa tentative de rejeter la faute sur les Kray. Cooper était employé comme source par l'un des officiers supérieurs de Read, et Read a essayé de l'utiliser comme piège pour les Krays, mais ils l'ont évité.
Condamnation et emprisonnement
Finalement, une conférence de Scotland Yard a décidé d'arrêter les Kray sur la base des preuves déjà recueillies, dans l'espoir que d'autres témoins se présenteraient une fois les Kray en détention. Le 8 mai 1968, les Kray et 15 autres membres de leur « entreprise » sont arrêtés. De nombreux témoins se sont manifestés maintenant que le règne d'intimidation des Kray était terminé, et il était relativement facile d'obtenir une condamnation. Les Kray et 14 autres personnes ont été reconnus coupables, et un membre du cabinet a été acquitté. L'un des membres du cabinet, arrêté pour une courte période, a fourni de nombreuses informations à la police.
La défense des jumeaux, sous la direction de leur avocat John Platts-Mills, QC, a consisté à nier catégoriquement toutes les accusations et à discréditer les témoins en soulignant leur passé criminel. Le juge Melford Stevenson a déclaré : « À mon avis, la société a mérité une pause dans vos activités. » Tous deux ont été condamnés à la réclusion à perpétuité, avec une période sans libération conditionnelle de 30 ans pour les meurtres de Cornell et McVitie, les peines les plus longues jamais prononcées par l'Old Bailey (Cour pénale centrale de Londres) pour meurtre. Leur frère Charlie a été emprisonné pendant 10 ans pour son rôle dans les meurtres.
Des années plus tard
Ronnie et Reggie Kray ont été autorisés à assister aux funérailles de leur mère Violet le 11 août 1982 (elle était décédée d'un cancer la semaine précédente), sous haute sécurité. Cependant, ils n'ont pas été autorisés à se rendre à la tombe, qui se trouvait au cimetière de Chingford Mount, dans l'est de Londres, où elle a été enterrée dans le terrain de la famille Kray. Les funérailles ont réuni des célébrités, dont Diana Dors et des personnalités de la pègre connues des Kray. Les jumeaux n'ont pas demandé à assister aux funérailles de leur père lorsque celui-ci est décédé en mars 1983, pour éviter la publicité qui avait entouré les funérailles de leur mère.
En 1985, les responsables de l'hôpital Broadmoor ont découvert une carte de visite de Ron, ce qui a déclenché une enquête. Il a révélé que les jumeaux – incarcérés dans des établissements distincts – exploitaient « une activité lucrative de garde du corps et de « protection » pour les stars d'Hollywood », avec leur frère aîné Charlie Kray et un complice non incarcéré. Des documents publiés dans le cadre des lois sur la liberté d'information ont révélé que les responsables étaient préoccupés par cette opération, appelée Krayleigh Enterprises, mais estimaient qu'il n'y avait aucune base légale pour la fermer. La documentation de l'enquête a montré que Frank Sinatra avait embauché 18 gardes du corps de Krayleigh Enterprises en 1985.
Ronnie Kray était un prisonnier de catégorie A, privé de presque toutes les libertés et interdit de se mêler aux autres prisonniers. Il a finalement été certifié fou en 1979 et a vécu le reste de sa vie à l'hôpital Broadmoor de Crowthorne, dans le Berkshire. Reggie Kray a été enfermé à la prison de Maidstone pendant 8 ans (catégorie B). Au cours de ses dernières années, il a été rétrogradé en catégorie C et transféré à la prison de Wayland à Norfolk.
Vies personnelles
Dans son livre My Story et dans un commentaire à l'écrivain Robin McGibbon sur The Kray Tapes, Ronnie déclare : « Je suis bisexuel, pas gay. Bisexuel. » Il prévoyait également d'épouser une femme nommée Monica dans les années 1960 avec qui il sortait depuis près de trois ans. Il l'appelait "la plus belle femme qu'il ait jamais vue". Ceci est mentionné dans le livre de Reggie, Born Fighter. En outre, des extraits sont mentionnés dans le propre livre de Ron, My Story, et dans les livres de Kate Kray, Sorted ; Meurtre, folie et mariage, et enfin libre.
Ronnie a été arrêté avant d'avoir eu la chance d'épouser Monica et, même si elle a épousé l'ex-petit ami de Ronnie, 59 lettres qui lui ont été envoyées entre mai et décembre 1968, alors qu'il était emprisonné, montrent que Ronnie avait toujours des sentiments pour elle et que son amour pour elle était très clair. Il l'appelait « mon petit ange » et « ma petite poupée ». Elle avait aussi toujours des sentiments pour Ronnie. Ces lettres ont été mises aux enchères en 2010.
Une lettre, envoyée depuis la prison en 1968, de Ronnie à sa mère Violet fait également référence à Monica ; "S'ils me laissaient voir Monica et me mettaient avec Reg, je ne pourrais pas demander plus." Il a poursuivi en disant, avec des fautes d'orthographe, "Monica est la seule fille que j'ai aimé dans ma vie. C'est une charmante petite personne comme vous le savez. Quand vous la verrez, dites-lui que je suis amoureux d'elle plus que jamais. " Ron s'est ensuite marié deux fois, épousant Elaine Mildener en 1985 à la chapelle de Broadmoor avant que le couple ne divorce en 1989, après quoi il a épousé Kate Howard, dont il a divorcé en 1994.
En 1997, Reggie a épousé Roberta Jones qu'il a rencontrée alors qu'il était encore en prison. Elle aidait à faire connaître un film en cours sur Ronnie.
Dans une interview avec l'auteur John Pearson, Ronnie a indiqué qu'il s'identifiait au soldat Gordon de Khartoum du XIXe siècle : « Gordon était comme moi, homosexuel, et il a rencontré la mort comme un homme. Quand il sera temps pour moi de partir, j'espère que je faire de même."
Controverses
Il y a eu une campagne de longue date, avec le soutien de quelques célébrités mineures, pour obtenir la libération des jumeaux de prison, mais les ministres de l'Intérieur successifs ont opposé leur veto à l'idée, en grande partie au motif que les dossiers pénitentiaires des deux Kray étaient entachés de violence envers d'autres détenus. La campagne a pris de l'ampleur après la sortie d'un film basé sur leur vie intitulé The Krays (1990). Produit par Ray Burdis, il mettait en vedette les frères Martin et Gary Kemp du Spandau Ballet, qui jouaient respectivement les rôles de Reggie et Ronnie. Ronnie, Reggie et Charlie Kray ont reçu 255 000 £ pour le film.
Reggie a écrit: "Il semble que j'ai parcouru un double chemin pendant la majeure partie de ma vie. Peut-être qu'un pas supplémentaire dans l'une de ces directions aurait pu me voir célébré plutôt que notoire." D'autres soulignent le passé violent de Reggie en prison alors qu'il était détenu séparément de Ronnie et affirment qu'en réalité, les tempéraments des jumeaux étaient peu différents.
Le mariage de Reggie avec Frances Shea (1944-1967) en 1965 a duré huit mois lorsqu'elle est partie, bien que le mariage n'ait jamais été officiellement dissous. Une enquête a conclu qu'elle s'était suicidée, mais en 2002, un ex-amant de Reggie Kray a affirmé que Frances avait en fait été assassinée par un Ronnie jaloux. Bradley Allardyce a passé 3 ans dans la prison de Maidstone avec Reggie et a expliqué : « J'étais assis dans ma cellule avec Reg et c'était une de ces nuits où nous baissions les lumières et mettions de la bonne musique et parfois il se souvenait. Il est devenu très profond et s'est ouvert à moi. Il s'est soudainement effondré et a dit : « Je vais vous dire quelque chose que je n'ai dit qu'à deux personnes et quelque chose que j'ai emporté avec moi » – quelque chose qui avait été un trou noir. depuis le jour où il l'a découvert. Il a mis sa tête sur mon épaule et m'a dit que Ronnie avait tué Frances. Il a raconté à Reggie ce qu'il avait fait deux jours plus tard.
Un documentaire télévisé britannique, The Gangster and the Pervert Peer (2009), a montré que Ronnie Kray était un violeur d'homme à homme (communément appelé dans les cercles criminels une « affaire occasionnelle »). Le programme a également détaillé sa relation avec son homologue conservateur Bob Boothby ainsi qu'une enquête en cours du Daily Mirror sur les relations de Lord Boothby avec les frères Kray.
Décès
Ronnie, qui purgeait toujours sa peine à l'hôpital pénitentiaire de Broadmoor, est décédé d'une crise cardiaque le 17 mars 1995 à l'âge de 61 ans à l'hôpital Wexham Park de Slough, dans le Berkshire.
Durant son incarcération, Reggie est devenu un chrétien né de nouveau. Il a été libéré de Wayland le 26 août 2000 après avoir purgé plus de 30 ans de prison que les 30 ans recommandés pour lesquels il avait été condamné en mars 1969. Il avait 66 ans et a été libéré pour des raisons humanitaires pour un cancer de la vessie inopérable. Les dernières semaines de sa vie ont été passées avec sa femme Roberta, qu'il avait épousée alors qu'il était incarcéré à la prison de Maidstone en juillet 1997, dans une suite du Townhouse Hotel à Norwich, après avoir quitté l'hôpital de Norwich le 22 septembre 2000. Le 1er octobre 2000, Reggie est mort dans son sommeil. Dix jours plus tard, il a été enterré à côté de son frère Ronnie au cimetière de Chingford Mount.
Son frère aîné, Charlie Kray, a été libéré de prison en 1975 après avoir purgé sept ans, mais a été de nouveau condamné en 1997 pour complot en vue de faire passer clandestinement de la cocaïne dans le cadre d'une opération d'infiltration liée à la drogue. Il est décédé en prison de causes naturelles le 4 avril 2000, à l'âge de 73 ans.
Dans la culture populaire
Film
* The Krays (1990), film biographique mettant en vedette Gary Kemp du Spandau Ballet dans le rôle de Ronnie et Martin Kemp dans le rôle de Reggie
* The Rise of the Krays (2015), un film à petit budget mettant en vedette Simon Cotton dans le rôle de Ronnie et Kevin Leslie dans le rôle de Reggie
* Legend (2015), un biopic mettant en vedette Tom Hardy dans le rôle de Ronnie et Reggie
* La Chute des Krays (2016), une suite à petit budget du film précédent de 2015, avec à nouveau Simon Cotton dans le rôle de Ronnie et Kevin Leslie dans le rôle de Reggie.
En plus des films explicitement sur les jumeaux, James Fox a rencontré Ronnie alors que les jumeaux étaient détenus à la prison HM de Brixton dans le cadre de ses recherches pour son rôle dans le film Performance de 1970, et Richard Burton a rendu visite à Ronnie à Broadmoor dans le cadre de sa préparation pour son rôle dans le film Performance de 1970. rôle de gangster gay violent dans le film Villain de 1971.
Littérature
* Biographie
* autobiographie
* autobiographie
* autobiographie
* Autobiographie de Reggie Kray
Musique
* Ronnie Kray est mentionné dans la chanson de Blur "Charmless Man", dans la phrase : "Je pense qu'il aurait aimé être Ronnie Kray".
* Ray Davies répète la phrase "... et n'oubliez pas les jumeaux Kray" dans sa chanson "London", ajoutant plus tard, "des gens très dangereux, ces jumeaux Kray".
* L'ancien chanteur des Smiths et artiste solo Morrissey mentionne chaque frère Kray par son nom dans sa chanson « The Last of the Famous International Playboys » en disant : « Reggie Kray, connaissez-vous mon nom ? et "Ronnie Kray, tu connais mon visage?". Il a été rapporté que Morrissey avait envoyé une couronne aux funérailles de Reggie Kray en 2000.
* Renegade Soundwave a sorti son premier single, "Kray Twins", en 1986. Ils ont également enregistré une vidéo pour la chanson. Les paroles font référence au pub The Blind Beggar.
Télévision
* La série télévisée dramatique Whitechapel comprend une mini-série de trois épisodes qui a été diffusée pour la première fois le 11 octobre 2010. Dans cette série, les frères jumeaux ont été décrits comme les fils biologiques présumés de Ronnie Kray.
* Flying Circus de Monty Python a parodié les frères dans le rôle des gangsters ridiculement violents Doug et Dinsdale Piranha, et a relaté leur arrestation aux mains du commissaire de police/acteur amateur Harry "Snapper" Organs.
* Les jumeaux Kray étaient l'un des sujets du quatrième épisode de la version britannique de l'émission télévisée Drunk History.
Théâtre
Deux pièces ont été produites dans les années 1970, basées sur des versions à peine voilées des Krays :
*Alpha Alpha, de Howard Barker en 1972
* England England, une comédie musicale de Snoo Wilson avec la musique de Kevin Coyne et réalisée par Dusty Hughes en 1977, avec Bob Hoskins et Brian Hall dans les rôles principaux. | http://quiz4free.com/ |
Combien d’enfants Von Trapp y avait-il dans la Mélodie du bonheur ? | 7 | [
"Le film est sorti le 2 mars 1965 aux États-Unis, initialement sous la forme d'une sortie en salles limitée en tournée. La réponse critique au film a été largement mitigée, Bosley Crowther du New York Times le qualifiant de « non-sens et de sentiments romantiques », et Philip K. Scheuer du Los Angeles Times le décrivant comme « trois heures de brillance visuelle et vocale ». Le film fut un succès commercial majeur, devenant le film numéro un au box-office après quatre semaines et le film le plus rentable de 1965. En novembre 1966, La Mélodie du bonheur devint le film le plus rentable de tous les temps, dépassant Autant en emporte le film. le Vent – et a détenu cette distinction pendant cinq ans. Le film a été tout aussi populaire dans le monde entier, battant les précédents records du box-office dans vingt-neuf pays. Après une première sortie en salles de quatre ans et demi et deux rééditions réussies, le film a vendu 283,3 millions d'entrées dans le monde et a rapporté un total brut mondial de 286 214 076 $. Corrigé de l'inflation, le film a rapporté 2,366 milliards de dollars aux prix de 2014, soit le cinquième film le plus rentable de tous les temps.",
"L'histoire de La Mélodie du bonheur est basée sur les mémoires de Maria von Trapp, L'histoire des chanteurs de la famille Trapp, publiés en 1949 pour aider à promouvoir le groupe de chant de sa famille après la mort de son mari Georg en 1947. Les producteurs hollywoodiens ont exprimé leur intérêt pour l'achat du titre uniquement. , mais Maria a refusé, souhaitant que toute son histoire soit racontée. En 1956, le producteur allemand Wolfgang Liebeneiner acheta les droits du film pour 9 000 $ (), engagea George Hurdalek et Herbert Reinecker pour écrire le scénario et Franz Grothe pour superviser la bande originale, composée de chansons folkloriques traditionnelles autrichiennes. La famille Trapp est sortie en Allemagne de l'Ouest le 9 octobre 1956 et est devenue un succès majeur. Deux ans plus tard, Liebeneiner réalisa une suite, La Famille Trapp en Amérique, et les deux films devinrent les films les plus réussis en Allemagne de l'Ouest pendant les années d'après-guerre. Leur popularité s'est étendue à toute l'Europe et à l'Amérique du Sud.",
"La partition musicale originale de Rodgers et Hammerstein a été améliorée par deux nouvelles chansons de Richard Rodgers. L'arrangeur et chef d'orchestre Irwin Kostal a préenregistré les chansons avec un grand orchestre et des chanteurs sur scène avant le début du tournage, puis a adapté des passages de soulignement instrumentaux basés sur les chansons. Les chorégraphes Marc Breaux et Dee Dee Wood, qui avaient travaillé avec Andrews sur Mary Poppins, ont élaboré de toutes nouvelles séquences chorégraphiques intégrant de nombreux lieux et décors de Salzbourg. La Mélodie du bonheur a été tournée du 26 mars au 1er septembre 1964, avec des scènes extérieures tournées sur place à Salzbourg, en Autriche et dans la région environnante, et des scènes intérieures filmées dans les studios de la 20th Century Fox en Californie. Le film a été photographié en Todd-AO 70 mm par Ted McCord et produit avec le traitement DeLuxe Color et l'enregistrement sonore à six pistes.",
"Le tournage principal a commencé le 26 mars 1964 dans les studios de la 20th Century Fox à Los Angeles, où des scènes de la chambre de Maria, du cloître et du cimetière de l'abbaye ont été filmées. La société s'est ensuite envolée pour Salzbourg où le tournage a repris le 23 avril à l'abbaye de Mondsee pour les scènes de mariage. Du 25 avril au 22 mai, des scènes ont été tournées à la Felsenreitschule (concert du festival), à l'abbaye de Nonnberg, aux jardins du palais Mirabell, à la fontaine de la résidence et dans diverses rues du quartier de l'Altstadt (vieille ville) de la ville. Wise a fait face à l'opposition des dirigeants de la ville qui s'opposaient à ce qu'il organise des scènes avec des banderoles à croix gammée. Ils ont cédé après qu'il ait menacé d'inclure à la place de véritables images d'actualités de foules acclamant Hitler lors d'une visite dans la ville. Les jours où il pleuvait – un défi constant pour la société – Wise organisait le tournage de scènes à la chapelle St. Margarethen et aux studios Dürer (bureau de la Révérende Mère). Du 23 mai au 7 juin, la société a travaillé au château Leopoldskron et dans une propriété adjacente appelée Bertelsmann pour des scènes représentant la terrasse au bord du lac et les jardins de la villa von Trapp. Du 9 au 19 juin, des scènes ont été tournées au château de Frohnburg qui représentaient les façades avant et arrière de la villa. La scène du pique-nique \"Do-Re-Mi\" dans les montagnes a été filmée les 25 et 27 juin au-dessus de la ville de Werfen, dans la vallée de la Salzach. La séquence d'ouverture de Maria sur sa montagne a été filmée du 28 juin au 2 juillet au Mehlweg. près de la ville de Marktschellenberg en Bavière. La scène finale de la fuite de la famille von Trapp à travers les montagnes a été tournée à l'Obersalzberg dans les Alpes bavaroises.",
"Les acteurs et l'équipe sont rentrés à Los Angeles et ont repris le tournage dans les studios Fox le 6 juillet pour toutes les scènes restantes, y compris celles de la salle à manger, de la salle de bal, de la terrasse, du salon et du belvédère de la villa. Après les deux dernières scènes tournées dans le belvédère - pour les chansons \"Something Good\" et \"You Are Sixteen\" - le tournage principal s'est terminé le 1er septembre 1964. Au total, quatre-vingt-trois scènes ont été tournées en un peu plus de cinq mois. Les travaux de post-production ont commencé le 25 août avec trois semaines de doublage des dialogues pour corriger les lignes gâchées par divers bruits de la rue et la pluie. En octobre, la voix chantée de Christopher Plummer a été doublée par le chanteur vétéran de Disney, Bill Lee. Le film a ensuite été monté par Wise et le monteur William Reynolds. Une fois le film monté, Irwin Kostel, qui a orchestré les numéros musicaux, a souligné le film avec une musique de fond composée de variations sur les chansons originales de Rodgers et Hammerstein pour amplifier ou ajouter des nuances aux images visuelles. Une fois le doublage, le montage et la composition terminés, Wise a organisé deux avant-premières : la première a eu lieu à Minneapolis le vendredi 15 janvier 1965 au Mann Theatre et la seconde a eu lieu la nuit suivante à Tulsa. Malgré les réponses « sensationnelles » du public en avant-première, Wise a apporté quelques dernières modifications de montage avant de terminer le film. Selon les informations d'impression originales du film, la durée de la version de sortie en salles était de 174 minutes. Le film a finalement reçu la note G de la Motion Picture Association of America.",
"The Sound of Music a été filmé en 70 mm Todd-AO par Ted McCord et produit avec le traitement DeLuxe Color. Les images aériennes ont été photographiées avec une caméra MCS-70. Le son a été enregistré sur six pistes 70 mm à l'aide d'un système d'enregistrement Westrex. Les décors utilisés pour le film étaient basés sur les storyboards du dessinateur Maurice Zuberano, qui accompagna Wise en Autriche pour repérer les lieux de tournage en novembre 1963. Wise rencontra l'artiste pendant dix semaines et lui expliqua son objectif pour chaque scène : le le sentiment qu'il voulait transmettre et les images visuelles qu'il voulait utiliser. Lorsque Zuberano a terminé, il a fourni à Wise un ensemble complet de storyboards illustrant chaque scène et décor – des storyboards que le réalisateur a utilisés comme guide pendant le tournage. Les storyboards et les photos de lieux de Zuberano ont également été utilisés par le directeur artistique Boris Leven pour concevoir et construire tous les décors intérieurs originaux des studios Fox, ainsi que certains décors externes à Salzbourg. La villa von Trapp, par exemple, a en fait été filmée dans plusieurs lieux : les façades avant et arrière de la villa ont été filmées au château de Frohnburg, la terrasse et les jardins au bord du lac étaient un ensemble construit sur une propriété adjacente au château Leopoldskron appelée Bertelsmann, et le l'intérieur était un décor construit dans les studios Fox. Les scènes du belvédère de \"Something Good\" et \"Sixteen Going on Seventeen\" ont été filmées sur un décor reconstitué plus grand dans les studios Fox, tandis que certains plans du belvédère original ont été filmés sur le terrain du Schloss Leopoldskron à Salzbourg.",
"Robert Wise a embauché Mike Kaplan pour diriger la campagne publicitaire du film. Après avoir lu le scénario, Kaplan a choisi la ligne publicitaire \"Le son le plus heureux du monde\", qui apparaîtrait sur le matériel promotionnel et les illustrations. Kaplan a également fait appel à des agences extérieures pour travailler avec le service de publicité du studio afin de développer les illustrations promotionnelles, sélectionnant finalement une peinture de Howard Terpning représentant Andrews sur une prairie alpine avec son sac à tapis et son étui de guitare à la main avec les enfants et Plummer en arrière-plan. En février 1964, Kaplan commença à placer des annonces dans les journaux spécialisés Daily Variety, Weekly Variety et The Hollywood Reporter pour attirer l'intérêt des futurs exposants pour le projet. Le studio avait prévu que le film ait une première sortie en salles dans certaines grandes villes, dans des salles pouvant accueillir des projections en 70 mm et un son stéréophonique à six pistes. Le concept du roadshow impliquait deux projections par jour avec des sièges réservés et un entracte similaire aux comédies musicales de Broadway. Kaplan a identifié quarante villes clés susceptibles d'être incluses dans la tournée de présentation et a développé une stratégie promotionnelle ciblant les principaux journaux de ces villes. Pendant la phase de production de Salzbourg, 20th Century Fox a organisé des conférences de presse pour que les journalistes américains interviewent Wise, son équipe et les acteurs.",
"En novembre 1969, The Sound of Music a terminé sa première sortie en salles de quatre ans et demi aux États-Unis, après avoir gagné 68 313 000 $ en locations en Amérique du Nord (États-Unis et Canada) et 44 168 000 $ en locations à l'étranger, pour un total mondial. de 112 481 000$ de rendement brut. C'est le premier film à rapporter plus de 100 millions de dollars. Le film a été réédité en 1973 et a augmenté ses locations en Amérique du Nord à 78,4 millions de dollars. À la fin des années 1970, elle se classait au septième rang des locations de tous les temps en Amérique du Nord, avec un rapport de 79 millions de dollars. La réédition du film en 1990 a porté le total des entrées en Amérique du Nord à 142 415 400 – le troisième plus grand nombre de billets vendus derrière Autant en emporte le vent et Star Wars – et à environ 283,3 millions d'entrées dans le monde. The Sound of Music a finalement rapporté un total brut national de 163 214 076 $ et un total brut mondial de 286 214 076 $. Corrigé de l'inflation, le film a rapporté environ 2,366 milliards de dollars aux prix de 2014, soit le cinquième film le plus rentable de tous les temps."
] | The Sound of Music est un film dramatique musical américain de 1965 produit et réalisé par Robert Wise et mettant en vedette Julie Andrews et Christopher Plummer. Le film est une adaptation de la comédie musicale de Broadway de 1959 The Sound of Music, composée par Richard Rodgers avec des paroles d'Oscar Hammerstein II. Le scénario du film a été écrit par Ernest Lehman, adapté du livre de la comédie musicale de Howard Lindsay et Russel Crouse. Basé sur les mémoires L'histoire des chanteurs de la famille Trapp de Maria von Trapp, le film raconte l'histoire d'une jeune Autrichienne qui étudie pour devenir religieuse à Salzbourg en 1938 et qui est envoyée dans la villa d'un officier de marine à la retraite et veuf pour devenir gouvernante. ses sept enfants. Après avoir apporté l'amour et la musique dans la vie de la famille grâce à la gentillesse et à la patience, elle épouse l'officier et, avec les enfants, ils trouvent un moyen de survivre à la perte de leur patrie grâce au courage et à la foi.
Le film est sorti le 2 mars 1965 aux États-Unis, initialement sous la forme d'une sortie en salles limitée en tournée. La réponse critique au film a été largement mitigée, Bosley Crowther du New York Times le qualifiant de « non-sens et de sentiments romantiques », et Philip K. Scheuer du Los Angeles Times le décrivant comme « trois heures de brillance visuelle et vocale ». Le film fut un succès commercial majeur, devenant le film numéro un au box-office après quatre semaines et le film le plus rentable de 1965. En novembre 1966, La Mélodie du bonheur devint le film le plus rentable de tous les temps, dépassant Autant en emporte le film. le Vent – et a détenu cette distinction pendant cinq ans. Le film a été tout aussi populaire dans le monde entier, battant les précédents records du box-office dans vingt-neuf pays. Après une première sortie en salles de quatre ans et demi et deux rééditions réussies, le film a vendu 283,3 millions d'entrées dans le monde et a rapporté un total brut mondial de 286 214 076 $. Corrigé de l'inflation, le film a rapporté 2,366 milliards de dollars aux prix de 2014, soit le cinquième film le plus rentable de tous les temps.
La Mélodie du bonheur a reçu cinq Oscars, dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur. Le film a également reçu deux Golden Globe Awards, pour le meilleur film et la meilleure actrice, le prix de la Guilde des réalisateurs américains pour une réalisation exceptionnelle et le prix de la Writers Guild of America pour la meilleure comédie musicale américaine écrite. En 1998, l'American Film Institute (AFI) a classé The Sound of Music comme le cinquante-cinquième plus grand film américain de tous les temps et la quatrième plus grande comédie musicale. En 2001, la Bibliothèque du Congrès des États-Unis a sélectionné le film pour le conserver dans le National Film Registry, le trouvant « culturellement, historiquement ou esthétiquement significatif ».
Parcelle
Maria est une jeune Autrichienne à l'esprit libre qui étudie pour devenir religieuse à l'abbaye de Nonnberg à Salzbourg en 1938. Son amour de la musique et de la montagne, son enthousiasme et son imagination juvéniles et son manque de discipline suscitent certaines inquiétudes parmi les religieuses. La mère abbesse, croyant que Maria serait plus heureuse en dehors de l'abbaye, l'envoie dans la villa de l'officier de marine à la retraite, le capitaine Georg von Trapp, pour être la gouvernante de ses sept enfants : Liesl, Friedrich, Louisa, Kurt, Brigitta, Marta et Gretl. Le capitaine élève seul ses enfants dans le respect d'une stricte discipline militaire après le décès de sa première femme. Au début, les enfants traitent Maria comme ils le faisaient avec leurs anciennes gouvernantes : ils lui jouent des tours pour attirer l'attention de leur père. Maria répond avec gentillesse et patience, et bientôt les enfants lui font confiance et la respectent.
Pendant que le capitaine est à Vienne, Maria confectionne des vêtements de jeu pour les enfants à partir de vieux rideaux (en remplacement de leurs uniformes de style naval) et les emmène à Salzbourg et dans les montagnes environnantes. Leur lien se renforce lorsqu'elle leur apprend à chanter. Lorsque le capitaine revient à la villa avec la baronne Elsa Schraeder, une riche mondaine, et leur ami commun, Max Detweiler, ils sont accueillis par Maria et les enfants revenant d'une promenade en bateau sur le lac qui se termine lorsque leur bateau se retourne. Mécontent des vêtements et des activités de ses enfants, et de l'appel passionné de Maria pour qu'il se rapproche de ses enfants, le capitaine lui ordonne de retourner à l'abbaye. A ce moment-là, il entend des chants venant de l'intérieur de la maison et s'étonne de voir ses enfants chanter pour la baronne. Rempli d'émotion, le Capitaine rejoint ses enfants en chantant pour la première fois depuis des années. Ensuite, il s'excuse auprès de Maria et lui demande de rester.
Peu de temps après, Maria et les enfants organisent un spectacle de marionnettes pour la baronne, le capitaine et Max, qui lui propose de les inscrire au prochain festival de Salzbourg, une suggestion immédiatement rejetée par le capitaine qui ne permettra pas à ses enfants de chanter en public. . Il accepte cependant d'organiser une grande fête à la villa. Le soir de la fête, pendant que les invités en tenue de soirée valsent dans la salle de bal, Maria et les enfants regardent depuis la terrasse du jardin. Lorsque le capitaine remarque que Maria enseigne à Kurt la danse folklorique traditionnelle des Ländler, il intervient et s'associe à Maria dans une performance gracieuse, culminant dans une étreinte étroite. Confuse au sujet de ses sentiments, Maria rougit et s'éloigne. Plus tard, la baronne, qui a remarqué l'attirance du capitaine pour Maria, cache sa jalousie tout en convainquant Maria qu'elle doit retourner à l'abbaye.
Le départ de Maria affecte profondément les enfants, qui ne trouvent plus de joie à chanter. Ils sont également déçus d'apprendre que la baronne deviendra bientôt leur belle-mère. De retour à l'abbaye, lorsque Mère Abbesse apprend que Maria est restée isolée pour éviter ses sentiments pour le Capitaine, elle l'encourage à retourner à la villa pour chercher sa vie. Après le retour de Maria à la villa, elle apprend les fiançailles du capitaine avec la baronne et accepte de rester jusqu'à ce qu'ils trouvent une gouvernante de remplacement. Les sentiments du capitaine pour Maria n'ont cependant pas changé, et bientôt il rompt ses fiançailles et déclare son amour à Maria, qui lui rend son affection et accepte sa demande en mariage. Quelque temps plus tard, Maria traverse l'allée d'une grande cathédrale baroque en direction du capitaine, qui attend devant l'autel, vêtu de son uniforme de marine – et ils se marient.
Pendant que le capitaine et Maria sont en lune de miel, Max inscrit les enfants au Festival de Salzbourg contre la volonté de leur père. Lorsqu'ils apprennent que l'Autriche a été annexée au Troisième Reich lors de l'Anschluss, le couple rentre chez eux, où un grand drapeau nazi est suspendu au-dessus de la porte d'entrée. Après avoir abaissé le drapeau et l'avoir déchiré en deux, le capitaine lit un télégramme l'informant qu'il doit se présenter au quartier général de la marine allemande à Bremerhaven pour accepter une commission dans la marine allemande. Fortement opposé aux nazis et à l'Anschluss, le capitaine dit à sa famille qu'ils doivent quitter immédiatement l'Autriche. Cette nuit-là, alors que la famille von Trapp tente de partir, elle est arrêtée par des soldats allemands qui attendent devant la villa. Interrogé par le Gauleiter Hans Zeller, le capitaine affirme qu'ils se rendent au Festival de Salzbourg pour se produire. Zeller insiste pour les accompagner au festival, après quoi ses hommes accompagneront le capitaine à Bremerhaven.
Plus tard dans la nuit du festival, lors de leur dernier numéro, la famille von Trapp s'éclipse et cherche refuge à l'abbaye voisine, où la mère abbesse les cache dans la crypte du cimetière. Des soldats nazis arrivent bientôt et fouillent l'abbaye, mais la famille parvient à s'échapper grâce à la voiture du gardien. Lorsque les soldats tentent de les poursuivre, ils découvrent que leurs voitures ne démarrent pas car deux religieuses ont retiré des pièces de leurs moteurs. Le lendemain matin, après avoir conduit jusqu'à la frontière, la famille von Trapp traverse les montagnes à pied pour rejoindre la Suisse vers la liberté.
Casting
* Julie Andrews dans le rôle de Maria, une jeune Autrichienne qui étudie pour devenir religieuse
* Christopher Plummer dans le rôle du capitaine von Trapp, un officier de la marine autrichienne à la retraite
* Eleanor Parker dans le rôle de la baronne, Elsa von Schraeder
* Richard Haydn dans le rôle de Max Detweiler, ami de la baronne et du capitaine
* Peggy Wood dans le rôle de la mère abbesse
* Charmian Carr dans le rôle de Liesl, la première et aînée des enfants
* Nicholas Hammond dans le rôle de Friedrich, le deuxième enfant
* Heather Menzies dans le rôle de Louisa, le troisième enfant
* Duane Chase dans le rôle de Kurt, le quatrième enfant et plus jeune garçon
* Angela Cartwright dans le rôle de Brigitta, le cinquième enfant
* Debbie Turner dans le rôle de Marta, la sixième enfant
* Kym Karath dans le rôle de Gretl, la septième et plus jeune enfant
* Anna Lee dans le rôle de sœur Margaretta
* Portia Nelson dans le rôle de Sœur Berthe
* Ben Wright dans le rôle de Herr Zeller
* Daniel Truhitte dans le rôle de Rolfe, un livreur de télégrammes
* Norma Varden dans le rôle de Frau Schmidt, la gouvernante
* Gil Stuart dans le rôle de Franz, le majordome
* Marni Nixon dans le rôle de Sœur Sophia
* Evadne Baker dans le rôle de sœur Bernice
* Doris Lloyd dans le rôle de la baronne Ebberfeld, invitée au bal du capitaine
Arrière-plan
L'histoire de La Mélodie du bonheur est basée sur les mémoires de Maria von Trapp, L'histoire des chanteurs de la famille Trapp, publiés en 1949 pour aider à promouvoir le groupe de chant de sa famille après la mort de son mari Georg en 1947. Les producteurs hollywoodiens ont exprimé leur intérêt pour l'achat du titre uniquement. , mais Maria a refusé, souhaitant que toute son histoire soit racontée. En 1956, le producteur allemand Wolfgang Liebeneiner acheta les droits du film pour 9 000 $ (), engagea George Hurdalek et Herbert Reinecker pour écrire le scénario et Franz Grothe pour superviser la bande originale, composée de chansons folkloriques traditionnelles autrichiennes. La famille Trapp est sortie en Allemagne de l'Ouest le 9 octobre 1956 et est devenue un succès majeur. Deux ans plus tard, Liebeneiner réalisa une suite, La Famille Trapp en Amérique, et les deux films devinrent les films les plus réussis en Allemagne de l'Ouest pendant les années d'après-guerre. Leur popularité s'est étendue à toute l'Europe et à l'Amérique du Sud.
En 1956, Paramount Pictures a acheté les droits cinématographiques aux États-Unis, dans le but de produire une version anglaise avec Audrey Hepburn dans le rôle de Maria. Le studio a finalement abandonné son option, mais l'un de ses directeurs, Vincent J. Donehue, a proposé l'histoire comme une comédie musicale pour Mary Martin. Les producteurs Richard Halliday et Leland Heyward ont obtenu les droits et ont embauché les dramaturges Howard Lindsay et Russel Crouse, qui avaient remporté le prix Pulitzer pour l'état de l'Union. Ils ont contacté Richard Rodgers et Oscar Hammerstein II pour composer une chanson pour la comédie musicale, mais les compositeurs estimaient que les deux styles – les chansons folkloriques traditionnelles autrichiennes et leur composition – ne fonctionneraient pas ensemble. Ils ont proposé d'écrire une nouvelle partition complète pour l'ensemble de la production si les producteurs étaient prêts à attendre pendant qu'ils terminaient leur travail sur Flower Drum Song. Les producteurs ont rapidement répondu qu'ils attendraient aussi longtemps que nécessaire. La comédie musicale Sound of Music a débuté le 16 novembre 1959 au Lunt-Fontanne Theatre de New York et a été diffusée à Broadway pendant 1 443 représentations, remportant six Tony Awards, dont celui de la meilleure comédie musicale. En juin 1960, la Twentieth Century Fox acheta les droits d'adaptation cinématographique de la comédie musicale pour 1,25 million de dollars () contre dix pour cent du montant brut.
Production
La partition musicale originale de Rodgers et Hammerstein a été améliorée par deux nouvelles chansons de Richard Rodgers. L'arrangeur et chef d'orchestre Irwin Kostal a préenregistré les chansons avec un grand orchestre et des chanteurs sur scène avant le début du tournage, puis a adapté des passages de soulignement instrumentaux basés sur les chansons. Les chorégraphes Marc Breaux et Dee Dee Wood, qui avaient travaillé avec Andrews sur Mary Poppins, ont élaboré de toutes nouvelles séquences chorégraphiques intégrant de nombreux lieux et décors de Salzbourg. La Mélodie du bonheur a été tournée du 26 mars au 1er septembre 1964, avec des scènes extérieures tournées sur place à Salzbourg, en Autriche et dans la région environnante, et des scènes intérieures filmées dans les studios de la 20th Century Fox en Californie. Le film a été photographié en Todd-AO 70 mm par Ted McCord et produit avec le traitement DeLuxe Color et l'enregistrement sonore à six pistes.
Scénario et pré-production
En décembre 1962, le président de la 20th Century Fox, Richard D. Zanuck, engagea Ernest Lehman pour écrire le scénario de l'adaptation cinématographique de la comédie musicale. Lehman a révisé le scénario original de la comédie musicale, réorganisé la séquence de chansons et a commencé à transformer une œuvre conçue pour la scène en un film qui pourrait utiliser la caméra pour mettre l'accent sur l'action et l'ambiance et ouvrir l'histoire sur les magnifiques lieux de Salzbourg. et les Alpes autrichiennes. La séquence « Do-Re-Mi » de la pièce, par exemple, était à l'origine un numéro stagnant ; Lehman l'a transformé en un montage vivant montrant certains des plus beaux sites de Salzbourg, ainsi que Maria et les enfants se rapprochant au fil du temps. Lehman a également éliminé deux chansons, "How Can Love Survive?" et "No Way to Stop It", chanté par les personnages d'Elsa et Max. En janvier 1963, il vit la version Fox doublée en anglais des deux films allemands, ne fut pas particulièrement impressionné et décida d'utiliser la comédie musicale et les mémoires de Maria pour la plupart de ses sources. Pendant que Lehman développait le scénario, lui et Zanuck ont commencé à chercher un réalisateur. Leur premier choix était Robert Wise, avec qui Lehman avait travaillé sur l'adaptation cinématographique de West Side Story, mais Wise était occupé à préparer le travail pour un autre film, The Sand Pebbles. D'autres réalisateurs ont été approchés et ont refusé l'offre, notamment Stanley Donen, Vincent J. Donehue, George Roy Hill et Gene Kelly.
En janvier 1963, Lehman invita l'un de ses réalisateurs préférés, William Wyler, à se rendre avec lui à New York pour voir la comédie musicale de Broadway. Après avoir vu le spectacle, Wyler a déclaré qu'il le détestait, mais après deux semaines de persuasion de Lehman, Wyler a accepté à contrecœur de réaliser et de produire le film. Après avoir embauché le superviseur musical Roger Edens, Wyler, Lehman et Edens se sont rendus à Salzbourg pour repérer les lieux de tournage. En deux semaines, ils ont réussi à visiter environ soixante-quinze lieux, une expérience qui a aidé Lehman à conceptualiser plusieurs séquences importantes. Au cours de ce voyage, Lehman a commencé à avoir des réserves sur l'engagement de Wyler dans le projet et en a fait part à Zanuck, qui a demandé à l'écrivain de finaliser la première ébauche du scénario le plus rapidement possible. Lehman termina la première ébauche le 10 septembre 1963 et l'envoya à Wyler, qui n'avait aucune suggestion ni modification. À cette époque, Lehman a également secrètement donné une copie du scénario à l'agent de Robert Wise, que Lehman voulait toujours comme réalisateur. Plus tard ce mois-là, l'agent de Wyler a contacté Zanuck pour lui demander que la production du film soit retardée afin que Wyler puisse réaliser The Collector. Zanuck lui a dit de dire à Wyler de faire l'autre film et qu'ils avanceraient dans les délais avec un autre réalisateur, mettant ainsi fin à la participation de Wyler.
Pendant ce temps, Wise, dont le film The Sand Pebbles avait été reporté, a lu la première ébauche de Lehman, a été impressionné par ce qu'il a lu et a accepté de réaliser le film. Wise a rejoint le film en octobre 1963 et s'est envolé pour Salzbourg avec le producteur associé Saul Chaplin et les membres de son équipe de production pour repérer les lieux de tournage, y compris plusieurs que Wyler avait identifiés. À son retour, Wise a commencé à travailler sur le scénario. Wise partageait la vision de Lehman selon laquelle le film était centré sur la musique, et les changements qu'il avait apportés étaient cohérents avec l'approche de l'écrivain, réduisant principalement la quantité de douceur et de sentimentalité trouvée dans la comédie musicale. Il avait des réserves sur la séquence aérienne d'ouverture de Lehman car ils avaient utilisé une ouverture similaire dans West Side Story, mais a décidé de la conserver. D'autres changements comprenaient le remplacement de "An Ordinary Couple" par un numéro plus romantique et une nouvelle chanson pour le départ de Maria de l'abbaye - Rodgers a fourni "Something Good" et "I Have Confidence" spécialement pour le film. Lehman a terminé la deuxième ébauche le 20 décembre 1963, mais des changements supplémentaires seraient apportés en fonction des commentaires de Maria von Trapp et Christopher Plummer sur le personnage du capitaine. Plummer a particulièrement contribué à transformer un personnage manquant de substance en une figure complexe plus forte et plus puissante, dotée d'un sens de l'humour ironique et d'un côté plus sombre. Lehman a terminé sa version finale le 20 mars 1964.
Casting et répétitions
Le premier et unique choix de Lehman pour Maria était Julie Andrews. Lorsque Wise a rejoint le projet, il a dressé une liste de ses choix pour le rôle, qui incluait Andrews comme premier choix, Grace Kelly et Shirley Jones. Wise et Lehman se sont rendus aux studios Disney pour visionner des images de Mary Poppins, qui n'étaient pas encore sorties. Quelques minutes après le début du film, Wise a dit à Lehman : "Allons signer cette fille avant que quelqu'un d'autre ne voie ce film et ne l'attrape !" Andrews avait quelques réserves, principalement quant à la douceur de la version théâtrale, mais lorsqu'elle apprit que ses inquiétudes étaient partagées par Wise et Lehman et quelle était leur vision, elle signa un contrat avec Fox pour jouer dans The Sound of Music et un autre film pour 225 000 $ (). Wise a eu plus de mal à jouer le rôle du capitaine. Un certain nombre d'acteurs ont été retenus pour le rôle, notamment Bing Crosby, Yul Brynner, Sean Connery et Richard Burton. Wise avait vu Christopher Plummer à Broadway et le voulait pour le rôle, mais l'acteur de théâtre a refusé l'offre à plusieurs reprises. Wise s'est envolé pour Londres pour rencontrer Plummer et lui expliquer son concept du film ; l'acteur a accepté après avoir été assuré qu'il pourrait travailler avec Lehman pour améliorer le personnage ; Plummer s'est décrit plus tard comme étant devenu assez arrogant à l'époque, "gâté par trop de grands rôles de théâtre".
Wise a également consacré beaucoup de temps et d'efforts au casting des personnages secondaires. Pour le rôle de Max Detweiler, Wise a d'abord envisagé Victor Borge, Noël Coward et Hal Holbrook, entre autres, avant de se décider pour Richard Haydn. Pour le personnage de la baronne Elsa Schraeder, Wise recherchait une actrice « de nom » (Andrews et Plummer n'étaient pas encore largement connus du public du cinéma) et opta pour Eleanor Parker. Le casting des personnages enfants commença en novembre 1963 et impliqua plus de deux cents interviews et auditions à travers les États-Unis et l'Angleterre. Certains des enfants-acteurs interrogés ou testés, qui n'ont pas été sélectionnés, comprenaient Mia Farrow, Patty Duke, Lesley Ann Warren, Geraldine Chaplin, Shelley Fabares, Teri Garr, Kurt Russell et The Osmonds. La plupart des acteurs sélectionnés avaient une certaine expérience du théâtre, du chant ou de la danse. Charmian Carr, cependant, était un mannequin qui travaillait à temps partiel dans un cabinet médical et n'avait aucune ambition de poursuivre une carrière d'actrice. Après qu'un ami ait envoyé sa photo au bureau de Wise, on lui a demandé de l'interviewer. Wise a rappelé plus tard: "Elle était si jolie et avait un tel équilibre et un tel charme que nous l'avons immédiatement aimée." Le dernier à être choisi était Daniel Truhitte dans le rôle de Rolf.
Les répétitions pour les séquences de chant et de danse commencèrent le 10 février 1964. L'équipe mari et femme composée de Marc Breaux et Dee Dee Wood, qui avaient travaillé avec Andrews sur Mary Poppins, élabora la chorégraphie avec Saul Chaplin au piano - les arrangements ne pouvait pas être modifié en vertu du contrat de Rodgers et Hammerstein. La chorégraphie scénique n’a pas été utilisée car trop restrictive. Breaux et Wood ont élaboré de toutes nouvelles chorégraphies mieux adaptées au cinéma et intégrant de nombreux lieux et décors de Salzbourg. Ils ont même chorégraphié la nouvelle séquence de danse de marionnettes pour "The Lonely Goatherd". La chorégraphie du Ländler suivait strictement la danse folklorique traditionnelle autrichienne. L'arrangeur musical Irwin Kostal a préenregistré les chansons avec un grand orchestre et des chanteurs sur scène avant le début du tournage. Kostal a utilisé sept enfants et cinq adultes pour enregistrer les voix des enfants ; la seule scène où les enfants-acteurs chantent réellement est lorsqu'ils chantent seuls "The Sound of Music" après le départ de Maria. Les voix de certains acteurs adultes avaient également des doubles, notamment Peggy Wood et Christopher Plummer.
Tournage et post-production
Le tournage principal a commencé le 26 mars 1964 dans les studios de la 20th Century Fox à Los Angeles, où des scènes de la chambre de Maria, du cloître et du cimetière de l'abbaye ont été filmées. La société s'est ensuite envolée pour Salzbourg où le tournage a repris le 23 avril à l'abbaye de Mondsee pour les scènes de mariage. Du 25 avril au 22 mai, des scènes ont été tournées à la Felsenreitschule (concert du festival), à l'abbaye de Nonnberg, aux jardins du palais Mirabell, à la fontaine de la résidence et dans diverses rues du quartier de l'Altstadt (vieille ville) de la ville. Wise a fait face à l'opposition des dirigeants de la ville qui s'opposaient à ce qu'il organise des scènes avec des banderoles à croix gammée. Ils ont cédé après qu'il ait menacé d'inclure à la place de véritables images d'actualités de foules acclamant Hitler lors d'une visite dans la ville. Les jours où il pleuvait – un défi constant pour la société – Wise organisait le tournage de scènes à la chapelle St. Margarethen et aux studios Dürer (bureau de la Révérende Mère). Du 23 mai au 7 juin, la société a travaillé au château Leopoldskron et dans une propriété adjacente appelée Bertelsmann pour des scènes représentant la terrasse au bord du lac et les jardins de la villa von Trapp. Du 9 au 19 juin, des scènes ont été tournées au château de Frohnburg qui représentaient les façades avant et arrière de la villa. La scène du pique-nique "Do-Re-Mi" dans les montagnes a été filmée les 25 et 27 juin au-dessus de la ville de Werfen, dans la vallée de la Salzach. La séquence d'ouverture de Maria sur sa montagne a été filmée du 28 juin au 2 juillet au Mehlweg. près de la ville de Marktschellenberg en Bavière. La scène finale de la fuite de la famille von Trapp à travers les montagnes a été tournée à l'Obersalzberg dans les Alpes bavaroises.
Les acteurs et l'équipe sont rentrés à Los Angeles et ont repris le tournage dans les studios Fox le 6 juillet pour toutes les scènes restantes, y compris celles de la salle à manger, de la salle de bal, de la terrasse, du salon et du belvédère de la villa. Après les deux dernières scènes tournées dans le belvédère - pour les chansons "Something Good" et "You Are Sixteen" - le tournage principal s'est terminé le 1er septembre 1964. Au total, quatre-vingt-trois scènes ont été tournées en un peu plus de cinq mois. Les travaux de post-production ont commencé le 25 août avec trois semaines de doublage des dialogues pour corriger les lignes gâchées par divers bruits de la rue et la pluie. En octobre, la voix chantée de Christopher Plummer a été doublée par le chanteur vétéran de Disney, Bill Lee. Le film a ensuite été monté par Wise et le monteur William Reynolds. Une fois le film monté, Irwin Kostel, qui a orchestré les numéros musicaux, a souligné le film avec une musique de fond composée de variations sur les chansons originales de Rodgers et Hammerstein pour amplifier ou ajouter des nuances aux images visuelles. Une fois le doublage, le montage et la composition terminés, Wise a organisé deux avant-premières : la première a eu lieu à Minneapolis le vendredi 15 janvier 1965 au Mann Theatre et la seconde a eu lieu la nuit suivante à Tulsa. Malgré les réponses « sensationnelles » du public en avant-première, Wise a apporté quelques dernières modifications de montage avant de terminer le film. Selon les informations d'impression originales du film, la durée de la version de sortie en salles était de 174 minutes. Le film a finalement reçu la note G de la Motion Picture Association of America.
The Sound of Music a été filmé en 70 mm Todd-AO par Ted McCord et produit avec le traitement DeLuxe Color. Les images aériennes ont été photographiées avec une caméra MCS-70. Le son a été enregistré sur six pistes 70 mm à l'aide d'un système d'enregistrement Westrex. Les décors utilisés pour le film étaient basés sur les storyboards du dessinateur Maurice Zuberano, qui accompagna Wise en Autriche pour repérer les lieux de tournage en novembre 1963. Wise rencontra l'artiste pendant dix semaines et lui expliqua son objectif pour chaque scène : le le sentiment qu'il voulait transmettre et les images visuelles qu'il voulait utiliser. Lorsque Zuberano a terminé, il a fourni à Wise un ensemble complet de storyboards illustrant chaque scène et décor – des storyboards que le réalisateur a utilisés comme guide pendant le tournage. Les storyboards et les photos de lieux de Zuberano ont également été utilisés par le directeur artistique Boris Leven pour concevoir et construire tous les décors intérieurs originaux des studios Fox, ainsi que certains décors externes à Salzbourg. La villa von Trapp, par exemple, a en fait été filmée dans plusieurs lieux : les façades avant et arrière de la villa ont été filmées au château de Frohnburg, la terrasse et les jardins au bord du lac étaient un ensemble construit sur une propriété adjacente au château Leopoldskron appelée Bertelsmann, et le l'intérieur était un décor construit dans les studios Fox. Les scènes du belvédère de "Something Good" et "Sixteen Going on Seventeen" ont été filmées sur un décor reconstitué plus grand dans les studios Fox, tandis que certains plans du belvédère original ont été filmés sur le terrain du Schloss Leopoldskron à Salzbourg.
Libérer
Commercialisation
Robert Wise a embauché Mike Kaplan pour diriger la campagne publicitaire du film. Après avoir lu le scénario, Kaplan a choisi la ligne publicitaire "Le son le plus heureux du monde", qui apparaîtrait sur le matériel promotionnel et les illustrations. Kaplan a également fait appel à des agences extérieures pour travailler avec le service de publicité du studio afin de développer les illustrations promotionnelles, sélectionnant finalement une peinture de Howard Terpning représentant Andrews sur une prairie alpine avec son sac à tapis et son étui de guitare à la main avec les enfants et Plummer en arrière-plan. En février 1964, Kaplan commença à placer des annonces dans les journaux spécialisés Daily Variety, Weekly Variety et The Hollywood Reporter pour attirer l'intérêt des futurs exposants pour le projet. Le studio avait prévu que le film ait une première sortie en salles dans certaines grandes villes, dans des salles pouvant accueillir des projections en 70 mm et un son stéréophonique à six pistes. Le concept du roadshow impliquait deux projections par jour avec des sièges réservés et un entracte similaire aux comédies musicales de Broadway. Kaplan a identifié quarante villes clés susceptibles d'être incluses dans la tournée de présentation et a développé une stratégie promotionnelle ciblant les principaux journaux de ces villes. Pendant la phase de production de Salzbourg, 20th Century Fox a organisé des conférences de presse pour que les journalistes américains interviewent Wise, son équipe et les acteurs.
Réponse critique
Le film a eu sa première le 2 mars 1965 au Rivoli Theatre de New York. Les premières critiques étaient mitigées. Bosley Crowther, dans le New York Times, a critiqué « les absurdités et les sentiments romantiques » du film, les « rôles artificiels » des enfants et la mise en scène « confortable et ringarde » de Robert Wise. Judith Crist, dans une critique mordante du New York Herald Tribune, a qualifié le film de "dégueulasse" et conçu pour "les cinq à sept et leurs mamans". Wise a rappelé plus tard : « La côte Est, les journaux et magazines intellectuels nous ont détruits, mais les journaux locaux et les métiers nous ont donné d'excellentes critiques. » En effet, des critiques tels que Philip K. Scheuer du Los Angeles Times ont décrit le film comme « trois heures de brillance visuelle et vocale », et Daily Variety l'a qualifié de « drame captivant et chaleureux, basé sur l'utilisation la plus imaginative du chant chantant ». Des airs R-H, magnifiquement montés et avec une distribution brillante". Les « critiques de films extrêmement mitigées » reflétaient la réponse critique à la comédie musicale, selon The Oxford Companion to the American Musical. Après sa première à Los Angeles le 10 mars, The Sound of Music a ouvert dans 131 cinémas aux États-Unis, y compris un nombre limité d'événements itinérants. Après quatre semaines, le film est devenu le film numéro un au box-office du pays et a occupé cette position pendant trente des quarante-trois semaines suivantes en 1965. La sortie en salles originale du film en Amérique a duré quatre ans et demi.
Quelques mois après sa sortie aux États-Unis, The Sound of Music est sorti dans 261 salles à l'étranger – le premier film américain à être entièrement doublé dans une langue étrangère, à la fois les dialogues et la musique. Les versions allemande, française, italienne et espagnole ont été entièrement doublées et d'autres versions ont été publiées avec des sous-titres étrangers. Le film a été un succès populaire dans tous les pays où il a été diffusé, à l'exception des deux pays d'origine de l'histoire, l'Autriche et l'Allemagne. Dans ces pays, le film devait rivaliser avec le très apprécié Die Trapp-Familie (1956), qui a inspiré la comédie musicale de Broadway, et sa suite Die Trapp-Familie in Amerika (1958), deux films toujours très populaires. en Europe germanophone et considéré comme l'histoire de von Trapp faisant autorité. Les Autrichiens se sont opposés aux libertés prises par les cinéastes en ce qui concerne les costumes, qui ne reflétaient pas le style traditionnel, et le remplacement des chansons folkloriques autrichiennes traditionnelles par des airs de spectacles de Broadway. Le thème nazi du film était particulièrement impopulaire en Allemagne, où le directeur de la succursale munichoise de la 20th Century Fox a approuvé le montage non autorisé de l'intégralité du troisième acte du film après la séquence du mariage, les scènes montrant Salzbourg après l'Anschluss. Robert Wise et le studio sont intervenus, le film original a été restauré et le directeur de la succursale a été licencié. La Mélodie du bonheur n'a jamais été populaire en Autriche et en Allemagne.
Box-office
La Mélodie du bonheur est l'un des films les plus réussis commercialement de tous les temps. Quatre semaines après sa sortie en salles, il est devenu le film numéro un au box-office aux États-Unis, grâce aux revenus générés par vingt-cinq cinémas, chacun ne projetant que dix représentations itinérantes par semaine. Il a occupé la première place pendant trente des quarante-trois semaines suivantes et a fini par devenir le film le plus rentable de 1965. L'un des facteurs qui ont contribué au succès commercial précoce du film a été la fidélité de nombreux cinéphiles. Dans certaines villes des États-Unis, le nombre de billets vendus a dépassé la population totale. En janvier 1966, le film avait rapporté 20 millions de dollars en locations de distributeurs sur seulement 140 tournées de présentation aux États-Unis et au Canada. À l'étranger, The Sound of Music a battu des records au box-office dans vingt-neuf pays, dont le Royaume-Uni, où le film a rapporté 4 millions de livres sterling de locations et a rapporté 6 millions de livres sterling, soit plus de deux fois plus que n'importe quel autre film. En novembre 1966, La Mélodie du bonheur était devenu le film le plus rentable de tous les temps, dépassant Autant en emporte le vent, qui a détenu cette distinction pendant vingt-quatre ans.
En novembre 1969, The Sound of Music a terminé sa première sortie en salles de quatre ans et demi aux États-Unis, après avoir gagné 68 313 000 $ en locations en Amérique du Nord (États-Unis et Canada) et 44 168 000 $ en locations à l'étranger, pour un total mondial. de 112 481 000$ de rendement brut. C'est le premier film à rapporter plus de 100 millions de dollars. Le film a été réédité en 1973 et a augmenté ses locations en Amérique du Nord à 78,4 millions de dollars. À la fin des années 1970, elle se classait au septième rang des locations de tous les temps en Amérique du Nord, avec un rapport de 79 millions de dollars. La réédition du film en 1990 a porté le total des entrées en Amérique du Nord à 142 415 400 – le troisième plus grand nombre de billets vendus derrière Autant en emporte le vent et Star Wars – et à environ 283,3 millions d'entrées dans le monde. The Sound of Music a finalement rapporté un total brut national de 163 214 076 $ et un total brut mondial de 286 214 076 $. Corrigé de l'inflation, le film a rapporté environ 2,366 milliards de dollars aux prix de 2014, soit le cinquième film le plus rentable de tous les temps.
Exactitude historique
Le film La Mélodie du bonheur, comme la comédie musicale, présente une histoire de la famille von Trapp qui n'est pas tout à fait exacte. Les cinéastes ont utilisé la licence artistique pour transmettre l’essence et le sens de leur histoire. Georg Ludwig von Trapp était en effet un antinazi opposé à l'Anschluss, et vivait avec sa famille dans une villa d'un quartier de Salzbourg appelé Aigen. Leur style de vie décrit dans le film exagère cependant grandement leur niveau de vie. La villa familiale actuelle, située Traunstraße 34, Aigen 5026, était grande et confortable, mais pas aussi grande que le manoir représenté dans le film. La maison n’était pas non plus leur maison ancestrale, comme le montre le film. La famille avait auparavant vécu dans des maisons à Zell Am See et Klosterneuburg après avoir été contrainte d'abandonner sa maison ancestrale à Pola après la Première Guerre mondiale. Georg a déménagé la famille dans la villa de Salzbourg peu après la mort de sa première femme en 1922. film, Georg est appelé « Baron », mais son véritable titre de famille était « Ritter » (allemand pour « chevalier »), un titre de chevalerie héréditaire dont l'équivalent au Royaume-Uni est une baronnet. De plus, la noblesse autrichienne a été légalement abolie en 1919 et la particule nobiliaire von a été proscrite après la Première Guerre mondiale, il s'appelait donc légalement « Georg Trapp ». Cependant, le titre et la particule nobiliaire prépositionnelle von ont continué à être largement utilisés officieusement par courtoisie.
Georg s'est vu offrir un poste dans la Kriegsmarine, mais cela s'est produit avant l'Anschluss. Il a été massivement recruté par les nazis parce qu’il possédait une vaste expérience des sous-marins et que l’Allemagne cherchait à étendre sa flotte de sous-marins. Avec sa famille dans une situation financière désespérée et n'ayant aucune autre compétence commercialisable autre que sa formation d'officier de marine, il envisagea sérieusement de | http://quiz4free.com/ |
Comment s’écrit le nombre 14 en chiffres romains ? | XIV | [
"* XIV est un serveur de stockage fabriqué par IBM. Il porte le nom de « XIV » et se prononce comme les lettres séparées « X », « I », « V ».",
"* Nuestra Familia est un gang qui utilise le « XIV » comme symbole car la 14ème lettre de l'alphabet espagnol est « N »."
] | 14 (quatorze) est l’entier naturel qui suit 13 et qui précède 15.
Dans le discours, les nombres 14 et 40 sont souvent confondus. Lorsqu'ils sont soigneusement énoncés, ils diffèrent par la syllabe qui est accentuée : 14 contre 40. En relation avec le mot « quatre » (4), 14 s'écrit « quatorze ».
En mathématiques
Quatorze est un nombre composé dont les diviseurs sont , et 14.
14 est le 3ème semi-premier discret (2 × 7) et le 3ème membre de la famille des semi-premiers discrets (2·q). Le nombre qui suit 14-15 est lui-même un nombre premier discret et c'est la première paire de ce type de semi-premiers discrets. L’exemple suivant est la paire commençant le 21.
La somme aliquote σ(n) de 14 est 10, également un semi-premier discret et c'est encore le premier exemple d'un semi-premier discret ayant une somme aliquote sous la même forme. 14 a une séquence aliquote de 6 membres (14,10,8,7,1,0)
14 est le troisième nombre composé de l'arbre à 7 aliquotes.
Quatorze est lui-même la somme aliquote de deux nombres ; le semi-premier discret 22 et le nombre carré 169.
Quatorze est la base de la notation tétradécimale.
En base quinze et dans les bases supérieures (telles que l'hexadécimal), quatorze est représenté par E.
Quatorze est la somme des trois premiers carrés, ce qui en fait un nombre pyramidal carré.
Ce nombre est le n pair le plus bas pour lequel l'équation φ(x) = n n'a pas de solution, ce qui en fait le premier non-totient pair (voir la fonction totient d'Euler).
14 est un nombre catalan, le seul semi-premier parmi tous les nombres catalans.
Prenez un ensemble de nombres réels et appliquez-lui les opérations de fermeture et de complément dans n’importe quel ordre possible. Au maximum 14 ensembles distincts peuvent être générés de cette manière. Cela est vrai même si les réels sont remplacés par un espace topologique plus général. Voir le problème de fermeture-complément de Kuratowski.
Quatorze est un nombre de Keith en base 10 : 1, 4, 5, 9, 14, 23, 37, 60, 97, 157...
Quatorze est un nombre méandrique ouvert.
Quatorze est un numéro de compagnon Pell.
D'après l'inégalité de Shapiro 14 est le plus petit nombre n tel qu'il existe x, x, …, x tel que
\sum_{i=1}^{n} \frac{x_i}{x_{i+1}+x_{i+2}}
où x x, x
X.
Il existe quatorze réseaux de Bravais possibles qui remplissent l'espace tridimensionnel.
Le cuboctaèdre, le cube tronqué et l'octaèdre tronqué ont chacun quatorze faces. Le dodécaèdre rhombique, qui recouvre l'espace tridimensionnel et est le dual du cuboctaèdre, a quatorze sommets. L'octaèdre tronqué, qui recouvre également l'espace tridimensionnel, est le seul permutoèdre.
Dans la science
Chimie
*Le numéro atomique du silicium
*Le poids atomique approximatif de l'azote
*Le nombre maximum d'électrons pouvant tenir dans un sous-niveau f
Astronomie
*Objet Messier M14, un amas globulaire de magnitude 9,5 dans la constellation d'Ophiuchus
*Le Nouveau Catalogue Général [http://www.ngcic.org/ object] [NGC 14, une galaxie irrégulière de magnitude 12,5 dans la constellation de Pégase
*Le Saros [http://sunearth.gsfc.nasa.gov/eclipse/SEsaros/SEsaros1-175.html numéro] de la série d'éclipses solaires qui a débuté le 31 juillet 2568 av. et s'est terminé le 6 février 1035 av. La durée de la série 14 de Saros était de 1532,5 ans et contenait 86 éclipses solaires.
*Le Saros [http://sunearth.gsfc.nasa.gov/eclipse/LEsaros/LEsaros1-175.html numéro] de la série d'éclipses lunaires qui a débuté le 1er juin 2230 av. et s'est terminé le 19 juillet 932 av. La durée de la série 14 de Saros était de 1298,1 ans et contenait 73 éclipses lunaires.
Dans la religion et la mythologie
Christianisme
*Le nombre de chemins de croix.
*Les Quatorze Saints Aides étaient un groupe de saints autrefois vénérés ensemble par les catholiques romains.
Mormonisme
*L'âge de Joseph Smith lorsqu'il fut témoin de la Première Vision.
Islam
*Le nombre de muqatta'at dans le Coran.
*Le nombre d'Infaillibles (Masoomeen) dans l'Islam chiite Ithna-Asheri.
hindouisme
Le nombre d'années d'exil de Rama dans les forêts dans l'hindouisme.
Mythologie
C'est le nombre de morceaux dans lesquels le corps d'Osiris a été déchiré par son frère fratricide Set.
14 ans
*L'âge de 14 ans est l'âge le plus précoce auquel l'émancipation des mineurs peut avoir lieu aux États-Unis.
*Âge minimum auquel une personne peut acheter, louer ou acheter des billets pour un film classé 14A au Canada sans adulte. Les cotes sont provinciales, donc les cotes peuvent varier. Un film peut être 14A dans une ou plusieurs provinces et PG dans d'autres provinces. Un film peut également être classé 14A dans une ou plusieurs provinces et 18A dans d'autres provinces. Le Québec a un système de classification différent pour les films.
* Âge le plus jeune au Canada auquel une personne peut regarder une émission classée 14+ sans le consentement d'un tuteur légal.
*Âge minimum auquel on peut voir, louer, acheter ou acheter des billets pour un film classé 18A avec un adulte accompagnateur dans les provinces canadiennes des Maritimes et du Manitoba.
*Âge minimum auquel on peut travailler dans de nombreux États américains. Certains nécessitent le consentement des parents, d’autres non.
*Âge minimum auquel on peut travailler dans la plupart des États australiens avec le consentement des parents.
* Âge minimum auquel on peut conduire un véhicule aux États-Unis avec un permis de conduire (sous la surveillance d'un adulte de plus de 18 ans et avec un permis de conduire valide et non marqué et au moins 365 jours d'expérience dans la conduite d'une véritable automobile)
*L'âge minimum pour conduire une moto 50cc en Italie.
*L'âge de la responsabilité pénale le plus répandu en Europe.
Dans les sports
* Le G-14 est une union aujourd'hui disparue de dix-huit clubs de football.
* Dans le football associatif, le numéro 14 était le numéro porté et associé à Johan Cruyff. En 2007, pour honorer son 60e anniversaire, son premier club, l'AFC Ajax, a décidé de ne plus jamais l'utiliser.
* Au rugby à XV :
** L'ailier droit titulaire porte le maillot 14.
** Le Top 14 est la ligue de plus haut niveau du rugby à XV français.
** La compétition de l'hémisphère Sud, désormais connue sous le nom de Super Rugby, a été connue de 2006 à 2010, époque à laquelle elle comptait 14 équipes, sous le nom de Super 14.
* Dans la NASCAR Sprint Cup Series, la voiture n°14 appartient actuellement à Stewart Haas Racing. Depuis 2009, elle est conduite par Tony Stewart, copropriétaire de l'équipe.
* En Formule 1, le numéro 14 est utilisé par Fernando Alonso, champion du monde 2005 et 2006, pour McLaren F1
*Dans les courses de chevaux pur-sang :
** Les courses majeures suivantes ont un plateau maximum de 14 coureurs :
*** Les Preakness Stakes et les Belmont Stakes, les deux dernières étapes de la Triple Couronne américaine.
*** Toutes les courses de la Breeders' Cup à l'exception du Dirt Mile, Juvenile Fillies et Juvenile Fillies Turf (limité à 12).
*Dans la PGA :
** Un joueur ne peut pas avoir plus de 14 clubs dans son sac.
* Le maillot numéro 14 a été retiré par plusieurs équipes sportives nord-américaines en l'honneur d'anciens joueurs ou d'autres personnalités clés :
** Dans la Ligue majeure de baseball :
*** Les Red Sox de Boston, pour le membre du Temple de la renommée Jim Rice.
*** Les Cubs de Chicago, pour Ernie Banks, membre du Temple de la renommée.
*** Les Indians de Cleveland, pour le joueur du Temple de la renommée Larry Doby, qui a également dirigé l'équipe.
*** Les Twins du Minnesota, pour Kent Hrbek.
*** Les Mets de New York, pour Gil Hodges, qui a joué et dirigé l'équipe.
*** Les Phillies de Philadelphie, pour le membre du Temple de la renommée Jim Bunning.
*** Les Cardinals de Saint-Louis, pour Ken Boyer.
*** Les Mariners de Seattle n'ont pas encore retiré de numéro, mais n'ont pas émis le numéro 14 depuis que Lou Piniella, manager de 1993 à 2002, a quitté l'équipe.
*** Les Reds de Cincinnati ont retiré le numéro 14 de la circulation depuis que Pete Rose a accepté une place sur la liste des joueurs interdits de la MLB en 1989 pour avoir prétendument parié sur des matchs (ce qu'il admettrait en 2004). En raison de l'interdiction, les Reds ne peuvent pas retirer le numéro de Rose de son vivant ; depuis, ils n'ont attribué le numéro qu'à son fils.
** En NBA :
*** Les Boston Celtics, pour le Hall of Famer Bob Cousy.
*** Les Golden State Warriors, pour Tom Meschery, qui a joué pour l'équipe dans ses incarnations passées sous le nom de Philadelphia et San Francisco Warriors.
*** Les Milwaukee Bucks, pour Jon McGlocklin.
*** Les Portland Trail Blazers, pour Lionel Hollins.
*** Les Sacramento Kings, pour le membre du Temple de la renommée Oscar Robertson, qui jouait pour l'équipe lorsqu'elle était connue sous le nom de Cincinnati Royals.
*** L'Utah Jazz, pour Jeff Hornacek.
** Dans la NFL :
*** Les Browns de Cleveland, pour Otto Graham, membre du Temple de la renommée.
*** Les Packers de Green Bay, pour Don Hutson, membre du Temple de la renommée.
*** Les Giants de New York, pour le membre du Temple de la renommée Y. A. Tittle.
*** Les Chargers de San Diego, pour le Hall of Famer Dan Fouts.
** Dans la LNH :
*** Les Sabres de Buffalo, pour René Robert.
Dans d'autres domaines
Quatorze est :
*Le nombre de jours dans une quinzaine.
*En unités de poids britanniques traditionnelles, nombre de livres contenues dans une pierre.
*Un nombre « codé » dans une grande partie de la musique de Johann Sebastian Bach. Bach a peut-être considéré ce numéro comme une sorte de signature, puisque étant donné A 1, B
2, C 3, etc., puis B + A + C + H
14. (Voir aussi 41)
*Le nombre de points soulignés par le président Woodrow Wilson pour reconstruire une nouvelle Europe après la Première Guerre mondiale, voir Quatorze points.
*La section à laquelle vous accédez lorsque vous mourez dans les livres Grailquest.
*Le nombre de pattes sur un cloporte, ainsi que sur Hallucigenia.
*Désignation courante du treizième étage dans de nombreux immeubles pour des raisons superstitieuses.
*Le Royaume-Uni compte 14 territoires britanniques d'outre-mer.
*Le nombre de vers dans un sonnet.
* Le dirigeable numéro 14 d'Alberto Santos Dumont qui a servi à tester l'aérodynamisme de son avion 14-bis.
* Le numéro du département français du Calvados.
* XIV est un serveur de stockage fabriqué par IBM. Il porte le nom de « XIV » et se prononce comme les lettres séparées « X », « I », « V ».
* La Sonate pour piano n° 14, également connue sous le nom de Sonate au clair de lune, est l'une des sonates pour piano les plus célèbres composées par Ludwig van Beethoven.
* Un symbole de l'infini dans "La Maison d'Astérion" ("", 1947) de Jorge Luis Borges.
* Les Quatorze Mots sont une expression utilisée par les nationalistes blancs.
* Nuestra Familia est un gang qui utilise le « XIV » comme symbole car la 14ème lettre de l'alphabet espagnol est « N ». | http://quiz4free.com/ |
Qui a suivi Hugh Gaitskell à la tête du parti travailliste ? | Harold Wilson | [
"Le budget a provoqué une scission au sein du gouvernement et a poussé Aneurin Bevan, très en colère, à démissionner sur cette question, considérant les frais de prescription comme un coup porté au principe de la gratuité des services de santé. Bevan a été rejoint par Harold Wilson et John Freeman qui ont également démissionné. Plus tard cette année-là, les travaillistes perdent le pouvoir au profit des conservateurs lors des élections de 1951.",
"Après la défaite électorale, d’âpres disputes intestines ont repris. Gaitskell a blâmé la gauche pour la défaite et a tenté en vain de modifier la clause travailliste IV - qui, selon ses partisans, engageait le parti à nationaliser davantage l'industrie, tandis que Gaitskell et ses partisans pensaient qu'elle était devenue soit superflue, soit un handicap politique. Il a également résisté avec succès aux tentatives visant à engager le parti travailliste dans une position unilatérale sur les armes nucléaires – perdant le vote en 1960 et incitant ensuite ses partisans à « se battre, se battre et se battre encore pour sauver le parti que nous aimons ». La décision a été annulée l’année suivante, mais la question est restée controversée et de nombreux membres de la gauche ont continué à appeler à un changement de direction. Il a été contesté sans succès à la direction par Harold Wilson en 1960 et de nouveau en 1961 par Anthony Greenwood.",
"Il décède en janvier 1963, à l'âge de 56 ans, des suites d'une poussée soudaine de lupus érythémateux, une maladie auto-immune. Sa mort a laissé une ouverture à Harold Wilson à la direction du parti ; Wilson a remporté de justesse les prochaines élections générales travaillistes 21 mois plus tard."
] | Hugh Todd Naylor Gaitskell, CBE, PC (9 avril 1906 - 18 janvier 1963) était un homme politique travailliste britannique qui a exercé des fonctions ministérielles dans les gouvernements de Clement Attlee. Il a remporté d'âpres batailles pour le leadership pour devenir chef du Parti travailliste et chef de l'opposition de 1955 jusqu'à sa mort en 1963, alors qu'il était sur le point de devenir Premier ministre. Il était aimé et détesté pour son leadership conflictuel et sa franchise brutale. Il est surtout connu comme le fondateur du révisionnisme de droite au sein du Parti travailliste, connu sous le nom de Gaitskellisme. Il s’agissait de la version travailliste du consensus d’après-guerre grâce auquel les principaux partis se sont largement mis d’accord sur les principaux points de politique intérieure et étrangère jusqu’aux années 1970. Son homologue du Parti conservateur était Rab Butler, c'est pourquoi leur vision commune a été surnommée « Butskellisme ».
Face à la nécessité d'augmenter les dépenses militaires en 1951, il proposa d'introduire des frais de prescription dans le service national de santé, ce qui incita Aneurin Bevan à démissionner du Cabinet. Gaitskell s'est opposé à de nombreuses politiques économiques des syndicats, notamment en ce qui concerne la nationalisation et le contrôle de l'économie au profit des syndicats. Son Gaitskellisme reposait sur deux politiques qui répudiaient la position orthodoxe de longue date du Parti travailliste. Tout d’abord, il a répudié l’orthodoxie selon laquelle le socialisme était identifié à la propriété publique des moyens de production et selon laquelle une telle propriété était essentielle pour atteindre tous les grands objectifs socialistes. Deuxièmement, il a mis l’accent sur les objectifs de liberté personnelle, de bien-être social et surtout d’égalité sociale. Il minimise l’importance de la loyauté envers le mouvement syndical en tant qu’objectif éthique central et soutient que les nouveaux objectifs pourraient être atteints si le gouvernement utilisait des mesures de politique fiscale et sociale appropriées dans le contexte d’une économie mixte orientée vers le marché. La propriété publique n’était pas spécifiquement rejetée, mais était considérée comme un simple moyen parmi d’autres.
Début de la vie
Il est né à Kensington, Londres, troisième et plus jeune enfant d'Arthur Gaitskell (1869-1915), de la fonction publique indienne, et d'Adelaide Mary Gaitskell, née Jamieson (décédée en 1956), dont le père, George Jamieson, était consul général. à Shanghai et avait auparavant été juge à la Cour suprême britannique pour la Chine et le Japon. Il a fait ses études à la Dragon School de 1912 à 1919, au Winchester College de 1919 à 1924 et au New College d'Oxford de 1924 à 1927, où il a obtenu un diplôme de première classe en philosophie, politique et économie en 1927.
Son intérêt sérieux pour la politique est né à la suite de la grève générale de 1926 et il a donné des cours d'économie pour la Workers' Educational Association auprès des mineurs du Nottinghamshire. Gaitskell a déménagé à l'University College de Londres au début des années 1930 à l'invitation de Noel Hall et est devenu chef du département d'économie politique lorsque Hall a été nommé directeur de l'Institut national de recherche économique et sociale en 1938.
Gaitskell fut rattaché à l'Université de Vienne pour l'année universitaire 1933-1934 et fut témoin direct de la répression politique du mouvement ouvrier social-démocrate par le gouvernement conservateur d'Engelbert Dollfuss en février 1934. Cet événement fit une impression durable, le rendant profondément hostile. au conservatisme, mais aussi en le faisant rejeter comme futile la vision marxiste de nombreux sociaux-démocrates européens. Cela le plaçait dans le camp des révisionnistes socialistes.
Mariage et vie personnelle
Il a été marié à partir de 1937 avec Anna Dora Gaitskell, qui est devenue pair travailliste à vie un an après sa mort. Ils eurent deux filles : Julia, née en 1939, et Cressida, née en 1942. William Rodgers : Gaitskell, (Anna) Dora, baronne Gaitskell (1901-1989). ) rév. Oxford Dictionary of National Biography, Oxford University Press, 2004, consulté le 17 mars 2013] Gaitskell a eu un certain nombre de liaisons, notamment avec la mondaine Ann Fleming, l'épouse du créateur de James Bond, Ian Fleming.
En privé, on disait de Hugh Gaitskell qu'il était plein d'humour, qu'il aimait s'amuser et qu'il adorait la danse de salon. Cela contrastait avec son image publique sévère. Il était membre du comité directeur du groupe Bilderberg.
Début de carrière politique
Aux élections générales de 1935, il se présenta pour Chatham comme candidat travailliste, mais fut vaincu.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, Gaitskell a travaillé avec Noel Hall et Hugh Dalton en tant que fonctionnaire du ministère de la Guerre économique, ce qui lui a donné une expérience du gouvernement. Pour son service, il a été nommé Commandeur de l'Ordre de l'Empire britannique en 1945. Il a été élu député travailliste (MP) de Leeds Sud lors de la victoire écrasante du parti travailliste en 1945.
Il gravit rapidement les échelons ministériels, devenant ministre du Combustible et de l'Énergie en 1947. Il occupe ensuite brièvement le poste de ministre des Affaires économiques en février 1950. Son ascension rapide est en grande partie due à l'influence de Hugh Dalton, qui l'adopte comme protégé.
Chancelier de l'Échiquier, 1950-1951
En octobre 1950, Stafford Cripps fut contraint de démissionner de son poste de chancelier de l'Échiquier en raison de problèmes de santé, et Gaitskell fut nommé pour lui succéder. Son mandat de chancelier a été dominé par la lutte pour financer la participation britannique à la guerre de Corée, qui a mis à rude épreuve les finances publiques. Le coût de la guerre signifiait que des économies devaient être réalisées sur d'autres budgets, et il prit la décision controversée d'introduire des frais pour les lunettes de vue et les prothèses dentaires sur le Service national de santé.
En outre, la taxe à l'achat a été augmentée de 33 % à 66 % sur certains articles de luxe tels que les voitures, les téléviseurs et les appareils électroménagers, tandis que la taxe sur les divertissements a été augmentée sur les billets de cinéma. Mais dans le même temps, les impôts sur les bénéfices ont été relevés et les retraites augmentées pour compenser l'augmentation du coût de la vie des retraités, tandis que les allocations pour enfants à charge versées aux veuves, aux chômeurs et aux malades, ainsi que les allocations de mariage et d'enfance , ont également été augmentés. En outre, un certain nombre de petits éléments ont été supprimés de la taxe d'achat, tandis que le montant des revenus autorisés sans affecter la pension a été augmenté de 20 shillings à 40 shillings par semaine.
Le budget a provoqué une scission au sein du gouvernement et a poussé Aneurin Bevan, très en colère, à démissionner sur cette question, considérant les frais de prescription comme un coup porté au principe de la gratuité des services de santé. Bevan a été rejoint par Harold Wilson et John Freeman qui ont également démissionné. Plus tard cette année-là, les travaillistes perdent le pouvoir au profit des conservateurs lors des élections de 1951.
Démarche
Le budget était le reflet d’une philosophie politique connue sous le nom de Gaitskellisme. Gaitskell s'est opposé à de nombreuses politiques économiques des syndicats, notamment en ce qui concerne la nationalisation et le contrôle de l'économie au profit des syndicats. Son Gaitskellisme reposait sur deux politiques qui répudiaient la position orthodoxe de longue date du Parti travailliste. Tout d’abord, il a répudié l’orthodoxie selon laquelle le socialisme était identifié à la propriété publique des moyens de production et qu’une telle propriété était essentielle pour atteindre tous les grands objectifs socialistes. Deuxièmement, il a mis l’accent sur les objectifs de liberté personnelle, de bien-être social et surtout d’égalité sociale. Il minimise l’importance de la loyauté envers le mouvement syndical en tant qu’objectif éthique central et soutient que les nouveaux objectifs pourraient être atteints si le gouvernement utilisait des mesures de politique fiscale et sociale appropriées dans le contexte d’une économie mixte orientée vers le marché. La propriété publique n’était pas spécifiquement rejetée, mais était considérée comme un simple moyen parmi d’autres. Gaitskell a organisé un groupe de partisans comprenant Anthony Crosland, Roy Jenkins, Douglas Jay, Patrick Gordon Walker et James Callaghan. Ils se sont battus contre l’aile gauche du parti et ont généralement gagné. Cependant, les divisions ont ouvert la voie au retour des conservateurs en 1951.
Chef de l'opposition, 1955-1963
Gaitskell a ensuite battu Bevan dans le concours pour devenir trésorier du parti. Après la retraite d'Attlee en tant que chef en décembre 1955, Gaitskell bat Bevan et le vieillissant Herbert Morrison dans la course à la direction du parti.
L'élection de Gaitskell à la tête du parti a coïncidé avec l'une des périodes les plus faibles du parti travailliste, qui peut être en partie attribuée à la prospérité d'après-guerre que connaissait la Grande-Bretagne sous le régime conservateur. Son mandat à la tête du pays a également été caractérisé par des luttes intestines entre la gauche « Bevanite » du parti travailliste dirigée par Aneurin Bevan et la droite « Gaitskellite ».
Lors de la crise de Suez en 1956, l’un des moments forts de sa carrière de dirigeant, Gaitskell a condamné avec passion l’intervention militaire anglo-française et israélienne pour sécuriser le canal de Suez. Gaitskell avait lui-même déclaré au Premier ministre, Sir Anthony Eden, et au chancelier de l'Échiquier Harold Macmillan, lors d'un dîner avec le roi Fayçal II d'Irak le 26 juillet 1956, qu'il soutiendrait le recours à l'action militaire contre le dictateur égyptien, le colonel Gamal Abdel. Nasser, mais prévint Eden qu'il devrait tenir les Américains étroitement informés. Les conservateurs ont ensuite accusé Gaitskell de trahison lorsqu'il a publiquement condamné l'opération militaire en novembre. La position de Gaitskell était devenue plus prudente au cours de l'été et il avait suggéré que le différend avec l'Égypte soit soumis aux Nations Unies. Dans deux lettres envoyées à Eden les 3 et 10 août, Gaitskell a condamné Nasser, mais a averti qu'il ne soutiendrait aucune action violant la charte des Nations Unies. Dans sa lettre du 10 août, Gaitskell écrivait : « Afin qu'il n'y ait aucun doute dans votre esprit sur mon attitude personnelle, permettez-moi de dire que je ne peux pas considérer une attaque armée contre l'Égypte par nous-mêmes et par les Français comme justifiée par quoi que ce soit que Nasser ait Selon moi, une telle attaque ne serait pas non plus justifiée pour imposer un système de contrôle international sur le canal - aussi souhaitable soit-il. toute l'affaire devait être portée devant les Nations Unies et si l'Egypte était condamnée par celles-ci comme agresseur, alors, bien sûr, la position serait différente et si de nouvelles mesures équivalant à une agression évidente de la part de l'Egypte étaient prises par Nasser, alors. encore une fois, ce serait différent. Jusqu’à présent, ce que Nasser a fait constitue une menace, une menace grave pour nous et pour les autres, qui ne peut certainement pas être ignorée ; mais ce n’est qu’une menace qui, à mon avis, ne justifie pas des représailles par la guerre. »
On s'attendait généralement à ce que le Parti travailliste remporte les élections générales de 1959, mais ce n'est pas le cas. Gaitskell a été minée par les doutes du public quant à la crédibilité des propositions d'augmentation des retraites et par une campagne conservatrice très efficace menée par Harold Macmillan sous le slogan « La vie est meilleure avec les conservateurs, ne laissez pas les travaillistes la gâcher », qui a capitalisé sur la prospérité économique de la Grande-Bretagne. Cette défaite électorale a conduit à se demander si les travaillistes pourraient un jour remporter à nouveau des élections générales, mais Gaitskell est resté leader.
Après la défaite électorale, d’âpres disputes intestines ont repris. Gaitskell a blâmé la gauche pour la défaite et a tenté en vain de modifier la clause travailliste IV - qui, selon ses partisans, engageait le parti à nationaliser davantage l'industrie, tandis que Gaitskell et ses partisans pensaient qu'elle était devenue soit superflue, soit un handicap politique. Il a également résisté avec succès aux tentatives visant à engager le parti travailliste dans une position unilatérale sur les armes nucléaires – perdant le vote en 1960 et incitant ensuite ses partisans à « se battre, se battre et se battre encore pour sauver le parti que nous aimons ». La décision a été annulée l’année suivante, mais la question est restée controversée et de nombreux membres de la gauche ont continué à appeler à un changement de direction. Il a été contesté sans succès à la direction par Harold Wilson en 1960 et de nouveau en 1961 par Anthony Greenwood.
Les batailles au sein du parti ont donné naissance à la Campagne pour le socialisme démocratique pour défendre la position des Gaitskellite au début des années 1960. Bon nombre des plus jeunes membres du CDS figureront plus tard parmi les membres fondateurs du SDP en 1981. Gaitskell s'est aliéné certains de ses partisans par son apparente opposition à l'adhésion britannique à la Communauté économique européenne. Dans un discours prononcé lors de la conférence du parti en octobre 1962, Gaitskell affirma que la participation de la Grande-Bretagne à une Europe fédérale signifierait « la fin de la Grande-Bretagne en tant qu'État européen indépendant, la fin de mille ans d'histoire ! » Il a ajouté : "Vous pouvez dire, d'accord ! Que cela se termine ! Mais, mon Dieu, c'est une décision qui nécessite un peu de soin et de réflexion."
La mort
Il décède en janvier 1963, à l'âge de 56 ans, des suites d'une poussée soudaine de lupus érythémateux, une maladie auto-immune. Sa mort a laissé une ouverture à Harold Wilson à la direction du parti ; Wilson a remporté de justesse les prochaines élections générales travaillistes 21 mois plus tard.
La nature brutale et inattendue de sa mort a conduit à certaines spéculations selon lesquelles un acte criminel aurait pu être impliqué. La théorie du complot la plus populaire impliquait un prétendu complot du KGB soviétique visant à garantir que Wilson (que les partisans de ces théories prétendent être lui-même un agent du KGB) devienne Premier ministre. Cette affirmation a reçu une nouvelle vie grâce au livre controversé de Peter Wright, Spycatcher, paru en 1987, mais la seule preuve jamais révélée était le témoignage d'un transfuge soviétique, Anatoliy Golitsyn. Golitsyne était un personnage controversé qui affirmait également, par exemple, que la scission sino-soviétique était une tromperie destinée à tromper l’Occident. Ses affirmations concernant Wilson ont fait l'objet d'enquêtes à plusieurs reprises et n'ont jamais été étayées.
Gaitskell est enterré dans le cimetière de l'église St John-at-Hampstead, au nord de Londres. Sa femme a été enterrée à ses côtés après sa propre mort en 1989.
Héritage
Parce qu’il n’est jamais devenu Premier ministre et en raison de la grande capacité que beaucoup considéraient qu’il possédait pour ce poste, Hugh Gaitskell est largement respecté par les gens à l’intérieur et à l’extérieur du parti travailliste. Gaitskell est considéré par certains comme « le meilleur Premier ministre que nous n'ayons jamais eu ».
Tony Benn a comparé sa position sur la crise de Suez à celle de l'ancien Premier ministre britannique Tony Blair sur la guerre en Irak. Margaret Thatcher a comparé Blair à Gaitskell d'une manière différente, avertissant son parti lorsque Blair est arrivé au pouvoir qu'il était le leader travailliste le plus redoutable depuis Hugh Gaitskell.
Son nom apparaît de temps en temps dans la culture populaire. Par exemple, « Hugh Gaitskell House » est le bâtiment que le personnage de Nicholas Lyndhurst, Garry Sparrow, recherche dans Goodnight Sweetheart lorsqu'il découvre pour la première fois la Seconde Guerre mondiale à Londres. Une tour de ce nom se trouve en face de la gare de Stoke Newington, au nord de Londres.
L'école primaire Hugh Gaitskell est située à Beeston, qui fait partie de son ancienne circonscription de Leeds Sud. La zone fait désormais partie de la circonscription de Leeds Central, représentée par Hilary Benn.
En 1978, environ 15 ans après sa mort, un nouveau lotissement du conseil de Sandwell dans la région de Tividale dans les West Midlands a été nommé Gaitskell Terrace. | http://quiz4free.com/ |
Quelle rivière traverse le Grand Canyon aux États-Unis ? | Colorado | [
"Le Grand Canyon (Hopi : Ongtupqa ; Navajo : Tsékooh Hatsoh, espagnol : Gran Cañón) est un canyon aux parois abruptes creusé par le fleuve Colorado dans l'État de l'Arizona aux États-Unis. Il est contenu et géré par le parc national du Grand Canyon, la forêt nationale de Kaibab, le monument national du Grand Canyon-Parashant, la nation tribale Hualapai, le peuple Havasupai et la nation Navajo. Le président Theodore Roosevelt était un partisan majeur de la préservation de la région du Grand Canyon et s'y est rendu à de nombreuses reprises pour chasser et profiter du paysage.",
"Le Grand Canyon mesure 277 milles de long, jusqu'à 18 milles de large et atteint une profondeur de plus d'un mille (6 093 pieds). Près de deux milliards d'années de l'histoire géologique de la Terre ont été révélées lorsque le fleuve Colorado et ses affluents ont creusé leurs canaux à travers couche après couche de roche tandis que le plateau du Colorado était soulevé. .htm Formations géologiques du Grand Canyon] National Park Service Récupéré le 17/11/2009 Alors que certains aspects de l'histoire de l'incision du canyon sont débattus par les géologues, plusieurs études récentes soutiennent l'hypothèse selon laquelle le fleuve Colorado a établi son cours à travers la région. il y a environ 5 à 6 millions d'années. Depuis lors, le fleuve Colorado a entraîné l’affaissement des affluents et le retrait des falaises, approfondissant et élargissant simultanément le canyon.",
"Le Grand Canyon est une vallée fluviale du plateau du Colorado qui expose des strates protérozoïques et paléozoïques surélevées et constitue également l'une des 19 sections physiographiques distinctes de la province du plateau du Colorado. Ce n’est pas le canyon le plus profond du monde (les gorges de Kali Gandaki au Népal sont bien plus profondes). Cependant, le Grand Canyon est connu pour sa taille visuellement impressionnante et son paysage complexe et coloré. Géologiquement, il est important en raison de l'épaisse séquence de roches anciennes bien conservées et exposées dans les parois du canyon. Ces couches rocheuses témoignent d’une grande partie de l’histoire géologique du continent nord-américain.",
"Le soulèvement associé à la formation des montagnes a ensuite déplacé ces sédiments à des milliers de pieds vers le haut et a créé le plateau du Colorado. L'altitude plus élevée a également entraîné une augmentation des précipitations dans la zone de drainage du fleuve Colorado, mais pas suffisamment pour que la région du Grand Canyon ne soit plus semi-aride. Le soulèvement du plateau du Colorado est inégal et le plateau de Kaibab que divise le Grand Canyon est plus de 1 000 pieds plus haut sur la rive nord (environ 1 000 pieds) que sur la rive sud. Presque tout le ruissellement de la rive nord (qui reçoit également plus de pluie et de neige) s'écoule vers le Grand Canyon, tandis qu'une grande partie du ruissellement sur le plateau derrière la rive sud s'éloigne du canyon (en suivant l'inclinaison générale). Le résultat est des lavages et des canyons d'affluents plus profonds et plus longs du côté nord et des canyons latéraux plus courts et plus raides du côté sud.",
"Le Grand Canyon fait partie du bassin du fleuve Colorado qui s'est développé au cours des 40 derniers millions d'années. Une étude récente situe les origines du canyon il y a environ 17 millions d'années. Des estimations précédentes avaient placé l'âge du canyon entre 5 et 6 millions d'années. L'étude, publiée dans la revue Science en 2008, a utilisé la datation uranium-plomb pour analyser les dépôts de calcite trouvés sur les parois de neuf grottes du canyon. Il existe de nombreuses controverses car cette recherche suggère un écart important par rapport au consensus scientifique antérieur largement soutenu. En décembre 2012, une étude publiée dans la revue Science affirmait que de nouveaux tests suggéraient que le Grand Canyon pourrait être vieux de 70 millions d'années. Cependant, cette étude a été critiquée par ceux qui soutiennent l'âge du « jeune canyon » d'environ six millions d'années comme « [une] tentative de pousser l'interprétation de leurs nouvelles données à leurs limites sans prendre en compte l'ensemble des autres ensembles de données géologiques ». \".",
"La grande profondeur du Grand Canyon et surtout la hauteur de ses strates (dont la plupart se sont formées sous le niveau de la mer) peuvent être attribuées au soulèvement (5 000 to) du plateau du Colorado, commençant il y a environ 65 millions d'années (pendant l'orogenèse du Laramide). . Ce soulèvement a accentué la pente du fleuve Colorado et de ses affluents, ce qui a augmenté leur vitesse et donc leur capacité à traverser la roche (voir le résumé de l'élévation du fleuve Colorado pour les conditions actuelles).",
"Les conditions météorologiques pendant les périodes glaciaires ont également augmenté la quantité d’eau dans le système de drainage du fleuve Colorado. Le fleuve Colorado ancestral a réagi en coupant son lit plus rapidement et plus profondément.",
"Le niveau de base et le cours du fleuve Colorado (ou son équivalent ancestral) ont changé il y a 5,3 millions d'années lorsque le golfe de Californie s'est ouvert et a abaissé le niveau de base du fleuve (son point le plus bas). Cela a augmenté le taux d'érosion et réduit presque toute la profondeur actuelle du Grand Canyon il y a 1,2 million d'années. Les parois en terrasses du canyon ont été créées par une érosion différentielle.",
"Les Sinagua étaient un groupe culturel occupant une zone au sud-est du Grand Canyon, entre le petit fleuve Colorado et la rivière Salée, entre 500 et 1425 environ. Les Sinagua étaient peut-être les ancêtres de plusieurs clans Hopi.",
"En 1857, Edward Fitzgerald Beale était surintendant d'une expédition visant à étudier une route de charrette le long du 35e parallèle, de Fort Defiance, en Arizona, jusqu'au fleuve Colorado. Il dirigea un petit groupe d'hommes à la recherche d'eau sur le plateau de Coconino, près de la rive sud du canyon. Le 19 septembre, près de l'actuel National Canyon, ils sont tombés sur ce que May Humphreys Stacey a décrit dans son journal comme « ... un merveilleux canyon de quatre mille pieds de profondeur. Tout le monde (dans le groupe) a admis qu'il n'avait jamais rien vu d'équivalent. ou égaler cette étonnante curiosité naturelle.",
"Toujours en 1857, le ministère américain de la Guerre demanda au lieutenant Joseph Ives de diriger une expédition visant à évaluer la faisabilité d'une navigation en amont à partir du golfe de Californie. Également à bord d'un bateau à vapeur à roue arrière \"Explorer\", après deux mois et 350 milles de navigation difficile, son groupe atteint Black Canyon environ deux mois après George Johnson. Le « Explorer » a heurté un rocher et a été abandonné. Ives a conduit son groupe vers l'est dans le Canyon ; ils ont peut-être été les premiers Européens à parcourir le bassin versant de Diamond Creek et à se diriger vers l'est le long de la rive sud. Dans son rapport « Colorado River of the West » au Sénat en 1861, il déclare qu'« un ou deux trappeurs prétendent avoir vu le canyon ».",
"Selon le San Francisco Herald, dans une série d'articles parus en 1853, le capitaine Joseph R. Walker, en janvier 1851, avec son neveu James T. Walker et six hommes, remonta le fleuve Colorado jusqu'à un point où il rejoignit la rivière Virgin et a continué vers l'est en Arizona, voyageant le long du Grand Canyon et faisant de courts voyages d'exploration en cours de route. Walker aurait déclaré vouloir rendre visite aux Indiens Moqui, comme les Blancs appelaient alors les Hopi. Il avait rencontré ces personnes brièvement au cours des années précédentes, les trouvait extrêmement intéressantes et souhaitait mieux les connaître. Le journaliste du Herald a ensuite rapporté : « Nous pensons que le capitaine Joe Walker est le seul homme blanc de ce pays à avoir jamais rendu visite à ce peuple étrange. »",
"En 1869, le major John Wesley Powell dirigea la première expédition dans le Canyon. Powell partit explorer le fleuve Colorado et le Grand Canyon. Rassemblant neuf hommes, quatre bateaux et de la nourriture pendant 10 mois, il partit de Green River, Wyoming, le 24 mai. En traversant (ou en portageant autour) une série de rapides dangereux, le groupe descendit la rivière Green jusqu'à son confluent avec le Colorado. River, près de l'actuel Moab, dans l'Utah, et a terminé le voyage avec de nombreuses difficultés à travers le Grand Canyon le 13 août 1869. En 1871, Powell a utilisé pour la première fois le terme « Grand Canyon » ; auparavant, on l'appelait le « Big Canyon ».",
"En 1889, Frank M. Brown souhaitait construire un chemin de fer le long du fleuve Colorado pour transporter du charbon. Lui, son ingénieur en chef Robert Brewster Stanton et 14 autres personnes ont commencé à explorer le Grand Canyon à bord de bateaux en bois de cèdre mal conçus, sans gilet de sauvetage. Brown s'est noyé dans un accident près de Marble Canyon : Stanton a fabriqué de nouveaux bateaux et a commencé à explorer le Colorado jusqu'au golfe de Californie.",
"Entre 2003 et 2011, 2 215 claims miniers adjacents au Canyon ont été demandés, y compris des claims concernant des mines d'uranium. L'exploitation minière est suspendue depuis 2009, lorsque le secrétaire américain à l'Intérieur, Ken Salazar, a retiré 1 6acre du processus d'autorisation, en attendant l'évaluation de l'impact environnemental de l'exploitation minière. Les détracteurs des mines craignent qu'une fois extrait, l'uranium ne s'infiltre dans l'eau du fleuve Colorado et ne contamine les réserves d'eau de près de 18 millions de personnes. Le soi-disant « retrait du nord de l'Arizona » de Salazar est un moratoire de 20 ans sur les nouvelles mines, mais permet aux mines existantes de continuer. En 2012, le gouvernement fédéral a arrêté de nouvelles mines dans la région, ce qui a été confirmé par le tribunal de district américain de l'Arizona en 2014, mais a fait appel de la National Mining Association, rejointe par l'État de l'Arizona sous la direction du procureur général Mark Brnovich ainsi que par l'Utah. Montana et Nevada. National Mining Association c. Jewell est en instance devant la Cour d'appel du neuvième circuit depuis septembre 2015.",
"* Kolb Studio a été construit en 1904 par les frères Ellsworth et Emery Kolb. C'étaient des photographes qui gagnaient leur vie en photographiant les visiteurs marchant sur le Bright Angel Trail. En 1911, les frères Kolb filment leur voyage sur les rivières Verte et Colorado. Emery Kolb a régulièrement projeté ce film dans son studio jusqu'en 1976, date à laquelle il est décédé à l'âge de 95 ans. Aujourd'hui, le bâtiment sert de galerie d'art et d'exposition.",
"*La Desert View Watchtower, l'une des œuvres les plus connues de Mary Colter, a été construite en 1932. Située à l'extrémité est de la rive sud, à 43 km du village du Grand Canyon, la tour mesure 70 pieds de hauteur. Le sommet de la tour culmine à 7 522 pieds au-dessus du niveau de la mer, soit le point culminant de la rive sud. Il offre l'une des rares vues complètes sur le fond du Canyon et le fleuve Colorado. Elle a été conçue pour imiter les tours de guet d'Anasazi, mais avec quatre niveaux, elle est nettement plus haute que les tours historiques.",
"La météo dans le Grand Canyon varie en fonction de l’altitude. Les bordures boisées sont suffisamment hautes pour recevoir les chutes de neige hivernales, mais le long du fleuve Colorado, dans l'Inner Gorge, les températures sont similaires à celles trouvées à Tucson et dans d'autres régions désertiques de basse altitude de l'Arizona. Les conditions dans la région du Grand Canyon sont généralement sèches, mais des précipitations importantes se produisent deux fois par an, lors des changements de régime saisonnier en hiver (lorsque les tempêtes du Pacifique apportent généralement des pluies étendues et modérées et de la neige en haute altitude à la région depuis l'ouest) et à la fin de l'été ( en raison de la mousson nord-américaine, qui produit des vagues d'humidité en provenance du sud-est, provoquant des orages dramatiques et localisés alimentés par la chaleur de la journée). Les précipitations annuelles moyennes sur la rive sud sont inférieures à 16 pouces, avec 60 pouces de neige ; la rive nord supérieure reçoit généralement 27 pouces d'humidité, avec des chutes de neige typiques de 144 pouces; et Phantom Ranch, bien en dessous des bords du Canyon, le long du fleuve Colorado, à 2 500 pieds (762 m), ne reçoit que 8 pouces de pluie et la neige est rare.",
"En 1990, des amendements au Clean Air Act ont créé la Grand Canyon Visibility Transport Commission (GCVTC) pour conseiller l'EPA des États-Unis sur les stratégies de protection de la qualité visuelle de l'air sur le plateau du Colorado. Le GCVTC a publié son rapport final en 1996 et a lancé le Western Regional Air Partnership (WRAP), un partenariat d’agences étatiques, tribales et fédérales pour aider à coordonner la mise en œuvre des recommandations de la Commission.",
"Il existe environ 1 737 espèces connues de plantes vasculaires, 167 espèces de champignons, 64 espèces de mousse et 195 espèces de lichens dans le parc national du Grand Canyon. Cette variété est en grande partie due au changement d'altitude depuis le fleuve Colorado jusqu'au point culminant de la rive nord. Le Grand Canyon abrite une douzaine de plantes endémiques (connues uniquement dans les limites du parc) alors que seulement dix pour cent de la flore du parc est exotique. Soixante-trois plantes trouvées ici ont reçu un statut spécial de la part du US Fish and Wildlife Service.",
"Sur les 34 espèces de mammifères trouvées le long du corridor du fleuve Colorado, 18 sont des rongeurs et huit sont des chauves-souris.",
"La zone de vie du bas Sonora s'étend du fleuve Colorado jusqu'à 3 500 pieds. Le long du fleuve Colorado et de ses affluents pérennes, il existe une communauté riveraine. Le saule coyote, l'arrowweed, le saule suintant, le mesquite à miel occidental, l'acacia à griffes de chat et le tamaris exotique (saltcedar) sont les espèces prédominantes. Les jardins suspendus, les suintements et les sources contiennent souvent des plantes rares telles que le redbud occidental à fleurs blanches, l'orchidée de ruisseau et la flaveria de McDougall. Les poissons en voie de disparition dans la rivière comprennent le chevesne à bosse et le meunier rasoir.",
"Les trois amphibiens les plus communs dans ces communautés riveraines sont la rainette des canyons, le crapaud à points rouges et le crapaud des montagnes Rocheuses de Woodhouse. Les grenouilles léopards sont très rares dans le corridor du fleuve Colorado et leur présence n'est connue que sur quelques sites. Il existe 33 espèces de crustacés trouvées dans le fleuve Colorado et ses affluents dans le parc national du Grand Canyon. Parmi ces 33, 16 sont considérés comme de véritables organismes zooplanctoniques.",
"Il existe environ 47 espèces de reptiles dans le parc national du Grand Canyon. Dix sont considérés comme communs le long du couloir fluvial et comprennent des lézards et des serpents. La densité des lézards a tendance à être la plus élevée le long de la bande de terre située entre le bord de l'eau et le début de la communauté du désert des hautes terres. Les deux plus grands lézards du Canyon sont les monstres Gila et les Chuckwallas. De nombreuses espèces de serpents, qui ne dépendent pas directement des eaux de surface, peuvent être trouvées à la fois dans la gorge intérieure et dans le couloir du fleuve Colorado. Six espèces de serpents à sonnettes ont été recensées dans le parc.",
"À l'exception du gecko à bandes occidentales (désert), qui semble être distribué uniquement près de l'eau le long du fleuve Colorado, tous les reptiles trouvés près du fleuve apparaissent également dans les hautes terres, mais en densités moindres. La tortue gopher du désert, une espèce menacée, habite les garrigues désertiques à l'extrémité ouest du parc."
] | Le Grand Canyon (Hopi : Ongtupqa ; Navajo : Tsékooh Hatsoh, espagnol : Gran Cañón) est un canyon aux parois abruptes creusé par le fleuve Colorado dans l'État de l'Arizona aux États-Unis. Il est contenu et géré par le parc national du Grand Canyon, la forêt nationale de Kaibab, le monument national du Grand Canyon-Parashant, la nation tribale Hualapai, le peuple Havasupai et la nation Navajo. Le président Theodore Roosevelt était un partisan majeur de la préservation de la région du Grand Canyon et s'y est rendu à de nombreuses reprises pour chasser et profiter du paysage.
Le Grand Canyon mesure 277 milles de long, jusqu'à 18 milles de large et atteint une profondeur de plus d'un mille (6 093 pieds). Près de deux milliards d'années de l'histoire géologique de la Terre ont été révélées lorsque le fleuve Colorado et ses affluents ont creusé leurs canaux à travers couche après couche de roche tandis que le plateau du Colorado était soulevé. .htm Formations géologiques du Grand Canyon] National Park Service Récupéré le 17/11/2009 Alors que certains aspects de l'histoire de l'incision du canyon sont débattus par les géologues, plusieurs études récentes soutiennent l'hypothèse selon laquelle le fleuve Colorado a établi son cours à travers la région. il y a environ 5 à 6 millions d'années. Depuis lors, le fleuve Colorado a entraîné l’affaissement des affluents et le retrait des falaises, approfondissant et élargissant simultanément le canyon.
Pendant des milliers d'années, la région a été habitée en permanence par les Amérindiens, qui ont construit des colonies dans le canyon et ses nombreuses grottes. Le peuple Pueblo considérait le Grand Canyon comme un lieu saint et y faisait des pèlerinages. Le premier Européen connu à avoir visité le Grand Canyon fut l'Espagnol García López de Cárdenas, arrivé en 1540.
Géographie
Le Grand Canyon est une vallée fluviale du plateau du Colorado qui expose des strates protérozoïques et paléozoïques surélevées et constitue également l'une des 19 sections physiographiques distinctes de la province du plateau du Colorado. Ce n’est pas le canyon le plus profond du monde (les gorges de Kali Gandaki au Népal sont bien plus profondes). Cependant, le Grand Canyon est connu pour sa taille visuellement impressionnante et son paysage complexe et coloré. Géologiquement, il est important en raison de l'épaisse séquence de roches anciennes bien conservées et exposées dans les parois du canyon. Ces couches rocheuses témoignent d’une grande partie de l’histoire géologique du continent nord-américain.
Le soulèvement associé à la formation des montagnes a ensuite déplacé ces sédiments à des milliers de pieds vers le haut et a créé le plateau du Colorado. L'altitude plus élevée a également entraîné une augmentation des précipitations dans la zone de drainage du fleuve Colorado, mais pas suffisamment pour que la région du Grand Canyon ne soit plus semi-aride. Le soulèvement du plateau du Colorado est inégal et le plateau de Kaibab que divise le Grand Canyon est plus de 1 000 pieds plus haut sur la rive nord (environ 1 000 pieds) que sur la rive sud. Presque tout le ruissellement de la rive nord (qui reçoit également plus de pluie et de neige) s'écoule vers le Grand Canyon, tandis qu'une grande partie du ruissellement sur le plateau derrière la rive sud s'éloigne du canyon (en suivant l'inclinaison générale). Le résultat est des lavages et des canyons d'affluents plus profonds et plus longs du côté nord et des canyons latéraux plus courts et plus raides du côté sud.
Les températures sur la rive nord sont généralement inférieures à celles de la rive sud en raison de la plus grande altitude (en moyenne au-dessus du niveau de la mer). De fortes pluies sont fréquentes sur les deux rives pendant les mois d'été. L'accès à la rive nord via la route principale menant au canyon (State Route 67) est limité pendant la saison hivernale en raison de fermetures de routes.
Géologie
Le Grand Canyon fait partie du bassin du fleuve Colorado qui s'est développé au cours des 40 derniers millions d'années. Une étude récente situe les origines du canyon il y a environ 17 millions d'années. Des estimations précédentes avaient placé l'âge du canyon entre 5 et 6 millions d'années. L'étude, publiée dans la revue Science en 2008, a utilisé la datation uranium-plomb pour analyser les dépôts de calcite trouvés sur les parois de neuf grottes du canyon. Il existe de nombreuses controverses car cette recherche suggère un écart important par rapport au consensus scientifique antérieur largement soutenu. En décembre 2012, une étude publiée dans la revue Science affirmait que de nouveaux tests suggéraient que le Grand Canyon pourrait être vieux de 70 millions d'années. Cependant, cette étude a été critiquée par ceux qui soutiennent l'âge du « jeune canyon » d'environ six millions d'années comme « [une] tentative de pousser l'interprétation de leurs nouvelles données à leurs limites sans prendre en compte l'ensemble des autres ensembles de données géologiques ». ".
Le canyon est le résultat d'une érosion qui expose l'une des colonnes géologiques les plus complètes de la planète.
Les principales expositions géologiques du Grand Canyon vont du schiste de Vishnu, vieux de 2 milliards d'années, au fond de la gorge intérieure, au calcaire de Kaibab, vieux de 230 millions d'années, sur le bord. Il existe un écart d'environ un milliard d'années entre la strate vieille de 500 millions d'années et le niveau situé en dessous, qui date d'il y a environ 1,5 milliard d'années. Cette grande discordance indique une longue période pendant laquelle aucun dépôt n'est présent.
De nombreuses formations se sont déposées dans des mers chaudes et peu profondes, dans des environnements proches des côtes (comme les plages) et dans des marécages alors que le littoral avançait et reculait à plusieurs reprises au-dessus des limites d'une proto-Amérique du Nord. Les principales exceptions incluent le grès permien de Coconino, qui contient d'abondantes preuves géologiques du dépôt de dunes de sable éoliennes. Plusieurs parties du groupe Supai ont également été déposées dans des environnements non marins.
La grande profondeur du Grand Canyon et surtout la hauteur de ses strates (dont la plupart se sont formées sous le niveau de la mer) peuvent être attribuées au soulèvement (5 000 to) du plateau du Colorado, commençant il y a environ 65 millions d'années (pendant l'orogenèse du Laramide). . Ce soulèvement a accentué la pente du fleuve Colorado et de ses affluents, ce qui a augmenté leur vitesse et donc leur capacité à traverser la roche (voir le résumé de l'élévation du fleuve Colorado pour les conditions actuelles).
Les conditions météorologiques pendant les périodes glaciaires ont également augmenté la quantité d’eau dans le système de drainage du fleuve Colorado. Le fleuve Colorado ancestral a réagi en coupant son lit plus rapidement et plus profondément.
Le niveau de base et le cours du fleuve Colorado (ou son équivalent ancestral) ont changé il y a 5,3 millions d'années lorsque le golfe de Californie s'est ouvert et a abaissé le niveau de base du fleuve (son point le plus bas). Cela a augmenté le taux d'érosion et réduit presque toute la profondeur actuelle du Grand Canyon il y a 1,2 million d'années. Les parois en terrasses du canyon ont été créées par une érosion différentielle.
Il y a entre 100 000 et 3 millions d'années, l'activité volcanique a déposé des cendres et de la lave sur la zone, obstruant parfois complètement la rivière. Ces roches volcaniques sont les plus jeunes du canyon.
Histoire
Amérindiens
Les Puebloans ancestraux étaient une culture amérindienne centrée sur la région actuelle des Four Corners aux États-Unis. Ils furent les premiers habitants connus à vivre dans la région du Grand Canyon. Le groupe culturel a souvent été désigné en archéologie sous le nom d'Anasazi, bien que le terme ne soit pas préféré par les peuples Puebloans modernes. Le mot « Anasazi » est Navajo pour « Anciens » ou « Ancien Ennemi ».
Les archéologues débattent encore de l’émergence de cette culture distincte. Le consensus actuel, basé sur la terminologie définie par la classification Pecos, suggère que leur émergence se situe vers 1200 au cours de l'ère Vannier II. Dès les premières explorations et fouilles, les chercheurs pensaient que les anciens Puebloans étaient les ancêtres des peuples Pueblo modernes.
En plus des Puebloans ancestraux, un certain nombre de cultures distinctes ont habité la région du Grand Canyon. Les Cohonina vivaient à l'ouest du Grand Canyon, entre 500 et 1 200 . Les Cohonina étaient les ancêtres des peuples Yuman, Havasupai et Walapai qui habitent aujourd'hui la région.
Les Sinagua étaient un groupe culturel occupant une zone au sud-est du Grand Canyon, entre le petit fleuve Colorado et la rivière Salée, entre 500 et 1425 environ. Les Sinagua étaient peut-être les ancêtres de plusieurs clans Hopi.
Au moment de l’arrivée des Européens au XVIe siècle, de nouvelles cultures avaient évolué. Les Hualapai habitent une étendue de 160 km le long du côté sud du Grand Canyon, recouvert de pins. Les Havasupai vivent dans la région proche de Cataract Canyon depuis le début du XIIIe siècle, occupant une superficie de la taille du Delaware. Les Paiutes du Sud vivent dans ce qui est aujourd'hui le sud de l'Utah et le nord de l'Arizona. Les Navajo, ou Diné, vivent dans une vaste zone s'étendant des pics de San Francisco vers l'est en direction des Four Corners. Des preuves archéologiques et linguistiques suggèrent que les Navajo descendent du peuple Athabaskan près du Grand Lac des Esclaves, au Canada, qui a émigré après le XIe siècle.
Arrivée et installation des Européens
explorateurs espagnols
En septembre 1540, sous les ordres du conquistador Francisco Vázquez de Coronado de rechercher les légendaires sept villes de Cibola, le capitaine García López de Cárdenas, accompagné de guides Hopi et d'un petit groupe de soldats espagnols, se rendit sur la rive sud du Grand Canyon. entre Desert View et Moran Point. Pablo de Melgrossa, Juan Galeras et un troisième soldat descendirent environ un tiers du chemin dans le Canyon jusqu'à ce qu'ils soient obligés de revenir en raison du manque d'eau. Dans leur rapport, ils ont noté que certains des rochers du canyon étaient « plus grands que la grande tour de Séville, la Giralda ». On suppose que leurs guides Hopi connaissaient probablement les itinéraires menant au fond du canyon, mais qu'ils étaient peut-être réticents à diriger les Espagnols. à la rivière. Aucun Européen n'a visité le Canyon à nouveau pendant plus de deux cents ans.
Les pères Francisco Atanasio Domínguez et Silvestre Vélez de Escalante étaient deux prêtres espagnols qui, avec un groupe de soldats espagnols, ont exploré le sud de l'Utah et parcouru le bord nord du Canyon dans les Canyons Glen et Marble à la recherche d'une route de Santa Fe à la Californie en 1776. Ils trouvèrent finalement un passage, autrefois connu sous le nom de « Traversée des Pères », qui se trouve aujourd'hui sous le lac Powell.
Également en 1776, Fray Francisco Garces, un missionnaire franciscain, passa une semaine près de Havasupai, tentant en vain de convertir un groupe d'Amérindiens au christianisme. Il a décrit le Canyon comme étant « profond ».
Exploration américaine
James Ohio Pattie, accompagné d'un groupe de trappeurs et de montagnards américains, fut peut-être le prochain Européen à atteindre le Canyon, en 1826.
Jacob Hamblin, un missionnaire mormon, fut envoyé par Brigham Young dans les années 1850 pour localiser des sites de traversée de rivière appropriés dans le Canyon. Établissant de bonnes relations avec les Amérindiens locaux de la nation Hualapai et les colons blancs, il trouva le Crossing of the Fathers et les endroits qui allaient devenir Lees Ferry en 1858 et Pearce Ferry (plus tard exploité par Harrison Pearce et nommé en son honneur) - seul ce dernier deux sites adaptés à l'exploitation des ferries. Il a également agi en tant que conseiller de John Wesley Powell avant sa deuxième expédition au Grand Canyon, servant de diplomate entre Powell et les tribus indigènes locales pour assurer la sécurité de son groupe.
En 1857, Edward Fitzgerald Beale était surintendant d'une expédition visant à étudier une route de charrette le long du 35e parallèle, de Fort Defiance, en Arizona, jusqu'au fleuve Colorado. Il dirigea un petit groupe d'hommes à la recherche d'eau sur le plateau de Coconino, près de la rive sud du canyon. Le 19 septembre, près de l'actuel National Canyon, ils sont tombés sur ce que May Humphreys Stacey a décrit dans son journal comme « ... un merveilleux canyon de quatre mille pieds de profondeur. Tout le monde (dans le groupe) a admis qu'il n'avait jamais rien vu d'équivalent. ou égaler cette étonnante curiosité naturelle.
Toujours en 1857, le ministère américain de la Guerre demanda au lieutenant Joseph Ives de diriger une expédition visant à évaluer la faisabilité d'une navigation en amont à partir du golfe de Californie. Également à bord d'un bateau à vapeur à roue arrière "Explorer", après deux mois et 350 milles de navigation difficile, son groupe atteint Black Canyon environ deux mois après George Johnson. Le « Explorer » a heurté un rocher et a été abandonné. Ives a conduit son groupe vers l'est dans le Canyon ; ils ont peut-être été les premiers Européens à parcourir le bassin versant de Diamond Creek et à se diriger vers l'est le long de la rive sud. Dans son rapport « Colorado River of the West » au Sénat en 1861, il déclare qu'« un ou deux trappeurs prétendent avoir vu le canyon ».
Selon le San Francisco Herald, dans une série d'articles parus en 1853, le capitaine Joseph R. Walker, en janvier 1851, avec son neveu James T. Walker et six hommes, remonta le fleuve Colorado jusqu'à un point où il rejoignit la rivière Virgin et a continué vers l'est en Arizona, voyageant le long du Grand Canyon et faisant de courts voyages d'exploration en cours de route. Walker aurait déclaré vouloir rendre visite aux Indiens Moqui, comme les Blancs appelaient alors les Hopi. Il avait rencontré ces personnes brièvement au cours des années précédentes, les trouvait extrêmement intéressantes et souhaitait mieux les connaître. Le journaliste du Herald a ensuite rapporté : « Nous pensons que le capitaine Joe Walker est le seul homme blanc de ce pays à avoir jamais rendu visite à ce peuple étrange. »
En 1858, John Strong Newberry devint probablement le premier géologue à visiter le Grand Canyon.
En 1869, le major John Wesley Powell dirigea la première expédition dans le Canyon. Powell partit explorer le fleuve Colorado et le Grand Canyon. Rassemblant neuf hommes, quatre bateaux et de la nourriture pendant 10 mois, il partit de Green River, Wyoming, le 24 mai. En traversant (ou en portageant autour) une série de rapides dangereux, le groupe descendit la rivière Green jusqu'à son confluent avec le Colorado. River, près de l'actuel Moab, dans l'Utah, et a terminé le voyage avec de nombreuses difficultés à travers le Grand Canyon le 13 août 1869. En 1871, Powell a utilisé pour la première fois le terme « Grand Canyon » ; auparavant, on l'appelait le « Big Canyon ».
En 1889, Frank M. Brown souhaitait construire un chemin de fer le long du fleuve Colorado pour transporter du charbon. Lui, son ingénieur en chef Robert Brewster Stanton et 14 autres personnes ont commencé à explorer le Grand Canyon à bord de bateaux en bois de cèdre mal conçus, sans gilet de sauvetage. Brown s'est noyé dans un accident près de Marble Canyon : Stanton a fabriqué de nouveaux bateaux et a commencé à explorer le Colorado jusqu'au golfe de Californie.
Le Grand Canyon est devenu un monument national officiel en 1908 et un parc national en 1919.
Colons dans et à proximité du canyon
* Mineurs : "Capitaine" John Hance, William W. Bass, Louis Boucher "L'Ermite", Seth Tanner, Charles Spencer, D. W. "James" Mooney
* Lees Ferry : John Doyle Lee, Emma Lee French (17e des 19 épouses de John Lee), J. S. Emmett, Charles Spencer
* Ranch fantôme : David Rust, Mary Colter
* Village du Grand Canyon : Ralph H. Cameron, Emery et Ellsworth Kolb
Protection fédérale
Le président américain Theodore Roosevelt a visité le Grand Canyon en 1903. Passionné de plein air et fervent défenseur de l'environnement, il a créé la réserve de gibier du Grand Canyon le 28 novembre 1906. Le pâturage du bétail a été réduit, mais les prédateurs tels que les pumas, les aigles et les loups ont été éradiqués. Roosevelt a ajouté des terres forestières nationales adjacentes et a renommé la réserve monument national des États-Unis le 11 janvier 1908. Des opposants tels que des détenteurs de claims fonciers et miniers ont bloqué les efforts visant à reclasser le monument en parc national des États-Unis pendant 11 ans. Le parc national du Grand Canyon a finalement été créé en tant que 17e parc national des États-Unis par une loi du Congrès signée par le président Woodrow Wilson le 26 février 1919.
Les administrateurs du gouvernement fédéral qui gèrent les ressources des parcs sont confrontés à de nombreux défis. Il s'agit notamment des problèmes liés à la récente réintroduction dans la nature du condor de Californie, une espèce très menacée, aux niveaux de bruit des survols aériens, aux conflits sur les droits d'eau avec diverses réserves tribales qui bordent le parc et à la gestion des incendies de forêt. Le surintendant du parc national du Grand Canyon est Steve Martin, nommé le 5 février 2007 pour remplacer le surintendant sortant Joe Alston. Martin était auparavant directeur adjoint du National Park Service et surintendant de plusieurs autres parcs nationaux, dont Denali et Grand Teton. Les autorités fédérales ont déclenché une inondation dans le Grand Canyon dans l'espoir de restaurer son écosystème le 5 mars 2008. L'écosystème du canyon a été définitivement modifié après la construction du barrage de Glen Canyon en 1963.
Entre 2003 et 2011, 2 215 claims miniers adjacents au Canyon ont été demandés, y compris des claims concernant des mines d'uranium. L'exploitation minière est suspendue depuis 2009, lorsque le secrétaire américain à l'Intérieur, Ken Salazar, a retiré 1 6acre du processus d'autorisation, en attendant l'évaluation de l'impact environnemental de l'exploitation minière. Les détracteurs des mines craignent qu'une fois extrait, l'uranium ne s'infiltre dans l'eau du fleuve Colorado et ne contamine les réserves d'eau de près de 18 millions de personnes. Le soi-disant « retrait du nord de l'Arizona » de Salazar est un moratoire de 20 ans sur les nouvelles mines, mais permet aux mines existantes de continuer. En 2012, le gouvernement fédéral a arrêté de nouvelles mines dans la région, ce qui a été confirmé par le tribunal de district américain de l'Arizona en 2014, mais a fait appel de la National Mining Association, rejointe par l'État de l'Arizona sous la direction du procureur général Mark Brnovich ainsi que par l'Utah. Montana et Nevada. National Mining Association c. Jewell est en instance devant la Cour d'appel du neuvième circuit depuis septembre 2015.
Bâtiments de la rive sud
Il existe plusieurs bâtiments historiques situés le long de la rive sud, la plupart à proximité du village du Grand Canyon.
* La cabane Buckey O'Neill a été construite dans les années 1890 par William Owen "Buckey" O'Neill. Il a construit la cabane en raison d'un gisement de cuivre situé à proximité. Il a exercé plusieurs professions telles que mineur, juge, homme politique, auteur et guide touristique. Cette cabane est la plus longue structure debout sur la rive sud. Il est actuellement utilisé comme maison d'hôtes ; la réservation est requise longtemps à l'avance.
* Kolb Studio a été construit en 1904 par les frères Ellsworth et Emery Kolb. C'étaient des photographes qui gagnaient leur vie en photographiant les visiteurs marchant sur le Bright Angel Trail. En 1911, les frères Kolb filment leur voyage sur les rivières Verte et Colorado. Emery Kolb a régulièrement projeté ce film dans son studio jusqu'en 1976, date à laquelle il est décédé à l'âge de 95 ans. Aujourd'hui, le bâtiment sert de galerie d'art et d'exposition.
* L'hôtel El Tovar a été construit en 1905 et est l'hébergement le plus luxueux de la rive sud. L'hôtel se compose de 4 étages avec une apparence de chalet rustique appelé « National Park Rustic ». Il a été conçu par Charles Whittlesley. Une boutique de souvenirs et un restaurant sont situés à l'intérieur de l'hôtel.
* Hopi House a été construite par Mary Jane Colter en 1905. Elle est basée sur des structures qui ont été construites dans une ancienne colonie Hopi appelée Old Oraibi, située sur la Troisième Mesa dans l'est de l'Arizona. Il servait de résidence aux Indiens Hopi qui vendaient des objets d'art et d'artisanat aux visiteurs de la rive sud.
* Les Curios de Verkamp, qui se trouvent à côté de la Maison Hopi, ont été construits par John Verkamp en 1905. Il vendait des objets d'art et d'artisanat ainsi que des souvenirs. Jusqu'en septembre 2008, elle était dirigée par ses descendants ; en novembre 2008, le bâtiment a rouvert ses portes en tant que centre d'accueil axé sur l'histoire de la communauté du Grand Canyon Village.
*Le dépôt ferroviaire du Grand Canyon a été achevé en 1910 et contient 2 niveaux. Gordon Chappell, historien régional du Park Service, affirme que ce bâtiment de dépôt est l'une des trois gares de style cabane en rondins actuellement existantes, sur quatorze jamais construites aux États-Unis. Le dépôt est le terminus nord du chemin de fer du Grand Canyon qui commence à Williams, en Arizona.
*Lookout Studio, une autre conception de Mary Colter, a été construit en 1914. Des photographies, des œuvres d'art, des livres, des souvenirs ainsi que des spécimens de roches et de fossiles sont vendus ici. Une vue magnifique sur Bright Angel Trail peut être vue ici.
*La Desert View Watchtower, l'une des œuvres les plus connues de Mary Colter, a été construite en 1932. Située à l'extrémité est de la rive sud, à 43 km du village du Grand Canyon, la tour mesure 70 pieds de hauteur. Le sommet de la tour culmine à 7 522 pieds au-dessus du niveau de la mer, soit le point culminant de la rive sud. Il offre l'une des rares vues complètes sur le fond du Canyon et le fleuve Colorado. Elle a été conçue pour imiter les tours de guet d'Anasazi, mais avec quatre niveaux, elle est nettement plus haute que les tours historiques.
*Bright Angel Lodge a été construit en rondins et en pierre en 1935. Mary Colter a conçu le lodge et il a été construit par la Fred Harvey Company. À l'intérieur du lodge se trouve un petit musée honorant Fred Harvey (27 juin 1835 – 9 février 1901), qui a joué un rôle majeur dans la popularisation du Grand Canyon. Dans la salle d'histoire se trouve une cheminée en pierre superposée dans le même ordre que celles du canyon.
Météo
La météo dans le Grand Canyon varie en fonction de l’altitude. Les bordures boisées sont suffisamment hautes pour recevoir les chutes de neige hivernales, mais le long du fleuve Colorado, dans l'Inner Gorge, les températures sont similaires à celles trouvées à Tucson et dans d'autres régions désertiques de basse altitude de l'Arizona. Les conditions dans la région du Grand Canyon sont généralement sèches, mais des précipitations importantes se produisent deux fois par an, lors des changements de régime saisonnier en hiver (lorsque les tempêtes du Pacifique apportent généralement des pluies étendues et modérées et de la neige en haute altitude à la région depuis l'ouest) et à la fin de l'été ( en raison de la mousson nord-américaine, qui produit des vagues d'humidité en provenance du sud-est, provoquant des orages dramatiques et localisés alimentés par la chaleur de la journée). Les précipitations annuelles moyennes sur la rive sud sont inférieures à 16 pouces, avec 60 pouces de neige ; la rive nord supérieure reçoit généralement 27 pouces d'humidité, avec des chutes de neige typiques de 144 pouces; et Phantom Ranch, bien en dessous des bords du Canyon, le long du fleuve Colorado, à 2 500 pieds (762 m), ne reçoit que 8 pouces de pluie et la neige est rare.
Les températures varient énormément tout au long de l'année, avec des températures estivales maximales dans la gorge intérieure dépassant généralement 100 °F (37,8 °C) et des températures minimales hivernales tombant parfois en dessous de zéro degré Fahrenheit (−17,8 °C) le long des bords du canyon. Les visiteurs sont souvent surpris par ces conditions potentiellement extrêmes, ce qui, ajouté à l'altitude élevée des bords du canyon, peut entraîner des effets secondaires désagréables tels que déshydratation, coups de soleil et hypothermie.
Les conditions météorologiques peuvent grandement affecter la randonnée et l'exploration des canyons, et les visiteurs doivent obtenir des prévisions précises en raison des dangers posés par l'exposition à des températures extrêmes, aux tempêtes hivernales et aux moussons de fin d'été. Bien que le service du parc publie des informations météorologiques aux portes et dans les centres d'accueil, il ne s'agit que d'une approximation approximative et ne doit pas être utilisée pour planifier un voyage. Pour connaître la météo précise dans le Canyon, les randonneurs doivent consulter la radio météo NOAA du National Weather Service ou le site Web officiel du National Weather Service.
Le National Weather Service dispose d'une station coopérative sur la rive sud depuis 1903. La température record sur la rive sud était de 105 °F (41 °C) le 26 juin 1974, et la température record était de -20 °F ( −29 °C) le 1er janvier 1919, le 1er février 1985 et le 23 décembre 1990.
Qualité de l'air
La région du Grand Canyon possède l’air le plus pur des États-Unis.
Cependant, la qualité de l'air peut parfois être considérablement affectée par des événements tels que les incendies de forêt et les tempêtes de poussière dans le sud-ouest.
L'effet sur la qualité de l'air et la visibilité dans le Canyon provient principalement des sulfates, des sols et des matières organiques. Les sulfates proviennent en grande partie des émissions urbaines du sud de la Californie, portées par les vents dominants d’ouest pendant une grande partie de l’année, et des émissions de la région des fonderies de cuivre de l’Arizona, portées par les vents du sud ou du sud-est pendant la saison de la mousson. Les sols en suspension dans l'air proviennent de conditions venteuses et de la poussière des routes. Les particules organiques proviennent des émissions des véhicules, du transport à longue distance depuis les zones urbaines et des incendies de forêt, ainsi que des COV émis par la végétation des forêts environnantes. Nitrates, transportés depuis les zones urbaines, les sources fixes et les émissions des véhicules ; ainsi que le carbone noir provenant des incendies de forêt et des émissions des véhicules, contribuent également dans une moindre mesure.
Un certain nombre d'actions ont été prises pour préserver et améliorer encore la qualité de l'air et la visibilité au Canyon.
En 1990, des amendements au Clean Air Act ont créé la Grand Canyon Visibility Transport Commission (GCVTC) pour conseiller l'EPA des États-Unis sur les stratégies de protection de la qualité visuelle de l'air sur le plateau du Colorado. Le GCVTC a publié son rapport final en 1996 et a lancé le Western Regional Air Partnership (WRAP), un partenariat d’agences étatiques, tribales et fédérales pour aider à coordonner la mise en œuvre des recommandations de la Commission.
En 1999, la Regional Haze Rule a fixé pour objectif de restaurer la visibilité dans les parcs nationaux et les zones sauvages (zones de classe 1), comme le Grand Canyon, aux niveaux naturels d'ici 2064. Les révisions ultérieures de la règle prévoient des exigences spécifiques pour réaliser des progrès raisonnables. vers cet objectif.
Au début des années 1990, des études indiquaient que les émissions de SO2, un précurseur de sulfate, provenant de la centrale électrique Navajo affectaient la visibilité dans le Canyon principalement en hiver et que, si elles étaient contrôlées, elles amélioreraient la visibilité hivernale de 2 à 7 %.
En conséquence, des épurateurs ont été ajoutés aux trois unités de l’usine entre 1997 et 1999, réduisant ainsi les émissions de SO2 de plus de 90 %. L'usine a également installé des brûleurs SOFA à faible teneur en NOx entre 2009 et 2011, réduisant ainsi les émissions de NOx, un précurseur du nitrate, de 40 %.
Il a également été constaté que les émissions de la centrale électrique de Mohave, à l’ouest, affectaient la visibilité dans le canyon. L'usine devait installer des épurateurs de SO2, mais a été fermée en 2005, éliminant ainsi complètement ses émissions.
Les feux dirigés sont généralement effectués au printemps et à l'automne dans les forêts adjacentes au canyon afin de réduire le risque d'incendies de forêt graves et les conditions de fumée qui en résultent. Bien que les brûlages dirigés affectent également la qualité de l'air, les conditions contrôlées permettent l'utilisation de techniques de gestion pour minimiser leur impact.
Biologie et écologie
Plantes
Il existe environ 1 737 espèces connues de plantes vasculaires, 167 espèces de champignons, 64 espèces de mousse et 195 espèces de lichens dans le parc national du Grand Canyon. Cette variété est en grande partie due au changement d'altitude depuis le fleuve Colorado jusqu'au point culminant de la rive nord. Le Grand Canyon abrite une douzaine de plantes endémiques (connues uniquement dans les limites du parc) alors que seulement dix pour cent de la flore du parc est exotique. Soixante-trois plantes trouvées ici ont reçu un statut spécial de la part du US Fish and Wildlife Service.
Le désert de Mojave influence les sections occidentales du canyon, la végétation du désert de Sonora couvre les sections orientales et les forêts de pins ponderosa et pinyon poussent sur les deux rives.
Les suintements naturels et les sources qui s'infiltrent hors des parois du canyon abritent 11 % de toutes les espèces végétales trouvées dans le Grand Canyon. Le canyon lui-même peut servir de lien entre l’est et l’ouest en fournissant des couloirs d’habitat approprié sur toute sa longueur. Le canyon peut également constituer une barrière génétique pour certaines espèces, comme l’écureuil à pampilles.
L'aspect, ou la direction vers laquelle fait face une pente, joue également un rôle majeur dans l'ajout de diversité au Grand Canyon. Les pentes exposées au nord reçoivent environ un tiers de la quantité normale de lumière solaire, de sorte que les plantes qui y poussent sont similaires aux plantes trouvées à des altitudes plus élevées ou à des latitudes plus septentrionales. Les pentes exposées au sud reçoivent toute la lumière du soleil et sont couvertes d'une végétation typique du désert de Sonora.
Animaux
Sur les 34 espèces de mammifères trouvées le long du corridor du fleuve Colorado, 18 sont des rongeurs et huit sont des chauves-souris.
Zones de vie et communautés
Le parc contient plusieurs écosystèmes majeurs. Sa grande diversité biologique peut être attribuée à la présence de cinq des sept zones de vie et de trois des quatre types de déserts d'Amérique du Nord. Les cinq zones de vie représentées sont le Bas Sonora, le Haut Sonora, la Transition, le Canadien et l'Hudsonien. Cela équivaut à voyager du Mexique au Canada. Les différences d'altitude et les variations climatiques qui en résultent sont les principaux facteurs qui forment les différentes zones de vie et communautés dans et autour du canyon. Le parc national du Grand Canyon contient 129 communautés végétales, et la composition et la répartition des espèces végétales sont influencées par le climat, la géomorphologie et la géologie.
Bas Sonora
La zone de vie du bas Sonora s'étend du fleuve Colorado jusqu'à 3 500 pieds. Le long du fleuve Colorado et de ses affluents pérennes, il existe une communauté riveraine. Le saule coyote, l'arrowweed, le saule suintant, le mesquite à miel occidental, l'acacia à griffes de chat et le tamaris exotique (saltcedar) sont les espèces prédominantes. Les jardins suspendus, les suintements et les sources contiennent souvent des plantes rares telles que le redbud occidental à fleurs blanches, l'orchidée de ruisseau et la flaveria de McDougall. Les poissons en voie de disparition dans la rivière comprennent le chevesne à bosse et le meunier rasoir.
Les trois amphibiens les plus communs dans ces communautés riveraines sont la rainette des canyons, le crapaud à points rouges et le crapaud des montagnes Rocheuses de Woodhouse. Les grenouilles léopards sont très rares dans le corridor du fleuve Colorado et leur présence n'est connue que sur quelques sites. Il existe 33 espèces de crustacés trouvées dans le fleuve Colorado et ses affluents dans le parc national du Grand Canyon. Parmi ces 33, 16 sont considérés comme de véritables organismes zooplanctoniques.
Seules 48 espèces d'oiseaux nichent régulièrement le long de la rivière, tandis que d'autres utilisent la rivière comme corridor de migration ou comme habitat d'hivernage. Le pygargue à tête blanche est une espèce qui utilise le corridor fluvial comme habitat d'hiver.
Les loutres de rivière ont peut-être disparu du parc à la fin du XXe siècle et les rats musqués sont extrêmement rares. Les castors coupent les saules, les peupliers et les arbustes pour se nourrir et peuvent affecter considérablement la végétation riveraine. D’autres rongeurs, tels que les écureuils antilopes et les souris de poche, sont pour la plupart omnivores et utilisent de nombreux types de végétation différents. Les chauves-souris du Grand Canyon se perchent généralement dans les hautes terres désertiques, mais se nourrissent de l'abondance d'insectes le long de la rivière et de ses affluents. Outre les chauves-souris, les coyotes, les ringtails et les mouffettes tachetées sont les prédateurs riverains les plus nombreux et se nourrissent d'invertébrés, de rongeurs et de reptiles.
Les ratons laveurs, les belettes, les lynx roux, les renards gris et les pumas sont également présents, mais sont beaucoup plus rares. Le cerf mulet et le mouflon d'Amérique du désert sont les ongulés qui fréquentent le couloir fluvial. Depuis l’élimination de 500 burros sauvages au début des années 1980, le nombre de mouflons d’Amérique a rebondi. Les cerfs mulets ne sont généralement pas des résidents permanents le long de la rivière, mais descendent du bord lorsque les ressources en nourriture et en eau s'y raréfient.
Les espèces d'insectes que l'on trouve couramment dans le couloir fluvial et ses affluents sont les moucherons, les mouches caddis, les éphémères, les plécoptères, les mouches noires, les acariens, les coléoptères, les papillons, les mites et les fourmis de feu. De nombreuses espèces d'araignées et plusieurs espèces de scorpions, dont le scorpion d'écorce et le scorpion poilu géant du désert, habitent la zone riveraine.
Onze espèces aquatiques et 26 espèces terrestres de mollusques ont été identifiées dans et autour du parc national du Grand Canyon. Parmi les espèces aquatiques, deux sont des bivalves (palourdes) et neuf sont des gastéropodes (escargots). Vingt-six espèces de gastéropodes terrestres ont été identifiées, principalement des escargots terrestres et des limaces.
Il existe environ 47 espèces de reptiles dans le parc national du Grand Canyon. Dix sont considérés comme communs le long du couloir fluvial et comprennent des lézards et des serpents. La densité des lézards a tendance à être la plus élevée le long de la bande de terre située entre le bord de l'eau et le début de la communauté du désert des hautes terres. Les deux plus grands lézards du Canyon sont les monstres Gila et les Chuckwallas. De nombreuses espèces de serpents, qui ne dépendent pas directement des eaux de surface, peuvent être trouvées à la fois dans la gorge intérieure et dans le couloir du fleuve Colorado. Six espèces de serpents à sonnettes ont été recensées dans le parc.
Au-dessus du couloir fluvial, une communauté de broussailles désertiques, composée de la flore du désert nord-américain, prospère. Des espèces typiques du désert chaud telles que le buisson de créosote, le bursage blanc, le brittlebush, l'acacia griffe de chat, l'ocotillo, le mariola, le mesquite de miel occidental, le saltbush à quatre ailes, la grande armoise, la brosse noire et la brosse à lapin en caoutchouc poussent dans cette communauté. La faune mammifère de la communauté des broussailles boisées se compose de 50 espèces, principalement des rongeurs et des chauves-souris. Trois des cinq espèces de rats des bois du parc vivent dans la communauté des broussailles du désert.
À l'exception du gecko à bandes occidentales (désert), qui semble être distribué uniquement près de l'eau le long du fleuve Colorado, tous les reptiles trouvés près du fleuve apparaissent également dans les hautes terres, mais en densités moindres. La tortue gopher du désert, une espèce menacée, habite les garrigues désertiques à l'extrémité ouest du parc.
Certains des insectes communs trouvés aux altitudes ci-dessus sont les guêpes à papier orange, les abeilles mellifères, les mouches noires, les faucons tarentules, les punaises puantes, les coléoptères, les fourmis noires et les papillons monarques et machaons. Des solifuges, des araignées des bois, des araignées de jardin, des araignées veuves noires et des tarentules peuvent être trouvées dans les broussailles du désert et à des altitudes plus élevées. | http://quiz4free.com/ |
Dans quelle guerre était la charge de la Brigade Légère ? | de Crimée | [
"La charge de la brigade légère était une charge de cavalerie légère britannique dirigée par Lord Cardigan contre les forces russes lors de la bataille de Balaclava le 25 octobre 1854, lors de la guerre de Crimée. Lord Raglan, commandant général des forces britanniques, avait l'intention d'envoyer la brigade légère poursuivre et harceler une batterie d'artillerie russe en retraite, une tâche bien adaptée à la cavalerie légère. Cependant, en raison d'un problème de communication dans la chaîne de commandement, la Brigade légère fut plutôt envoyée dans un assaut frontal contre une autre batterie d'artillerie, bien préparée et dotée d'excellents champs de tir défensif.",
"Alfred, Lord Tennyson, alors poète lauréat, a écrit de manière évocatrice sur la bataille dans son poème « La charge de la brigade légère ». Le poème de Tennyson, écrit le 2 décembre 1854 et publié six semaines après l'événement du 9 décembre 1854, dans The Examiner, fait l'éloge de la Brigade (« Quand leur gloire peut-elle s'estomper ? Ô la charge sauvage qu'ils ont lancée ! ») tout en déplorant de manière tranchante l'épouvantable futilité. de la charge (« Même si le soldat le savait, quelqu'un avait fait une erreur... Charger une armée, alors que tout le monde se demandait »). Tennyson a écrit le poème quelques minutes seulement après avoir lu un récit de la bataille dans le Times, selon son petit-fils Sir Charles Tennyson. Il devint immédiatement extrêmement populaire et parvint même aux troupes de Crimée, où il fut distribué sous forme de brochures."
] | La charge de la brigade légère était une charge de cavalerie légère britannique dirigée par Lord Cardigan contre les forces russes lors de la bataille de Balaclava le 25 octobre 1854, lors de la guerre de Crimée. Lord Raglan, commandant général des forces britanniques, avait l'intention d'envoyer la brigade légère poursuivre et harceler une batterie d'artillerie russe en retraite, une tâche bien adaptée à la cavalerie légère. Cependant, en raison d'un problème de communication dans la chaîne de commandement, la Brigade légère fut plutôt envoyée dans un assaut frontal contre une autre batterie d'artillerie, bien préparée et dotée d'excellents champs de tir défensif.
Bien que la brigade légère ait atteint la batterie sous un tir direct et dispersé certains artilleurs, la brigade gravement mutilée a été forcée de battre en retraite immédiatement. Ainsi, l'assaut s'est terminé avec des pertes britanniques très élevées et aucun gain décisif.
On se souvient mieux des événements comme étant le sujet du poème narratif d'Alfred, Lord Tennyson, « La charge de la brigade légère » (1854). Publiées six semaines seulement après l'événement, ses lignes soulignent la valeur de la cavalerie qui exécute courageusement ses ordres, quelle que soit l'issue évidente. La responsabilité de cette mauvaise communication est restée controversée, car l'ordre initial lui-même était vague et l'officier qui avait donné les ordres écrits, avec une certaine interprétation verbale, est décédé dans la première minute de l'assaut.
Arrière-plan
La charge a été lancée par la brigade légère de la cavalerie britannique, composée des 4e et 13e dragons légers, du 17e lanciers et des 8e et 11e hussards, sous le commandement du major général James Brudenell, 7e comte de Cardigan. La brigade lourde, commandée par le major-général James Yorke Scarlett, ancien commandant du 5th Dragoon Guards, était également présente ce jour-là. La brigade lourde était composée du 4e Royal Irish Dragoon Guards, du 5e Dragoon Guards, du 6e Inniskilling Dragoons et des Scots Greys. Les deux brigades constituaient la seule force de cavalerie britannique à la bataille.
La Light Brigade, comme son nom l'indique, était la force de cavalerie légère britannique. Il montait des chevaux légers et rapides, sans armure. Les hommes étaient armés de lances et de sabres. Optimisés pour une mobilité et une vitesse maximales, ils étaient destinés à la reconnaissance et aux escarmouches. Ils étaient également idéaux pour abattre les unités d'infanterie et d'artillerie alors qu'elles tentaient de battre en retraite.
La Brigade Lourde dirigée par James Scarlett était la force de cavalerie lourde britannique. Il montait de gros et lourds chargeurs. Les hommes étaient équipés de casques métalliques et armés d'épées de cavalerie pour le combat rapproché. Ils étaient destinés à constituer la principale force de choc britannique, menant des charges frontales afin de briser les lignes ennemies.
Le commandement général de la cavalerie britannique était confié au lieutenant-général George Bingham, 3e comte de Lucan. Cardigan et Lucan étaient des beaux-frères qui ne s'aimaient pas énormément. Lucan reçut un ordre du commandant de l'armée Lord Raglan déclarant : « Lord Raglan souhaite que la cavalerie avance rapidement vers le front, suive l'ennemi et essaie d'empêcher l'ennemi d'emporter les canons. L'artillerie à cheval de troupe peut l'accompagner. La cavalerie française est en marche. votre gauche. Immédiat. Raglan voulait que la cavalerie légère empêche les Russes de réussir à retirer les canons navals des redoutes qu'ils avaient capturées de l'autre côté de Causeway Heights, la colline formant le côté sud de la vallée. Il s'agissait d'une tâche optimale pour la Brigade légère, car leur vitesse supérieure garantirait que les Russes seraient forcés soit d'abandonner rapidement leurs canons encombrants, soit d'être abattus en masse alors qu'ils tentaient de fuir avec eux.
Raglan pouvait voir ce qui se passait depuis son point d'observation élevé du côté ouest de la vallée. Cependant, la configuration du terrain autour de Lucan et de la cavalerie l'empêchait de voir les efforts des Russes pour retirer les canons des redoutes et battre en retraite.
L'ordre a été rédigé par le brigadier Richard Airey et porté par le capitaine Louis Edward Nolan. Nolan apporta l'instruction orale supplémentaire selon laquelle la cavalerie devait attaquer immédiatement. Lorsque Lucan a demandé à quelles armes il faisait référence, Nolan aurait indiqué d'un large mouvement du bras - non pas les redoutes de la chaussée - mais la masse de canons russes dans une redoute au fond de la vallée, à environ un mile de là. Les raisons de cette erreur sont inconnues car il a été tué dans la bataille qui a suivi.
En réponse à l'ordre, Lucan ordonna à Cardigan de diriger son commandement d'environ 670 soldats de la brigade légère directement dans la vallée entre les hauteurs de Fedyukhin et les hauteurs de Causeway. Dans son poème « La charge de la brigade légère » (1854), Tennyson a surnommé ce creux « la vallée de la mort ».
Les forces russes opposées étaient commandées par Pavel Liprandi et comprenaient environ 20 bataillons d'infanterie soutenus par plus de 50 pièces d'artillerie. Ces forces étaient déployées des deux côtés et à l’extrémité opposée de la vallée.
Lucan lui-même devait suivre avec la Brigade Lourde. Bien que la Brigade lourde soit mieux blindée et destinée aux assauts frontaux contre des positions d'infanterie, aucune des deux forces n'était équipée à distance pour un assaut frontal contre une batterie d'artillerie entièrement retranchée et alertée - et encore moins avec une excellente ligne de vue sur plus d'un mile de longueur. et soutenu des deux côtés par des batteries d'artillerie fournissant des tirs en enfilade depuis un terrain surélevé. Le caractère semi-suicide de cette accusation était sûrement évident pour les soldats de la Brigade Légère, mais s'il y avait une objection aux ordres, elle n'a pas été enregistrée.
La charge
La brigade légère partit dans la vallée avec Cardigan en tête, menant la charge. Presque aussitôt, on vit Nolan se précipiter sur le front, passant devant Cardigan. Il se peut qu'il se soit alors rendu compte que la charge visait la mauvaise cible et qu'il tentait d'arrêter ou de faire tourner la brigade, mais il a été tué par un obus d'artillerie et la cavalerie a continué sa route. Malgré des tirs intenses de trois côtés qui ont dévasté leurs forces pendant le trajet, la brigade légère a réussi à engager les forces russes au fond de la vallée et à les forcer à quitter la redoute, mais elle a subi de lourdes pertes et a été bientôt forcée de se retirer. Les artilleurs russes survivants retournèrent à leurs canons et ouvrirent à nouveau le feu, à coups de raisin et de mitraille, sans discernement sur la mêlée d'amis et d'ennemis devant eux.
Lucan n'a fourni aucun soutien à Cardigan, et on a supposé qu'il était motivé par une inimitié envers son beau-frère qui avait duré environ 30 ans et s'était intensifiée au cours de la campagne jusqu'à ce moment-là. Les troupes de la Brigade Lourde entrèrent dans l'embouchure de la vallée mais n'avancèrent pas plus loin. L'explication ultérieure de Lucan était qu'il ne voyait pas l'intérêt de faucher une deuxième brigade et qu'il était le mieux placé là où il se trouvait pour porter assistance aux survivants de la brigade légère revenant de la charge. La cavalerie légère française, les Chasseurs d'Afrique, était plus efficace dans la mesure où elle débarrassait les hauteurs de Fedyukhin des deux demi-batteries de canons, des deux bataillons d'infanterie et des cosaques pour garantir que la brigade légère ne serait pas touchée par le feu de ce flanc. et plus tard, il a fourni une couverture aux éléments restants de la brigade légère alors qu'ils se retiraient.
Le correspondant de guerre William Russell, témoin de la bataille, a déclaré que « notre brigade légère a été anéantie par sa propre témérité et par la brutalité d'un ennemi féroce ».
Cardigan a survécu à la bataille. Bien que des rumeurs aient circulé par la suite selon lesquelles il n'était pas réellement présent, il a mené la charge depuis le front et, sans jamais regarder en arrière, n'a pas vu ce qui arrivait aux troupes derrière lui. Il atteint les canons russes, prend part au combat, puis remonte seul la vallée sans prendre la peine de se rallier ni même de savoir ce qui est arrivé aux survivants. Il a ensuite déclaré que tout ce à quoi il pouvait penser était sa rage contre le capitaine Nolan, qui, selon lui, avait tenté de lui prendre la direction de la charge. Après avoir remonté la vallée, il considéra qu'il avait fait tout ce qu'il pouvait puis, avec beaucoup de sang-froid, quitta le terrain et monta à bord de son yacht dans le port de Balaclava, où il dîna au champagne. Il a ensuite décrit cet engagement dans un discours prononcé à la Mansion House de Londres, qui a ensuite été longuement cité à la Chambre des communes :
Nous avons avancé une descente graduelle de plus de trois quarts de mille, avec les batteries vomissant sur nous des obus et des boulets, ronds et raisins, avec une batterie sur notre flanc droit et une autre sur notre gauche, et tout le terrain intermédiaire était couvert. avec les tirailleurs russes ; de sorte que lorsque nous arrivâmes à une distance de cinquante mètres des bouches de l'artillerie qui nous avait jeté la destruction, nous étions en fait entourés et encerclés par une flamme de feu, en plus du feu des tirailleurs sur nous. nos flancs.
Tandis que nous gravissions la colline, le feu oblique de l'artillerie se déversait sur nos arrières, de sorte que nous avions ainsi un feu puissant sur notre front, notre flanc et notre arrière. Nous sommes entrés dans la batterie, nous avons traversé la batterie, les deux régiments de tête abattant dans leur assaut un grand nombre d'artilleurs russes. Dans les deux régiments que j'ai eu l'honneur de diriger, tous les officiers, à une exception près, ont été soit tués, soit blessés, ou bien leur cheval a été abattu sous lui ou blessé. Ces régiments avancèrent, suivis de la deuxième ligne, composée de deux autres régiments de cavalerie, qui continuèrent à s'acquitter de leur tâche d'abattre les artilleurs russes.
Puis vint la troisième ligne, formée d'un autre régiment, qui s'efforça de remplir le devoir assigné à notre brigade. Je crois que cela fut réalisé avec un grand succès, et le résultat fut que ce corps, composé d'environ 670 hommes seulement, réussit à traverser la masse de la cavalerie russe forte, comme nous l'avons appris depuis, de 5 240 hommes ; et après avoir traversé cette masse, ils allèrent, selon notre expression militaire technique, « par trois » et se retirèrent de la même manière, faisant autant d'exécutions dans leur course qu'ils le pouvaient sur la cavalerie ennemie. En remontant la colline que nous avions descendue lors de l'attaque, nous avons dû relever le même défi et encourir le même risque du feu de flanc du Tirailleur que nous avions rencontré auparavant. Un grand nombre de nos hommes ont été abattus – des hommes et des chevaux ont été tués, et de nombreux soldats qui avaient perdu leurs chevaux ont également été abattus alors qu'ils tentaient de s'échapper.
Mais quel était, mon Seigneur, le sentiment et quelle était l'attitude de ces braves hommes qui revinrent à leur poste. De chacun de ces régiments ne revint qu'un petit détachement, les deux tiers des hommes engagés ayant été détruits ? Je pense que tout homme qui a été engagé dans cette affaire désastreuse à Balaklava, et qui a eu la chance d'en sortir vivant, doit sentir que ce n'est que par un décret miséricordieux de la Toute-Puissante Providence qu'il a échappé à la plus grande certitude apparente de la mort. qui pourrait éventuellement être conçu.
Conséquences
La brigade n'a pas été complètement détruite, mais a terriblement souffert, avec 118 hommes tués, 127 blessés et une soixantaine de prisonniers. Après le regroupement, seuls 195 hommes étaient encore à cheval. La futilité de l'action et son courage inconsidéré ont poussé le maréchal français Pierre Bosquet à déclarer : « C'est magnifique, mais ce n'est pas la guerre ». (« C'est magnifique, mais ce n'est pas la guerre. ») Il poursuit, dans une phrase rarement citée : « C'est de la folie ». Les commandants russes auraient initialement cru que les soldats britanniques devaient être ivres. Somerset Calthorpe, aide de camp de Lord Raglan, a écrit une lettre à un ami trois jours après l'accusation. Il a détaillé le nombre de victimes mais n’a pas fait de distinction entre les tués et ceux faits prisonniers :
— en plus de 335 chevaux tués au combat, ou obligés ensuite d'être détruits à cause de leurs blessures. On a constaté depuis que les Russes avaient fait bon nombre de prisonniers ; le nombre exact n'est pas encore connu. » La réputation de la cavalerie britannique a été considérablement améliorée à la suite de la charge, même si l'on ne peut pas en dire autant de ses commandants.
La lenteur des communications signifiait que la nouvelle de la catastrophe n'était parvenue au public britannique que trois semaines après l'action. Les dépêches des commandants britanniques du front furent publiées dans une édition extraordinaire de la London Gazette du 12 novembre 1854. Raglan blâma Lucan pour cette accusation, affirmant que « à cause d'une idée fausse de l'ordre d'avancer, le lieutenant-général (Lucan) considérait qu'il était tenu d'attaquer à tout prix, et il ordonna en conséquence au major-général comte de Cardigan d'avancer avec la brigade légère. Lucan était furieux d'être fait bouc émissaire : Raglan affirmait qu'il aurait dû exercer son pouvoir discrétionnaire, mais tout au long de la campagne jusqu'à cette date, Lucan considérait que Raglan ne lui avait accordé aucune indépendance et exigeait que ses ordres soient suivis à la lettre. Cardigan, qui avait simplement obéi aux ordres, accusa Lucan d'avoir donné ces ordres. Il rentre chez lui en héros et est promu inspecteur général de la cavalerie.
Lucan tenta de publier une lettre réfutant point par point la dépêche de Raglan dans la London Gazette, mais ses critiques à l'égard de son supérieur ne furent pas tolérées et Lucan fut rappelé en Angleterre en mars 1855. La charge de la brigade légère devint un sujet de controverse considérable et de controverse publique. à son retour. Il a fermement rejeté la version des événements de Raglan, la qualifiant de « imputation qui porte sérieusement atteinte à mon caractère professionnel ». Dans un échange de correspondance publique publié dans les pages du Times, Lucan a blâmé Raglan et son aide de camp décédé, le capitaine Nolan, qui avait été le véritable délivreur de l'ordre contesté. Lucan s'est ensuite défendu avec un discours à la Chambre des Lords le 19 mars.
Lucan a évidemment échappé à toute responsabilité pour cette accusation, puisqu'il a été nommé membre de l'Ordre du Bain en juillet de la même année. Bien qu'il n'ait plus jamais revu le service actif, il a atteint le grade de général en 1865 et a été nommé maréchal l'année précédant sa mort.
La charge de la Brigade légère continue d’être étudiée par les historiens militaires modernes et les étudiants comme exemple de ce qui peut mal se passer lorsque des renseignements militaires précis font défaut et que les ordres ne sont pas clairs. Le Premier ministre Winston Churchill, qui était un historien militaire passionné et un ancien cavalier, a insisté pour prendre le temps, lors de la conférence de Yalta en 1945, de voir le champ de bataille par lui-même.
Un projet de recherche a utilisé un modèle mathématique pour examiner le résultat de l'accusation si elle avait été menée différemment. L'analyse suggérait qu'une charge vers la redoute sur Causeway Heights, comme Raglan l'avait apparemment prévu, aurait entraîné des pertes britanniques encore plus élevées. En revanche, la charge aurait pu réussir si la brigade lourde avait accompagné la brigade légère le long de la vallée, comme Lucan l'avait initialement ordonné.
Selon Norman Dixon, les récits de la charge au XIXe siècle avaient tendance à se concentrer sur la bravoure et la gloire des cavaliers, bien plus que sur les erreurs militaires impliquées, avec l'effet pervers qu'ils « contribuaient beaucoup à renforcer ces formes mêmes de tradition qui mettaient une emprise aussi invalidante sur l'effort militaire pendant les quelque quatre-vingts années à venir, c'est-à-dire jusqu'après la Première Guerre mondiale.
Le sort des membres survivants de la Charge a fait l'objet d'une enquête par Edward James Boys, un historien militaire, qui a documenté leur vie depuis leur départ de l'armée jusqu'à leur mort. Ses disques sont décrits comme étant le projet le plus définitif du genre jamais entrepris. Edwin Hughes, décédé le 14 mai 1927, à l'âge de 96 ans, fut le dernier survivant de l'accusation.
En octobre 1875, les survivants de la Charge se sont réunis à l'Alexandra Palace de Londres pour célébrer le 21e anniversaire de la Charge. Les célébrations ont été entièrement rapportées dans l'Illustrated London News du 30 octobre 1875, qui comprenait les souvenirs de plusieurs survivants, dont ceux d'Edward Richard Woodham, président du comité qui a organisé la célébration. Tennyson a été invité, mais n'a pas pu y assister. Lucan, le commandant supérieur survivant, n'était pas présent, mais a assisté à une célébration distincte, organisée plus tard dans la journée, avec d'autres officiers supérieurs au Willis's Rooms, à la mode, sur la place St James. Des dîners de retrouvailles ont eu lieu pendant plusieurs années.
Le 2 août 1890, le trompettiste Martin Leonard Landfried, du 17th Lancers, qui a peut-être (ou non) sonné la charge du clairon à Balaclava, a réalisé un enregistrement sur un cylindre Edison que l'on peut entendre ici, avec un clairon qui avait été utilisé à Waterloo en 1815. (Le nom de Landfried est mal orthographié comme "Landfrey" sur l'enregistrement sur cylindre Edison).
En 2004, à l'occasion du 150e anniversaire de la Charge, une commémoration de l'événement a eu lieu à Balaklava. Dans le cadre de cet anniversaire, un monument dédié aux 25 000 participants britanniques au conflit a été dévoilé par le prince Michael de Kent.
Poèmes
Alfred, Lord Tennyson, alors poète lauréat, a écrit de manière évocatrice sur la bataille dans son poème « La charge de la brigade légère ». Le poème de Tennyson, écrit le 2 décembre 1854 et publié six semaines après l'événement du 9 décembre 1854, dans The Examiner, fait l'éloge de la Brigade (« Quand leur gloire peut-elle s'estomper ? Ô la charge sauvage qu'ils ont lancée ! ») tout en déplorant de manière tranchante l'épouvantable futilité. de la charge (« Même si le soldat le savait, quelqu'un avait fait une erreur... Charger une armée, alors que tout le monde se demandait »). Tennyson a écrit le poème quelques minutes seulement après avoir lu un récit de la bataille dans le Times, selon son petit-fils Sir Charles Tennyson. Il devint immédiatement extrêmement populaire et parvint même aux troupes de Crimée, où il fut distribué sous forme de brochures.
Près de 36 ans plus tard, Kipling écrivit « Le dernier de la brigade légère » (1890), commémorant une visite des 20 derniers survivants à Tennyson (alors âgé de 80 ans) pour lui reprocher gentiment de ne pas avoir écrit de suite sur la manière dont l'Angleterre traitait. ses vieux soldats. Certaines sources traitent le poème comme le récit d'un événement réel, mais d'autres commentateurs qualifient d'allégorique les vieux soldats démunis, avec la visite inventée par Kipling pour attirer l'attention sur la pauvreté dans laquelle vivaient les vrais survivants, de la même manière qu'il a évoqué Tommy Atkins dans "The Absent-Minded Beggar" (1899).
Post-scriptum du survivant
Des années après la bataille, James Bosworth, chef de gare à Northam, âgé de 70 ans, a été écrasé et tué par une locomotive. Dans sa jeunesse, il faisait partie de ceux qui avaient combattu à la bataille de Balaclava et qui avaient survécu. L'English Illustrated Magazine déclare qu'il « a survécu à « la charge de la brigade légère » à Balaclava ». Son épitaphe indiquée ci-dessous faisait référence à la fois à sa présence à la bataille et au poème de Lord Tennyson.
Même si les tirs et les obus volaient rapidement,
Dans la plaine de Balaclava,
Il est passé indemne, pour enfin tomber,
Écrasé par un train.
Un autre survivant, John Penn, décédé à Dunbar en 1886, a laissé un récit personnel de sa carrière militaire, notamment la tristement célèbre Charge écrite pour un ami. Celui-ci survit et est conservé par les archives du Conseil d'East Lothian.
Représentations médiatiques
Au cinéma
Deux films de guerre ont été réalisés, tous deux intitulés La Charge de la Brigade Légère :
*La Charge de la Brigade Légère (1936), avec Errol Flynn, est un film de guerre historiquement inexact, qui transforme le motif en un match de rancune contre un dirigeant indien allié aux Russes.
*The Charge of the Light Brigade (1968), mettant en vedette David Hemmings (dans le rôle de Nolan) et Trevor Howard (dans le rôle de Cardigan), est considéré comme étant beaucoup plus précis sur le plan factuel, ayant été écrit par Charles Wood, qui avait lui-même servi dans le 17e/ 21e Lanciers.
Dans la littérature
* Dans le roman Pendragon - Late of Prince Albert's Own de Robert Forest-Webb (2012, Saturday Review Press), le héros, officier du 11th Hussars, participe à la charge.
*Dans le roman Flashman at the Charge (1973) de George MacDonald Fraser, Harry Flashman participe (beaucoup contre sa volonté) à la Charge.
*Le roman Black Beauty (1877) d'Anna Sewell comprend un cheval nommé Captain, qui avait auparavant participé à la charge de la brigade légère.
En musique
*L'accusation est le sujet de la chanson "The Trooper" d'Iron Maiden, sur leur album Piece of Mind.
*La charge a inspiré l'album Balaklava de Pearls Before Swine, qui commence par un extrait de l'enregistrement de 1890 du trompettiste Landfrey. | http://quiz4free.com/ |
Où Dick Turpin a-t-il été exécuté par pendaison ? | York | [
"Richard « Dick » Turpin (baptisé 1705 - 7 avril 1739) était un bandit anglais dont les exploits furent romancés après son exécution à York pour vol de chevaux. Turpin a peut-être exercé le métier de boucher de son père très tôt, mais, au début des années 1730, il avait rejoint une bande de voleurs de cerfs et, plus tard, il était devenu braconnier, cambrioleur, voleur de chevaux et tueur. Il est également connu pour un voyage fictif de 200 km de Londres à York sur son cheval Black Bess, une histoire rendue célèbre par le romancier victorien William Harrison Ainsworth près de 100 ans après la mort de Turpin.",
"L'implication de Turpin dans le crime auquel il est le plus étroitement associé, le vol de grand chemin, suit l'arrestation des autres membres de sa bande en 1735. Il disparaît ensuite de la vue du public vers la fin de cette année-là, pour refaire surface en 1737 avec deux nouveaux complices, dont il a peut-être accidentellement tué l'un par balle. Turpin s'est enfui des lieux et a tué peu de temps après un homme qui tentait de le capturer. Plus tard cette année-là, il a déménagé dans le Yorkshire et a pris le pseudonyme de John Palmer. Alors qu'il séjournait dans une auberge, les magistrats locaux se sont méfiés de « Palmer » et ont demandé comment il finançait son style de vie. Soupçonné d'être un voleur de chevaux, « Palmer » est incarcéré au château d'York, pour être jugé aux prochaines assises. La véritable identité de Turpin a été révélée par une lettre qu'il a écrite à son beau-frère depuis sa cellule de prison, qui est tombée entre les mains des autorités. Le 22 mars 1739, Turpin fut reconnu coupable de deux chefs d'accusation de vol de chevaux et condamné à mort ; il fut exécuté le 7 avril 1739.",
"Vers juin 1737, Turpin embarqua au Ferry Inn à Brough, sous le pseudonyme de John Palmer (ou Parmen). Traversant la rivière Humber entre les comtés historiques de l'East Riding of Yorkshire et du Lincolnshire, il se faisait passer pour un marchand de chevaux et chassait souvent aux côtés des messieurs locaux. Le 2 octobre 1738, Turpin tua le coq d'un autre homme dans la rue. Tout en étant réprimandé par John Robinson, il a ensuite menacé de lui tirer dessus également. Trois juges de l'East Riding (JP), George Crowle (député de Hull), Hugh Bethell et Marmaduke Constable, se sont rendus à Brough et ont recueilli des dépositions écrites sur l'incident. Ils ont menacé de le lier, mais Turpin a refusé de payer la caution requise et a été incarcéré à la maison de correction de Beverley. Turpin a été escorté à Beverley par le constable de la paroisse, Carey Gill. Chose incompréhensible, il n’a fait aucune tentative de fuite ; Barlow (1973) suppose qu'à ce stade de sa vie, Turpin s'apitoyait peut-être sur son sort, déprimé à l'idée que sa vie ait jusqu'ici été un échec.",
"Robert Appleton, greffier de la paix pour la circonscription Est, et l'homme dont le récit détaille l'incident ci-dessus, ont rapporté plus tard que les trois juges de paix avaient demandé comment « Palmer » avait gagné son argent, soupçonnant que son style de vie était financé par des activités criminelles. . Turpin a affirmé qu'il était un boucher endetté et qu'il avait quitté son domicile de Long Sutton, dans le Lincolnshire. Contacté, le juge de paix de Long Sutton (un certain M. Delamere) a confirmé que John Palmer y vivait depuis environ neuf mois, mais qu'il était soupçonné d'avoir volé des moutons et qu'il s'était échappé de la garde du gendarme local. Delamere soupçonnait également Palmer d'être un voleur de chevaux et avait recueilli plusieurs dépositions à l'appui de son point de vue, et a déclaré aux trois juges de paix qu'il préférerait qu'il soit détenu. Les trois juges de paix présumaient désormais que l'affaire était trop grave pour que Palmer reste à la maison de correction de Beverley et exigeaient des garanties pour sa comparution aux assises de York. Turpin refusa et le 16 octobre, il fut transféré menotté au château d'York.",
"Le vol de chevaux est devenu un délit capital en 1545, passible de la peine de mort. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, les crimes portant atteinte au droit de propriété étaient parmi les plus sévèrement punis ; la plupart des 200 lois capitales concernaient des infractions contre les biens. Le vol qualifié combiné à la violence était « le type d'infraction, juste derrière le meurtre avec préméditation (un crime relativement rare), le plus susceptible d'être poursuivi et puni avec la plus grande rigueur [de la loi] ». Turpin avait volé plusieurs chevaux alors qu'il opérait sous le pseudonyme de Palmer. En juillet 1737, il vola un cheval à Pinchbeck dans le Lincolnshire et l'emmena rendre visite à son père à Hempstead. Lorsque Turpin revint à Brough (volant trois chevaux en cours de route), il laissa le hongre avec son père. L'identité du fils de John Turpin était bien connue et celle du cheval fut bientôt découverte. Le 12 septembre 1738, John Turpin fut donc incarcéré dans l'Essex pour vol de chevaux, mais suite à son aide pour empêcher une évasion, les accusations furent abandonnées le 5 mars 1739. Environ un mois après que « Palmer » eut été transféré à York. Castle, Thomas Creasy, le propriétaire des trois chevaux volés par Turpin, parvient à les retrouver et à les récupérer, et c'est pour ces vols qu'il sera finalement jugé.",
"Depuis sa cellule, Turpin écrivit à son beau-frère, Pompr Rivernall, qui vivait également à Hempstead. Rivernall était marié à la sœur de Turpin, Dorothy. La lettre a été conservée au bureau de poste local, mais voyant le timbre postal de York, Rivernall a refusé de payer les frais de livraison, affirmant qu'il « n'avait pas de correspondant à York ». Rivernall n'a peut-être pas voulu payer les frais de la lettre, ou il a peut-être souhaité se distancier des affaires de Turpin, et la lettre a donc été transférée au bureau de poste de Saffron Walden où James Smith, qui avait appris à Turpin à écrire tout en ce dernier était à l'école, a reconnu l'écriture. Il alerte le JP Thomas Stubbing, qui paie les frais de port et ouvre la lettre. Smith se rendit au château d'York et, le 23 février, identifia Palmer comme étant Turpin. Il a reçu la récompense de 200 £ (environ £ à partir de ) initialement offerte par le duc de Newcastle après le meurtre de Thomas Morris par Turpin.",
"Même si l'on se demandait où devait se dérouler le procès (le duc de Newcastle voulait qu'il soit jugé à Londres), Turpin fut jugé aux assises de York. Les débats ont débuté trois jours après l'ouverture des assises d'hiver, le 22 mars. Turpin fut accusé du vol des chevaux de Creasy : une jument valant trois livres, un poulain valant 20 shillings et un hongre valant trois livres. Les actes d'accusation indiquaient que les infractions présumées s'étaient produites à Welton le 1 mars 1739 et décrivaient Turpin comme \"John Palmer alias Pawmer alias Richard Turpin ... défunt du château d'York dans le comté d'York, ouvrier\". Techniquement, les accusations n'étaient pas valides : les infractions avaient eu lieu à Heckington, pas à Welton, et la date était également incorrecte ; les délits eurent lieu en août 1738.",
"Le procès était présidé par Sir William Chapple, un juge chevronné et respecté au début de la soixantaine. La poursuite a été dirigée par l'avocat du roi Thomas Place et Richard Crowle (frère de George), et les débats ont été enregistrés par un résident de York, Thomas Kyll. Turpin n'avait pas d'avocat pour la défense ; pendant cette période de l'histoire anglaise, les accusés n'avaient pas droit à une représentation légale et leurs intérêts étaient pris en charge par le juge qui présidait. Parmi les sept témoins appelés à témoigner figuraient Thomas Creasy et James Smith, l'homme qui avait reconnu l'écriture de Turpin. Turpin offrait peu de moyens pour interroger ses accusateurs ; lorsqu'on lui a demandé s'il avait quelque chose à demander à Creasy, il a répondu \"Je ne peux rien dire, car je n'ai aucun témoin venu ce jour, comme je m'y attendais, et je supplie donc Votre Seigneurie de reporter mon procès à un autre jour\". , et interrogé sur Smith, il a affirmé ne pas le connaître. Interrogé, Turpin a déclaré au tribunal qu'il avait acheté la jument et le poulain chez un aubergiste près de Heckington. Il a répété son histoire originale sur la façon dont il en était venu à utiliser le pseudonyme Palmer, affirmant que c'était le nom de jeune fille de sa mère. Lorsque le juge lui a demandé son nom avant de venir dans le Lincolnshire, il a répondu « Turpin ». Sans quitter la salle d'audience, le jury a déclaré Turpin coupable de la première accusation de vol de la jument et de son poulain, et, à la suite d'une procédure ultérieure, coupable du vol du hongre. Tout au long du procès, Turpin avait affirmé à plusieurs reprises qu'il n'avait pas eu suffisamment de temps pour former sa défense, que la procédure devait être retardée jusqu'à ce qu'il puisse appeler ses témoins et que le procès devrait avoir lieu dans l'Essex. Avant de le condamner, le juge a demandé à Turpin s'il pouvait donner une raison pour laquelle il ne devrait pas être condamné à mort ; Turpin dit : « C'est très dur pour moi, Monseigneur, parce que je n'étais pas préparé pour ma défense. » Le juge répondit : \"Pourquoi ne l'étiez-vous pas ? Vous connaissiez le temps des assises aussi bien que n'importe qui ici.\" Malgré les arguments de Turpin selon lesquels on lui avait dit que le procès aurait lieu dans l'Essex, le juge a répondu : « Ceux qui vous l'ont dit étaient hautement coupables ; et comme votre pays vous a reconnu coupable d'un crime digne de mort, il est de mon devoir de prononcer une sentence contre vous\", le condamnant à mort.",
"Avant son exécution, Turpin recevait fréquemment des visiteurs (le geôlier était réputé avoir gagné 100 £ en vendant des boissons à Turpin et à ses invités), bien qu'il refusât les efforts d'un ecclésiastique local qui lui offrit « de sérieuses remontrances et remontrances ». John Turpin a peut-être envoyé à son fils une lettre, datée du 29 mars, l'exhortant à « implorer Dieu de pardonner vos nombreuses transgressions, pour lesquelles le voleur sur la croix a reçu son pardon à la dernière heure ». Turpin a acheté une nouvelle redingote et des chaussures et, la veille de son exécution, a embauché cinq personnes en deuil pour trois livres et dix shillings (à partager entre elles). Le 7 avril 1739, suivis de ses proches, Turpin et John Stead (un voleur de chevaux) furent emmenés à travers York en charrette ouverte jusqu'à Knavesmire, qui était alors l'équivalent de la potence de Tyburn à Londres. Turpin « s'est comporté avec une assurance étonnante » et « s'est incliné devant les spectateurs en passant ». Il grimpa sur une échelle jusqu'à la potence et parla à son bourreau. York n'avait pas de bourreau permanent, et c'était la coutume de gracier un prisonnier à condition qu'il agisse comme bourreau. A cette occasion, l'homme gracié était un autre bandit de grand chemin, Thomas Hadfield. Un article paru dans The Gentleman's Magazine du 7 avril 1739 note l'impertinence de Turpin : « Turpin se comporta d'une manière intrépide ; alors qu'il montait à l'échelle, sentant sa jambe droite trembler, il dit quelques mots au bûcher, puis se jeta et expira. je le ferais dans cinq minutes.",
"La méthode de pendaison à courte distance signifiait que les personnes exécutées étaient tuées par étranglement lent, et Turpin restait donc pendu jusqu'à la fin de l'après-midi, avant d'être abattu et emmené dans une taverne de Castlegate. Le lendemain matin, le corps a été enterré dans le cimetière de l'église St George, à Fishergate, en face de ce qui est aujourd'hui l'église catholique romaine St George. Le mardi suivant l'enterrement, le cadavre aurait été volé par des voleurs. Le vol de cadavres à des fins de recherche médicale était un phénomène assez courant et probablement toléré par les autorités de York. La pratique était cependant impopulaire auprès du grand public, et les voleurs de corps, ainsi que le cadavre de Turpin, furent bientôt appréhendés par une foule. Le corps a été récupéré et ré-enterré, apparemment cette fois avec de la chaux vive. Le corps de Turpin reposerait dans le cimetière de Saint-Georges, bien que des doutes subsistent quant à l'authenticité de la tombe.",
"Il n'existe aucun portrait contemporain de Turpin, qui, en tant que personnage notoire mais banal, n'était pas considéré comme suffisamment important pour être immortalisé. Une gravure dans une édition de la publication de Bayes de 1739, représentant un homme caché dans une grotte, est parfois supposée être lui, mais la description la plus proche qui existe est celle donnée par John Wheeler, d'« un homme aux couleurs fraîches, très marqué de la variole, mesurant environ cinq pieds neuf pouces ... porte un manteau bleu-gris et une perruque de couleur claire\". Un E-FIT de Turpin, créé à partir de ces rapports, a été publié par le Castle Museum de York en 2009.",
"Turpin est surtout connu pour ses exploits de bandit de grands chemins, mais avant son exécution, le seul rapport contemporain le concernant en tant que tel remontait à juin 1737, lorsqu'un journal intitulé « Nouvelles nouvelles : de grandes et merveilleuses nouvelles de Londres dans un tumulte ou à crier ». après le Grand Turpin, avec sa fuite en Irlande\" a été publié. Même si certains de ses contemporains ont fait l'objet de chapbooks, des noms tels que James Hind, Claude Duval et William Nevison ne sont pas aussi connus aujourd'hui que la légende de Dick Turpin, dont les exploits romancés ont commencé à apparaître au tournant du siècle. 19ème siècle. C'est cependant l'histoire d'un trajet légendaire de Londres à York qui a incité l'auteur du XIXe siècle William Harrison Ainsworth à inclure et à embellir l'exploit dans son roman de 1834, Rookwood. Ainsworth a utilisé Turpin comme intrigue, le décrivant d'une manière qui le rend plus vivant que les autres personnages du livre. Turpin est présenté sous le pseudonyme de Palmer et est ensuite contraint de s'échapper sur son cheval, Black Bess. Bien qu'assez rapide pour garder une longueur d'avance sur ceux qui le poursuivent, Black Bess finit par mourir sous le stress du voyage. Cette scène a attiré plus les lecteurs que le reste de l'œuvre, et comme Turpin était décrit comme un personnage sympathique qui rendait la vie d'un criminel attrayante, l'histoire est devenue une partie de la légende moderne entourant Turpin. L'artiste Edward Hull a capitalisé sur l'histoire d'Ainsworth en publiant six gravures d'événements marquants de la carrière de Turpin.",
"L'histoire d'Ainsworth sur le voyage nocturne de Turpin de Londres à York sur sa jument Black Bess a ses origines dans un épisode enregistré par Daniel Defoe, dans son œuvre de 1727 Une tournée à travers toute l'île de Grande-Bretagne. Après avoir commis un vol dans le Kent en 1676, William Nevison se rendit apparemment à York pour établir un alibi, et le récit de Defoe sur ce voyage devint une partie de la légende populaire. Une chevauchée similaire fut attribuée à Turpin dès 1808 et était jouée sur scène en 1819, mais l'exploit imaginé par Ainsworth (environ 200 miles en moins d'une journée) est impossible. Néanmoins, la légende d'Ainsworth sur Black Bess a été répétée dans des œuvres telles que Black Bess ou le Chevalier de la route, un terrible penny en 254 parties publié en 1867-1868. Dans ces contes, Turpin était le héros, accompagné de ses fidèles collègues Claude Duval, Tom King et Jack Rann. Ces récits, qui ont transformé Turpin d'un voyou et meurtrier grêlé en « un gentleman de la route [et] un protecteur des faibles », suivaient une tradition culturelle populaire de romantisme des criminels anglais. Cette pratique se reflète dans les ballades écrites sur Turpin, dont la plus ancienne, Dick Turpin, semble avoir été publiée en 1737. Les ballades ultérieures présentaient Turpin comme un personnage de Robin des Bois du XVIIIe siècle : « Turpin fut attrapé et son procès fut passé. , et pour un coq de chasse, il est finalement mort. Cinq cents livres qu'il a données gratuitement, le tout à Jack Ketch en guise de petit héritage.",
"Des histoires sur Turpin ont continué à être publiées jusqu’au XXe siècle et la légende a également été transférée sur scène. En 1845, le dramaturge George Dibdin-Pitt a recréé les « faits » les plus remarquables de la vie de Turpin et, en 1846, Marie Tussaud a ajouté une sculpture en cire de Turpin à sa collection chez Madame Tussauds. En 1906, l'acteur Fred Ginnett a écrit et joué dans le film Le dernier tour de Dick Turpin vers York. D'autres versions silencieuses sont apparues pour le grand écran, et certaines adaptations ont même transformé Turpin en une figure inspirée de Robin des Bois. Sid James est apparu dans le rôle de Turpin dans le film Carry On de 1974, Carry On Dick, et LWT a choisi Richard O'Sullivan dans le rôle de Turpin dans leur série éponyme, Dick Turpin."
] | Richard « Dick » Turpin (baptisé 1705 - 7 avril 1739) était un bandit anglais dont les exploits furent romancés après son exécution à York pour vol de chevaux. Turpin a peut-être exercé le métier de boucher de son père très tôt, mais, au début des années 1730, il avait rejoint une bande de voleurs de cerfs et, plus tard, il était devenu braconnier, cambrioleur, voleur de chevaux et tueur. Il est également connu pour un voyage fictif de 200 km de Londres à York sur son cheval Black Bess, une histoire rendue célèbre par le romancier victorien William Harrison Ainsworth près de 100 ans après la mort de Turpin.
L'implication de Turpin dans le crime auquel il est le plus étroitement associé, le vol de grand chemin, suit l'arrestation des autres membres de sa bande en 1735. Il disparaît ensuite de la vue du public vers la fin de cette année-là, pour refaire surface en 1737 avec deux nouveaux complices, dont il a peut-être accidentellement tué l'un par balle. Turpin s'est enfui des lieux et a tué peu de temps après un homme qui tentait de le capturer. Plus tard cette année-là, il a déménagé dans le Yorkshire et a pris le pseudonyme de John Palmer. Alors qu'il séjournait dans une auberge, les magistrats locaux se sont méfiés de « Palmer » et ont demandé comment il finançait son style de vie. Soupçonné d'être un voleur de chevaux, « Palmer » est incarcéré au château d'York, pour être jugé aux prochaines assises. La véritable identité de Turpin a été révélée par une lettre qu'il a écrite à son beau-frère depuis sa cellule de prison, qui est tombée entre les mains des autorités. Le 22 mars 1739, Turpin fut reconnu coupable de deux chefs d'accusation de vol de chevaux et condamné à mort ; il fut exécuté le 7 avril 1739.
Turpin est devenu le sujet d'une légende après son exécution, romancé comme fringant et héroïque dans les ballades anglaises et le théâtre populaire des XVIIIe et XIXe siècles ainsi que dans le cinéma et la télévision du XXe siècle.
Début de la vie
Richard "Dick" Turpin est né au Blue Bell Inn (plus tard le Rose and Crown) à Hempstead, Essex, le cinquième des six enfants de John Turpin et Mary Elizabeth Parmenter. Il fut baptisé le 21 septembre 1705, dans la même paroisse où ses parents s'étaient mariés plus de dix ans plus tôt.
Le père de Turpin était boucher et aubergiste. Plusieurs histoires suggèrent que Dick Turpin aurait suivi son père dans ces métiers ; l'un laisse entendre qu'à l'adolescence, il a été apprenti chez un boucher dans le village de Whitechapel, tandis qu'un autre propose qu'il dirigeait sa propre boucherie à Thaxted. Les témoignages de son procès en 1739 suggèrent qu'il avait eu une éducation rudimentaire et, bien qu'aucune trace de la date de l'union ne subsiste, que vers 1725 il épousa Elizabeth Millington. Après son apprentissage, ils se sont déplacés vers le nord, à Buckhurst Hill, dans l'Essex (à la frontière moderne du nord-est de Londres), où Turpin a ouvert une boucherie.
Gang d'Essex
Turpin s'est très probablement impliqué dans le gang de voleurs de cerfs d'Essex au début des années 1730. Le braconnage des cerfs était depuis longtemps endémique dans la forêt royale de Waltham et, en 1723, le Black Act (ainsi appelé parce qu'il interdisait le noircissement ou le déguisement des visages dans les forêts) fut promulgué pour traiter de tels problèmes. Le vol de cerfs était un délit national qui était jugé non pas par les tribunaux civils, mais par les juges de paix ; ce n'est qu'en 1737 que fut introduite la peine plus sévère de sept ans de déportation. Cependant, en 1731, sept verderers furent tellement préoccupés par l'augmentation de l'activité qu'ils signèrent une déclaration sous serment démontrant leurs inquiétudes. La déclaration a été déposée auprès de Thomas Pelham-Holles, 1er duc de Newcastle, qui a répondu en offrant une récompense de 10 £ à quiconque aiderait à identifier les voleurs, ainsi qu'une grâce pour les voleurs qui ont abandonné leurs collègues. À la suite d'une série d'incidents désagréables, notamment la menace de meurtre d'un gardien et de sa famille, en 1733, le gouvernement augmenta la récompense à 50 £ (environ £ en date de ).
Le gang d'Essex (parfois appelé Gregory Gang), qui comprenait Samuel Gregory, ses frères Jeremiah et Jasper, Joseph Rose, Mary Brazier (la clôture du gang), John Jones, Thomas Rowden et un jeune John Wheeler, avait besoin de contacts pour les aider à se débarrasser du cerf. Turpin, un jeune boucher commerçant de la région, s'est certainement impliqué dans leurs activités. En 1733, les fortunes changeantes de la bande l'ont peut-être incité à quitter le métier de boucher et il est devenu propriétaire d'un pub, très probablement le Rose and Crown à Clay Hill. Bien qu'il n'y ait aucune preuve suggérant que Turpin était directement impliqué dans les vols, à l'été 1734, il était un proche collaborateur du gang, ce qui peut indiquer qu'il était connu d'eux depuis un certain temps.
En octobre 1734, plusieurs membres du gang avaient été capturés ou s'étaient enfuis, et les membres restants s'éloignèrent du braconnage et attaquèrent la maison d'un marchand et épicier nommé Peter Split, à Woodford. Bien que l'identité des auteurs soit inconnue, Turpin pourrait être impliqué. Deux nuits plus tard, ils frappèrent à nouveau, au domicile de Woodford d'un homme nommé Richard Woolridge, fournisseur d'armes légères au Bureau de l'artillerie de la Tour de Londres. En décembre, Jasper et Samuel Gregory, John Jones et John Wheeler ont attaqué la maison de John Gladwin (un higler) et de John Shockley, à Chingford. Le 19 décembre, Turpin et cinq autres hommes ont fait une descente au domicile d'Ambrose Skinner, un agriculteur de 73 ans originaire de Barking, repartant avec une somme estimée à 300 £.
Deux jours plus tard, le gang – sans Turpin – a attaqué la maison d'un gardien, William Mason, à Epping Forest. Au cours du vol, le domestique de Mason a réussi à s'échapper et est revenu environ une heure plus tard avec plusieurs voisins. La maison avait alors été saccagée et les voleurs avaient disparu depuis longtemps. Le 11 janvier 1735, le gang fit une descente dans la maison de Charlton d'un certain M. Saunders. Pour le vol d'un gentleman nommé Sheldon, une semaine plus tard à Croydon, Turpin est arrivé masqué et armé de pistolets, avec quatre autres membres du gang. Le même mois, deux hommes, peut-être membres du même gang, ont fait une descente au domicile du révérend Dyde. L'ecclésiastique était absent mais les deux hommes ont coupé son serviteur au visage "de manière barbare". Une autre attaque brutale eut lieu le 1 février 1735 à Loughton :
Le gang vivait à Londres ou dans ses environs. Turpin resta un certain temps à Whitechapel, avant de déménager à Millbank. Le 4 février 1735, il rencontra John Fielder, Samuel Gregory, Joseph Rose et John Wheeler dans une auberge le long de Broadway à Londres. Ils prévoyaient de cambrioler la maison de Joseph Lawrence, un agriculteur à Earlsbury Farm à Edgware. En fin d'après-midi, après s'être arrêtés à deux reprises en chemin pour manger et boire, ils ont capturé un jeune berger et ont fait irruption dans la maison, armés de pistolets. Ils ont attaché les deux servantes et ont brutalement attaqué le fermier de 70 ans. Ils lui ont mis sa culotte autour des chevilles et l'ont traîné dans la maison, mais Lawrence a refusé de révéler où se trouvait son argent. Turpin a frappé les fesses nues de Lawrence avec ses pistolets, le blessant gravement, et d'autres membres du gang l'ont frappé à la tête avec leurs pistolets. Ils lui ont vidé une bouilloire d'eau sur la tête, l'ont forcé à s'asseoir fesses nues sur le feu et l'ont traîné dans la maison par le nez et les cheveux. Gregory a emmené l'une des servantes à l'étage et l'a violée. Pour leurs ennuis, le gang s'est échappé avec un butin de moins de 30 £.
Trois jours plus tard, Turpin, accompagné des mêmes hommes, ainsi que de William Saunders et Humphrey Walker, attaqua brutalement une ferme à Marylebone. L’attaque a rapporté au gang un peu moins de 90 £. Le lendemain, le duc de Newcastle offrit une récompense de 50 £ en échange d'informations conduisant à la condamnation de « plusieurs personnes » impliquées dans les deux vols de Woodford et dans les vols de la veuve Shelley et du révérend Dyde. Le 11 février, Fielder, Saunders et Wheeler ont été appréhendés. Il existe deux récits de leur capture. L'un d'eux affirme qu'en route pour cambrioler la maison Lawrence, le gang s'était arrêté dans une taverne à Edgware et que le 11 février, alors qu'il se promenait, le propriétaire a remarqué un groupe de chevaux devant une taverne à Bloomsbury. Il reconnut ces chevaux comme étant ceux utilisés par le même groupe d'hommes qui s'étaient arrêtés dans sa taverne avant l'attaque de Lawrence et appela le connétable de la paroisse. Un autre récit affirme que deux membres du gang ont été repérés par un serviteur de Joseph Lawrence. Quoi qu'il en soit, les trois hommes, qui buvaient avec une femme (peut-être Mary Brazier), ont été rapidement arrêtés et incarcérés. Wheeler, qui n'avait peut-être que 15 ans, a rapidement trahi ses collègues, et des descriptions de ceux qui n'avaient pas encore été capturés ont circulé dans la presse. Dans la London Gazette, Turpin était décrit comme suit : « Richard Turpin, boucher de son état, est un grand homme de couleur fraîche, très marqué par la variole, âgé d'environ 26 ans, mesurant environ cinq pieds neuf pouces, vivait il y a quelque temps à Whitechapel et a récemment logé quelque part autour de Millbank, Westminster, porte un manteau bleu gris et une perruque naturelle".
Dissolution du gang d'Essex
Une fois les aveux de Wheeler devenus évidents, les autres membres du gang ont fui leurs repaires habituels. Turpin informa Gregory et les autres de la capture de Wheeler et quitta Westminster. Le 15 février 1735, alors que Wheeler était occupé à se confesser aux autorités, « trois ou quatre hommes » (très probablement Samuel Gregory, Herbert Haines, Turpin et peut-être Thomas Rowden) cambriolèrent la maison d'une Mme St. John à Chingford. Le lendemain, Turpin (et Rowden, s'il était présent) se séparèrent de Gregory et Haines et se dirigèrent vers Hempstead pour voir sa famille. Gregory et Haines sont peut-être partis à la recherche de Turpin, car le 17 février, ils se sont arrêtés dans une taverne à Debden et ont commandé une épaule de mouton, avec l'intention de rester pour la nuit. Cependant, un homme nommé Palmer les a reconnus et a appelé le constable de la paroisse. Une bagarre s’ensuit, au cours de laquelle les deux voleurs s’enfuient. Ils rejoignirent Turpin et, avec Jones et Rowden, se rendirent peut-être à Gravesend avant de retourner à Woodford. Un autre vol a été signalé à Woodford vers la fin février – peut-être par Gregory et ses acolytes – mais la plupart des voies d'évasion étant coupées et les autorités les traquant, les membres restants du gang d'Essex ont gardé la tête baissée et sont restés sous surveillance. couverture, probablement dans la forêt d'Epping.
Six jours après l'arrestation de Fielder, Saunders et Wheeler, alors que Turpin et ses associés revenaient de Gravesend, Rose, Brazier et Walker furent capturés dans un magasin de vente à Westminster, alors qu'ils buvaient du punch. Fielder, Rose, Saunders et Walker furent jugés lors de la session générale du Middlesex entre le 26 février et le 1 mars 1735. Turpin et Gregory figuraient également sur les actes d'accusation pour cambriolage. Walker est mort alors qu'il était encore dans la prison de Newgate, mais les trois autres ont été pendus à la potence de Tyburn le 10 mars, avant que leurs corps ne soient pendus pour pourrir dans des gibets sur Edgware Road. Le corps de Walker était suspendu aux chaînes. Deux jours avant la pendaison, un article faisant état de « quatre hommes suspects » chassés d'une taverne à East Sheen est apparu dans un journal et décrivait probablement Gregory et ses compagnons, mais les membres restants du gang d'Essex n'ont été signalés à nouveau que lorsque Le 30 mars, lorsque trois d'entre eux tentèrent (sans succès) de voler un cheval à un serviteur du comte de Suffolk. Turpin était présent avec quatre membres du gang lors d'un autre vol, signalé le 8 mars. Entre-temps, Jasper Gregory a été capturé, puis exécuté fin mars. Ses frères ont été arrêtés le 9 avril à Rake, dans le West Sussex, après une bagarre au cours de laquelle Samuel a perdu le bout de son nez à cause d'une épée et Jeremy a reçu une balle dans la jambe. Il est mort dans la prison de Winchester ; Samuel a été jugé en mai et exécuté le 4 juin. Son corps a ensuite été déplacé pour être enchaîné aux côtés de ceux de ses collègues d'Edgware. Mary Brazier a été transportée dans les Treize Colonies. Herbert Haines a été capturé le 13 avril et exécuté en août. John Wheeler, qui avait joué un rôle déterminant dans la preuve des accusations portées contre ses anciens collègues et qui fut libéré, mourut à Hackney en janvier 1738. La raison de sa mort n'est pas enregistrée, mais on suppose qu'il s'agit de causes naturelles.
Voleur de grands chemins
Le gang d'Essex étant désormais écrasé par les autorités, Turpin se tourna plutôt vers le crime pour lequel il est devenu le plus connu : le vol de grand chemin. Bien qu'il ait pu être impliqué dans des vols de grand chemin les 10 et 12 avril, il a été identifié pour la première fois comme suspect lors d'un événement survenu le 10 juillet, sous le nom de "Turpin le boucher", aux côtés de Thomas Rowden, "l'étain". Quelques jours plus tard, les deux hommes frappèrent la forêt d'Epping, privant un homme de Southwark de ses biens. Avec une prime supplémentaire de 100 £ sur leurs têtes, ils poursuivirent leurs activités jusqu'à la seconde moitié de 1735. En août, ils volèrent cinq personnes accompagnant un autocar sur Barnes Common, et peu de temps après, ils attaquèrent un autre groupe d'autocars, entre Putney et Kingston Hill. Le 20 août, les deux hommes ont soulagé M. Godfrey de six guinées et d'un portefeuille, à Hounslow Heath. Craignant d'être capturés, ils se sont rendus à Blackheath dans le Hertfordshire, puis sont retournés à Londres. Le 5 décembre, les deux hommes furent aperçus près de Winchester, mais fin décembre, après la capture de John Jones, ils se séparèrent. Rowden avait déjà été reconnu coupable de contrefaçon et, en juillet 1736, il fut reconnu coupable de passage de pièces de monnaie contrefaites, sous le pseudonyme de Daniel Crispe. Le vrai nom de Crispe fut finalement découvert et il fut transporté en juin 1738. Jones fut également transporté vers les Treize Colonies.
On sait peu de choses sur les déplacements de Turpin en 1736. Il se peut qu'il se soit rendu en Hollande, car diverses observations y ont été rapportées, mais il peut également avoir pris un pseudonyme et disparu de la vue du public. Cependant, en février 1737, il passa la nuit à Puckeridge, avec sa femme, sa femme de chambre et un homme du nom de Robert Nott. Turpin a organisé la rencontre par lettre, qui a été interceptée par les autorités. Tandis que Turpin échappait à ses ennemis et s'enfuyait à Cambridge, les autres furent arrêtés pour "violents soupçons d'être de dangereux voleurs et de vol sur l'autoroute". Ils ont été emprisonnés à la prison de Hertford, bien que les femmes aient ensuite été acquittées (Nott a été libéré lors des assises suivantes). Bien qu'un rapport publié fin mars suggère, de manière inhabituelle, que Turpin ait volé seul une compagnie de Higlers, le même mois, il aurait travaillé aux côtés de deux autres voleurs de grand chemin, Matthew King (identifié à tort à l'époque et depuis comme étant Tom King) et Stéphane Potter. Le trio fut responsable d'une série de vols entre mars et avril 1737, qui se terminèrent soudainement par un incident à Whitechapel, après que King (ou Turpin, selon le rapport lu) eut volé un cheval près de Waltham Forest. Son propriétaire, Joseph Major, a signalé le vol à Richard Bayes, propriétaire de la maison publique Green Man à Leytonstone. Bayes (qui écrivit plus tard une biographie de Turpin), suivit le cheval jusqu'au Lion Rouge à Whitechapel. Major a identifié l'animal, mais comme il était tard dans la soirée et que les chevaux n'avaient pas encore été récupérés par leurs « propriétaires », ils ont choisi d'organiser une veillée. John King (le frère de Matthew King) est arrivé tard dans la nuit et a été rapidement appréhendé par le groupe, qui comprenait le gendarme local. John King lui a indiqué où se trouvait Matthew King, qui attendait à proximité. Au cours de la mêlée qui en résulte, King est blessé par balle et meurt le 19 mai. Potter a ensuite été arrêté, mais lors de son procès, il a été libéré faute de preuves contre lui.
Tir mortel
La déclaration de Bayes concernant la mort de Matthew King a peut-être été fortement embellie. Plusieurs rapports, y compris le propre récit de Turpin, proposent différentes versions de ce qui s'est réellement passé cette nuit-là du début de mai 1737 ; Les premiers rapports affirmaient que Turpin avait tiré sur King, mais le mois suivant, les mêmes journaux ont rétracté cette affirmation et ont déclaré que Bayes avait tiré le coup mortel. Cependant, la fusillade de King a précédé un événement qui a complètement changé la vie de Turpin. Il s'est enfui vers un refuge dans la forêt d'Epping, où il a été vu par Thomas Morris, un serviteur de l'un des gardiens de la forêt. Turpin a abattu Morris le 4 mai avec une carabine lorsque, armé de pistolets, Morris a tenté de le capturer. La fusillade a été rapportée dans The Gentleman's Magazine :
Plusieurs journaux ont suggéré que les 6 et 7 mai, il avait commis deux vols de grand chemin près d'Epping. Turpin a peut-être aussi perdu sa monture ; le 7 mai, Elizabeth King a tenté de récupérer deux chevaux laissés par Matthew King, dans une auberge appelée Red Lion. Les chevaux ont été soupçonnés d'appartenir à des « bandits de la route » et King a été arrêté pour interrogatoire, mais a ensuite été relâché sans inculpation. Le meurtre de Morris a déclenché un flot de rapports sur Turpin et une récompense de 200 £ a été offerte pour sa capture.
Comme John Palmer
Vers juin 1737, Turpin embarqua au Ferry Inn à Brough, sous le pseudonyme de John Palmer (ou Parmen). Traversant la rivière Humber entre les comtés historiques de l'East Riding of Yorkshire et du Lincolnshire, il se faisait passer pour un marchand de chevaux et chassait souvent aux côtés des messieurs locaux. Le 2 octobre 1738, Turpin tua le coq d'un autre homme dans la rue. Tout en étant réprimandé par John Robinson, il a ensuite menacé de lui tirer dessus également. Trois juges de l'East Riding (JP), George Crowle (député de Hull), Hugh Bethell et Marmaduke Constable, se sont rendus à Brough et ont recueilli des dépositions écrites sur l'incident. Ils ont menacé de le lier, mais Turpin a refusé de payer la caution requise et a été incarcéré à la maison de correction de Beverley. Turpin a été escorté à Beverley par le constable de la paroisse, Carey Gill. Chose incompréhensible, il n’a fait aucune tentative de fuite ; Barlow (1973) suppose qu'à ce stade de sa vie, Turpin s'apitoyait peut-être sur son sort, déprimé à l'idée que sa vie ait jusqu'ici été un échec.
Robert Appleton, greffier de la paix pour la circonscription Est, et l'homme dont le récit détaille l'incident ci-dessus, ont rapporté plus tard que les trois juges de paix avaient demandé comment « Palmer » avait gagné son argent, soupçonnant que son style de vie était financé par des activités criminelles. . Turpin a affirmé qu'il était un boucher endetté et qu'il avait quitté son domicile de Long Sutton, dans le Lincolnshire. Contacté, le juge de paix de Long Sutton (un certain M. Delamere) a confirmé que John Palmer y vivait depuis environ neuf mois, mais qu'il était soupçonné d'avoir volé des moutons et qu'il s'était échappé de la garde du gendarme local. Delamere soupçonnait également Palmer d'être un voleur de chevaux et avait recueilli plusieurs dépositions à l'appui de son point de vue, et a déclaré aux trois juges de paix qu'il préférerait qu'il soit détenu. Les trois juges de paix présumaient désormais que l'affaire était trop grave pour que Palmer reste à la maison de correction de Beverley et exigeaient des garanties pour sa comparution aux assises de York. Turpin refusa et le 16 octobre, il fut transféré menotté au château d'York.
Le vol de chevaux est devenu un délit capital en 1545, passible de la peine de mort. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, les crimes portant atteinte au droit de propriété étaient parmi les plus sévèrement punis ; la plupart des 200 lois capitales concernaient des infractions contre les biens. Le vol qualifié combiné à la violence était « le type d'infraction, juste derrière le meurtre avec préméditation (un crime relativement rare), le plus susceptible d'être poursuivi et puni avec la plus grande rigueur [de la loi] ». Turpin avait volé plusieurs chevaux alors qu'il opérait sous le pseudonyme de Palmer. En juillet 1737, il vola un cheval à Pinchbeck dans le Lincolnshire et l'emmena rendre visite à son père à Hempstead. Lorsque Turpin revint à Brough (volant trois chevaux en cours de route), il laissa le hongre avec son père. L'identité du fils de John Turpin était bien connue et celle du cheval fut bientôt découverte. Le 12 septembre 1738, John Turpin fut donc incarcéré dans l'Essex pour vol de chevaux, mais suite à son aide pour empêcher une évasion, les accusations furent abandonnées le 5 mars 1739. Environ un mois après que « Palmer » eut été transféré à York. Castle, Thomas Creasy, le propriétaire des trois chevaux volés par Turpin, parvient à les retrouver et à les récupérer, et c'est pour ces vols qu'il sera finalement jugé.
Depuis sa cellule, Turpin écrivit à son beau-frère, Pompr Rivernall, qui vivait également à Hempstead. Rivernall était marié à la sœur de Turpin, Dorothy. La lettre a été conservée au bureau de poste local, mais voyant le timbre postal de York, Rivernall a refusé de payer les frais de livraison, affirmant qu'il « n'avait pas de correspondant à York ». Rivernall n'a peut-être pas voulu payer les frais de la lettre, ou il a peut-être souhaité se distancier des affaires de Turpin, et la lettre a donc été transférée au bureau de poste de Saffron Walden où James Smith, qui avait appris à Turpin à écrire tout en ce dernier était à l'école, a reconnu l'écriture. Il alerte le JP Thomas Stubbing, qui paie les frais de port et ouvre la lettre. Smith se rendit au château d'York et, le 23 février, identifia Palmer comme étant Turpin. Il a reçu la récompense de 200 £ (environ £ à partir de ) initialement offerte par le duc de Newcastle après le meurtre de Thomas Morris par Turpin.
Procès
Même si l'on se demandait où devait se dérouler le procès (le duc de Newcastle voulait qu'il soit jugé à Londres), Turpin fut jugé aux assises de York. Les débats ont débuté trois jours après l'ouverture des assises d'hiver, le 22 mars. Turpin fut accusé du vol des chevaux de Creasy : une jument valant trois livres, un poulain valant 20 shillings et un hongre valant trois livres. Les actes d'accusation indiquaient que les infractions présumées s'étaient produites à Welton le 1 mars 1739 et décrivaient Turpin comme "John Palmer alias Pawmer alias Richard Turpin ... défunt du château d'York dans le comté d'York, ouvrier". Techniquement, les accusations n'étaient pas valides : les infractions avaient eu lieu à Heckington, pas à Welton, et la date était également incorrecte ; les délits eurent lieu en août 1738.
Le procès était présidé par Sir William Chapple, un juge chevronné et respecté au début de la soixantaine. La poursuite a été dirigée par l'avocat du roi Thomas Place et Richard Crowle (frère de George), et les débats ont été enregistrés par un résident de York, Thomas Kyll. Turpin n'avait pas d'avocat pour la défense ; pendant cette période de l'histoire anglaise, les accusés n'avaient pas droit à une représentation légale et leurs intérêts étaient pris en charge par le juge qui présidait. Parmi les sept témoins appelés à témoigner figuraient Thomas Creasy et James Smith, l'homme qui avait reconnu l'écriture de Turpin. Turpin offrait peu de moyens pour interroger ses accusateurs ; lorsqu'on lui a demandé s'il avait quelque chose à demander à Creasy, il a répondu "Je ne peux rien dire, car je n'ai aucun témoin venu ce jour, comme je m'y attendais, et je supplie donc Votre Seigneurie de reporter mon procès à un autre jour". , et interrogé sur Smith, il a affirmé ne pas le connaître. Interrogé, Turpin a déclaré au tribunal qu'il avait acheté la jument et le poulain chez un aubergiste près de Heckington. Il a répété son histoire originale sur la façon dont il en était venu à utiliser le pseudonyme Palmer, affirmant que c'était le nom de jeune fille de sa mère. Lorsque le juge lui a demandé son nom avant de venir dans le Lincolnshire, il a répondu « Turpin ». Sans quitter la salle d'audience, le jury a déclaré Turpin coupable de la première accusation de vol de la jument et de son poulain, et, à la suite d'une procédure ultérieure, coupable du vol du hongre. Tout au long du procès, Turpin avait affirmé à plusieurs reprises qu'il n'avait pas eu suffisamment de temps pour former sa défense, que la procédure devait être retardée jusqu'à ce qu'il puisse appeler ses témoins et que le procès devrait avoir lieu dans l'Essex. Avant de le condamner, le juge a demandé à Turpin s'il pouvait donner une raison pour laquelle il ne devrait pas être condamné à mort ; Turpin dit : « C'est très dur pour moi, Monseigneur, parce que je n'étais pas préparé pour ma défense. » Le juge répondit : "Pourquoi ne l'étiez-vous pas ? Vous connaissiez le temps des assises aussi bien que n'importe qui ici." Malgré les arguments de Turpin selon lesquels on lui avait dit que le procès aurait lieu dans l'Essex, le juge a répondu : « Ceux qui vous l'ont dit étaient hautement coupables ; et comme votre pays vous a reconnu coupable d'un crime digne de mort, il est de mon devoir de prononcer une sentence contre vous", le condamnant à mort.
Exécution
Avant son exécution, Turpin recevait fréquemment des visiteurs (le geôlier était réputé avoir gagné 100 £ en vendant des boissons à Turpin et à ses invités), bien qu'il refusât les efforts d'un ecclésiastique local qui lui offrit « de sérieuses remontrances et remontrances ». John Turpin a peut-être envoyé à son fils une lettre, datée du 29 mars, l'exhortant à « implorer Dieu de pardonner vos nombreuses transgressions, pour lesquelles le voleur sur la croix a reçu son pardon à la dernière heure ». Turpin a acheté une nouvelle redingote et des chaussures et, la veille de son exécution, a embauché cinq personnes en deuil pour trois livres et dix shillings (à partager entre elles). Le 7 avril 1739, suivis de ses proches, Turpin et John Stead (un voleur de chevaux) furent emmenés à travers York en charrette ouverte jusqu'à Knavesmire, qui était alors l'équivalent de la potence de Tyburn à Londres. Turpin « s'est comporté avec une assurance étonnante » et « s'est incliné devant les spectateurs en passant ». Il grimpa sur une échelle jusqu'à la potence et parla à son bourreau. York n'avait pas de bourreau permanent, et c'était la coutume de gracier un prisonnier à condition qu'il agisse comme bourreau. A cette occasion, l'homme gracié était un autre bandit de grand chemin, Thomas Hadfield. Un article paru dans The Gentleman's Magazine du 7 avril 1739 note l'impertinence de Turpin : « Turpin se comporta d'une manière intrépide ; alors qu'il montait à l'échelle, sentant sa jambe droite trembler, il dit quelques mots au bûcher, puis se jeta et expira. je le ferais dans cinq minutes.
La méthode de pendaison à courte distance signifiait que les personnes exécutées étaient tuées par étranglement lent, et Turpin restait donc pendu jusqu'à la fin de l'après-midi, avant d'être abattu et emmené dans une taverne de Castlegate. Le lendemain matin, le corps a été enterré dans le cimetière de l'église St George, à Fishergate, en face de ce qui est aujourd'hui l'église catholique romaine St George. Le mardi suivant l'enterrement, le cadavre aurait été volé par des voleurs. Le vol de cadavres à des fins de recherche médicale était un phénomène assez courant et probablement toléré par les autorités de York. La pratique était cependant impopulaire auprès du grand public, et les voleurs de corps, ainsi que le cadavre de Turpin, furent bientôt appréhendés par une foule. Le corps a été récupéré et ré-enterré, apparemment cette fois avec de la chaux vive. Le corps de Turpin reposerait dans le cimetière de Saint-Georges, bien que des doutes subsistent quant à l'authenticité de la tombe.
Vue moderne
Une partie de la légende de Turpin peut provenir directement de La véritable histoire de la vie de Richard Turpin (1739) de Richard Bayes, un mélange de faits et de fiction assemblés à la hâte à la suite du procès, pour satisfaire un public crédule. Les discours des condamnés, les biographies des criminels et la littérature judiciaire étaient des genres populaires à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle ; écrits pour un public de masse et précurseurs du roman moderne, ils ont été « produits à une échelle qui dépasse toute comparaison avec n'importe quelle période antérieure ou ultérieure ». Une telle littérature fonctionnait comme une actualité et un « forum dans lequel les inquiétudes concernant le crime, le châtiment, le péché, le salut, le fonctionnement de la providence et la transgression sociale et morale en général pouvaient être exprimées et négociées ».
Le document de Bayes contient des éléments de conjecture ; par exemple, son affirmation selon laquelle Turpin était marié à une Miss Palmer (et non à Elizabeth Millington) est presque certainement incorrecte, et la date du mariage de Turpin, pour laquelle aucune preuve documentaire n'a été trouvée, semble être basée uniquement sur l'affirmation de Bayes selon laquelle en 1739, Turpin s'était marié 11 ou 12 ans plus tôt. Son récit des personnes présentes lors des vols commis par le gang d'Essex contient souvent des noms qui ne sont jamais apparus dans les journaux contemporains, suggérant, selon l'auteur Derek Barlow, que Bayes a embelli son histoire. La description que fait Bayes de la relation de Turpin avec « le roi le bandit de grands chemins » est presque certainement fictive. Turpin a peut-être connu Matthew King dès 1734 et a eu une association active avec lui à partir de février 1737, mais l'histoire du « Gentleman Highwayman » a peut-être été créée uniquement pour lier la fin du gang d'Essex avec les propres souvenirs de l'auteur de événements. Barlow considère également le récit du vol du cadavre de Turpin, annexé à la publication de Thomas Kyll de 1739, comme « traité avec une telle délicatesse qu'il équivaut presque à de la révérence », et donc de provenance suspecte.
Il n'existe aucun portrait contemporain de Turpin, qui, en tant que personnage notoire mais banal, n'était pas considéré comme suffisamment important pour être immortalisé. Une gravure dans une édition de la publication de Bayes de 1739, représentant un homme caché dans une grotte, est parfois supposée être lui, mais la description la plus proche qui existe est celle donnée par John Wheeler, d'« un homme aux couleurs fraîches, très marqué de la variole, mesurant environ cinq pieds neuf pouces ... porte un manteau bleu-gris et une perruque de couleur claire". Un E-FIT de Turpin, créé à partir de ces rapports, a été publié par le Castle Museum de York en 2009.
Turpin est surtout connu pour ses exploits de bandit de grands chemins, mais avant son exécution, le seul rapport contemporain le concernant en tant que tel remontait à juin 1737, lorsqu'un journal intitulé « Nouvelles nouvelles : de grandes et merveilleuses nouvelles de Londres dans un tumulte ou à crier ». après le Grand Turpin, avec sa fuite en Irlande" a été publié. Même si certains de ses contemporains ont fait l'objet de chapbooks, des noms tels que James Hind, Claude Duval et William Nevison ne sont pas aussi connus aujourd'hui que la légende de Dick Turpin, dont les exploits romancés ont commencé à apparaître au tournant du siècle. 19ème siècle. C'est cependant l'histoire d'un trajet légendaire de Londres à York qui a incité l'auteur du XIXe siècle William Harrison Ainsworth à inclure et à embellir l'exploit dans son roman de 1834, Rookwood. Ainsworth a utilisé Turpin comme intrigue, le décrivant d'une manière qui le rend plus vivant que les autres personnages du livre. Turpin est présenté sous le pseudonyme de Palmer et est ensuite contraint de s'échapper sur son cheval, Black Bess. Bien qu'assez rapide pour garder une longueur d'avance sur ceux qui le poursuivent, Black Bess finit par mourir sous le stress du voyage. Cette scène a attiré plus les lecteurs que le reste de l'œuvre, et comme Turpin était décrit comme un personnage sympathique qui rendait la vie d'un criminel attrayante, l'histoire est devenue une partie de la légende moderne entourant Turpin. L'artiste Edward Hull a capitalisé sur l'histoire d'Ainsworth en publiant six gravures d'événements marquants de la carrière de Turpin.
L'histoire d'Ainsworth sur le voyage nocturne de Turpin de Londres à York sur sa jument Black Bess a ses origines dans un épisode enregistré par Daniel Defoe, dans son œuvre de 1727 Une tournée à travers toute l'île de Grande-Bretagne. Après avoir commis un vol dans le Kent en 1676, William Nevison se rendit apparemment à York pour établir un alibi, et le récit de Defoe sur ce voyage devint une partie de la légende populaire. Une chevauchée similaire fut attribuée à Turpin dès 1808 et était jouée sur scène en 1819, mais l'exploit imaginé par Ainsworth (environ 200 miles en moins d'une journée) est impossible. Néanmoins, la légende d'Ainsworth sur Black Bess a été répétée dans des œuvres telles que Black Bess ou le Chevalier de la route, un terrible penny en 254 parties publié en 1867-1868. Dans ces contes, Turpin était le héros, accompagné de ses fidèles collègues Claude Duval, Tom King et Jack Rann. Ces récits, qui ont transformé Turpin d'un voyou et meurtrier grêlé en « un gentleman de la route [et] un protecteur des faibles », suivaient une tradition culturelle populaire de romantisme des criminels anglais. Cette pratique se reflète dans les ballades écrites sur Turpin, dont la plus ancienne, Dick Turpin, semble avoir été publiée en 1737. Les ballades ultérieures présentaient Turpin comme un personnage de Robin des Bois du XVIIIe siècle : « Turpin fut attrapé et son procès fut passé. , et pour un coq de chasse, il est finalement mort. Cinq cents livres qu'il a données gratuitement, le tout à Jack Ketch en guise de petit héritage.
Des histoires sur Turpin ont continué à être publiées jusqu’au XXe siècle et la légende a également été transférée sur scène. En 1845, le dramaturge George Dibdin-Pitt a recréé les « faits » les plus remarquables de la vie de Turpin et, en 1846, Marie Tussaud a ajouté une sculpture en cire de Turpin à sa collection chez Madame Tussauds. En 1906, l'acteur Fred Ginnett a écrit et joué dans le film Le dernier tour de Dick Turpin vers York. D'autres versions silencieuses sont apparues pour le grand écran, et certaines adaptations ont même transformé Turpin en une figure inspirée de Robin des Bois. Sid James est apparu dans le rôle de Turpin dans le film Carry On de 1974, Carry On Dick, et LWT a choisi Richard O'Sullivan dans le rôle de Turpin dans leur série éponyme, Dick Turpin. | http://quiz4free.com/ |
Qu'est-ce que « La vieille dame de Threadneedle Street » ? | La Banque d'Angleterre | [
"La Banque d'Angleterre, officiellement le gouverneur et la société de la Banque d'Angleterre, est la banque centrale du Royaume-Uni et le modèle sur lequel se fondent la plupart des banques centrales modernes. Créée en 1694, c'est la deuxième plus ancienne banque centrale du monde, après la Sveriges Riksbank, et la huitième plus ancienne banque du monde. Elle a été créée pour agir en tant que banquier du gouvernement anglais et est toujours le banquier du gouvernement du Royaume-Uni. La Banque était la propriété privée d'actionnaires depuis sa fondation en 1694 jusqu'à sa nationalisation en 1946.",
"En 1977, la Banque a créé une filiale en propriété exclusive appelée Bank of England Nominees Limited (BOEN), une société à responsabilité limitée, avec deux de ses cent actions de 1 £ émises. Selon son mémorandum et ses statuts, ses objectifs sont : « Agir en tant que prête-nom, agent ou avocat, seul ou conjointement avec d'autres, pour toute personne ou personnes, société de personnes, société, société, gouvernement, État, organisation, souverain, province. , autorité ou organisme public, ou tout groupe ou association d'entre eux....\" Bank of England Nominees Limited a obtenu une exemption d'Edmund Dell, secrétaire d'État au Commerce, des exigences de divulgation en vertu de l'article 27 (9) de la Loi sur les sociétés de 1976, car \"il a été jugé indésirable que les exigences de divulgation s'appliquent à certaines catégories d'actionnaires\". La Banque d'Angleterre est également protégée par son statut de Charte royale et par l'Official Secrets Act. BOEN est un instrument permettant aux gouvernements et aux chefs d'État d'investir dans des entreprises britanniques (sous réserve de l'approbation du secrétaire d'État), à condition qu'ils s'engagent à « ne pas influencer les affaires de l'entreprise ». BOEN n’est plus exempté des exigences de publicité du droit des sociétés. Bien qu’il s’agisse d’une société dormante, la dormance n’empêche pas une société d’opérer activement en tant qu’actionnaire prête-nom. BOEN a deux actionnaires : la Banque d'Angleterre et le secrétaire de la Banque d'Angleterre.",
"Les billets du Trésor ont été émis jusqu'en 1928, lorsque la loi de 1928 sur la monnaie et les billets de banque a rendu les pouvoirs d'émission de billets aux banques. La Banque d'Angleterre a émis pour la première fois des billets de dix shillings et une livre le 22 novembre 1928."
] | La Banque d'Angleterre, officiellement le gouverneur et la société de la Banque d'Angleterre, est la banque centrale du Royaume-Uni et le modèle sur lequel se fondent la plupart des banques centrales modernes. Créée en 1694, c'est la deuxième plus ancienne banque centrale du monde, après la Sveriges Riksbank, et la huitième plus ancienne banque du monde. Elle a été créée pour agir en tant que banquier du gouvernement anglais et est toujours le banquier du gouvernement du Royaume-Uni. La Banque était la propriété privée d'actionnaires depuis sa fondation en 1694 jusqu'à sa nationalisation en 1946.
En 1998, elle est devenue une organisation publique indépendante, entièrement détenue par le Treasury Solicitor au nom du gouvernement, jouissant d'une indépendance dans la définition de la politique monétaire.
La Banque est l'une des huit banques autorisées à émettre des billets au Royaume-Uni, mais elle détient le monopole de l'émission des billets en Angleterre et au Pays de Galles et réglemente l'émission des billets par les banques commerciales en Écosse et en Irlande du Nord.
Le Comité de politique monétaire de la Banque s'est vu confier la responsabilité de la gestion de la politique monétaire. Le Trésor dispose de pouvoirs de réserve pour donner des ordres au comité "si cela est requis dans l'intérêt public et par des circonstances économiques extrêmes", mais ces ordres doivent être approuvés par le Parlement dans un délai de 28 jours. Le Comité de politique financière de la Banque a tenu sa première réunion en juin 2011 en tant qu'organisme de réglementation macroprudentielle chargé de superviser la réglementation du secteur financier britannique.
Le siège de la banque se trouve depuis 1734 dans le principal quartier financier de Londres, la City de Londres, sur Threadneedle Street. Elle est parfois connue sous le métonyme The Old Lady of Threadneedle Street ou The Old Lady, un nom tiré de la légende de Sarah Whitehead. , dont le fantôme hanterait le jardin de la Banque. Le carrefour routier très fréquenté à l’extérieur est connu sous le nom de carrefour bancaire.
Mark Carney a assumé le poste de gouverneur de la Banque d'Angleterre le 1er juillet 2013. Il a succédé à Mervyn King, qui a pris ses fonctions le 30 juin 2003. Carney, un Canadien, exercera un mandat initial de cinq ans au lieu du mandat habituel de huit ans, et demandera la citoyenneté britannique. Il est le premier citoyen non britannique à occuper ce poste. Depuis janvier 2014, la Banque compte également quatre sous-gouverneurs.
Histoire
Fondation
La défaite écrasante de l'Angleterre face à la France, la puissance navale dominante, lors d'engagements navals culminant avec la bataille de Beachy Head en 1690, est devenue le catalyseur de la reconstruction de l'Angleterre en tant que puissance mondiale. L'Angleterre n'avait d'autre choix que de construire une marine puissante. Aucun fonds public n'était disponible et le crédit du gouvernement de Guillaume III était si faible à Londres qu'il lui était impossible d'emprunter les 1 200 000 £ (à 8 % par an) souhaités par le gouvernement.
Pour inciter à la souscription au prêt, les souscripteurs devaient être constitués au nom du gouverneur et de la société de la Banque d'Angleterre. La Banque avait la possession exclusive des soldes du gouvernement et était la seule société à responsabilité limitée autorisée à émettre des billets de banque. Les prêteurs donneraient au gouvernement des espèces (lingots) et émettraient des billets contre les obligations d'État, qui pourraient être à nouveau prêtées. Les 1,2 millions de livres sterling ont été collectés en 12 jours ; la moitié de cette somme a été utilisée pour reconstruire la marine.
En guise d’effet secondaire, l’énorme effort industriel nécessaire, notamment la création d’usines sidérurgiques pour fabriquer davantage de clous et les progrès de l’agriculture alimentant la force quadruplée de la marine, ont commencé à transformer l’économie. Cela a aidé le nouveau royaume de Grande-Bretagne – l’Angleterre et l’Écosse étaient formellement unies en 1707 – à devenir puissant. La puissance de la marine a fait de la Grande-Bretagne la puissance mondiale dominante à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle.
La création de la banque a été conçue par Charles Montagu, 1er comte d'Halifax, en 1694, selon le plan qui avait été proposé par William Paterson trois ans auparavant, mais qui n'avait pas été mis en œuvre. Il a proposé un prêt de 1,2 million de livres sterling au gouvernement ; en échange, les souscripteurs seraient constitués en tant que gouverneur et société de la Banque d'Angleterre avec des privilèges bancaires à long terme, y compris l'émission de billets. La Charte royale a été accordée le 27 juillet par l'adoption du Tonnage Act 1694. Les finances publiques étaient dans un état si désastreux à l'époque que les conditions du prêt prévoyaient qu'il devait être remboursé au taux de 8 % par an. et il y avait également des frais de service de 4 000 £ par an pour la gestion du prêt. Le premier gouverneur fut Sir John Houblon, représenté sur le billet de 50 £ émis en 1994. La charte a été renouvelée en 1742, 1764 et 1781.
18ème siècle
Le siège d'origine de la banque se trouvait à Walbrook, une rue de la City de Londres, où, lors de la reconstruction en 1954, les archéologues ont découvert les restes d'un temple romain de Mithra (on dit – à juste titre - que Mithra était vénéré, entre autres, comme le dieu des contrats). ); les ruines du Mithraeum sont peut-être la plus célèbre de toutes les découvertes romaines du XXe siècle dans la ville de Londres et peuvent être vues par le public.
La banque a déménagé à son emplacement actuel dans Threadneedle Street en 1734, puis a progressivement acquis les terrains voisins pour créer l'édifice que l'on voit aujourd'hui. La reconstruction de la banque par Sir Herbert Baker, démolissant la majeure partie du bâtiment antérieur de Sir John Soane, a été décrite par l'historien de l'architecture Nikolaus Pevsner comme « le plus grand crime architectural, dans la ville de Londres, du XXe siècle ».
Lorsque l’idée et la réalité de la dette nationale sont nées au XVIIIe siècle, celle-ci était également gérée par la Banque. Lors du renouvellement de sa charte en 1781, elle devint également la banque des banquiers : elle gardait suffisamment d'or pour payer ses billets à vue jusqu'au 26 février 1797, date à laquelle la guerre avait tellement diminué les réserves d'or que - à la suite d'une crainte d'invasion provoquée par la bataille de Fishguard quelques jours plus tôt - la Le gouvernement a interdit à la Banque de payer en or par l'adoption de la Bank Restriction Act 1797. Cette interdiction a duré jusqu'en 1821.
19ème siècle
La loi sur la charte des banques de 1844 a lié l'émission de billets aux réserves d'or et a donné à la Banque des droits exclusifs en matière d'émission de billets. Les banques privées qui bénéficiaient auparavant de ce droit le conservaient, à condition que leur siège social soit situé en dehors de Londres et qu'elles déposent une garantie contre les billets qu'elles émettaient. Quelques banques anglaises ont continué à émettre leurs propres billets jusqu'à ce que la dernière d'entre elles soit rachetée dans les années 1930. Les banques privées écossaises et nord-irlandaises ont toujours ce droit.
La banque agit pour la première fois comme prêteur en dernier ressort lors de la panique de 1866.
La dernière banque privée d'Angleterre à émettre ses propres billets fut la banque Fox, Fowler and Company de Thomas Fox à Wellington, qui se développa rapidement jusqu'à sa fusion avec la Lloyds Bank en 1927. Ils eurent cours légal jusqu'en 1964. Il reste neuf billets en circulation. ; l'un d'entre eux est hébergé à Tone Dale House Wellington.
20ième siècle
La Grande-Bretagne est restée fidèle à l’étalon-or jusqu’en 1931, date à laquelle les réserves d’or et de change ont été transférées au Trésor, mais elles ont continué à être gérées par la Banque.
Pendant le mandat de Montagu Norman, de 1920 à 1944, la Banque a déployé des efforts délibérés pour s'éloigner du secteur bancaire commercial et devenir une banque centrale. En 1946, peu après la fin du mandat de Norman, la banque fut nationalisée par le gouvernement travailliste.
Après 1945, la Banque a poursuivi les multiples objectifs de l’économie keynésienne, notamment « l’argent facile » et des taux d’intérêt bas pour soutenir la demande globale. Il a essayé de maintenir un taux de change fixe et a tenté de faire face à l'inflation et à la faiblesse de la livre sterling par le contrôle du crédit et des changes. Nicholas Kaldor a analysé la transition de l'économie keynésienne à l'économie de Chicago dans son livre des années 1980, The Scourge of Monetarism. Cette analyse contient une analyse d'une décision prise dans les années 1950 d'abandonner les politiques monétaristes.
En 1977, la Banque a créé une filiale en propriété exclusive appelée Bank of England Nominees Limited (BOEN), une société à responsabilité limitée, avec deux de ses cent actions de 1 £ émises. Selon son mémorandum et ses statuts, ses objectifs sont : « Agir en tant que prête-nom, agent ou avocat, seul ou conjointement avec d'autres, pour toute personne ou personnes, société de personnes, société, société, gouvernement, État, organisation, souverain, province. , autorité ou organisme public, ou tout groupe ou association d'entre eux...." Bank of England Nominees Limited a obtenu une exemption d'Edmund Dell, secrétaire d'État au Commerce, des exigences de divulgation en vertu de l'article 27 (9) de la Loi sur les sociétés de 1976, car "il a été jugé indésirable que les exigences de divulgation s'appliquent à certaines catégories d'actionnaires". La Banque d'Angleterre est également protégée par son statut de Charte royale et par l'Official Secrets Act. BOEN est un instrument permettant aux gouvernements et aux chefs d'État d'investir dans des entreprises britanniques (sous réserve de l'approbation du secrétaire d'État), à condition qu'ils s'engagent à « ne pas influencer les affaires de l'entreprise ». BOEN n’est plus exempté des exigences de publicité du droit des sociétés. Bien qu’il s’agisse d’une société dormante, la dormance n’empêche pas une société d’opérer activement en tant qu’actionnaire prête-nom. BOEN a deux actionnaires : la Banque d'Angleterre et le secrétaire de la Banque d'Angleterre.
En 1981, les réserves obligatoires obligeant les banques à détenir une proportion minimale fixe de leurs dépôts sous forme de réserves à la Banque d'Angleterre ont été abolies : voir réserves obligatoires # Royaume-Uni pour plus de détails.
Le 6 mai 1997, à la suite des élections générales de 1997 qui ont porté au pouvoir un gouvernement travailliste pour la première fois depuis 1979, le chancelier de l'Échiquier, Gordon Brown, a annoncé que la Banque bénéficierait d'une indépendance opérationnelle en matière de politique monétaire. Aux termes de la loi de 1998 sur la Banque d'Angleterre (entrée en vigueur le 1er juin 1998), le Comité de politique monétaire de la Banque s'est vu confier l'unique responsabilité de fixer les taux d'intérêt afin d'atteindre l'objectif d'inflation de l'indice des prix de détail (RPI) du gouvernement de 2,5 %. L'objectif est passé à 2 % depuis que l'indice des prix à la consommation (IPC) a remplacé l'indice des prix de détail comme indice d'inflation du Trésor. Si l’inflation dépasse ou sous l’objectif de plus de 1 %, le gouverneur doit écrire une lettre au chancelier de l’Échiquier expliquant pourquoi et comment il compte remédier à la situation.
Le transfert de la politique monétaire à la Banque était un élément clé de la politique économique des libéraux-démocrates depuis les élections générales de 1992. Le député conservateur Nicholas Budgen avait également proposé ce projet de loi d'initiative parlementaire en 1996, mais le projet de loi a échoué car il n'avait le soutien ni du gouvernement ni de l'opposition. Robert Skidelsky a analysé ce changement dans la politique travailliste dans son livre Le retour du maître, qualifiant d'erreur l'adoption par ce nouveau keynésien de l'hypothèse des attentes rationnelles, qui va de pair avec l'indépendance de la banque centrale. Il n’est pas dans l’intérêt des grands financiers d’adopter le modèle keynésien REH, même si l’ER est un principe qui peut être adopté dans n’importe quel modèle. Alan A. Walters, plus tard Sir Alan Walters, est le développeur britannique le plus célèbre de REH connu grâce à son article de 1971 Consistent Expectations, Distributed Lags and the Quantity Theory.
Fonctions de la banque
Les banques centrales indépendantes actuelles sont connues sous le nom de banques centrales friedmaniennes, car la règle des 2,5 % ou 2 % est basée sur les travaux de Milton Friedman et les plus célèbres d'entre eux. Cette règle, associée à l'indépendance de la banque centrale, crée un manque artificiel d'argent dans le secteur public, connu à tort sous le nom de stratégie « d'affamer la bête », dans le but d'abolir les États modernes. La Banque remplit toutes les fonctions d'une banque centrale. Les plus importants d'entre eux sont le maintien de la stabilité des prix et le soutien aux politiques économiques du gouvernement de Sa Majesté, favorisant ainsi la croissance économique. Deux domaines principaux sont abordés par la Banque pour garantir qu'elle s'acquitte efficacement de ces fonctions :
Stabilité monétaire
La stabilité des prix et la confiance dans la monnaie sont les deux principaux critères de stabilité monétaire. Des prix stables sont maintenus en veillant à ce que les augmentations de prix correspondent à l'objectif d'inflation du gouvernement. La Banque vise à atteindre cet objectif par l'ajustement du taux d'intérêt de base, décidé par le Comité de politique monétaire, et par sa stratégie de communication, comme la publication des courbes de rendement.
Stabilité financière
Maintenir la stabilité financière implique de se protéger contre les menaces qui pèsent sur l’ensemble du système financier. Les menaces sont détectées par les fonctions de surveillance et d'information sur les marchés de la Banque. Les menaces sont ensuite traitées par le biais d'opérations financières et autres, tant au niveau national qu'à l'étranger. Dans des circonstances exceptionnelles, la Banque peut agir à titre de prêteur en dernier ressort en accordant du crédit alors qu'aucune autre institution ne le fera.
La Banque travaille en collaboration avec d'autres institutions pour assurer la stabilité monétaire et financière, notamment :
* HM Treasury, le département gouvernemental responsable de la politique financière et économique ; et
* D'autres banques centrales et organisations internationales, dans le but d'améliorer le système financier international.
Le protocole d'accord de 1997 décrit les conditions dans lesquelles la Banque, le Trésor et la FSA travaillent vers l'objectif commun d'une stabilité financière accrue. En 2010, le nouveau chancelier a annoncé son intention de réintégrer la FSA au sein de la Banque. Depuis 2012, l'actuel directeur de la stabilité financière est Andy Haldane.
La Banque agit en tant que banquier du gouvernement et gère le compte du Fonds consolidé du gouvernement. Elle gère également les réserves de change et d'or du pays. La Banque agit également comme banque des banquiers, notamment en sa qualité de prêteur en dernier ressort.
La Banque détient le monopole de l’émission des billets de banque en Angleterre et au Pays de Galles. Les banques écossaises et nord-irlandaises conservent le droit d'émettre leurs propres billets, mais ils doivent être adossés à un pour un aux dépôts à la Banque, à l'exception de quelques millions de livres représentant la valeur des billets qu'elles avaient en circulation en 1845. La Banque a décidé de vendre ses opérations d'impression de billets de banque à De La Rue en décembre 2002, sous les conseils de Close Brothers Corporate Finance Ltd.
Depuis 1998, le Comité de politique monétaire (MPC) est chargé de fixer le taux d'intérêt officiel. Cependant, avec la décision d'accorder à la Banque l'indépendance opérationnelle, la responsabilité de la gestion de la dette publique a été transférée en 1998 au nouveau Bureau de gestion de la dette, qui a également pris en charge la gestion de la trésorerie du gouvernement en 2000. Computershare a pris la relève en tant que registraire des obligations d'État britanniques (dorées). (titres tranchants ou gilts) de la Banque à la fin de 2004.
La Banque était autrefois responsable de la réglementation et de la supervision des secteurs de la banque et des assurances. Cette responsabilité a été transférée à la Financial Services Authority en juin 1998, mais après les crises financières de 2008, la nouvelle législation bancaire a transféré la responsabilité de la réglementation et de la supervision des secteurs bancaire et des assurances à la Banque.
En 2011, le Comité de politique financière (FPC) intérimaire a été créé en tant que comité miroir du MPC pour diriger le nouveau mandat de la Banque en matière de stabilité financière. Le FPC est responsable de la réglementation macroprudentielle de toutes les banques et compagnies d’assurance britanniques.
Pour aider à maintenir la stabilité économique, la Banque tente d'élargir la compréhension de son rôle, à la fois par des discours réguliers et des publications de hauts responsables de la Banque, un rapport semestriel sur la stabilité financière et par une stratégie d'éducation plus large destinée au grand public, généralement connue sous le nom de propagande. Il gère un musée gratuit et organise le concours Target Two Point Zero pour les étudiants de niveau A.
Facilité d'achat d'actifs
La Banque gère, depuis janvier 2009, une facilité d'achat d'actifs (APF) pour acheter « des actifs de haute qualité financés par l'émission de bons du Trésor et les opérations de gestion de trésorerie du DMO » et améliorer ainsi la liquidité sur les marchés du crédit. Depuis mars 2009, il fournit également le mécanisme par lequel la politique d'assouplissement quantitatif (QE) de la Banque est mise en œuvre, sous les auspices du MPC. Parallèlement à la gestion des 200 milliards de livres sterling de fonds QE, l'APF continue d'exploiter ses installations d'entreprise. Les deux sont entrepris par une filiale de la Banque d’Angleterre, le Bank of England Asset Purchase Facility Fund Limited (BEAPFF).
Émissions de billets de banque
La Banque émet des billets de banque depuis 1694. Les billets étaient à l'origine écrits à la main ; bien qu'ils aient été partiellement imprimés à partir de 1725, les caissiers devaient encore signer chaque billet et les rendre payables à quelqu'un. Les billets ont été entièrement imprimés à partir de 1855. Jusqu'en 1928, tous les billets étaient des « billets blancs », imprimés en noir et avec un revers vierge. Aux XVIIIe et XIXe siècles, les billets blancs étaient émis en coupures de 1 £ et 2 £. Au cours du XXe siècle, les billets blancs étaient émis dans des coupures comprises entre 5 £ et 1 000 £.
Jusqu'au milieu du XIXe siècle, les banques commerciales étaient autorisées à émettre leurs propres billets de banque, et les billets émis par les sociétés bancaires provinciales étaient couramment en circulation. La Bank Charter Act 1844 a amorcé le processus visant à restreindre l'émission de billets à la Banque ; il était interdit aux nouvelles banques d'émettre leurs propres billets et aux banques émettrices de billets existantes n'étaient pas autorisées à élargir leur émission. À mesure que les sociétés bancaires provinciales ont fusionné pour former des banques plus grandes, elles ont perdu leur droit d'émettre des billets et les billets de banque privés anglais ont finalement disparu, laissant à la Banque le monopole de l'émission de billets en Angleterre et au Pays de Galles. La dernière banque privée à émettre ses propres billets en Angleterre et au Pays de Galles fut Fox, Fowler and Company en 1921. Cependant, les limitations de la loi de 1844 n'affectaient que les banques d'Angleterre et du Pays de Galles, et aujourd'hui trois banques commerciales en Écosse et quatre en Irlande du Nord. continuent d'émettre leurs propres billets, réglementés par la Banque.
Au début de la Première Guerre mondiale, la loi de 1914 sur la monnaie et les billets de banque a été adoptée, qui accordait des pouvoirs temporaires au Trésor britannique pour émettre des billets de banque d'une valeur de 1 £ et 10/- (dix shillings). Les billets du Trésor avaient cours légal et n'étaient pas convertibles en or par l'intermédiaire de la Banque ; ils ont remplacé la pièce d'or en circulation pour empêcher une ruée sur la livre sterling et permettre l'achat de matières premières pour la production d'armement. Ces billets présentaient une image du roi George V (les billets de la Banque d'Angleterre n'ont commencé à afficher une image du monarque qu'en 1960). Le libellé de chaque note était :
Les billets du Trésor ont été émis jusqu'en 1928, lorsque la loi de 1928 sur la monnaie et les billets de banque a rendu les pouvoirs d'émission de billets aux banques. La Banque d'Angleterre a émis pour la première fois des billets de dix shillings et une livre le 22 novembre 1928.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, l'opération allemande Bernhard a tenté de contrefaire des coupures comprises entre 5 et 50 livres sterling, produisant 500 000 billets chaque mois en 1943. Le plan initial était de parachuter l'argent au Royaume-Uni pour tenter de déstabiliser l'économie britannique, mais il Il a été jugé plus utile d'utiliser les billets pour payer les agents allemands opérant dans toute l'Europe. Bien que la plupart soient tombés entre les mains des Alliés à la fin de la guerre, des contrefaçons sont apparues fréquemment pendant des années après, ce qui a entraîné le retrait de la circulation des billets de banque d'une valeur supérieure à 5 £.
En 2006, plus de 53 millions de livres sterling de billets appartenant à la banque ont été volés dans un dépôt de Tonbridge, dans le Kent.
Les billets de banque modernes sont imprimés sous contrat avec De La Rue Currency à Loughton, Essex.
La voûte
La Banque est dépositaire des réserves officielles d'or du Royaume-Uni et de nombreux autres pays. Le coffre-fort, situé sous la City de Londres, couvre une superficie au sol supérieure à celle du troisième plus haut bâtiment de la City, la Tour 42, et nécessite des clés de 90 cm de long pour s'ouvrir. Vers 2011, la Banque était le 15e dépositaire des réserves d'or, détenant environ 4 600 tonnes. Ces gisements d'or ont été estimés en février 2012 à une valeur marchande actuelle de 156 000 000 000 £.
Gouvernance de la Banque d'Angleterre
Gouverneurs
Voici une liste des gouverneurs de la Banque d'Angleterre depuis le début du 20e siècle :
Cour des directeurs
Autres membres du personnel
Depuis 2013, la Banque compte un Chief Operating Officer (COO). , la COO de la Banque est Charlotte Hogg.
, l'économiste en chef de la Banque est Andrew Haldane. | http://quiz4free.com/ |
Vijay Singh, champion des US Masters, vient d'où ? | Fidji | [
"Indo-fidjien de religion hindoue, Singh est né à Lautoka, Fidji et a grandi à Nadi. Résident de Ponte Vedra Beach, en Floride, il est connu pour sa préparation méticuleuse, restant souvent au stand des heures avant et après ses rondes de tournoi, travaillant sur son jeu.",
"En mai 2005, Singh a été nommé ambassadeur de bonne volonté pour les Fidji. Il a déclaré qu'il n'attendait rien en retour du gouvernement fidjien pour avoir représenté son pays. Lors d'une conférence de presse le 18 mai 2005, Singh a commenté ce qu'il a qualifié de détérioration des relations raciales aux Fidji, affirmant que pour un si petit pays, les gens de toutes races devraient vivre ensemble, mettre leurs différences de côté et continuer leur vie. . Les relations entre les Indo-Fidjiens et les Fidjiens autochtones étaient plus harmonieuses lorsqu'il était plus jeune, a-t-il déclaré.",
"*Trophée Eisenhower (représentant les Fidji) : 1980",
"*Coupe du monde (représentant les Fidji) : 2001, 2002, 2013"
] | Vijay Singh, CF (né le 22 février 1963), surnommé « le grand fidjien », est un golfeur professionnel fidjien qui a été numéro 1 au classement officiel mondial de golf pendant 32 semaines en 2004 et 2005. Il a remporté trois championnats majeurs ( Le Masters en 2000 et le PGA Championship en 1998 et 2004) et a été le principal gagnant d'argent du PGA Tour en 2003, 2004 et 2008. Il a été élu au World Golf Hall of Fame en 2005 (mais a reporté son intronisation jusqu'en 2006). Il a remporté la FedEx Cup en 2008.
Indo-fidjien de religion hindoue, Singh est né à Lautoka, Fidji et a grandi à Nadi. Résident de Ponte Vedra Beach, en Floride, il est connu pour sa préparation méticuleuse, restant souvent au stand des heures avant et après ses rondes de tournoi, travaillant sur son jeu.
Parcours professionnel
Première vie et carrière amateur
Singh s'est rappelé aux journalistes de son enfance : « Quand nous étions enfants, nous ne pouvions pas nous permettre des balles de golf, nous devions donc nous contenter de noix de coco. Mon père avait l'habitude de dire : « Petit Vijay, les balles de golf ne tombent pas des arbres, tu sais, » " alors j'en ai trouvé qui le faisaient !" En grandissant, il a joué au snooker, au cricket, au football et au sport le plus populaire de l'île, le rugby. Il est le fils de Mohan Singh, un technicien aéronautique qui a également enseigné le golf. En grandissant, il admirait le swing de Tom Weiskopf, l'utilisant comme premier modèle pour le sien.
Carrière professionnelle
1984-1988
Deux ans après être devenu professionnel, Singh a remporté le championnat malaisien de la PGA en 1984. Cependant, sa carrière a été plongée dans la crise après avoir été suspendu de la tournée asiatique en 1985 en raison d'allégations selon lesquelles il aurait falsifié son tableau de bord. Il a été allégué qu'il avait abaissé son score de un à un sous afin de passer la coupe, mais Singh nie cela, affirmant que de toute façon, cela n'aurait dû entraîner qu'une disqualification de l'événement plutôt qu'une interdiction. Après qu'une enquête du Tour sur cette violation présumée et d'autres se soit avérée vraie, John Bender, président du Asian PGA Tour, a prononcé à Singh une interdiction à vie de jouer sur le Asian PGA Tour.
Singh a estimé qu'il avait été traité plus durement parce que le marqueur était "le fils d'un VIP de la PGA indonésienne". Il a ensuite accepté un emploi au Keningau Club à Sabah, en Malaisie, avant de rejoindre le Miri Golf Club à Sarawak. Bien que ce soit une période difficile pour lui, il continue d’acquérir de l’expérience. Il a économisé l’argent dont il avait besoin pour relancer sa carrière et a commencé à réintégrer les tournois. En 1988, il s'est associé à un sponsor, Red Baron, qui a financé un voyage en Afrique pour participer au défunt Safari Tour, où il a remporté son premier événement, l'Open du Nigeria de 1988. Les locaux l’ont acclamé bruyamment, car un homme de couleur n’avait jamais remporté le tournoi auparavant. À la fin de cette année-là, il entre pour la deuxième année consécutive à l'école de qualification de l'European Tour et réussit à cette occasion.
1989-1997 : premières victoires en Europe et en Amérique
En 1989, Singh a remporté son premier titre sur le circuit européen au Volvo Open Championship en Italie et a terminé 24e sur l'Ordre du mérite du circuit européen, mettant ainsi ses premières difficultés derrière lui. Il a gagné quatre fois en 1989, au Volvo Open de Florence, à l'Open de Côte d'Ivoire, à l'Open du Nigéria et à l'Open du Zimbabwe. Il a également terminé à égalité au 23e rang à l'Open Championship. Il a de nouveau gagné sur le circuit européen en 1990 et l'a fait deux fois en 1992. Il a également remporté plusieurs tournois en Asie et en Afrique au cours de cette période.
Singh est entré dans le PGA Tour en 1993, remportant son premier événement du PGA Tour, la Buick Classic en séries éliminatoires contre Mark Wiebe. Cette victoire lui a valu d'être nommé recrue de l'année 1993 du PGA Tour. Après avoir souffert de problèmes de dos et de cou en 1994, il est revenu pour remporter à nouveau la Buick Classic en 1995 ainsi que le Phoenix Open. Après avoir bien joué en 1996 (mais sans victoire), il a remporté le tournoi commémoratif et le Buick Open en 1997.
1998-2004 : champion majeur au numéro 1 mondial
En 1998, Singh a remporté le championnat PGA au Sahalee Country Club de Sammamish, Washington, jouant un 70-66-67-68 sur les quatre jours (le 66 a égalé un record du parcours) et lui a valu son premier titre majeur. Il a enchaîné en remportant le Masters en 2000, avec une victoire par trois coups sur Ernie Els.
Singh n'a pas gagné sur le PGA Tour en 2001, mais a terminé l'année avec un des 14 meilleurs classements parmi les 10 premiers du Tour et a terminé quatrième sur la liste d'argent avec 3 440 829 $ pour l'année. En 2002, il a gagné au Shell Houston Open au TPC à The Woodlands, établissant un nouveau record de tournoi sur 72 trous avec un 266, et au Tour Championship, gagnant par deux coups sur Charles Howell III.
2003 s'est avérée être une année très réussie pour Singh. Il a remporté quatre tournois, s'est classé 18 parmi les 10 premiers et a été le leader financier du PGA Tour (et a eu le deuxième total le plus élevé sur une seule saison de l'histoire du PGA Tour) avec 7 573 907 $, battant Tiger Woods de 900 494 $, bien que Singh ait joué 27 tournois par rapport à Woods. « 18 tournois. Singh a également égalé un record de score sur 9 trous à l'US Open avec un 29 sur les neuf derniers de son deuxième tour. Ses victoires sont survenues au Phoenix Open, au championnat EDS Byron Nelson, au John Deere Classic et au FUNAI Classic au Walt Disney World Resort. Il a perdu de peu le vote pour le joueur de l'année de la PGA of America face à Tiger Woods.
Cependant, la saison 2003 a également été marquée par une controverse impliquant Singh entourant l'événement de l'année à la Bank of America Colonial. La star de la LPGA Annika Sörenstam est devenue la première femme à participer à un événement du PGA Tour depuis Babe Zaharias à l'Open de Los Angeles en 1945. En ce qui concerne cette ferveur, Singh a été cité à tort comme ayant déclaré que Sörenstam "n'avait pas sa place" sur la tournée masculine et qu'il ne jouerait pas s'il était jumelé avec elle. Ce qu'il a en réalité dit, c'est qu'il ne serait pas jumelé avec elle parce que son partenaire de jeu était sélectionné dans la poule de l'ancien champion. Singh a précisé plus tard : "Il y a des gars qui essaient de gagner leur vie. Ce n'est pas une tournée de femmes. Si elle veut jouer, elle devrait - ou toute autre femme d'ailleurs - s'ils veulent jouer la tournée des hommes, ils devraient jouer." Je devrais me qualifier et jouer comme tout le monde."
Singh a commencé 2004 en remportant l'AT&T Pebble Beach National Pro-Am à -16 et en remportant 954 000 $ de prix en argent. Il s'agissait de sa première victoire sur le circuit en 2004 et de sa 16e de tous les temps sur le circuit de la PGA. Il s'agissait de son 12e top 10 consécutif, soit deux de moins que le record de tous les temps de Jack Nicklaus.
Singh a remporté le dernier tournoi majeur de 2004, remportant le championnat de la PGA, son troisième tournoi majeur, lors de séries éliminatoires globales de trois trous contre Justin Leonard et Chris DiMarco. Singh était leader d'un coup sur Leonard avant le tour final, mais n'a réussi aucun birdie dans le tour final, terminant le règlement à 67-68-69-76 = 280. Son dernier tour de 76 était le score gagnant le plus élevé d'un champion majeur depuis 1955. Les séries éliminatoires ont été une affaire tendue, et le birdie de Singh au premier trou des séries éliminatoires, son premier birdie de la journée, s'est avéré faire la différence.
Le 6 septembre 2004 (fête du Travail), Singh a remporté le championnat de la Deutsche Bank à Norton, Massachusetts. Avec cette victoire, il a dépassé Tiger Woods au sommet du classement mondial officiel du golf, mettant ainsi fin à la séquence de 264 semaines de Woods au sommet du monde du golf.
Singh a terminé la saison 2004 avec neuf victoires, un record en carrière, 18 top-10 et un record de 10 905 166 $ de gains et a été nommé joueur de l'année du PGA Tour et de la PGA of America. Le premier prix est décidé par un vote des joueurs actifs du PGA Tour.
2005-2008 : succès sur 40 et victoire à la FedEx Cup
Malgré une victoire au début de 2005, Singh a perdu son classement de numéro 1 mondial lorsque Tiger Woods a remporté le championnat Ford à Doral le 6 mars, mais à peine deux semaines plus tard, il l'a repris après avoir terminé parmi les trois premiers en trois semaines consécutives. Après la victoire de Woods au Masters 2005, Singh a de nouveau perdu sa place de numéro un mondial au classement officiel mondial du golf et a terminé à égalité à la cinquième place. En avril, il est devenu la plus jeune personne vivante élue au Temple de la renommée du golf mondial, avec 56 % des suffrages. Karrie Webb, trente ans, a été intronisée au Temple de la renommée en octobre 2005, mais Singh est resté le plus jeune élu vivant, car Webb s'est qualifié pour le Hall sans processus électoral. (Le grand Tom Morris, Jr., élu en 1975, est décédé à l'âge de 24 ans.) Singh a reporté son intronisation d'un an, et celle-ci a eu lieu en octobre 2006.
En 2006, Singh a joué suffisamment d'événements du circuit européen pour figurer sur le titre de l'Ordre du mérite du circuit européen pour la première fois depuis 1995.
Au début de la saison 2007, Singh a remporté le championnat Mercedes-Benz, le premier événement de la FedEx Cup de l'histoire du PGA Tour. Cette victoire a valu à Singh sa 18e victoire sur la tournée à l'âge de 40 ans, surpassant Sam Snead avec le plus grand nombre de victoires de plus de 40 ans et faisant de tous les temps plus de 40 vainqueurs de la tournée. Il a de nouveau gagné au Arnold Palmer Invitational en mars, mais n'a pas gagné pour le reste de l'année, ce qui s'est transformé en une année décevante pour Singh. Il n'a pas terminé dans le top dix d'un tournoi majeur pour la première fois en dix ans et a terminé 10e de la course FedEx Cup. Il a connu des changements de swing à la fin de 2007, ce qui a entraîné des semaines de coupures manquées et un maintien en dehors du top dix jusqu'à la Coupe des Présidents.
Un nouveau swing a apporté de grands changements pour Singh en 2008, même s'il a eu de bonnes opportunités à Pebble Beach et Bay Hill, il n'a pas concouru à un niveau élevé pendant la première moitié de l'année. Son jeu a été en proie à un mauvais putting pendant la majeure partie de deux ans, mais sa saison a commencé à changer avec une égalité à la cinquième place du Travelers Championship. Après avoir raté le cut à l'Open Championship, Singh a remporté le WGC-Bridgestone Invitational début août pour sa première victoire de l'année et son premier championnat du monde de golf. Sa victoire avait été un soulagement après avoir raté de courts putts tout au long de la semaine. Il a raté le cut les deux semaines suivantes, notamment à Oakland Hills pour le championnat de la PGA et est entré dans les séries éliminatoires de la PGA Tour FedEx Cup au 7e rang du classement. Lors du premier événement éliminatoire, Singh a remporté sa première victoire en FedEx Cup en battant Sergio García et Kevin Sutherland en séries éliminatoires. Sur le premier trou des séries éliminatoires, García et Singh ont réussi de longs putts de birdie avant que Singh ne gagne avec un birdie au deuxième trou des séries éliminatoires. Singh a été propulsé à la première place de la course de la FedEx Cup avec trois épreuves restantes. Lors de la deuxième épreuve des séries éliminatoires, il a triomphé une fois de plus, cette fois au Deutsche Bank Championship, déroutant le peloton avec une victoire de cinq coups et un tour final 63. Il avait gagné trois fois lors de ses cinq derniers départs et s'était créé une avance presque insurmontable. dans la course aux points. Il ne participera pas aux deux épreuves restantes, mais en participant aux deux, le titre de la FedEx Cup 2008 appartenait à Singh. Sa saison qui semblait être une déception majeure en juillet s'est transformée en une année historique pour Singh : il a remporté le PGA Tour money list pour la troisième fois de sa carrière et il a surpassé Harry Cooper pour la plupart des victoires du PGA Tour de tous les temps pour un non- Américain.
Singh a gagné 22 fois sur le PGA Tour depuis ses 40 ans – battant le record précédemment établi par Sam Snead. Il est le deuxième homme à atteindre 60 millions de dollars de revenus en carrière sur le PGA Tour, après Tiger Woods. Ses 34 victoires en carrière sont les plus importantes sur le circuit de la PGA remportées par un joueur non américain et le placent au 14e rang de tous les temps. Il a passé plus de 540 semaines dans le top 10 du classement officiel mondial du golf. La longévité de Singh sur le PGA Tour et son nombre de victoires lui valent une exemption à vie sur le PGA Tour.
Kenny Perry, un autre joueur qui a connu le succès à un âge tardif, est un bon ami de Singh, qui l'appelle "Biggie". À propos de Singh, Perry a déclaré: "Vijay a toujours été bon avec moi. Nous parlons beaucoup. Il veut savoir comment va ma famille. Je pense tout à lui."
2009-présent : déclin
Après les séries éliminatoires de 2008, Singh a annoncé son retrait de quelques événements du circuit asiatique en raison d'une blessure persistante au dos et les médecins lui ont conseillé de se reposer. Il a raté deux mois et demi et est revenu pour remporter le tournoi de Tiger Woods, le Chevron World Challenge au Sherwood Country Club en Californie en décembre. C'était sa première victoire dans cette épreuve. Au début de la saison 2009, Singh a annoncé qu'il manquerait trois semaines après avoir subi une opération arthroscopique pour réparer une déchirure du ménisque du genou droit. Singh a connu une saison 2009 médiocre, sans top 5 et a terminé l'année avec son plus bas classement jamais enregistré sur la liste d'argent du PGA Tour, à la 68e place.
Sa mauvaise forme s'est poursuivie en 2010, ce qui lui a valu la 66e place sur la liste d'argent du PGA Tour. Il a quitté le top 50 du classement mondial pour la première fois depuis le début des années 90.
De retour d'une opération au genou, Singh a commencé la saison 2011 en réalisant cinq de ses cinq premières coupures. En février, Singh était en lice pour remporter son premier titre du PGA Tour depuis 2008 au Waste Management Phoenix Open à Scottsdale, en Arizona. Malgré un dernier tour de 66, Singh a terminé à deux coups derrière Jason Dufner et l'éventuel vainqueur Mark Wilson. Quelques semaines plus tard, Singh était de nouveau en lice, cette fois au Northern Trust Open au Riviera Country Club. Cependant, il a de nouveau échoué, non aidé par des bogeys consécutifs sur les trous 12 et 13. Il a finalement terminé à deux coups du vainqueur Aaron Baddeley, bien qu'il ait assuré seul la deuxième place. Cette forme de début de saison n'a cependant pas suffi pour assurer une place au Championnat du monde de golf d'ouverture de l'année, le Championnat Match Play WGC-Accenture la semaine suivante. Cependant, au 10e rang du classement de la FedEx Cup 2011, c'était juste suffisant pour s'assurer une place au championnat WGC-Cadillac en mars.
Le 6 juin 2011, Singh a raté son heure de départ pour les qualifications de l'US Open à Columbus, Ohio. À l’époque, cela mettait fin à la plus longue séquence active de tournois majeurs consécutifs joués par un golfeur professionnel, à 67 ans.
Le 30 janvier 2013, Singh a admis avoir utilisé un spray contre les bois de cerf sans savoir qu'il s'agissait d'une substance interdite. Le PGA Tour a ensuite abandonné ses poursuites contre lui. Le 8 mai 2013, Singh a poursuivi le PGA Tour pour l'avoir exposé à l'humiliation et au ridicule publics au cours d'une enquête de 12 semaines sur son utilisation d'un spray contre les bois de cerf.
Singh a disputé son premier événement du Champions Tour en 2013, terminant T6 au Pacific Links Hawai'i Championship.
Relations avec les médias
La controverse a entouré Singh en 2003 devant la Bank of America Colonial. Annika Sörenstam devait jouer à l'événement, et Singh aurait déclaré: "J'espère qu'elle ratera le cut... parce qu'elle n'a pas sa place ici." Il a déclaré plus tard que l'essentiel de son entretien avec un journaliste d'Associated Press était qu'elle remplacerait un autre joueur masculin en difficulté, pour lequel il avait de la sympathie. Cependant, les médias se sont concentrés sur cette déclaration. Golf Digest a écrit que Singh était devenu "le méchant du golf professionnel".
Après la victoire de Singh au Masters, Ernie Els a contesté une partie de la presse négative reçue par son ami. Il a écrit un article dans Sports Illustrated pour le défendre, disant : « Le golf devrait être fier de Vijay Singh. » Plus tard, Els a dit à propos de Singh "C'est un gars merveilleux. Je le connais depuis près de 10 ans maintenant. C'est un grand compétiteur. Je pense que les gens ont une idée fausse de Vijay. C'est un gars vraiment bien."
En mai 2005, Singh a été nommé ambassadeur de bonne volonté pour les Fidji. Il a déclaré qu'il n'attendait rien en retour du gouvernement fidjien pour avoir représenté son pays. Lors d'une conférence de presse le 18 mai 2005, Singh a commenté ce qu'il a qualifié de détérioration des relations raciales aux Fidji, affirmant que pour un si petit pays, les gens de toutes races devraient vivre ensemble, mettre leurs différences de côté et continuer leur vie. . Les relations entre les Indo-Fidjiens et les Fidjiens autochtones étaient plus harmonieuses lorsqu'il était plus jeune, a-t-il déclaré.
Victoires professionnelles (60)
Victoires du PGA Tour (34)
Record des séries éliminatoires du PGA Tour (8-4)
Victoires du Tour européen (13)
Victoires du Tour asiatique (5)
*1995 Passeport ouvert
*Open Johnnie Walker de Taïwan 2000
*Open de Malaisie Carlsberg 20011, Caltex Singapore Masters1
*Open de Corée de la Banque Kolon-Hana 2007
1 Co-sanctionné avec European Tour
Autres victoires (14)
* Championnat PGA de Malaisie 1984
* 1988 Nigerian Open, Swedish PGA (pas un événement du circuit européen)
* 1989 Open du Nigeria, Open de Côte d'Ivoire, Open du Zimbabwe
* Trophée Roi Hassan 1991
* 1992 Open de Malaisie
* Coupe Cloches 1993
* Championnat du monde Match Play Toyota 1997 (Angleterre – pas un événement officiel du circuit européen à cette époque)
* Super tournée Johnnie Walker 1998
* Jeu Skins TELUS 2001
* Jeu Skins TELUS 2003
* Défi mondial Chevron 2008
Championnats majeurs
Victoires (3)
1 A battu Justin Leonard et Chris DiMarco en séries éliminatoires de trois trous : Singh (3-3-410), Leonard (4-3-4
11), et DiMarco (4-3-4=11)
Chronologie des résultats
DNP = n'a pas joué
CUT = raté la coupe à mi-chemin
"T" indique une égalité pour une place.
Fond vert pour les victoires. Fond jaune pour le top-10.
Résumé
*La plupart des cuts consécutives effectuées – 15 (PGA 2002 – US Open 2006)
*Plus longue séquence dans le top 10 – 7 (PGA 2004 – US Open 2006)
Championnats du monde de golf
Victoires (1)
Chronologie des résultats
1Annulé en raison du 11 septembre
DNP = N'a pas joué
QF, R16, R32, R64 = Tour au cours duquel le joueur a perdu en match play
"T" = à égalité
NT = Pas de tournoi
Fond vert pour les victoires. Fond jaune pour le top-10.
Notez que les HSBC Champions ne sont devenus un événement WGC qu’en 2009.
Résumé de carrière du PGA Tour
*À la fin de la saison 2015.
Il y a un résumé de la carrière de Singh sur la tournée européenne ici.
Apparitions en équipe
Amateur
*Trophée Eisenhower (représentant les Fidji) : 1980
Professionnel
*Coupe des Présidents (équipe internationale) : 1994, 1996, 1998 (vainqueurs), 2000, 2003 (égalité), 2005, 2007, 2009
*Coupe du monde (représentant les Fidji) : 2001, 2002, 2013 | http://quiz4free.com/ |
Quelle est la capitale de l'État de l'Oregon ? | Salem | [
"L’Oregon était habité par de nombreuses tribus indigènes avant l’arrivée des commerçants, des explorateurs et des colons occidentaux. Un gouvernement autonome a été formé dans le pays de l'Oregon en 1843, le territoire de l'Oregon a été créé en 1848 et l'Oregon est devenu le 33e État le 14 février 1859. Aujourd'hui, avec une superficie de 98 000 milles carrés (255 000 km²), l'Oregon est le neuvième plus grand et, avec une population de 4 millions d'habitants, 26e État américain le plus peuplé. La capitale de l'Oregon est Salem, la deuxième de ses villes les plus peuplées, avec 160 614 habitants (estimation 2013). Avec 609 456 habitants (estimation de 2013), Portland est la plus grande ville de l'Oregon et se classe au 29e rang aux États-Unis. Sa population métropolitaine de 2 314 554 (estimation de 2013) se classe au 24e rang. La vallée de Willamette, dans l'ouest de l'Oregon, est la région la plus densément peuplée de l'État, abritant huit des dix villes les plus peuplées.",
"La population de l'Oregon est en grande partie concentrée dans la vallée de Willamette, qui s'étend d'Eugene au sud (siège de l'Université de l'Oregon) en passant par Corvallis (siège de l'Université d'État de l'Oregon) et Salem (la capitale) jusqu'à Portland (la plus grande ville de l'Oregon).",
"Astoria, à l'embouchure du fleuve Columbia, fut la première colonie anglophone permanente à l'ouest des Rocheuses, dans ce qui est aujourd'hui les États-Unis. Oregon City, à l'extrémité de l'Oregon Trail, fut la première ville constituée en société du territoire de l'Oregon et sa première capitale de 1848 à 1852, date à laquelle la capitale fut transférée à Salem. Bend, située près du centre géographique de l'État, est l'une des dix zones métropolitaines à la croissance la plus rapide des États-Unis. Dans la partie sud de l'État, Medford est une zone métropolitaine en croissance rapide, qui abrite l'aéroport international de Rogue Valley-Medford, le troisième aéroport le plus fréquenté de l'État. Au sud, près de la frontière entre la Californie et l'Oregon, se trouve la communauté d'Ashland, siège du festival Shakespeare de l'Oregon, lauréat d'un Tony Award."
] | L'Oregon ( ) est un État de la région nord-ouest du Pacifique des États-Unis. L'Oregon est bordé à l'ouest par l'océan Pacifique, au nord par l'État de Washington, au sud par la Californie, à l'est par l'Idaho et au sud-est par le Nevada. Le fleuve Columbia délimite une grande partie de la frontière nord de l'Oregon et la rivière Snake délimite une grande partie de la limite est. Le parallèle 42° nord délimite la frontière sud avec la Californie et le Nevada. C'est l'un des trois seuls États des États-Unis contigus à avoir un littoral sur l'océan Pacifique, et la proximité de l'océan influence fortement le climat hivernal doux de l'État, malgré la latitude.
L’Oregon était habité par de nombreuses tribus indigènes avant l’arrivée des commerçants, des explorateurs et des colons occidentaux. Un gouvernement autonome a été formé dans le pays de l'Oregon en 1843, le territoire de l'Oregon a été créé en 1848 et l'Oregon est devenu le 33e État le 14 février 1859. Aujourd'hui, avec une superficie de 98 000 milles carrés (255 000 km²), l'Oregon est le neuvième plus grand et, avec une population de 4 millions d'habitants, 26e État américain le plus peuplé. La capitale de l'Oregon est Salem, la deuxième de ses villes les plus peuplées, avec 160 614 habitants (estimation 2013). Avec 609 456 habitants (estimation de 2013), Portland est la plus grande ville de l'Oregon et se classe au 29e rang aux États-Unis. Sa population métropolitaine de 2 314 554 (estimation de 2013) se classe au 24e rang. La vallée de Willamette, dans l'ouest de l'Oregon, est la région la plus densément peuplée de l'État, abritant huit des dix villes les plus peuplées.
Le paysage de l'Oregon est diversifié, avec une côte Pacifique balayée par les vents ; une chaîne des Cascades parsemée de volcans ; plans d'eau abondants dans et à l'ouest des Cascades; des forêts denses sempervirentes, mixtes et décidues à basse altitude ; et un haut désert s'étendant sur une grande partie de son est jusqu'au Grand Bassin. Les grands conifères, principalement le sapin de Douglas, le long de la côte ouest pluvieuse de l'Oregon contrastent avec les forêts de pins et de genévriers au bois plus léger et sujettes au feu qui couvrent certaines parties à l'est. Les aulnes abondants à l’ouest fixent l’azote des conifères. À l'est du centre de l'Oregon se trouvent des arbustes semi-arides, des prairies, des déserts, des steppes et des prairies. À 11 249 pieds, le mont Hood est le point culminant de l'État et le parc national de Crater Lake est le seul parc national de l'Oregon.
Étymologie
La première preuve du nom Oregon a des origines espagnoles. Le terme "orejón" vient de la chronique historique Relación de la Alta y Baja California (1598) écrite par le nouvel Espagnol Rodrigo Motezuma et faisait référence au fleuve Columbia lorsque les explorateurs espagnols pénétrèrent dans l'actuel territoire nord-américain qui devint une partie de la Vice-royauté de la Nouvelle-Espagne. Cette chronique est la première source topographique et linguistique concernant le nom de lieu Oregon. Il existe également deux autres sources d'origine espagnole, comme le nom Origan qui pousse dans la partie sud de la région. Il est très probable que le territoire américain ait été nommé par les Espagnols car il existe en Espagne certaines populations comme "Arroyo del Oregón" qui est située dans la province de Ciudad Real, considérant également que l'individualisation en langue espagnole "El Orejón" avec la mutation de la lettre « g » au lieu de « j ».
Une autre utilisation précoce du nom, orthographié Ouragon, figurait dans une pétition de 1765 adressée par le major Robert Rogers au Royaume de Grande-Bretagne. Le terme faisait référence au fleuve alors mythique de l’Ouest (le fleuve Columbia). En 1778, l'orthographe était passée à Oregon. Dans sa pétition de 1765, Rogers écrivait :
La route... va des Grands Lacs vers la tête du Mississippi, et de là jusqu'à la rivière appelée par les Indiens Ouragon...
Une théorie est que le nom viendrait du mot français ouragan (« tempête de vent » ou « ouragan »), qui a été appliqué à la rivière de l'Ouest sur la base de récits amérindiens faisant état de puissants vents chinook du cours inférieur du fleuve Columbia, ou peut-être de sources françaises de première main. expérience avec les vents Chinook des Grandes Plaines. À l'époque, on pensait que la rivière de l'Ouest prenait sa source dans l'ouest du Minnesota et coulait vers l'ouest à travers les grandes plaines.
Joaquin Miller a expliqué dans le magazine Sunset, en 1904, comment le nom de l'Oregon était dérivé :
Le nom, Oregon, est arrondi phonétiquement, de Aure il agua - Oragua, Or-a-gon, Oregon - donné probablement par le même navigateur portugais qui a donné aux Farallones le nom de son premier officier, et il signifie littéralement, dans une large mesure, signifie cascades : « Écoutez les eaux ». Vous devriez remonter le Columbia et entendre et sentir les eaux tomber des nuages du mont Hood pour comprendre entièrement la signification du nom Aure il agua, Oregon.
Un autre récit, considéré comme « l'explication la plus plausible » dans le livre Oregon Geographic Names, a été avancé par George R. Stewart dans un article de 1944 dans American Speech. Selon Stewart, le nom vient d'une erreur de gravure sur une carte française publiée au début du XVIIIe siècle, sur laquelle la rivière Ouisiconsink (Wisconsin) était orthographiée « Ouaricon-sint », divisée sur deux lignes avec le -sint en dessous, donc là Il semblerait qu'il s'agisse d'une rivière coulant vers l'ouest nommée « Ouaricon ».
Selon la Commission du tourisme de l'Oregon (qui fait affaire sous le nom de Travel Oregon), les habitants de l'Oregon d'aujourd'hui prononcent le nom de l'État comme « ou-uh-gun, jamais ou-ee-parti ».
Après avoir été repêché par les Lions de Détroit en 2002, l'ancien quart-arrière des Oregon Ducks, Joey Harrington, a distribué des autocollants « Orygun » aux membres des médias pour leur rappeler comment prononcer le nom de son État d'origine. Les autocollants sont vendus par la librairie de l’Université de l’Oregon.
Histoire
Les humains habitent la région qui constitue aujourd’hui l’Oregon depuis au moins 15 000 ans. Dans l'histoire enregistrée, les mentions de la terre remontent au XVIe siècle. Au cours des XVIIIe et XIXe siècles, les puissances européennes – et plus tard les États-Unis – se disputèrent la possession de la région jusqu'en 1846, lorsque les États-Unis et la Grande-Bretagne finalisèrent la division de la région. L'Oregon est devenu un État en 1859 et compte aujourd'hui plus de 3,97 millions d'habitants.
Les premiers habitants
L'habitation humaine dans le nord-ouest du Pacifique a commencé il y a au moins 15 000 ans, les plus anciennes preuves d'habitation en Oregon ayant été trouvées à Fort Rock Cave et aux grottes de Paisley dans le comté de Lake. L'archéologue Luther Cressman a daté les matériaux de Fort Rock il y a 13 200 ans. Vers 8 000 avant JC, il y avait des colonies dans tout l'État, avec des populations concentrées le long du cours inférieur du fleuve Columbia, dans les vallées occidentales et autour des estuaires côtiers.
Au XVIe siècle, l'Oregon abritait de nombreux groupes amérindiens, notamment les Coquille (Ko-Kwell), les Bannock, les Chasta, les Chinook, les Kalapuya, les Klamath, les Molalla, les Nez Percé, les Takelma, les Tillamook et les Umpqua.
Exploration européenne
Les premiers Européens à visiter l'Oregon furent des explorateurs espagnols dirigés par Juan Rodríguez Cabrillo qui aperçurent le sud de l'Oregon au large de la côte Pacifique en 1543. Francis Drake se rendit à la baie de Nehalem en 1579 et passa 5 semaines au milieu de l'été à réparer son navire et réclama le atterrir entre 38 et 48 degrés de latitude nord en tant qu'acte souverain symbolique pour l'Angleterre. L'exploration reprit régulièrement en 1774, à commencer par l'expédition de la frégate Santiago de Juan José Pérez Hernández (voir Expéditions espagnoles dans le nord-ouest du Pacifique), et la côte de l'Oregon devint une route commerciale précieuse vers l'Asie. En 1778, le capitaine britannique James Cook explore également la côte.
Des trappeurs et des missionnaires canadiens-français et métis sont arrivés dans la partie orientale de l'État à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, beaucoup ayant voyagé en tant que membres des expéditions Lewis et Clark et Astor de 1811. Certains y resteront définitivement, dont Étienne Lussier, considéré comme le premier agriculteur européen de l'État de l'Oregon. La preuve de cette présence canadienne-française se retrouve dans les nombreux noms d'origine française dans cette partie de l'État, dont le lac Malheur et la rivière Malheur, les rivières Grande Ronde et Deschutes, ainsi que la ville de La Grande.
Pendant l'expansion des États-Unis vers l'ouest
L'expédition Lewis et Clark a également traversé le nord de l'Oregon à la recherche du passage du Nord-Ouest. Ils construisirent leur fort d'hiver en 1805-1806 à Fort Clatsop, près de l'embouchure du fleuve Columbia.
L'explorateur britannique David Thompson a également mené des explorations terrestres. En 1811, alors qu'il travaillait pour la Compagnie du Nord-Ouest, Thompson devint le premier Européen à naviguer sur l'intégralité du fleuve Columbia. S'arrêtant en chemin, à la jonction de la rivière Snake, il revendique la région au nom de la Grande-Bretagne et de la Compagnie du Nord-Ouest. De retour à Montréal, il fait connaître l'abondance des animaux à fourrure dans la région.
Également en 1811, le New-Yorkais John Jacob Astor finança l'établissement de Fort Astoria, à l'embouchure du fleuve Columbia, comme avant-poste occidental de sa Pacific Fur Company ; ce fut la première colonie européenne permanente en Oregon.
Durant la guerre de 1812, les Britanniques prirent le contrôle de tous les postes de la Pacific Fur Company. Le traité de 1818 établit l'occupation conjointe britannique et américaine de la région située à l'ouest des montagnes Rocheuses jusqu'à l'océan Pacifique. Dans les années 1820 et 1830, la Compagnie de la Baie d'Hudson dominait le nord-ouest du Pacifique depuis son siège social du district de Columbia à Fort Vancouver (construit en 1825 par le facteur principal du district, John McLoughlin, de l'autre côté du Columbia depuis l'actuel Portland).
En 1841, l'expert trappeur et entrepreneur Ewing Young mourut, laissant une richesse considérable, sans héritier apparent et sans système d'homologation de sa succession. Une réunion a suivi les funérailles de Young au cours de laquelle un gouvernement d'homologation a été proposé. Le docteur Ira Babcock de la Mission Méthodiste de Jason Lee a été élu juge suprême. Babcock a présidé deux réunions en 1842 à Champoeg (à mi-chemin entre la mission de Lee et Oregon City), pour discuter des loups et d'autres animaux d'intérêt contemporain. Ces réunions étaient les précurseurs d'une réunion de tous les citoyens en 1843, qui institua un gouvernement provisoire dirigé par un comité exécutif composé de David Hill, Alanson Beers et Joseph Gale. Ce gouvernement fut le premier gouvernement public intérimaire du pays de l'Oregon avant son annexion par le gouvernement des États-Unis.
Également en 1841, sir George Simpson, gouverneur de la Compagnie de la Baie d'Hudson, renversa la politique de longue date de la Compagnie de la Baie d'Hudson qui consistait à décourager la colonisation parce qu'elle nuisait au lucratif commerce des fourrures. Il ordonna que quelque 200 colons de la colonie de la rivière Rouge soient transférés dans les fermes de la CBH près de Fort Vancouver (expédition de James Sinclair), dans le but de conserver le district de Columbia.
À partir de 1842-1843, l'Oregon Trail a amené de nombreux nouveaux colons américains dans le pays de l'Oregon. Pendant un certain temps, il a semblé que la Grande-Bretagne et les États-Unis allaient entrer en guerre pour la troisième fois en 75 ans (voir Différend sur la frontière de l'Oregon), mais la frontière a été définie pacifiquement en 1846 par le traité de l'Oregon. La frontière entre les États-Unis et l’Amérique du Nord britannique a été fixée au 49e parallèle. Le territoire de l'Oregon a été officiellement organisé en 1848.
La colonisation s'est accrue avec le Donation Land Claim Act de 1850 et la réinstallation forcée de la population autochtone vers les réserves indiennes de l'Oregon.
Après la création d'un État
L'Oregon a été admis dans l'Union le 14 février 1859. Fondé comme refuge contre les conflits liés à l'esclavage, l'Oregon avait une clause « réservée aux Blancs » dans sa Constitution d'origine.
Au début de la guerre civile américaine, les troupes américaines régulières furent retirées et envoyées vers l’est. La cavalerie volontaire recrutée en Californie a été envoyée au nord de l'Oregon pour maintenir la paix et protéger la population. La première cavalerie de l'Oregon a servi jusqu'en juin 1865.
À partir des années 1880, la croissance des chemins de fer a élargi les marchés du bois, du blé et d'autres produits agricoles de l'État, ainsi que la croissance rapide de ses villes.
20e et 21e siècles
En 1902, l'Oregon a introduit une législation directe par les citoyens de l'État par le biais d'initiatives et de référendums, connus sous le nom de système de l'Oregon.
Le 5 mai 1945, six personnes furent tuées par une bombe japonaise qui explosa sur la montagne Gearhart, près de Bly. http://www.fs.usda.gov/recarea/fremont-winema/recarea/?recid
59797 Il s'agit de la seule attaque mortelle contre le continent américain commise par une nation étrangère depuis la guerre américano-mexicaine, faisant de l'Oregon le seul État américain à avoir subi des pertes mortelles de la part d'une armée étrangère depuis 1848, Hawaï n'étant pas encore un État lorsque Pearl Harbor a été attaqué en 1941. Le site du bombardement s'appelle désormais Mitchell Recreation Area.
L'expansion industrielle a véritablement commencé après la construction, entre 1933 et 1937, du barrage de Bonneville sur le fleuve Columbia. L'énergie hydroélectrique, la nourriture et le bois fournis par l'Oregon ont contribué au développement de l'Ouest, même si les fluctuations périodiques du secteur de la construction aux États-Unis ont nui à l'économie de l'État à plusieurs reprises.
En 1994, l’Oregon est devenu le premier État américain à légaliser le suicide médicalement assisté par le biais de l’Oregon Death with Dignity Act.
Une mesure visant à légaliser l'usage récréatif de la marijuana dans l'Oregon a été approuvée le 4 novembre 2014, faisant de l'Oregon le deuxième État à avoir légalisé le mariage homosexuel, le suicide assisté par un médecin et la marijuana à des fins récréatives.
Histoire afro-américaine
Au fur et à mesure que la nation s'étendait vers l'ouest, ceux qui se dirigeaient vers les territoires nouvellement élargis emmenaient souvent leurs esclaves avec eux, bien que l'esclavage soit interdit dans les nouveaux territoires. Même si des esclaves étaient présents, ils n'étaient pas enregistrés comme esclaves sur les documents, en raison du statut illégal de l'esclavage. Certains territoires ont adopté des positions dures et fermes contre les Noirs, et l’Oregon en faisait partie.
En décembre 1844, l’Oregon a adopté sa loi d’exclusion des Noirs, qui interdisait aux Afro-Américains d’entrer sur le territoire tout en interdisant l’esclavage. Les propriétaires d'esclaves qui emmenaient leurs esclaves avec eux disposaient de trois ans avant d'être forcés de les libérer. Tous les Afro-Américains présents dans la région après l'adoption de la loi ont été contraints de partir, ceux qui ne s'y sont pas conformés ont été arrêtés et battus. Ils reçurent pas moins de vingt et pas plus de trente-neuf coups sur le dos nu. S'ils ne partaient toujours pas, ce processus pourrait être répété tous les six mois.
Bien que l’esclavage ait été interdit dans l’Oregon, il a persisté même au sein de son État. En fait, en 1852, Robin Holmes fut contraint d'intenter une action en justice contre son ancien propriétaire, Nathaniel Ford. Ford a tenu Holmes et sa famille comme esclaves sur le territoire de l'Oregon et a finalement libéré Holmes, sa femme et son bébé ; mais a refusé de libérer les trois enfants aînés de Holmes. L'affaire a été portée devant la Cour suprême de l'Oregon, où Holmes a gagné et Ford a dû libérer les enfants.
L'esclavage a joué un rôle majeur dans l'histoire de l'Oregon et a même influencé son chemin vers le statut d'État. La demande de statut d'État du territoire a été retardée à plusieurs reprises, le Congrès se disputant entre eux pour savoir s'il devait être admis comme État « libre » ou « esclave ». Finalement, les politiciens du sud ont accepté de permettre à l'Oregon d'entrer en tant qu'État « libre », en échange de l'ouverture de l'esclavage au sud-ouest des États-Unis.
Géographie
La géographie de l'Oregon peut être divisée grossièrement en huit zones :
* Côte de l'Oregon : à l'ouest de la chaîne côtière
* Vallée de Willamette
* Vallée des Voyous
* Gamme Cascades
* Montagnes Klamath
* Plateau du Colombie
* Haut Désert
* Montagnes bleues
Les régions montagneuses de l'ouest de l'Oregon, qui abrite trois des plus importants sommets des États-Unis, dont le mont Hood, ont été formées par l'activité volcanique de la plaque Juan de Fuca, une plaque tectonique qui constitue une menace continue d'activité volcanique et de tremblements de terre. dans la région. L'activité majeure la plus récente a été le tremblement de terre de Cascadia en 1700. Le mont St. Helens, dans l'État de Washington, est entré en éruption en 1980, un événement visible depuis le nord de l'Oregon et qui a touché certaines zones.
Le fleuve Columbia, qui forme une grande partie de la frontière nord de l'Oregon, a également joué un rôle majeur dans l'évolution géologique de la région, ainsi que dans son développement économique et culturel. Le Columbia est l'un des plus grands fleuves d'Amérique du Nord et l'un des deux fleuves qui traversent les Cascades (la rivière Klamath, dans le sud de l'Oregon, est l'autre). Il y a environ 15 000 ans, le Columbia a inondé à plusieurs reprises une grande partie de l'Oregon lors des inondations de Missoula ; la fertilité moderne de la vallée de Willamette est en grande partie le résultat de ces inondations. L'abondance du saumon a fait de certaines parties de la rivière, comme les chutes Celilo, des centres d'activité économique pendant des milliers d'années. Au XXe siècle, de nombreux barrages hydroélectriques ont été construits le long du Columbia, avec des impacts majeurs sur le saumon, les transports et le commerce, l'énergie électrique et le contrôle des crues.
Aujourd'hui, le paysage de l'Oregon varie de la forêt tropicale de la chaîne côtière au désert aride du sud-est, qui répond toujours à la définition technique d'une frontière.
L'Oregon se trouve à 470 km du nord au sud sur la distance la plus longue et à 395 km d'est en ouest sur la distance la plus longue. En termes de superficie terrestre et aquatique, l'Oregon est le neuvième plus grand État, couvrant 98 381 milles carrés. Le point culminant de l'Oregon est le sommet du mont Hood, à 11 249 pieds, et son point le plus bas est le niveau de la mer de l'océan Pacifique le long de la côte de l'Oregon. L'altitude moyenne de l'Oregon est de 3 300 pieds. Le parc national de Crater Lake est le seul parc national de l'État et le site de Crater Lake, le lac le plus profond des États-Unis, à 1 943 pieds. L'Oregon revendique la rivière D comme la rivière la plus courte du monde, bien que l'État du Montana fait la même réclamation à propos de sa rivière Roe. L'Oregon abrite également Mill Ends Park (à Portland), le plus petit parc du monde avec une superficie de 452 m².
Le centre géographique de l'Oregon est plus à l'ouest que celui de n'importe lequel des 48 autres États contigus (bien que le point le plus occidental des 48 États inférieurs se trouve à Washington). Ses antipodes, diamétralement opposés à son centre géographique à la surface de la Terre, se trouvent dans l'océan Indien, au nord-ouest de Port-aux-Français, dans les Terres australes et antarctiques françaises. L’Oregon se situe dans deux fuseaux horaires. La majeure partie du comté de Malheur se trouve dans le fuseau horaire des Rocheuses tandis que le reste de l'État se trouve dans le fuseau horaire du Pacifique.
L'Oregon abrite ce qui est considéré comme le plus grand organisme au monde, un champignon Armillaria solidipes situé sous la forêt nationale de Malheur, dans l'est de l'Oregon.
Fichier:Trilliumlake.jpg|Mount Hood, avec le lac Trillium au premier plan
Fichier:Cratère lac oregon.jpg|Une vue aérienne du lac Cratère
Fichier:Oregon High Desert.jpg|La région du Haut Désert de l'Oregon
Fichier:Kalmiopsis.jpg|Kalmiopsis Wilderness
Fichier:Portland panorama3.jpg|Portland
Fichier: Eugene skyline crop.jpg | Centre-ville d'Eugene vu de Skinner Butte à North Eugene
Fichier:Roxy Ann Peak 2.jpg|Roxy Ann Peak, vu de Medford
Fichier:Carte de la population de l'Oregon 2000.png|Carte de la densité de la population de l'Oregon
Fichier:Public-Lands-Western-US.png|Près de la moitié des terres de l'Oregon sont détenues par le Service forestier des États-Unis et le Bureau of Land Management.
Fichier : Wpdms_shdrlfi020l_willamette_valley.jpg|Carte du bassin de la vallée de Willamette
Grandes villes
La population de l'Oregon est en grande partie concentrée dans la vallée de Willamette, qui s'étend d'Eugene au sud (siège de l'Université de l'Oregon) en passant par Corvallis (siège de l'Université d'État de l'Oregon) et Salem (la capitale) jusqu'à Portland (la plus grande ville de l'Oregon).
Astoria, à l'embouchure du fleuve Columbia, fut la première colonie anglophone permanente à l'ouest des Rocheuses, dans ce qui est aujourd'hui les États-Unis. Oregon City, à l'extrémité de l'Oregon Trail, fut la première ville constituée en société du territoire de l'Oregon et sa première capitale de 1848 à 1852, date à laquelle la capitale fut transférée à Salem. Bend, située près du centre géographique de l'État, est l'une des dix zones métropolitaines à la croissance la plus rapide des États-Unis. Dans la partie sud de l'État, Medford est une zone métropolitaine en croissance rapide, qui abrite l'aéroport international de Rogue Valley-Medford, le troisième aéroport le plus fréquenté de l'État. Au sud, près de la frontière entre la Californie et l'Oregon, se trouve la communauté d'Ashland, siège du festival Shakespeare de l'Oregon, lauréat d'un Tony Award.
Climat
Le climat de l'Oregon est généralement doux. L'État a un climat océanique à l'ouest de la chaîne de montagnes des Cascades. Le climat varie avec des forêts mixtes denses à feuilles persistantes s'étendant sur une grande partie de l'ouest et un désert élevé s'étendant à l'est. La partie sud-ouest de l'État, en particulier la Rogue Valley, a un climat méditerranéen avec des hivers plus secs et plus ensoleillés et des étés plus chauds, semblable à celui de la Californie du Nord.
La partie nord-est de l'Oregon a un climat de steppe et les régions de haute altitude ont un climat subarctique. Comme l'Europe occidentale, l'Oregon et le nord-ouest du Pacifique en général sont considérés comme chauds pour sa latitude, et l'État connaît des hivers beaucoup plus doux pour une altitude donnée que les régions de latitude comparable de l'Amérique du Nord, comme le Haut-Midwest, l'Ontario, le Québec et Nouvelle-Angleterre.
Le climat de l'ouest de l'Oregon est fortement influencé par l'océan Pacifique. Le tiers ouest de l’Oregon est très humide en hiver, modérément à très humide au printemps et à l’automne et sec en été. L'humidité relative de l'ouest de l'Oregon est élevée sauf pendant les jours d'été, qui sont semi-secs à semi-humides ; L’est de l’Oregon connaît généralement une faible humidité toute l’année.
Les deux tiers est de l'Oregon ont des hivers froids et enneigés et des étés très secs ; une grande partie est semi-aride à aride comme le reste du Grand Bassin, bien que les Montagnes Bleues soient suffisamment humides pour abriter de vastes forêts.
La majeure partie de l'État reçoit d'importantes chutes de neige, mais 70 % de la population de l'Oregon vit dans la vallée de Willamette, qui connaît des hivers exceptionnellement doux pour sa latitude et ne connaît généralement que quelques chutes de neige légères chaque année. Cela donne à l'Oregon la réputation d'être relativement « sans neige ».
La température la plus élevée enregistrée dans l'Oregon est de 119 F à Pendleton le 10 août 1898, et la température la plus basse enregistrée est à Seneca le 10 février 1933.
Le tableau ci-dessous répertorie les moyennes pour certaines zones de l'Oregon, y compris les plus grandes villes et la plus grande ville côtière d'Astoria.
la faune et la flore
Typique d’un État occidental, l’Oregon abrite une faune sauvage unique et diversifiée. Environ 46 % de l'État est couvert de forêts, principalement à l'ouest des Cascades, où jusqu'à 80 % des terres sont forestières. Soixante pour cent des forêts de l’Oregon se trouvent sur des terres fédérales. L'Oregon reste le premier producteur de bois des 48 États inférieurs.
* Les espèces d'arbres typiques comprennent le sapin de Douglas, l'arbre de l'État, ainsi que le séquoia, le pin ponderosa (généralement à l'est des Cascades), le thuya géant, la pruche et les fougères. Les pins ponderosa sont plus communs dans les Blue Mountains, dans la partie orientale de l'État, et les sapins sont plus communs dans l'ouest.
* Il existe de nombreuses espèces de mammifères qui vivent dans l'État, notamment les opossums, les musaraignes, les taupes, les petites souris de poche, les souris de poche du grand bassin, la souris kangourou noire, le rat kangourou de Californie, le rat kangourou à dents de ciseau. , rat kangourou d'Ord, chauves-souris, lapins, pikas, castors de montagne, tamias, écureuils gris de l'Ouest, marmottes à ventre jaune, castors, porcs-épics, coyotes, loups, renards roux, renard gris commun, renard nain, ours noirs, ratons laveurs, blaireaux, mouffettes, couguars, lynx roux, lynx, cerfs, wapitis et élans.
* Les mammifères marins comprennent les phoques, les otaries, les baleines à bosse, les épaulards, les baleines grises, les baleines bleues, le cachalot, le dauphin à flancs blancs du Pacifique et le grand dauphin.
* Les oiseaux notables comprennent les canards d'Amérique, les canards colverts, les grands hérons, les pygargues à tête blanche, les aigles royaux, les alouettes des prés (l'oiseau de l'État), les chouettes effraies, les grands-ducs d'Amérique, les colibris roux, les grands pics, les troglodytes, les tohies, les moineaux et les bruants.
Les élans n'ont pas toujours habité l'État, mais sont arrivés dans l'Oregon dans les années 1960 ; le troupeau de la vallée de Wallowa compte aujourd'hui environ 60 individus. Les loups gris ont disparu de l'Oregon vers 1930, mais ont depuis retrouvé leur chemin ; il y a maintenant deux meutes vivant dans la partie centre-sud de l'État. Bien que leur existence dans l'Oregon ne soit pas confirmée, des rapports signalent la présence de grizzlis dans l'État et il est probable que certains se déplacent encore vers l'est de l'Oregon depuis l'Idaho.
Il existe certaines régions de l’Oregon où les humains vivent dans la même zone que la faune. Cela va forcément se produire davantage à mesure que la population humaine augmente. Lorsque les ressources fauniques diminuent (nourriture, eau et abri), ils cherchent souvent de la nourriture et un abri dans les maisons et les garages.
L'Oregon compte trois sites de parcs nationaux : le parc national de Crater Lake dans la partie sud des Cascades, le monument national John Day Fossil Beds et les parcs historiques nationaux et nationaux Lewis et Clark.
Gouvernance
Un écrivain du livre Oregon Country A Pacific Republic, écrit en 1839, prédit que le territoire allait devenir une république indépendante. Quatre ans plus tard, en 1843, les colons de la vallée de Willamette votèrent majoritairement pour un gouvernement républicain. Le pays de l'Oregon a fonctionné de cette manière jusqu'au 13 août 1848, date à laquelle l'Oregon a été annexé par les États-Unis et un gouvernement territorial a été établi. L'Oregon a maintenu un gouvernement territorial jusqu'au 14 février 1859, date à laquelle il a obtenu le statut d'État.
État
Le gouvernement de l’État de l’Oregon dispose d’une séparation des pouvoirs similaire à celle du gouvernement fédéral. Il comporte trois branches :
* un pouvoir législatif (l'Assemblée législative bicamérale de l'Oregon),
* un pouvoir exécutif qui comprend un « département administratif » et le gouverneur de l'Oregon faisant office de directeur général, et
* un pouvoir judiciaire, dirigé par le juge en chef de la Cour suprême de l'Oregon.
Les gouverneurs de l'Oregon ont un mandat de quatre ans et sont limités à deux mandats consécutifs, mais à un nombre total de mandats illimité. L'Oregon n'a pas de lieutenant-gouverneur ; en cas de vacance du poste de gouverneur, l'article V, section 8a de la Constitution de l'Oregon précise que le secrétaire d'État est le premier en lice pour la succession. Les autres agents de l'État sont le trésorier, le procureur général, le surintendant et le commissaire au travail. L'Assemblée législative biennale de l'Oregon se compose d'un Sénat de trente membres et d'une Chambre de soixante membres. La Cour suprême de l'État compte sept juges élus, dont actuellement les deux seuls juges ouvertement homosexuels de la Cour suprême de l'État du pays. Ils choisissent l'un des leurs pour un mandat de six ans en tant que juge en chef. Le seul tribunal qui peut annuler ou modifier une décision de la Cour suprême de l'Oregon est la Cour suprême des États-Unis.
Le débat sur l'opportunité de passer à des sessions annuelles est une bataille de longue date dans la politique de l'Oregon, mais les électeurs ont résisté au passage des législateurs citoyens aux législateurs professionnels. Étant donné que le budget de l'État de l'Oregon est rédigé par tranches de deux ans et que, n'ayant pas de taxe de vente, ses revenus reposent en grande partie sur l'impôt sur le revenu, ils sont souvent nettement supérieurs ou inférieurs au budget. Les législatures récentes ont dû être convoquées à plusieurs reprises en sessions extraordinaires pour remédier aux déficits de revenus résultant du ralentissement économique, ce qui a mis en évidence la nécessité de sessions législatives plus fréquentes. L'initiative 71 de l'Oregon, adoptée en 2010, oblige l'Assemblée législative à commencer à se réunir chaque année, pendant 160 jours les années impaires et 35 jours les années paires.
L'État entretient des relations formelles avec les neuf tribus reconnues par le gouvernement fédéral de l'Oregon :
* Tribu Burns Paiute
* Tribus confédérées d'Indiens Coos, Lower Umpqua et Siuslaw
* Tribus Confédérées du Grand Ronde
* Tribus confédérées d'Indiens Siletz
* Tribus confédérées de Warm Springs
* Tribus confédérées de la réserve indienne d'Umatilla
* Bande de Cow Creek de la tribu des Indiens Umpqua
* Tribus Klamath
* Tribu indienne Coquille
Les habitants de l'Oregon ont voté pour le candidat démocrate à la présidentielle à chaque élection depuis 1988. En 2004 et 2006, les démocrates ont pris le contrôle du Sénat de l'État, puis de la Chambre. Depuis la fin des années 1990, l’Oregon est représenté par quatre démocrates et un républicain à la Chambre des représentants des États-Unis. Depuis 2009, l'État compte deux sénateurs démocrates, Ron Wyden et Jeff Merkley. Les électeurs de l'Oregon ont élu des gouverneurs démocrates à chaque élection depuis 1986, élisant pour la dernière fois John Kitzhaber contre le républicain Dennis Richardson en 2014.
La base du soutien démocrate est largement concentrée dans les centres urbains de la vallée de Willamette. Les deux tiers est de l'État, au-delà des montagnes Cascade, votent généralement républicain ; en 2000 et 2004, George W. Bush a emporté tous les comtés à l’est des Cascades. Cependant, la faible population de la région signifie que les comtés les plus peuplés de la vallée de Willamette l'emportent généralement sur les comtés de l'est lors des élections à l'échelle de l'État.
La politique de l'Oregon est en grande partie similaire à celle de son voisin Washington – par exemple, dans le contraste entre les problèmes urbains et ruraux.
Lors des élections générales de 2002, les électeurs de l'Oregon ont approuvé une mesure électorale visant à augmenter automatiquement le salaire minimum de l'État chaque année en fonction des variations inflationnistes, mesurées par l'indice des prix à la consommation (IPC). Lors des élections générales de 2004, les électeurs de l'Oregon ont adopté des mesures interdisant le mariage homosexuel et restreignant la réglementation de l'utilisation des terres. Lors des élections générales de 2006, les électeurs ont restreint l'utilisation du domaine éminent et étendu la couverture à prix réduit de l'État pour les médicaments sur ordonnance.
La distribution, la vente et la consommation de boissons alcoolisées sont réglementées dans l'État par la Commission de contrôle des alcools de l'Oregon. Ainsi, l’Oregon est un État qui contrôle les boissons alcoolisées. Même si le vin et la bière sont disponibles dans la plupart des épiceries, peu de magasins vendent des alcools forts.
Fédéral
Comme tous les États américains, l’Oregon est représenté par deux sénateurs américains. Depuis le recensement de 1980, l'Oregon compte cinq districts du Congrès.
Après l'admission de l'Oregon dans l'Union, celle-ci a commencé avec un seul membre à la Chambre des représentants (La Fayette Grover, qui a siégé au 35e Congrès des États-Unis pendant moins d'un mois). La répartition du Congrès a augmenté la taille de la délégation à la suite des recensements de 1890, 1910, 1940 et 1980. Une liste détaillée des délégations passées et présentes du Congrès de l'Oregon est disponible.
Le tribunal de district des États-Unis pour le district de l'Oregon entend les affaires fédérales dans l'État. Le tribunal possède des palais de justice à Portland, Eugene, Medford et Pendleton. À Portland se trouve également le tribunal fédéral des faillites, avec une deuxième succursale à Eugene. L'Oregon (entre autres États et territoires de l'Ouest) est devant la 9e Cour d'appel. L'un des lieux de réunion du tribunal se trouve au palais de justice des pionniers, au centre-ville de Portland, un monument historique national construit en 1869.
Politique
L'État a été considéré comme politiquement divisé par la chaîne des Cascades, l'ouest de l'Oregon étant libéral et l'est de l'Oregon étant conservateur. Dans une analyse de l’élection présidentielle de 2004 réalisée en 2008, un analyste politique a constaté que, selon l’application d’une échelle de Likert, l’Oregon comptait à la fois les électeurs de Kerry les plus libéraux et les électeurs de Bush les plus conservateurs, ce qui en faisait l’État le plus politiquement polarisé du pays.
Alors que les Républicains gagnent généralement plus de comtés en gagnant d’énormes marges dans l’Est, la tendance démocrate de l’Ouest, plus peuplé, est généralement suffisante pour faire basculer l’ensemble de l’État vers la Démocratie. En 2008, par exemple, le sénateur républicain sortant Gordon H. Smith a perdu sa candidature pour un troisième mandat même s'il avait remporté tous les comtés sauf six. Son challenger démocrate, Jeff Merkley, a remporté le comté de Multnomah par 142 000 voix, soit plus du double de la marge globale de victoire.
Au cours de l'histoire de l'Oregon, il a adopté de nombreuses réformes électorales proposées à l'époque progressiste, grâce aux efforts de William S. U'Ren et de sa Direct Legislation League. Sous sa direction, l'État a approuvé à une écrasante majorité une mesure de vote en 1902 qui a créé l'initiative et le référendum permettant aux citoyens d'introduire ou d'approuver directement des propositions de lois ou d'amendements à la constitution de l'État, faisant de l'Oregon le premier État à adopter un tel système. Aujourd’hui, environ la moitié des États américains le font.
Au cours des années suivantes, l'élection primaire pour sélectionner les candidats des partis fut adoptée en 1904 et, en 1908, la Constitution de l'Oregon fut amendée pour inclure la révocation des fonctionnaires. Des amendements plus récents incluent la première loi nationale sur le suicide assisté par un médecin, appelée Death with Dignity Act (qui a été contestée, sans succès, en 2005 par l'administration Bush dans une affaire entendue par la Cour suprême des États-Unis), la légalisation du cannabis médical, et parmi les lois anti-étalement urbain et pro-environnement les plus strictes du pays. Plus récemment, la mesure 37 de 2004 reflète une réaction violente contre de telles lois sur l'utilisation des terres. Cependant, une autre mesure électorale en 2007, la mesure 49, a restreint bon nombre des dispositions de la mesure 37.
Parmi les mesures inscrites sur le bulletin de vote depuis 1902, le peuple a adopté 99 des 288 initiatives et 25 des 61 référendums inscrits sur le bulletin de vote, même si tous n'ont pas survécu aux contestations judiciaires (voir Pierce c. Society of Sisters, pour un exemple). ). Au cours de la même période, le législateur a soumis 363 mesures au peuple, dont 206 ont été adoptées.
L'Oregon a été le pionnier de l'utilisation américaine du vote par correspondance, en commençant par une expérimentation approuvée par l'Assemblée législative de l'Oregon en 1981 et culminant avec une mesure de vote de 1998 exigeant que tous les comtés organisent des élections par correspondance. Il reste le seul État, à l'exception de Washington, où le vote par correspondance constitue la | http://quiz4free.com/ |
Née « Lucille LeSueur », sous quel nom cette actrice est-elle plus connue ? | Joan Crawford | [
"Joan Crawford (née Lucille Fay LeSueur ; 23 mars 1904 – 10 mai 1977) était une actrice américaine de cinéma et de télévision qui a débuté comme danseuse et choriste de scène. En 1999, l'American Film Institute a classé Crawford au dixième rang de sa liste des plus grandes stars féminines du cinéma hollywoodien classique.",
"De plus en plus frustrée par la taille et la qualité des pièces qui lui étaient fournies, Crawford se lança dans une campagne d'auto-promotion. Comme l'a rappelé la scénariste de MGM, Frederica Sagor Maas, \"Personne n'a décidé de faire de Joan Crawford une star. Joan Crawford est devenue une star parce que Joan Crawford a décidé de devenir une star.\" Elle a commencé à assister à des danses l'après-midi et le soir dans des hôtels autour d'Hollywood, où elle remportait souvent des concours de danse avec ses performances du Charleston et du Black Bottom.",
"Crawford a travaillé dans la série radiophonique The Screen Guild Theatre le 8 janvier 1939 ; Bonnes nouvelles; Baby, diffusé le 2 mars 1940 sur Lights Out d'Arch Oboler ; La parole sur le théâtre Everyman (1941); Enchaîné sur le Lux Radio Theatre et le document A/777 de Norman Corwin (1948). Elle est apparue dans des épisodes de séries télévisées d'anthologie dans les années 1950 et, en 1959, a réalisé un pilote pour sa série, The Joan Crawford Show."
] | Joan Crawford (née Lucille Fay LeSueur ; 23 mars 1904 – 10 mai 1977) était une actrice américaine de cinéma et de télévision qui a débuté comme danseuse et choriste de scène. En 1999, l'American Film Institute a classé Crawford au dixième rang de sa liste des plus grandes stars féminines du cinéma hollywoodien classique.
Débutant sa carrière de danseuse dans des compagnies de théâtre itinérantes avant de faire ses débuts comme choriste à Broadway, Crawford signa un contrat de cinéma avec Metro-Goldwyn-Mayer en 1925. Dans les années 1930, la renommée de Crawford rivalisait, puis survivait, à celle de ses collègues de la MGM, Norma Shearer. et Greta Garbo. Crawford incarnait souvent des jeunes femmes qui travaillent dur et qui trouvent la romance et le succès. Ces histoires ont été bien accueillies par le public de l’époque de la Grande Dépression et étaient populaires auprès des femmes. Crawford est devenue l'une des stars de cinéma les plus en vue d'Hollywood et l'une des femmes les mieux payées des États-Unis, mais ses films ont commencé à perdre de l'argent et, à la fin des années 1930, elle a été étiquetée « Box Office Poison ». Mais sa carrière s'améliore progressivement au début des années 1940 et elle fait un grand retour en 1945 en jouant dans Mildred Pierce, pour lequel elle remporte l'Oscar de la meilleure actrice. Elle recevra ensuite des nominations pour la meilleure actrice pour Possédé (1947) et Sudden Fear (1952).
En 1955, elle s'implique dans la société Pepsi-Cola grâce à son mariage avec le président de la société, Alfred Steele. Après sa mort en 1959, Crawford a été élu pour combler son poste vacant au conseil d'administration, mais a été contraint à la retraite en 1973. Elle a continué à jouer régulièrement au cinéma et à la télévision tout au long des années 1960, lorsque ses performances sont devenues moins nombreuses ; après la sortie du film d'horreur britannique Trog en 1970, Crawford se retire de l'écran. Après une apparition publique en 1974, à la suite de laquelle des photographies peu flatteuses furent publiées, Crawford se retira de la vie publique et devint de plus en plus recluse jusqu'à sa mort en 1977.
Crawford s'est marié quatre fois. Ses trois premiers mariages se sont terminés par un divorce ; le dernier s'est terminé avec la mort de son mari Alfred Steele. Elle a adopté cinq enfants, dont l'un a été récupéré par sa mère biologique. Les relations de Crawford avec ses deux enfants aînés, Christina et Christopher, étaient acrimonieuses. Crawford a déshérité les deux et, après la mort de Crawford, Christina a écrit un mémoire « révélateur » intitulé Mommie Dearest.
Début de la vie
Crawford est née Lucille Fay LeSueur à San Antonio, Texas, le 23 mars ; l'année est contestée, 1904, 1905 et 1906 étant les estimations les plus probables, toutes citées dans diverses sources, le troisième enfant de Thomas E. LeSueur (décédé le 1er janvier 1938), ouvrier blanchisseur, et d'Anna Bell Johnson (décédée en août 1938). 15, 1958), dont aucune des années de naissance ne peut être établie de manière concluante. Anna Bell Johnson était d'ascendance anglaise, huguenote française, suédoise et irlandaise. Ses frères et sœurs aînés étaient Daisy LeSueur (ƒ 1902) et Hal LeSueur.
Thomas LeSueur a abandonné la famille quelques mois avant la naissance de Crawford, mais est réapparu à Abilene, au Texas, en 1930 en tant qu'ouvrier du bâtiment âgé de 62 ans. Cependant, après sa mort le 1er janvier 1938, son âge était de 71 ans. La mère de Crawford épousa ensuite Henry J. Cassin (décédé le 25 octobre 1922). Ce mariage est répertorié dans les registres de recensement comme le premier mariage de la mère de Crawford, ce qui remet en question si Thomas LeSueur et Anna Bell Johnson ont jamais été légalement mariés.
La famille vivait à Lawton, Oklahoma, où Cassin, un imprésario mineur, dirigeait l'Opéra Ramsey. Malgré son statut relativement mineur d'impresario, Cassin a réussi à recruter des interprètes aussi divers et remarquables qu'Anna Pavlova et Eva Tanguay au cours de sa carrière. La jeune Lucille ignorait apparemment que Cassin, qu'elle appelait « Papa », n'était pas son père biologique jusqu'à ce que son frère Hal le lui dise. Lucille préférait le surnom de « Billie » lorsqu'elle était enfant et elle adorait regarder des numéros de vaudeville se produire sur la scène du théâtre de son beau-père. L'instabilité de sa vie familiale a affecté son éducation et sa scolarité n'a jamais formellement progressé au-delà de l'école primaire.
Son ambition était de devenir danseuse. Cependant, un jour, alors qu'elle tentait d'échapper aux cours de piano pour jouer avec des amis, elle a sauté du porche de sa maison et s'est profondément coupée le pied avec une bouteille de lait cassée. Elle a subi trois opérations et n'a pas pu fréquenter l'école primaire pendant 18 mois. Elle a finalement complètement récupéré et a recommencé à danser.
Cassin a été accusé de détournement de fonds et bien qu'acquitté par le tribunal, a été mis sur la liste noire de Lawton, et la famille a déménagé à Kansas City, Missouri, vers 1916. Cassin a été inscrit pour la première fois dans l'annuaire de la ville en 1917, vivant au 403 East Ninth Street. Catholique, Cassin a placé Crawford à la St. Agnes Academy de Kansas City. Après la rupture de sa mère et de son beau-père, elle est restée à St. Agnes en tant qu'étudiante, où elle a passé beaucoup plus de temps à travailler, principalement à cuisiner et à faire le ménage, qu'à étudier.
Plus tard, elle est allée à la Rockingham Academy, également en tant qu'étudiante. Alors qu'elle fréquentait Rockingham, elle a commencé à sortir et a eu sa première relation sérieuse, avec un trompettiste nommé Ray Sterling, qui l'aurait inspirée à commencer à se mettre au défi académiquement.
En 1922, elle s'inscrivit au Stephens College de Columbia, Missouri, indiquant son année de naissance 1906. Elle fréquenta Stephens pendant seulement quelques mois avant de se retirer après avoir réalisé qu'elle n'était pas préparée pour l'université.
Carrière
Début de carrière
Sous le nom de Lucille LeSueur, Crawford a commencé à danser dans les chœurs de revues itinérantes et a été aperçue en train de danser à Détroit par le producteur Jacob J. Shubert. Shubert l'a mise dans la chorale de son spectacle de 1924, Innocent Eyes, au Winter Garden Theatre de Broadway à New York. En apparaissant dans Innocent Eyes, Crawford a rencontré un saxophoniste nommé James Welton. Les deux se seraient mariés en 1924 et auraient vécu ensemble pendant plusieurs mois, bien que ce prétendu mariage n'ait jamais été mentionné plus tard par Crawford. Considine, p. 12
Crawford voulait du travail supplémentaire et a contacté le publiciste des Loews Theatres, Nils Granlund. Granlund lui a assuré un poste auprès du producteur Harry Richmond et lui a fait faire un test d'écran qu'il a envoyé au producteur Harry Rapf à Hollywood. (Des histoires ont persisté selon lesquelles Crawford aurait complété ses revenus en apparaissant dans un ou plusieurs films pornographiques de cerf ou soft-core, bien que cela ait été contesté.)
Rapf informa Granlund le 24 décembre 1924 que Metro-Goldwyn-Mayer (ou MGM en abrégé) avait proposé à Crawford un contrat à 75 $ par semaine. Granlund a immédiatement télégraphié à LeSueur – qui était retournée au domicile de sa mère à Kansas City – pour lui annoncer la nouvelle ; elle a emprunté 400 $ pour ses frais de voyage. Elle quitta Kansas City le 26 décembre et arriva à Culver City, en Californie, le 1er janvier 1925.
Créditée sous le nom de Lucille LeSueur, son premier film fut Lady of the Night en 1925, en tant que doublure de la star féminine la plus populaire de la MGM, Norma Shearer. Elle est également apparue dans The Circle et Pretty Ladies (tous deux de 1925), avec le comédien ZaSu Pitts. Cela fut bientôt suivi par des rôles tout aussi petits et non facturés dans deux autres succès de 1925, The Only Thing et The Merry Widow.
Le responsable de la publicité de MGM, Pete Smith, a reconnu sa capacité à devenir une star majeure, mais a estimé que son nom sonnait faux ; il a dit au directeur du studio Louis B. Mayer que son nom de famille – LeSueur – lui rappelait un égout. Smith a organisé un concours intitulé "Name the Star" dans Movie Weekly pour permettre aux lecteurs de sélectionner son nouveau nom de scène. Le choix initial était "Joan Arden", mais, après qu'une autre actrice se soit avérée avoir revendiqué ce nom, le nom de famille alternatif "Crawford" est devenu le choix. Crawford a déclaré plus tard qu'elle voulait que son prénom soit prononcé «Jo-Anne», et qu'elle détestait le nom Crawford parce qu'il ressemblait à «craw fish», mais a également admis qu'elle «aimait la sécurité» qui accompagnait ce nom.
Auto-promotion et premiers succès
De plus en plus frustrée par la taille et la qualité des pièces qui lui étaient fournies, Crawford se lança dans une campagne d'auto-promotion. Comme l'a rappelé la scénariste de MGM, Frederica Sagor Maas, "Personne n'a décidé de faire de Joan Crawford une star. Joan Crawford est devenue une star parce que Joan Crawford a décidé de devenir une star." Elle a commencé à assister à des danses l'après-midi et le soir dans des hôtels autour d'Hollywood, où elle remportait souvent des concours de danse avec ses performances du Charleston et du Black Bottom.
Sa stratégie a fonctionné et la MGM l'a engagée dans le film où elle a fait forte impression sur le public pour la première fois, Sally, Irene and Mary d'Edmund Goulding (1925). Dès le début de sa carrière, Crawford considérait Norma Shearer, l'actrice la plus populaire du studio, comme son ennemie professionnelle. Depuis que Shearer était mariée au chef de production de MGM, Irving Thalberg, elle avait le premier choix de scénarios et avait plus de contrôle que les autres stars sur les films qu'elle ferait et ne ferait pas. Crawford aurait déclaré : « Comment puis-je rivaliser avec Norma ? Elle couche avec le patron !
En 1926, Crawford a été nommé l'un des WAMPAS Baby Stars avec Mary Astor, Dolores del Río, Janet Gaynor et Fay Wray, entre autres. La même année, elle joue à Paris, avec Charles Ray. En quelques années, elle est devenue le personnage principal romantique de nombreuses stars masculines de la MGM, notamment Ramón Novarro, John Gilbert, William Haines et Tim McCoy.
Crawford est apparu dans The Unknown (1927), avec Lon Chaney, Sr. qui jouait un lanceur de couteaux de carnaval sans bras. Crawford a joué son jeune assistant de carnaval légèrement vêtu qu'il espère épouser. Elle a déclaré qu'elle avait appris plus sur le métier d'actrice en regardant Chaney travailler que par n'importe qui d'autre dans sa carrière. "C'est à ce moment-là", a-t-elle déclaré, "j'ai pris conscience pour la première fois de la différence entre se tenir devant une caméra et jouer." Toujours en 1927, elle apparut aux côtés de son ami proche, William Haines, dans Spring Fever, qui fut le premier des trois films que le duo tourna ensemble.
En 1928, Crawford joua aux côtés de Ramón Novarro dans Across to Singapore, mais c'est son rôle de Diana Medford dans Our Dancing Daughters (1928) qui la propulsa au rang de célébrité. Ce rôle l'a établie comme un symbole de la féminité moderne des années 1920, rivalisant avec Clara Bow, la It girl originale, puis la plus grande clapet d'Hollywood. Un flot de succès a suivi Our Dancing Daughters, y compris deux autres films sur le thème des clapets, dans lesquels Crawford incarnait pour sa légion de fans (dont beaucoup étaient des femmes) une vision idéalisée de la jeune fille américaine à l'esprit libre.
F. Scott Fitzgerald a écrit à propos de Crawford :
Le 3 juin 1929, Crawford épousa Douglas Fairbanks, Jr. à l'église catholique romaine de Saint Malachy (connue sous le nom de « Chapelle des acteurs » en raison de sa proximité avec les théâtres de Broadway) à Manhattan, même si aucun des deux n'était catholique. Fairbanks était le fils de Douglas Fairbanks et le beau-fils de Mary Pickford, considérées comme des membres de la royauté d'Hollywood. Fairbanks Sr. et Pickford étaient opposés au mariage et n'ont pas invité le couple chez eux, Pickfair, pendant huit mois après le mariage.
La relation entre Crawford et Fairbanks, Sr. s'est finalement réchauffée ; elle l'appelait "Oncle Doug" et il l'appelait "Billie", son ancien surnom d'enfance. Suite à cette première invitation, Crawford et Fairbanks, Jr. sont devenus des invités plus fréquents, ce qui a été dur pour Crawford. Pendant que les hommes de Fairbanks jouaient au golf ensemble, Crawford se retrouvait soit avec Pickford, soit seul.
Pour se débarrasser de son accent du sud-ouest, Crawford a pratiqué sans relâche la diction et l'élocution. Dit-elle:
Transition vers un succès solide et continu
Après la sortie de The Jazz Singer en 1927, le premier grand film hollywoodien à son synchronisé, les films sonores, ou films parlants, comme on les surnommait, faisaient fureur. La transition du muet au son a paniqué de nombreuses personnes, sinon la totalité, impliquées dans l'industrie cinématographique ; de nombreuses stars du cinéma muet se sont retrouvées inemployables à cause de leurs voix indésirables et de leurs accents difficiles à comprendre ou simplement à cause de leur refus de passer au parlant. De nombreux studios et stars ont évité le plus longtemps possible de faire la transition, notamment MGM, qui a été le dernier studio à passer au son. La Hollywood Revue de 1929 (1929) fut l'un des premiers films entièrement sonores du studio et leur première tentative de montrer la capacité de leurs stars à passer du muet au son. Crawford faisait partie de la douzaine ou plus de stars de la MGM incluses dans le film ; elle a chanté la chanson "Got a Feeling for You" lors du premier acte du film.
Crawford a réussi sa transition vers le cinéma parlant. Son premier rôle principal dans un long métrage entièrement sonore fut dans Untamed en 1929, avec Robert Montgomery. Malgré le succès du film au box-office, il a reçu des critiques mitigées de la part des critiques, qui ont noté que même si Crawford semblait nerveuse à l'idée de faire la transition vers le son, elle a également noté qu'elle était devenue l'une des actrices les plus populaires au monde.
Montana Moon (1930), un mélange difficile de clichés occidentaux et de musique, l'associe à John Mack Brown et Ricardo Cortez. Bien que le film ait eu des problèmes avec la censure, il fut un succès majeur au moment de sa sortie. Our Blushing Brides (1930), avec Robert Montgomery et Anita Page, était le dernier volet de la franchise dite Our Dancing Daughters. Ce fut un plus grand succès – à la fois critique et financier – que ses films parlants précédents et devint l'un de ses favoris personnels.
Son prochain film, Paid (1930), la jumela avec Robert Armstrong et fut un autre succès. Au début de l'ère du son, la MGM a commencé à placer Crawford dans des rôles plus sophistiqués, plutôt que de continuer à promouvoir son personnage inspiré des clapets de l'ère du silence.
En 1931, MGM fit jouer Crawford dans cinq films. Trois d'entre eux l'ont mise face à la plus grande star masculine du studio et roi d'Hollywood, Clark Gable. Dance, Fools, Dance, sorti en février 1931, fut le premier duo de Crawford et Gable. Leur deuxième film ensemble, Laughing Sinners, sorti en mai 1931, fut réalisé par Harry Beaumont et mettait également en vedette Neil Hamilton. Possédé, leur troisième film ensemble, sorti en octobre, a été réalisé par Clarence Brown.
Ces films furent extrêmement populaires auprès du public et furent généralement bien accueillis par la critique, confortant la position de Crawford comme l'une des meilleures stars féminines de la MGM de la décennie, aux côtés de Norma Shearer, Greta Garbo et Jean Harlow. Son seul autre film notable de 1931, This Modern Age, sortit en août et, malgré des critiques défavorables, fut un succès modéré.
MGM l'a ensuite choisie pour le film Grand Hotel, réalisé par Edmund Goulding. En tant que première production all-star du studio, Crawford a joué aux côtés de Greta Garbo, John et Lionel Barrymore et Wallace Beery, entre autres. Recevant la troisième facturation, elle a joué le rôle de sténographe de la classe moyenne auprès du directeur général contrôlant de Beery. Crawford a admis plus tard avoir été nerveuse pendant le tournage du film parce qu'elle travaillait avec "de très grandes stars", et qu'elle était déçue de n'avoir pas de scènes avec le "divin Garbo". Grand Hôtel est sorti en avril 1932 avec un succès critique et commercial. C'est le film le plus rentable de l'année et il a remporté l'Oscar du meilleur film.
Crawford connut un succès continu dans Letty Lynton (1932). Peu de temps après la sortie de ce film, une poursuite pour plagiat a forcé la MGM à le retirer. Pendant de nombreuses années, il n'a jamais été diffusé à la télévision ni mis à disposition en vidéo domestique et est donc considéré comme le film de Crawford « perdu ». La robe à larges manches à volants, conçue par Adrian, que Crawford portait dans le film, est devenue un style populaire la même année et a même été copiée par Macy's.
Prêtée à United Artists, elle incarna la prostituée Sadie Thompson dans Rain (1932), une version cinématographique de la pièce de John Colton de 1923. L'actrice Jeanne Eagels a joué le rôle sur scène et Gloria Swanson était à l'origine du rôle à l'écran dans la version cinématographique de 1928. La performance de Crawford a été critiquée et le film n'a pas été un succès.
Malgré l'échec de Rain, en 1932, la publication du premier « Top Ten Money Making Stars Poll » plaça Crawford au troisième rang en popularité au box-office, derrière seulement Marie Dressler et Janet Gaynor. Elle est restée sur la liste pendant plusieurs années, y apparaissant pour la dernière fois en 1936.
En mai 1933, Crawford divorça de Fairbanks. Crawford a cité une « cruauté mentale grave », affirmant que Fairbanks avait « une attitude jalouse et méfiante » envers ses amis et qu'ils avaient « des disputes bruyantes sur les sujets les plus insignifiants » qui duraient « jusque tard dans la nuit ».
Après son divorce, elle fit de nouveau équipe avec Clark Gable, aux côtés de Franchot Tone et Fred Astaire, dans le hit Dancing Lady (1933), dans lequel elle fut en tête d'affiche. Elle joua ensuite le rôle titre dans Sadie McKee (1934) aux côtés de Tone et Gene Raymond. Elle fut jumelée à Gable pour la cinquième fois dans Chained (1934) et pour la sixième fois dans Forsaking All Others (1934). Les films de Crawford de cette époque figuraient parmi les films les plus populaires et les plus rentables du milieu des années 1930.
En 1935, Crawford épousa Tone, un acteur de théâtre new-yorkais qui prévoyait d'utiliser ses revenus cinématographiques pour financer sa troupe de théâtre. Le couple a construit un petit théâtre dans la maison de Crawford à Brentwood et a présenté des productions de pièces classiques pour des groupes d'amis sélectionnés. Tone et Crawford étaient apparus ensemble pour la première fois dans Today We Live (1933), mais Crawford hésitait à se lancer dans une autre romance si peu de temps après sa séparation de Fairbanks.
Avant et pendant leur mariage, Crawford a travaillé pour promouvoir la carrière de Tone à Hollywood, mais Tone n'était finalement pas intéressé à devenir une star de cinéma et Crawford s'est finalement lassé de cet effort. Après que Tone aurait commencé à boire et à devenir physiquement violente, elle a demandé le divorce, qui a été accordé en 1939. Crawford et Tone ont ravivé leur amitié beaucoup plus tard et Tone a même proposé en 1964 de se remarier. À sa mort en 1968, Crawford a fait en sorte qu'il soit incinéré et que ses cendres soient dispersées à Muskoka Lakes, au Canada.
Crawford a continué son règne en tant qu'actrice de cinéma populaire jusqu'au milieu des années 1930. No More Ladies (1935) mettait en vedette Robert Montgomery et son mari de l'époque, Franchot Tone, et fut un succès. Crawford avait longtemps supplié le directeur de la MGM, Louis B. Mayer, de la confier à des rôles plus dramatiques, et bien qu'il fût réticent, il la choisit dans la comédie dramatique sophistiquée I Live My Life (1935), réalisée par W.S. Van Dyke. Il a été bien accueilli par la critique et a réalisé un bénéfice plus important que ce que le studio avait prévu.
Elle a ensuite joué dans The Wonderful Hussy (1936), aux côtés de Robert Taylor et Lionel Barrymore ainsi que dans Tone, un succès critique et au box-office, devenu l'un des plus grands succès de Crawford de la décennie. Love on the Run (1936), une comédie romantique réalisée par W.S. Van Dyke était son septième film avec Clark Gable. Il fut, au moment de sa sortie, qualifié de « beaucoup de bêtises joyeuses » par les critiques, mais néanmoins un succès financier.
Poison au box-office
Même si Crawford est restée une actrice respectée de la MGM et que ses films ont toujours généré des bénéfices, sa popularité a décliné à la fin des années 1930. En 1937, Crawford fut proclamée première « Reine du cinéma » par le magazine Life. Elle a glissé de manière inattendue de la septième à la seizième place au box-office cette année-là, et sa popularité auprès du public a également commencé à décliner. La comédie dramatique de Richard Boleslawski, Le Dernier de Mme Cheyney (1937), l'a associée à William Powell dans leur seul duo à l'écran. Le film fut également le dernier succès au box-office de Crawford avant le début de sa période « Box-Office Poison ».
Elle fut aux côtés de Franchot Tone pour la septième et dernière fois dans La Mariée était rouge (1937). Le film a été généralement mal accueilli par la majorité des critiques, un critique le qualifiant de "même vieille histoire de la misère à la richesse" que Crawford faisait depuis des années. La société a également enregistré une perte financière, devenant l'un des plus gros échecs de l'année pour la MGM. Mannequin a fait, comme l'a déclaré le New York Times, "restauré Crawford sur son trône de reine des travailleuses". La plupart des autres critiques ont été positives et le film a réussi à générer un bénéfice mineur, mais cela n'a pas ressuscité la popularité de Crawford.
Le 3 mai 1938, Crawford - avec Greta Garbo, Norma Shearer, Luise Rainer et John Barrymore, Katharine Hepburn, Fred Astaire, Dolores del Río et d'autres - fut surnommé "Box Office Poison" dans une lettre ouverte dans le film indépendant. Journal. La liste a été soumise par Harry Brandt, président de l’Independent Theatre Owners Association of America. Brandt a déclaré que même si ces stars avaient des capacités dramatiques « incontestées », leurs salaires élevés ne se reflétaient pas dans la vente de leurs billets, nuisant ainsi aux exploitants de films concernés. Son film de suivi, The Shining Hour (1938), avec Margaret Sullavan et Melvyn Douglas, fut bien accueilli par la critique, mais fut un échec au box-office.
Elle fait un retour en 1939 avec son rôle de démolisseur Crystal Allen dans The Women face à son ennemi professionnel, Norma Shearer. Un an plus tard, elle joue à contre-courant en incarnant le rôle peu glamour de Julie dans Strange Cargo (1940), son huitième et dernier film avec Clark Gable. Elle a ensuite joué le rôle d'un maître chanteur défiguré au visage dans A Woman's Face (1941), un remake du film suédois En kvinnas ansikte qui avait joué Ingrid Bergman dans le rôle principal trois ans plus tôt. Même si le film n’a connu qu’un succès modéré au box-office, sa performance a été saluée par de nombreux critiques.
Crawford a adopté son premier enfant, une fille, en 1940. Parce qu'elle était célibataire, la loi californienne l'empêchait d'adopter dans l'État, elle a donc organisé l'adoption par l'intermédiaire d'une agence à Las Vegas. L'enfant s'appelait temporairement Joan jusqu'à ce que Crawford change son nom en Christina. Elle épousa l'acteur Phillip Terry le 21 juillet 1942 après une cour de six mois. Ensemble, le couple a adopté un fils qu'ils ont nommé Christopher, mais sa mère biologique a récupéré l'enfant. Le couple a adopté un autre garçon, qu'ils ont nommé Phillip Terry, Jr. Après la fin du mariage en 1946, Crawford a changé le nom de l'enfant en Christopher Crawford.
Après dix-huit ans, le contrat de Crawford avec MGM fut résilié d'un commun accord le 29 juin 1943. Au lieu du dernier film restant sous son contrat, MGM la racheta pour 100 000 $. Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle était membre des American Women's Voluntary Services.
Passer chez Warner Brothers
Pour 500 000 $, Crawford a signé avec Warner Brothers pour un contrat de trois films et a été inscrite sur la liste de paie le 1er juillet 1943. Son premier film pour le studio fut Hollywood Canteen (1944), un film all-star pour remonter le moral qui l'a associée à plusieurs autres grandes stars de cinéma de l’époque. Crawford a déclaré que l'une des principales raisons pour lesquelles elle avait signé avec Warner Brothers était qu'elle voulait jouer le personnage "Mattie" dans une version cinématographique proposée en 1944 du roman d'Edith Wharton, Ethan Frome (1911).
Elle voulait jouer le rôle-titre dans Mildred Pierce (1945), mais Bette Davis était le premier choix du studio. Cependant, Davis a refusé le rôle. Le réalisateur Michael Curtiz ne voulait pas que Crawford joue le rôle et il a plutôt fait pression pour le casting de Barbara Stanwyck. Cependant, Warners s'est opposé à Curtiz et a choisi Crawford dans le film. Tout au long de la production du film, Curtiz a critiqué Crawford. Il aurait dit à Jack Warner : "Elle vient ici avec ses airs de chapeau haut de forme et ses foutues épaulettes... pourquoi devrais-je perdre mon temps à réaliser un has been ?" Curtiz a demandé à Crawford de prouver son aptitude en passant un test d'écran. Après le test, Curtiz a accepté le casting de Crawford. Mildred Pierce a connu un succès critique et commercial retentissant. Il incarnait le style visuel luxuriant et la sensibilité dure du film noir qui définissaient les films de Warner Bros. de la fin des années quarante, ce qui a valu à Crawford l'Oscar de la meilleure actrice dans un rôle principal.
Le succès de Mildred Pierce a relancé la carrière cinématographique de Crawford. Pendant plusieurs années, elle a joué dans ce qu'on appelait « une série de mélodrames de premier ordre ». Son film suivant fut Humoresque (1946), avec John Garfield, un drame romantique sur une histoire d'amour entre une femme plus âgée et un homme plus jeune. Elle a joué aux côtés de Van Heflin dans Possédés (1947), pour lequel elle a reçu une deuxième nomination aux Oscars, même si elle n'a pas gagné. Dans Daisy Kenyon (1947), elle est apparue aux côtés de Dana Andrews et Henry Fonda, et dans Flamingo Road (1949), elle a joué une danseuse de carnaval aux côtés de Zachary Scott et David Brian. Elle a fait une apparition dans It's a Great Feeling (1949), se moquant de sa propre image à l'écran. En 1950, elle a joué dans le film noir, The Damned Don't Cry !, et a joué dans Harriet Craig.
Après avoir terminé This Woman Is Dangerous (1952), un film que Crawford qualifiait de « pire », elle demanda à être libérée de son contrat avec Warner Brothers. À ce moment-là, elle sentit que Warners se désintéressait d'elle et elle décida qu'il était temps de passer à autre chose. Plus tard la même année, elle a reçu sa troisième et dernière nomination aux Oscars pour Sudden Fear pour RKO Radio Pictures. En 1953, elle apparaît dans son dernier film pour la MGM, Torch Song. Le film a reçu des critiques favorables et un succès modéré au box-office.
Crawford a adopté deux autres enfants en 1947, des jumeaux identiques qu'elle a nommés Cindy et Cathy.
Radio et télévision
Crawford a travaillé dans la série radiophonique The Screen Guild Theatre le 8 janvier 1939 ; Bonnes nouvelles; Baby, diffusé le 2 mars 1940 sur Lights Out d'Arch Oboler ; La parole sur le théâtre Everyman (1941); Enchaîné sur le Lux Radio Theatre et le document A/777 de Norman Corwin (1948). Elle est apparue dans des épisodes de séries télévisées d'anthologie dans les années 1950 et, en 1959, a réalisé un pilote pour sa série, The Joan Crawford Show.
Société Al Steele et Pepsi Cola
Crawford a épousé son quatrième et dernier mari, Alfred Steele, au Flamingo Hotel de Las Vegas le 10 mai 1955. Crawford et Steele se sont rencontrés lors d'une fête en 1950, alors que Steele était cadre chez PepsiCo. Ils renouvelèrent leur connaissance lors d'une fête du Nouvel An en 1954. Steele était alors devenu président de Pepsi Cola. Alfred Steele sera plus tard nommé président du conseil d'administration et directeur général de Pepsi Cola. Elle a beaucoup voyagé pour le compte de Pepsi après le mariage. Elle a estimé avoir parcouru plus de 100 000 miles pour l'entreprise.
Steele est décédée d'une crise cardiaque en avril 1959. Crawford a d'abord été informée que ses services n'étaient plus nécessaires. Après avoir raconté l'histoire à Louella Parsons, Pepsi a inversé sa position et Crawford a été élu pour occuper le siège vacant au conseil d'administration.
Crawford a reçu le sixième « Pally Award » annuel, qui avait la forme d'une bouteille Pepsi en bronze. Il a été décerné au salarié ayant apporté la contribution la plus significative aux ventes de l'entreprise. En 1973, Crawford a été contraint de prendre sa retraite de l'entreprise à la demande du dirigeant de l'entreprise, Don Kendall, que Crawford avait appelé pendant des années « Fang ».
Carrière ultérieure
Après sa performance nominée aux Oscars dans Sudden Fear en 1952, Crawford a continué à travailler régulièrement pendant le reste de la décennie. En 1954, elle a joué dans Johnny Guitar, un western de camp, avec Sterling Hayden et Mercedes McCambridge. Elle a également joué dans Female on the Beach (1955) avec Jeff Chandler et dans Queen Bee (1955) aux côtés de John Ireland. L'année suivante, elle joue aux côtés du jeune Cliff Robertson dans Feuilles d'automne (1956) et joue un rôle principal dans L'histoire d'Esther Costello (1957), avec Rossano Brazzi. Crawford, qui s'était retrouvé presque sans le sou après la mort d'Alfred Steele, accepta un petit rôle dans Le meilleur de tout (1959). Même si elle n’était pas la star du film, elle a reçu des critiques positives. Crawford nommera plus tard ce rôle comme étant l'un de ses favoris personnels. Cependant, au début des années 1960, le statut de Crawford dans le cinéma avait considérablement décliné.
Crawford a joué le rôle de Blanche Hudson, une vieille star de cinéma en fauteuil roulant en conflit avec sa sœur psychotique, dans le thriller psychologique à succès Qu'est-il arrivé à Baby Jane ? (1962). Malgré les tensions antérieures entre les actrices, Crawford aurait suggéré Bette Davis pour le rôle de Jane. Les deux stars ont affirmé publiquement qu’il n’y avait aucune querelle entre elles. Le réalisateur, Robert Aldrich, a expliqué que Davis et Crawford étaient tous deux conscients de l'importance du film pour leurs carrières respectives et a commenté : "Il est juste de dire qu'ils se détestaient vraiment, mais ils se sont comportés de manière absolument parfaite."
Une fois le tournage terminé, leurs commentaires publics les uns contre les autres ont propulsé leur animosité dans une querelle qui durera toute une vie. Le film a été un énorme succès, récupérant ses coûts dans les 11 jours suivant sa sortie dans tout le pays, et a temporairement relancé la carrière de Crawford. Davis a été nominée pour un Oscar pour son interprétation du rôle de Jane Hudson. Crawford a secrètement contacté chacune des autres nominées aux Oscars dans la catégorie (Katharine Hepburn, Lee Remick Geraldine Page et Anne Bancroft, toutes actrices basées sur la côte Est), pour leur faire savoir que s'ils ne pouvaient pas assister à la cérémonie, elle serait heureuse de acceptez l'Oscar en leur nom ; tous d'accord. Davis et Crawford étaient dans les coulisses lorsque Anne Bancroft, absente, a été annoncée comme gagnante, et Crawford a accepté le prix en son nom. Davis a affirmé pendant le reste de sa vie que Crawford avait fait campagne contre elle, une accusation que Crawford a niée.
La même année, Crawford a joué le rôle de Lucy Harbin dans le mystère d'horreur Strait-Jacket (1964) de William Castle. Robert Aldrich a choisi Crawford et Davis dans Chut... Chut, douce Charlotte (1964). Après une prétendue campagne de harcèlement de la part de Davis sur place en Louisiane, Crawford est retourné à Hollywood et est entré dans un hôpital. Après une absence prolongée, au cours de laquelle Crawford fut accusé d'avoir simulé une maladie, Aldrich fut contraint de la remplacer par Olivia de Havilland. Crawford s'est déclaré dévasté, déclarant: "J'ai entendu la nouvelle de mon remplacement à la radio, allongé dans mon lit d'hôpital... J'ai pleuré pendant 9 heures." Crawford a entretenu des rancunes contre Davis et Aldrich pour le reste de sa vie, disant d'Aldrich : « C'est un homme qui aime les choses mauvaises, horribles et viles », ce à quoi Aldrich a répondu : « Si la chaussure vous va, portez-la, et je suis J'aime beaucoup Miss Crawford.
En 1965, elle incarna Amy Nelson dans I Saw What You Did (1965), un autre véhicule de William Castle. Elle a joué le rôle de Monica Rivers dans le thriller d'horreur Berserk d'Herman Cohen ! (1967). Après la sortie du film, Crawford a joué son propre rôle dans The Lucy Show. L'épisode "Lucy and the Lost Star" a été diffusé pour la première fois le 26 février 1968. Crawford a eu du mal pendant les répétitions et a beaucoup bu sur le plateau, ce qui a conduit la star de la série Lucille Ball à suggérer de la remplacer par Gloria Swanson. Cependant, Crawford était parfait le jour du spectacle, qui comprenait la danse du Charleston, et a reçu deux ovations debout du public du studio.
En octobre 1968, la fille de Crawford, Christina, âgée de 29 ans (qui jouait alors à New York dans le feuilleton CBS The Secret Storm), avait besoin de soins médicaux immédiats pour une tumeur ovarienne rompue. Malgré le fait que le personnage de Christina était âgé de 28 ans et que Crawford avait la soixantaine, Crawford a proposé de jouer son rôle jusqu'à ce que Christina soit assez bien pour revenir, ce à quoi la productrice Gloria Monty a facilement accepté. Bien que Crawford ait bien réussi les répétitions, elle a perdu son sang-froid pendant l'enregistrement et le réalisateur et le producteur ont dû lutter pour rassembler les images nécessaires.
L'apparition de Crawford dans le téléfilm Night Gallery de 1969 (qui a servi de pilote à la série qui a suivi) a marqué l'un des premiers travaux de réalisation de Steven Spielberg. Elle a fait une apparition dans son propre rôle dans le premier épisode de la comédie de situation The Tim Conway Show, diffusé le 30 janvier 1970. Elle a joué une dernière fois sur grand écran, incarnant le Dr Brockton dans le film d'horreur de science-fiction Trog de Herman Cohen. (1970), complétant une carrière de 45 ans et plus de quatre-vingts films. Crawford a fait trois autres apparitions à la télévision, comme Stephanie White dans un épisode de 1970 ("The Nightmare") de The Virginian et comme Joan Fairchild (sa dernière performance) dans un épisode de 1972 ("Dear Joan: We're Going to Scare You to Death ") du Sixième Sens.
Dernières années
En 1970, Crawford a reçu le prix Cecil B. DeMille de John Wayne aux Golden Globes, qui a été diffusé depuis le Coconut Grove de l'Ambassador Hotel de Los Angeles. Elle a également parlé au Stephens College, qu'elle a fréquenté pendant quatre mois en 1922.
Crawford a publié son autobiographie, A Portrait of Joan, co-écrite avec Jane Kesner Ardmore, en 1962 par Doubleday. Le prochain livre de Crawford, My Way of Life, a été publié en 1971 par Simon & Schuster. Ceux qui s'attendaient à un dévoilement osé ont été déçus, même si les manières méticuleuses de Crawford ont été révélées dans ses conseils sur la toilette, la garde-robe, l'exercice et même le stockage des aliments. À sa mort, des photographies de John F. Kennedy, pour qui elle aurait voté à l'élection présidentielle de 1960, ont été retrouvées dans son appartement.
En septembre 1973, Crawford a déménagé de l'appartement 22-G à un appartement plus petit à côté (22-H) à l'Imperial Hous. | http://quiz4free.com/ |
Pouvez-vous nommer le chanteur de la chanson titre de « 1995 – GoldenEye » ? | Tina Turner | [
"\"GoldenEye\" est une chanson interprétée par Tina Turner et la chanson thème éponyme du film de James Bond de 1995, GoldenEye. La chanson a été écrite spécialement pour Turner par Bono et Edge de U2 lorsqu'ils ont appris qu'elle avait été invitée à chanter le thème du prochain film Bond, et le morceau a été produit et mixé par la productrice/remixeuse/compositrice britannique Nellee Hooper, meilleure connu pour son travail avec Massive Attack, Madonna, U2 et Björk. Le morceau a atteint la 10e place du UK Singles Chart et est devenu l'un des 5 meilleurs succès dans la plupart des autres pays européens.",
"Comme beaucoup de thèmes de Bond avant lui, la version de Tina Turner n'était pas la seule chanson enregistrée pour le film. Le groupe pop suédois Ace of Base a également enregistré une chanson qui a été transférée en studio. \"The GoldenEye\" d'Ace of Base a ensuite été retravaillé en \"The Juvenile\" qui est apparu sur leur album Da Capo en 2002."
] | "GoldenEye" est une chanson interprétée par Tina Turner et la chanson thème éponyme du film de James Bond de 1995, GoldenEye. La chanson a été écrite spécialement pour Turner par Bono et Edge de U2 lorsqu'ils ont appris qu'elle avait été invitée à chanter le thème du prochain film Bond, et le morceau a été produit et mixé par la productrice/remixeuse/compositrice britannique Nellee Hooper, meilleure connu pour son travail avec Massive Attack, Madonna, U2 et Björk. Le morceau a atteint la 10e place du UK Singles Chart et est devenu l'un des 5 meilleurs succès dans la plupart des autres pays européens.
"GoldenEye" est sorti pour la première fois sur la bande originale du film et l'année suivante, il a été inclus sur l'album de Turner Wildest Dreams. La chanson a été reprise par Nicole Scherzinger pour le jeu vidéo GoldenEye 007 2010.
Versions et remixes
* Version album bande originale/version album Wildest Dreams (États-Unis) – 4:43
* Version single/album Wildest Dreams (Europe) – 3:31
* Mixage climatisation – 4:02
* Mélange urbain A/C de Dave Hall – 4:58
* Club Edité par David Morales – 4:02
* Morales Club Mix – 10h00
* Morales 007 Doublage – 9:37
* Morales Doublage de Bond – 5:36
* Montage vidéo – 3:20
Échantillons et couvertures
* En 1999, le rappeur français Kohndo a samplé des parties des instrumentaux de sa chanson "Survivre".
* En 2008, Lil Mass, un autre rappeur français, l'a échantillonné dans la chanson "Beatdown".
* La chanson est apparue dans un épisode de la série MTV Human Giant et à nouveau dans le film Beatdown de 2010.
* La chanteuse américaine Nicole Scherzinger, chanteuse principale du groupe pop Pussycat Dolls, a repris le single du remake de 2010 du jeu vidéo Goldeneye 007. La chanson est jouée pendant l'introduction du jeu.
* Le groupe de rock alternatif finlandais End of You a repris la chanson de leur album Mimesis de 2008.
* L'éminent DJ David Morales a interprété un remix club de la chanson, tandis que le producteur de disques Dave Hall a apporté une saveur plus urbaine à son remix. Les deux versions ont été incluses sur le CD single européen à quatre titres.
Graphiques et certifications
Graphiques hebdomadaires
Graphiques de fin d'année
Certifications et ventes
Chanson thème alternative rejetée
Comme beaucoup de thèmes de Bond avant lui, la version de Tina Turner n'était pas la seule chanson enregistrée pour le film. Le groupe pop suédois Ace of Base a également enregistré une chanson qui a été transférée en studio. "The GoldenEye" d'Ace of Base a ensuite été retravaillé en "The Juvenile" qui est apparu sur leur album Da Capo en 2002. | http://quiz4free.com/ |
Pouvez-vous nommer le chanteur de la chanson titre de « 1997 – Tomorrow Never Dies » ? | Sheryl Crow | [
"\"Tomorrow Never Dies\" est la chanson interprétée par Sheryl Crow, qui a servi de chanson thème au film de James Bond du même nom. La chanson a été co-écrite par Crow et le producteur de la chanson Mitchell Froom et est devenue son cinquième succès dans le Top 20 britannique, culminant à la 12e place en 1997.",
"En plus de k.d. lang, les producteurs de James Bond ont sollicité des morceaux auprès d'autres, notamment Pulp, The Cardigans et Swan Lee. Celles-ci ont finalement été rejetées en faveur de la version de Sheryl Crow.",
"# \"Demain ne meurt jamais\" (Sheryl Crow, Mitchell Froom) – 4:47",
"Après l'accueil financier et critique de \"GoldenEye\" de Tina Turner qui a renforcé et réorganisé sa carrière, le thème de sa suite est devenu un produit très prisé et inhabituel. Les producteurs en ont profité pour proposer le poste à plusieurs artistes différents, leur permettant ainsi de soumettre leur meilleur effort. Celle de Sheryl Crow a finalement été choisie, mais tout comme les autres thèmes de Bond avant elle, ce n'était pas la seule chanson enregistrée pour le film. Le groupe de rock alternatif Pulp a écrit une chanson pour le film, qui a ensuite été rebaptisée \"Tomorrow Never Lies\" et publiée en face B de leur album This Is Hardcore en 1998. Le groupe Britpop Saint Etienne a enregistré sa propre version d'une chanson. intitulé \"Tomorrow Never Dies\", qui a ensuite été publié en exclusivité sur leur fanclub sur leur album Built On Sand en 1999. Le chanteur country et pop canadien, k.d. le thème optionnel de Lang, \"Surrender\", qui a été co-écrit par le compositeur du film David Arnold, a fini par être utilisé comme chanson de fin de film."
] | "Tomorrow Never Dies" est la chanson interprétée par Sheryl Crow, qui a servi de chanson thème au film de James Bond du même nom. La chanson a été co-écrite par Crow et le producteur de la chanson Mitchell Froom et est devenue son cinquième succès dans le Top 20 britannique, culminant à la 12e place en 1997.
Histoire
Une autre chanson, "Tomorrow Never Dies", écrite par le compositeur du film David Arnold et interprétée par k.d. lang, a été initialement produit comme thème musical officiel. Lorsque la chanson de Crow est devenue le thème officiel, le k.d. lang song a été reléguée au générique de fin et renommée "Surrender". La mélodie de "Surrender" reste toujours dans la partition d'Arnold.
En plus de k.d. lang, les producteurs de James Bond ont sollicité des morceaux auprès d'autres, notamment Pulp, The Cardigans et Swan Lee. Celles-ci ont finalement été rejetées en faveur de la version de Sheryl Crow.
Réception
Réception critique
Le critique musical d'Entertainment Weekly, Jim Farber, a évalué négativement la chanson, expliquant : « Bien que la musique de Crow ait le bon chic et le bon swing, sa voix cassante n'a pas la qualité lyrique des meilleurs Bond girls et boys, comme Shirley Bassey, Tom Jones ou même Melissa Manchester. Tomorrow Never Dies devrait être réservé à ses oreilles." Farber a qualifié le choix de Crow de "pire embauche depuis qu'A-ha a abordé l'un de ces thèmes". Rolling Stone était également critique et pensait que la chanson de Lang était supérieure. Écrivant pour Filmtracks.com, Christian Clemmensen aurait souhaité que la chanson de Lang soit restée et pensait que «la voix de clochard et la performance paresseuse de Crow étaient une honte pour le film».
Récompenses et nominations
Lors de la 55e cérémonie des Golden Globe Awards, "Tomorrow Never Dies" a reçu une nomination pour la meilleure chanson originale, mais a perdu contre "My Heart Will Go On" de James Horner et Will Jennings. La chanson a également reçu une nomination aux 41e Grammy Awards pour la meilleure chanson écrite pour un film, une télévision ou d'autres médias visuels, perdant à nouveau contre "My Heart Will Go On".
Liste des pistes
CD simple 2 pistes
# "Demain ne meurt jamais" (Sheryl Crow, Mitchell Froom) – 4:47
# "Strong Enough" (Bill Bottrell, David Baerwald, Crow, Kevin Gilbert, Brian MacLeod, David Ricketts) – 3:10
CD single européen (cat. n° 582 457-2)
# "Demain ne meurt jamais" (Crow, Froom) – 4:47
# "Le livre" (Crow, Jeff Trott) – 4:34
# "Personne n'a dit que ce serait facile" (Bottrell, Crow, Gilbert, Dan Schwartz) – 5:29
# "Matin ordinaire" (Corbeau) – 3:55
Performances graphiques
Chansons thématiques rejetées alternatives
Après l'accueil financier et critique de "GoldenEye" de Tina Turner qui a renforcé et réorganisé sa carrière, le thème de sa suite est devenu un produit très prisé et inhabituel. Les producteurs en ont profité pour proposer le poste à plusieurs artistes différents, leur permettant ainsi de soumettre leur meilleur effort. Celle de Sheryl Crow a finalement été choisie, mais tout comme les autres thèmes de Bond avant elle, ce n'était pas la seule chanson enregistrée pour le film. Le groupe de rock alternatif Pulp a écrit une chanson pour le film, qui a ensuite été rebaptisée "Tomorrow Never Lies" et publiée en face B de leur album This Is Hardcore en 1998. Le groupe Britpop Saint Etienne a enregistré sa propre version d'une chanson. intitulé "Tomorrow Never Dies", qui a ensuite été publié en exclusivité sur leur fanclub sur leur album Built On Sand en 1999. Le chanteur country et pop canadien, k.d. le thème optionnel de Lang, "Surrender", qui a été co-écrit par le compositeur du film David Arnold, a fini par être utilisé comme chanson de fin de film. | http://quiz4free.com/ |
Pouvez-vous nommer le chanteur de la chanson titre de « 1971 - Diamonds Are Forever » ? | Shirley Bassey | [
"\" Diamonds Are Forever \", la chanson titre avec des paroles de Don Black, était le deuxième thème de Bond interprété par Shirley Bassey, après \" Goldfinger \". La chanson a également été enregistrée en italien par Bassey sous le titre : ; cette version n'a été publiée que sur un single de 7 pouces en Italie et était destinée à être incluse dans un coffret de 3 CD (annulé) intitulé Shirley sorti en 2012.",
"# \"Les diamants sont éternels (titre principal)\" - chanté par Shirley Bassey"
] | Diamonds Are Forever est la bande originale de John Barry pour le septième film de James Bond du même nom.
" Diamonds Are Forever ", la chanson titre avec des paroles de Don Black, était le deuxième thème de Bond interprété par Shirley Bassey, après " Goldfinger ". La chanson a également été enregistrée en italien par Bassey sous le titre : ; cette version n'a été publiée que sur un single de 7 pouces en Italie et était destinée à être incluse dans un coffret de 3 CD (annulé) intitulé Shirley sorti en 2012.
Le producteur Harry Saltzman détestait la chanson et le film n'a été réalisé que grâce au coproducteur Albert Broccoli. L'une des principales objections de Saltzman concernait les insinuations contenues dans les paroles. Bassey reviendra plus tard pour une troisième représentation pour Moonraker de 1979.
Liste des pistes
Les pistes 13 à 21 ne sont pas sorties sur la bande originale.
# "Les diamants sont éternels (titre principal)" - chanté par Shirley Bassey
# "Bond Meets Bambi and Thumper" contient le "James Bond Theme", composé à l'origine pour la bande originale de Dr. No.
# "Promenade en buggy sur la lune"
# "Cirque, Cirque"
# "Mort à la Whyte House"
# "Les diamants sont éternels (source instrumentale)"
# "Les diamants sont éternels (Bond et Tiffany)"
# "Bond sent le rat"
# "Affaire Tiffany"
# "007 et comptage"
# "Le truc de Q"
# "To Hell with Blofeld" contient "007", originaire de la bande originale de From Russia with Love
# "Canon de canon et chasse à l'homme"
# "M. Wint et M. Kidd/Bond to Holland"
# "Pierre Francs"
# "Source aéroportuaire/Sur la route"
# "Slumber, Inc."
# "La maison Whyte"
# "Beaucoup, puis Tiffany"
# "À la suite des diamants"
# "Indices supplémentaires et alternatifs"
Échantillonnage
La chanson titre est fréquemment échantillonnée par des artistes modernes :
*"Diamonds from Sierra Leone" - une chanson primée aux Grammy Awards de l'artiste hip-hop Kanye West. Sorti le 4 juillet 2005, en tant que premier single de son deuxième album studio, Late Registration.
*"Psychologie" de Dead Prez | http://quiz4free.com/ |
Qui accepterait la soie dans le cadre de son travail ? | Avocat | [
"Le Barreau indépendant est organisé sous le nom de Faculté des Avocats et ses membres ne sont pas connus comme avocats mais comme avocats. Le poste de Queen's Counsel n'a pas été reconnu avant 1868. Initialement, le statut était réservé d'abord aux juristes (Lord Advocate et Solicitor General for Scotland) et peu après au doyen de la Faculté des avocats. En 1897, une pétition de la Faculté des avocats pour la création d'une liste écossaise de conseillers de la reine fut approuvée, et les premières nominations furent faites plus tard dans l'année.",
"Dans les juridictions devenues républiques, le poste de Queen's Counsel a parfois été remplacé par un équivalent, par exemple, Senior Counsel en Afrique du Sud, au Kenya, à Trinité-et-Tobago et en Guyane ; Avocat principal au Nigeria, en Inde et au Bangladesh ; et conseiller du président au Sri Lanka.",
"Le Nigeria a remplacé la nomenclature QC par le nouveau titre d'Avocat principal du Nigeria (SAN). Les nominations sont limitées à moins de 30 avocats par an, effectuées par le juge en chef du Nigeria sur recommandation du Comité des privilèges des praticiens du droit, composé de juges et d'avocats de haut rang. Les exigences de qualification sont presque identiques à celles requises pour être nommé conseiller de la reine. Les SAN ont le droit de porter des robes en soie et bénéficient des mêmes privilèges que les Conseillers de la Reine.",
"Le gouvernement du Manitoba a cessé de nommer conseiller de la Reine en 2001. Il a été proposé que le titre soit remplacé par Avocat principal (S.C.). Les nominations devaient être faites par le Barreau du Manitoba. Cependant, la nouvelle désignation n'a jamais été adoptée. Les désignations existantes restent en vigueur.",
"Le gouvernement du Québec a cessé de nommer des conseillers de la Reine en 1975. Plus de quarante ans plus tard, le Barreau du Québec a institué un prix professionnel, la distinction d'Avocat émérite / Avocat émérite, avec le postnominal « Ad. E ». Le prix vise à récompenser les avocats « ... qui se distinguent en raison de leur carrière professionnelle exceptionnelle, de leur contribution exceptionnelle à la profession ou de leur statut social et communautaire exceptionnel qui a fait honneur à la profession juridique ». En 2015, le Barreau a décerné cette distinction à une vingtaine d'avocats."
] | Les conseillers de la reine (postnominal QC), ou les conseillers du roi (postnominal KC) pendant le règne d'un roi, sont des avocats particulièrement éminents, pour la plupart des avocats, nommés par lettres patentes pour être l'un des « conseils de Sa Majesté instruits en droit ». Il est également reconnu à titre honorifique. L'adhésion existe dans diverses juridictions du Commonwealth à travers le monde, tandis que dans certaines autres juridictions, le nom a été remplacé par un nom sans connotation monarchique, comme « Senior Counsel » ou « Senior Advocate ». Le Queen's Counsel est un statut conféré par la Couronne et reconnu par les tribunaux. Les membres ont le privilège de siéger au barreau du tribunal.
Étant donné que les membres portent des robes en soie d'un modèle particulier (voir tenue de cour), la récompense du Queen's Counsel est connue officieusement sous le nom de prise de soie, et c'est pourquoi les QC sont souvent appelés familièrement soies. Les nominations sont faites au sein de la profession juridique sur la base du mérite plutôt que d'un niveau d'expérience particulier. Cependant, les candidats retenus sont généralement des avocats, ou (en Écosse) des avocats, ou des solicitor Advocates ayant 15 ans d'expérience ou plus.
Histoire
Angleterre et Pays de Galles
Contexte historique
Le procureur général, le solliciteur général et les sergents du roi étaient les conseils ordinaires du roi dans le Royaume d'Angleterre. Le premier conseiller extraordinaire de la reine fut Sir Francis Bacon, qui reçut un brevet lui donnant préséance au barreau en 1597 et fut officiellement nommé conseil du roi en 1603.
Le nouveau grade de Conseil du Roi a contribué à l'obsolescence progressive de l'ancien sergent-en-droit le plus ancien en le remplaçant. Le procureur général et le solliciteur général avaient également succédé aux sergents du roi en tant que dirigeants du barreau à l'époque des Tudor, bien qu'ils ne soient techniquement pas supérieurs avant 1623 (à l'exception des deux sergents du roi supérieurs) et 1813 respectivement.
Mais les conseils du roi n'ont émergé qu'au début des années 1830, alors qu'ils étaient relativement peu nombreux. C'est devenu le moyen standard de reconnaître un avocat comme membre senior de la profession, et les chiffres se sont multipliés en conséquence.Duman, Daniel. Les barreaux anglais et coloniaux au XIXe siècle. 1983. Il est devenu de plus en plus important professionnellement de devenir KC et le nombre de sergents a progressivement décliné. Les KC héritent du prestige des sergents et de leur priorité devant les tribunaux. La première liste de droit anglais, publiée en 1775, répertorie 165 membres du barreau, dont 14 étaient King's Counsel, soit une proportion d'environ 8,5 %. à peu près la même proportion existait, bien que le nombre d'avocats soit passé à environ 12 250 en pratique indépendante (c'est-à-dire à l'exclusion des avocats élèves et des avocats salariés). En 1839, le nombre de Queen's Counsel était de 70. (1898) 104 Law Times 98 [https://books.google.co.uk/books?idXzJHAQAAMAAJ&q
%22numéro+de+Reine%27s+Consel%22 Google Books]. En 1882, le nombre de Queen's Counsel était de 187. La liste des Queen's Counsel dans la Law List de 1897 donnait les noms de 238, dont à peine un tiers semblait être réellement en exercice. En 1959, le nombre de Queen's Counsel en exercice était de 181.HC Deb 6 mars 1989 vol 148 [http://hansard.millbanksystems.com/commons/1989/mar/06/queens-counsel col 596] par Mayhew AG Dans chacun des au cours des cinq années précédant 1970, le nombre de Queen's Counsel en exercice était respectivement de 208, 209, 221, 236 et 262. Au cours de chacune des années 1973 à 1978, le nombre de Queen's Counsel en exercice était respectivement de 329, 345, 370, 372, 384 et 404. En 1989, le nombre de Queen's Counsel en exercice était de 601. Au cours de chacune des années 1991 à 2000, le nombre de Queen's Counsel en exercice était de 736, 760, 797, 845, 891, 925, 974, 1 006, 1 043 et 1 072, respectivement. .
Le titre dépend traditionnellement du sexe du souverain. La reine actuelle, Elizabeth II, a eu un long règne et peu de personnes nommées conseillers du roi, voire aucune, survivent. On peut supposer que si la reine décède et que le titre passe à un descendant, le titre deviendra à nouveau KC, car les trois prochains sur le trône sont des héritiers mâles.
Restrictions concernant le conseil de la reine
Il était interdit aux conseillers de la reine et aux sergents, au moins à partir du milieu du XIXe siècle, de rédiger seuls des plaidoiries ; il a fallu retenir les services d'un avocat junior. Ils n'étaient pas autorisés à comparaître devant le tribunal sans un avocat junior et ils devaient avoir un cabinet à Londres. Dès le début, ils n'étaient pas autorisés à comparaître contre la Couronne sans autorisation spéciale, mais celle-ci était généralement accordée à titre de formalité.
Cette disposition était particulièrement importante dans les affaires pénales, qui sont pour la plupart intentées au nom de la Couronne. Le résultat fut que, jusqu'en 1920, en Angleterre et au Pays de Galles, les conseils du roi et de la reine devaient détenir une licence pour comparaître dans des affaires pénales pour la défense. Ces restrictions ont eu un certain nombre de conséquences : elles ont fait de l'adoption de la « soie » une sorte de risque professionnel, car cette nomination supprimait d'un seul coup une partie du travail de base du jeune avocat ; ils ont rendu plus coûteux le recours à des avocats principaux et ont donc veillé à ce qu'ils ne soient retenus que dans les affaires les plus importantes, et ils ont protégé le travail du jeune barreau, qui ne pouvait être exclu par le maintien en poste d'avocats principaux. Mais à la fin du XXe siècle, toutes ces règles ont été abolies une à une. La nomination au poste de QC est désormais uniquement une question de statut et de prestige, sans aucun inconvénient formel.
Réformes modernes
Les conseillers de la reine étaient traditionnellement choisis parmi les avocats, plutôt que parmi les avocats en général, car ils étaient des avocats nommés pour mener des travaux judiciaires au nom de la Couronne. Bien que les limitations imposées à l'enseignement privé aient été progressivement assouplies, les QC ont continué à être choisis parmi les avocats, qui avaient le droit exclusif d'être entendus devant les tribunaux supérieurs.
La première femme nommée conseil du roi fut Helen Kinnear au Canada en 1934. Les premières femmes nommées conseil du roi au Royaume-Uni furent Helena Normanton et Rose Heilbron en 1949.
Développements récents au Royaume-Uni
Angleterre et Pays de Galles
En 1994, les solicitors d'Angleterre et du Pays de Galles ont obtenu le droit d'obtenir le droit d'être entendus devant les tribunaux supérieurs, et quelque 275 d'entre eux y ont eu droit en 1995. En 1995, ces solicitors ont été seuls habilités à demander à être nommés Queen's Counsel, et les deux premiers solicitors ont été nommé le 27 mars 1997, sur 68 nouveaux QC. Il s'agissait d'Arthur Marriott (53 ans), associé du bureau londonien du cabinet d'avocats américain Wilmer Cutler and Pickering basé à Washington, D.C., et de Lawrence Collins (55 ans), associé du cabinet d'avocats City d'Herbert Smith. Ce dernier QC a ensuite été nommé juge de la Haute Cour et finalement juge de la Cour suprême du Royaume-Uni.
La nomination du nouveau Queen's Counsel a été suspendue en 2003 et l'on s'attendait généralement à ce que le système soit aboli. Cependant, une campagne vigoureuse a été organisée pour défendre le système. Les partisans comprenaient ceux qui le considéraient comme une indication indépendante d'excellence de valeur pour ceux (en particulier les plaideurs commerciaux étrangers) qui n'avaient pas grand-chose d'autre à faire, et ceux qui affirmaient qu'il s'agissait d'un moyen par lequel les avocats les plus compétents issus de minorités ethniques pouvaient faire progresser et surmonter les préjugés, ainsi que mieux représenter les membres d’une société de plus en plus diversifiée.
L'attention du gouvernement est passée de l'abolition à la réforme et, en particulier, à la réforme des « sondages secrets » très critiqués des juges et autres personnalités juridiques de l'establishment sur lesquels reposait l'ancien système. Cela a été jugé inapproprié et injuste étant donné la taille de la profession moderne, ainsi que comme une source possible de favoritisme gouvernemental inapproprié (puisque les recommandations finales ont été faites par le Lord Chancellor, qui est membre du gouvernement) et discriminatoire à l'égard des les travailleurs à temps partiel (surtout les femmes) et les minorités ethniques.
En novembre 2004, après de nombreux débats publics en faveur et contre le maintien du titre (voir par exemple Sasha Wass QC), le gouvernement a annoncé que les nominations de Queen's Counsel en Angleterre reprendraient mais que les futurs nommés ne seraient pas choisis par le gouvernement mais par un comité de neuf membres, présidé par un profane, comprenant deux avocats, deux solicitors, un juge à la retraite et trois non-avocats. Formellement, la nomination reste royale, faite sur avis du Lord Chancellor, mais celui-ci ne commente plus les candidatures individuelles. Le Lord Chancelier supervise le processus et examine les recommandations du panel en termes généraux (pour s'assurer que le processus tel qu'il est appliqué est juste et efficace).
Les formulaires de candidature au nouveau système ont été publiés en juillet 2005 et la nomination de 175 nouveaux conseillers de la Reine a été annoncée le 20 juillet 2006. Au total, 443 personnes avaient postulé (dont 68 femmes, 24 avocats appartenant à des minorités ethniques et 12 solicitors). Sur les 175 personnes nommées, 33 étaient des femmes, 10 appartenaient à des minorités ethniques et quatre étaient des avocats. Six personnes ont également été nommées QC honoris causa. Le 16 octobre 2006, quelques semaines après le début de l'année légale, les candidats retenus ont fait une déclaration et ont reçu leurs lettres patentes du Lord Chancellor à Westminster Hall.
D'autres nominations ont été annoncées le 22 janvier 2008 et le 23 février 2010. Le processus a lieu chaque année, les dernières nominations en date étant annoncées le 19 février 2014. De plus amples informations peuvent être trouvées sur le site Web des nominations des conseillers de la reine.
Irlande du Nord
Le titre de QC continue d'être utilisé. En 1998, deux avocats d'Irlande du Nord (Seamus Treacy, aujourd'hui juge Treacy, et Barry Macdonald) se sont opposés à l'obligation de prêter serment d'allégeance à la Couronne. Le Conseil du Barreau, l'organisme qui représente les intérêts des avocats, avait convenu (dans le rapport Elliott) que le serment royal devait être abandonné et remplacé par une déclaration plus neutre. Il suggérait qu'au lieu de déclarer leurs services à la reine Elizabeth, les avocats devraient « promettre et déclarer sincèrement que je servirai bel et bien tous ceux que je pourrais légalement être appelé à servir dans le bureau de l'un des conseils de Sa Majesté, instruit dans le droit selon au mieux de mes compétences et de ma compréhension".
En 2000, la Haute Cour d'Irlande du Nord s'est prononcée en faveur des avocats. Après de nouvelles querelles, les avocats ont été autorisés à faire « une déclaration plus neutre » de leur engagement envers les principes.
En 1997, le Lord Chief Justice, Sir Robert Carswell, a écrit : « Je suis moi-même convaincu que tout cela fait partie d'une campagne en cours visant à remplacer le poste de Queen's Counsel par un grade intitulé Senior Counsel, ou quelque chose du genre. » .
Écosse
Le Barreau indépendant est organisé sous le nom de Faculté des Avocats et ses membres ne sont pas connus comme avocats mais comme avocats. Le poste de Queen's Counsel n'a pas été reconnu avant 1868. Initialement, le statut était réservé d'abord aux juristes (Lord Advocate et Solicitor General for Scotland) et peu après au doyen de la Faculté des avocats. En 1897, une pétition de la Faculté des avocats pour la création d'une liste écossaise de conseillers de la reine fut approuvée, et les premières nominations furent faites plus tard dans l'année.
En 2005, il y avait plus de 150 QC en Écosse. La nomination du Queen's Counsel est faite sur recommandation du Lord Justice General au Premier ministre d'Écosse, anciennement secrétaire d'État pour l'Écosse. Dans les années 1990, les règles ont été modifiées de sorte que les avocats bénéficiant du droit d'audience devant la Court of Session ou la High Court of Justiciary soient autorisés à postuler pour une nomination, et deux ou trois l'ont fait. Un avocat-avocat ainsi nommé est correctement désigné comme Queen's Counsel, Solicitor Advocate.
Pays ou territoires ayant aboli la désignation de « Conseil de la Reine »
Dans les juridictions devenues républiques, le poste de Queen's Counsel a parfois été remplacé par un équivalent, par exemple, Senior Counsel en Afrique du Sud, au Kenya, à Trinité-et-Tobago et en Guyane ; Avocat principal au Nigeria, en Inde et au Bangladesh ; et conseiller du président au Sri Lanka.
Hong Kong
À Hong Kong, le rang de Queen's Counsel a été accordé lorsqu'il s'agissait d'une colonie de la couronne et d'un territoire dépendant du Royaume-Uni. Un avocat en exercice pourrait être nommé Queen's Counsel en reconnaissance de son éminence professionnelle par Crown Patent sur l'avis du juge en chef de la Cour suprême de Hong Kong. Depuis que Hong Kong a rompu ses liens avec le Royaume-Uni en 1997, les avocats ne sont plus nommés Queen's Counsel (QC), mais Senior Counsel (SC). Les personnes nommées avant le changement ont été renommées Senior Counsel.
Nigeria
Le Nigeria a remplacé la nomenclature QC par le nouveau titre d'Avocat principal du Nigeria (SAN). Les nominations sont limitées à moins de 30 avocats par an, effectuées par le juge en chef du Nigeria sur recommandation du Comité des privilèges des praticiens du droit, composé de juges et d'avocats de haut rang. Les exigences de qualification sont presque identiques à celles requises pour être nommé conseiller de la reine. Les SAN ont le droit de porter des robes en soie et bénéficient des mêmes privilèges que les Conseillers de la Reine.
Sri Lanka
Les conseillers du président (PC postnominal) ont un rang professionnel, car leur statut est conféré par le président, reconnu par les tribunaux et porte des robes en soie d'un design spécial. C'est l'équivalent du grade de Queen's Counsel au Royaume-Uni, qui a été utilisé à Ceylan (Sri Lanka) jusqu'en 1972, date à laquelle le Sri Lanka est devenu une république, date à laquelle le poste est devenu celui de Senior Attorney-at-Law. En 1984, le poste est devenu celui de conseiller du président. Le titulaire peut utiliser les lettres post-nominales PC après son nom.
Zambie
En Zambie, la désignation a été changée en procureur d'État après l'indépendance de la Grande-Bretagne. Les praticiens du droit qui jouissent du rang et de la dignité de procureur de la République peuvent utiliser « SC » après leur nom. Ils jouissent de la prééminence devant tous les tribunaux devant lesquels la comparution d'un avocat est autorisée. La procédure de nomination s'inspire plus ou moins du système anglais. Toutefois, ces derniers temps, le système basé sur le mérite, qui a duré si longtemps, semble avoir été remplacé par le clientélisme politique. Alors que la loi sur les praticiens du droit exige que ceux qui postulent à ce poste postulent ou que l'Association du droit de Zambie recommande leurs noms pour la nomination, les trois derniers présidents ont pris sur eux de nommer à ce poste ceux qui sont principalement leurs partisans au sein de la profession. du procureur de la République. Cela a créé un malaise au sein de la profession et a quelque peu dilué le rang. Profession légale.
Par exemple, lorsque le défunt président Michael Sata a abrogé la procédure clairement établie pour la nomination du procureur de l'État en nommant Mumba Kapumpa, John Sangwa et Robert Simeza au poste de SC, l'Association des avocats de Zambie a réagi avec consternation. Dans une déclaration mise à la disposition du quotidien local Daily Nation et publiée le 11 mai 2013, la vice-présidente de l'association, Mme Kasonde, a déclaré que la procédure de nomination de tout avocat au poste de procureur de la République devait être réfléchie, ajoutant que conférer à quiconque ( avocats), le rang de procureur de la République doit être accordé en fonction du mérite et non en fonction d'autres considérations.
Mme Kasonde a déclaré que la loi sur les praticiens du droit était claire sur la nomination des personnes souhaitant se voir conférer le rang de procureur de la République et que par conséquent, l'association n'accepterait aucun contournement de la part du mandant.
« Nous souhaitons attirer l'attention des députés et du grand public sur la loi relative à la nomination du procureur de la République. L'article 17 de la loi sur les praticiens du droit prévoit la procédure de nomination comme suit : 17. (1) tout praticien souhaitant que le rang et la dignité de procureur de l'État de la Zambie lui soient conférés doit présenter sa candidature, accompagnée de la recommandation de deux Procureur de l'État, en ce nom auprès du procureur général », a-t-il déclaré.
Elle a également déclaré qu'après réception de la candidature d'une ou plusieurs personnes souhaitant être honorées du poste de procureur de l'État, le procureur général devra, après consultation du juge en chef et de l'Association des avocats de Zambie, faire une recommandation au président.
« (2) Dès réception d'une telle demande, le procureur général doit, après consultation du juge en chef et de l'Association (du droit) (de Zambie), faire la recommandation à ce sujet au président qu'il juge appropriée, et le président peut : après avoir pris en considération cette recommandation, à sa discrétion, soit rejeter la demande, soit, sous réserve des autres dispositions de la présente loi, nommer, par lettres patentes sous le sceau de la République, le demandeur procureur d'État pour la Zambie », a-t-elle expliqué.
La récente nomination du procureur général du pays, Likando Kalaluka, qui entraîne l'attribution automatique du rang et de la dignité de procureur de l'État et du titre de « leader du barreau zambien », à laquelle s'est opposée l'Association des avocats de Zambie, en est un autre exemple.
Pays qui conservent la désignation
Les conseillers de la reine sont retenus dans plusieurs royaumes du Commonwealth où la reine Elizabeth II est chef d'État.
Australie
Le Commonwealth d'Australie au niveau fédéral, ainsi que la plupart des gouvernements des États et territoires, ont commencé en 1994 à remplacer le titre de Queen's Counsel et la nomination par lettres patentes par le titre Senior Counsel (SC) à titre honorifique conféré par la profession juridique. La Nouvelle-Galles du Sud a été la première en 1993 et le Queensland a suivi en 1994. La plupart des autres États et le gouvernement du Commonwealth ont suivi au cours des 15 années suivantes. Les personnes nommées Conseiller de la Reine (QC) avant le changement de juridiction concernée peuvent conserver l'ancien titre.
En 2013, le Queensland a rétabli le rang de Queen's Counsel. Les personnes nommées avocat principal avant la réintroduction du conseil de la reine avaient la possibilité de conserver leur ancien titre ou de solliciter une nomination en tant que conseil de la reine, tandis que toutes les nouvelles nominations se feraient uniquement en tant que conseil de la reine. Sur les 74 avocats principaux nommés dans le Queensland avant la réintroduction du Queen's Counsel en juin 2013, seuls quatre ont choisi de conserver leur ancien titre d'avocat principal.
Suite à la décision du Queensland, des spéculations ont été émises selon lesquelles d'autres États australiens pourraient emboîter le pas. Le 3 février 2014, le procureur général de Victoria a annoncé que le rang de Queen's Counsel serait prochainement rétabli à Victoria. Contrairement à l'approche du Queensland (où toutes les futures soieries seraient nommées conseiller de la reine par lettres patentes), à Victoria, toutes les nouvelles nominations continuent de se faire en tant qu'avocat principal, l'avocat principal ayant alors la possibilité de demander à être nommé conseiller de la reine par lettres patentes. En mars 2014, le procureur général du Commonwealth, George Brandis QC, a annoncé le rétablissement du rang de conseiller de la reine au niveau fédéral, suscitant de nouvelles spéculations selon lesquelles davantage d'États australiens prendraient des mesures pour restaurer ce rang.
* Le gouvernement de Nouvelle-Galles du Sud a remplacé le bureau du Queen's Counsel par le bureau du Senior Counsel en 1993. Toutes les personnes nommées existantes pouvaient choisir de continuer à s'appeler Queen's Counsel ou de passer au nouveau titre de Senior Counsel. Toutes les nouvelles personnes nommées étaient appelées Senior Counsel. Depuis mars 2014, l'Association du barreau de la Nouvelle-Galles du Sud a créé un comité chargé d'envisager la réintroduction du Queen's Counsel en Nouvelle-Galles du Sud.
* Le gouvernement du Queensland a remplacé le bureau du Queen's Counsel par le bureau du Senior Counsel en 1994. Cette décision a été annulée en 2013.
* La Cour suprême du Territoire de la capitale australienne a imposé en 1995 un moratoire sur la nomination des Conseillers de la Reine dans sa propre juridiction, de préférence à la nomination d'un Conseiller principal.
* La Cour suprême de Victoria a remplacé la nomination de Queen's Counsel par Senior Counsel en 2000. Le rang de Queen's Counsel a été rétabli en 2014.
* La Cour suprême d'Australie occidentale a remplacé la nomination du Queen's Counsel par le Senior Counsel en 2001.
* La Tasmanie a mis fin à la nomination du Conseil de la Reine en 2005.
* Dans le Territoire du Nord, le rang de Queen's Counsel n'a jamais été formellement aboli, mais en 2007, les règles de la Cour suprême du territoire ont été modifiées pour faciliter la nomination d'un avocat principal par le juge en chef.
* Le gouvernement d'Australie-Méridionale a remplacé la nomination du Conseil de la Reine par un Conseiller principal en 2008.
* Le Commonwealth a nommé ses derniers QC en mars 2007 sous le gouvernement Howard. Aucune nomination n'a été faite sous le gouvernement Rudd, mais le 8 juillet 2010, le procureur général du gouvernement Gillard, Robert McClelland, a nommé le premier « conseiller principal » du Commonwealth. En mars 2014, le procureur général George Brandis QC a annoncé la réintroduction du Queen's Counsel au niveau du Commonwealth.
Barbade
L'honneur du QC se fait sur rendez-vous. Le processus de sélection est secret.
Canada
Pouvoir constitutionnel de nommer le conseiller de la reine
Au Canada, tant le gouvernement fédéral que les gouvernements provinciaux ont le pouvoir constitutionnel de nommer un avocat au poste de conseil de la reine. Ce point a été tranché en 1897 par le Comité judiciaire du Conseil privé dans une affaire en appel devant les tribunaux canadiens. Le gouvernement fédéral a affirmé qu'il avait le pouvoir exclusif de nommer le conseiller de la reine, car cette nomination constitue un exercice de la prérogative royale et seul le gouvernement fédéral pouvait conseiller le monarque sur l'exercice de la prérogative royale. La province de l'Ontario a répondu que la Couronne fait tout autant partie des gouvernements provinciaux qu'au niveau fédéral et que, par conséquent, les provinces pourraient également conseiller à la Couronne de procéder à des nominations en vertu de la prérogative royale. Le Comité judiciaire a statué en faveur des provinces, confirmant leur pouvoir de nommer les conseillers de la reine.[http://www.bailii.org/uk/cases/UKPC/1897/1897_49.html Procureur général du Dominion du Canada contre Procureur Général pour la province de l'Ontario, [1897] UKPC 49, [1898] AC 247.]
Sous le règne d'une reine, le titre est abrégé « Q.C » en anglais, "c.r." en français ("conseillier de la reine"). Sous le règne d'un roi, le titre est "K.C." en anglais, mais continue d'être "c.r." en français ("conseillier du roi").
Critiques et réformes
Les avocats continuent d'être nommés conseillers de la Reine par le gouvernement fédéral et sept des dix provinces canadiennes. Le prix a été critiqué dans le passé au motif que la nomination au poste de conseiller de la reine dépendait en grande partie de l'affiliation politique, ainsi que des suggestions selon lesquelles ses connotations monarchiques n'étaient pas compatibles avec l'identité canadienne moderne. Cependant, dans les provinces qui continuent de nommer des avocats comme Conseillers de la Reine, des réformes ont été entreprises pour dépolitiser la sentence. Les candidats sont de plus en plus sélectionnés par des comités composés de représentants de la magistrature et du barreau, qui conseillent le procureur général concerné sur les nominations. Les réformes ont été conçues pour faire de ce prix une reconnaissance du mérite de chaque membre du barreau, souvent associée à un service communautaire.
Nominations par juridiction
Gouvernement fédéral
Le gouvernement fédéral a cessé de nommer des conseillers de la reine en 1993, mais a repris cette pratique en 2013. Les nominations sont recommandées par le ministre de la Justice, assisté d'un comité consultatif. Lors des nominations les plus récentes, fin 2014, le gouvernement a nommé sept avocats au poste de Conseiller de la Reine. Tous étaient employés dans la fonction publique fédérale.
Alberta
Le lieutenant-gouverneur en conseil (c'est-à-dire le Cabinet provincial) nomme les récipiendaires du Conseil de la Reine. Les titulaires doivent être inscrits au barreau depuis au moins 10 ans. Traditionnellement, les nominations ont lieu tous les deux ans. Le titre honorifique reconnaît les contributions exceptionnelles d'un avocat à la profession juridique ou à la vie publique. En 2016, les candidatures ont été examinées par un comité de sélection composé de membres de la magistrature et de la communauté juridique, qui a soumis des recommandations de nomination au ministre de la Justice et solliciteur général et au Cabinet pour examen, qui à son tour recommande des noms au Cabinet. En 2016, la province a désigné 39 avocats comme conseillers de la reine.
Colombie britannique
Les conseillers de la reine sont nommés par le Cabinet provincial sur l'avis du procureur général de la Colombie-Britannique. Pas plus de 7 % des membres du barreau de la Colombie-Britannique peuvent obtenir ce titre. Avant de faire une recommandation au Cabinet, le procureur général doit consulter le juge en chef de la Colombie-Britannique, le juge en chef de la Cour suprême de la Colombie-Britannique et deux conseillers (directeurs) de la Law Society of British Columbia, dont l'un est habituellement le président du Barreau. Un récipiendaire doit être inscrit au barreau de la Colombie-Britannique depuis au moins cinq ans. En pratique, le procureur général nomme un comité consultatif qui comprend ces fonctionnaires ainsi que le juge en chef de la Cour provinciale et le procureur général adjoint. Le comité sollicite également l'opinion de la section de la Colombie-Britannique de l'Association du Barreau canadien. ] Le procureur général est automatiquement nommé conseiller de la reine dès son entrée en fonction. En 2015, la province a désigné 39 avocats comme conseillers de la reine.
Manitoba
Le gouvernement du Manitoba a cessé de nommer conseiller de la Reine en 2001. Il a été proposé que le titre soit remplacé par Avocat principal (S.C.). Les nominations devaient être faites par le Barreau du Manitoba. Cependant, la nouvelle désignation n'a jamais été adoptée. Les désignations existantes restent en vigueur.
Nouveau-Brunswick
Le lieutenant-gouverneur nomme le conseiller de la Reine sur les conseils d'un comité composé du juge en chef du Nouveau-Brunswick, du procureur général du Nouveau-Brunswick et du président du Barreau du Nouveau-Brunswick. La recommandation du comité doit être unanime. Les récipiendaires doivent avoir 15 ans de pratique active du droit au Nouveau-Brunswick, avec une vaste expérience devant les tribunaux, ou démontrer des services exceptionnels à la profession. Le sous-procureur général du Nouveau-Brunswick et les doyens des facultés de droit du Nouveau-Brunswick peuvent également être nommés. Le nombre recommandé pour la nomination ne doit pas dépasser 1 % des membres du barreau du Nouveau-Brunswick qui ne sont pas déjà désignés, et le lieutenant-gouverneur ne doit procéder aux nominations qu'une fois par an. En 2015, la province a désigné 11 avocats comme conseillers de la reine.
Terre-Neuve-et-Labrador
Le lieutenant-gouverneur en conseil (c'est-à-dire le Cabinet provincial) nomme le conseiller de la Reine, sur recommandation du ministre de la Justice. Le ministre est tenu de consulter la Legal Appointments Board, qui se compose de cinq personnes nommées par le ministre : deux proviennent d'une liste recommandée par la Law Society of Newfoundland and Labrador, une doit être un avocat de l'extérieur de la région métropolitaine de St. John's, l'un doit être conseiller et l'autre doit être avocat avec moins de dix années d'expérience au barreau. Le processus de nomination a été critiqué dans le passé comme manquant de transparence et trop ouvert aux nominations politiques. En 2015, le gouvernement a nommé neuf avocats conseillers de la reine.
Nouvelle-Écosse
Le lieutenant-gouverneur nomme le conseiller de la reine sur l'avis du Cabinet provincial. Les récipiendaires doivent être membres du barreau de la Nouvelle-Écosse depuis au moins 15 ans. Le ministre de la Justice est conseillé par un comité consultatif indépendant, par l'intermédiaire de la Nova Scotia Barristers' Society. Les candidats éligibles peuvent postuler ou être nommés par d'autres. Les candidatures ouvrent généralement en septembre de chaque année, avec des rendez-vous fixés chaque année. Selon les critères publiés par la Nova Scotia Barristers' Society sur le formulaire de nomination, les candidats doivent démontrer une intégrité professionnelle, une bonne moralité et des contributions exceptionnelles à la pratique du droit par la reconnaissance par d'autres membres de la profession en tant qu'avocat ou procureur exceptionnel, contributions exceptionnelles par l'érudition juridique, l'enseignement ou la formation juridique continue, la démonstration de qualités exceptionnelles de leadership dans la profession et l'engagement dans des activités de nature publique ou caritative de manière à rehausser l'estime dans laquelle la profession juridique est tenue par le public. [http://nsbs.org/sites/default/files/cms/forms/QCinformationform.pdf Formulaire d'information : nominations des conseillers de la reine] La Nova Scotia Barristers' Society indique également que le comité est invité à prendre en compte les représentations régionales, de genre et des minorités. parmi les personnes recommandées pour nomination. En 2016, le gouvernement a nommé 10 avocats conseillers de la reine.
Ontario
Le gouvernement de l'Ontario a cessé de procéder à des nominations en 1985. David Peterson, alors premier ministre de l'Ontario, a fait une déclaration à la Chambre en donnant cinq raisons : (1) le titre visait à l'origine à reconnaître l'excellence dans la salle d'audience, mais la pratique en Ontario était qu'il pourrait être remis à n'importe quel avocat, quelle que soit son expérience en salle d'audience ; (2) l'utilisation de la désignation a induit le public en erreur, car elle reposait davantage sur ce que l'on sait que sur ce que l'on sait : (3) elle était injuste envers les avocats qui, pour une raison quelconque, n'ont pas été désignés, ce qui a soulevé des questions sur leur statut. la profession; (4) aucune autre profession n'a reçu de récompense gouvernementale de ce type ; (5) cette désignation avait été utilisée en Ontario principalement comme une forme de favoritisme politique. Dans sa déclaration, le premier ministre Peterson a déclaré que le gouvernement cesserait d'accorder cette désignation et prendrait des mesures pour révoquer les désignations existantes. Cependant, même si le gouvernement de l'Ontario a cessé d'accorder ce titre, il ne l'a pas officiellement aboli. Les avocats nommés conseillers de la Reine avant 1985 continuent d'utiliser le C.R. ou c.r. lettres postnominales. En réponse à la décision du gouvernement, le Barreau du Haut-Canada, l'organisme directeur des avocats de l'Ontario, a créé la Médaille du Barreau en 1985 pour reconnaître l'excellence dans la profession. Les destinataires ont le droit d'utiliser "L.S.M." derrière leurs noms.
Île-du-Prince-Édouard
Le lieutenant-gouverneur en conseil (c'est-à-dire le Cabinet provincial) procède aux nominations sur la recommandation d'un comité composé du président du Barreau de l'Île-du-Prince-Édouard, d'un membre du conseil du Barreau, d'une personne nommée par le ministre provincial de Justice, juge de la Cour d'appel ou de la Cour suprême de l'Île-du-Prince-Édouard et juge de la Cour provinciale de l'Île-du-Prince-Édouard. Les recommandations du comité doivent être adoptées par au moins 4 voix sur 5. Pour être pris en considération pour une nomination, un avocat doit avoir 10 ans d'expérience au Barreau de l'Île-du-Prince-Édouard. L'avocat doit également répondre aux trois critères suivants : (1) doit avoir une formation en droit; (2) doit avoir constamment fait preuve d’un haut niveau d’intégrité professionnelle ; et (3) doit être de très bonne moralité. De plus, l'avocat doit répondre à au moins un des six critères suivants : 1° avoir une réputation d'excellence dans la pratique du droit; (2) doit être reconnu comme avocat principal ; (3) doit avoir une grande expertise et une réputation exceptionnelle; (4) doit avoir fait preuve de qualités exceptionnelles de leadership dans la profession juridique; (5) doit avoir accompli un travail remarquable dans les domaines de la formation juridique ou de l'érudition juridique ; ou (6) doit avoir apporté une grande contribution aux affaires communautaires ou au service public. En 2015, le gouvernement a nommé deux avocats conseillers de la reine.
Québec
Le gouvernement du Québec a cessé de nommer des conseillers de la Reine en 1975. Plus de quarante ans plus tard, le Barreau du Québec a institué un prix professionnel, la distinction d'Avocat émérite / Avocat émérite, avec le postnominal « Ad. E ». Le prix vise à récompenser les avocats « ... qui se distinguent en raison de leur carrière professionnelle exceptionnelle, de leur contribution exceptionnelle à la profession ou de leur statut social et communautaire exceptionnel qui a fait honneur à la profession juridique ». En 2015, le Barreau a décerné cette distinction à une vingtaine d'avocats.
Saskatchewan
Le lieutenant-gouverneur en conseil (c’est-à-dire le Cabinet provincial) nomme des avocats comme conseillers de la Reine. Pour être admissible à une nomination, un avocat doit résider en Saskatchewan et doit avoir été admis au barreau d'une province du Canada, des Territoires du Nord-Ouest ou du Royaume-Uni. Les nominations sont basées sur les recommandations d'un comité de sélection composé du ministre de la Justice et procureur général de la Saskatchewan, du juge en chef de la Cour d'appel de la Saskatchewan ou du juge en chef de la Cour du Banc de la Reine (en alternance) et des anciens présidents de la section saskatchewanaise de l'Association du Barreau canadien et la Law Society of Saskatchewan. En 2015, le gouvernement a nommé 15 avocats conseillers de la reine.
Nouvelle-Zélande
En 2006, le titre a été rebaptisé Senior Counsel, les dernières nominations de Queen's Counsel ayant eu lieu en 2007, après quoi | http://quiz4free.com/ |
Qui a chanté la chanson thème de 9h à 17h ? | Dolly Parton | [
"\"9 to 5\" est une chanson écrite et interprétée à l'origine par la chanteuse de musique country américaine Dolly Parton pour la comédie du même nom de 1980. En plus d'apparaître sur la bande originale du film, la chanson était la pièce maîtresse de l'album 9 to 5 and Odd Jobs de Parton, sorti fin 1980. La chanson est sortie en single en novembre 1980.",
"La chanson est également présentée dans une adaptation théâtrale musicale du film, comprenant un livre de l'auteur original du film, Patricia Resnick, et 20 chansons supplémentaires écrites par Dolly Parton. 9 to 5 a commencé ses avant-premières à Los Angeles le 9 septembre 2008 et a joué à Broadway au Marquis Theatre d'avril à septembre 2009 avant de partir en tournée.",
"Dès 1995, une version légèrement remixée de la chanson a commencé à apparaître sur les compilations de succès de Parton, parfois ramenée à sa durée d'origine et parfois prolongée jusqu'à 15 heures. Dans cette version remixée, certaines guitares sont plus fortes tandis que les voix de fond sont plus faibles ou absentes à certains endroits, et dans la version à 3 heures, certains des cors entendus dans la version cinématographique de la chanson peuvent être entendus vers la fin du morceau. La version 3h00 de la chanson est disponible sur « The Essential Dolly Parton » et « Playlist : The Very Best of Dolly Parton » entre autres.",
"*Dolly Parton - chant"
] | "9 to 5" est une chanson écrite et interprétée à l'origine par la chanteuse de musique country américaine Dolly Parton pour la comédie du même nom de 1980. En plus d'apparaître sur la bande originale du film, la chanson était la pièce maîtresse de l'album 9 to 5 and Odd Jobs de Parton, sorti fin 1980. La chanson est sortie en single en novembre 1980.
La chanson a valu à Parton une nomination aux Oscars et quatre nominations aux Grammy Awards, ce qui lui a valu les prix de la « Meilleure chanson country » et de la « Meilleure performance vocale country féminine ». Pendant un certain temps, la chanson est devenue une sorte d'hymne pour les employés de bureau aux États-Unis, et en 2004, la chanson de Parton s'est classée soixante-dix-huitième sur « 100 ans, 100 chansons » de l'American Film Institute.
La chanson était accompagnée d'un clip vidéo contenant des images de Parton et de son groupe en train de jouer, entrecoupées d'extraits du film.
Arrière-plan
La chanson 9 to 5 a été écrite pour le film comique 9 to 5, avec Jane Fonda, Lily Tomlin et Parton dans ses débuts au cinéma. La chanson – et le film – doivent leur titre à une organisation fondée en 1973 dans le but d’améliorer le traitement des femmes sur le lieu de travail.
La chanson est également présentée dans une adaptation théâtrale musicale du film, comprenant un livre de l'auteur original du film, Patricia Resnick, et 20 chansons supplémentaires écrites par Dolly Parton. 9 to 5 a commencé ses avant-premières à Los Angeles le 9 septembre 2008 et a joué à Broadway au Marquis Theatre d'avril à septembre 2009 avant de partir en tournée.
En 2012, une tournée théâtrale au Royaume-Uni de « 9 to 5 » a débuté.
Quelques mois avant la chanson et le film de Parton, la chanteuse écossaise Sheena Easton a sorti un single intitulé « 9 to 5 » au Royaume-Uni. Lorsque la chanson d'Easton est sortie aux États-Unis l'année suivante, elle a été renommée « Morning Train (Nine to Five) » pour éviter toute confusion. Le single d'Easton a atteint la première place du Billboard Hot 100 Chart trois mois après que la chanson de Parton ait quitté cette place. Alors que la chanson de Parton présente une femme qui travaille autonome (même si elle est mise au défi), la chanson d'Easton présente une femme passive et amoureuse qui attend à la maison toute la journée que son amant revienne du travail.
Bien que l'enregistrement de Parton n'ait atteint que la 47e place au Royaume-Uni, il reste une chanson populaire à la radio et dans les boîtes de nuit à travers la Grande-Bretagne et a été partagé entre "Independent Women Part 1" de Destiny's Child et "Eple" de Röyksopp pour l'album Soulwax As Heard. sur Radio Soulwax Pt. 1 2.
Performances commerciales
La chanson a atteint le numéro un du Billboard Country Chart en janvier 1981. En février 1981, elle est devenue numéro un du Billboard Hot 100 et du classement Adult Contemporary, respectivement.
In a culminé à la 47e place du classement des singles britanniques en 1981. La chanson s'est vendue à 303 511 exemplaires numériques au Royaume-Uni en juillet 2014.
Versions et couvertures
Dès 1995, une version légèrement remixée de la chanson a commencé à apparaître sur les compilations de succès de Parton, parfois ramenée à sa durée d'origine et parfois prolongée jusqu'à 15 heures. Dans cette version remixée, certaines guitares sont plus fortes tandis que les voix de fond sont plus faibles ou absentes à certains endroits, et dans la version à 3 heures, certains des cors entendus dans la version cinématographique de la chanson peuvent être entendus vers la fin du morceau. La version 3h00 de la chanson est disponible sur « The Essential Dolly Parton » et « Playlist : The Very Best of Dolly Parton » entre autres.
En 1981, Renée Martel reprend cette chanson en français "De 9 à 5" sur son album "Un coin de ciel El lute"
En 1981, Kikki Danielsson a repris la chanson sur son album Just Like a Woman, et la chanson reste l'un de ses enregistrements de musique country les plus célèbres. La chanson a également été reprise par le groupe punk suédois Millencolin et incluse dans leur album de compilation de 1999 The Melancholy Collection, une collection de faces B et de raretés. Mark Wilson a également chanté "9 to 5" sur It Takes Two avec Rachael Beck. "9 to 5" a été interprété avec un accompagnement de sitar dans les scènes d'ouverture du film de 2008 The Love Guru, chanté par le personnage principal joué par Mike Myers ; cette version apparaît sur l'album de la bande originale du film.
En 2015, le groupe américain a cappella Home Free a repris la chanson sur leur album Country Evolution.
Anecdote
C'est l'une des rares chansons des charts Billboard à présenter le claquement d'une machine à écrire. Parton a déclaré dans un certain nombre d'interviews que lorsqu'elle a écrit la chanson, elle a conçu le rythme claquant de la machine à écrire en faisant passer ses ongles en acrylique les uns contre les autres.
Avec "9 to 5", Parton est devenue seulement la deuxième femme à figurer en tête du classement des singles country américains et du Billboard Hot 100 avec le même single (la première étant Jeannie C. Riley, qui l'avait fait avec "Harper Valley PTA" en 1968).
Dans la culture populaire
La chanson apparaît dans l'épisode des Simpsons "I Married Marge".
La chanson est jouée dans un bar dans l'épisode 17 de la saison 8 de la comédie Will & Grace.
Il apparaît également dans le jeu Karaoke Revolution Country.
Dans l'émission pour enfants Sesame Street, Parton et cette chanson ont été usurpés, respectivement sous le nom de Polly Darton, interprétée par la vétéran muppeteer Fran Brill, et "Counting One to Five", à peu près au moment où Polly allait à l'école, lorsque son professeur lui a demandé de comptez jusqu'à cinq.
Alvin et les Chipmunks ont repris la chanson pour leur album de 1982, The Chipmunks Go Hollywood.
VeggieTales a également repris "9 to 5" sur leur album de 2012, "Bob & Larry Go Country".
Au début du film The Love Guru, une reprise de "9 to 5" est chantée par le personnage principal joué par Mike Myers.
Kerry Ellis a chanté la chanson à deux reprises lors de l'émission Friday Night is Music Night de BBC Radio 2, la première avec John Barrowman.
Remy of Reason TV a réalisé un remix Obamacare de la chanson.
À la fin de l'épisode Summerween de Gravity Falls, "9 to 5" a été joué pendant le générique de l'épisode avec des images d'un cochon nommé Waddles avec différents mèmes.
Roger chantait cette chanson dans American Dad ! épisode Bush vient dîner.
La chanson est présentée dans le téléfilm d'animation de 1987 Down and Out avec Donald Duck.
Dans la saison 7 de l'émission de téléréalité American Idol, les neuf meilleurs candidats ont interprété la chanson.
En 2016, Winn-Dixie a retravaillé « 9 to 5 » en « Down, Down, Down », dans une campagne télévisée annonçant les nouveaux prix plus bas dans tout le magasin.
Dans Life of Mo de Jock, la chanson d'ouverture "Man of Mine" est une parodie de "9 to 5".
Personnel
*Dolly Parton - chant
*Jeff Baxter, Martin K. Walsh - guitares
*Abraham LaBoriel - basse
*Larry Knechtel – piano
*Richard Schlosser - batterie
*Léonard Castro - percussions
*William Reichenbach - trombone
*Tom Salviano - saxophone
*Kim S. Hutchroft - saxophone baryton
*Jerry Hey - trompette
*Denise Maynelli, Stephanie Sprull - chants de fond
Performances graphiques | http://quiz4free.com/ |
Combien de films de James Bond Pierce Brosnan a-t-il tourné ? | 4 | [
"La série de films James Bond est une série britannique de films d'espionnage basée sur le personnage fictif de l'agent du MI6 James Bond, \"007\", qui est apparu à l'origine dans une série de livres de Ian Fleming. Il s'agit de l'une des séries de films les plus longues de l'histoire, ayant été en production de 1962 à nos jours (avec une interruption de six ans entre 1989 et 1995). Au cours de cette période, Eon Productions a produit 24 films, la plupart aux Pinewood Studios. Avec un montant total de plus de 7 milliards de dollars à ce jour, les films produits par Eon constituent la troisième série de films la plus rentable, derrière les films Harry Potter et Marvel Cinematic Universe (en tenant compte des effets de l'inflation, les films Bond sont les plus rentables). série amassant plus de 13 milliards de dollars aux prix de 2011/2012). Six acteurs ont incarné 007 dans la série Eon, le dernier en date étant Daniel Craig.",
"Albert R. Broccoli et Harry Saltzman ont coproduit la plupart des films Eon jusqu'en 1975, date à laquelle Broccoli est devenu l'unique producteur. La seule exception au cours de cette période était Thunderball, sur lequel Broccoli et Saltzman sont devenus producteurs exécutifs tandis que Kevin McClory produisait. De 1984 à 1989, Broccoli a été rejoint par son beau-fils Michael G. Wilson en tant que producteur jusqu'en 1995, date à laquelle Albert Broccoli s'est retiré d'Eon et a été remplacé par sa fille Barbara, qui coproduit depuis avec Wilson. L'entreprise familiale de Broccoli (et jusqu'en 1975, celle de Saltzman), Danjaq, est propriétaire de la série par l'intermédiaire d'Eon et en maintient la copropriété avec United Artists depuis le milieu des années 1970. La série Eon a connu une continuité tant au niveau des acteurs principaux que des équipes de production, avec des réalisateurs, scénaristes, compositeurs, décorateurs et autres employés dans un certain nombre de films.",
"Indépendamment de la série Eon, il y a eu trois productions supplémentaires avec le personnage de James Bond : une adaptation télévisée américaine de 1954, Casino Royale, produite par CBS ; une parodie de 1967, Casino Royale, produite par Charles K. Feldman ; et un remake de Thunderball de 1983 intitulé Never Say Never Again, produit par Jack Schwartzman, qui avait obtenu les droits du film auprès de McClory.",
"En 1954, la chaîne de télévision américaine CBS versa à Ian Fleming 1 000 $ (en dollars) pour obtenir les droits permettant de transformer son premier roman, Casino Royale, en une aventure télévisée d'une heure dans le cadre de la série d'anthologies dramatiques Climax Mystery Theatre, diffusée entre octobre 1954 et juin 1958. Il a été adapté au cinéma par Anthony Ellis et Charles Bennett ; Bennett était bien connu pour ses collaborations avec Alfred Hitchcock, notamment The 39 Steps et Sabotage. En raison de la restriction d'une pièce d'une heure, la version adaptée a perdu de nombreux détails trouvés dans le livre, même si elle a conservé sa violence, en particulier dans l'acte III. L'épisode \"Casino Royale\" d'une heure, mettant en vedette l'acteur américain Barry Nelson dans le rôle de Bond et Peter Lorre dans le rôle du méchant Le Chiffre, a été diffusé le 21 octobre 1954 en direct.",
"Albert R. Brocoli et Harry Saltzman (1962-1964)",
"Doigt d'or (1964)",
"Avec des recettes mondiales au box-office de 141,2 millions de dollars, Thunderball est devenu le film le plus rentable et a conservé le record jusqu'à ce qu'il soit dépassé par L'Espion qui m'aimait douze ans plus tard ; ajusté à l'inflation, il est resté l'entrée la plus réussie jusqu'à la sortie de Skyfall en 2012. Dans le cadre du contrat avec Eon, McClory a reçu 20 % des bénéfices du film et s'est engagé à ne produire aucun autre film basé sur l'histoire de Thunderball pendant une période de dix ans. années après la sortie de la version produite par Eon en 1965.",
"Le tournage a commencé à Pinewood le 4 juillet 1966 avant de déménager au Japon le 27 juillet pour un tournage de six semaines. L'intérêt des Japonais locaux pour le tournage était élevé et l'équipe a dû faire face à de grandes foules tout au long du processus. Connery, cependant, était quelque peu résigné au projet, manquant de l'enthousiasme qu'il arborait pour Thunderball. La conférence de presse organisée à son arrivée avait été tendue, \"altérée par des remises en question agressives sur l'apparence froissée et en décalage horaire de Connery\". La photographie primaire et secondaire s'est terminée en décembre ; le tournage des effets spéciaux des scènes spatiales a été réalisé entre janvier et mars 1967, avant la sortie du film le 12 juin.",
"L'Homme au pistolet d'or (1974)",
"Le 6 novembre 1973, le tournage commença au RMS Queen Elizabeth, qui faisait office de base top-secrète du MI6 ancrée dans le port de Victoria à Hong Kong. La majeure partie du tournage principal a commencé en avril 1974 en Thaïlande. Les sites thaïlandais comprenaient Bangkok, Thonburi, Phuket et la province voisine de Phang Nga, sur les îles de Ko Khao Phing Kan () et Ko Tapu (). Fin avril, la production est revenue à Hong Kong et a également été tournée à Macao. La production a dû passer au travail en studio aux Pinewood Studios, qui comprenaient des décors tels que la centrale solaire de Scaramanga et l'intérieur de l'île.",
"Albert R. Brocoli (1975-1984)",
"Eon Productions avait initialement prévu de suivre L'espion qui m'aimait avec une adaptation de Rien que pour vos yeux, bien que ce plan ait changé quelques semaines après la sortie de 1977, suite au succès au box-office du film sur le thème spatial de 1977 Guerres des étoiles. Avec un budget de 34 millions de dollars, Moonraker a coûté plus du double de tous les films Bond précédents, bien que Broccoli et United Artists aient accepté les coûts en raison des bénéfices de The Spy Who Loved Me."
] | La série de films James Bond est une série britannique de films d'espionnage basée sur le personnage fictif de l'agent du MI6 James Bond, "007", qui est apparu à l'origine dans une série de livres de Ian Fleming. Il s'agit de l'une des séries de films les plus longues de l'histoire, ayant été en production de 1962 à nos jours (avec une interruption de six ans entre 1989 et 1995). Au cours de cette période, Eon Productions a produit 24 films, la plupart aux Pinewood Studios. Avec un montant total de plus de 7 milliards de dollars à ce jour, les films produits par Eon constituent la troisième série de films la plus rentable, derrière les films Harry Potter et Marvel Cinematic Universe (en tenant compte des effets de l'inflation, les films Bond sont les plus rentables). série amassant plus de 13 milliards de dollars aux prix de 2011/2012). Six acteurs ont incarné 007 dans la série Eon, le dernier en date étant Daniel Craig.
Albert R. Broccoli et Harry Saltzman ont coproduit la plupart des films Eon jusqu'en 1975, date à laquelle Broccoli est devenu l'unique producteur. La seule exception au cours de cette période était Thunderball, sur lequel Broccoli et Saltzman sont devenus producteurs exécutifs tandis que Kevin McClory produisait. De 1984 à 1989, Broccoli a été rejoint par son beau-fils Michael G. Wilson en tant que producteur jusqu'en 1995, date à laquelle Albert Broccoli s'est retiré d'Eon et a été remplacé par sa fille Barbara, qui coproduit depuis avec Wilson. L'entreprise familiale de Broccoli (et jusqu'en 1975, celle de Saltzman), Danjaq, est propriétaire de la série par l'intermédiaire d'Eon et en maintient la copropriété avec United Artists depuis le milieu des années 1970. La série Eon a connu une continuité tant au niveau des acteurs principaux que des équipes de production, avec des réalisateurs, scénaristes, compositeurs, décorateurs et autres employés dans un certain nombre de films.
De la sortie de Dr No (1962) à For Your Eyes Only (1981), les films ont été distribués uniquement par United Artists. Lorsque Metro-Goldwyn-Mayer a absorbé United Artists en 1981, MGM/UA Entertainment Co. a été créée et a distribué les films jusqu'en 1995. MGM n'a distribué que trois films de 1997 à 2002 après que United Artists ait pris sa retraite en tant que studio grand public. De 2006 à aujourd'hui, MGM et Columbia Pictures ont codistribué la série de films, suite à l'acquisition en 2005 de MGM par un consortium dirigé par la société mère de Columbia, Sony Pictures Entertainment. En novembre 2010 ; MGM a déposé son bilan ; suite à sa sortie de l'insolvabilité, Columbia a été partenaire de coproduction de la série avec Danjaq jusqu'à ce que les droits de distribution de Sony sur la franchise prennent fin avec la sortie de Spectre.
Indépendamment de la série Eon, il y a eu trois productions supplémentaires avec le personnage de James Bond : une adaptation télévisée américaine de 1954, Casino Royale, produite par CBS ; une parodie de 1967, Casino Royale, produite par Charles K. Feldman ; et un remake de Thunderball de 1983 intitulé Never Say Never Again, produit par Jack Schwartzman, qui avait obtenu les droits du film auprès de McClory.
Développement
Adaptation du premier écran
En 1954, la chaîne de télévision américaine CBS versa à Ian Fleming 1 000 $ (en dollars) pour obtenir les droits permettant de transformer son premier roman, Casino Royale, en une aventure télévisée d'une heure dans le cadre de la série d'anthologies dramatiques Climax Mystery Theatre, diffusée entre octobre 1954 et juin 1958. Il a été adapté au cinéma par Anthony Ellis et Charles Bennett ; Bennett était bien connu pour ses collaborations avec Alfred Hitchcock, notamment The 39 Steps et Sabotage. En raison de la restriction d'une pièce d'une heure, la version adaptée a perdu de nombreux détails trouvés dans le livre, même si elle a conservé sa violence, en particulier dans l'acte III. L'épisode "Casino Royale" d'une heure, mettant en vedette l'acteur américain Barry Nelson dans le rôle de Bond et Peter Lorre dans le rôle du méchant Le Chiffre, a été diffusé le 21 octobre 1954 en direct.
Productions Éon
Albert R. Brocoli et Harry Saltzman (1962-1964)
En 1959, le producteur Albert R. "Cubby" Broccoli de Warwick Films a exprimé son intérêt pour l'adaptation des romans de Bond, mais son collègue Irving Allen n'était pas enthousiaste. En juin 1961, Fleming vendit une option de six mois sur les droits cinématographiques de ses romans et nouvelles de James Bond publiés et futurs à Harry Saltzman, à l'exception de Casino Royale, qu'il avait précédemment vendu. Vers la fin de la période d'option de Saltzman, le scénariste Wolf Mankowitz lui a présenté Broccoli, et Saltzman et Broccoli ont formé Eon Productions avec l'intention de réaliser le premier film Bond. Un certain nombre de studios hollywoodiens n'ont pas voulu financer ces films, les trouvant "trop britanniques" ou "trop ouvertement sexuels". Finalement, les deux hommes ont signé un accord avec United Artists pour un soutien financier à 100 % et la distribution de sept films, avec un financement de 1 million de dollars pour le premier long métrage. Saltzman et Broccoli ont également créé la société Danjaq, qui devait détenir les droits sur les films qu'Eon Productions devait produire.
Eon avait initialement prévu de filmer d'abord le roman de Fleming, Thunderball, mais Kevin McClory a poursuivi Fleming devant la Haute Cour de Londres pour violation du droit d'auteur sur le livre, et Eon a donc décidé de filmer Dr. No en premier.
Dr Non (1962)
Eon a demandé à plusieurs réalisateurs – Bryan Forbes, Guy Green, Val Guest et Guy Hamilton – de réaliser le film, mais tous ont refusé, avant que Terence Young n'accepte. Eon avait initialement engagé Wolf Mankowitz et Richard Maibaum pour écrire le scénario de Dr Nos, en partie grâce à l'aide de Mankowitz dans la négociation de l'accord entre Broccoli et Saltzman. Une première ébauche du scénario a été rejetée parce que les scénaristes avaient fait du méchant, le Dr No, un singe, et Mankowitz a quitté le film. Maibaum entreprend alors une seconde version, plus proche du roman ; Johanna Harwood et Berkely Mather ont ensuite travaillé sur le scénario de Maibaum, Harwood étant notamment décrit comme un médecin du scénario crédité d'avoir amélioré les caractérisations britanniques.
Pour jouer le rôle principal de Bond, Sean Connery n'était pas le premier choix de Broccoli ou Fleming, mais il a été sélectionné après que Patrick McGoohan ait refusé le rôle et qu'Eon ait rejeté Richard Johnson. Après que Connery ait été choisi, Terence Young a emmené l'acteur chez son tailleur et son coiffeur et lui a fait découvrir la grande vie, les restaurants, les casinos et les femmes de Londres. Selon les mots de l'écrivain de Bond Raymond Benson, Young a éduqué l'acteur « de manière à être pimpant, plein d'esprit et surtout cool ».
Le tournage a eu lieu en Jamaïque entre le 16 janvier et le 21 février 1962 ; cinq jours plus tard, le tournage a commencé aux Pinewood Studios en Angleterre avec des décors conçus par Ken Adam, qui avait déjà travaillé avec Broccoli sur le film de 1960 Les Essais d'Oscar Wilde. Maurice Binder a créé la séquence titre et introduit le motif du canon du pistolet qui apparaît dans tous les films d'Eon Bond. Monty Norman a écrit la bande originale qui l'accompagnait, qui comprenait le "Thème James Bond", entendu dans la séquence du canon du pistolet et dans un medley de calypso au générique du titre ; le thème a été décrit par un autre compositeur du film Bond, David Arnold, comme "une ambiance bebop-swing couplée à cette guitare électrique vicieuse, sombre et déformée, définitivement un instrument de rock'n'roll ... il représentait tout sur le personnage que vous voudriez". vouloir : C'était arrogant, fanfaron, confiant, sombre, dangereux, suggestif, sexy, imparable et il l'a fait en deux minutes. Le thème a été arrangé par John Barry, qui n'a pas été crédité pour l'arrangement mais crédité pour sa performance.
De Russie avec amour (1963)
Après le succès financier de Dr. No, United Artists a doublé le budget offert à Eon Productions, le portant à 2 millions de dollars pour le prochain film de la société, From Russia with Love. Le film a été tourné en Europe, qui s'est avéré être le marché le plus rentable pour Dr. No. La plupart de l'équipe du premier film est revenue, à l'exception majeure du chef décorateur Ken Adam, qui est allé travailler sur Dr. Strangelove et a été remplacé par le directeur artistique du Dr Nos, Syd Cain, et par le concepteur du titre, Maurice Binder, qui a été remplacé par Robert Brownjohn.
Le scénariste original du film était Len Deighton, mais il a été remplacé en raison de la lenteur de ses progrès. Deux des écrivains du Dr No, Richard Maibaum et Johanna Harwood, ont été recrutés, Maibaum recevant le seul crédit d'écriture et Harwood étant crédité pour « l'adaptation ». From Russia with Love est le premier film Bond de la série avec John Barry comme principal compositeur de la bande originale, bien que Lionel Bart ait écrit la chanson titre "From Russia with Love", chantée par Matt Monro. Le tournage principal a commencé le 1er avril 1963 et s'est terminé le 23 août. Le tournage a eu lieu en Turquie, aux studios Pinewood et à Venise, l'Écosse et la Suisse doublant le voyage de l'Orient Express à travers l'Europe de l'Est.
Doigt d'or (1964)
Alors que les deux films précédents s'étaient concentrés sur les Caraïbes et l'Europe, Goldfinger a été choisi par Eon pour le troisième film, en pensant au marché du cinéma américain. Parce que Terence Young s'est vu refuser une part des bénéfices, il a refusé de diriger Goldfinger et a plutôt travaillé sur Les Aventures amoureuses de Moll Flanders, bien qu'il ait effectué quelques travaux de pré-production avant de partir. À sa place, Eon s'est tourné vers Guy Hamilton pour réaliser ; il tenait à injecter des éléments d'humour dans la série, à avoir plus de gadgets et à construire des décors plus grands et plus élégants.
Eon s'est de nouveau tourné vers Richard Maibaum pour le scénario, bien que Paul Dehn ait ensuite été présenté pour des réécritures. Après avoir manqué From Russia with Love, Ken Adam est revenu en tant que chef décorateur. L'imagination d'Adam a donné l'idée d'or empilé sur or derrière des barres de fer pour les scènes du United States Bullion Depository. Saltzman n'aimait pas la ressemblance de la conception avec une prison, mais Hamilton l'aimait suffisamment pour qu'elle soit construite.
Robert Brownjohn est revenu pour développer la séquence de générique d'ouverture, qui présentait des extraits des trois films Bond projetés sur le corps de l'actrice Margaret Nolan. Son design a été inspiré par la lumière projetée sur le corps des gens lorsqu'ils se levaient et quittaient un cinéma.
Le tournage principal de Goldfinger a commencé à Miami, à l'hôtel Fontainebleau ; l'équipe était petite, composée uniquement de Hamilton, Broccoli, Adam et du directeur de la photographie Ted Moore. Après cinq jours en Floride, la production a déménagé en Angleterre. Le lieu principal était Pinewood Studios, qui abritait des décors comprenant une reconstitution de Fontainebleau, la ville sud-américaine de la séquence pré-titre, ainsi que le domaine et l'usine de Goldfinger. Ian Fleming a visité le tournage de Goldfinger et est décédé en août, peu avant la sortie du film. La deuxième unité a été tournée dans le Kentucky, et ces plans ont été montés en scènes tournées à Pinewood. Le tournage principal a ensuite déménagé en Suisse pour la poursuite en voiture et des images supplémentaires pour la séquence d'usine de Goldfinger. Le tournage s'est terminé à Andermatt, après dix-neuf semaines de tournage.
Kevin McClory (1965)
Lors de l'écriture de ses romans, Ian Fleming a toujours pensé qu'ils pouvaient être adaptés au cinéma et il a contacté le producteur Sir Alexander Korda pour réaliser une adaptation cinématographique de Live and Let Die ou de Moonraker. Bien que Korda ait été initialement intéressé, il s'est ensuite retiré. Le 1er octobre 1959, il fut annoncé que Fleming écrirait un scénario original mettant en vedette Bond pour le producteur Kevin McClory. Jack Whittingham a également travaillé sur le scénario, aboutissant à un scénario intitulé James Bond, agent secret. Cependant, Alfred Hitchcock et Richard Burton ont respectivement refusé les rôles de réalisateur et de star. McClory n'a pas été en mesure d'obtenir le financement du film et l'accord a échoué. Fleming a ensuite utilisé l'histoire pour son roman Thunderball (1961), et McClory n'a pas réussi à faire arrêter sa publication. Le 19 novembre 1963, il porta l'affaire devant la Division de la Chancellerie de la Haute Cour dans l'affaire McClory contre Fleming, mais réglé le 9 décembre 1963, après neuf jours de procès. McClory a obtenu les droits littéraires et cinématographiques du scénario, tandis que Fleming a obtenu les droits du roman, même s'il a dû être reconnu comme étant "basé sur un traitement scénique de Kevin McClory, Jack Whittingham et l'auteur".
Tonnerre (1965)
Après From Russia with Love, Eon avait envisagé d'entreprendre une adaptation de Au service secret de Sa Majesté ou de Casino Royale. Ils entrèrent en négociations avec Charles K. Feldman, qui détenait les droits sur ce dernier, mais un accord s'avéra trop difficile à conclure. Au lieu de cela, Eon s'est tourné vers le roman Thunderball. Bien qu'Eon ait voulu adapter le livre en 1962, cela n'a pas été possible tant que les obstacles juridiques n'ont pas été levés. À la suite du règlement du procès pour violation du droit d'auteur intenté par Kevin McClory, Eon a négocié avec McClory pour réaliser Thunderball. McClory a reçu le seul crédit de producteur du film, tandis que Broccoli et Saltzman ont pris le titre de producteur exécutif, bien que "en réalité, les trois hommes agiraient essentiellement en tant que producteurs". Broccoli a déclaré plus tard à propos du partenariat à trois: "Nous ne voulions pas que quelqu'un d'autre fasse Thunderball ... Nous avions le sentiment que si quelqu'un d'autre venait et faisait son propre film Bond, cela aurait été mauvais pour notre série" .
Guy Hamilton a été invité à diriger à nouveau, mais a refusé, estimant qu'il était "vidé d'idées ... Je n'avais rien à contribuer tant que je n'avais pas rechargé les batteries" ; Terence Young est revenu à la réalisation après la pause de Goldfinger. Le scénario original de Richard Maibaum de 1961 a été utilisé comme base du scénario, qu'il a ensuite réécrit, avec d'autres révisions par John Hopkins. Le tournage principal débute à Paris le 16 février 1965 et s'installe à Nassau le 22 mars, avant de se terminer aux Pinewood Studios en mai.
Avec des recettes mondiales au box-office de 141,2 millions de dollars, Thunderball est devenu le film le plus rentable et a conservé le record jusqu'à ce qu'il soit dépassé par L'Espion qui m'aimait douze ans plus tard ; ajusté à l'inflation, il est resté l'entrée la plus réussie jusqu'à la sortie de Skyfall en 2012. Dans le cadre du contrat avec Eon, McClory a reçu 20 % des bénéfices du film et s'est engagé à ne produire aucun autre film basé sur l'histoire de Thunderball pendant une période de dix ans. années après la sortie de la version produite par Eon en 1965.
Albert R. Brocoli et Harry Saltzman (1967-1975)
On ne vit que deux fois (1967)
Après l'interruption de McClory en tant que producteur, Albert Broccoli et Harry Saltzman sont revenus à nouveau pour produire. Les quatre premiers films Bond avaient été populaires au Japon et Eon a décidé de profiter du marché en produisant You Only Live Twice. Le film incluait des éléments progressistes de la culture japonaise en arrière-plan.
Lewis Gilbert a été nommé réalisateur et Ken Adam est revenu en tant que décorateur; Adam a construit un refuge volcanique pour le principal antagoniste, Ernst Stavro Blofeld, à Pinewood pour 1 million de dollars (en dollars) ; c'était à l'époque le plus grand plateau de tournage d'Europe. Gilbert, Broccoli, Saltzman, Ken Adam et le directeur de la photographie Freddie Young se sont ensuite rendus au Japon, passant trois semaines à chercher des lieux. À Tokyo, l'équipage a croisé la route de Peter R. Hunt, qui était en vacances. Hunt avait monté les quatre premiers films de Bond et il a été invité à réaliser le deuxième opus. Le budget total du film était de 10,3 millions de dollars (59,9 millions de dollars en dollars de 2005).
Initialement, le scénariste devait être Harold Jack Bloom, bien qu'il ait ensuite été remplacé par Roald Dahl, qui avait peu d'expérience en scénarisation. You Only Live Twice a été le premier film de Bond à abandonner la prémisse de l'intrigue du matériel source de Fleming, bien que le film conserve le titre, le décor japonais, l'utilisation de Blofeld comme méchant principal et d'une Bond girl nommée Kissy Suzuki du roman.
Le tournage a commencé à Pinewood le 4 juillet 1966 avant de déménager au Japon le 27 juillet pour un tournage de six semaines. L'intérêt des Japonais locaux pour le tournage était élevé et l'équipe a dû faire face à de grandes foules tout au long du processus. Connery, cependant, était quelque peu résigné au projet, manquant de l'enthousiasme qu'il arborait pour Thunderball. La conférence de presse organisée à son arrivée avait été tendue, "altérée par des remises en question agressives sur l'apparence froissée et en décalage horaire de Connery". La photographie primaire et secondaire s'est terminée en décembre ; le tournage des effets spéciaux des scènes spatiales a été réalisé entre janvier et mars 1967, avant la sortie du film le 12 juin.
Les affiches de cinéma du film indiquaient "Sean Connery IS James Bond", pour éloigner l'image produite par Eon du film indépendant Casino Royale, sorti deux mois plus tôt. Cependant, pendant la production, Connery a annoncé que ce serait son dernier film en tant que Bond, laissant Broccoli dire à Alan Whicker : « Ce ne sera en aucun cas le dernier Bond - avec tout le respect que je dois à Sean, qui, je pense, a été certainement le meilleur homme pour jouer ce rôle. Nous allons, à notre manière, essayer de continuer la série Bond pour le public car c'est trop important".
Au service secret de Sa Majesté (1969)
George Lazenby a été engagé pour jouer Bond pour OHMSS. Entre Sean Connery qui a donné son avis au début du tournage de You Only Live Twice et sa sortie, Saltzman avait prévu d'adapter L'Homme au pistolet d'or au Cambodge et d'utiliser Roger Moore comme prochain Bond, mais l'instabilité politique a fait que le lieu a été exclu. et Moore s'est inscrit à une autre série du programme télévisé The Saint. Après la sortie de You Only Live Twice en 1967, les producteurs ont de nouveau choisi Au service secret de Sa Majesté, souvent retardé, qui avait auparavant été considéré comme suivant à la fois Goldfinger puis Thunderball.
Peter Hunt, qui avait travaillé sur les cinq films précédents, avait suffisamment impressionné Broccoli et Saltzman pour mériter ses débuts en tant que réalisateur, car ils pensaient que son montage rapide avait défini le style de la série ; c'était aussi le résultat d'une promesse de longue date de Broccoli et Saltzman d'avoir l'opportunité de réaliser. Hunt a également demandé le poste lors de la production de Chitty Chitty Bang Bang, et il a amené avec lui de nombreux membres de l'équipe, dont le directeur de la photographie Michael Reed. Hunt se concentrait sur le fait de laisser sa marque, en disant: "Je voulais que ce soit différent de n'importe quel autre film de Bond. C'était mon film, pas celui de quelqu'un d'autre". Au service secret de Sa Majesté était le dernier film sur lequel Hunt a travaillé dans la série.
Le scénariste Richard Maibaum, qui a travaillé sur les quatre premiers films Bond, est revenu en tant que scénariste. Saltzman et Broccoli ont décidé d'abandonner les gadgets de science-fiction des films précédents et de se concentrer davantage sur l'intrigue comme dans From Russia With Love. Peter Hunt a demandé à Simon Raven d'écrire une partie du dialogue entre la comtesse Teresa "Tracy" di Vicenzo et Blofeld dans Piz Gloria, qui devait être "plus net, meilleur et plus intellectuel" ; Les ajouts de Raven comprenaient la réécriture de la scène de la proposition et la citation de Tracy James Elroy Flecker. Syd Cain a succédé à Ken Adam en tant que chef décorateur alors qu'Eon a décidé de ne pas avoir les décors plus grands d'Adam pour réduire le budget du film à 7 millions de dollars, contre 10,3 millions de dollars nécessaires pour réaliser You Only Live Twice.
Le tournage principal a commencé dans le canton de Berne, en Suisse, le 21 octobre 1968, la première scène tournée étant une vue aérienne de Bond montant les escaliers de la retraite de montagne de Blofeld. Les scènes ont été tournées au sommet du désormais célèbre restaurant tournant Piz Gloria, situé au sommet du Schilthorn, près du village de Mürren. Le lieu a été trouvé par le directeur de production Hubert Fröhlich après trois semaines de repérages en France et en Suisse. Le tournage en Suisse s'est finalement déroulé avec 56 jours de retard. En mars 1969, la production a déménagé en Angleterre, les studios Pinewood de Londres étant utilisés pour le tournage en intérieur et la maison de M étant tournée à Marlow, dans le Buckinghamshire. En avril, les cinéastes se sont rendus au Portugal, où le tournage principal s'est terminé en mai. Le tournage s'est terminé le 23 juin, soit deux mois plus tard que prévu, en grande partie à cause du chaud hiver suisse, qui avait gêné le tournage.
À mi-chemin de la production, agissant sur les conseils de son agent Ronan O'Rahilly, George Lazenby a annoncé qu'il n'allait pas continuer à incarner Bond dans les prochains films, et il a quitté le rôle avant la sortie en décembre 1969 de Au service secret de Sa Majesté.
Les diamants sont éternels (1971)
Bien qu'Eon ait retenu les services de John Gavin pour jouer le rôle de Bond, le chef d'United Artists, David Picker, n'était pas satisfait de cette décision et a demandé au producteur associé Stanley Sopel de négocier un accord avec Connery qui prévoyait que l'acteur recevrait 1,25 million de dollars (millions de dollars en 2017). dollars) et 12,5% du brut. Le salaire de Connery représentait une part importante du budget de 7,2 millions de dollars.
Les producteurs avaient initialement prévu que Diamonds Are Forever recrée les aspects commercialement réussis de Goldfinger, ils ont donc embauché le réalisateur Guy Hamilton. Richard Maibaum est également revenu pour écrire le scénario ; la première ébauche envisageait le retour du portraitiste d'Auric Goldfinger, Gert Fröbe, cette fois dans le rôle du frère jumeau de Goldfinger. Maibaum a également écrit un point culminant pour le film qui consistait en la poursuite du nouveau Goldfinger à travers le lac Mead par les habitants de Las Vegas, le tout étant coordonné par Bond. À l'automne 1970, Tom Mankiewicz fut embauché pour entreprendre des réécritures, qui comprenaient la suppression du frère de Goldfinger et la finale de Lake Mead.
Le tournage a commencé le 5 avril 1971 avec le désert près de Las Vegas doublé pour les scènes sud-africaines, suivi du tournage dans le désert du Grand Bassin, au Nevada en mai pour les scènes dans lesquelles Bond conduit un buggy lunaire. Le 7 juin, la production a été transférée aux Pinewood Studios pour le tournage sur les plateaux du retour de Ken Adams ; ses sets s'étalaient sur quatre des scènes de Pinewood. Le tournage a également eu lieu à Londres, Douvres, Southampton, Amsterdam et dans le sud de la France ; le tournage principal s'est terminé le 13 août 1971.
Vivre et laisser mourir (1973)
Pendant le tournage de Diamonds Are Forever, Live and Let Die a été choisi comme prochain roman de Ian Fleming à adapter parce que le scénariste Tom Mankiewicz pensait qu'il serait audacieux d'utiliser des méchants noirs, car les Black Panthers et d'autres mouvements raciaux étaient actifs à cette époque. Le nouvel acteur de Bond sélectionné par Eon était Roger Moore, et il essayait de ne pas imiter ni son prédécesseur Sean Connery ni sa propre performance en tant que Simon Templar dans The Saint ; Mankiewicz a adapté le scénario pour mettre en valeur le personnage de Moore en lui donnant plus de scènes de comédie et en créant une atmosphère légère pour Bond. Guy Hamilton a de nouveau été choisi pour réaliser et Mankiewicz a suggéré de filmer à la Nouvelle-Orléans, car il savait que Hamilton était un fan de jazz. Hamilton ne voulait pas utiliser Mardi Gras, car Thunderball présentait Junkanoo, un festival similaire. Après plus de discussions avec l'écrivain et des recherches plus approfondies, il a décidé d'utiliser deux caractéristiques bien connues de la ville, les funérailles de jazz et les canaux. En cherchant des endroits en Jamaïque, l'équipage a découvert une ferme de crocodiles appartenant à Ross Kananga, après avoir passé un panneau avertissant que "les intrus seront mangés". La ferme a été intégrée au scénario et a également inspiré Mankiewicz à donner au méchant du film le nom de Kananga. Avec la montée en popularité des films de Blaxploitation au début des années 1970, il a été décidé d'emprunter des éléments du genre pour Live and Let Die.
Syd Cain est revenu en tant que directeur artistique et a participé à la recherche de lieux avec Guy Hamilton en mars 1972. Le tournage principal a commencé le 13 octobre 1972 dans le Bayou irlandais en Louisiane pour une scène de poursuite en bateau. Le 29 novembre, la production a été transférée en Jamaïque, qui a doublé pour l'île fictive de San Monique, la maison de l'antagoniste Kananga. En décembre, la production a été divisée entre les intérieurs des studios Pinewood, tandis qu'une unité distincte a également été tournée à Harlem.
John Barry, qui avait travaillé sur les cinq films précédents, n'était pas disponible pendant la production. Broccoli et Saltzman ont plutôt demandé à Paul McCartney d'écrire la chanson thème. Étant donné que le salaire de McCartney de 15 000 $ (plus les redevances) était élevé et qu'un autre compositeur de la stature de Barry ne pouvait pas être embauché avec le reste du budget musical, George Martin, qui avait peu d'expérience en musique de film, a été embauché.
L'Homme au pistolet d'or (1974)
Le film de L'Homme au pistolet d'or a vu un changement de lieu par rapport au roman du même nom pour placer Bond en Extrême-Orient pour la deuxième fois. Après avoir considéré Beyrouth, où se déroule une partie du film ; l'Iran, où les repérages ont été effectués mais ont finalement été abandonnés en raison de la guerre du Kippour ; et la baie de Hạ Long au Vietnam, l'équipe de production a choisi la Thaïlande comme lieu principal, suite à une suggestion du décorateur Peter Murton après avoir vu des photos de la baie de Phuket dans un magazine. Saltzman était satisfait du choix de l'Extrême-Orient comme décor, car il avait toujours voulu se rendre en Thaïlande et à Hong Kong. Lors de la reconnaissance des lieux à Hong Kong, Broccoli a aperçu l'épave partiellement immergée du premier et a eu l'idée de l'utiliser comme base pour les opérations du MI6 en Extrême-Orient.
Tom Mankiewicz a écrit une première ébauche du scénario en 1973, livrant un scénario qui était une bataille de volontés entre Bond et le méchant principal Francisco Scaramanga, qu'il considérait comme l'alter ego de Bond, "un super-méchant de la stature de Bond lui-même". . Les tensions entre Mankiewicz et Guy Hamilton ont conduit Richard Maibaum à prendre en charge les tâches de scénarisme. Maibaum, qui avait déjà travaillé sur six films Bond, a livré sa propre version basée sur le travail de Mankiewicz. Le beau-fils de Broccoli, Michael G. Wilson, a fait des recherches sur l'énergie solaire pour créer le MacGuffin du « Solex Agitator ». Alors que Vivre et laisser mourir avait beaucoup emprunté au genre de la blaxploitation, L'Homme au pistolet d'or s'est inspiré du genre des arts martiaux qui était populaire dans les années 1970.
Le 6 novembre 1973, le tournage commença au RMS Queen Elizabeth, qui faisait office de base top-secrète du MI6 ancrée dans le port de Victoria à Hong Kong. La majeure partie du tournage principal a commencé en avril 1974 en Thaïlande. Les sites thaïlandais comprenaient Bangkok, Thonburi, Phuket et la province voisine de Phang Nga, sur les îles de Ko Khao Phing Kan () et Ko Tapu (). Fin avril, la production est revenue à Hong Kong et a également été tournée à Macao. La production a dû passer au travail en studio aux Pinewood Studios, qui comprenaient des décors tels que la centrale solaire de Scaramanga et l'intérieur de l'île.
John Barry est revenu pour composer la partition, mais n'a eu que trois semaines pour terminer le travail, et le thème et la partition sont généralement considérés par les critiques comme étant parmi les plus faibles des contributions de Barry à la série - une opinion partagée par Barry lui-même : « C'est celui que je déteste le plus ... cela ne m'est tout simplement jamais arrivé".
Albert R. Brocoli (1975-1984)
Après L'Homme au pistolet d'or, le producteur Harry Saltzman a vendu sa participation de 50 % dans la société mère d'Eon Productions, Danjaq, à United Artists pour atténuer ses problèmes financiers, provoqués par des contraintes financières suite au ralentissement de la fortune de Technicolor, dans lequel il avait investi massivement. Les légalités qui en ont résulté sur la propriété Bond ont retardé la production du prochain film de Bond, L'espion qui m'aimait.
L'espion qui m'aimait (1977)
Guy Hamilton devait initialement succéder à L'Homme au pistolet d'or avec L'espion qui m'aimait, mais a plutôt refusé Eon Productions pendant la pré-production après s'être vu offrir l'opportunité de réaliser le film Superman de 1978, bien qu'il ait finalement été laissé de côté. pour Richard Donner. Eon s'est ensuite tourné vers Lewis Gilbert, qui avait réalisé le précédent film de Bond, You Only Live Twice. Broccoli a chargé un certain nombre d'écrivains de travailler sur le scénario, dont Stirling Silliphant, John Landis, Ronald Hardy, Anthony Burgess et Derek Marlowe, mais Richard Maibaum a rédigé la première ébauche du scénario, avec quelques inclusions des scénaristes précédents. Lorsque Lewis Gilbert a été embauché pour diriger, il a amené avec lui Christopher Wood pour réviser le projet de Maibaum. Le projet préparé par Wood a été contesté devant le tribunal par Kevin McClory, qui a allégué une violation basée sur l'utilisation de ce qu'il prétendait être ses droits dans SPECTRE et le personnage de Blofeld. Eon a contesté l'affirmation de McClory mais a demandé à Wood de supprimer l'organisation et le personnage du scénario.
Ken Adam est revenu en tant que chef décorateur. Comme aucune scène de studio n'était assez grande pour l'intérieur du superpétrolier du méchant Karl Stromberg, en mars 1976 commença la construction d'une nouvelle scène sonore à Pinewood, la scène 007, qui coûta 1,8 million de dollars et devint la plus grande scène du monde. Contrairement au décor de cratère volcanique qu'Adam avait construit pour You Only Live Twice en 1966 – qu'Adam avait qualifié de « décor réalisable mais finalement inutile » – la scène 007 serait une structure permanente qui pourrait être louée à d'autres productions. Le tournage secondaire a commencé en juillet 1976 sur l'île de Baffin, où a été filmé le saut à ski du générique d'ouverture. Le tournage principal a commencé en Sardaigne en août 1976, puis en Égypte peu de temps après. D'autres tournages ont eu lieu en Sardaigne, à Malte, au Japon, en Suisse et à la base sous-marine de Faslane. Le 5 décembre 1976, une fois le tournage principal terminé, la scène 007 a été officiellement inaugurée par l'ancien Premier ministre Harold Wilson.
John Barry ne pouvait pas travailler au Royaume-Uni en raison de problèmes fiscaux et a suggéré à Marvin Hamlisch de réaliser la musique du film. Hamlisch a composé "Nobody Does It Better" comme chanson thème; la partition et la chanson ont toutes deux été nominées aux Oscars et aux Golden Globe Awards.
Moonraker (1979)
Eon Productions avait initialement prévu de suivre L'espion qui m'aimait avec une adaptation de Rien que pour vos yeux, bien que ce plan ait changé quelques semaines après la sortie de 1977, suite au succès au box-office du film sur le thème spatial de 1977 Guerres des étoiles. Avec un budget de 34 millions de dollars, Moonraker a coûté plus du double de tous les films Bond précédents, bien que Broccoli et United Artists aient accepté les coûts en raison des bénéfices de The Spy Who Loved Me.
Lewis Gilbert a de nouveau été nommé réalisateur et un certain nombre de membres de l'équipe de The Spy Who Loved Me ont également rejoint la production. Gilbert et Tom Mankiewicz ont écrit l'histoire initiale, mais Christopher Wood en a fait le scénario final. De nombreuses idées de scénario sont nées à la suite de repérages de lieux, les chutes d'Iguazu ayant été identifiées comme lieu de tournage tandis que Broccoli était au Brésil pour la sortie de L'espion qui m'aimait.
Contrairement aux précédents films Bond, la production de Moonraker n'était pas basée à Pinewood, puisque Broccoli l'a transférée à Paris pour des raisons financières, bien que les scènes de l'intérieur du téléphérique et de l'extérieur de la bataille spatiale aient été tournées à Pinewood, avec l'équipe d'effets spéciaux de Derek Meddings. actif au Royaume-Uni tout au long de la production. Le tournage principal a débuté le 11 août 1978 à Paris. Les décors conçus par le chef décorateur de retour Ken Adam étaient les plus grands jamais construits en France et ont nécessité plus de 222 000 heures de travail (environ 1 000 heures par chacun des membres de l'équipe en moyenne). Une grande partie du film a été tournée dans les villes de Londres, Paris, Venise, Palmdale, Californie, Port St. Lucie, Floride et Rio de Janeiro. Le tournage principal s'est terminé à Paris le 27 février 1979, un programme de 28 semaines qui n'avait accordé à Roger Moore que trois jours de congé. John Barry a de nouveau été invité à composer la musique d'un film Eon.
Rien que pour vos yeux (1981)
For Your Eyes Only marque un changement dans l'équipe de production : John Glen est promu de ses fonctions de monteur à celles de réalisateur, poste qu'il occupera pour les quatre films suivants. Depuis que Ken Adam était occupé avec le film Pennies from Heaven, Peter Lamont, qui travaillait dans le département artistique depuis Goldfinger, a été promu chef décorateur. Suite à une suggestion de Glen, Lamont a créé des décors réalistes, au lieu des décors élaborés pour lesquels la série était connue.
Richard Maibaum était à nouveau le scénariste de l'histoire, assisté de Michael G. Wilson. Selon Wilson, les idées auraient pu venir de n'importe qui, car un comité comprenant Broccoli, Maibaum, Wilson, Glen et des coordinateurs de cascades a travaillé sur les grandes lignes. Une grande partie de l'inspiration pour les histoires du film est venue de deux nouvelles flamandes de la collection For Your Eyes Only : "Risico" et "For Your Eyes Only". Un autre décor du roman de Vivre et laisser mourir - le keelhauling - qui n'était pas utilisé dans l'adaptation de ce roman, a été inséré dans l'intrigue.
La production de Rien que pour vos yeux débute le 2 septembre 1980 en mer du Nord, avec trois jours de tournage de scènes extérieures pour les scènes impliquant le bateau espion St Georges. Les intérieurs ont été tournés plus tard dans les studios Pinewood, ainsi que l'explosion du navire, qui a été réalisée avec une miniature dans le char de Pinewood sur la scène 007. Le 15 septembre, le tournage principal a commencé à Corfou, à la Villa Sylva à Kanoni, au-dessus de la ville de Corfou, qui servait de lieu à la villa espagnole.
En octobre, le tournage a été déplacé vers d'autres lieux grecs, notamment les Météores et l'Achilleion. En novembre, l'unité principale a déménagé en Angleterre, ce qui comprenait des travaux intérieurs à Pinewood, tandis que la deuxième unité tournait des scènes sous-marines aux Bahamas. Le 1er janvier 1981, la production déménage à Cortina d'Ampezzo en Italie, où le tournage s'achève en février. De nombreuses scènes sous-marines, notamment celles impliquant des gros plans de Bond et Melina, ont été tournées avec un son sec. | http://quiz4free.com/ |
En quelle année sont nés tous ces comédiens : Harry Enfield, Eddie Murphy et Rory Bremner ? | 1961 | [
"Henry Richard « Harry » Enfield (né le 30 mai 1961) est un comédien, acteur, écrivain et réalisateur anglais."
] | Henry Richard « Harry » Enfield (né le 30 mai 1961) est un comédien, acteur, écrivain et réalisateur anglais.
Début de la vie
Né à Horsham, dans le Sussex, en Angleterre, il est l'aîné de trois enfants, le fils du journaliste et présentateur anglais de télévision, de radio et de journal Edward Enfield. Il a deux sœurs. Il a fait ses études à l'école indépendante Arundale à Pulborough, à la Dorset House School, à la Worth School, au Collyer's Sixth Form College (tous dans le West Sussex) et à l'Université de York, où il était membre du Derwent College et a étudié la politique. Il a travaillé pendant un certain temps comme laitier.
Carrière
Enfield a attiré l'attention du public pour la première fois lors de son apparition dans l'émission Saturday Live de Channel 4 en tant que plusieurs personnages différents créés avec Paul Whitehouse. Celles-ci sont rapidement entrées dans la conscience nationale. Parmi ces personnages se trouvaient Stavros, un propriétaire de magasin de kebab grec avec un anglais fracturé ; et Loadsamoney, un plâtrier cockney odieux qui se vantait constamment de combien d'argent il gagnait. Le personnage de Loadsamoney a pris sa propre vie et a échantillonné la chanson "Money, Money" de la comédie musicale Cabaret pour donner naissance à un single à succès en 1988 et à une tournée live à guichets fermés. En mai 1988, le chef du Parti travailliste Neil Kinnock a utilisé le terme « beaucoup d'argent » pour critiquer la politique du gouvernement conservateur de l'époque et les journalistes ont commencé à faire référence à la « mentalité de l'argent » et à « l'économie de l'argent ».
Pour contrecarrer Loadsamoney, Enfield et Whitehouse ont créé le Geordie "Bugger-All-Money" et en 1988, Enfield est apparu comme les deux personnages lors du concert hommage à l'anniversaire de Nelson Mandela au stade de Wembley. Au fil du temps, Whitehouse et Enfield ont été perturbés par le fait que Loadsamoney était vu sous un jour positif, plutôt que comme un personnage satirique, et ils l'ont fait écraser lors d'une émission Comic Relief Red Nose Day alors qu'ils quittaient le studio après avoir présenté à l'animateur Lenny Henry "le le plus gros chèque de la soirée » – un chèque physiquement énorme de dix pence. Enfield a créé "Tory Boy", un personnage qui représentait un jeune député conservateur.
En 1989, Enfield réalise un projet personnel, Norbert Smith - a Life, une parodie des chevaliers du théâtre britannique en mauvaise posture dans l'industrie cinématographique. Il a également fourni des voix pour le spectacle de marionnettes satirique britannique Spitting Image et a joué le rôle de Dirk Gently dans les adaptations de la BBC Radio de Dirk Gently's Holistic Detective Agency et The Long Dark Tea-Time of the Soul.
Séries TV
En 1990, Enfield a développé son émission de sketchs sur la BBC, Harry Enfield's Television Programme, plus tard appelé Harry Enfield and Chums, avec Whitehouse et Kathy Burke. Évitant le style de comédie alternative qui prévalait à l'époque, les deux versions de la série étaient redevables aux comédiens du début des années 70 tels que Dick Emery et Morecambe and Wise. Enfield et ses co-interprètes ont créé un autre groupe de personnages reconnus à l'échelle nationale pour ces spectacles, tels que Stan et Pam Herbert, qui utilisent le slogan "Nous sommes considérablement plus riches que vous" (avec un accent exagéré des West Midlands), Tim Nice-Mais -Dim, The Scousers, Smashie et Nicey, Wayne et Waynetta Slob, Annoying Kid Brother, qui est devenu Kevin l'adolescent, et deux présentateurs à l'ancienne de la BBC, M. Cholmondley-Warner et Grayson.
En 1991, Enfield a joué Dermot dans la sitcom Men Behaving Badly avec Martin Clunes, Caroline Quentin et Leslie Ash, à l'origine sur Thames Television. Enfield est parti après la première série et a été remplacé dans la deuxième série par Neil Morrissey dans le rôle de Tony. Enfield est un fan déclaré d'opéra et a réalisé une série documentaire sur Channel 4 sur le sujet. En 1991, Harry a également joué dans la série Gone to the Dogs (série télévisée) dans le rôle de Little Jim.
Après une courte pause de la télévision, Enfield a signé un nouveau contrat avec BSkyB, mais n'a produit qu'une seule série, Brand Spanking New Show de Harry Enfield. En 2002, Enfield revient à la BBC avec Celeb, une nouvelle série basée sur la bande dessinée du même titre dans Private Eye, dans le rôle de la rockstar vieillissante Gary Bloke.
En 2002, Enfield a été le premier invité de la version remaniée de Top Gear de la BBC et est également apparu dans l'émission le 23 novembre 2008. Enfield a également raconté divers documentaires télévisés tels que la chaîne Discovery Wings "Classic British Aircraft".
En 2007, il incarne Jim Stonem dans la série Skins de Channel 4. Il a repris ce rôle dans la deuxième série en 2008 et la troisième série en 2009. Enfield a également réalisé deux épisodes de Skins dans la saison deux intitulés « Chris » et « Tony » en 2008.
Il apparaît souvent dans des émissions de télévision grand public. Sa série comique actuelle Harry & Paul (intitulée à l'origine Ruddy Hell ! It's Harry & Paul) a débuté en 2007.
En septembre 2013, Enfield est apparu dans la série comique BBC Three Bad Education dans le rôle de Martin, le père du personnage de Jack Whitehall, Alfie.
En octobre 2014, Enfield et Paul Whitehouse sont revenus sur les personnages de Frank et George dans un sketch pour l'émission humoristique de sensibilisation au cancer des testicules de Channel 4 "The Feeling Nuts Comedy Night".
En août 2015, Enfield, aux côtés de Whitehouse, pour célébrer leurs 25 ans de partenariat, a présenté An Evening With Harry Enfield et Paul Whitehouse. En 2016, il apparaîtra dans le rôle de John Shakespeare, père de William Shakespeare, dans la sitcom Upstart Crow.
En mai 2016, Enfield est apparu dans le rôle du prince Charles dans la sitcom de Channel 4 The Windsors.
Films
En 2000, Enfield est apparu dans son premier rôle principal au cinéma dans le rôle de Kevin aux côtés de Kathy Burke, qui jouait l'ami (masculin) du personnage, Perry - rôles créés à l'origine pour la série télévisée d'Enfield - dans Kevin & Perry Go Large. Le film retrace la tentative du couple de devenir DJ professionnels en voyageant dans les boîtes de nuit d'Ibiza et en harcelant leur idole, le DJ Eyeball Paul, joué par Rhys Ifans, tout en gagnant l'amour et en perdant leur virginité. Enfield est également apparu dans le rôle du roi George VI dans Churchill : The Hollywood Years (2004), une satire sur la tendance d'Hollywood à modifier des éléments de l'histoire. En 2012, il a joué avec Simon Callow dans le film Acts of Gordfrey, sorti dans les cinémas britanniques le 27 janvier.
Il a repris son rôle de Martin dans The Bad Education Movie, sorti le 21 août 2015.
En 2015, Enfield et Jessica Hynes sont apparus dans le rôle de M. et Mme Jackson dans un film de la BBC du roman pour enfants d'Arthur Ransome, Swallows and Amazons.
Jeux vidéo
En 2012, une ressemblance avec son personnage Loadsamoney, nommé "Harold Lott", a été publiée sous forme de skin DLC pour le jeu Killing Floor.
Un échantillon du personnage « Loadsamoney » (Ferme ta bouche et regarde ma liasse)
est utilisé dans le jeu "Blood Money" de 1989.
Publicités
Enfield est apparu dans certaines publicités télévisées avant de devenir célèbre, dont une réalisée en 1987 pour Heineken. Les publicités d'Enfield incluent une série réalisée en 1996 pour Dime Bar. Une publicité de cette série présentait Enfield comme un voyou refusant une barre Dime - lisse à l'extérieur, croustillante à l'intérieur - parce qu'il préférait les tatous - lisses à l'intérieur, croustillants à l'extérieur. Plus tard, Enfield, avec Paul Whitehouse, a joué dans une série de publicités pour Hula Hoops dans le rôle des Self-Righteous Brothers, personnages de l'émission télévisée d'Enfield. En 2004, Enfield a joué dans une série de publicités pour Burger King aux États-Unis dans le rôle du Dr Angus, un personnage destiné à promouvoir le nouveau hamburger de l'entreprise. Deux autres personnages de la série télévisée d'Enfield, M. Cholmondley-Warner et Grayson, sont également apparus dans des publicités pour Mercury Communications. Également en 2004, Enfield a fourni la voix du personnage "The Roaming Gnome" utilisé dans la campagne publicitaire américaine de Travelocity.
Musique
Enfield a fait une apparition en tant que « dame du thé » lors de la prestation phare de Blur lors du concert de célébration de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques à Hyde Park à Londres en 2012.
Il est également apparu aux côtés de l'autre projet d'Albarn, The Good, the Bad & the Queen, en tant que compère lors d'un concert à la Tour de Londres le 9 juillet 2007, où il a simulé la décapitation de la princesse Diana.
Discographie
Vie privée
Pendant plusieurs années, Enfield était en couple avec Alison Owen, la mère d'Alfie et Lily Allen. Ils ont vécu ensemble pendant trois ans et il a aidé à s'occuper des enfants. Ils avaient l'intention de se marier mais se sont séparés en 1995. Il était auparavant en couple avec la productrice Debbie Vertue (fille de Beryl Vertue et sœur de Sue Vertue).
Enfield a épousé Lucy Lyster en 1997 et ils ont un fils et deux filles. | http://quiz4free.com/ |
Nommez le héros mythologique grec qui a tué la gorgone Méduse ? | Persée | [
"Certains érudits pensent que derrière la mythologie complexe d'Héraclès se cachait probablement un homme réel, peut-être un chef vassal du royaume d'Argos. Certains érudits suggèrent que l'histoire d'Héraclès est une allégorie du passage annuel du soleil à travers les douze constellations du zodiaque. D'autres évoquent des mythes antérieurs provenant d'autres cultures, montrant l'histoire d'Héraclès comme une adaptation locale de mythes de héros déjà bien établis. Traditionnellement, Héraclès était le fils de Zeus et d'Alcmène, petite-fille de Persée. Ses fantastiques exploits solitaires, avec leurs nombreux thèmes de contes populaires, ont fourni beaucoup de matière à la légende populaire. Selon Burkert, « il est dépeint comme un sacrificateur, mentionné comme fondateur d'autels, et imaginé lui-même comme un mangeur vorace ; c'est dans ce rôle qu'il apparaît dans la comédie, tandis que sa fin tragique a fourni beaucoup de matière à la tragédie — Héraclès est considéré par Thalia Papadopoulou comme « une pièce de grande importance dans l'examen d'autres drames euripidiens ». Dans l'art et la littérature, Héraclès était représenté comme un homme extrêmement fort de taille modérée ; son arme caractéristique était l'arc mais souvent aussi la massue. la popularité sans précédent d'Héraclès, son combat avec le lion étant représenté plusieurs centaines de fois.",
"D'autres membres de cette première génération de héros, tels que Persée, Deucalion, Thésée et Bellérophon, ont de nombreux traits communs avec Héraclès. Comme lui, leurs exploits sont solitaires, fantastiques et confinent au conte de fées, puisqu'ils tuent des monstres comme la Chimère et la Méduse. Les aventures de Bellérophon sont de type banal, semblables aux aventures d'Héraclès et de Thésée. Envoyer un héros à sa mort présumée est également un thème récurrent de cette première tradition héroïque, utilisée dans les cas de Persée et de Bellérophon."
] | La mythologie grecque est l'ensemble des mythes et des enseignements appartenant aux Grecs de l'Antiquité, concernant leurs dieux et héros, la nature du monde, ainsi que les origines et la signification de leurs propres cultes et pratiques rituelles. Cela faisait partie de la religion de la Grèce antique. Les érudits modernes se réfèrent et étudient les mythes dans le but de faire la lumière sur les institutions religieuses et politiques de la Grèce antique et de sa civilisation, et de comprendre la nature même de la création des mythes.
La mythologie grecque est explicitement incarnée dans une vaste collection de récits et implicitement dans les arts figuratifs grecs, tels que les peintures sur vases et les cadeaux votifs. Le mythe grec tente d'expliquer les origines du monde et détaille la vie et les aventures d'une grande variété de dieux, déesses, héros, héroïnes et créatures mythologiques. Ces récits furent initialement diffusés dans une tradition orale-poétique ; aujourd'hui, les mythes grecs sont principalement connus de la littérature grecque.
Les sources littéraires grecques les plus anciennes connues, les poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée, se concentrent sur la guerre de Troie et ses conséquences. Deux poèmes d'Hésiode, proche contemporain d'Homère, la Théogonie et les Travaux et Jours, contiennent des récits sur la genèse du monde, la succession des dirigeants divins, la succession des âges humains, l'origine des malheurs humains et l'origine des pratiques sacrificielles. Les mythes sont également préservés dans les hymnes homériques, dans des fragments de poèmes épiques du cycle épique, dans des poèmes lyriques, dans les œuvres des tragédiens et des comédiens du Ve siècle avant JC, dans les écrits des savants et des poètes de l'époque hellénistique, et dans des textes de l'époque de l'Empire romain d'écrivains tels que Plutarque et Pausanias.
Les découvertes archéologiques constituent une source principale de détails sur la mythologie grecque, les dieux et les héros figurant en bonne place dans la décoration de nombreux artefacts. Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen ainsi que les aventures d'Héraclès. Dans les périodes archaïque, classique et hellénistique suivantes, des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes. La mythologie grecque a eu une grande influence sur la culture, les arts et la littérature de la civilisation occidentale et fait toujours partie du patrimoine et de la langue occidentale. Les poètes et les artistes de l’Antiquité jusqu’à nos jours se sont inspirés de la mythologie grecque et ont découvert l’importance et la pertinence contemporaines des thèmes.
Sources
La mythologie grecque est connue aujourd'hui principalement à partir de la littérature grecque et des représentations sur supports visuels datant de la période géométrique de c. 900-800 avant JC. En fait, les sources littéraires et archéologiques s'intègrent, parfois se soutiennent mutuellement et parfois s'opposent ; cependant, dans de nombreux cas, l’existence de ce corpus de données indique clairement que de nombreux éléments de la mythologie grecque ont de fortes racines factuelles et historiques.
Sources littéraires
La narration mythique joue un rôle important dans presque tous les genres de la littérature grecque. Néanmoins, le seul manuel mythographique général à avoir survécu de l'Antiquité grecque était la Bibliothèque du Pseudo-Apollodore. Cet ouvrage tente de réconcilier les récits contradictoires des poètes et fournit un grand résumé de la mythologie grecque traditionnelle et des légendes héroïques. Apollodore d'Athènes a vécu de c. 180-125 avant JC et a écrit sur plusieurs de ces sujets. Ses écrits ont peut-être constitué la base de la collection ; cependant la « Bibliothèque » discute des événements survenus longtemps après sa mort, d'où le nom de Pseudo-Apollodorus.
Parmi les premières sources littéraires figurent les deux poèmes épiques d'Homère, l'Iliade et l'Odyssée. D'autres poètes ont complété le « cycle épique », mais ces poèmes plus récents et de moindre importance sont maintenant presque entièrement perdus. Malgré leur nom traditionnel, les « Hymnes homériques » n'ont aucun lien direct avec Homère. Ce sont des hymnes choraux du début de l’ère dite lyrique. Hésiode, un contemporain possible d'Homère, offre dans sa Théogonie (Origine des Dieux) le récit le plus complet des premiers mythes grecs traitant de la création du monde ; l'origine des dieux, des Titans et des Géants ; ainsi que des généalogies élaborées, des contes populaires et des mythes étiologiques. Les Œuvres et les Jours d'Hésiode, un poème didactique sur la vie agricole, comprend également les mythes de Prométhée, de Pandore et des Cinq Âges. Le poète donne des conseils sur la meilleure façon de réussir dans un monde dangereux, rendu encore plus dangereux par ses dieux.
Les poètes lyriques tiraient souvent leurs sujets du mythe, mais leur traitement devenait progressivement moins narratif et plus allusif. Les poètes lyriques grecs, dont Pindare, Bacchylides et Simonides, et les poètes bucoliques tels que Théocrite et Bion, racontent des incidents mythologiques individuels. De plus, le mythe était au cœur du drame athénien classique. Les dramaturges tragiques Eschyle, Sophocle et Euripide ont tiré la plupart de leurs intrigues des mythes de l'âge des héros et de la guerre de Troie. Beaucoup de grandes histoires tragiques (par exemple Agamemnon et ses enfants, Œdipe, Jason, Médée, etc.) ont pris dans ces tragédies leur forme classique. Le dramaturge comique Aristophane a également utilisé des mythes, dans Les Oiseaux et Les Grenouilles.
Les historiens Hérodote et Diodore de Sicile, ainsi que les géographes Pausanias et Strabon, qui ont voyagé à travers le monde grec et noté les histoires qu'ils ont entendues, ont fourni de nombreux mythes et légendes locales, donnant souvent des versions alternatives peu connues. Hérodote en particulier, a fouillé les différentes traditions qui lui étaient présentées et a trouvé les racines historiques ou mythologiques de la confrontation entre la Grèce et l'Orient. Hérodote a tenté de concilier les origines et le mélange de concepts culturels différents.
La poésie des époques hellénistique et romaine était avant tout composée comme un exercice littéraire plutôt que cultuel. Néanmoins, il contient de nombreux détails importants qui autrement seraient perdus. Cette catégorie comprend les œuvres de :
# Les poètes romains Ovide, Statius, Valerius Flaccus, Sénèque et Virgile avec le commentaire de Servius.
# Les poètes grecs de l'Antiquité tardive : Nonnus, Antoninus Liberalis et Quintus Smyrnaeus.
# Les poètes grecs de la période hellénistique : Apollonius de Rhodes, Callimaque, Pseudo-Eratosthène et Parthénius.
Les prosateurs des mêmes périodes qui font référence aux mythes incluent Apulée, Pétrone, Lollianus et Héliodore. Deux autres sources non poétiques importantes sont les Fabulae et Astronomica de l'écrivain romain intitulées Pseudo-Hyginus, les Imagines de Philostrate l'Ancien et de Philostrate le Jeune, et les Descriptions de Callistrate.
Enfin, un certain nombre d’écrivains grecs byzantins fournissent des détails importants sur le mythe, largement dérivés d’œuvres grecques antérieures aujourd’hui perdues. Ces conservateurs du mythe comprennent Arnobius, Hesychius, l'auteur de la Suda, John Tzetzes et Eustathius. Ils traitent souvent la mythologie dans une perspective moralisatrice chrétienne.
Sources archéologiques
La découverte de la civilisation mycénienne par l'archéologue amateur allemand Heinrich Schliemann au XIXe siècle, et la découverte de la civilisation minoenne en Crète par l'archéologue britannique Sir Arthur Evans au XXe siècle, ont contribué à expliquer de nombreuses questions existantes sur les épopées d'Homère et ont fourni des preuves archéologiques de nombreux détails mythologiques sur les dieux et les héros. Malheureusement, les preuves des mythes et des rituels sur les sites mycéniens et minoens sont entièrement monumentales, car l'écriture linéaire B (une forme ancienne du grec trouvée en Crète et en Grèce continentale) était principalement utilisée pour enregistrer des inventaires, bien que certains noms de dieux et de héros ont été provisoirement identifiés.
Les dessins géométriques sur les poteries du VIIIe siècle avant JC représentent des scènes du cycle troyen, ainsi que les aventures d'Héraclès. Ces représentations visuelles des mythes sont importantes pour deux raisons. Premièrement, de nombreux mythes grecs sont attestés sur des vases plus tôt que dans les sources littéraires : parmi les douze travaux d'Héraclès, par exemple, seule l'aventure de Cerbère apparaît dans un texte littéraire contemporain. Deuxièmement, les sources visuelles représentent parfois des mythes ou des scènes mythiques qui ne sont attestées dans aucune source littéraire existante. Dans certains cas, la première représentation connue d'un mythe dans l'art géométrique est antérieure de plusieurs siècles à sa première représentation connue dans la poésie archaïque tardive. Dans les périodes archaïque (vers 750-vers 500 avant JC), classique (vers 480-323 avant JC) et hellénistique (323-146 avant JC), des scènes homériques et diverses autres scènes mythologiques apparaissent, complétant les preuves littéraires existantes.
Enquête sur l'histoire mythique
La mythologie grecque a changé au fil du temps pour s'adapter à l'évolution de leur culture, dont la mythologie, tant ouvertement que dans ses hypothèses tacites, est un indice des changements. Dans les formes littéraires survivantes de la mythologie grecque, que l'on retrouve principalement à la fin des changements progressifs, elle est intrinsèquement politique, comme l'a soutenu Gilbert Cuthbertson.
Les premiers habitants de la péninsule balkanique étaient un peuple agricole qui, utilisant l'animisme, attribuait un esprit à chaque aspect de la nature. Finalement, ces esprits vagues ont pris des formes humaines et sont entrés dans la mythologie locale en tant que dieux. Lorsque les tribus du nord de la péninsule balkanique ont envahi le pays, elles ont amené avec elles un nouveau panthéon de dieux, basé sur la conquête, la force, les prouesses au combat et l'héroïsme violent. D’autres dieux plus anciens du monde agricole ont fusionné avec ceux des envahisseurs plus puissants ou sont devenus insignifiants.
Après le milieu de la période archaïque, les mythes sur les relations entre les dieux masculins et les héros masculins sont devenus de plus en plus fréquents, indiquant le développement parallèle de la pédérastie pédagogique (erospaidikos, ), qui aurait été introduite vers 630 avant JC. À la fin du Ve siècle avant JC, les poètes avaient attribué au moins un éromène, un adolescent qui était leur compagnon sexuel, à tous les dieux importants à l'exception d'Arès et à de nombreuses figures légendaires. Les mythes antérieurs, comme ceux d'Achille et de Patrocle, étaient également présentés sous un jour pédérastique. Les poètes alexandrins d’abord, puis plus généralement les mythographes littéraires du début de l’Empire romain, réadaptèrent souvent ainsi les histoires de personnages mythologiques grecs.
L’accomplissement de la poésie épique a été de créer des cycles d’histoires et, par conséquent, de développer un nouveau sens de la chronologie mythologique. Ainsi, la mythologie grecque se déroule comme une phase du développement du monde et des humains. Bien que les contradictions de ces histoires rendent impossible une chronologie absolue, une chronologie approximative peut être discernée. L'« histoire du monde » mythologique qui en résulte peut être divisée en trois ou quatre périodes plus larges :
# Les mythes d'origine ou d'âge des dieux (Théogonies, « naissances des dieux ») : mythes sur les origines du monde, des dieux et du genre humain.
# L'époque où les dieux et les mortels se mêlaient librement : histoires des premières interactions entre dieux, demi-dieux et mortels.
# L'âge des héros (âge héroïque), où l'activité divine était plus limitée. La dernière et la plus grande des légendes héroïques est l’histoire de la guerre de Troie et après (qui est considérée par certains chercheurs comme une quatrième période distincte).
Alors que l'âge des dieux a souvent été d'un plus grand intérêt pour les étudiants contemporains des mythes, les auteurs grecs des époques archaïque et classique avaient une nette préférence pour l'âge des héros, établissant une chronologie et un enregistrement des réalisations humaines après s'être demandé comment le monde est né ont été expliqués. Par exemple, l’Iliade et l’Odyssée héroïques ont éclipsé la Théogonie et les Hymnes homériques à caractère divin en termes de taille et de popularité. Sous l'influence d'Homère, le « culte des héros » conduit à une restructuration de la vie spirituelle, qui s'exprime dans la séparation du royaume des dieux et du royaume des morts (héros), du chthonien de l'Olympien. Dans les Travaux et les Jours, Hésiode utilise un schéma de quatre âges de l'homme (ou races) : l'or, l'argent, le bronze et le fer. Ces races ou âges sont des créations distinctes des dieux, l'âge d'or appartenant au règne de Cronos, les races ultérieures à la création de Zeus. La présence du mal était expliquée par le mythe de Pandore, lorsque tout le meilleur des capacités humaines, à l'exception de l'espoir, s'était répandu de son pot renversé. Dans Métamorphoses, Ovide suit le concept des quatre âges d'Hésiode.
Origines du monde et des dieux
Les « mythes d'origine » ou « mythes de création » représentent une tentative d'expliquer les débuts de l'univers en langage humain. La version la plus largement acceptée à l'époque, bien qu'il s'agisse d'un récit philosophique du début des choses, est rapportée par Hésiode, dans sa Théogonie. Il commence par le Chaos, un néant béant. Du vide ont émergé Gaia (la Terre) et quelques autres êtres divins primaires : Eros (l'Amour), les Abysses (le Tartare) et l'Erebus. Sans l'aide des hommes, Gaia a donné naissance à Uranus (le Ciel) qui l'a ensuite fécondée. De cette union naquirent d'abord les Titans, six mâles : Coeus, Crius, Cronus, Hyperion, Iapetus et Oceanus ; et six femelles : Mnemosyne, Phoebe, Rhea, Theia, Themis et Tethys. Après la naissance de Cronos, Gaia et Uranus ont décrété qu'aucun Titan ne devait plus naître. Ils furent suivis par les Cyclopes borgnes et les Hécatonchires ou Cent-Mains, qui furent tous deux jetés dans le Tartare par Uranus. Cela rendit Gaia furieuse. Cronos (« le rusé, le plus jeune et le plus terrible des enfants de Gaia ») fut convaincu par Gaia de castrer son père. Il fit cela et devint le dirigeant des Titans avec sa sœur-épouse Rhéa comme épouse, et les autres Titans devinrent sa cour.
Un motif de conflit père contre fils s'est répété lorsque Cronos a été confronté à son fils, Zeus. Parce que Cronos avait trahi son père, il craignait que sa progéniture fasse de même, et donc chaque fois que Rhéa accoucheait, il s'emparait de l'enfant et le mangeait. Rhéa détestait cela et le trompa en cachant Zeus et en enveloppant une pierre dans une couverture de bébé, que Cronos mangea. Quand Zeus fut adulte, il donna à Cronos une boisson droguée qui le fit vomir, vomissant les autres enfants de Rhéa et la pierre qui était restée dans l'estomac de Cronos depuis le début. Zeus défia alors Cronos de faire la guerre pour la royauté des dieux. Finalement, avec l'aide des Cyclopes (que Zeus libéra du Tartare), Zeus et ses frères et sœurs furent victorieux, tandis que Cronos et les Titans furent jetés en prison dans le Tartare.
Zeus était tourmenté par la même inquiétude et, après une prophétie selon laquelle la progéniture de sa première épouse, Métis, donnerait naissance à un dieu « plus grand que lui », Zeus l'avala. Mais elle était déjà enceinte d'Athéna, et elle sortit de sa tête, adulte et habillée pour la guerre.
La première pensée grecque sur la poésie considérait les théogonies comme le genre poétique prototypique – le mythe prototypique – et lui imputait des pouvoirs presque magiques. Orphée, le poète archétype, était également l'archétype du chanteur des théogonies, qu'il utilise pour calmer les mers et les tempêtes dans l'Argonautique d'Apollonios, et pour émouvoir les cœurs de pierre des dieux du monde souterrain lors de sa descente vers l'Hadès. Lorsqu’Hermès invente la lyre dans l’Hymne homérique à Hermès, la première chose qu’il fait est de chanter la naissance des dieux. La Théogonie d'Hésiode est non seulement le récit le plus complet des dieux, mais aussi le récit le plus complet de la fonction du poète archaïque, avec sa longue invocation préliminaire aux Muses. La théogonie a également fait l'objet de nombreux poèmes perdus, y compris ceux attribués à Orphée, Musée, Épiménide, Abaris et d'autres voyants légendaires, qui étaient utilisés dans des purifications rituelles privées et des rites mystérieux. Certains éléments indiquent que Platon connaissait une certaine version de la théogonie orphique. Cependant, on aurait pu s'attendre à un silence sur les rites et croyances religieuses, et cette nature de la culture n'aurait pas été signalée par les membres de la société pendant que ces croyances étaient pratiquées. Une fois qu’ils ont cessé de devenir des croyances religieuses, peu de gens auraient connu ces rites et rituels. Il y avait cependant souvent des allusions à des aspects qui étaient tout à fait publics.
Des images existaient sur des poteries et des œuvres d’art religieuses qui étaient interprétées et, plus probablement, mal interprétées dans de nombreux mythes et contes divers. Quelques fragments de ces œuvres survivent dans des citations de philosophes néoplatoniciens et des restes de papyrus récemment découverts. L'un de ces fragments, le Papyrus Derveni, prouve maintenant qu'au moins au cinquième siècle avant JC, un poème théogonique-cosmogonique d'Orphée existait.W. Burkert, Religion grecque, 236* G. Betegh, Le Papyrus Derveni, 147
Les premiers cosmologistes philosophiques ont réagi contre, ou parfois se sont appuyés sur, des conceptions mythiques populaires qui existaient depuis un certain temps dans le monde grec. Certaines de ces conceptions populaires peuvent être tirées de la poésie d’Homère et d’Hésiode. Chez Homère, la Terre était considérée comme un disque plat flottant sur le fleuve Océan et surplombé par un ciel hémisphérique avec le soleil, la lune et les étoiles. Le Soleil (Hélios) traversait les cieux comme un conducteur de char et naviguait autour de la Terre dans un bol doré la nuit. Le soleil, la terre, le ciel, les rivières et les vents pouvaient être abordés dans des prières et appelés à témoigner sous serment. Les fissures naturelles étaient généralement considérées comme les entrées de la maison souterraine d'Hadès et de ses prédécesseurs, la demeure des morts.* K. Algra, The Beginnings of Cosmology, 45. Les influences d'autres cultures ont toujours offert de nouveaux thèmes.
Panthéon grec
Selon la mythologie de l’époque classique, après le renversement des Titans, le nouveau panthéon des dieux et des déesses fut confirmé. Parmi les principaux dieux grecs figuraient les Olympiens, résidant sur le mont Olympe sous l'œil de Zeus. (La limitation de leur nombre à douze semble avoir été une idée relativement moderne.) Outre les Olympiens, les Grecs adoraient divers dieux de la campagne, le dieu satyre Pan, les Nymphes (esprits des rivières), les Naïades (qui habitaient les sources). ), les Dryades (qui étaient les esprits des arbres), les Néréides (qui habitaient la mer), les dieux des rivières, les Satyres et d'autres. À cela s’ajoutaient les puissances obscures du monde souterrain, comme les Erinyes (ou Furies), censées poursuivre les coupables de crimes contre les membres de la famille. Afin d’honorer le panthéon de la Grèce antique, les poètes ont composé les Hymnes homériques (un groupe de trente-trois chants). Gregory Nagy considère « les plus grands hymnes homériques comme de simples préludes (par rapport à la théogonie), dont chacun invoque un dieu ».
Les dieux de la mythologie grecque sont décrits comme ayant des corps essentiellement corporels mais idéaux. Selon Walter Burkert, la caractéristique déterminante de l'anthropomorphisme grec est que « les dieux grecs sont des personnes, et non des abstractions, des idées ou des concepts ». Quelle que soit leur forme sous-jacente, les dieux de la Grèce antique possèdent de nombreuses capacités fantastiques ; Plus important encore, les dieux ne sont pas affectés par la maladie et ne peuvent être blessés que dans des circonstances très inhabituelles. Les Grecs considéraient l’immortalité comme le caractère distinctif de leurs dieux ; cette immortalité, ainsi que cette jeunesse indéfectible, était assurée par l'usage constant du nectar et de l'ambroisie, par lesquels le sang divin se renouvelait dans leurs veines.
Chaque dieu descend de sa propre généalogie, poursuit des intérêts différents, possède un certain domaine d'expertise et est gouverné par une personnalité unique ; cependant, ces descriptions résultent d'une multiplicité de variantes locales archaïques, qui ne concordent pas toujours entre elles. Lorsque ces dieux sont invoqués dans la poésie, la prière ou le culte, ils sont désignés par une combinaison de leur nom et d'épithètes, qui les identifient par ces distinctions par rapport à d'autres manifestations d'eux-mêmes (par exemple, Apollon Musagetes est « Apollon, [en tant que] chef des Muses"). Alternativement, l'épithète peut identifier un aspect particulier et localisé du dieu, parfois considéré comme déjà ancien à l'époque classique de la Grèce.
La plupart des dieux étaient associés à des aspects spécifiques de la vie. Par exemple, Aphrodite était la déesse de l’amour et de la beauté, Ares était le dieu de la guerre, Hadès le souverain des enfers et Athéna la déesse de la sagesse et du courage. Certains dieux, comme Apollon et Dionysos, révélaient des personnalités complexes et des mélanges de fonctions, tandis que d'autres, comme Hestia (littéralement « foyer ») et Hélios (littéralement « soleil »), n'étaient guère plus que des personnifications. Les temples les plus impressionnants étaient généralement dédiés à un nombre limité de dieux, qui faisaient l'objet de grands cultes panhelléniques. Il était cependant courant que des régions et des villages individuels vouent leurs propres cultes à des dieux mineurs. De nombreuses villes honoraient également les dieux les plus connus avec des rites locaux inhabituels et leur associaient d'étranges mythes inconnus ailleurs. A l'époque héroïque, le culte des héros (ou demi-dieux) complétait celui des dieux.
L'ère des dieux et des mortels
Entre l’époque où les dieux vivaient seuls et l’époque où l’ingérence divine dans les affaires humaines était limitée, il y avait une époque de transition au cours de laquelle les dieux et les mortels évoluaient ensemble. C’étaient les premiers jours du monde où les groupes se mélangeaient plus librement qu’ils ne le furent plus tard. La plupart de ces contes ont été racontés plus tard par les Métamorphoses d'Ovide et sont souvent divisés en deux groupes thématiques : les contes d'amour et les contes de punition.
Les histoires d'amour impliquent souvent l'inceste, ou la séduction ou le viol d'une femme mortelle par un dieu mâle, donnant naissance à une progéniture héroïque. Les histoires suggèrent généralement que les relations entre les dieux et les mortels sont quelque chose à éviter ; même les relations consentantes ont rarement une fin heureuse. Dans quelques cas, une divinité féminine s'accouple avec un homme mortel, comme dans l'hymne homérique à Aphrodite, où la déesse couche avec Anchise pour produire Enée.
Le deuxième type (les récits de punition) implique l'appropriation ou l'invention d'un artefact culturel important, comme lorsque Prométhée vole le feu aux dieux, lorsque Tantale vole le nectar et l'ambroisie de la table de Zeus et les donne à ses propres sujets, leur révélant ainsi le secrets des dieux, quand Prométhée ou Lycaon inventent le sacrifice, quand Déméter enseigne l'agriculture et les Mystères à Triptolème, ou quand Marsyas invente l'aulos et se livre à un concours musical avec Apollon. Ian Morris considère les aventures de Prométhée comme « un lieu entre l'histoire des dieux et celle des hommes ». Un fragment de papyrus anonyme, daté du troisième siècle, décrit de manière vivante le châtiment infligé par Dionysos au roi de Thrace, Lycurgue, dont la reconnaissance du nouveau dieu est arrivée trop tard, entraînant d'horribles sanctions qui se sont prolongées jusque dans l'au-delà. L'histoire de l'arrivée de Dionysos pour établir son culte en Thrace a également fait l'objet d'une trilogie eschyléenne. Dans une autre tragédie, Les Bacchantes d'Euripide, le roi de Thèbes, Penthée, est puni par Dionysos, parce qu'il a manqué de respect au dieu et a espionné ses Ménades, les adoratrices du dieu.
Dans une autre histoire, basée sur un vieux motif de conte populaire et faisant écho à un thème similaire, Déméter cherchait sa fille, Perséphone, ayant pris la forme d'une vieille femme appelée Doso, et reçut un accueil hospitalier de Celeus, le roi d'Eleusis. en Attique. En cadeau à Celeus, en raison de son hospitalité, Déméter avait prévu de faire de son fils Démophon un dieu, mais elle n'a pas pu terminer le rituel car sa mère Metanira est entrée et a vu son fils dans le feu et a crié de peur, ce qui a irrité Déméter. , qui déplorait que les mortels insensés ne comprennent pas le concept et le rituel.
Âge héroïque
L’époque dans laquelle vivaient les héros est connue sous le nom d’époque héroïque. La poésie épique et généalogique créait des cycles d'histoires regroupées autour de héros ou d'événements particuliers et établissait les relations familiales entre les héros de différentes histoires ; ils arrangeaient ainsi les histoires en séquence. Selon Ken Dowden, « il y a même un effet de saga : on peut suivre le destin de certaines familles au fil des générations successives ».
Après l'essor du culte des héros, dieux et héros constituent la sphère sacrée et sont invoqués ensemble dans les serments et les prières qui leur sont adressées. Burkert note que « la liste des héros, encore une fois contrairement aux dieux, ne reçoit jamais de forme fixe et définitive. Les grands dieux ne naissent plus, mais de nouveaux héros peuvent toujours surgir de l'armée des morts ». Une autre différence importante entre le culte du héros et le culte des dieux est que le héros devient le centre de l’identité du groupe local.
Les événements monumentaux d’Héraclès sont considérés comme l’aube de l’ère des héros. À l'âge héroïque sont également attribués trois grands événements : l'expédition argonautique, le cycle thébain et la guerre de Troie.
Héraclès et les Héraclides
Certains érudits pensent que derrière la mythologie complexe d'Héraclès se cachait probablement un homme réel, peut-être un chef vassal du royaume d'Argos. Certains érudits suggèrent que l'histoire d'Héraclès est une allégorie du passage annuel du soleil à travers les douze constellations du zodiaque. D'autres évoquent des mythes antérieurs provenant d'autres cultures, montrant l'histoire d'Héraclès comme une adaptation locale de mythes de héros déjà bien établis. Traditionnellement, Héraclès était le fils de Zeus et d'Alcmène, petite-fille de Persée. Ses fantastiques exploits solitaires, avec leurs nombreux thèmes de contes populaires, ont fourni beaucoup de matière à la légende populaire. Selon Burkert, « il est dépeint comme un sacrificateur, mentionné comme fondateur d'autels, et imaginé lui-même comme un mangeur vorace ; c'est dans ce rôle qu'il apparaît dans la comédie, tandis que sa fin tragique a fourni beaucoup de matière à la tragédie — Héraclès est considéré par Thalia Papadopoulou comme « une pièce de grande importance dans l'examen d'autres drames euripidiens ». Dans l'art et la littérature, Héraclès était représenté comme un homme extrêmement fort de taille modérée ; son arme caractéristique était l'arc mais souvent aussi la massue. la popularité sans précédent d'Héraclès, son combat avec le lion étant représenté plusieurs centaines de fois.
Héraclès est également entré dans la mythologie et le culte étrusques et romains, et l'exclamation « mehercule » est devenue aussi familière aux Romains que « Hérakleis » l'était aux Grecs. En Italie, il était vénéré comme le dieu des marchands et des commerçants, bien que d'autres le priaient également pour ses dons caractéristiques de bonne chance ou de sauvetage du danger.
Héraclès a atteint le plus haut prestige social grâce à sa nomination comme ancêtre officiel des rois doriens. Cela a probablement servi de légitimation aux migrations doriennes vers le Péloponnèse. Hyllus, le héros éponyme d'un phyle dorien, devint le fils d'Héraclès et l'un des Héraclès ou Héraclides (les nombreux descendants d'Héraclès, en particulier les descendants d'Hyllus - d'autres Héraclés comprenaient Macaria, Lamos, Manto, Bianor, Tlepolemus et Telephus. ). Ces Héraclides ont conquis les royaumes du Péloponnèse de Mycènes, Sparte et Argos, revendiquant, selon la légende, le droit de les gouverner par l'intermédiaire de leur ancêtre. Leur ascension vers la domination est souvent appelée « l'invasion dorienne ». Les rois lydiens et plus tard macédoniens, en tant que dirigeants du même rang, devinrent également des Heracleidae.
D'autres membres de cette première génération de héros, tels que Persée, Deucalion, Thésée et Bellérophon, ont de nombreux traits communs avec Héraclès. Comme lui, leurs exploits sont solitaires, fantastiques et confinent au conte de fées, puisqu'ils tuent des monstres comme la Chimère et la Méduse. Les aventures de Bellérophon sont de type banal, semblables aux aventures d'Héraclès et de Thésée. Envoyer un héros à sa mort présumée est également un thème récurrent de cette première tradition héroïque, utilisée dans les cas de Persée et de Bellérophon.
Argonautes
La seule épopée hellénistique survivante, l'Argonautique d'Apollonios de Rhodes (poète épique, érudit et directeur de la Bibliothèque d'Alexandrie) raconte le mythe du voyage de Jason et des Argonautes pour récupérer la Toison d'or du pays mythique de Colchide. Dans l'Argonautica, Jason est poussé dans sa quête par le roi Pélias, qui reçoit une prophétie selon laquelle un homme avec une seule sandale serait son ennemi juré. Jason perd une sandale dans une rivière, arrive à la cour de Pélias, et l'épopée se déclenche. Presque tous les membres de la génération suivante de héros, ainsi qu'Héraclès, accompagnèrent Jason à bord du navire Argo pour récupérer la Toison d'Or. Cette génération comprenait également Thésée, qui se rendit en Crète pour tuer le Minotaure ; Atalante, l'héroïne féminine, et Méléagre, qui avait autrefois son propre cycle épique pour rivaliser avec l'Iliade et l'Odyssée. Pindare, Apollonius et la Bibliotheca s'efforcent de donner des listes complètes des Argonautes.
Bien qu'Apollonius ait écrit son poème au IIIe siècle avant JC, la composition de l'histoire des Argonautes est antérieure à l'Odyssée, ce qui montre une familiarité avec les exploits de Jason (l'errance d'Ulysse peut en avoir été en partie fondée). Dans les temps anciens, l’expédition était considérée comme un fait historique, un incident dans l’ouverture de la mer Noire au commerce et à la colonisation grecque. Il était également extrêmement populaire, formant un cycle auquel se rattachaient de nombreuses légendes locales. L’histoire de Médée, en particulier, a captivé l’imagination des poètes tragiques.
Maison d'Atrée et cycle thébain
Entre l’Argo et la guerre de Troie, il y avait une génération connue principalement pour ses crimes horribles. Cela inclut les actions d'Atreus et de Thyeste à Argos. Derrière le mythe de la maison d'Atrée (une des deux principales dynasties héroïques avec la maison de Labdacus) se cache le problème de la dévolution du pouvoir et du mode d'accession à la souveraineté. Les jumeaux Atrée et Thyeste et leurs descendants ont joué le rôle principal dans la tragédie de la passation du pouvoir à Mycènes.
Le cycle thébain traite des événements associés notamment à Cadmus, le fondateur de la ville, et plus tard aux actions de Laïos et d'Œdipe à Thèbes ; une série d'histoires qui mènent au pillage éventuel de cette ville par les Sept contre Thèbes et Epigoni. (On ne sait pas si les Sept contre Thèbes figuraient dans les premières épopées.) En ce qui concerne Œdipe, les premiers récits épiques semblent le faire continuer à régner à Thèbes après la révélation que Iokaste était sa mère, et épouser par la suite une seconde épouse. qui devient la mère de ses enfants - ce qui est très différent du conte que nous connaissons à travers la tragédie (par exemple Œdipe le roi de Sophocle) et les récits mythologiques ultérieurs.
Guerre de Troie et conséquences
La mythologie grecque culmine avec la guerre de Troie, menée entre la Grèce et Troie, et ses conséquences. Dans les œuvres d'Homère, comme l'Iliade, les récits principaux ont déjà pris forme et substance, et des thèmes individuels ont été élaborés plus tard, notamment dans le drame grec. La guerre de Troie a également suscité un grand intérêt dans la culture romaine en raison de l'histoire d'Énée, un héros troyen dont le voyage depuis Troie a conduit à la fondation de la ville qui allait devenir un jour Rome, comme le raconte l'Énéide de Virgile (Livre II de l'Énéide de Virgile). contient le récit le plus connu du sac de Troie). Il existe enfin deux pseudo-chroniques écrites en latin qui passaient sous les noms de Dictys Cretensis et Dares Phrygius.
Le cycle de la guerre de Troie, recueil de poèmes épiques, commence par les événements qui ont précédé la guerre : Éris et la pomme d'or de Kallisti, le jugement de Pâris, l'enlèvement d'Hélène, le sacrifice d'Iphigénie à Aulis. Pour récupérer Hélène, les Grecs lancèrent une grande expédition sous le commandement général du frère de Ménélas, Agamemnon, roi d'Argos ou Mycènes, mais les Troyens refusèrent de restituer Hélène. L'Iliade, qui se déroule la dixième année de la guerre, raconte la querelle entre Agamemnon et Achille, qui était le meilleur guerrier grec, et la mort qui en résulta au combat du camarade bien-aimé d'Achille, Patrocle, et du fils aîné de Priam, Hector. Après la mort d'Hector, les Troyens furent rejoints par deux alliés exotiques, Penthésilée, reine des Amazones, et Memnon, roi des Éthiopiens et fils de la déesse de l'aube Eos. Achille les tua tous les deux, mais Pâris réussit ensuite à tuer Achille d'une flèche dans le talon. Le talon d'Achille était la seule partie de son corps qui n'était pas invulnérable aux dommages causés par les armes humaines. Avant de pouvoir prendre Troie, les Grecs durent voler dans la citadelle l'image en bois de Pallas Athéna (le Palladium). Finalement, avec l'aide d'Athéna, ils construisirent le cheval de Troie. Malgré les avertissements de Cassandra, la fille de Priam, les Troyens furent persuadés par Sinon, un Grec qui feignait la désertion, d'emmener le cheval à l'intérieur des murs de Troie en offrande à Athéna ; le prêtre Laocoon, qui tentait de faire détruire le cheval, fut tué par des serpents de mer. La nuit, la flotte grecque revint et les Grecs à cheval ouvrirent les portes de Troie. Dans le pillage total qui suivit, Priam et ses fils restants furent massacrés ; les femmes troyennes passèrent en esclavage dans diverses villes de Grèce. Les voyages aventureux des dirigeants grecs (y compris les pérégrinations d'Ulysse et d'Énée (l'Énéide) et le meurtre d'Agamemnon) ont été racontés dans deux épopées, les Retours (le Nostoi perdu) et l'Odyssée d'Homère. Le cycle troyen comprend également les aventures des enfants de la génération troyenne (par exemple Oreste et Télémaque).
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Dans quel État américain trouveriez-vous le mont Rushmore ? | Dakota du Sud | [
"Le mémorial national du mont Rushmore est une sculpture sculptée dans la face granitique du mont Rushmore, une formation batholite granitique située dans les Black Hills à Keystone, dans le Dakota du Sud, aux États-Unis. Sculpté par l'Américain d'origine danoise Gutzon Borglum et son fils Lincoln Borglum, le mont Rushmore présente des sculptures de 60 pieds représentant les têtes de quatre présidents des États-Unis : George Washington (1732-1799), Thomas Jefferson (1743-1826), Theodore Roosevelt (1858-1858). 1919) et Abraham Lincoln (1809-1865). L'ensemble du mémorial couvre et se trouve à 5 725 pieds au-dessus du niveau de la mer.[http://www.peakbagger.com/peak.aspx?pid",
"6234 Mount Rushmore, Dakota du Sud] (1er novembre 2004). Peakbagger.com. Récupéré le 13 mars 2006.",
"L'historien du Dakota du Sud, Doane Robinson, est crédité d'avoir conçu l'idée de graver des portraits de personnages célèbres dans la région des Black Hills du Dakota du Sud afin de promouvoir le tourisme dans la région. L'idée initiale de Robinson était de sculpter les Aiguilles ; cependant, Gutzon Borglum a rejeté le site de Needles en raison de la mauvaise qualité du granit et de la forte opposition des groupes amérindiens. Ils se sont installés sur le site du mont Rushmore, qui présente également l’avantage d’être orienté vers le sud-est pour une exposition maximale au soleil. Robinson voulait qu'elle représente des héros occidentaux comme Lewis et Clark, Red Cloud et Buffalo Bill Cody, mais Borglum a décidé que la sculpture devrait avoir une portée plus nationale et a choisi les quatre présidents dont les portraits seraient gravés dans la montagne. Après avoir obtenu un financement fédéral grâce au parrainage enthousiaste du « grand mécène politique du mont Rushmore », le sénateur américain Peter Norbeck, la construction du mémorial commença en 1927 et les visages des présidents furent achevés entre 1934 et 1939. À la mort de Gutzon Borglum en mars 1941, son fils Lincoln Borglum a repris la construction. Bien que le concept initial prévoyait que chaque président soit représenté de la tête aux pieds, le manque de financement obligea la construction à s'arrêter fin octobre 1941.",
"Connue à l'origine par les Sioux Lakota sous le nom de « Les six grands-pères », la montagne a été rebaptisée en l'honneur de Charles E. Rushmore, un éminent avocat new-yorkais, lors d'une expédition en 1885. Au début, le projet de sculpter Rushmore a été entrepris pour accroître le tourisme dans le pays. Région des Black Hills du Dakota du Sud. Après de longues négociations impliquant une délégation du Congrès et le président Calvin Coolidge, le projet a reçu l'approbation du Congrès. La sculpture a commencé en 1927 et s'est terminée en 1941 sans mort.",
"L'historien Doane Robinson a eu l'idée du mont Rushmore en 1923 pour promouvoir le tourisme dans le Dakota du Sud. En 1924, Robinson persuada le sculpteur Gutzon Borglum de se rendre dans la région des Black Hills pour s'assurer que la sculpture pourrait être réalisée. Borglum avait participé à la sculpture du Confederate Memorial Carving, un énorme bas-relief commémoratif dédié aux dirigeants confédérés sur Stone Mountain en Géorgie, mais était en désaccord avec les responsables locaux.",
"L'atelier du sculpteur - une exposition de modèles en plâtre uniques et d'outils liés à la sculpture - a été construit en 1939 sous la direction de Borglum. Borglum mourut d'une embolie en mars 1941. Son fils, Lincoln Borglum, poursuivit le projet. À l'origine, il était prévu que les personnages soient sculptés de la tête à la taille, mais un financement insuffisant a forcé l'arrêt de la sculpture. Borglum avait également prévu un panneau massif en forme d'achat de la Louisiane commémorant en lettres dorées de huit pieds de haut la Déclaration d'indépendance, la Constitution américaine, l'achat de la Louisiane et sept autres acquisitions territoriales de l'Alaska au Texas en passant par la zone du canal de Panama. Au total, l'ensemble du projet a coûté 989 992,32 $ US. [http://iml.jou.ufl.edu/projects/students/Ahmann/rushmore.html Mémorial national du mont Rushmore]. Tourisme dans le Dakota du Sud. Laura R. Ahmann. Récupéré le 19 mars 2006. Fait inhabituel pour un projet d'une telle envergure, aucun ouvrier n'est mort pendant la sculpture.",
"La flore et la faune du mont Rushmore sont similaires à celles du reste de la région des Black Hills du Dakota du Sud. Des oiseaux, dont le vautour à tête rouge, le pygargue à tête blanche, le faucon et l'alouette des prés, volent autour du mont Rushmore, créant parfois des sites de nidification sur les rebords de la montagne. Des oiseaux plus petits, notamment des oiseaux chanteurs, des sittelles et des pics, habitent les forêts de pins environnantes. Les mammifères terrestres comprennent la souris, le petit tamia, l'écureuil roux, la mouffette, le porc-épic, le raton laveur, le castor, le blaireau, le coyote, le mouflon d'Amérique, le lynx roux, le wapiti, le cerf mulet, la marmotte à ventre jaune et le bison d'Amérique. La rainette faux-grillon rayée, la rainette faux-grillon de l'ouest et la grenouille léopard du nord habitent également la région, ainsi que plusieurs espèces de serpents. Le ruisseau Grizzly Bear et le ruisseau Starling Basin, les deux ruisseaux du mémorial, abritent des poissons tels que le naseux longnose et l'omble de fontaine. Les chèvres de montagne ne sont pas indigènes dans la région. Ceux qui vivent près du mont Rushmore sont les descendants d'une tribu que le Canada a offerte au parc d'État Custer en 1924, et qui s'est ensuite échappée.",
"Le mont Rushmore est en grande partie composé de granit. Le mémorial est sculpté sur la marge nord-ouest du batholite de granit de Harney Peak dans les Black Hills du Dakota du Sud, de sorte que les formations géologiques du cœur de la région des Black Hills sont également évidentes au mont Rushmore. Le magma batholite a fait intrusion dans les roches de micaschistes préexistantes au Protérozoïque, il y a 1,6 milliard d’années. Les dykes de pegmatite à gros grains sont associés à l'intrusion granitique de Harney Peak et sont visiblement de couleur plus claire, expliquant ainsi les stries claires sur le front des présidents.",
"Le tourisme est la deuxième industrie du Dakota du Sud et le mont Rushmore est la principale attraction touristique de l'État. En 2012, 2 185 447 personnes ont visité le parc. Dans les années 1950 et 1960, le Siouxan Benjamin Black Elk était la « cinquième face du mont Rushmore », posant pour des photos avec des milliers de touristes. Il est devenu l’une des personnes les plus photographiées au monde.",
"Le 11 août 1952, le bureau de poste des États-Unis a émis le timbre commémoratif du Mont Rushmore Memorial à l'occasion du 25e anniversaire de l'inauguration du Mont. Rushmore National Memorial dans les Black Hills du Dakota du Sud. Le 2 janvier 1974, un timbre-avion de 26 cents représentant le monument a également été émis."
] | Le mémorial national du mont Rushmore est une sculpture sculptée dans la face granitique du mont Rushmore, une formation batholite granitique située dans les Black Hills à Keystone, dans le Dakota du Sud, aux États-Unis. Sculpté par l'Américain d'origine danoise Gutzon Borglum et son fils Lincoln Borglum, le mont Rushmore présente des sculptures de 60 pieds représentant les têtes de quatre présidents des États-Unis : George Washington (1732-1799), Thomas Jefferson (1743-1826), Theodore Roosevelt (1858-1858). 1919) et Abraham Lincoln (1809-1865). L'ensemble du mémorial couvre et se trouve à 5 725 pieds au-dessus du niveau de la mer.[http://www.peakbagger.com/peak.aspx?pid
6234 Mount Rushmore, Dakota du Sud] (1er novembre 2004). Peakbagger.com. Récupéré le 13 mars 2006.
L'historien du Dakota du Sud, Doane Robinson, est crédité d'avoir conçu l'idée de graver des portraits de personnages célèbres dans la région des Black Hills du Dakota du Sud afin de promouvoir le tourisme dans la région. L'idée initiale de Robinson était de sculpter les Aiguilles ; cependant, Gutzon Borglum a rejeté le site de Needles en raison de la mauvaise qualité du granit et de la forte opposition des groupes amérindiens. Ils se sont installés sur le site du mont Rushmore, qui présente également l’avantage d’être orienté vers le sud-est pour une exposition maximale au soleil. Robinson voulait qu'elle représente des héros occidentaux comme Lewis et Clark, Red Cloud et Buffalo Bill Cody, mais Borglum a décidé que la sculpture devrait avoir une portée plus nationale et a choisi les quatre présidents dont les portraits seraient gravés dans la montagne. Après avoir obtenu un financement fédéral grâce au parrainage enthousiaste du « grand mécène politique du mont Rushmore », le sénateur américain Peter Norbeck, la construction du mémorial commença en 1927 et les visages des présidents furent achevés entre 1934 et 1939. À la mort de Gutzon Borglum en mars 1941, son fils Lincoln Borglum a repris la construction. Bien que le concept initial prévoyait que chaque président soit représenté de la tête aux pieds, le manque de financement obligea la construction à s'arrêter fin octobre 1941.
Le mont Rushmore est devenu un symbole emblématique des États-Unis et est apparu dans des œuvres de fiction et a été discuté ou représenté dans d'autres œuvres populaires. Il attire plus de deux millions de personnes chaque année.
Histoire
Connue à l'origine par les Sioux Lakota sous le nom de « Les six grands-pères », la montagne a été rebaptisée en l'honneur de Charles E. Rushmore, un éminent avocat new-yorkais, lors d'une expédition en 1885. Au début, le projet de sculpter Rushmore a été entrepris pour accroître le tourisme dans le pays. Région des Black Hills du Dakota du Sud. Après de longues négociations impliquant une délégation du Congrès et le président Calvin Coolidge, le projet a reçu l'approbation du Congrès. La sculpture a commencé en 1927 et s'est terminée en 1941 sans mort.
En tant que Six Grands-Pères, la montagne faisait partie de l'itinéraire emprunté par le chef Lakota Black Elk dans un voyage spirituel qui a culminé à Harney Peak. À la suite d'une série de campagnes militaires de 1876 à 1878, les États-Unis ont affirmé leur contrôle sur la région, une revendication qui est toujours contestée sur la base du Traité de Fort Laramie de 1868 (voir la section « Controverse » ci-dessous). Parmi les colons américains, le sommet était connu sous les noms de Cougar Mountain, Sugarloaf Mountain, Slaughterhouse Mountain et Keystone Cliffs. Il a été nommé Mont Rushmore lors d'une expédition de prospection menée par Charles Rushmore, David Swanzey (mari de Carrie Ingalls) et Bill Challis. Keystone Area Historical Society [http://www.keystonechamber.com/kahs/characters.html Keystone Characters]. Récupéré le 3 octobre 2006.
L'historien Doane Robinson a eu l'idée du mont Rushmore en 1923 pour promouvoir le tourisme dans le Dakota du Sud. En 1924, Robinson persuada le sculpteur Gutzon Borglum de se rendre dans la région des Black Hills pour s'assurer que la sculpture pourrait être réalisée. Borglum avait participé à la sculpture du Confederate Memorial Carving, un énorme bas-relief commémoratif dédié aux dirigeants confédérés sur Stone Mountain en Géorgie, mais était en désaccord avec les responsables locaux.
Le plan initial était de réaliser les sculptures des piliers de granit connus sous le nom d'Aiguilles. Cependant, Borglum s'est rendu compte que les aiguilles érodées étaient trop fines pour permettre la sculpture. Il a choisi le mont Rushmore, un endroit plus grandiose, en partie parce qu'il était orienté vers le sud-est et bénéficiait d'une exposition maximale au soleil. Borglum a déclaré en voyant le mont Rushmore : « L'Amérique marchera le long de cet horizon ». Le Congrès a autorisé la Commission commémorative nationale du mont Rushmore le 3 mars 1925. Le président Coolidge a insisté pour que, aux côtés de Washington, deux républicains et un démocrate soient représentés. Fite, Gilbert C. Mount Rushmore (mai 2003). ISBN 0-9646798-5-X, l'étude scientifique standard.
Entre le 4 octobre 1927 et le 31 octobre 1941, Gutzon Borglum et 400 ouvriers ont sculpté les sculptures colossales de 18 m de haut des présidents américains George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt et Abraham Lincoln pour représenter les 130 premières années de Histoire américaine. Ces présidents ont été choisis par Borglum en raison de leur rôle dans la préservation de la République et l'expansion de son territoire. La sculpture du mont Rushmore impliquait l'utilisation de dynamite, suivie du processus de « nid d'abeilles », un processus dans lequel les ouvriers forent des trous rapprochés, permettant d'enlever de petits morceaux à la main. Au total, environ 200 000 roches ont été projetées à flanc de montagne. L'image de Thomas Jefferson devait à l'origine apparaître dans la zone située à droite de Washington, mais après le début des travaux, la roche s'est avérée inadaptée, de sorte que le travail sur la figure de Jefferson a été dynamité et une nouvelle figure a été sculptée pour Washington est à gauche.
En 1933, le National Park Service a pris le mont Rushmore sous sa juridiction. Julian Spotts a contribué au projet en améliorant son infrastructure. Par exemple, il a fait moderniser le tramway afin qu'il puisse atteindre le sommet du mont Rushmore pour le confort des travailleurs. Le 4 juillet 1934, le visage de Washington était terminé et inauguré. Le visage de Thomas Jefferson a été consacré en 1936 et celui d'Abraham Lincoln le 17 septembre 1937. En 1937, un projet de loi a été présenté au Congrès pour ajouter le chef de la leader des droits civiques Susan B. Anthony, mais un cavalier a été adopté un projet de loi de crédits exigeant que les fonds fédéraux soient utilisés pour terminer uniquement les projets déjà commencés à cette époque. « Chronologie : Mont Rushmore » (2002). Récupéré le 20 mars 2006. En 1939, le visage de Theodore Roosevelt est dédié.
L'atelier du sculpteur - une exposition de modèles en plâtre uniques et d'outils liés à la sculpture - a été construit en 1939 sous la direction de Borglum. Borglum mourut d'une embolie en mars 1941. Son fils, Lincoln Borglum, poursuivit le projet. À l'origine, il était prévu que les personnages soient sculptés de la tête à la taille, mais un financement insuffisant a forcé l'arrêt de la sculpture. Borglum avait également prévu un panneau massif en forme d'achat de la Louisiane commémorant en lettres dorées de huit pieds de haut la Déclaration d'indépendance, la Constitution américaine, l'achat de la Louisiane et sept autres acquisitions territoriales de l'Alaska au Texas en passant par la zone du canal de Panama. Au total, l'ensemble du projet a coûté 989 992,32 $ US. [http://iml.jou.ufl.edu/projects/students/Ahmann/rushmore.html Mémorial national du mont Rushmore]. Tourisme dans le Dakota du Sud. Laura R. Ahmann. Récupéré le 19 mars 2006. Fait inhabituel pour un projet d'une telle envergure, aucun ouvrier n'est mort pendant la sculpture.
Le 15 octobre 1966, le mont Rushmore a été inscrit au registre national des lieux historiques. Un essai de 500 mots sur l'histoire des États-Unis rédigé par William Andrew Burkett, étudiant du Nebraska, a été sélectionné comme lauréat du groupe d'âge universitaire lors d'un concours de 1934, et cet essai a été placé sur l'entablement sur une plaque de bronze en 1973. En 1991, Le président George H. W. Bush a officiellement inauguré le mont Rushmore.
Dans un canyon, derrière les faces sculptées se trouve une chambre, creusée à seulement 21 m dans la roche, contenant une voûte avec seize panneaux de porcelaine émaillée. Les panneaux comprennent le texte de la Déclaration d'indépendance et de la Constitution, les biographies des quatre présidents et de Borglum, ainsi que l'histoire des États-Unis. La chambre a été créée pour servir d'entrée à une « salle des archives » prévue ; le coffre-fort a été installé en 1998.
Dix années de travaux de réaménagement ont culminé avec l'achèvement de vastes installations pour les visiteurs et de trottoirs en 1998, tels qu'un centre d'accueil, le musée Lincoln Borglum et le sentier présidentiel. L'entretien du mémorial nécessite que les alpinistes surveillent et scellent les fissures chaque année. En raison de contraintes budgétaires, le mémorial n'est pas régulièrement nettoyé pour éliminer les lichens. Cependant, le 8 juillet 2005, Alfred Kärcher GmbH, un fabricant allemand de machines de lavage sous pression et de nettoyage à vapeur, a mené une opération de nettoyage gratuite qui a duré plusieurs semaines, en utilisant de l'eau sous pression à plus de 200 F.
Écologie
La flore et la faune du mont Rushmore sont similaires à celles du reste de la région des Black Hills du Dakota du Sud. Des oiseaux, dont le vautour à tête rouge, le pygargue à tête blanche, le faucon et l'alouette des prés, volent autour du mont Rushmore, créant parfois des sites de nidification sur les rebords de la montagne. Des oiseaux plus petits, notamment des oiseaux chanteurs, des sittelles et des pics, habitent les forêts de pins environnantes. Les mammifères terrestres comprennent la souris, le petit tamia, l'écureuil roux, la mouffette, le porc-épic, le raton laveur, le castor, le blaireau, le coyote, le mouflon d'Amérique, le lynx roux, le wapiti, le cerf mulet, la marmotte à ventre jaune et le bison d'Amérique. La rainette faux-grillon rayée, la rainette faux-grillon de l'ouest et la grenouille léopard du nord habitent également la région, ainsi que plusieurs espèces de serpents. Le ruisseau Grizzly Bear et le ruisseau Starling Basin, les deux ruisseaux du mémorial, abritent des poissons tels que le naseux longnose et l'omble de fontaine. Les chèvres de montagne ne sont pas indigènes dans la région. Ceux qui vivent près du mont Rushmore sont les descendants d'une tribu que le Canada a offerte au parc d'État Custer en 1924, et qui s'est ensuite échappée.
À des altitudes plus basses, des conifères, principalement le pin ponderosa, entourent la majeure partie du monument, offrant de l'ombre contre le soleil. D'autres arbres comprennent le chêne à gros fruits, l'épinette des Black Hills et le peuplier. Neuf espèces d'arbustes poussent près du mont Rushmore. Il existe également une grande variété de fleurs sauvages, notamment le muflier, le tournesol et la violette. Vers des altitudes plus élevées, la vie végétale devient plus clairsemée. Cependant, seulement environ cinq pour cent des espèces végétales trouvées dans les Black Hills sont indigènes à la région.
La région reçoit environ 18 pouces de précipitations en moyenne par an, suffisamment pour abriter une vie animale et végétale abondante. Les arbres et autres plantes contribuent à contrôler le ruissellement de surface. Les digues, les suintements et les sources aident à retenir l’eau qui coule vers le bas, fournissant ainsi des points d’abreuvement aux animaux. De plus, les pierres comme le grès et le calcaire aident à retenir les eaux souterraines, créant ainsi des aquifères.
Une étude des cicatrices de feu présentes dans les échantillons de cernes des arbres indique que des incendies de forêt se produisent dans les forêts de ponderosa entourant le mont Rushmore tous les 27 ans environ. Les grands incendies ne sont pas courants. La plupart des événements ont été des incendies au sol qui servent à éliminer les débris forestiers. La région est une communauté culminante. Les récentes infestations de dendroctones du pin ont menacé la forêt.
Géographie
Géologie
Le mont Rushmore est en grande partie composé de granit. Le mémorial est sculpté sur la marge nord-ouest du batholite de granit de Harney Peak dans les Black Hills du Dakota du Sud, de sorte que les formations géologiques du cœur de la région des Black Hills sont également évidentes au mont Rushmore. Le magma batholite a fait intrusion dans les roches de micaschistes préexistantes au Protérozoïque, il y a 1,6 milliard d’années. Les dykes de pegmatite à gros grains sont associés à l'intrusion granitique de Harney Peak et sont visiblement de couleur plus claire, expliquant ainsi les stries claires sur le front des présidents.
Les granites des Black Hills ont été exposés à l'érosion au cours du Néoprotérozoïque, mais ont ensuite été ensevelis par le grès et d'autres sédiments au cours du Cambrien. Restés enfouis tout au long du Paléozoïque, ils ont été à nouveau exposés lors de l'orogenèse du Laramide il y a environ 70 millions d'années. La région des Black Hills a été érigée en un dôme géologique allongé. L'érosion ultérieure a dépouillé le granite des sédiments sus-jacents et du schiste adjacent plus tendre. Il reste du schiste et peut être considéré comme le matériau le plus sombre juste en dessous de la sculpture de Washington.
La plus haute montagne de la région est Harney Peak (). Borglum a choisi le mont Rushmore comme site pour plusieurs raisons. La roche de la montagne est composée de granit lisse à grain fin. Le granit durable ne s'érode qu'une fois tous les 10 000 ans et était donc plus que suffisamment solide pour supporter la sculpture et son exposition à long terme. La hauteur de la montagne, à 5 725 pieds au-dessus du niveau de la mer, la rendait idéale et, comme elle est orientée vers le sud-est, les travailleurs bénéficiaient également de la lumière du soleil pendant la majeure partie de la journée.
Sols
La région du mont Rushmore repose sur des sols alfisols bruns à brun grisâtre foncé, bien drainés, de texture limoneuse très graveleuse (Mocmount) à limoneux limoneux (Buska).
Climat
Le mont Rushmore a un climat continental humide (Dwb dans la classification climatique de Koeppen). Il se trouve à l'intérieur d'une zone de rusticité des plantes USDA de 5a, ce qui signifie que certaines plantes de la région peuvent résister à une basse température d'au moins .
Les deux mois les plus humides de l'année sont mai et juin. L'ascenseur orographique provoque des orages brefs mais forts l'après-midi au cours de l'été.
Tourisme
Le tourisme est la deuxième industrie du Dakota du Sud et le mont Rushmore est la principale attraction touristique de l'État. En 2012, 2 185 447 personnes ont visité le parc. Dans les années 1950 et 1960, le Siouxan Benjamin Black Elk était la « cinquième face du mont Rushmore », posant pour des photos avec des milliers de touristes. Il est devenu l’une des personnes les plus photographiées au monde.
Conservation
La conservation continue du site est supervisée par le US National Park Service. Les efforts physiques visant à conserver le monument ont inclus le remplacement du mastic appliqué à l'origine par Gutzon Borglum, qui s'était révélé inefficace pour assurer la résistance à l'eau (les composants comprennent de l'huile de lin, de la poussière de granit et de la céruse). Un remplacement moderne de silicone a été utilisé, masqué par de la poussière de granit.
En 1998, des dispositifs de surveillance électroniques ont été installés pour suivre les mouvements dans la topologie de la sculpture avec une précision de 3 mm. Le site a ensuite été enregistré numériquement à l'aide d'une méthodologie de balayage laser terrestre en 2009 dans le cadre du projet international Scottish Ten, fournissant un enregistrement d'une résolution et d'une précision sans précédent pour éclairer la conservation du site. Ces données ont été rendues accessibles en ligne pour être librement utilisées par la communauté au sens large afin de faciliter une interprétation plus approfondie et un accès public.
Controverse
Le mont Rushmore est controversé parmi les Amérindiens parce que les États-Unis ont saisi la région de la tribu Lakota après la Grande Guerre Sioux de 1876. Le Traité de Fort Laramie de 1868 avait auparavant accordé les Black Hills aux Lakota à perpétuité. Des membres de l'American Indian Movement ont mené une occupation du monument en 1971, le nommant « Mount Crazy Horse ». Parmi les participants figuraient de jeunes militants, des grands-parents, des enfants et le saint homme Lakota, John Fire Lame Deer, qui a planté un bâton de prière au sommet de la montagne. Lame Deer a déclaré que le personnel formait un voile symbolique sur les visages des présidents « qui resteront sales jusqu'à ce que les traités concernant les Black Hills soient respectés ». Matthew Glass, « Produce Patriotic Inspiration at Mount Rushmore », Journal of the American Academy of Religion, Vol. 62, n° 2. (été 1994), pp. 265-283.
En 2004, le premier surintendant amérindien du parc, Gerard Baker, a été nommé. Baker a déclaré qu'il ouvrirait davantage de « voies d'interprétation » et que les quatre présidents ne constituent « qu'une seule voie et qu'un seul objectif ».
Le Crazy Horse Memorial est en cours de construction ailleurs dans les Black Hills pour commémorer le célèbre chef amérindien en réponse au mont Rushmore. Il est censé être plus grand que le mont Rushmore et bénéficie du soutien des chefs Lakota ; la Crazy Horse Memorial Foundation a rejeté les offres de fonds fédéraux. Cependant, ce mémorial fait également l’objet de controverses, même au sein de la communauté amérindienne.
Dans la culture populaire
En raison de sa renommée en tant que monument, le mont Rushmore a été représenté à plusieurs endroits de la culture populaire. Il est souvent représenté comme une couverture pour un lieu secret ; affiché avec des visages supprimés, modifiés ou ajoutés ; ou parodié. Le mémorial a également été utilisé comme lieu de la scène de poursuite culminante dans le film North by Northwest d'Alfred Hitchcock de 1959.
Héritage et commémoration
Le 11 août 1952, le bureau de poste des États-Unis a émis le timbre commémoratif du Mont Rushmore Memorial à l'occasion du 25e anniversaire de l'inauguration du Mont. Rushmore National Memorial dans les Black Hills du Dakota du Sud. Le 2 janvier 1974, un timbre-avion de 26 cents représentant le monument a également été émis. | http://quiz4free.com/ |
Qui a été le seul boxeur à avoir remporté plus de combats pour le titre des poids lourds que Muhammad Ali ? | Joe Louis | [
"Parmi les boxeurs-puncheurs notables figurent Muhammad Ali, Wladimir Klitschko, Lennox Lewis, Joe Louis, Wilfredo Gómez, Oscar de la Hoya, Archie Moore, Miguel Cotto, Nonito Donaire, Sam Langford, Henry Armstrong, Sugar Ray Robinson, Tony Zale, Carlos Monzón, Alexis Argüello, Erik Morales, Terry Norris, Marco Antonio Barrera, Naseem Hamed et Thomas Hearns.",
"Bien que les combattants internes luttent contre les cogneurs lourds, ils obtiennent généralement plus de succès contre les combattants extérieurs ou les boxeurs. Les combattants préfèrent un combat plus lent, avec une certaine distance entre eux et l'adversaire. Le combattant intérieur tente de combler cet écart et de déclencher de furieuses rafales. À l’intérieur, le combattant perd une grande partie de son efficacité au combat, car il ne peut pas lancer de coups violents. L'in-fighter réussit généralement dans ce cas, en raison de son intensité à avancer sur son adversaire et de sa bonne agilité, qui le rend difficile à esquiver. Par exemple, le grouillant Joe Frazier, bien que facilement dominé par le cogneur George Foreman, a réussi à créer bien plus de problèmes au boxeur Muhammad Ali dans ses trois combats. Joe Louis, après sa retraite, a admis qu'il détestait être bondé et que des groupes comme le champion invaincu Rocky Marciano lui auraient causé des problèmes de style même à son apogée."
] | La boxe est un art martial et un sport de combat dans lequel deux personnes portant des gants de protection se lancent des coups de poing pendant une durée prédéterminée sur un ring de boxe.
La boxe amateur est à la fois un sport olympique et un sport du Commonwealth et est un élément courant de la plupart des jeux internationaux. Elle possède également ses propres championnats du monde. La boxe est supervisée par un arbitre sur une série d'intervalles d'une à trois minutes appelés rounds. Le résultat est décidé lorsqu'un adversaire est jugé incapable de continuer par un arbitre, est disqualifié pour avoir enfreint une règle, démissionne en jetant l'éponge ou est déclaré vainqueur ou perdant sur la base des tableaux de bord des juges à la fin du concours. Dans le cas où les deux combattants obtiennent des notes égales de la part des juges, le combat est considéré comme un match nul (boxe professionnelle). En boxe olympique, du fait qu'un vainqueur doit être déclaré, en cas d'égalité, les juges utilisent des critères techniques pour choisir le vainqueur le plus méritant du combat.
Bien que les gens se battent au corps à corps depuis bien avant l'aube de l'histoire, l'origine de la boxe en tant que sport organisé pourrait être son acceptation par les anciens Grecs comme jeu olympique en 688 avant JC. La boxe a évolué du 16e au 18e siècle. siècle, en grande partie en Grande-Bretagne, jusqu'au précurseur de la boxe moderne au milieu du XIXe siècle, toujours d'abord en Grande-Bretagne et plus tard aux États-Unis.
Histoire
Histoire ancienne
Voir aussi Boxe grecque antique
La première représentation connue de la boxe provient d'un relief sumérien en Irak du 3ème millénaire avant notre ère. Des représentations ultérieures du 2ème millénaire avant notre ère se trouvent dans les reliefs des nations mésopotamiennes d'Assyrie et de Babylonie, et dans l'art hittite d'Asie Mineure. Les premières preuves de combats au poing avec tout type de gants peuvent être trouvées en Crète minoenne (environ 1650-1400 avant notre ère) et en Sardaigne, si l'on considère les statues de boxe des montagnes de Prama (environ 2000-1000 avant notre ère).
La boxe était un sport de spectateur populaire dans la Rome antique. Afin que les combattants se protègent contre leurs adversaires, ils enroulaient des lanières de cuir autour de leurs poings. Finalement, du cuir plus dur fut utilisé et la lanière devint bientôt une arme. Les Romains ont même introduit des clous métalliques sur les lanières pour fabriquer le cestus, ce qui a ensuite conduit à une arme plus sinistre appelée le myrmex (« perceur de membres »). Des combats ont eu lieu dans les amphithéâtres romains. La forme romaine de la boxe consistait souvent en un combat jusqu'à la mort pour plaire aux spectateurs rassemblés lors de tels événements. Cependant, surtout plus tard, les esclaves achetés et les combattants entraînés étaient des biens précieux, et leurs vies n'étaient pas abandonnées sans considération. Souvent, les esclaves étaient utilisés les uns contre les autres dans un cercle marqué au sol. C’est de là que vient le terme bague. En 393 après JC, à l’époque des gladiateurs romains, la boxe fut abolie en raison d’une brutalité excessive. Ce n’est qu’à la fin du XVIIe siècle que la boxe refait surface à Londres.
Règles du ring des premiers prix de Londres
Les archives de l'activité de boxe classique ont disparu après la chute de l'Empire romain d'Occident, lorsque le port d'armes est redevenu courant et que l'intérêt pour le combat à coups de poing a diminué. Cependant, il existe des archives détaillées de divers sports de combat au poing qui ont été conservés dans différentes villes et provinces d'Italie entre le XIIe et le XVIIe siècle. Il y avait aussi un sport dans la Rus antique appelé Kulachniy Boy ou « Combat au poing ».
À mesure que le port de l’épée devenait moins courant, l’escrime aux poings suscitait un regain d’intérêt. Le sport refait surface plus tard en Angleterre au début du XVIe siècle sous la forme de boxe à mains nues, parfois appelée combat de prix. Le premier récit documenté d'un combat à mains nues en Angleterre est apparu en 1681 dans le London Protestant Mercury, et le premier champion anglais à mains nues fut James Figg en 1719. C'est aussi l'époque où le mot « boxe » est apparu pour la première fois. utilisé. Il convient de noter que cette première forme de boxe moderne était très différente. À l'époque de M. Figg, les concours comportaient, outre les combats au poing, l'escrime et les coups de bâton. Le 6 janvier 1681, le premier match de boxe enregistré a eu lieu en Grande-Bretagne lorsque Christopher Monck, 2e duc d'Albemarle (et plus tard lieutenant-gouverneur de la Jamaïque) a organisé un combat entre son majordome et son boucher, ce dernier remportant le prix.
Les premiers combats n'avaient pas de règles écrites. Il n'y avait pas de divisions de poids ni de limites de tours, ni d'arbitre. En général, c'était extrêmement chaotique. Un premier article sur la boxe a été publié à Nottingham, en 1713, par Sir Thomas Parkyns, un lutteur à succès de Bunny, dans le Nottinghamshire, qui avait pratiqué les techniques qu'il avait décrites. L'article, une seule page de son manuel de lutte et d'escrime, Progymnasmata : The inn-play, ou Cornish-hugg wrestler, décrivait un système de coups de tête, de coups de poing, d'arrachements des yeux, d'étranglements et de lancers durs, non reconnu dans la boxe aujourd'hui. .
Les premières règles de boxe, appelées règles de Broughton, ont été introduites par le champion Jack Broughton en 1743 pour protéger les combattants sur le ring où des décès survenaient parfois. Selon ces règles, si un homme tombait et ne pouvait plus continuer après un décompte de 30 secondes, le combat était terminé. Il était interdit de frapper un combattant abattu et de le saisir sous la taille. Broughton a encouragé l'utilisation de « silencieux », une forme de bandage ou de moufle rembourrée, à utiliser lors des « joutes » ou des séances d'entraînement à l'entraînement et lors des matchs d'exhibition.
Ces règles donnaient aux combattants un avantage dont ne jouissaient pas les boxeurs d'aujourd'hui ; ils ont permis au combattant de se mettre à genoux pour commencer un décompte de 30 secondes à tout moment. Ainsi, un combattant se rendant compte qu’il était en difficulté avait une opportunité de se rétablir. Cependant, cela était considéré comme « peu viril » et était fréquemment refusé par des règles supplémentaires négociées par les Seconds of the Boxers. Tomber intentionnellement dans la boxe moderne fera perdre des points au combattant en convalescence dans le système de notation. De plus, comme les concurrents ne portaient pas de gants en cuir épais ni de bandeaux pour protéger leurs mains, ils ont utilisé différentes techniques de frappe pour préserver leurs mains, car la tête était une cible courante pour frapper à fond. Presque tous les manuels d'époque comportent de puissants coups de poing droits avec tout le corps derrière eux jusqu'au visage (y compris le front) comme coups de base.
Règles du marquis de Queensberry (1867)
En 1867, les règles du marquis de Queensberry ont été rédigées par John Chambers pour les championnats amateurs organisés à Lillie Bridge à Londres pour les poids légers, moyens et lourds. Les règles ont été publiées sous le patronage du marquis de Queensberry, dont le nom leur a toujours été associé.
Il y avait douze règles en tout, et elles précisaient que les combats devaient être « un match de boxe debout équitable » dans un ring de 24 pieds carrés ou similaire. Les tours duraient trois minutes avec des intervalles de repos d'une minute entre les tours. Chaque combattant recevait un décompte de dix secondes s'il était renversé, et la lutte était interdite.
L'introduction de gants de « bonne taille » a également modifié la nature des combats. Une paire de gants de boxe moyenne ressemble à une paire de mitaines gonflées et est lacée autour des poignets.
Les gants peuvent être utilisés pour bloquer les coups d'un adversaire. À la suite de leur introduction, les combats sont devenus plus longs et plus stratégiques, une plus grande importance étant accordée aux manœuvres défensives telles que la glissade, le saut, la contre-attaque et la pêche à la ligne. Parce que moins d'accent défensif a été mis sur l'utilisation des avant-bras et plus sur les gants, la position classique des avant-bras vers l'extérieur, le torse penché en arrière du boxeur à mains nues a été modifiée pour une position plus moderne dans laquelle le torse est incliné vers l'avant et les mains sont tenu plus près du visage.
Fin du 19e et début du 20e siècle
À la fin du XIXe siècle, l’art martial de la boxe ou du combat de prix était avant tout un sport à la légitimité douteuse. Interdites en Angleterre et dans une grande partie des États-Unis, les combats de prix se déroulaient souvent dans des lieux de jeu et étaient interrompus par la police. Les tactiques de bagarre et de lutte se sont poursuivies et les émeutes lors des combats de prix étaient monnaie courante. Pourtant, tout au long de cette période, sont apparus des champions notables qui ont développé des tactiques de combat assez sophistiquées.
L'affaire anglaise R contre Coney en 1882 a conclu qu'une bagarre à mains nues était une agression entraînant des lésions corporelles réelles, malgré le consentement des participants. Cela a marqué la fin des concours publics généralisés à mains nues en Angleterre.
Le premier champion du monde des poids lourds selon les règles de Queensberry fut « Gentleman Jim » Corbett, qui battit John L. Sullivan en 1892 au Pelican Athletic Club de la Nouvelle-Orléans.
Le premier cas de censure cinématographique aux États-Unis s'est produit en 1897, lorsque plusieurs États ont interdit la projection de films de combat primés dans l'État du Nevada, où c'était légal à l'époque.
Tout au long du début du XXe siècle, les boxeurs ont eu du mal à acquérir une légitimité. Ils ont été aidés par l'influence de promoteurs comme Tex Rickard et la popularité de grands champions comme John L. Sullivan.
Règles
Les règles du Marquis de Queensberry sont les règles générales régissant la boxe moderne depuis leur publication en 1867.
Un match de boxe consiste généralement en un nombre déterminé de rounds de trois minutes, pour un total de 9 à 12 rounds. Une minute est généralement passée entre chaque tour avec les combattants dans les coins qui leur sont assignés, recevant les conseils et l'attention de leur entraîneur et de leur personnel. Le combat est contrôlé par un arbitre qui travaille à l'intérieur du ring pour juger et contrôler la conduite des combattants, statuer sur leur capacité à combattre en toute sécurité, compter les combattants renversés et statuer sur les fautes.
Jusqu'à trois juges sont généralement présents au bord du ring pour marquer le combat et attribuer des points aux boxeurs, en fonction des coups de poing qui se connectent, de la défense, des renversements et d'autres mesures plus subjectives. En raison du style ouvert de jugement de la boxe, de nombreux combats ont des résultats controversés, dans lesquels l'un ou les deux combattants croient avoir été « volés » ou injustement privés de victoire. Chaque combattant dispose d'un coin du ring assigné, que son entraîneur, ainsi qu'une ou plusieurs « secondes » peuvent administrer au combattant au début du combat et entre les rounds. Chaque boxeur entre sur le ring depuis le coin qui lui est attribué au début de chaque tour et doit cesser de se battre et retourner dans son coin à la fin signalée de chaque tour.
Un combat dans lequel le nombre prédéterminé de tours est décidé par les juges et est censé « tenir la distance ». Le combattant avec le score le plus élevé à la fin du combat est déclaré vainqueur. Avec trois juges, des décisions unanimes et partagées sont possibles, tout comme des tirages au sort. Un boxeur peut gagner le combat avant qu'une décision ne soit prise par KO ; on dit que ces combats se sont terminés « à distance ». Si un combattant est renversé pendant le combat, déterminé par le fait que le boxeur touche le sol en toile du ring avec une partie de son corps autre que les pieds à la suite du coup de poing de l'adversaire et non d'une glissade, comme déterminé par l'arbitre, l'arbitre commence à compter jusqu'à ce que le combattant se remette sur pied et puisse continuer.
Si l'arbitre compte jusqu'à dix, alors le boxeur renversé est déclaré « assommé » (qu'il soit inconscient ou non) et l'autre boxeur est déclaré vainqueur par KO (KO). Un « KO technique » (TKO) est également possible et est décidé par l'arbitre, le médecin du combat ou le coin d'un combattant si un combattant est incapable de continuer à se battre en toute sécurité, en raison de blessures ou s'il est jugé incapable de se défendre efficacement. eux-mêmes. De nombreuses juridictions et agences de sanction ont également une « règle des trois renversements », dans laquelle trois renversements au cours d'un tour donné entraînent un TKO. Un TKO est considéré comme un KO dans le record d'un combattant. Une règle de décompte des « huit debout » peut également être en vigueur. Cela donne à l'arbitre le droit d'intervenir et de compter jusqu'à huit à un combattant qu'il estime être en danger, même si aucun renversement n'a eu lieu. Après le décompte, l'arbitre observera le combattant et décidera s'il est apte à continuer. Aux fins de notation, un compte de huit debout est traité comme un renversement.
En général, il est interdit aux boxeurs de frapper sous la ceinture, de tenir, de trébucher, de pousser, de mordre ou de cracher. Le short du boxeur est relevé afin que l'adversaire ne soit pas autorisé à frapper l'aine dans l'intention de provoquer une douleur ou une blessure. Le non-respect du premier peut entraîner une faute. Il leur est également interdit de donner des coups de pied, des coups de tête ou de frapper avec toute partie du bras autre que les jointures d'un poing fermé (y compris frapper avec le coude, l'épaule ou l'avant-bras, ainsi qu'avec des gants ouverts, le poignet, l'intérieur). , dos ou côté de la main). Il leur est également interdit de frapper le dos, la nuque ou la tête (appelé « coup de lapin ») ou les reins. Il leur est interdit de tenir les cordes pour se soutenir lorsqu'ils frappent, de tenir un adversaire pendant qu'ils frappent ou de se baisser sous la ceinture de leur adversaire (en tombant sous la taille de votre adversaire, quelle que soit la distance qui les sépare).
Si un « corps à corps » – un mouvement défensif dans lequel un boxeur enroule les bras de son adversaire et s'y accroche pour créer une pause – est interrompu par l'arbitre, chaque combattant doit reculer complètement avant de frapper à nouveau (alternativement, l'arbitre peut ordonner aux combattants de « sortir » du corps à corps). Lorsqu'un boxeur est renversé, l'autre boxeur doit immédiatement cesser de se battre et se déplacer vers le coin neutre le plus éloigné du ring jusqu'à ce que l'arbitre ait prononcé un KO ou demandé la poursuite du combat.
Les violations de ces règles peuvent être considérées comme des « fautes » par l'arbitre, qui peut émettre des avertissements, déduire des points ou disqualifier un boxeur fautif, provoquant une perte automatique, en fonction de la gravité et de l'intentionnalité de la faute. Une faute intentionnelle qui provoque une blessure empêchant la poursuite d'un combat entraîne généralement la disqualification du boxeur qui l'a commise. Un combattant qui subit un coup bas accidentel peut disposer de cinq minutes pour récupérer, après quoi il peut être déclaré KO s'il est incapable de continuer. Les fautes accidentelles qui provoquent des blessures mettant fin à un combat peuvent conduire à un résultat « sans contestation », ou bien faire en sorte que le combat aboutisse à une décision si suffisamment de rounds (généralement quatre ou plus, ou au moins trois dans un combat de quatre rounds) se sont écoulés. .
Inédit de nos jours, mais courant au début du 20e siècle en Amérique du Nord, une « décision de journal (NWS) » pouvait être prise après la fin d'un combat sans décision. Un combat « sans décision » se produisait lorsque, selon la loi ou par arrangement préalable des combattants, si les deux boxeurs étaient toujours debout à la fin du combat et qu'il n'y avait pas de KO, aucune décision officielle n'était rendue et aucun des deux boxeurs n'était déclaré vainqueur. Mais cela n'a pas empêché l'ensemble des journalistes des journaux du ring de déclarer entre eux un résultat consensuel et d'imprimer la décision du journal dans leurs publications. Officiellement, cependant, un combat « sans décision » n'a abouti à aucune victoire ou défaite du boxeur. Les historiens de la boxe utilisent parfois ces décisions non officielles des journaux pour compiler des records de combat à des fins d'illustration uniquement. Souvent, les médias couvrant un match notent personnellement le match et publient leurs scores sous forme de phrase indépendante dans leur rapport.
Boxe professionnelle ou amateur
Du XVIIe au XIXe siècle, les combats de boxe étaient motivés par l'argent : les combattants se disputaient les prix en argent, les promoteurs contrôlaient la porte et les spectateurs pariaient sur le résultat. Le mouvement olympique moderne a ravivé l'intérêt pour les sports amateurs et la boxe amateur est devenue un sport olympique en 1908. Dans leur forme actuelle, les combats olympiques et autres combats amateurs sont généralement limités à trois ou quatre tours, le score étant calculé en points en fonction du nombre de victoires sans faute. les coups sont portés, quel que soit l'impact, et les combattants portent un casque de protection, réduisant ainsi le nombre de blessures, de renversements et de KO. Actuellement, les coups portés en boxe amateur sont comptés subjectivement par les juges du ring, mais l'Institut australien du sport a démontré un prototype de système automatisé de notation de boxe, qui introduit l'objectivité des scores, améliore la sécurité et rend sans doute le sport plus intéressant pour les spectateurs. La boxe professionnelle reste de loin la forme de sport la plus populaire dans le monde, bien que la boxe amateur soit dominante à Cuba et dans certaines anciennes républiques soviétiques. Pour la plupart des combattants, une carrière amateur, notamment aux Jeux olympiques, permet de développer des compétences et d’acquérir de l’expérience en vue d’une carrière professionnelle.
Boxe amateur
La boxe amateur peut être pratiquée au niveau collégial, aux Jeux olympiques et aux Jeux du Commonwealth, ainsi que dans de nombreux autres sites sanctionnés par les associations de boxe amateur. La boxe amateur dispose d'un système de pointage qui mesure le nombre de coups nets portés plutôt que les dégâts physiques. Les combats comprennent trois rounds de trois minutes aux Jeux olympiques et du Commonwealth, et trois rounds de trois minutes dans un combat national de l'ABA (Amateur Boxing Association), chacun avec un intervalle d'une minute entre les rounds.
Les concurrents portent un casque de protection et des gants avec une bande ou un cercle blanc sur la jointure. Il existe cependant des cas où des gants blancs aux extrémités ne sont pas requis, mais n'importe quelle couleur unie peut être portée. L'extrémité blanche est simplement un moyen de permettre aux juges de marquer plus facilement des coups sûrs. Chaque compétiteur doit avoir les mains correctement enveloppées, avant le combat, pour une protection supplémentaire sur ses mains et pour un coussin supplémentaire sous les gants. Les gants portés par les combattants doivent peser douze onces à moins que les combattants ne pèsent moins de 165 livres, leur permettant ainsi de porter des gants de 10 onces. Un coup de poing est considéré comme un coup de poing marquant uniquement lorsque les boxeurs se connectent avec la partie blanche des gants. Chaque coup de poing qui atterrit proprement sur la tête ou le torse avec une force suffisante rapporte un point. Un arbitre surveille le combat pour s'assurer que les concurrents n'utilisent que des coups légaux. Une ceinture portée sur le torse représente la limite inférieure des coups de poing – tout boxeur frappant à plusieurs reprises des coups bas en dessous de la ceinture est disqualifié. Les arbitres veillent également à ce que les boxeurs n'utilisent pas de tactiques de maintien pour empêcher l'adversaire de se balancer. Si cela se produit, l'arbitre sépare les adversaires et leur ordonne de continuer à boxer. Une détention répétée peut entraîner une pénalité ou finalement une disqualification d'un boxeur. Les arbitres arrêteront le combat si un boxeur est gravement blessé, si un boxeur domine significativement l'autre ou si le score est gravement déséquilibré. Les combats amateurs qui se terminent de cette façon peuvent être notés "RSC" (arbitre arrêté) avec des notations pour un adversaire surclassé (RSCO), un adversaire surclassé (RSCOS), une blessure (RSCI) ou un traumatisme crânien (RSCH).
Boxe professionnelle
Les combats professionnels sont généralement beaucoup plus longs que les combats amateurs, allant généralement de dix à douze rounds, bien que les combats en quatre rounds soient courants pour les combattants moins expérimentés ou les combattants de club. Il existe également des combats professionnels en deux et trois tours, notamment en Australie. Au début du XXe siècle, il était courant que les combats aient des rounds illimités, ne se terminant que lorsqu'un combattant abandonnait, ce qui profitait aux combattants à haute énergie comme Jack Dempsey. Quinze rounds sont restés la limite internationalement reconnue pour les combats de championnat pendant la majeure partie du XXe siècle jusqu'au début des années 1980, lorsque la mort du boxeur Duk Koo Kim a finalement incité le Conseil mondial de boxe et d'autres organisations sanctionnant la boxe professionnelle à réduire la limite à douze rounds.
Les couvre-chefs ne sont pas autorisés dans les combats professionnels et les boxeurs sont généralement autorisés à subir beaucoup plus de dégâts avant l'arrêt du combat. A tout moment, l'arbitre peut arrêter le combat s'il estime qu'un participant ne peut pas se défendre en raison d'une blessure. Dans ce cas, l’autre participant remporte une victoire technique. Un KO technique serait également accordé si un combattant donne un coup de poing qui ouvre une coupure sur l'adversaire, et que l'adversaire est ensuite jugé inapte à continuer par un médecin en raison de la coupure. Pour cette raison, les combattants emploient souvent des cutmen, dont le travail consiste à traiter les coupures entre les rounds afin que le boxeur puisse continuer malgré la coupure. Si un boxeur arrête simplement le combat, ou si son coin arrête le combat, alors le boxeur gagnant remporte également une victoire par élimination directe technique. Contrairement à la boxe amateur, les boxeurs professionnels masculins doivent être torse nu.
Styles de boxe
Définition du style
Le « style » est souvent défini comme l'approche stratégique qu'un combattant adopte lors d'un combat. Il n'y a pas deux styles de combattant identiques, car ils sont déterminés par les attributs physiques et mentaux de chaque individu. Trois styles principaux existent en boxe : le combattant extérieur (« boxeur »), le bagarreur (ou « cogneur ») et le combattant intérieur (« swarmer »). Ces styles peuvent être divisés en plusieurs sous-groupes spéciaux, tels que le contre-perforateur, etc. La philosophie principale des styles est que chaque style a un avantage sur l'un, mais un désavantage sur l'autre. Il suit le scénario pierre-papier-ciseaux : le boxeur bat le bagarreur, le bagarreur bat le swarmer et le swarmer bat le boxeur.
Boxeur/combattant
Un « boxeur » ou styliste classique (également connu sous le nom de « combattant ») cherche à maintenir une distance entre lui et son adversaire, en combattant avec des coups de poing plus rapides et à plus longue portée, notamment le jab, et en épuisant progressivement son adversaire. En raison de cette dépendance à l'égard de coups de poing plus faibles, les combattants sortants ont tendance à gagner par décisions de points plutôt que par KO, bien que certains combattants sortants aient des records de KO notables. Ils sont souvent considérés comme les meilleurs stratèges de boxe en raison de leur capacité à contrôler le rythme du combat et à diriger leur adversaire, en l'épuisant méthodiquement et en faisant preuve de plus d'habileté et de finesse qu'un bagarreur. Les combattants extérieurs ont besoin de portée, de vitesse des mains, de réflexes et de jeu de jambes.
Parmi les combattants notables figurent Muhammad Ali, Larry Holmes, Joe Calzaghe Wilfredo Gomez,
Salvador Sanchez, Cecilia Brækhus, Gene Tunney, Ezzard Charles, Willie Pep, Meldrick Taylor, Ricardo Lopez, Floyd Mayweather, Roy Jones, Jr., Sugar Ray Leonard, Miguel Vazquez, Sergio "Wonder" Martinez, Vitali Klitschko, Wladimir Klitschko et Guillaume Rigondeaux. Ce style a également été utilisé par le boxeur fictif Apollo Creed.
Boxer-puncheur
Un boxeur-puncheur est un boxeur complet qui est capable de se battre à bout portant avec une combinaison de technique et de puissance, souvent avec la capacité d'assommer ses adversaires avec une combinaison et, dans certains cas, d'un seul coup. Leurs mouvements et leurs tactiques sont similaires à ceux d'un combattant extérieur (bien qu'ils ne soient généralement pas aussi mobiles qu'un combattant extérieur), mais au lieu de gagner par décision, ils ont tendance à épuiser leurs adversaires en utilisant des combinaisons, puis à se déplacer pour marquer. le KO. Un boxeur doit être bien équilibré pour être efficace dans ce style.
Parmi les boxeurs-puncheurs notables figurent Muhammad Ali, Wladimir Klitschko, Lennox Lewis, Joe Louis, Wilfredo Gómez, Oscar de la Hoya, Archie Moore, Miguel Cotto, Nonito Donaire, Sam Langford, Henry Armstrong, Sugar Ray Robinson, Tony Zale, Carlos Monzón, Alexis Argüello, Erik Morales, Terry Norris, Marco Antonio Barrera, Naseem Hamed et Thomas Hearns.
Contre-perforateur
Les contre-puncheurs sont des combattants glissants et défensifs qui s'appuient souvent sur les erreurs de leur adversaire pour prendre l'avantage, que ce soit sur les cartes de score ou, de préférence, par KO. Ils utilisent leur défense complète pour éviter ou bloquer les tirs, puis prennent immédiatement l'adversaire au dépourvu avec un coup de poing bien placé et chronométré. Un combat avec un contre-perforateur habile peut se transformer en une guerre d'usure, où chaque tir réussi est une bataille en soi. Ainsi, lutter contre des contre-puncheurs nécessite une feinte constante et la capacité d'éviter de télégraphier ses attaques. Pour réussir vraiment dans ce style, ils doivent avoir de bons réflexes, un haut niveau de prédiction et de conscience, une précision et une vitesse exceptionnelles, tant dans la frappe que dans le jeu de jambes.
Les contre-puncheurs notables incluent Muhammad Ali, Vitali Klitschko, Evander Holyfield, Max Schmeling, Chris Byrd, Jim Corbett, Jack Johnson, Bernard Hopkins, Laszlo Papp, Jerry Quarry, Anselmo Moreno, James Toney, Marvin Hagler, Juan Manuel Márquez, Humberto Soto, Floyd Mayweather, Jr., Roger Mayweather, Pernell Whitaker, Sergio Gabriel Martinez et Guillermo Rigondeaux.
Les contre-puncheurs fatiguent généralement leurs adversaires en leur faisant rater leurs coups. Plus l'adversaire rate son coup, plus il se fatigue vite et les effets psychologiques de son incapacité à réussir un coup commenceront à se faire sentir. Le contre-poinçon essaie souvent de surpasser complètement son adversaire, non seulement dans un sens physique, mais aussi dans un sens. sens mental et émotionnel. Ce style peut être incroyablement difficile, en particulier contre des combattants chevronnés, mais gagner un combat sans se faire toucher en vaut souvent la peine. Ils essaient généralement de rester à l’écart du centre du ring, afin de déjouer et d’attaquer leurs adversaires. Un grand avantage de la contre-attaque est l'élan vers l'avant de l'attaquant, qui le pousse plus loin dans votre frappe de retour. En tant que tels, les KO sont plus courants que ce à quoi on pourrait s’attendre d’un style défensif.
Bagarreur/cogneur
Un bagarreur est un combattant qui manque généralement de finesse et de jeu de jambes sur le ring, mais qui compense par sa puissance de frappe. Ce sont principalement des boxeurs irlandais, irlandais-américains, portoricains, mexicains et mexico-américains qui ont popularisé ce style. De nombreux bagarreurs ont tendance à manquer de mobilité, préférant une plate-forme moins mobile et plus stable et ont du mal à poursuivre des combattants rapides. Ils peuvent également avoir tendance à ignorer les coups de poing combinés en faveur de coups continus avec une seule main et en lançant des coups de poing simples plus lents et plus puissants (tels que des crochets et des uppercuts). Leur lenteur et leur schéma de frappe prévisible (coups simples avec des pistes évidentes) les laissent souvent vulnérables aux contre-coups, de sorte que les bagarreurs qui réussissent doivent être capables d'absorber des quantités substantielles de punition. Cependant, tous les combattants bagarreurs/sluggers ne sont pas mobiles ; certains peuvent se déplacer et changer de style si nécessaire mais ont toujours le style bagarreur/cogneur comme Wilfredo Gómez, Prince Naseem Hamed et Danny García.
Les atouts les plus importants d'un bagarreur sont la puissance et le menton (la capacité d'absorber les punitions tout en restant capable de continuer à boxer). Des exemples de ce style incluent George Foreman, Rocky Marciano, Julio Cesar Chavez, Roberto Duran, Danny García, Wilfredo Gómez, Sonny Liston, John L. Sullivan, Max Baer, Prince Naseem Hamed, Ray Mancini, David Tua, Arturo Gatti, Micky Ward. , Brandon Ríos, Ruslan Provodnikov, Michael Katsidis, James Kirkland, Marcos Maidana, Jake Lamotta, Manny Pacquiao et l'Irlandais John Duddy. Ce style de boxe a également été utilisé par les boxeurs fictifs Rocky Balboa et James « Clubber » Lang.
Les bagarreurs ont tendance à être plus prévisibles et plus faciles à frapper, mais s'en sortent généralement assez bien contre d'autres styles de combat car ils s'entraînent très bien à encaisser les coups. Ils ont souvent plus de chances que les autres styles de combat de mettre KO leurs adversaires, car ils se concentrent sur les coups gros et puissants, plutôt que sur des attaques plus petites et plus rapides. Souvent, ils se concentrent sur l’entraînement du haut du corps plutôt que sur l’ensemble de leur corps, pour augmenter leur puissance et leur endurance. Ils visent également à intimider leurs adversaires en raison de leur puissance, de leur stature et de leur capacité à encaisser un coup de poing.
Essaimeur/combattant
Les combattants/swarmers (parfois appelés « combattants sous pression ») tentent de rester proches d'un adversaire, lançant des rafales intenses et des combinaisons de crochets et d'uppercuts. Un combattant qui réussit a souvent besoin d'un bon « menton », car l'essaimage implique généralement d'être frappé avec de nombreux coups avant de pouvoir manœuvrer à l'intérieur, là où il est plus efficace. Les combattants fonctionnent mieux à courte distance car ils sont généralement plus petits et ont moins de portée que leurs adversaires et sont donc plus efficaces à courte distance où les bras plus longs de leurs adversaires rendent les coups de poing difficiles. Cependant, plusieurs combattants de grande taille pour leur division ont été relativement habiles dans les combats internes comme dans les combats extérieurs.
L’essence d’un swarmer est une agression non-stop. De nombreux combattants de petite taille utilisent leur stature à leur avantage, employant une défense bob-and-weave en se penchant au niveau de la taille pour se glisser sous ou sur les côtés des coups de poing entrants. Contrairement au blocage, faire rater un coup de poing à un adversaire perturbe son équilibre, permet un mouvement vers l'avant au-delà du bras tendu de l'adversaire et garde les mains libres pour contrer. Un avantage distinctif des combattants est qu'ils peuvent canaliser tout leur poids derrière le coup de poing lorsqu'ils lancent des uppercuts ; Mike Tyson était célèbre pour ses uppercuts dévastateurs. Marvin Hagler était connu pour son « menton » dur, sa puissance de frappe, ses attaques corporelles et le harcèlement de ses adversaires. Certains combattants, comme Mike Tyson, sont connus pour être notoirement difficiles à toucher. La clé d'un essaimeur est l'agressivité, l'endurance, le menton et le mouvement.
Les combattants notables incluent Julio César Chávez, Miguel Cotto, Joe Frazier, Danny García, Mike Tyson, Manny Pacquiao, Saúl Álvarez, Rocky Marciano, Jack Dempsey, Wayne McCullough, Gerry Penalosa, Harry Greb, David Tua, Ricky Hatton et Gennady Golovkin. .
Combinaisons de styles
Tous les combattants possèdent des compétences principales avec lesquelles ils se sentent le plus à l'aise, mais les véritables combattants d'élite sont souvent capables d'incorporer des styles auxiliaires lorsqu'ils sont confrontés à un défi particulier. Par exemple, un combattant extérieur plantera parfois ses pieds et contrera un coup de poing, ou un cogneur peut avoir l'endurance nécessaire pour faire pression sur le combat avec ses coups de poing puissants.
Correspondances de styles
Il existe une règle empirique généralement acceptée concernant le succès de chacun de ces styles de boxe par rapport aux autres. En général, un combattant intérieur a un avantage sur un combattant extérieur, un combattant extérieur a un avantage sur un bagarreur et un bagarreur a un avantage sur un combattant intérieur ; ceux-ci forment un cycle dans lequel chaque style est plus fort par rapport à l'un et plus faible par rapport à l'autre, sans qu'aucun ne domine, comme dans les ciseaux à papier-pierre. Naturellement, de nombreux autres facteurs, tels que le niveau de compétence et l'entraînement des combattants, déterminent l'issue d'un combat, mais la croyance largement répandue en cette relation entre les styles s'incarne dans le cliché parmi les fans de boxe et les écrivains selon lequel « les styles font les combats ». ".
Les bagarreurs ont tendance à vaincre les essaims ou les combattants internes car, en essayant de se rapprocher du cogneur, le combattant devra invariablement marcher droit dans les armes du bagarreur beaucoup plus puissant, donc, à moins que le premier n'ait un très bon menton et que l'endurance de ce dernier est faible, la puissance supérieure du bagarreur l'emportera. Un exemple célèbre de ce type d'avantage de match serait la victoire par élimination directe de George Foreman sur Joe Frazier lors de leur combat original "The Sunshine Showdown".
Bien que les combattants internes luttent contre les cogneurs lourds, ils obtiennent généralement plus de succès contre les combattants extérieurs ou les boxeurs. Les combattants préfèrent un combat plus lent, avec une certaine distance entre eux et l'adversaire. Le combattant intérieur tente de combler cet écart et de déclencher de furieuses rafales. À l’intérieur, le combattant perd une grande partie de son efficacité au combat, car il ne peut pas lancer de coups violents. L'in-fighter réussit généralement dans ce cas, en raison de son intensité à avancer sur son adversaire et de sa bonne agilité, qui le rend difficile à esquiver. Par exemple, le grouillant Joe Frazier, bien que facilement dominé par le cogneur George Foreman, a réussi à créer bien plus de problèmes au boxeur Muhammad Ali dans ses trois combats. Joe Louis, après sa retraite, a admis qu'il détestait être bondé et que des groupes comme le champion invaincu Rocky Marciano lui auraient causé des problèmes de style même à son apogée.
Le boxeur ou le combattant a tendance à avoir plus de succès contre un bagarreur, dont la vitesse lente (à la fois des mains et des pieds) et sa mauvaise technique en font une cible facile à atteindre pour le combattant le plus rapide. La principale préoccupation du combattant est de rester vigilant, car le bagarreur n'a besoin que d'un seul bon coup de poing pour terminer le combat. Si le combattant peut éviter ces coups puissants, il peut souvent épuiser le bagarreur avec des coups rapides, le fatiguant. S'il réussit suffisamment, il peut même appliquer une pression supplémentaire dans les tours suivants pour tenter d'obtenir un KO. La plupart des boxeurs classiques, comme Muhammad Ali, ont connu leurs meilleurs succès contre les cogneurs.
Un exemple d'affrontement de style était le combat historique de Julio César Chávez, un essaim ou combattant, contre Meldrick Taylor, le boxeur ou combattant (voir Julio César Chávez contre Meldrick Taylor). Le match a été surnommé « Thunder Meets Lightning » comme une allusion à la puissance de frappe de Chávez et à la vitesse aveuglante de Taylor. Chávez était l'incarnation même du style de boxe « mexicain ». La vitesse des mains et des pieds de Taylor et ses capacités de boxe lui ont donné un avantage précoce, lui permettant de commencer à se forger une large avance aux points. Chávez est resté implacable dans sa poursuite de Taylor et, en raison de sa plus grande puissance de frappe, Chávez a lentement puni Taylor. Dans les tours suivants, Taylor saignait de la bouche, tout son visage était enflé, les os autour de ses orbites étaient cassés, il avait avalé une quantité considérable d'alcool. | http://quiz4free.com/ |
Quel était le nom du navire qui emmenait les Pères Pèlerins en Amérique ? | Mayflower | [
"Une fois les questions personnelles et professionnelles réglées, des fournitures et un petit navire ont été achetés. Speedwell devait amener quelques passagers des Pays-Bas en Angleterre, puis en Amérique où il serait conservé pour l'activité de pêche, avec un équipage engagé pour les services de soutien au cours de la première année. Le plus gros navire Mayflower a été loué pour des services de transport et d'exploration.",
"Le Speedwell s’appelait à l’origine Swiftsure. Il a été construit en 1577 et pesait soixante tonnes et faisait partie de la flotte anglaise qui a vaincu l'Armada espagnole. Il quitta Delfshaven en juillet 1620 avec les colons de Leyde, après une traversée du canal depuis Leyde d'environ sept heures. Il atteint Southampton, Hampshire et rencontre le Mayflower et les colons supplémentaires embauchés par les investisseurs. Les dernières dispositions étant prises, les deux navires sont partis le 5 août (ancien style)/15 août (nouveau style).",
"Peu de temps après, l'équipage de Speedwell a signalé que leur navire prenait de l'eau, les deux ont donc été détournés vers Dartmouth, Devon. Là, il a été inspecté pour détecter les fuites et scellé, mais une deuxième tentative de départ a également échoué, les amenant seulement jusqu'à Plymouth, Devon. Il a été décidé que Speedwell n'était pas digne de confiance et il a été vendu ; le capitaine du navire et une partie de l'équipage ont été transférés au Mayflower pour le voyage. William Bradford a observé que le Speedwell semblait « surmâté », mettant ainsi la coque à rude épreuve ; mais il a attribué cette fuite aux membres de l'équipage qui l'avaient délibérément provoquée, leur permettant ainsi d'abandonner leurs engagements d'un an. Le passager Robert Cushman a écrit que la fuite était causée par une planche desserrée.",
"Sur les 120 passagers combinés, 102 ont été choisis pour voyager sur le Mayflower avec les approvisionnements consolidés. Parmi eux, environ la moitié étaient venus de Leyde, et environ 28 adultes étaient membres de la congrégation.",
"Un bref contrat fut rédigé pour résoudre ce problème, connu plus tard sous le nom de Mayflower Compact, promettant une coopération entre les colons « pour le bien général de la colonie à laquelle nous promettons toute soumission et obéissance ». Il les organisait en ce qu'on appelait un « corps politique civil », dans lequel les questions seraient tranchées par le vote, l'ingrédient clé de la démocratie. Il a été ratifié à la majorité, avec 41 pèlerins adultes de sexe masculin signant pour les 102 passagers (soixante-treize hommes et vingt-neuf femmes). La compagnie comprenait dix-neuf serviteurs et trois servantes, ainsi que quelques marins et artisans embauchés pour un service à court terme dans la colonie.",
"À cette époque, John Carver fut choisi comme premier gouverneur de la colonie. C'est Carver qui avait affrété le Mayflower et il est la première signature du Mayflower Compact, étant le membre le plus respecté et le plus riche du groupe. Le Mayflower Compact a été le germe de la démocratie américaine et a été qualifié de première constitution écrite au monde.",
"L'exploration approfondie de la zone a été retardée de plus de deux semaines parce que la chaloupe ou pinasse (un voilier plus petit) qu'ils avaient amenée avait été partiellement démontée pour monter à bord du Mayflower et avait été encore plus endommagée pendant le transport. Cependant, de petits groupes se sont rendus à la plage pour aller chercher du bois de chauffage et s'occuper de leur hygiène personnelle longtemps différée.",
"La population locale connaissait déjà les Anglais, qui visitaient la région par intermittence pour la pêche et le commerce avant l'arrivée de Mayflower. Dans la région de Cape Cod, les relations étaient tendues suite à la visite de Thomas Hunt quelques années plus tôt. Hunt a kidnappé vingt personnes à Patuxet (l'endroit qui est devenu New Plymouth) et sept autres à Nausett, et il a tenté de les vendre comme esclaves en Europe. L'une des personnes enlevées par Patuxet était Squanto, qui est devenu un allié de la colonie de Plymouth.",
"En continuant vers l'ouest, le mât et le gouvernail de la chaloupe furent brisés par les tempêtes et leur voile fut perdue. Ils ont ramé pour se mettre en sécurité, rencontrant le port formé par les actuelles barrières de plage de Duxbury et de Plymouth et trébuchant sur la terre ferme dans l'obscurité. Ils sont restés sur place pendant deux jours pour récupérer et réparer le matériel. Elle a été nommée Clark's Island en l'honneur d'un compagnon de Mayflower qui a mis le pied sur cette île pour la première fois.",
"L'équipe d'exploration est revenue à Mayflower, ancrée à vingt-cinq milles de là, après avoir été amenée au port les 16 et 26 décembre. Seuls les sites à proximité ont été évalués, avec une colline à Plymouth (ainsi nommée sur les cartes précédentes)",
"Entre le débarquement et mars, seuls 47 colons ont survécu aux maladies contractées à bord du navire. Au plus fort de la maladie, seuls six ou sept membres du groupe étaient capables de nourrir et de soigner les autres. Pendant ce temps, la moitié de l'équipage du Mayflower est également mort.",
"La première utilisation du mot pèlerins pour les passagers du Mayflower est apparue dans Of Plymouth Plantation de William Bradford. Alors qu'il finissait de raconter le départ de son groupe de Leyde en juillet 1620, Bradford utilisa les images de [http://classic.studylight.org/desk/?len&query",
"Il n'y a aucune trace du terme Pèlerins utilisé pour décrire les fondateurs de Plymouth pendant 150 ans après que Bradford a écrit ce passage, sauf lorsqu'il cite Bradford. Lorsque l'histoire du Mayflower a été racontée par les historiens Nathaniel Morton (en 1669) et Cotton Mather (en 1702), tous deux ont paraphrasé le passage de Bradford et ont utilisé le mot pèlerins de Bradford. Lors de la célébration de la Journée des ancêtres à Plymouth en 1793, le révérend Chandler Robbins a récité ce passage de Bradford."
] | Les pèlerins ou pères pèlerins étaient les premiers colons européens de la colonie de Plymouth, dans l'actuelle Plymouth, Massachusetts, États-Unis. La direction des pèlerins provenait des congrégations religieuses de dissidents anglais brownistes qui avaient fui l'environnement politique instable de l'Angleterre pour le calme et la tolérance relatifs de la Hollande des XVIe et XVIIe siècles aux Pays-Bas. Les pèlerins avaient des croyances religieuses calvinistes similaires à celles des puritains mais, contrairement à de nombreux puritains, ils soutenaient que leurs congrégations devaient être séparées de l'Église d'État anglaise. En tant que groupe séparatiste, ils craignaient également de perdre leur identité culturelle anglaise s'ils émigraient aux Pays-Bas. Ils se sont donc arrangés avec des investisseurs anglais pour établir une nouvelle colonie en Amérique du Nord. La colonie a été fondée en 1620 et est devenue la deuxième colonie anglaise prospère en Amérique du Nord (après la fondation de Jamestown, en Virginie, en 1607). L'histoire des pèlerins en quête de liberté religieuse est devenue un thème central de l'histoire et de la culture des États-Unis.
À cette époque, la colonisation européenne non anglaise des Amériques était également en cours en Nouvelle-Hollande, en Nouvelle-France, à Essequibo, au Brésil colonial, à la Barbade, dans la vice-royauté du Pérou et en Nouvelle-Espagne.
Histoire
Séparatistes à Scrooby
Le noyau du groupe connu sous le nom de Pèlerins a été réuni entre 1586 et 1605 par une croyance commune dans les idées promues par Richard Clyfton, un pasteur browniste de l'église paroissiale de All Saints à Babworth, près d'East Retford, dans le Nottinghamshire. Cette congrégation avait des croyances séparatistes comparables à celles des mouvements non conformes (c'est-à-dire des groupes non en communion avec l'Église d'Angleterre) dirigés par Robert Browne, John Greenwood et Henry Barrowe. Les séparatistes estimaient que leurs différences avec l'Église d'Angleterre étaient inconciliables et que leur culte devait être organisé indépendamment des attributs, des traditions et de l'organisation d'une église centrale, contrairement au groupe puritain, qui maintenait son appartenance et son allégeance à l'Église d'Angleterre. .
William Brewster, ancien assistant diplomatique des Pays-Bas, vivait dans le manoir Scrooby, servant comme maître de poste du village et huissier de l'archevêque d'York. Il avait été favorablement impressionné par les services de Clyfton et avait commencé à participer aux services séparatistes dirigés par John Smyth à Gainsborough, Lincolnshire.
Les séparatistes ont longtemps été controversés. En vertu de l'Acte d'uniformité de 1559, il était illégal de ne pas assister aux services officiels de l'Église d'Angleterre (à moins que l'église ne soit signataire de l'allégeance à l'Église d'Angleterre, comme l'était l'Église puritaine, par exemple), avec une amende d'un shilling. (0,05 £ ; environ £ aujourd'hui)
pour chaque dimanche et jour saint manqué. Les sanctions pour services non officiels comprenaient des peines d'emprisonnement et des amendes plus lourdes. Dans le cadre de la politique de cette époque, Barrowe et Greenwood furent exécutés pour sédition en 1593.
Pendant une grande partie du mandat de Brewster (1595-1606), l'archevêque était Matthew Hutton. Il montra une certaine sympathie pour la cause puritaine, écrivant à Robert Cecil, secrétaire d'État de Jacques Ier en 1604 :
Les puritains, bien qu'ils diffèrent par les cérémonies et les accidents, sont néanmoins d'accord avec nous sur le fond de la religion, et je pense que tous ou la plupart d'entre eux aiment Sa Majesté et l'état actuel, et j'espère qu'ils céderont au conformisme. Mais les papistes sont opposés et contraires sur de très nombreux points substantiels de religion, et ne peuvent que souhaiter que l'autorité et la religion papiste du pape soient établies.
On avait espéré, lorsque Jacques arriva au pouvoir, qu'une réconciliation serait possible qui permettrait l'indépendance, mais la Conférence de Hampton Court de 1604 refusa l'essentiel de toutes les concessions demandées par les puritains, à l'exception d'une traduction anglaise de la Bible. À la suite de la Conférence de 1605, Clyfton fut déclaré non-conformiste et démis de ses fonctions à Babworth. Brewster a invité Clyfton à vivre chez lui.
À la mort de Hutton en 1606, Tobias Matthew fut nommé pour le remplacer. Matthieu était l'un des principaux partisans de Jacques lors de la conférence de 1604,
et il commença aussitôt une campagne visant à purger l'archidiocèse des influences non conformes, tant séparatistes que souhaitant revenir à la foi catholique. Le clergé désobéissant a été remplacé et d’éminents séparatistes ont été confrontés, condamnés à des amendes et emprisonnés. On lui attribue le mérite d'avoir chassé du pays les réfractaires, ceux qui refusaient d'assister aux services anglicans.
À peu près au même moment, Brewster organisa une réunion privée d'une congrégation au manoir Scrooby. Les services ont eu lieu à partir de 1606, avec Clyfton comme pasteur, John Robinson comme enseignant et Brewster comme ancien président. Peu de temps après, Smyth et les membres du groupe Gainsborough s'installèrent à Amsterdam.
On sait que Brewster a été condamné à une amende de 20 £ (environ £ aujourd'hui) par contumace pour son non-respect des règles de l'Église.
Cela faisait suite à sa démission en septembre 1607 du poste de maître de poste,
à peu près à l'époque où la congrégation avait décidé de suivre le groupe Smyth à Amsterdam.
William Bradford, membre de Scrooby, d'Austerfield a tenu un journal des événements de la congrégation qui a ensuite été publié sous le titre Of Plymouth Plantation. À propos de cette époque, il écrit :
Mais après ces choses, ils ne purent demeurer longtemps dans une condition paisible, mais furent pourchassés et persécutés de toutes parts, de sorte que leurs anciennes afflictions n'étaient que des piqûres de puces en comparaison de celles qui les frappaient maintenant. Car certains furent emmenés et mis en prison, d'autres eurent leurs maisons assiégées et surveillées nuit et jour, et échappèrent à peine à leurs mains ; et vous étiez pour la plupart obligés de fuir et d'abandonner leurs maisons, leurs habitations et les moyens de leur subsistance.
Leyde
A Leiden, en Hollande, ville de 100 000 habitants, ils vivaient dans de petites maisons derrière le "Kloksteeg", en face de la Pieterskerk.
Le succès de la congrégation de Leiden fut mitigé. Leiden était un centre industriel prospère,
et de nombreux membres étaient en mesure de subvenir à leurs besoins en travaillant à l'Université de Leiden ou dans les métiers du textile, de l'imprimerie et de la brasserie. D'autres étaient moins en mesure de gagner un revenu suffisant, gênés par leur origine rurale et la barrière de la langue ; pour ceux-ci, les logements ont été réalisés sur un domaine acheté par Robinson et trois associés.
À propos de leurs années à Leiden, Bradford a écrit :
Pour ces raisons et d'autres encore, ils s'installèrent à Leyde, une ville belle et belle, et d'une situation douce, mais rendue plus célèbre par l'université dont elle est ornée, dans laquelle se trouvaient récemment tant d'hommes savants. Mais faute de ce trafic maritime dont Amerstdam profite, ce n'était pas si bénéfique pour leurs moyens de subsistance extérieurs et leurs domaines. Mais étant maintenant au courant, ils se tournèrent vers les métiers et les emplois qu'ils pouvaient le mieux ; valorisant la paix et leur confort spirituel au-dessus de toute autre richesse, quelle qu'elle soit. Et enfin, ils parvinrent à mener une vie compétente et confortable, mais avec un travail dur et continu.
Brewster enseignait l'anglais à l'université et Robinson s'inscrivit en 1615 pour poursuivre son doctorat. Là, il a participé à une série de débats, notamment sur la question controversée du calvinisme contre l'arminianisme (se ranger du côté des calvinistes contre les remontrants). Voir le Synode de Dort.
Brewster a acquis du matériel de composition vers 1616 dans le cadre d'une entreprise financée par Thomas Brewer et a commencé à publier les débats dans une presse locale.
Les Pays-Bas étaient cependant un pays dont la culture et la langue étaient étranges et difficiles à comprendre ou à apprendre pour la congrégation anglaise. Ils trouvaient la morale hollandaise beaucoup trop libertine. Leurs enfants devenaient de plus en plus néerlandais au fil des années. La congrégation en est venue à croire qu’elle risquait une éventuelle extinction si elle restait là.
Décision de quitter la Hollande
En 1617, la congrégation était stable et relativement sûre, mais il restait des problèmes persistants qui devaient être résolus.
Bradford a noté que la congrégation vieillissait, ce qui aggravait les difficultés que certains avaient à subvenir à leurs besoins. Certains, après avoir dépensé leurs économies, abandonnèrent et retournèrent en Angleterre. On craignait que d’autres suivraient et que la congrégation ne deviendrait pas viable. Les problèmes d'emploi rendaient peu attrayant pour les autres de venir à Leiden, et les membres plus jeunes avaient commencé à partir pour trouver un emploi et une aventure ailleurs. La possibilité d’entreprendre un travail missionnaire était également intéressante, une opportunité qui se présentait rarement dans un bastion protestant.
Les raisons du départ sont suggérées par Bradford, lorsqu'il note les « découragements » de la vie difficile qu'ils ont menée aux Pays-Bas et l'espoir d'attirer d'autres en trouvant « un lieu de vie meilleur et plus facile » ; les « enfants » du groupe étant « entraînés par de mauvais exemples vers des voies extravagantes et dangereuses » ; la « grande espérance, pour la propagation et l'avancement de l'évangile du royaume du Christ dans ces régions reculées du monde ».
La liste d'Edward Winslow était similaire. Outre les soucis économiques et les possibilités missionnaires, il a souligné qu'il était important que les gens conservent leur identité, leur culture et leur langue anglaise. Ils pensaient également que l’Église anglaise de Leiden ne pouvait pas faire grand-chose pour l’ensemble de la communauté.
Dans le même temps, de nombreuses incertitudes régnaient quant à un déménagement vers un pays comme l’Amérique. De là-bas, des histoires revenaient sur des colonies en faillite. On craignait que les autochtones ne soient violents, qu'il n'y ait aucune source de nourriture ou d'eau, que l'exposition à des maladies inconnues soit possible et que les voyages par mer soient toujours dangereux. Tout cela était équilibré par une situation politique locale qui risquait de devenir instable. La trêve était chancelante dans ce qui allait être connu sous le nom de guerre de quatre-vingts ans, et l'on craignait quelle pourrait être l'attitude de l'Espagne à leur égard.
Les destinations candidates incluaient la Guyane, où les Néerlandais avaient déjà établi Essequibo, ou quelque part à proximité des colonies existantes de Virginie. La Virginie était une destination attrayante car la présence de l'ancienne colonie pouvait offrir une meilleure sécurité et de meilleures opportunités commerciales. On a cependant pensé qu’ils ne devraient pas s’installer trop près, car cela pourrait reproduire trop fidèlement l’environnement politique de l’Angleterre. La London Company administrait un territoire d'une taille considérable dans la région. L'emplacement prévu pour l'établissement était à l'embouchure de la rivière Hudson. Cela a permis de s'installer à une distance qui a apaisé les craintes de conflits sociaux, politiques et religieux, tout en offrant les avantages militaires et économiques d'une relative proximité avec une colonie établie.
Négociations
Robert Cushman et John Carver ont été envoyés en Angleterre pour solliciter un brevet foncier. Leurs négociations furent retardées en raison de conflits internes à la London Company, mais finalement un brevet fut obtenu au nom de John Wincob le 9 juin (ancien style)/19 juin (nouveau style) 1619.
La charte a été accordée à la condition du roi que la religion du groupe de Leiden ne recevrait pas de reconnaissance officielle.
Les préparatifs sont bloqués en raison des problèmes persistants au sein de la London Company. Des entreprises néerlandaises concurrentes ont contacté la congrégation et discuté avec elles de la possibilité de s'établir dans la région de la rivière Hudson.
David Baeckelandt suggère que le groupe de Leiden a été approché par l'Anglais Matthew Slade, gendre de Petrus Placius, cartographe de la Compagnie néerlandaise des Indes orientales. Slade était également un espion pour le compte de l'ambassadeur anglais. Les plans des séparatistes étaient donc connus à la fois au tribunal et parmi les investisseurs influents de Jamestown, de la Virginia Company.[http://www.brusselsjournal.com/node/4627 Baeckelandt, David. "The Flemish Influence On Henry Hudson", The Brussels Journal, 1er janvier 2011] Les négociations furent interrompues avec les Néerlandais sous les encouragements du marchand anglais Thomas Weston, qui leur assura qu'il pourrait résoudre les retards de la London Company. La London Company avait l'intention de revendiquer la zone explorée par Hudson avant que les Néerlandais puissent s'établir pleinement. Les premiers colons hollandais ne sont arrivés dans la région qu’en 1624.
Weston a apporté un changement substantiel, en disant au groupe de Leyde que les partis en Angleterre avaient obtenu une concession de terre au nord du territoire existant de Virginie, qui serait appelé Nouvelle-Angleterre. Ce n’était que partiellement vrai ; la nouvelle subvention fut effectivement accordée, mais pas avant la fin de 1620, lorsque le Conseil de Plymouth pour la Nouvelle-Angleterre reçut sa charte. On s'attendait à ce que cette zone puisse être exploitée de manière rentable, et elle n'était pas sous le contrôle du gouvernement de Virginie en place.
Un deuxième changement n'était connu que des partis en Angleterre qui ont choisi de ne pas informer le groupe dans son ensemble. De nouveaux investisseurs avaient été recrutés dans l'entreprise et souhaitaient que les conditions soient modifiées de manière à ce qu'à la fin du contrat de sept ans, la moitié des terres et des propriétés restituées aux investisseurs. En outre, une autre disposition a été abandonnée, qui permettait à chaque colon de disposer de deux jours par semaine pour travailler à ses affaires personnelles.
La diversion de Brewster
Au milieu de ces négociations, William Brewster se retrouva impliqué dans les troubles religieux émergents en Écosse. En 1618, le roi Jacques avait promulgué les Cinq Articles de Perth qui étaient considérés en Écosse comme une tentative d'empiéter sur leur tradition presbytérienne. Des brochures critiquant cette loi furent publiées par Brewster et introduites clandestinement en Écosse en avril 1619. Ces brochures remontaient à Leiden, et une tentative infructueuse d'appréhender Brewster fut faite en juillet lorsque sa présence en Angleterre fut connue.
Toujours en juillet à Leiden, l'ambassadeur anglais Dudley Carleton a pris conscience de la situation et a commencé à faire pression sur le gouvernement néerlandais pour qu'il extrade Brewster. Une arrestation a eu lieu en septembre, mais seul Thomas Brewer, le financier, était en garde à vue. On ne sait pas où se trouve Brewster entre cette date et le départ des colons. Le type de Brewster a été saisi. Après plusieurs mois de retard, Brewer fut envoyé en Angleterre pour y être interrogé, où il fit obstacle aux fonctionnaires du gouvernement jusque tard dans 1620. L'une des concessions que l'Angleterre obtint des Pays-Bas fut une restriction sur la presse, rendant la production de telles publications illégale.
Thomas Brewer fut finalement reconnu coupable en Angleterre pour ses activités continues de publication religieuse et condamné en 1626 à une peine de quatorze ans de prison.
Les préparatifs
Tous les membres de la congrégation n’ont pas pu partir lors du premier voyage. De nombreux membres n'ont pas pu régler leurs affaires dans les délais impartis et le budget était limité pour les déplacements et les fournitures. Il a été décidé que le règlement initial devrait être entrepris principalement par des membres plus jeunes et plus forts. Les autres ont accepté de suivre si et quand ils le pourraient.
Robinson resterait à Leyde avec la plus grande partie de la congrégation, et Brewster devait diriger la congrégation américaine. L’Église d’Amérique serait gérée de manière indépendante, mais il fut convenu que l’adhésion serait automatiquement accordée à l’une ou l’autre congrégation aux membres qui se déplaçaient entre les continents.
Une fois les questions personnelles et professionnelles réglées, des fournitures et un petit navire ont été achetés. Speedwell devait amener quelques passagers des Pays-Bas en Angleterre, puis en Amérique où il serait conservé pour l'activité de pêche, avec un équipage engagé pour les services de soutien au cours de la première année. Le plus gros navire Mayflower a été loué pour des services de transport et d'exploration.
Voyage
Le Speedwell s’appelait à l’origine Swiftsure. Il a été construit en 1577 et pesait soixante tonnes et faisait partie de la flotte anglaise qui a vaincu l'Armada espagnole. Il quitta Delfshaven en juillet 1620 avec les colons de Leyde, après une traversée du canal depuis Leyde d'environ sept heures. Il atteint Southampton, Hampshire et rencontre le Mayflower et les colons supplémentaires embauchés par les investisseurs. Les dernières dispositions étant prises, les deux navires sont partis le 5 août (ancien style)/15 août (nouveau style).
Peu de temps après, l'équipage de Speedwell a signalé que leur navire prenait de l'eau, les deux ont donc été détournés vers Dartmouth, Devon. Là, il a été inspecté pour détecter les fuites et scellé, mais une deuxième tentative de départ a également échoué, les amenant seulement jusqu'à Plymouth, Devon. Il a été décidé que Speedwell n'était pas digne de confiance et il a été vendu ; le capitaine du navire et une partie de l'équipage ont été transférés au Mayflower pour le voyage. William Bradford a observé que le Speedwell semblait « surmâté », mettant ainsi la coque à rude épreuve ; mais il a attribué cette fuite aux membres de l'équipage qui l'avaient délibérément provoquée, leur permettant ainsi d'abandonner leurs engagements d'un an. Le passager Robert Cushman a écrit que la fuite était causée par une planche desserrée.
Traversée de l'Atlantique
Sur les 120 passagers combinés, 102 ont été choisis pour voyager sur le Mayflower avec les approvisionnements consolidés. Parmi eux, environ la moitié étaient venus de Leyde, et environ 28 adultes étaient membres de la congrégation.
Le groupe réduit a finalement navigué avec succès le 6 septembre (ancien style)/16 septembre (nouveau style) 1620.
Au début, le voyage s'est bien déroulé, mais en cours de route, ils ont été confrontés à des vents violents et à des tempêtes. L'un d'entre eux a provoqué la rupture d'une poutre principale et la possibilité a été envisagée de faire demi-tour, même s'ils étaient à plus de la moitié du chemin. Cependant, ils réparèrent suffisamment le navire pour continuer à utiliser une « grande vis en fer » apportée par les colons (probablement soit un cric destiné à la construction de maisons, soit un pressoir à cidre). Le passager John Howland a été emporté par-dessus bord lors de la tempête, mais a attrapé une drisse de hunier qui traînait dans l'eau et a été ramené à bord.
Un membre d'équipage et un passager sont morts avant d'atteindre la terre ferme. Un enfant est né en mer et nommé Océanus.
Arrivée en Amérique
La terre a été aperçue le 9 novembre 1620. Les passagers avaient enduré des conditions misérables pendant environ soixante-cinq jours et ils étaient dirigés par William Brewster dans le Psaume 100 en guise de prière d'action de grâce. Il a été confirmé qu'il s'agissait de Cape Cod, dans le territoire de la Nouvelle-Angleterre recommandé par Weston. Une tentative a été faite pour contourner le cap en direction de la rivière Hudson, également dans la zone de concession de la Nouvelle-Angleterre, mais ils ont rencontré des hauts-fonds et des courants difficiles autour du cap Malabar (l'ancien nom français de l'actuel Monomoy). Il a été décidé de faire demi-tour et, les 11 et 12 novembre, le navire était ancré dans ce qui est aujourd'hui connu sous le nom de port de Provincetown.
Compact de fleur de mai
La charte était incomplète pour le Conseil de Plymouth pour la Nouvelle-Angleterre lorsque les colons quittèrent l'Angleterre (elle fut accordée alors qu'ils étaient en transit les 3 et 13 novembre). Ils sont arrivés sans brevet ; l'ancien brevet Wincob provenait de leurs relations abandonnées avec la London Company. Certains passagers, conscients de la situation, ont laissé entendre qu'ils étaient libres de faire ce qu'ils voulaient à l'atterrissage, sans brevet en place, et d'ignorer le contrat avec les investisseurs.
Un bref contrat fut rédigé pour résoudre ce problème, connu plus tard sous le nom de Mayflower Compact, promettant une coopération entre les colons « pour le bien général de la colonie à laquelle nous promettons toute soumission et obéissance ». Il les organisait en ce qu'on appelait un « corps politique civil », dans lequel les questions seraient tranchées par le vote, l'ingrédient clé de la démocratie. Il a été ratifié à la majorité, avec 41 pèlerins adultes de sexe masculin signant pour les 102 passagers (soixante-treize hommes et vingt-neuf femmes). La compagnie comprenait dix-neuf serviteurs et trois servantes, ainsi que quelques marins et artisans embauchés pour un service à court terme dans la colonie.
À cette époque, John Carver fut choisi comme premier gouverneur de la colonie. C'est Carver qui avait affrété le Mayflower et il est la première signature du Mayflower Compact, étant le membre le plus respecté et le plus riche du groupe. Le Mayflower Compact a été le germe de la démocratie américaine et a été qualifié de première constitution écrite au monde.
Premiers atterrissages
L'exploration approfondie de la zone a été retardée de plus de deux semaines parce que la chaloupe ou pinasse (un voilier plus petit) qu'ils avaient amenée avait été partiellement démontée pour monter à bord du Mayflower et avait été encore plus endommagée pendant le transport. Cependant, de petits groupes se sont rendus à la plage pour aller chercher du bois de chauffage et s'occuper de leur hygiène personnelle longtemps différée.
Des expéditions exploratoires furent entreprises en attendant la chaloupe, dirigées par Myles Standish (un soldat anglais que les colons avaient rencontré à Leiden) et Christopher Jones. Ils rencontrèrent une vieille maison de construction européenne et une bouilloire en fer, abandonnées par l'équipage d'un navire, ainsi que quelques champs récemment cultivés, montrant des chaumes de maïs.
Un monticule artificiel a été trouvé près des dunes qu'ils ont partiellement découvert et ont découvert qu'il s'agissait d'une tombe autochtone. Plus loin, on trouva un monticule similaire, plus récent, et on osa retirer quelques-unes des provisions qui avaient été déposées dans la tombe, car les colons craignaient de mourir de faim. Des paniers de maïs ont été trouvés à l'intérieur, dont certains ont été pris par les colons et placés dans une bouilloire en fer qu'ils ont également trouvée à proximité, tandis qu'ils ont enterré le reste, dans l'intention d'utiliser le maïs comme graine pour la plantation.
William Bradford a enregistré plus tard dans son livre Of Plymouth Plantation qu'après la réparation de la chaloupe,
Ils trouvèrent également deux des maisons des Indiens couvertes de nattes et quelques-uns de leurs outils à l'intérieur ; mais les gens s'étaient enfuis et ne pouvaient être vus. Ils trouvèrent également davantage de maïs et de haricots de différentes couleurs. Ils les emmenèrent, dans l'intention de leur donner pleine satisfaction (paiement) lorsqu'ils rencontreraient l'un d'entre eux, comme ils le firent environ six mois plus tard.
Et il faut noter comme une providence spéciale de Dieu, et une grande miséricorde envers ces pauvres gens, qu'ils ont ainsi obtenu des semences pour planter du maïs l'année suivante, sinon ils auraient pu mourir de faim ; car ils n’en avaient aucune, et n’avaient aucune chance d’en obtenir, avant qu’il soit trop tard pour la saison des semailles.
En décembre, la plupart des passagers et de l'équipage étaient tombés malades et toussaient violemment. Beaucoup souffraient également des effets du scorbut. Il y avait déjà eu des chutes de glace et de neige, entravant les efforts d'exploration. Au cours du premier hiver, 50 pour cent d’entre eux sont morts.
Premier contact
Les explorations ont repris les 6 et 16 décembre. L'équipe de chaloupe s'est dirigée vers le sud le long du cap, composée de sept colons de Leyde, trois de Londres et sept membres d'équipage, et a choisi d'atterrir dans la zone habitée par le peuple Nauset (à peu près l'actuel Brewster, Chatham, Eastham, Harwich et Orleans), où ils aperçurent sur le rivage des autochtones qui s'enfuirent à l'approche des colons. À l’intérieur des terres, ils trouvèrent d’autres monticules, dont un contenant des glands, qu’ils exhumèrent et laissèrent, ainsi que d’autres tombes qu’ils décidèrent de ne pas creuser.
Restés à terre toute la nuit, ils entendirent des cris près du campement. Le lendemain matin, ils ont été accueillis par des autochtones qui leur ont tiré dessus avec des flèches. Les colons ont récupéré leurs armes à feu et ont riposté, puis ont pourchassé les autochtones dans les bois mais ne les ont pas trouvés. Il n'y eut plus de contact avec les autochtones pendant plusieurs mois.
La population locale connaissait déjà les Anglais, qui visitaient la région par intermittence pour la pêche et le commerce avant l'arrivée de Mayflower. Dans la région de Cape Cod, les relations étaient tendues suite à la visite de Thomas Hunt quelques années plus tôt. Hunt a kidnappé vingt personnes à Patuxet (l'endroit qui est devenu New Plymouth) et sept autres à Nausett, et il a tenté de les vendre comme esclaves en Europe. L'une des personnes enlevées par Patuxet était Squanto, qui est devenu un allié de la colonie de Plymouth.
Les Pokanoket vivaient également à proximité et avaient développé une aversion particulière pour les Anglais après qu'un groupe soit arrivé, ait capturé de nombreuses personnes et les ait abattues à bord de leur navire. À cette époque, il y avait déjà eu des meurtres réciproques à Martha's Vineyard et à Cape Cod. Mais lors d'une des captures par les Anglais, Squanto s'enfuit en Angleterre et y devint chrétien. À son retour, il découvrit que la plupart des membres de sa tribu étaient morts de la peste.
Règlement
En continuant vers l'ouest, le mât et le gouvernail de la chaloupe furent brisés par les tempêtes et leur voile fut perdue. Ils ont ramé pour se mettre en sécurité, rencontrant le port formé par les actuelles barrières de plage de Duxbury et de Plymouth et trébuchant sur la terre ferme dans l'obscurité. Ils sont restés sur place pendant deux jours pour récupérer et réparer le matériel. Elle a été nommée Clark's Island en l'honneur d'un compagnon de Mayflower qui a mis le pied sur cette île pour la première fois.
Reprenant l'exploration le lundi 11 décembre/21 décembre 1620, le groupe traversa le continent et inspecta la zone qui devint finalement la colonie. L'anniversaire de cette enquête est célébré dans le Massachusetts comme la Journée des ancêtres et est traditionnellement associé à la tradition du débarquement de Plymouth Rock. Ce terrain était particulièrement adapté à la construction hivernale car il avait déjà été défriché et les hautes collines offraient une bonne position défensive.
Le village défriché était connu sous le nom de Patuxet par le peuple Wampanoag et a été abandonné environ trois ans plus tôt à la suite d'une épidémie qui a tué tous ses habitants. La « fièvre indienne » impliquait des hémorragies et on suppose qu'il s'agissait d'une variole fulminante introduite par les commerçants européens. L'épidémie avait été suffisamment grave pour que les colons découvrent des squelettes non enterrés dans des habitations abandonnées. La population locale étant très affaiblie, les colons n’ont rencontré aucune résistance pour s’y installer.
L'équipe d'exploration est revenue à Mayflower, ancrée à vingt-cinq milles de là, après avoir été amenée au port les 16 et 26 décembre. Seuls les sites à proximité ont été évalués, avec une colline à Plymouth (ainsi nommée sur les cartes précédentes)
choisi le 19 décembre/29 décembre.
La construction a commencé immédiatement, la première maison commune étant presque terminée les 9 et 19 janvier, une superficie de vingt pieds carrés construite pour un usage général. À ce stade, les hommes célibataires reçurent l'ordre de se joindre à l'une des dix-neuf familles, afin d'éviter de devoir construire plus de maisons que ce qui était absolument nécessaire. Chaque famille élargie s'est vu attribuer une parcelle d'un demi-mètre de large et de trois bâtons de long pour chaque membre du ménage, puis chaque famille a construit sa propre habitation. Les fournitures ont été débarquées et la colonisation était en grande partie terminée début février.
Une fois la première maison terminée, elle devint immédiatement un hôpital pour les pèlerins malades. Fin février, 31 membres de l'entreprise étaient décédés, et le nombre de décès continue d'augmenter. Coles Hill, une proéminence au-dessus de la plage, est devenu le premier cimetière, les tombes étant autorisées à envahir l'herbe de peur que les Indiens ne découvrent à quel point la colonie était devenue affaiblie.
Entre le débarquement et mars, seuls 47 colons ont survécu aux maladies contractées à bord du navire. Au plus fort de la maladie, seuls six ou sept membres du groupe étaient capables de nourrir et de soigner les autres. Pendant ce temps, la moitié de l'équipage du Mayflower est également mort.
William Bradford devint gouverneur en 1621 à la mort de John Carver. Le 22 mars 1621, les pèlerins de la colonie de Plymouth signèrent un traité de paix avec Massasoit des Wampanoags. Le brevet de la colonie de Plymouth fut cédé par Bradford aux hommes libres en 1640, moins une petite réserve de trois parcelles de terre. Bradford a servi pendant onze années consécutives et a été élu pour divers autres mandats jusqu'à sa mort en 1657.
La colonie contenait à peu près ce qui est aujourd'hui le comté de Bristol, le comté de Plymouth et le comté de Barnstable, dans le Massachusetts.
La colonie de la baie du Massachusetts a été réorganisée et a émis une nouvelle charte sous le nom de province de la baie du Massachusetts en 1691, et Plymouth a mis fin à son histoire en tant que colonie distincte.
Étymologie
L'histoire de Bradford
La première utilisation du mot pèlerins pour les passagers du Mayflower est apparue dans Of Plymouth Plantation de William Bradford. Alors qu'il finissait de raconter le départ de son groupe de Leyde en juillet 1620, Bradford utilisa les images de [http://classic.studylight.org/desk/?len&query
Hébreux+11%3A13-16&translation=gen Hébreux 11 : 13-16] à propos des « étrangers et des pèlerins » de l'Ancien Testament qui ont eu l'opportunité de retourner dans leur ancien pays mais qui aspiraient plutôt à un pays meilleur et céleste. Bradford a écrit :
Alors ils quittèrent [cette] belle et agréable ville, qui était leur lieu de repos, il y a près de 12 ans ; mais ils savaient qu'ils étaient des pèlerins et ne prêtaient pas beaucoup d'attention à ces choses ; mais levez leurs yeux vers les cieux, leur pays le plus cher, et apaisez leurs esprits.
Il n'y a aucune trace du terme Pèlerins utilisé pour décrire les fondateurs de Plymouth pendant 150 ans après que Bradford a écrit ce passage, sauf lorsqu'il cite Bradford. Lorsque l'histoire du Mayflower a été racontée par les historiens Nathaniel Morton (en 1669) et Cotton Mather (en 1702), tous deux ont paraphrasé le passage de Bradford et ont utilisé le mot pèlerins de Bradford. Lors de la célébration de la Journée des ancêtres à Plymouth en 1793, le révérend Chandler Robbins a récité ce passage de Bradford.
Utilisation populaire
Le nom de Pèlerins n'était probablement pas d'usage populaire avant 1798 environ, même si Plymouth célébrait la Journée des ancêtres à plusieurs reprises entre 1769 et 1798 et utilisait divers termes pour honorer les fondateurs de Plymouth. Les pèlerins n'ont pas été mentionnés, sauf dans la récitation de Robbins de 1793.
La première utilisation documentée des pèlerins qui ne citait pas simplement Bradford a eu lieu le 22 décembre 1798, lors d'une célébration de la Journée des ancêtres à Boston. Une chanson composée pour l'occasion utilisait le mot Pèlerins, et les participants ont porté un toast aux "Pèlerins de Leyde".
Le terme a été utilisé en bonne place lors de la prochaine célébration de la fête des ancêtres à Plymouth en 1800, et a été utilisé par la suite dans les célébrations de la fête des ancêtres.
Dans les années 1820, le terme pèlerins devenait plus courant. Daniel Webster a fait référence à plusieurs reprises aux « pèlerins » dans son discours du 22 décembre 1820 pour le bicentenaire de Plymouth, qui a été largement lu. Harriet Vaughan Cheney l'a utilisé dans son roman de 1824 Un aperçu des pèlerins en seize trente-six, et le terme a également gagné en popularité avec la publication en 1825 du poème classique de Felicia Hemans "Le débarquement des pères pèlerins". | http://quiz4free.com/ |
Au cours de quelle bataille Davey Crockett a-t-il perdu la vie ? | L'Alamo | [
"*John Wayne (L'Alamo, 1960)",
"*Billy Bob Thornton (L'Alamo, 2004)\""
] | David « Davy » Crockett (17 août 1786 – 6 mars 1836) était un héros populaire américain, un pionnier, un soldat et un homme politique du XIXe siècle. Il est communément désigné dans la culture populaire par l'épithète « Roi de la frontière sauvage ». Il a représenté le Tennessee à la Chambre des représentants des États-Unis et a participé à la révolution du Texas.
Crockett a grandi dans l'est du Tennessee, où il a acquis une réputation de chasse et de narration. Après avoir été nommé colonel dans la milice du comté de Lawrence, dans le Tennessee, il fut élu à la législature de l'État du Tennessee en 1821. En 1825, Crockett fut élu au Congrès américain, où il s'opposa avec véhémence à de nombreuses politiques du président Andrew Jackson, la plupart notamment la Loi sur le renvoi des Indiens. L'opposition de Crockett à la politique de Jackson conduisit à sa défaite aux élections de 1831. Il gagna à nouveau en 1833, puis perdit de peu en 1835, provoquant son départ furieux vers le Texas (alors l'État mexicain de Tejas) peu de temps après. Au début de 1836, Crockett participa à la révolution du Texas et fut tué à la bataille d'Alamo en mars.
Crockett est devenu célèbre de son vivant pour ses exploits plus grands que nature popularisés par les pièces de théâtre et les almanachs. Après sa mort, on lui attribua encore des actes aux proportions mythiques. Cela a conduit au XXe siècle à des représentations à la télévision et au cinéma, et il est devenu l'un des héros folkloriques américains les plus connus.
Famille et jeunesse
Les Crockett étaient d'ascendance irlandaise, anglaise, écossaise et franco-huguenote. Le premier ancêtre paternel connu était Gabriel Gustave de Crocketagne, dont le fils Antoine de Saussure Péronette de Crocketagne reçut une commission dans les troupes de la maison sous le roi de France Louis XIV. Antoine épousa Louise de Saix et immigra en Irlande avec elle, changeant le nom de famille en Crockett. Leur fils Joseph Louis est né en Irlande et a épousé Sarah Stewart. Joseph et Sarah ont immigré à New York, où leur fils William David est né en 1709. Il a épousé Elizabeth Boulay. David, le fils de William et Elizabeth, est né en Pennsylvanie et a épousé Elizabeth Hedge. Ils étaient les parents de William, David Jr., Robert, Alexander, James, Joseph et John, le père de David Crockett décédé à Alamo.
John est né c. 1753 dans le comté de Frederick, Virginie. La famille a déménagé dans le comté de Tryon, en Caroline du Nord c. 1768. En 1776, la famille déménage dans le nord-est du Tennessee, dans la région aujourd'hui connue sous le nom de comté de Hawkins. John était l'un des Overmountain Men qui ont combattu lors de la bataille de Kings Mountain pendant la guerre d'indépendance américaine. Alors que John était absent en tant que volontaire de la milice en 1777, David et Elizabeth ont été tués dans leur maison près de l'actuelle Rogersville par des Creeks et des Chickamauga Cherokees dirigés par le chef de guerre Dragging Canoe. Joseph, le frère de Jean, a été blessé lors de l'escarmouche. Son frère James fut fait prisonnier et détenu pendant dix-sept ans.
John a épousé Rebecca Hawkins en 1780. Lorsque leur fils David est né le 17 août 1786, ils lui ont donné le nom du père de John. David est né dans ce qui est aujourd'hui le comté de Greene, dans le Tennessee (qui faisait alors partie de la Caroline du Nord), près de la rivière Nolichucky, près de la communauté de Limestone. John a continuellement eu du mal à joindre les deux bouts et, en 1792, les Crockett ont déménagé sur une parcelle de terrain sur Lick Creek. Vendant cette parcelle de terrain en 1794, John déménagea la famille à Cove Creek et construisit un moulin à grains avec son associé Thomas Galbraith. Une inondation a détruit le moulin à farine et la ferme Crockett. En 1792, les Crockett ont déménagé à Mossy Creek dans le comté de Jefferson. John a perdu sa propriété en cas de faillite en 1795. Les Crockett ont déménagé dans la propriété appartenant à un Quaker du nom de John Canady. À Morristown, dans le territoire du Sud-Ouest, John a construit une taverne sur une route de diligence.
Quand David avait 12 ans, son père l'a engagé auprès de Jacob Siler pour l'aider à régler les dettes de la famille Crockett. David a aidé à s'occuper du bétail de Siler en tant que buckaroo lors d'un voyage de 400 milles près de Natural Bridge en Virginie. Il a été bien traité et payé pour ses services, mais après plusieurs semaines en Virginie, il a décidé de rentrer chez lui au Tennessee. L'année suivante, John a inscrit ses fils à l'école. Après une altercation avec un camarade, David a joué au hookey depuis l'école. En apprenant cela, John a tenté de fouetter David mais a été dépassé par son fils. David a participé à une collecte de bétail à Front Royal, en Virginie, pour Jesse Cheek. À la fin de ce voyage, il a rejoint le coéquipier Adam Myers pour un voyage à Gerrardstown, en Virginie occidentale. Entre deux voyages avec Myers, il a travaillé pour le fermier John Gray. Après avoir quitté Myers, il s'est rendu à Christiansburg, où il a fait son apprentissage pendant les quatre années suivantes auprès du chapelier Elijah Griffith.
En 1802, il retourna à pied à la taverne de son père dans le Tennessee. Son père avait une dette de 36 $ envers Abraham Wilson, alors David a été embauché par Wilson pour rembourser la dette. Plus tard, Crockett a réglé une dette de 40 $ envers John Canady. Une fois les dettes payées, John Crockett a dit à son fils qu'il était libre de partir. David est retourné travailler au Canada, où il est resté quatre ans.
Mariages et enfants
Crockett est tombé amoureux de la nièce de John Canady, Amy Summer, qui n'était pas disponible pour lui en raison de ses fiançailles avec le fils de Canady, Robert. Alors qu'il faisait partie de la fête de mariage, Crockett a rencontré Margaret Elder. Il la persuada de l'épouser et un contrat de mariage fut rédigé le 21 octobre 1805. Margaret s'était également fiancée à un autre jeune homme au même moment et l'épousa à la place.
Il a rencontré Polly Finley et sa mère Jean lors d'une fête des récoltes. Bien qu'amicale envers lui au début, Jean Finley a finalement estimé que Crockett n'était pas l'homme qu'il fallait à sa fille. Crockett a déclaré son intention d'épouser Polly, que la cérémonie soit autorisée à avoir lieu au domicile de ses parents ou qu'elle doive être célébrée ailleurs. Il fit appel à un juge de paix et obtint une licence de mariage le 12 août 1806. Le 16 août, il se rendit à la maison de Polly avec sa famille et ses amis, déterminé à partir avec Polly pour se marier ailleurs. Le père de Polly a supplié Crockett de célébrer le mariage dans la maison Finley. Crockett n'a accepté qu'après que Jean se soit excusé pour son traitement passé.
Les jeunes mariés se sont installés sur un terrain proche des parents de Polly et leur premier enfant, John Wesley Crockett, devenu membre du Congrès américain, est né le 10 juillet 1807. Leur deuxième enfant, William Finley Crockett, est né le 25 novembre 1808. En octobre 1811 , la famille a déménagé dans le comté de Lincoln. Leur troisième enfant, Margaret Finley (Polly) Crockett, est née le 25 novembre 1812. Les Crockett ont ensuite déménagé dans le comté de Franklin en 1813. Il a nommé la nouvelle maison de Beans Creek « Kentucky ». Sa femme Polly est décédée en mars 1815 et Crockett a demandé à son frère John et à sa belle-sœur d'emménager avec lui pour l'aider à s'occuper des enfants. La même année, il épousa la veuve Elizabeth Patton, qui eut une fille, Margaret Ann, et un fils, George. Le fils de David et Elizabeth, Robert Patton, est né le 16 septembre 1816. Sa fille Rebecca Elvira est née le 25 décembre 1818. Sa fille Matilda est née le 2 août 1821.
Arbre généalogique de David Crockett
Milice du Tennessee
Andrew Jackson a été nommé major général de la milice du Tennessee en 1802. Le massacre de Fort Mims près de Mobile, dans le territoire du Mississippi, le 30 août 1813, est devenu un cri de ralliement pour la guerre des Creeks. Le 20 septembre, Crockett a quitté sa famille et s'est enrôlé comme éclaireur pour un mandat initial de 90 jours dans la Compagnie des fusiliers à cheval de Francis Jones, qui fait partie du deuxième régiment de fusiliers à cheval volontaires. Ils ont servi sous les ordres du colonel John Coffee pendant la guerre, marchant vers le sud jusqu'à l'actuel Alabama et prenant une part active aux combats. Crockett chassait souvent du gibier sauvage pour les soldats et se sentait mieux adapté à ce rôle que de tuer des guerriers et des familles Creek. Il servit jusqu'au 24 décembre 1813.
La guerre de 1812 se déroulait en même temps que la guerre des Creeks. Après le traité de Fort Jackson en août 1814, Andrew Jackson, désormais dans l'armée américaine, souhaitait que les forces britanniques soient chassées de la Floride espagnole et demanda le soutien de la milice du Tennessee. Crockett s'est réenrôlé comme troisième sergent pour un mandat de six mois dans les Tennessee Mounted Gunmen sous les ordres du capitaine John Cowan le 28 septembre 1814. Parce qu'ils étaient en retard sur le reste des troupes, l'unité de Crockett a peu vu l'action principale et s'est concentrée sur principalement en quête de nourriture. Crockett est rentré chez lui en décembre. Il était encore dans une réserve militaire jusqu'en mars 1815, il engagea donc un jeune homme pour accomplir le reste de son service.
Carrière législative
En 1817, Crockett a déménagé la famille vers une nouvelle superficie dans le comté de Lawrence, où il est entré pour la première fois dans la fonction publique en tant que commissaire aidant à configurer les limites du nouveau comté. Le 25 novembre, la législature de l’État l’a nommé juge de paix du comté. Le 27 mars 1818, il fut élu lieutenant-colonel du cinquante-septième régiment de la milice du Tennessee, battant le candidat Daniel Matthews pour le poste. En 1819, Crockett exploitait plusieurs entreprises dans la région et sentait que ses responsabilités publiques commençaient à lui prendre tellement de temps et d'énergie qu'il ne lui restait plus grand-chose pour sa famille ou son entreprise. Il a démissionné de son poste de juge de paix et de son poste au sein du régiment.
Assemblée générale du Tennessee
En 1821, il démissionna de son poste de commissaire et se présenta avec succès à l'Assemblée générale du Tennessee, représentant les comtés de Lawrence et Hickman. C’est cette élection où Crockett a perfectionné ses talents oratoires anecdotiques. Il fut nommé au Comité des propositions et des griefs le 17 septembre 1821 et servit pendant la première session qui se termina le 17 novembre, ainsi que pendant la session extraordinaire convoquée par le gouverneur à l'été 1822, se terminant le 24 août. législation visant à alléger le fardeau fiscal des pauvres. Crockett a passé toute sa carrière législative à lutter pour les droits des colons pauvres qui, selon lui, étaient au bord du précipice de perdre le titre de propriété de leurs terres en raison du système complexe de subventions de l'État. Il a soutenu le candidat au poste de gouverneur de 1821, William Carroll, plutôt que le candidat soutenu par Andrew Jackson, Edward Ward.
Moins de deux semaines après l'élection de Crockett à l'Assemblée générale en 1821, une crue de la rivière Tennessee détruisit les entreprises de Crockett. En novembre, le père d'Elizabeth, Robert Patton, a cédé 800 acres de sa propriété du comté de Carroll à Crockett. Crockett a vendu la majeure partie de la superficie pour aider à régler ses dettes et a déménagé sa famille sur la superficie restante de la rivière Obion, qui est restée dans le comté de Carroll jusqu'en 1825, date à laquelle les limites ont été reconfigurées et l'ont placée dans le comté de Gibson. En 1823, il se présenta contre le neveu d'Andrew Jackson, William Edward Butler, et remporta un siège à l'Assemblée générale représentant les comtés de Carroll, Humphreys, Perry, Henderson et Madison. Il a siégé à la première session, qui s'est déroulée de septembre à fin novembre 1823, et à la deuxième session qui s'est déroulée de septembre à fin novembre 1824, défendant les droits des agriculteurs pauvres. Lors de l'élection d'Andrew Jackson au Sénat des États-Unis en 1823, Crockett soutint son adversaire John Williams.
Chambre des représentants des États-Unis
Le 25 octobre 1824, Crockett informa ses électeurs de son intention de se présenter aux élections de 1825 pour un siège à la Chambre des représentants des États-Unis. Il a perdu cette élection face au président sortant Adam Rankin Alexander. Une rencontre fortuite en 1826 lui valut l'encouragement du maire de Memphis, Marcus Brutus Winchester, pour tenter à nouveau de remporter un siège au Congrès. La Jackson Gazette a publié une lettre de Crockett le 15 septembre 1826, annonçant son intention de défier à nouveau Rankin, déclarant son opposition aux politiques du président John Quincy Adams, du secrétaire d'État Henry Clay et à la position de Rankin sur le tarif du coton. Le vétéran de la milice William Arnold entra également dans la course et Crockett battit facilement les deux opposants politiques pour le mandat de deux ans du 4 mars 1827 au 3 mars 1829. Il arriva à Washington D.C. et s'installa à la pension de Mme Ball, où un Un certain nombre d'autres législateurs vivaient lorsque le Congrès siégeait. Jackson a été élu président des États-Unis en 1828. Crockett a continué à se concentrer sur la législation pour que les colons obtiennent un accord équitable pour les titres fonciers, proposant l'amendement H.R. 27 à un projet de loi parrainé par James K. Polk.
Il fut réélu pour la session du 4 mars 1829 au 3 mars 1831, battant une fois de plus Adam Rankin Alexander. Crockett a présenté l'amendement H.R. 185 au projet de loi foncier le 29 janvier 1830. L'amendement a été rejeté le 3 mai 1830. Le 25 février 1830, Crockett a présenté une résolution visant à abolir l'Académie militaire des États-Unis à West Point, New York, parce qu'il estimaient que c'était l'argent public qui allait bénéficier aux fils d'hommes riches. Il s'est prononcé contre le fait que le Congrès ait accordé une somme forfaitaire de 100 000 dollars à la veuve de Stephen Decatur, affirmant que le Congrès n'était pas habilité à le faire. Crockett s'est opposé à l'Indian Removal Act de Jackson de 1830 et a été le seul membre de la délégation du Tennessee à voter contre. Le chef Cherokee, John Ross, lui envoya une lettre le 13 janvier 1831, exprimant ses remerciements pour le vote de Crockett. Son vote n'était pas populaire dans sa propre circonscription et, en 1831, il fut battu aux élections par William Fitzgerald.
Crockett s'est de nouveau présenté contre Fitzgerald aux élections de 1833 et a été renvoyé au Congrès, siégeant jusqu'en 1835. Le 2 janvier 1834, Crockett a présenté la résolution sur les titres fonciers H.R. 126, mais elle n'est jamais parvenue à être ouverte au débat à la Chambre. . Il fut battu pour réélection aux élections d'août 1835 par Adam Huntsman. Au cours de son dernier mandat au Congrès, Crockett a collaboré avec le député du Kentucky Thomas Chilton pour écrire son autobiographie, qui a été publiée par E. L. Carey et A. Hart en 1834 sous le titre A Narrative of the Life of David Crockett, Written by Himself. Crockett est allé vers l'est pour promouvoir le livre. En 1836, les journaux publièrent la citation désormais célèbre attribuée à Crockett à son retour dans son État d'origine. Il a déclaré : « J'ai dit aux gens de mon district que je les servirais aussi fidèlement que je l'avais fait ; mais sinon, ils pourraient aller en enfer et j'irais au Texas. »
Révolution texane
En décembre 1834, Crockett écrivait à des amis au sujet de son déménagement au Texas si le successeur choisi par Jackson, Martin Van Buren, était élu président. L'année suivante, il discuta avec son ami Benjamin McCulloch de la création d'un groupe de volontaires à emmener au Texas dans l'espoir qu'une révolution était imminente. Après que les résultats des élections ont été connus en août, son départ pour le Texas a été retardé par une comparution devant le tribunal la dernière semaine d'octobre en tant que co-exécuteur testamentaire de la succession de son beau-père décédé, et il a finalement quitté son domicile près de Rutherford dans l'ouest du Tennessee. le 1er novembre 1835, avec trois autres hommes pour explorer le Texas. Sa plus jeune enfant, Matilda, écrivit plus tard qu'elle se souvenait distinctement de la dernière fois qu'elle avait vu son père : « Il était vêtu de son costume de chasse, portait une casquette en peau de raton laveur et portait un beau fusil que lui avaient offert des amis à Philadelphie ... Il semblait très confiant le matin de son départ qu'il nous demanderait bientôt tous de le rejoindre au Texas.
De chez lui, il s'est rendu à Jackson, y est arrivé avec 30 hommes bien armés, où il a prononcé un discours depuis les marches du palais de justice du comté de Madison, puis s'est dirigé vers le sud-ouest jusqu'à Bolivar, où il a passé la nuit chez le Dr Calvin Jones. , attirant une fois de plus des foules qui l'expulsèrent le lendemain matin. Il est arrivé à Memphis la deuxième semaine de novembre avec une compagnie très réduite, a traversé le fleuve Mississippi le lendemain et a continué son voyage à cheval à travers l'Arkansas.
Le 12 novembre 1835, Crockett et son entourage arrivèrent à Little Rock, Arkansas. Les journaux locaux ont rapporté que des centaines de personnes avaient envahi la ville pour jeter un coup d'œil à Crockett et qu'un groupe de citoyens éminents avait organisé un dîner en son honneur ce soir-là à l'hôtel Jeffries. Crockett a parlé « principalement du sujet de l'indépendance texane », ainsi que de la politique de Washington.
Il arriva à Nacogdoches, Texas, début janvier 1836. Le 14 janvier 1836, Crockett et 65 autres hommes signèrent devant le juge John Forbes un serment au gouvernement provisoire du Texas pour six mois : « J'ai prêté serment de gouvernement et j'ai j'ai inscrit mon nom comme volontaire et je partirai dans quelques jours pour le Rio Grande avec les volontaires des États-Unis. Chaque homme s'est vu promettre une terre en guise de paiement. Il a également vendu deux fusils au colonel O'Neal pour 60 $. (Après sa mort, ses héritiers ont réclamé 57,50 $. En 1854, sa veuve reçut du Texas un certificat de paiement de 24,00 $.) Le 6 février, Crockett et environ cinq autres hommes se rendirent à San Antonio de Bexar et campèrent juste à l'extérieur de la ville. . Ils ont ensuite été accueillis par James Bowie et Antonio Menchaca et emmenés au domicile de Don Erasmo Seguin.
Crockett arrive à Alamo le 8 février. Le 23 février, à la surprise des hommes en garnison à Alamo, une armée mexicaine dirigée par le général Antonio Lopez de Santa Anna arrive. Les soldats mexicains ont immédiatement lancé un siège.
Santa Anna a ordonné à son artillerie de maintenir un bombardement quasi constant. Les armes étaient rapprochées chaque jour de l'Alamo, augmentant ainsi leur efficacité. Le 25 février, 200 à 300 soldats mexicains ont traversé la rivière San Antonio et se sont réfugiés dans des cabanes abandonnées à environ 90 à 100 mètres des murs d'Alamo. Les soldats avaient l'intention d'utiliser les huttes comme couverture pour établir une autre position d'artillerie, bien que de nombreux Texiens aient supposé qu'ils lançaient en réalité un assaut sur le fort. Plusieurs hommes se sont portés volontaires pour incendier les cabanes. Pour assurer leur couverture, les canons Alamo ont tiré à mitraille sur les soldats mexicains, et Crockett et ses hommes ont tiré avec des fusils, tandis que d'autres défenseurs ont rechargé des armes supplémentaires pour qu'ils puissent les utiliser pour maintenir un feu constant. En 90 minutes, la bataille était terminée et les soldats mexicains se retiraient. À l'intérieur de l'Alamo, les réserves de poudre et de grenaille étaient limitées. Le 26 février, le commandant d'Alamo, William Barret Travis, a ordonné à l'artillerie de cesser de riposter afin de conserver de précieuses munitions. Crockett et ses hommes ont été encouragés à continuer de tirer, car ils étaient particulièrement efficaces.
Au fur et à mesure que le siège progressait, Travis envoya de nombreux messages demandant des renforts. Plusieurs messagers furent envoyés à James Fannin, qui commandait le seul autre groupe officiel de soldats texiens. Fannin et plusieurs centaines de Texiens ont occupé le Presidio La Bahia à Goliad. Bien que Fannin ait finalement décidé qu'il était trop risqué de tenter de renforcer l'Alamo, l'historien Thomas Ricks Lindley conclut que jusqu'à 50 des hommes de Fannin ont quitté son commandement pour se rendre à Bexar. Ces hommes auraient atteint Cibolo Creek, à 35 km de l'Alamo, dans l'après-midi du 3 mars. Là, ils rejoignirent un autre groupe d'hommes qui envisageaient également de rejoindre la garnison.
Cette même nuit, à l'extérieur de l'Alamo, il y a eu une escarmouche entre les troupes mexicaines et texanes. Plusieurs historiens, dont Walter Lord, ont émis l'hypothèse que les Texiens créaient une diversion pour permettre à leur dernier courrier, John Smith, d'échapper aux piquets mexicains. Cependant, en 1876, Susannah Dickinson, survivante d'Alamo, a déclaré que Travis avait envoyé trois hommes peu après la tombée de la nuit le 3 mars, probablement en réponse à l'arrivée de renforts mexicains. Les trois hommes, dont Crockett, ont été envoyés pour retrouver Fannin. Lindley a déclaré que juste avant minuit, Crockett et l'un des autres hommes ont trouvé la force des Texiens attendant le long de Cibolo Creek, qui s'était avancée à moins de 20 milles de l'Alamo. Juste avant le jour du 4 mars, une partie de la force texane réussit à percer les lignes mexicaines et à entrer dans l'Alamo. Un deuxième groupe fut chassé à travers la prairie par la cavalerie mexicaine.
Le siège a pris fin le 6 mars, lorsque l'armée mexicaine a attaqué juste avant l'aube alors que les défenseurs dormaient. Les bombardements quotidiens d'artillerie avaient été suspendus, peut-être un stratagème visant à encourager la réaction naturelle de l'humanité à cesser ses tensions constantes. Mais la garnison se réveilla et le combat final commença. La plupart des non-combattants se sont rassemblés dans la sacristie de l'église pour des raisons de sécurité. Selon Dickinson, avant de courir à son poste, Crockett s'est brièvement arrêté dans la chapelle pour dire une prière. Lorsque les soldats mexicains ont franchi les murs extérieurs nord du complexe d'Alamo, la plupart des Texiens se sont repliés vers la caserne et la chapelle, comme prévu précédemment. Crockett et ses hommes étaient trop loin de la caserne pour se mettre à l'abri. et étaient le dernier groupe restant de la mission à être à découvert. Les hommes ont défendu le muret devant l'église, utilisant leurs fusils comme gourdins et s'appuyant sur des couteaux, car l'action était trop furieuse pour permettre un rechargement. Après une volée et une charge à la baïonnette, les soldats mexicains repoussèrent les quelques défenseurs restants vers l'église. La bataille d'Alamo a duré près de 90 minutes.
Une fois tous les défenseurs tués, Santa Anna a ordonné à ses hommes d'emmener les corps vers un bosquet d'arbres voisin, où ils ont été empilés et du bois empilé au sommet. Ce soir-là, un feu a été allumé et les corps des défenseurs ont été réduits en cendres.
Les cendres restèrent intactes jusqu'en février 1837, date à laquelle Juan Seguin et sa cavalerie retournèrent à Bexar pour examiner les restes. Un charpentier local a créé un simple cercueil dans lequel les cendres des bûchers funéraires ont été placées. Les noms de Travis, Crockett et Bowie étaient inscrits sur le couvercle. Le cercueil aurait été enterré dans un bosquet de pêchers, mais l'endroit n'a pas été marqué et ne peut plus être identifié.
La mort
Tout ce qui est certain sur le sort de David Crockett, c'est qu'il est mort en combattant à Alamo le matin du 6 mars 1836, à l'âge de 49 ans. Selon de nombreux récits de la bataille, entre cinq et sept Texans se sont rendus pendant la bataille, peut-être au général Castrillon. Furieux que ses ordres de ne faire aucun prisonnier aient été ignorés, Santa Anna a exigé l'exécution immédiate des survivants. Bien que Castrillon et plusieurs autres officiers aient refusé de le faire, les officiers d'état-major qui n'avaient pas participé aux combats ont dégainé leurs épées et ont tué les Texiens non armés.
Controverse
Quelques semaines après la bataille, des histoires ont commencé à circuler selon lesquelles Crockett faisait partie de ceux qui se sont rendus et ont été exécutés. Cependant, Ben, un ancien esclave américain qui servait de cuisinier à l'un des officiers de Santa Anna, a affirmé que le corps de Crockett avait été retrouvé dans la caserne entouré de « pas moins de seize cadavres mexicains », avec le couteau de Crockett enfoui dans l'un d'eux. Les historiens ne sont pas d’accord sur la question de savoir quelle histoire est exacte. Selon Petite, « chaque récit de l'histoire de la reddition et de l'exécution de Crockett vient d'un antagoniste avoué (que ce soit pour des raisons politiques ou militaires) de Santa Anna. On pense que de nombreuses histoires, telles que la reddition et l'exécution de Crockett, ont été créées et se propager afin de discréditer Santa Anna et renforcer son rôle de méchant. »
En 1955, Jesús Sánchez Garza a auto-publié un livre intitulé La Rebelión de Texas — Manuscrito Inédito de 1836 por un Ofical de Santa Anna prétendant être les mémoires de José Enrique de la Peña, un officier mexicain présent à la bataille de l'Alamo. En 1975, la Texas A&M University Press a publié une traduction anglaise du livre intitulée With Santa Anna in Texas: A Personal Narrative of the Revolution. La publication anglaise a provoqué un scandale aux États-Unis, car elle affirmait que Crockett n'était pas mort au combat. Les historiens ne sont pas d'accord sur la question de savoir si une partie ou la totalité du livre a été falsifiée. Étant donné que le livre original a été auto-publié, aucun éditeur n’a jamais vérifié son authenticité. Sánchez Garza n'a jamais expliqué comment il avait obtenu la garde des documents ni où ils avaient été conservés après la mort de de la Peña.
Certains historiens, dont Bill Groneman, ont trouvé suspect que la compilation de Sánchez Garza ait été publiée en 1955, au plus fort de l'intérêt pour Crockett et Alamo suscité par la mini-série télévisée de Walt Disney sur la vie de Crockett, Davy Crockett. Groneman souligne également que les journaux sont constitués de plusieurs types de papier différents provenant de plusieurs fabricants de papier différents, tous découpés pour s'adapter. L'historien Joseph Musso remet également en question la validité, fondant également ses soupçons sur le moment de la publication des journaux.
"Le défenseur le plus énergique du document a été l'historien James Crisp, qui a trouvé un pamphlet de 1839 de de la Peña dans lequel le Mexicain disait qu'il préparait la publication de son journal - preuve que, au moins, le texte de Sánchez Garza avait une base historique. Finalement, en 2001, l'archiviste David Gracy a publié une analyse détaillée du manuscrit, comprenant des résultats de laboratoire. Il a découvert, entre autres choses, que le papier et l'encre étaient d'un type utilisé par l'armée mexicaine dans les années 1830, et que l'écriture manuscrite correspondait à celle-ci. sur d'autres documents des archives militaires mexicaines qui ont été écrits ou signés par de la Peña.
De plus, Catherine Williamson, catalogueuse de manuscrits chez Butterfield & Butterfield, a déclaré : « Les mémoires de De la Peña ont été écrits sur un papier à haute teneur en chiffon typique du début du 19ème siècle. Les filigranes nous indiquent que le papier a été produit à Lisbonne entre 1825 et 1832. Si quelque chose avait nous a indiqué que le papier avait été fabriqué après cette période ou datait du 20e siècle et qu'il s'agissait clairement d'un faux, nous ne le proposerions pas à la vente. Nous sommes convaincus qu'il est bien ce qu'il est. Les responsables de Butterfield estiment que le journal de témoins oculaires pourrait rapporter entre 200 000 et 300 000 dollars.
Dans le récit de de la Peña, il ajoute une note de bas de page qui peut aligner les deux versions. Il déclare que "Tous les ennemis ont péri, il ne reste en vie qu'une vieille dame et un esclave noir, que les soldats ont épargnés par pitié et parce que nous avions établi que seule la force les avait maintenus en danger". (Perry 1975) Cela implique que l'exécution sommaire des survivants a peut-être eu lieu avant la libération de Dickinson et Joe, de sorte qu'ils ont observé Crockett comme mort, donnant du crédit à leur témoignage. De la Peña décrit l'élimination des morts et des blessés comme un processus continu qui a pris un certain temps.
Premièrement, aucun autre récit de la survie de Crockett à l'Alamo n'a fait surface en dehors du journal de de la Peña. Aucune documentation dans les archives du gouvernement mexicain, ni aucun des dossiers personnels des autres personnes présentes à la bataille d'Alamo, ne donne la moindre allusion à des survivants parmi les défenseurs, et encore moins à la mention de Crockett comme survivant. Deuxièmement, il y a des spéculations selon lesquelles le récit de de la Peña pourrait avoir été une fabrication délibérée, dans le but de présenter Santa Anna sous un jour bien plus diabolique que celui que les historiens américains (et particulièrement texans) lui ont donné depuis la chute de l'Alamo.
Le récit écrit de de la Peña, même s'il s'agit d'un écrit légitime, a également été remis en question dans la mesure où beaucoup doutent de sa capacité à identifier nommément l'un des défenseurs d'Alamo. De nombreux historiens croient que de la Peña a peut-être été témoin ou informé de l'exécution de certains survivants d'Alamo, mais en fait, ni lui ni ses camarades n'auraient su qui étaient ces hommes. Une partie de la raison pour laquelle les mémoires de de la Peña sont remises en question vient de son récit détaillé de la mort du colonel William Travis dans With Santa Anna in Texas. Dans ce récit, il décrit en détail comment Travis a été héroïque dans ses derniers instants, se transformant directement en soldats mexicains et affrontant sa mort avec honneur. Le problème : comment de la Peña aurait-il pu distinguer Travis des autres défenseurs de l'Alamo ? L'ancien esclave libéré de Travis, Joe, a affirmé que Travis était mort au début de la bataille, sur le mur nord. En plus de cela, l'armée mexicaine n'avait pas franchi les murs d'Alamo lorsque Travis a été tué, elle l'aurait donc vu depuis une zone située sous les murs, tout en étant abattue par les défenseurs. Pour ajouter à cela, Travis a été tué avant l’aube, ce qui signifie qu’il faisait encore nuit. Par conséquent, on pense que de la Peña a soit créé le scénario de la mort de Travis, soit qu'il a vu un autre défenseur après avoir franchi les murs et l'a pris pour Travis. dewitt/adp/archives/delapena/lind_crisp/lind.html Michael Lind, La mort de David Crockett]
Héritage
L'une des paroles de Crockett, publiées dans des almanachs entre 1835 et 1856 (avec celles de Daniel Boone et de Kit Carson), était la suivante : Assurez-vous toujours d'avoir raison, puis allez-y.
Alors qu'il servait à la Chambre des représentants des États-Unis, Crockett est devenu franc-maçon. Il confia son tablier maçonnique à la Weakly Lodge du Tennessee avant de partir au Texas, et il survit encore aujourd'hui.
En 1967, le service postal américain a émis un timbre de 5 cents commémorant Davy Crockett.
Homonymes
Tennessee
* Parc d'État du lieu de naissance de Davy Crockett, comté de Greene
*Parc d'État David Crockett, comté de Lawrence
*Comté de Crockett, Tennessee ; son siège du comté est Alamo
*École secondaire David Crockett, Jonesborough
Texas
* Comté de Crockett
*Crockett, Texas, comté de Houston
*École secondaire David Crockett, district scolaire indépendant d'Austin
* Lac Davy Crockett, comté de Fannin
* Boucle Davy Crockett, sentier faunique des Prairies et des Pineywoods – Est
* Forêt nationale Davy Crockett, comté d'Angelina
* École Davy Crockett, district scolaire indépendant de Dallas
*Crockett Street, une artère majeure du centre-ville de San Antonio
*Fort Crockett, comté de Galveston
Divers
*M28 Davy Crockett Weapon System : un petit système d'armes nucléaires, le plus petit développé par les États-Unis, pouvant être tiré depuis un véhicule léger, ou même depuis un lanceur monté sur l'épaule.
Les monuments
* Cénotaphe d'Alamo, San Antonio, sculpteur Pompeo Coppini, le panneau ouest du cénotaphe présente une statue de Crockett et une statue de William B. Travis devant d'autres défenseurs d'Alamo
*Statue de David Crockett, Ozona, Texas, sculpteur William M. McVey
*Statue grandeur nature Colonel David Crockett, Place publique, Lawrenceburg, Tennessee, W.M.Dean Marble Company of Columbia
Dans la culture populaire
À la télévision
Disney
La légende de Crockett renaît dans une émission télévisée des années 1950 de Walt Disney, qui présente également sa légendaire casquette en peau de coons. En 1948, Disney a déclaré à la chroniqueuse Hedda Hopper qu'il était « temps de faire connaissance ou de renouer avec les héros folkloriques robustes, joyeux, énergiques et représentatifs ».
Chaîne de découverte
Un épisode de la septième saison de la série MythBusters de Discovery Channel a exploré l'histoire des exploits de Crockett dans l'arrière-pays : il pouvait enfoncer une hache dans un tronc d'arbre, tirer avec son long fusil à 40 mètres et toucher le bord si précisément que la balle se fendait. en deux. Après un peu d'entraînement, Tory Belleci a réussi à reproduire l'exploit à 20 mètres avec le pistolet posé sur des sacs de sable et a déclaré le mythe « confirmé », estimant que Crockett aurait pu systématiquement réussir le tir à 40 mètres avec suffisamment d'expérience.
Musique
"La Ballade de Davy Crockett" de l'émission télévisée Disney avait quatre versions différentes de la chanson qui ont atteint le palmarès pop Billboard Best Sellers en 1955. Les versions de Bill Hayes, de la star de la série télévisée Fess Parker et de Tennessee Ernie Ford figuraient dans le Top 10. simultanément, la version de Hayes atteignant la première place.
Dans les films
Dans les films, Crockett a été joué par :
*Charles K. French, Davy Crockett – In Hearts United (1909), muet
*Hobart Bosworth, Davy Crockett (1910), muet
*Dustin Farnum, Davy Crockett (1916), muet
*Cullen Landis (Davy Crockett à la chute d'Alamo, 1926, muet)
*Jack Perrin (L'étalon peint, 1937)
*Lane Chandler (Héros de l'Alamo, 1937)
*Robert Barrat (L'Homme de Conquête, 1939)
*George Montgomery (Davy Crockett, Indian Scout, 1950) [une autre personne, cousin du célèbre Davy Crockett]
*Trevor Bardette (L'Homme d'Alamo, 1953)
*Arthur Hunnicutt (Le Dernier Commandement, 1955)
*Fess Parker (avec Buddy Ebsen dans le rôle de Georgie Russel dans Davy Crockett, King of the Wild Frontier, 1955, et Davy Crockett and the River Pirates, 1956, tous deux sur Walt Disney Presents sur ABC)
*James Griffith (Le premier Texan, 1956)
*John Wayne (L'Alamo, 1960)
*Brian Keith (The Alamo : 13 jours vers la gloire, 1987)
*Merrill Connally (Alamo : Le prix de la liberté, 1988)
*Johnny Cash (Davy Crockett : Rainbow in the Thunder, 1988)
*Tim Dunigan (Davy Crockett : Rainbow in the Thunder, Davy Crockett : A Natural Man, Davy Crockett : Guardian Spirit, Davy Crockett : Letter to Polly, 1988-1989)
*David Zucker (The Naked Gun 2½: The Smell of Fear, 1991 [un très petit rôle de camée])
*John Schneider (Texas de James A. Michener, 1994)
*Scott Wickware (Dear America : Une ligne dans le sable, 2000)
*Justin Howard (Le livre de recettes anarchiste, 2002)
*Billy Bob Thornton (L'Alamo, 2004)"
Pièces
*Davy Crockett, pièce musicale (inachevée), janvier 1938-avril 1938, Kurt Weill
Fiction en prose
Crockett apparaît dans au moins deux courts ouvrages d'histoire alternative : "Chickasaw Slave" de Judith Moffett dans Alternate Presidents, où Crockett est le septième président des États-Unis, et "Empire" de William Sanders dans Alternate Generals volume 2, où Crockett se bat pour Empéro | http://quiz4free.com/ |
Quel est le vrai nom de « Buster Bloodvessel », le chanteur du groupe pop « Bad Manners » ? | Douglas Trendle | [
"Douglas Trendle (né le 6 septembre 1958), mieux connu sous le nom de Buster Bloodvessel, est un chanteur anglais et leader du groupe de renaissance ska Bad Manners. Son nom de scène est tiré du conducteur de bus joué par Ivor Cutler dans le film Magical Mystery Tour des Beatles en 1967."
] | Douglas Trendle (né le 6 septembre 1958), mieux connu sous le nom de Buster Bloodvessel, est un chanteur anglais et leader du groupe de renaissance ska Bad Manners. Son nom de scène est tiré du conducteur de bus joué par Ivor Cutler dans le film Magical Mystery Tour des Beatles en 1967.
Biographie
Né à Stoke Newington sous le nom de Douglas Woods d'une mère célibataire, Buster a été adopté et élevé par sa grand-tante Mary Trendle et son mari, Edward. Il n'a su qu'il avait été adopté qu'à l'âge de sept ans, lorsqu'il a entendu sa mère adoptive parler à un voisin. Il a découvert que la femme qu'il connaissait sous le nom de « Tante Lily » était en réalité sa mère. Il n'a jamais rencontré son père.
Il a fondé Bad Manners avec des amis à la Woodberry Down Comprehensive School dans le nord de Londres en 1976. Bad Manners était une attraction live populaire dans le nord de Londres, avec leur marque de ska humoristique faisant d'eux des comédiens de la scène revival du ska, Buster remuant souvent sa grande langue. à ses audiences. Bad Manners a remporté neuf singles dans le Top 40 entre 1980 et 1983, et le groupe est depuis resté un groupe live populaire dans toute la Grande-Bretagne et l'Europe.
Cependant, le groupe s'est initialement séparé en 1987, après la fin de leur contrat avec Portrait Records et il a finalement formé un nouveau groupe appelé Buster's Allstars, se produisant dans des clubs et des pubs à Londres, mais il a quand même donné quelques concerts avec Bad Manners dans des salles plus grandes, ainsi que avec quelques nouveaux musiciens et quelques autres membres originaux du groupe.
En 1988, Buster a obtenu une licence pour le nom et le logo de Blue Beat Records, et il dirigeait le label depuis une vieille péniche stationnée dans le jardin de son ancienne maison à Hackney. Blue Beat a publié un certain nombre de disques, notamment par Bad Manners, Napoleon Solo, Buster's Allstars et the Billies, mais le label a fermé ses portes en 1990.
Buster Bloodvessel est également apparu dans les films Out of Order et Sammy et Rosie Get Laid avant de décrocher un rôle dans un épisode de Boon en 1990. En 1998, il signe un contrat solo avec le label dérivé de Virgin Records, Innocent Records, et enregistre un album. mais le label a décidé de mettre fin au projet juste avant la sortie de son premier single solo.
Buster a lutté contre une obésité morbide et a subi un pontage gastrique laparoscopique en 2004, son poids passant de 31 à 13 pierres. Il possédait autrefois un hôtel à Margate appelé Fatty Towers, qui s'adressait spécifiquement aux clients plus importants, avec des fonctionnalités telles que des lits et des baignoires extra-larges ainsi que des repas gras. L'hôtel a fermé ses portes en 1998 et Buster est retourné à Londres. Il apparaît souvent en tant qu'invité dans diverses émissions de télévision, ainsi que dans les tabloïds. Début 2001, il tombe malade lors d'un concert à Pérouse. | http://quiz4free.com/ |
L'encéphalite affecte quelle partie du corps ? | cerveau | [
"L'encéphalite (du grec ancien ἐγκέφαλος, enképhalos « cerveau », composé de ἐν, en, « in » et κεφαλή, kephalé, « tête », et du suffixe médical -itis « inflammation ») est une inflammation aiguë du cerveau. L'encéphalite accompagnée de méningite est connue sous le nom de méningo-encéphalite. Les symptômes comprennent des maux de tête, de la fièvre, de la confusion, de la somnolence et de la fatigue. D'autres symptômes comprennent des convulsions, des tremblements, des hallucinations, des accidents vasculaires cérébraux et des problèmes de mémoire. En 2013, l'encéphalite aurait entraîné 77 000 décès, contre 92 000 en 1990.",
"Les examens neurologiques révèlent généralement un patient somnolent ou confus. La raideur du cou, due à l'irritation des méninges recouvrant le cerveau, indique que le patient souffre soit d'une méningite, soit d'une méningo-encéphalite.",
"L'encéphalite limbique fait référence à une maladie inflammatoire confinée au système limbique du cerveau. Le tableau clinique comprend souvent une désorientation, une désinhibition, une perte de mémoire, des convulsions et des anomalies comportementales. L'imagerie IRM révèle une hyperintensité T2 dans les structures des lobes temporaux médiaux et, dans certains cas, dans d'autres structures limbiques. Certains cas d'encéphalite limbique sont d'origine auto-immune."
] | L'encéphalite (du grec ancien ἐγκέφαλος, enképhalos « cerveau », composé de ἐν, en, « in » et κεφαλή, kephalé, « tête », et du suffixe médical -itis « inflammation ») est une inflammation aiguë du cerveau. L'encéphalite accompagnée de méningite est connue sous le nom de méningo-encéphalite. Les symptômes comprennent des maux de tête, de la fièvre, de la confusion, de la somnolence et de la fatigue. D'autres symptômes comprennent des convulsions, des tremblements, des hallucinations, des accidents vasculaires cérébraux et des problèmes de mémoire. En 2013, l'encéphalite aurait entraîné 77 000 décès, contre 92 000 en 1990.
Signes et symptômes
Les patients adultes atteints d'encéphalite présentent une apparition aiguë de fièvre, des maux de tête, de la confusion et parfois des convulsions. Les jeunes enfants ou les nourrissons peuvent présenter de l'irritabilité, un manque d'appétit et de la fièvre.
Les examens neurologiques révèlent généralement un patient somnolent ou confus. La raideur du cou, due à l'irritation des méninges recouvrant le cerveau, indique que le patient souffre soit d'une méningite, soit d'une méningo-encéphalite.
Cause
Viral
L'encéphalite virale peut survenir soit comme effet direct d'une infection aiguë, soit comme séquelle d'une infection latente. Les causes les plus courantes d’encéphalite virale aiguë sont le virus de la rage, l’infection par le HSV, le poliovirus et le virus de la rougeole.
D'autres causes virales possibles sont l'arbovirus (virus de l'encéphalite de Saint-Louis, virus de l'encéphalite du Nil occidental), le bunyavirus (souche La Crosse), l'arénavirus (virus de la chorioméningite lymphocytaire) et le réovirus (virus de la tique du Colorado).
Bactérien et autre
Elle peut être causée par une infection bactérienne, telle qu'une méningite bactérienne, ou peut être une complication d'une maladie infectieuse actuelle, la syphilis (encéphalite secondaire).
Certaines infestations parasitaires ou protozoaires, telles que la toxoplasmose, le paludisme ou la méningoencéphalite amibienne primaire, peuvent également provoquer une encéphalite chez les personnes dont le système immunitaire est affaibli. La maladie de Lyme et/ou Bartonella henselae peuvent également provoquer une encéphalite.
D'autres agents pathogènes bactériens, comme les Mycoplasmes et ceux responsables de la rickettsiose, provoquent une inflammation des méninges et par conséquent une encéphalite. Une cause non infectieuse comprend l’encéphalite aiguë disséminée démyélinisée.
Encéphalite limbique
L'encéphalite limbique fait référence à une maladie inflammatoire confinée au système limbique du cerveau. Le tableau clinique comprend souvent une désorientation, une désinhibition, une perte de mémoire, des convulsions et des anomalies comportementales. L'imagerie IRM révèle une hyperintensité T2 dans les structures des lobes temporaux médiaux et, dans certains cas, dans d'autres structures limbiques. Certains cas d'encéphalite limbique sont d'origine auto-immune.
Encéphalite auto-immune
Les signes d'encéphalite auto-immune peuvent inclure la catatonie, la psychose, les mouvements anormaux et la dérégulation autonome. L'encéphalite à récepteurs anti-N-méthyl-D-aspartate médiée par les anticorps et l'encéphalite de Rasmussen sont des exemples d'encéphalite auto-immune.
Encéphalite léthargique
L'encéphalite léthargique se caractérise par une forte fièvre, des maux de tête, un retard de réponse physique et une léthargie. Les individus peuvent présenter une faiblesse du haut du corps, des douleurs musculaires et des tremblements, bien que la cause de l'encéphalite léthargique ne soit pas actuellement connue. De 1917 à 1928, une épidémie d’encéphalite léthargique s’est produite dans le monde entier.
Diagnostic
Le diagnostic de l'encéphalite se fait via divers tests :
*Une analyse cérébrale, réalisée par IRM, peut déterminer l'inflammation et la différencier des autres causes possibles.
*EEG, lors de la surveillance de l'activité cérébrale, l'encéphalite produira un signal anormal.
*Ponction lombaire (ponction lombaire), elle permet de déterminer via un test utilisant le liquide céphalo-rachidien, obtenu à partir de la région lombaire.
*Test sanguin
*Analyse d'urine
Traitement
Le traitement (qui repose sur des soins de soutien) est le suivant :
La prévention
La vaccination est disponible contre l'encéphalite à tiques et l'encéphalite japonaise et doit être envisagée pour les personnes à risque. L’encéphalomyélite post-infectieuse compliquant la vaccination contre la variole est pratiquement évitable, car la variole est presque éradiquée. Une contre-indication à la vaccination contre la coqueluche doit être observée chez les patients atteints d'encéphalite.
Épidémiologie
L'incidence de l'encéphalite aiguë dans les pays occidentaux est de 7,4 cas pour 100 000 habitants par an. Dans les pays tropicaux, l'incidence est de 6,34 pour 100 000 par an. En 2013, on estime que l'encéphalite a entraîné 77 000 décès, contre 92 000 en 1990. L'encéphalite herpétique simplex a une incidence de 2 à 4 par million d'habitants et par an. | http://quiz4free.com/ |
Sur qui Zola Budd a-t-il accidentellement trébuché lors des Jeux olympiques de Los Angeles en 1984 ? | Mary Decker | [
"Lors des Jeux olympiques de 1984, organisés à Los Angeles, en Californie, les médias ont présenté la course du 3000 m comme un duel entre Budd et la championne du monde américaine Mary Decker, rares sont ceux qui ont rapporté qu'une troisième concurrente, la Roumaine Maricica Puică, avait réalisé le meilleur temps cette année-là.",
"Budd a concouru au niveau international pour le Royaume-Uni en 1985 et 1986. En février 1985, elle a été championne du monde de cross-country (en battant Ingrid Kristiansen), mais a ensuite subi plusieurs défaites sur piste. Le plus important d'entre eux fut sa revanche avec Mary Decker-Slaney à Crystal Palace en juillet 1985, dans laquelle elle termina quatrième, à environ 13 secondes de Decker-Slaney."
] | Zola Pieterse (née le 26 mai 1966), née Zola Budd, est une coureuse de demi-fond et de fond. Elle a participé aux Jeux olympiques de 1984 pour la Grande-Bretagne et aux Jeux olympiques de 1992 pour l'Afrique du Sud, les deux fois au 3000 mètres. En 1984 (non ratifiée) et 1985, elle bat le record du monde du 5 000 mètres féminin. Elle a également remporté deux fois les Championnats du monde de cross-country (1985-1986). La carrière de Budd était inhabituelle dans la mesure où elle s'entraînait et courait principalement pieds nus. Depuis 2008, elle vit en Caroline du Sud avec ses trois enfants et participe à des marathons et des ultramarathons. Elle est bénévole en tant qu'entraîneur adjoint à la Coastal Carolina University à Conway.
Record du monde du 5 000 mètres féminin
Budd, née à Bloemfontein, dans l'État libre d'Orange, en Afrique du Sud, est devenue célèbre en 1984, à l'âge de 17 ans, lorsqu'elle a battu le record du monde féminin du 5 000 m avec un temps de 15 : 01,83. Sa performance ayant eu lieu en Afrique du Sud, alors exclue des compétitions internationales d'athlétisme en raison de la politique d'apartheid, la Fédération internationale d'athlétisme amateur (IAAF) a refusé de ratifier le temps de Budd comme record du monde officiel.
En 1985, elle a officiellement remporté le record du monde, alors qu'elle représentait la Grande-Bretagne, avec un temps de 14 : 48,07.
Arrivée en Grande-Bretagne
Le Daily Mail, un tabloïd britannique, a persuadé le père de Budd de l'encourager à demander la citoyenneté britannique, au motif que son grand-père était britannique, afin de contourner le boycott sportif international de l'Afrique du Sud, afin qu'elle puisse participer aux Jeux olympiques d'été de 1984. à Los Angeles. Grâce à une forte pression du Daily Mail, la citoyenneté britannique lui fut accordée en peu de temps et elle déménagea à Guildford. Sa demande et son arrivée ont été controversées en raison de l'acquisition d'un passeport dans des circonstances préférentielles. Les groupes soutenant l'abolition de l'apartheid ont fait campagne avec véhémence et efficacité pour souligner le traitement spécial qu'elle a reçu ; d'autres candidats ont dû attendre parfois des années avant d'obtenir la citoyenneté, voire pas du tout.
Peu de temps après, Budd a été contraint de se retirer d'une course de 1 500 m à Crawley, dans le Sussex, lorsque le conseil municipal a retiré son invitation à bref délai. La course faisait partie de l'événement inaugural du nouveau centre de loisirs Bewbush de la ville et le maire Alf Pegler a déclaré que les membres du conseil avaient exprimé leurs craintes que l'importance locale de l'événement soit éclipsée par "les connotations politiques et les manifestants anti-apartheid".
Elle a couru sa première course de compétition sur la piste cendrée de Central Park à Dartford, Kent, parcourant 3 000 m en 9 minutes. 2,6 secondes dans une course retransmise en direct sur le programme Grandstand de la BBC. Elle a participé à d'autres courses en Grande-Bretagne, notamment aux championnats britanniques du 1 500 m (remportés en 4 minutes et 4 secondes) et au 3 000 m des essais olympiques britanniques, qu'elle a remportés en 8 minutes. 40 secondes, gagnant une place dans l'équipe olympique britannique. Au 2000 m à Crystal Palace en juillet 1984, elle établit un nouveau record du monde en 5 minutes. 33,15 secondes. Commentant la course pour la BBC, David Coleman s'est exclamé : "Le message va désormais être diffusé dans le monde entier – Zola Budd n'est pas un mythe."
3000 mètres olympique de 1984
Lors des Jeux olympiques de 1984, organisés à Los Angeles, en Californie, les médias ont présenté la course du 3000 m comme un duel entre Budd et la championne du monde américaine Mary Decker, rares sont ceux qui ont rapporté qu'une troisième concurrente, la Roumaine Maricica Puică, avait réalisé le meilleur temps cette année-là.
Decker a donné un rythme rapide au canon, suivi de près par Budd, suivi de Puică et de la Britannique Wendy Smith-Sly. Lorsque le rythme a ralenti juste après la mi-course, Budd a pris la tête dans la ligne droite et s'est écarté du peloton dans le virage. Donnant le ton, elle s'est éloignée du peloton, Decker, Smith-Sly et Puică, une situation inhabituelle pour Budd et Decker, tous deux habitués à courir devant et bien devant.
A 1700 mètres, la première collision a lieu. Decker est entré en contact avec l'une des jambes de Budd, le déséquilibrant légèrement. Cependant, les deux femmes ont maintenu leur position proche. Cinq foulées plus loin, avec un temps de course de 4' 58", Budd et Decker sont de nouveau entrés en contact, le pied gauche de Budd effleurant la cuisse de Decker, faisant perdre l'équilibre à Budd et l'envoyant sur le chemin de Decker. La chaussure de course à pointes de Decker est tombée durement sur celle de Budd. cheville, juste au-dessus du talon, qui a fait couler du sang. Des bandes vidéo examinées plus tard par les officiels olympiques ont montré que Budd souffrait visiblement. Cependant, Budd a maintenu son équilibre et sa foulée.
Decker, maintenant très déséquilibré, est tombé en avant et s'est écrasé sur le champ intérieur, attrapant le numéro sur le dos de Budd, qui s'est détaché. Decker n'a pas pu reprendre la course en raison d'une blessure à la hanche.
Budd, profondément affecté par l'événement, a continué à mener pendant un moment, mais s'est évanoui, terminant septième au milieu d'un chœur retentissant de huées. Son temps final de 8' 48" était bien en dehors de son meilleur temps de 8' 37". Écrivant dans son autobiographie des années plus tard, Budd a déclaré qu'elle avait délibérément ralenti pour se retirer de la compétition, car elle ne pouvait pas faire face à la collecte d'une médaille devant une foule partisane hostile. Budd a tenté de s'excuser auprès de Decker dans le tunnel après la course, mais Decker était bouleversé et a répondu : « Ne vous embêtez pas ! Puică a gagné, avec Sly deuxième et la Canadienne Lynn Williams troisième.
Bien que Budd ait été huée par la foule, un jury de l'IAAF a estimé qu'elle n'était pas responsable de la collision. Decker a déclaré plusieurs années après l'événement: "La raison pour laquelle je suis tombé, certaines personnes pensent qu'elle m'a fait trébucher délibérément. Je sais que ce n'était pas du tout le cas. La raison pour laquelle je suis tombé est parce que je suis et j'étais très inexpérimenté un paquet."
En général, il est de la responsabilité de l'athlète suiveur d'éviter tout contact avec le coureur qui le précède ; La question de savoir si Budd avait ou non suffisamment de contrôle sur la course pour s'être engagée dans la courbe comme elle l'a fait naturellement a été vivement controversée. "Cela ne signifie pas", a écrit le journaliste d'athlétisme Kenny Moore par la suite, "qu'un leader peut faire un écart en toute impunité, mais que dans les concessions mutuelles de la course en peloton, les athlètes apprennent à faire des concessions." Au début, les médias américains se sont rangés du côté de Decker, tandis que la presse britannique a soutenu Budd.
En 2002, le moment était classé 93e parmi les 100 plus grands moments sportifs de Channel 4. Dans un épisode de Celebrity Come Dine with Me, Budd a déclaré qu'à ce jour, elle n'avait jamais vu d'images de la collision.
Compétition internationale
Budd a concouru au niveau international pour le Royaume-Uni en 1985 et 1986. En février 1985, elle a été championne du monde de cross-country (en battant Ingrid Kristiansen), mais a ensuite subi plusieurs défaites sur piste. Le plus important d'entre eux fut sa revanche avec Mary Decker-Slaney à Crystal Palace en juillet 1985, dans laquelle elle termina quatrième, à environ 13 secondes de Decker-Slaney.
Cependant, la forme de Budd s'est considérablement améliorée après cette course, puisqu'elle a ensuite battu les records du Royaume-Uni et du Commonwealth pour le 1 500 m (en 3: 59,96), le mile (4: 17,57), le 3 000 m (8: 28,83) et le 5000m (14:48.07). Ce dernier a réduit le record du monde de dix secondes. Elle a également remporté la Coupe d'Europe du 3000 m. Ses meilleurs temps au 1 500 m, au mile run et au 3 000 m ont été réalisés lors de courses avec Decker-Slaney et Maricica Puică. Budd a terminé troisième dans les trois courses, Decker-Slaney et Puică arrivant respectivement premier et deuxième.
L'année 1986 a commencé avec la défense de son titre mondial de cross-country et un record du monde du 3000 m en salle en 8 minutes. 39,79 secondes. Cependant, après quelques victoires rapides en début de saison sur 1 500 m (4:01:93) et 3 000 m (8:34:72), sa saison sur piste extérieure lui a valu plusieurs défaites contre des athlètes qu'elle aurait dû battre facilement. Elle a concouru au 1 500 m et au 3 000 m aux Championnats d'Europe, mais n'a remporté aucune médaille dans aucun des deux, terminant respectivement 9e et 4e. Il est apparu plus tard que Budd souffrait d'une blessure douloureuse à la jambe pendant une grande partie de la saison : elle n'a pas concouru en 1987 car elle cherchait un traitement pour cela.
Polémique, mariage et retour en Afrique du Sud
En 1988, elle a recommencé à concourir avec une poignée de courses de cross-country. Cependant, plusieurs pays africains ont affirmé qu'elle avait participé à un événement en Afrique du Sud (Budd a affirmé qu'elle avait seulement assisté à l'événement et n'avait pas couru) et ont insisté pour qu'elle soit suspendue de la compétition. La Fédération internationale d'athlétisme amateur a confirmé cette accusation et l'a suspendue, après quoi Budd est retourné en Afrique du Sud. Elle a pris sa retraite de la compétition internationale pendant plusieurs années, mais est revenue à temps pour représenter l'Afrique du Sud aux Jeux olympiques d'été de 1992 à Barcelone, en participant au 3000 m.
En 1989, Budd épousa Mike Pieterse. Le couple a trois enfants, une fille Lisa et des jumeaux, Azelle et Mike. À son retour chez elle, Budd a recommencé à courir en Afrique du Sud. Elle a réalisé une excellente saison en 1991 et a été la deuxième femme la plus rapide au monde sur 3000 m. Après la réadmission de l'Afrique du Sud au sport international, elle a concouru sur 3 000 m aux Jeux olympiques d'été de 1992 à Barcelone, mais ne s'est pas qualifiée pour la finale. En 1993, elle a terminé quatrième aux championnats du monde de cross-country, mais elle n'a jamais transposé cette forme sur la piste. Budd a publié son autobiographie, Zola (co-écrite avec Hugh Eley) en 1989. Budd reste détentrice de nombreux records britanniques et sud-africains aux niveaux junior et senior et détient toujours deux records du monde juniors ; le mile et le 3000m.
Déménagement aux États-Unis
À la suite d'allégations selon lesquelles son mari aurait eu une liaison avec l'ancienne Miss Afrique du Sud Agatha "Pinkie" Pelser et que Budd aurait pris une ordonnance d'interdiction contre Pelser à la suite d'un siège d'armes à feu de sept heures supervisé par la police après que Pelser ait menacé Budd et ses enfants, le couple a divorcé en 2007. Après que Pieterse ait poursuivi son ancien amant pour fraude en 2007, Pelser s'est suicidé en 2010.
Sous son nom de femme mariée, Pieterse et ses trois enfants ont déménagé à Myrtle Beach, en Caroline du Sud, aux États-Unis, en août 2008, rejoints plus tard par son mari Mike. Elle disposait initialement d'un visa de deux ans qui lui permettait de concourir sur le circuit américain des masters. Elle est entraîneur bénévole de l'équipe d'athlétisme Chanticleers de la Coastal Carolina University et a couru dans la division de Caroline du Sud de l'USA Track and Field, remportant la division féminine du Dasani Half-Marathon lors du Bi-Lo Myrtle Beach Marathon le 14 février 2009 avec un temps. de 1:20:41.
Les enfants de Budd participent également : lors de la course sur route du Festival of Roses d'Orangeburg, en Caroline du Sud, le 2 mai 2009, après avoir remporté l'épreuve féminine de 12 km, elle a vu sa fille Lisa (17 ans) remporter le 5 km féminin. Tranche d'âge 12-19 ans à 30h17, suivie de sa nièce Claudia (21 ans) à 31h36.
Le 12 janvier 2012, elle a annoncé sa participation à l'édition 2012 du (ultra) marathon des camarades de près de 90 km qui s'est tenu le 3 juin 2012. Elle participerait également au marathon des deux océans pendant le week-end de Pâques 2012 alors qu'elle s'entraînait vers le Comrades Marathon qu'elle a fini par terminer en 8:06:09 (elle était la 37e femme). Bien qu'elle ait prévu de diriger également les Camarades en 2013, elle s'est retirée pour cause de maladie.
En juin 2014, Budd a de nouveau participé aux Comrades, dans l'espoir d'une médaille d'argent au classement général et pour un temps inférieur à 7 heures 30 minutes (7:30:00). Budd a battu son objectif de temps, terminant avec un temps de 6:55:55 et remportant la médaille d'or en tant que 1ère finissante « vétéran » (senior) tout en se classant 7ème au classement général féminin (les six premières ayant au moins 10 ans d'elle). junior). Budd a dédié sa course Camrades 2014 à l'enseignant sud-africain Pierre Korkie, retenu captif au Yémen par Al-Qaïda pendant un an. Elle a été déchue de sa médaille d'or de « vétéran » (mais pas de son prix en espèces pour avoir terminé 7e au classement général) à la suite d'accusations selon lesquelles elle n'avait pas affiché une petite étiquette de catégorie d'âge sur son gilet de course, en plus de la désignation de vétéran déjà affichée sur son maillot de course. bavoir. Budd et son entraîneur ont souligné que la médaille d'or et la médaille d'argent des vétérans avaient ensuite été décernées à deux coureurs qui n'avaient pas non plus la petite étiquette de catégorie d'âge sur leur gilet de course, et ont annoncé en septembre 2014 qu'ils avaient entamé une procédure judiciaire contre le Comrades Marathon. Association pour que sa victoire de vétéran soit réintégrée.
En mars 2015, Budd a remporté le marathon Run Hard Columbia (SC), avec un temps de 3:05:27.
Impact culturel
En Afrique du Sud, les taxis des townships sont aujourd'hui surnommés « Zola Budd » en raison de leur rapidité. La chanteuse Brenda Fassie (que le magazine Time a surnommée « la Madone des townships » en 2001) a connu un succès dans les années 1980 avec son titre « Zola Budd ».
Le 20 juillet 2012, BBC Radio 4 a diffusé une pièce de théâtre de Richard Monks sur les mesures politiques et médiatiques prises pour amener Zola Budd en Grande-Bretagne avec son père à l'âge de 17 ans, le scénario laissant entendre qu'elle n'était pas disposée et avait le mal du pays. | http://quiz4free.com/ |
Quel joueur de cricket australien a marqué un canard (0) lors de sa toute dernière manche en 1948 ? | Donald Bradman | [
"Sir Donald Bradman est largement considéré comme le plus grand batteur de tous les temps. Il a dominé le sport de 1930 jusqu'à sa retraite en 1948, établissant de nouveaux records pour le score le plus élevé lors d'une manche test (334 contre l'Angleterre à Headingley en 1930), le plus grand nombre de points (6996), le plus grand nombre de siècles (29). , le plus grand nombre de doubles siècles et les plus grandes moyennes au bâton de test et de première classe. Son record de la moyenne au bâton de test la plus élevée – 99,94 – n’a jamais été battu. C’est près de 40 courses au-dessus de la moyenne la plus élevée suivante. Il aurait terminé avec une moyenne de plus de 100 points par manche s'il n'avait pas été licencié pour un canard lors de son dernier test. Il a été fait chevalier en 1949 pour services rendus au cricket. Il est généralement considéré comme l'un des plus grands héros sportifs australiens.",
"* Donald Bradman détient le record de la moyenne la plus élevée d'un joueur de cricket australien (ou autre) avec une moyenne remarquable de 99,94. Bradman a joué 52 tests et y a réussi 29 siècles et 13 cinquantaines."
] | L'équipe nationale australienne de cricket représente l'Australie dans le cricket international. Il s'agit de la plus ancienne équipe commune de l'histoire du Test cricket, ayant disputé le tout premier Test match en 1877. L'équipe joue également au One Day International cricket et au Twenty20 International, participant à la fois au premier ODI, contre l'Angleterre lors de la saison 1970-1971 et le premier Twenty20 International, contre la Nouvelle-Zélande lors de la saison 2004-05, remportant les deux matchs. L'équipe recrute ses joueurs dans des équipes participant aux compétitions nationales australiennes : le Sheffield Shield, le tournoi national australien de cricket à séries limitées et la Big Bash League.
L'équipe nationale a disputé 788 matchs de test, en remportant 372, en perdant 208, en faisant match nul 206 et en égalisant 2. L'Australie est classée première équipe au classement général du test de cricket en termes de victoires globales, de ratio victoires-défaites et de pourcentage de victoires. Au 28 février 2016, l'Australie est classée première dans le championnat de test ICC avec 112 points de classement.
L'équipe australienne de cricket a disputé 871 matchs ODI, en remportant 539, en perdant 292, en égalisant 9 et avec 31 sans résultat. Ils mènent actuellement le championnat ICC ODI, après 130 mois sur 161 depuis son introduction en 2002. L'Australie a disputé un nombre record de sept participations à la finale de la Coupe du monde (1975, 1987, 1996, 1999, 2003, 2007 et 2015) et a remporté la Coupe du monde cinq fois au total ; 1987, 1999, 2003, 2007 et 2015. L'Australie est la première équipe à participer à quatre finales consécutives de Coupe du monde (1996, 1999, 2003 et 2007), dépassant l'ancien record de trois participations consécutives à la Coupe du monde par les Antilles (1975, 1979). et 1983) et la première équipe à remporter 3 coupes du monde consécutives (1999, 2003 et 2007). C'est également la deuxième équipe à remporter une Coupe du monde (2015) à domicile, après l'Inde (2011).
L'équipe était invaincue lors de 34 matches consécutifs de Coupe du monde jusqu'au 19 mars lors de la Coupe du monde de cricket 2011, où le Pakistan les a battus par 4 guichets. L'Australie a également remporté le Trophée des Champions ICC à deux reprises – en 2006 et 2009 – ce qui en fait la première et la seule équipe à remporter consécutivement les tournois du Trophée des Champions. L'équipe a également joué 88 Twenty20 Internationals, en remportant 44, en perdant 41, en égalisant 2 et avec 1 sans résultat, se qualifiant pour la finale de l'ICC World Twenty20 2010, qu'elle a finalement perdu contre l'Angleterre.
Depuis le 24 février 2016, l'équipe australienne de cricket est classée première dans les tests, première dans les ODI et huitième dans les T20I par l'ICC.
Histoire
Histoire ancienne
L'équipe australienne de cricket a participé au premier test match au MCG en 1877, battant une équipe anglaise par 45 points, Charles Bannerman réalisant le premier siècle de test, un score de 165 blessés à la retraite. Le test de cricket, qui n'avait lieu à l'époque qu'entre l'Australie et l'Angleterre, était limité par la longue distance entre les deux pays, qui prenait plusieurs mois par voie maritime. Malgré la population beaucoup plus petite de l'Australie, l'équipe était très compétitive dans les premiers matchs, produisant des stars telles que Jack Blackham, Billy Murdoch, Fred "The Demon" Spofforth, George Bonnor, Percy McDonnell, George Giffen et Charles "The Terror" Turner. La plupart des joueurs de cricket de l'époque étaient originaires de Nouvelle-Galles du Sud ou de Victoria, à l'exception notable de George Giffen, la star polyvalente d'Australie du Sud.
L'un des moments forts des débuts de l'histoire de l'Australie a été le match test de 1882 contre l'Angleterre à The Oval. Dans ce match, Fred Spofforth a pris 7/44 dans la quatrième manche du match pour sauver le match en empêchant l'Angleterre d'atteindre son objectif de 85 points. Après ce match, le Sporting Times, un grand journal londonien de l'époque, publia une fausse nécrologie dans laquelle la mort du cricket anglais était proclamée et annonçait que "le corps avait été incinéré et les cendres emportées en Australie". Ce fut le début de la célèbre série Ashes dans laquelle l'Australie et l'Angleterre jouent une série de matchs tests pour décider du détenteur des Ashes. À ce jour, cette compétition constitue l’une des rivalités les plus féroces du sport.
Âge d'or
Le soi-disant « âge d'or » du cricket d'essai australien s'est produit vers la fin du 19e siècle et le début du 20e siècle, l'équipe dirigée par Joe Darling, Monty Noble et Clem Hill remportant huit des dix tournées. Il a participé entre la tournée anglaise de 1897-1898 en Australie et la tournée sud-africaine de 1910-1911 en Australie. Des batteurs exceptionnels tels que Joe Darling, Clem Hill, Reggie Duff, Syd Gregory, Warren Bardsley et Victor Trumper, de brillants joueurs polyvalents dont Monty Noble, George Giffen, Harry Trott et Warwick Armstrong et d'excellents quilleurs dont Ernie Jones, Hugh Trumble, Tibby Cotter , Bill Howell, Jack Saunders et Bill Whitty, ont tous aidé l'Australie à devenir la nation dominante du cricket pendant la majeure partie de cette période.
Victor Trumper est devenu l'un des premiers héros sportifs australiens et était largement considéré comme le plus grand batteur australien avant Bradman et l'un des joueurs les plus populaires. Il a joué un nombre record (à l'époque) de tests à 49 et a marqué 3163 (un autre record) de courses avec une moyenne de temps élevée de 39,04. Sa mort prématurée en 1915, à l'âge de 37 ans, suite à une maladie rénale, provoqua un deuil national. Le Wisden Cricketers' Almanack, dans sa nécrologie, l'a appelé le plus grand batteur d'Australie : « De tous les grands batteurs australiens, Victor Trumper était, de l'avis général, le meilleur et le plus brillant. »
Les années qui ont précédé le début de la Première Guerre mondiale ont été marquées par des conflits entre les joueurs, dirigés par Clem Hill, Victor Trumper et Frank Laver, du Conseil australien de contrôle du cricket international. Dirigé par Peter McAlister, qui tentait d'obtenir plus de contrôle sur les tournées auprès des joueurs. Cela a conduit six joueurs de premier plan (les soi-disant « Big Six ») à se retirer du tournoi triangulaire de 1912 en Angleterre, l'Australie alignant ce qui était généralement considéré comme une équipe de second ordre. C'était la dernière série avant la guerre, et l'Australie n'a plus joué au cricket pendant huit ans, Tibby Cotter étant tué en Palestine pendant la guerre.
Le cricket entre les guerres
Le cricket d'essai a repris au cours de la saison 1920/21 en Australie avec une équipe anglaise en tournée, dirigée par Johnny Douglas, perdant les cinq tests contre l'Australie, dirigée par le "Big Ship" Warwick Armstrong. Plusieurs joueurs d'avant-guerre, dont Warwick Armstrong, Charlie Macartney, Charles Kelleway, Warren Bardsley et le gardien de guichet Sammy Carter, ont joué un rôle déterminant dans le succès de l'équipe, ainsi que les nouveaux joueurs Herbie Collins, Jack Ryder, Bert Oldfield, le fileur. Arthur Mailey et les soi-disant « destroyers jumeaux » Jack Gregory et Ted McDonald. L'équipe a poursuivi son succès lors du Tour d'Angleterre de 1921, remportant trois des cinq tests de la dernière série de Warwick Armstrong. L'équipe était, dans l'ensemble, incohérente dans la seconde moitié des années 1920, perdant sa première série de Cendres à domicile depuis la saison 1911-1912 en 1928-1929.
L'ère Bradman
Le Tour d’Angleterre de 1930 a marqué le début d’une nouvelle ère de succès pour l’équipe australienne. L'équipe, dirigée par Bill Woodfull – le « Great Un-bowlable » – comprenait des légendes du jeu, dont Bill Ponsford, Stan McCabe, Clarrie Grimmett et le jeune duo Archie Jackson et Don Bradman. Bradman a été le batteur exceptionnel de la série, marquant un record de 974 points, dont un siècle, deux doubles siècles et un triple siècle, un score énorme de 334 à Leeds, dont 309 points en une journée. Jackson est mort de tuberculose à l'âge de 24 ans trois ans plus tard, après avoir joué huit tests. L'équipe était largement considérée comme imparable, remportant neuf de ses dix tests suivants.
La tournée anglaise de 1932 à 1933 en Australie est considérée comme l'un des épisodes de cricket les plus tristement célèbres, en raison de l'utilisation de la ligne du corps par l'équipe d'Angleterre, où le capitaine Douglas Jardine a demandé à ses quilleurs Bill Voce et Harold Larwood de lancer des livraisons rapides et courtes visant à les corps des batteurs australiens. La tactique, bien qu'efficace, a été largement considérée par le public australien comme vicieuse et antisportive. Les blessures de Bill Woodfull, qui a été touché au cœur, et de Bert Oldfield, qui a reçu une fracture du crâne (bien que causée par un ballon n'appartenant pas à Bodyline), ont aggravé la situation, provoquant presque une émeute à grande échelle de la part des 50 000 supporters présents à Adélaïde. Ovale pour le troisième test. Le conflit a failli dégénérer en incident diplomatique entre les deux pays, alors que des personnalités politiques australiennes de premier plan, dont le gouverneur d'Australie-Méridionale, Alexander Hore-Ruthven, ont protesté auprès de leurs homologues anglais. La série s'est terminée par une victoire 4-1 pour l'Angleterre, mais les tactiques Bodyline utilisées ont été interdites l'année suivante.
L'équipe australienne a réussi à surmonter cette série dommageable et a remporté sa prochaine tournée en Angleterre en 1934. L'équipe était dirigée par Bill Woodfull lors de sa dernière tournée et a été notamment dominée par Ponsford et Bradman, qui ont mis en place à deux reprises des partenariats de plus de 380 courses, avec Bradman marquant une fois de plus un triple siècle à Leeds. Le bowling a été dominé par la paire de spin composée de Bill O'Reilly et Clarrie Grimmett, qui ont pris 53 guichets à eux deux, O'Reilly réalisant à deux reprises sept guichets.
Sir Donald Bradman est largement considéré comme le plus grand batteur de tous les temps. Il a dominé le sport de 1930 jusqu'à sa retraite en 1948, établissant de nouveaux records pour le score le plus élevé lors d'une manche test (334 contre l'Angleterre à Headingley en 1930), le plus grand nombre de points (6996), le plus grand nombre de siècles (29). , le plus grand nombre de doubles siècles et les plus grandes moyennes au bâton de test et de première classe. Son record de la moyenne au bâton de test la plus élevée – 99,94 – n’a jamais été battu. C’est près de 40 courses au-dessus de la moyenne la plus élevée suivante. Il aurait terminé avec une moyenne de plus de 100 points par manche s'il n'avait pas été licencié pour un canard lors de son dernier test. Il a été fait chevalier en 1949 pour services rendus au cricket. Il est généralement considéré comme l'un des plus grands héros sportifs australiens.
Le test de cricket a de nouveau été interrompu par la guerre, la dernière série de tests en 1938 étant rendue remarquable par Len Hutton établissant un record du monde de 364 pour l'Angleterre, avec Chuck Fleetwood-Smith concédant 298 points dans le total record du monde de l'Angleterre de 7 à 903. Ross Gregory, un jeune batteur remarquable qui a joué deux tests avant la guerre, a été tué pendant la guerre.
Le cricket après la Seconde Guerre mondiale
L'équipe a poursuivi son succès après la fin de la Seconde Guerre mondiale, avec le premier test (également le premier de l'Australie contre la Nouvelle-Zélande) joué lors de la saison 1945-1946 contre la Nouvelle-Zélande. L'Australie était de loin l'équipe la plus titrée des années 1940, étant invaincue tout au long de la décennie, remportant deux séries Ashes contre l'Angleterre et sa première série Test contre l'Inde. L'équipe a capitalisé sur ses étoiles vieillissantes Bradman, Sid Barnes, Bill Brown et Lindsay Hassett tandis que de nouveaux talents, dont Ian Johnson, Don Tallon, Arthur Morris, Neil Harvey, Bill Johnston et le duo de quilles rapides composé de Ray Lindwall et Keith Miller, qui ont tous ont fait leurs débuts dans la seconde moitié des années 1940 et constitueront la base de l'équipe pendant une bonne partie de la décennie suivante. L'équipe que Don Bradman a dirigée en Angleterre en 1948 a gagné le surnom des Invincibles, après avoir parcouru la tournée sans perdre un seul match. Sur 31 matchs de première classe disputés au cours de la tournée, ils en ont remporté 23 et ont fait match nul 8, y compris en remportant la série de tests de cinq matchs 4-0, avec un match nul. La tournée a été particulièrement remarquable pour le quatrième test de la série, dans lequel l'Australie a gagné par sept guichets poursuivant un objectif de 404, établissant un nouveau record pour la course la plus élevée en test de cricket, avec Arthur Morris et Bradman marquant tous deux des siècles, ainsi que pour le dernier test de la série, le dernier de Bradman, où il a terminé avec un canard lors de ses dernières manches après avoir eu besoin de seulement quatre points pour obtenir une moyenne en carrière de 100.
L'Australie a eu moins de succès dans les années 1950, perdant trois séries consécutives des Ashes contre l'Angleterre, y compris un horrible Tour d'Angleterre en 1956, où les « jumeaux spin » Laker et Lock ont détruit l'Australie, prenant 61 guichets à eux deux, dont Laker prenant 19 guichets dans le match. (un record de première classe) à Leeds, un match baptisé Laker's Match.
Cependant, l'équipe a rebondi pour remporter cinq séries consécutives dans la seconde moitié des années 1950, d'abord sous la direction de Ian Johnson, puis de Ian Craig et Richie Benaud. La série contre les Antilles au cours de la saison 1960-1961 a été remarquable par le test à égalité lors du premier match à The Gabba, qui était le premier du test de cricket. L'Australie a fini par remporter la série 2-1 après une série âprement disputée qui a été saluée pour ses excellents standards et son sens du fair-play. Les joueurs les plus remarquables dans cette série ainsi qu'au début des années 1960 étaient Richie Benaud, qui a remporté un nombre record de guichets en tant que fileur de jambe, et qui a également été capitaine de l'Australie dans 28 tests, dont 24 sans défaite ; Alan Davidson, qui est devenu le premier joueur à remporter 10 guichets et à effectuer 100 points dans le même match lors du premier test, et était également un lanceur rapide notable ; Bob Simpson, qui a également été capitaine de l'Australie pendant deux périodes différentes ; Colin McDonald, le batteur d'ouverture de premier choix pendant la majeure partie des années 1950 et au début des années 60 ; Norm O'Neill, qui a fait 181 au test à égalité ; Neil Harvey, vers la fin de sa longue carrière ; et Wally Grout, un excellent gardien de guichet décédé à l'âge de 41 ans.
Années 1970 et au-delà
Le Test du Centenaire a été joué en mars 1977 au MCG pour célébrer les 100 ans du premier Test. L'Australie a fini par gagner par 45 points, un résultat identique au premier match test.
En mai 1977, Kerry Packer annonça qu'il organisait une compétition séparatiste – les World Series Cricket (WSC) – après que l'Australian Cricket Board (ACB) eut refusé d'accepter l'offre de Channel Nine d'obtenir les droits de télévision exclusifs sur les matchs tests australiens en 1976. Packer signa secrètement le leader. joueurs de cricket internationaux à ses compétitions, dont 28 Australiens. Presque toute l'équipe australienne de test à l'époque était signée au WSC – des exceptions notables, notamment Gary Cosier, Geoff Dymock, Kim Hughes et Craig Serjeant – et les sélectionneurs australiens ont été contraints de choisir ce qui était généralement considéré comme une équipe de troisième ordre parmi les joueurs de le bouclier de Sheffield. L'ancien joueur Bob Simpson, qui avait pris sa retraite 10 ans auparavant après un conflit avec le conseil d'administration, a été rappelé à l'âge de 41 ans pour devenir capitaine de l'Australie contre l'Inde. Jeff Thomson a été nommé adjoint dans une équipe qui comprenait sept débutants. L'Australie a réussi à remporter la série 3-2, principalement grâce au bâton de Simpson, qui a marqué 539 points, dont deux siècles ; et le bowling de Wayne Clark, qui a remporté 28 guichets. L'Australie a perdu la série suivante, contre les Antilles, qui alignaient une équipe complète, 3-1, et a également perdu la série Ashes 1978-1979 5-1, le pire résultat des Ashes de l'équipe en Australie. Graham Yallop a été nommé capitaine des Ashes, Kim Hughes prenant le relais pour la tournée 1979-1980 en Inde. Rodney Hogg a quand même réussi à remporter 41 guichets lors de sa première série, un record australien. Les joueurs du WSC sont revenus dans l'équipe pour la saison 1979-1980 après un règlement entre l'ACB et Kerry Packer. Greg Chappell a été réintégré en tant que capitaine.
L'incident du bowling sous les bras de 1981 s'est produit lorsque, lors d'un match contre la Nouvelle-Zélande, Greg Chappell a demandé à son frère Trevor de lancer une livraison sous les bras au batteur néo-zélandais Brian McKechnie, la Nouvelle-Zélande ayant besoin d'un six pour égaliser la dernière balle. Les conséquences de l'incident ont détérioré les relations politiques entre l'Australie et la Nouvelle-Zélande, plusieurs personnalités politiques et du cricket le qualifiant de "antisportif" et "pas dans l'esprit du cricket".
L'Australie poursuit son succès jusqu'au début des années 1980, bâtie autour de Bob Simpson, des frères Chappell, Dennis Lillee, Jeff Thomson et Rod Marsh. Les années 1980 ont été une période de relative médiocrité après les troubles provoqués par les Rebel Tours d'Afrique du Sud et le départ à la retraite de plusieurs acteurs clés. Les tournées rebelles ont été financées par le Conseil sud-africain de cricket pour affronter son équipe nationale, qui avait été interdite – ainsi que de nombreux autres sports, y compris les athlètes olympiques – de concourir au niveau international, en raison de la politique raciste d'apartheid du gouvernement sud-africain. Certains des meilleurs joueurs australiens ont été débauchés : Graham Yallop, Carl Rackemann, Terry Alderman, Rodney Hogg, Kim Hughes, John Dyson, Greg Shipperd, Steve Rixon et Steve Smith, entre autres. Ces joueurs ont été suspendus pour trois ans par l'Australian Cricket Board, ce qui a considérablement affaibli le bassin de joueurs des équipes nationales, car la plupart étaient soit des joueurs représentatifs actuels, soit sur le point de remporter les honneurs.
Sous la direction d'Allan Border et les nouvelles normes de mise en place mises en place par le nouvel entraîneur Bob Simpson, l'équipe a été restructurée et a progressivement reconstitué ses stocks de cricket. Certains joueurs rebelles sont revenus en équipe nationale après avoir purgé leurs suspensions, notamment Trevor Hohns, Carl Rackemann et Terry Alderman. Durant ces années de vaches maigres, ce sont les batteurs Border, David Boon, Dean Jones, le jeune Steve Waugh et les exploits de bowling d'Alderman, Bruce Reid, Craig McDermott, Merv Hughes et dans une moindre mesure, Geoff Lawson qui ont maintenu à flot l'équipe australienne. .
Avec l’émergence de joueurs tels que Ian Healy, Mark Taylor, Geoff Marsh, Mark Waugh, Greg Matthews, Damien Martyn et Matthew Hayden à la fin des années 1980, l’Australie était sur le point de sortir du marasme. En remportant les Ashes en 1989, les Australiens ont réussi à battre le Pakistan et le Sri Lanka, puis ont enchaîné avec une autre victoire des Ashes à domicile en 1991. Les Australiens sont allés aux Antilles et ont eu leurs chances mais ont fini par perdre la série. . Cependant, ils ont rebondi et ont battu les Indiens lors de leur prochaine série de tests. Avec la retraite du champion mais défensif Allan Border, une nouvelle ère du cricket offensif avait commencé sous la direction d'abord de Mark Taylor puis de Steve Waugh.
Les années 1990 et le début du 21e siècle ont sans doute été la période la plus réussie de l'Australie, invaincue dans toutes les séries Ashes disputées, à l'exception de la célèbre série 2005 et réalisant un triplé de Coupe du monde. Ce succès a été attribué à la restructuration de l'équipe et du système par Border, les capitaines agressifs successifs et à l'efficacité de plusieurs acteurs clés, notamment Glenn McGrath, Shane Warne, Justin Langer, Matthew Hayden, Steve Waugh, Adam Gilchrist, Michael Hussey. et Ricky Ponting. Après la série des Ashes 2006/07 que l'Australie a remportée 5 à 0, l'Australie a glissé dans le classement après le départ à la retraite de joueurs clés. Dans la série Ashes 2013/14, l'Australie a de nouveau battu l'Angleterre 5 à 0 et est remontée à la 3e place du classement des tests internationaux de l'ICC. En février et mars 2014, l'Australie a battu l'équipe numéro 1 mondiale, l'Afrique du Sud, 2-1, et a été reclassée numéro 1 mondiale. L'équipe australienne a été marquée par le décès de Phillip Hughes le 27 novembre 2014. En 2015, l'Australie a remporté la Coupe du monde de cricket 2015, ne perdant qu'un seul match pour le tournoi. Depuis décembre 2015, l'Australie est classée 3e en Test Cricket et 1ère en ODI Cricket.
Terrains internationaux
Couleurs de l'équipe
Pour les matchs tests, l'équipe porte des Cricket Whites, avec un pull ou un gilet-pull en option avec un col en V vert et or pour une utilisation par temps froid. Le logo du sponsor (actuellement Commonwealth Bank pour les matchs de test à domicile et Qantas pour les matchs de test à l'extérieur) est affiché sur le côté droit de la poitrine tandis que les armoiries de Cricket Australia sont affichées sur la gauche. Si le pull est porté, le blason est affiché sous le col en V et le logo du sponsor est à nouveau affiché sur le côté droit de la poitrine. Le vert baggy, la casquette de cricket australienne, est considéré comme un élément essentiel de l'uniforme de cricket et comme un symbole de l'équipe nationale, les nouveaux joueurs en recevant un lors de leur sélection dans l'équipe. Le casque affiche également bien en évidence les armoiries du cricket australien. Fin 2011, ASICS a été nommé fabricant des uniformes blancs et limités d'Adidas, le logo ASICS étant affiché sur la chemise et le pantalon. Les joueurs peuvent choisir n'importe quel fabricant pour leurs autres équipements (batte, coussinets, chaussures, gants, etc.).
Dans One Day International cricket et Twenty20 International cricket, l'équipe porte des uniformes généralement de couleur verte et or, les couleurs nationales de l'Australie. Il y a eu une variété de styles et de dispositions différents utilisés dans les deux formes de jeu à séries limitées, avec des vêtements colorés (parfois appelés « pyjamas ») introduits pour les World Series Cricket à la fin des années 1970. Les logos des sponsors (Victoria Bitter pour les ODI à domicile, KFC pour les Home Twenty20 et Qantas pour les ODI à l'extérieur et Away Twenty20) sont affichés bien en évidence sur les chemises et autres équipements. Le kit Current Home ODI se compose du vert comme couleur principale et de l’or comme couleur secondaire. Le kit extérieur est à l’opposé du kit domicile avec l’or comme couleur principale et le vert comme couleur secondaire. L'uniforme Home Twenty20s est composé de bleu marine avec les couleurs naturelles de l'Australie, des bandes vertes et dorées. Cependant, depuis que l'Australie a battu la Nouvelle-Zélande en MCG lors de la Coupe du monde de cricket 2015, elle est également devenue sa couleur principale, les chapeaux utilisés étant appelés « disquette d'or », anciennement connu sous le nom de « baggy gold », une couleur limitée. overs équivalent à un Baggy Green.
Joueurs
Cette liste répertorie tous les joueurs actifs qui ont joué pour l'Australie au cours de l'année écoulée et les formes sous lesquelles ils ont joué au cours de cette période, ainsi que tous les joueurs ne répondant pas à ces critères qui ont été sélectionnés dans l'équipe la plus récente de l'équipe. Les joueurs en italique représentent les joueurs sélectionnés dans l'équipe australienne pour la série Test contre la Nouvelle-Zélande.
Pour la saison 2015-2016, le National Selection Panel (NSP) de Cricket Australia a annoncé 19 joueurs sous contrat avec l'équipe nationale parmi lesquels les sélectionneurs choisissent les équipes internationales Test, One-Day et Twenty20. Les salaires sont basés sur un système de classement des joueurs décidé par le NSP ainsi que sur les frais de match, les frais de tournée et les prix en argent pour le succès sur le terrain. Les joueurs sans contrat restent éligibles à la sélection et peuvent être mis à niveau vers un contrat Cricket Australia s'ils obtiennent une sélection régulière.
Clé
* S/N – Numéro de maillot
* C - Sous contrat avec Cricket Australia (Y = Détient le contrat)
Personnel d'entraîneur
* Entraîneur-chef : Darren Lehmann
* Entraîneur-chef par intérim : Justin Langer (pour les West Indies Tri-Series en juin)
* Entraîneur de frappeurs par intérim : Graeme Hick (pour la Tri-Series des Antilles en juin), Stuart Law (pour la tournée au Sri Lanka en juillet-septembre)
* Entraîneur de bowling par intérim : Adam Griffiths (pour les West Indies Tri-Series en juin), Allan Donald (pour la tournée au Sri Lanka en juillet-septembre)
* Entraîneur adjoint et entraîneur de bowling : David Saker
* Entraîneur de Spin Bowling : John Davison
* Spin Consultant : Sridharan Sriram (pour une tournée au Sri Lanka en juillet-septembre)
* Entraîneur sur le terrain : Greg Blewett
* Entraîneur Fielding par intérim : Sridharan Sriram (pour une tournée au Sri Lanka en juillet-septembre)
* Consultant sur le terrain : Mike Young
* Coach force et conditionnement : Damian Mednis
* Physiothérapeute de l'équipe : Alex Kountouris
* Médecin d'équipe : Peter Brukner
* Chef d'équipe : Gavin Dovey
*Analyste des performances : Michael Marshal
* Dame des médias : Katie Hutchinson
Records de match test
Équipe
* L'Australie a été impliquée dans les deux seuls tests à égalité joués. Le premier s'est produit contre les Antilles à Brisbane en décembre 1960. Le second s'est produit contre l'Inde à Madras en septembre 1986.
* L'Australie est l'équipe de test la plus titrée de l'histoire du cricket. Il a remporté plus de 350 matchs tests à un taux de près de 47 %. La deuxième meilleure performance est celle de l'Afrique du Sud avec 37 %.
* La plus grande victoire de l'Australie dans un match test a eu lieu le 24 février 2002. L'Australie a battu l'Afrique du Sud par une manche et 360 points à Johannesburg.
* L'Australie détient le record du plus grand nombre de victoires consécutives avec 16. Cela a été réalisé deux fois ; d'octobre 1999 à février 2001 et de décembre 2005 à janvier 2008.
* L'Australie partage le record du plus grand nombre de victoires consécutives en séries remportant 9 séries d'octobre 2005 à juin 2008. Ce record est partagé avec l'Angleterre.
* L'Australie a remporté le championnat de test ICC 6 fois depuis son lancement – 2003, 2004, 2005, 2006, 2007, 2008.
* Le total le plus élevé de l'Australie lors d'une manche de match test a été enregistré à Kingston, en Jamaïque, contre les Antilles en juin 1955. L'Australie a affiché un score de 758/8 lors de sa première manche avec cinq joueurs marquant un siècle.
* Le total le plus bas de l'Australie lors d'une manche de match test a été enregistré à Birmingham contre l'Angleterre en mai 1902. L'Australie a été éliminée pour 36.
* L'Australie est la seule équipe à avoir perdu un test après avoir imposé le suivi, après avoir été l'équipe perdante dans les trois matches de ce type :
** Le premier test dans les cendres de 1894-1895.
** Le troisième test des cendres de 1981.
** Le deuxième test de la série 2000-01 Border-Gavaskar Trophy contre l'Inde.
* L'Australie est devenue la première équipe de l'histoire du Test à se déclarer dès sa première manche, puis à perdre par une manche contre l'Inde en mars 2013.
* Dans la série Ashes 2013-2014, l'Australie avait accepté les 100 guichets proposés lors du balayage 5-0 contre l'Angleterre.
Les apparences
* Ricky Ponting et Steve Waugh ont disputé le plus grand nombre de matchs tests pour l'Australie, disputant tous deux 168 matchs.
Batteur
*Charles Bannerman a affronté la première balle du Test cricket, a marqué les premiers points du Test cricket et a marqué le premier siècle et demi-siècle de Test.
*Charles Bannerman a également marqué 67,34 % du total australien de la première manche lors du match 1. Ce record reste à ce jour le pourcentage le plus élevé d'un total de manches marqué par un seul batteur.
* Ricky Ponting a marqué le plus de points pour l'Australie en test match de cricket avec 13 378 points. Allan Border est deuxième avec 11 174 points en 265 manches tandis que Steve Waugh en compte 10 927 en 260 manches.
* Ricky Ponting est le tout premier batteur australien de l'histoire à réussir 12 000 et 13 000 tests.
* Matthew Hayden détient le record du plus grand nombre de points en une seule manche par un Australien avec 380 lors du premier test contre le Zimbabwe à Perth en octobre 2003.
* Donald Bradman détient le record de la moyenne la plus élevée d'un joueur de cricket australien (ou autre) avec une moyenne remarquable de 99,94. Bradman a joué 52 tests et y a réussi 29 siècles et 13 cinquantaines.
* Ricky Ponting détient le record du plus grand nombre de siècles par un joueur de cricket australien avec 41. L'ancien capitaine australien Steve Waugh est en deuxième position avec 32 siècles en 260 manches.
* Allan Border détient le record du plus grand nombre de cinquantaines par un joueur de cricket australien avec 63 en 265 manches.
*Adam Gilchrist détient le record du 3ème cent le plus rapide et du cent le plus rapide par un Australien. Il détient également le record du gardien le plus titré et a réalisé autant de captures pour l'Australie et juste derrière le Sud-Africain Boucher.
* Glenn McGrath détient le record du plus grand nombre de canards par un joueur de cricket australien avec 35 en 138 manches.
Bowling
*Billy Midwinter a remporté le premier but de cinq guichets lors d'une manche test lors du match 1.
*Fred Spofforth a réalisé le premier triplé de Test cricket en écartant Vernon Royle, Francis McKinnon et Tom Emmett lors de balles successives.
*Fred Spofforth a également remporté le premier match de 10 guichets en test de cricket.
* Shane Warne détient le record du plus grand nombre de guichets par un joueur de cricket australien avec 708 guichets en 145 matchs tests.
* Arthur Mailey détient le record des meilleurs chiffres de bowling dans une manche par un joueur de cricket australien avec 9/121 contre l'Angleterre en février 1921.
* Bob Massie détient le record des meilleurs chiffres de bowling dans un match d'un joueur de cricket australien avec 16/137 contre l'Angleterre en juin 1972. C'était aussi son premier match pour l'Australie.
* JJ Ferris détient le record de la meilleure moyenne de bowling par un quilleur australien, remportant 61 guichets à 12,70 au cours de sa carrière.
* Clarrie Grimmett détient le record du plus grand nombre de guichets dans une série de tests avec 44 contre l'Afrique du Sud en 1935-1936.
Fielding et guichet
*Jack Blackham a effectué le premier dessouchage lors du test de cricket lors du match 1.
* Ricky Ponting détient le record du plus grand nombre de attrapés en carrière par un voltigeur australien avec 196 en 168 matches.
* Adam Gilchrist détient le record du plus grand nombre de licenciements en carrière par un gardien de guichet australien avec 416 en 96 matches.
Records internationaux d'un jour
*Liste des records de cricket australien One Day International
Équipe
* Le total le plus élevé de l'Australie dans une manche internationale d'un jour est de 434/4, marqué sur 50 overs contre l'Afrique du Sud à Johannesburg le 12 mars 2006. Il s'agissait d'un record du monde avant que les Sud-Africains ne dépassent ce score dans le même match. Ils ont détenu ce record jusqu'à Le 4 juillet 2006, lorsque le score de 443/9 a été affiché par le Sri Lanka contre les Pays-Bas à Amstelveen.
* Le total le plus bas de l'Australie dans une manche internationale d'un jour est de 70. Ce score s'est produit deux fois. Une fois contre la Nouvelle-Zélande en 1986 et une fois contre l'Angleterre en 1977.
* La plus grande victoire de l'Australie dans un One Day International est de 275 courses. Cela s'est produit contre l'Afghanistan lors de la Coupe du monde 2015 en Australie.
* L'Australie a remporté le championnat ICC ODI 12 fois depuis son lancement – 2002, 2003, 2004, 2005, 2006, 2007, 2008, 2010, 2011, 2012, 2014, 2015.
* L'Australie est la seule équipe de l'histoire de la Coupe du monde à remporter 3 tournois consécutifs en 1999, 2003 et 2007.
* L'Australie était invaincue en Coupe du monde pour un record de 34 matches dans le tournoi. Après avoir été battue par le Pakistan en 1999, l'Australie est restée invaincue jusqu'à ce qu'elle soit battue par le Pakistan lors de la Coupe du monde de cricket 2011.
* L'Australie a remporté le plus grand nombre de Coupes du monde – 5.
Les apparences
*Ricky Ponting a participé au plus grand nombre de matchs internationaux d'un jour pour l'Australie, disputant 362 matchs.
Batteur
*Ricky Ponting compte le plus grand nombre de courses internationales d'une journée par un batteur australien avec 13 291 courses.
*Ricky Ponting a le plus grand nombre de siècles internationaux d'une journée par un batteur australien avec 30 siècles.
*Ricky Ponting a le plus grand nombre de cinquantaines One Day International par un batteur australien avec 82 cinquantaines One Day International.
*Ricky Ponting est le premier batteur australien à réussir 10 000 courses internationales d'une journée.
*Shane Watson a le score individuel « Not Out » le plus élevé dans une manche par un batteur australien avec 185*.
*Shane Watson a frappé le plus de six en une seule manche par un Australien avec 15 six.
Bowling
*Glenn McGrath possède le plus grand nombre de guichets internationaux d'une journée par un quilleur australien avec 380 guichets.
*Glenn McGrath a les meilleures figures de bowling par un quilleur australien 7/15.
*Brett Lee a le plus grand nombre de courses de 5 guichets par un quilleur australien avec 9 fois (5 guichets ou plus).
Fielding et guichet
*Adam Gilchrist a le plus grand nombre de licenciements par un gardien de guichet australien avec 470.
*Adam Gilchrist a le plus de captures réalisées par un gardien de guichet australien avec 416 captures.
*Adam Gilchrist a le plus grand nombre de dessouchages réalisés par un gardien de guichet australien avec 54 dessouchages.
*Ricky Ponting a le plus de attrapés par un joueur défensif, 154 attrapés.
Historique du tournoi
Une case rouge tout au long de l'année indique les tournois joués en Australie.
Coupe du monde ICC
ICC Monde Vingt20
Trophée des Champions ICC
jeux du Commonwealth
Honneurs
Coupe du monde de cricket (5) : 1987 , 1999 , 2003 , 2007 , 2015
Trophée des Champions ICC (2) : 2006 , 2009
Sous la Croix du Sud, je me tiens
La chanson de l'équipe est "Under the Southern Cross I Stand", qui est chantée par les joueurs après chaque victoire et "traitée avec considération et respect révérencieux" au sein de l'équipe. Les paroles officielles sont les suivantes, mais lorsqu'elles sont chantées par les joueurs, le mot « petit » dans la dernière ligne est remplacé par « sanglant » ou un juron.
Sous la Croix du Sud, je me tiens
Un brin d'acacia dans ma main,
Originaire de mon pays natal,
Australie, petite beauté.
La paternité de ce "Under the Southern Cross I Stand" est attribuée à l'ancien gardien de guichet Rod Marsh, qui a apparemment été inspiré par le poème de Henry Lawson de 1887, "Drapeau de la Croix du Sud". Marsh avait initialement pour rôle de diriger l'équipe en le chantant, et à sa retraite, il l'a transmis à Allan Border. Les autres joueurs à avoir assumé le rôle sont David Boon (lorsque Border a repris le poste de capitaine), Ian Healy (à la retraite de Boon), Ricky Ponting (à la retraite de Healy), Justin Langer (lorsque Ponting a repris le poste de capitaine). Le rôle a ensuite été transmis à Michael Hussey, qui l'a repris lorsque Langer a pris sa retraite en janvier 2007. Lors de la retraite de Hussey le 6 janvier 2013, il a annoncé qu'il confierait les fonctions à Nathan Lyon. | http://quiz4free.com/ |
En quelle année le Livre Guinness des Records a-t-il été publié pour la première fois ? | 1955 | [
"Guinness World Records, connu depuis sa création en 1955 jusqu'en 1998 sous le nom de Livre Guinness des records et dans les éditions américaines précédentes sous le nom de Livre Guinness des records du monde, est un ouvrage de référence publié chaque année, répertoriant les records du monde et les records nationaux, à la fois de réalisations humaines et les extrêmes du monde naturel. Le livre lui-même détient un record mondial, celui du livre protégé par le droit d’auteur le plus vendu de tous les temps. Depuis l'édition 2016, il en est désormais à sa 62e année de publication.",
"Après la création du Livre Guinness des Records au 107 Fleet Street, la première édition de 198 pages fut reliée le 27 août 1955 et figura en tête des listes de best-sellers britanniques à Noël. Beaver a déclaré: \"C'était un cadeau marketing – ce n'était pas censé rapporter de l'argent\". L'année suivante, il est lancé aux États-Unis et se vend à 70 000 exemplaires. Depuis lors, le Guinness World Records est devenu un nom bien connu et le leader mondial des records du monde. Le livre est devenu un record à part entière ; Avec des ventes de plus de 100 millions d'exemplaires dans 100 pays différents et 37 langues, Guinness World Records est le livre protégé par le droit d'auteur le plus vendu au monde."
] | Guinness World Records, connu depuis sa création en 1955 jusqu'en 1998 sous le nom de Livre Guinness des records et dans les éditions américaines précédentes sous le nom de Livre Guinness des records du monde, est un ouvrage de référence publié chaque année, répertoriant les records du monde et les records nationaux, à la fois de réalisations humaines et les extrêmes du monde naturel. Le livre lui-même détient un record mondial, celui du livre protégé par le droit d’auteur le plus vendu de tous les temps. Depuis l'édition 2016, il en est désormais à sa 62e année de publication.
La franchise internationale s'est étendue au-delà de l'imprimé pour inclure les séries télévisées et les musées. La popularité de la franchise a permis au Guinness World Records de devenir la principale autorité internationale en matière de catalogage et de vérification d'un grand nombre de records du monde ; l'organisation emploie des arbitres de records officiels autorisés à vérifier l'authenticité de l'établissement et du battage des records.
Histoire
Le 10 novembre 1951, Sir Hugh Beaver, alors directeur général des brasseries Guinness, participa à une fusillade dans le North Slob, au bord de la rivière Slaney, dans le comté de Wexford, en Irlande. Après avoir raté un tir sur un pluvier doré, il s'est retrouvé impliqué dans une dispute pour savoir qui était le gibier à plumes le plus rapide d'Europe, le pluvier doré ou le tétras-lyre. (C'est le pluvier. ) Ce soir-là, à Castlebridge House, il se rendit compte qu'il était impossible de confirmer dans les ouvrages de référence si le pluvier doré était ou non le gibier à plumes le plus rapide d'Europe. Beaver savait qu'il devait y avoir de nombreuses autres questions débattues tous les soirs dans les pubs à travers l'Irlande et à l'étranger, mais il n'existait aucun livre au monde avec lequel régler les disputes sur les records. Il se rendit alors compte qu'un livre apportant des réponses à ce genre de questions pourrait s'avérer efficace.
L'idée de Beaver est devenue réalité lorsque Christopher Chataway, employé de Guinness, a recommandé ses amis universitaires Norris et Ross McWhirter, qui dirigeaient une agence d'enquête à Londres. Les frères furent chargés de compiler ce qui devint le Livre Guinness des Records en août 1954. Un millier d'exemplaires furent imprimés et distribués.
Après la création du Livre Guinness des Records au 107 Fleet Street, la première édition de 198 pages fut reliée le 27 août 1955 et figura en tête des listes de best-sellers britanniques à Noël. Beaver a déclaré: "C'était un cadeau marketing – ce n'était pas censé rapporter de l'argent". L'année suivante, il est lancé aux États-Unis et se vend à 70 000 exemplaires. Depuis lors, le Guinness World Records est devenu un nom bien connu et le leader mondial des records du monde. Le livre est devenu un record à part entière ; Avec des ventes de plus de 100 millions d'exemplaires dans 100 pays différents et 37 langues, Guinness World Records est le livre protégé par le droit d'auteur le plus vendu au monde.
Parce que le livre est devenu un succès surprise, de nombreuses éditions supplémentaires ont été imprimées, pour finalement s'établir à un rythme d'une révision par an, publiée en septembre/octobre, à temps pour Noël. Les McWhirters ont continué à le compiler pendant de nombreuses années. Les deux frères avaient une mémoire encyclopédique ; Dans la série télévisée Record Breakers, basée sur le livre, ils répondaient aux questions posées par les enfants du public sur divers records du monde et étaient capables de donner la bonne réponse. Ross McWhirter a été assassiné par l'Armée républicaine irlandaise provisoire en 1975. Après l'assassinat de Ross, le reportage de l'émission où l'on répondait aux questions sur les dossiers posées par les enfants s'appelait Norris sur place.
Guinness Superlatives (plus tard Guinness World Records) Limited a été créée en 1954 pour publier le premier livre. Sterling Publishing a détenu les droits du livre Guinness aux États-Unis pendant des décennies et, sous leur direction, le livre est devenu un nom connu. Le groupe appartenait à Guinness PLC puis à Diageo jusqu'en 2001, date à laquelle il a été racheté par Gullane Entertainment. Gullane a elle-même été achetée par HIT Entertainment en 2002. En 2006, Apax Partners a acheté HiT et a ensuite vendu Guinness World Records début 2008 au groupe Jim Pattison, la société mère de Ripley Entertainment, qui est autorisée à exploiter les attractions de Guinness World Records. Avec des bureaux à New York et à Tokyo, le siège mondial de Guinness World Records reste à Londres, tandis que ses attractions muséales sont basées au siège de Ripley à Orlando, en Floride, aux États-Unis.
Évolution
Les éditions récentes se sont concentrées sur les exploits records réalisés par des concurrents individuels. Les compétitions vont des compétitions évidentes telles que l'haltérophilie olympique aux distances de lancer d'œufs les plus longues, en passant par le temps passé à jouer à Grand Theft Auto IV ou le nombre de hot-dogs pouvant être consommés en dix minutes, bien que les inscriptions pour manger et consommer de l'alcool ne soient plus acceptées. , peut-être par crainte d'un litige. Outre les records de compétitions, il contient des faits tels que la tumeur la plus lourde, la plante la plus toxique, la rivière la plus courte (Roe River), les deux drames les plus anciens (General Hospital et Guiding Light) aux États-Unis et le vendeur le plus titré au monde. (Joe Girard), entre autres. De nombreux records concernent également la personne la plus jeune qui a réalisé quelque chose, comme par exemple la personne la plus jeune à avoir visité toutes les nations du monde, Maurizio Giuliano.
Chaque édition contient une sélection du vaste ensemble de records de la base de données Guinness ; les critères d'inclusion ont changé au fil des ans. De nouveaux enregistrements sont ajoutés.
L'éviction de Norris McWhirter de son rôle de consultant en 1995 et la décision ultérieure de Diageo Plc de vendre la marque Guinness World Records ont fait passer l'ouvrage d'un ouvrage de référence axé sur le texte à un ouvrage de référence illustré (« le style plutôt que le fond »). La majorité des records du monde ne sont plus répertoriés dans le livre ou sur le site Web et ne peuvent être déterminés que par une demande écrite adressée à Guinness pour « battre » le record. Pour ceux qui ne peuvent pas attendre une réponse dans les 4 à 6 semaines, Guinness traitera une demande « accélérée » pour 300 £ (450 $ US).
Le Livre Guinness des Records est le livre protégé par le droit d'auteur le plus vendu au monde, ce qui lui vaut une entrée dans ses propres pages. Un certain nombre de livres dérivés et de séries télévisées ont également été produits.
Le Guinness World Records a décerné le record de « Personne ayant le plus de records » à Ashrita Furman de Queens, New York, en avril 2009. À cette époque, il détenait 100 records.
En 2005, Guinness a désigné le 9 novembre comme Journée internationale Guinness des records pour encourager les records du monde à être battus. En 2006, environ 100 000 personnes ont participé dans plus de 10 pays. Guinness a rapporté 2 244 nouveaux records en 12 mois, soit une augmentation de 173 % par rapport à l'année précédente. En février 2008, NBC a diffusé les 100 meilleurs records du monde Guinness de tous les temps et Guinness World Records a rendu la liste complète disponible sur son site Web.
Définir des enregistrements
Pour de nombreux records, Guinness World Records est l'autorité effective quant aux exigences exactes et aux personnes chez qui les records résident, la société fournissant des arbitres aux événements pour déterminer la véracité des tentatives de record. La liste des records couverts par le Guinness World Records n'est pas fixe ; des enregistrements peuvent être ajoutés et également supprimés pour diverses raisons. Le public est invité à soumettre des candidatures pour des records, qui peuvent être soit une amélioration de records existants, soit des réalisations substantielles qui pourraient constituer un nouveau record. La société fournit également des services aux entreprises pour « exploiter le pouvoir des records et assurer un succès tangible à leur entreprise ».
Problèmes d’éthique et problèmes de sécurité
Le Guinness World Records indique plusieurs types de records qu'il n'acceptera pas pour des raisons éthiques, telles que ceux liés à l'abattage ou à la maltraitance d'animaux.
Plusieurs records du monde qui figuraient autrefois dans le livre ont été supprimés pour des raisons éthiques, notamment par souci du bien-être des records potentiels. Par exemple, suite à la publication d'un registre des « poissons les plus lourds », de nombreux propriétaires de poissons ont suralimenté leurs animaux de compagnie au-delà des limites de ce qui était sain, et ces entrées ont donc été supprimées. Le Livre Guinness a également supprimé des records dans sa section « records de consommation et de consommation » de Human Achievements en 1991, craignant que des concurrents potentiels ne se fassent du mal et n'exposent l'éditeur à d'éventuels litiges. Ces changements comprenaient la suppression de tous les enregistrements de consommation d'alcool, de vin et de bière, ainsi que d'autres enregistrements inhabituels de consommation de choses aussi improbables que des vélos et des arbres. D'autres records, tels que la déglutition d'épée et la conduite en rallye (sur la voie publique), ont été interdits d'accès car les détenteurs actuels avaient réalisé des performances au-delà de ce qui est considéré comme des niveaux de tolérance humaine sûrs.
Il y a eu des cas de réouverture de dossiers fermés. Par exemple, le record de déglutition d'épée était répertorié comme fermé dans le Livre Guinness des records du monde de 1990, mais l'émission télévisée Guinness World Records Primetime, qui a débuté en 1998, a accepté trois défis de déglutition d'épée (tout comme l'édition 2007 du Guinness World). Enregistrements à partir). De même, les records de consommation de bière rapide qui ont été supprimés du livre en 1991, sont réapparus 17 ans plus tard dans l'édition 2008, mais ont été déplacés de la section « Réalisations humaines » de l'ancien livre vers la section « Société moderne » de la nouvelle édition. .
, il est exigé dans les directives de tous les enregistrements de type « gros aliments » que l'article soit entièrement comestible et distribué au public pour consommation, afin d'éviter le gaspillage alimentaire.
Les chaînes de lettres ne sont pas non plus autorisées : « Le Guinness World Records n'accepte aucun enregistrement relatif aux chaînes de lettres, envoyé par courrier ou par courrier électronique. Si vous recevez une lettre ou un courrier électronique pouvant promettre de publier les noms de toutes ces personnes, qui l'envoie, s'il vous plaît, détruisez-le, c'est un canular. Même s'il est dit que Guinness World Records et le service postal sont impliqués, ce n'est pas le cas.
Difficulté à définir les enregistrements
Pour certaines catégories potentielles, Guinness World Records a refusé de répertorier certains records trop difficiles, voire impossibles à déterminer. Par exemple, son site Web indique : « Nous n'acceptons aucune affirmation relative à la beauté car elle n'est pas objectivement mesurable. »
Le 10 décembre 2010, le Guinness World Records a arrêté sa nouvelle catégorie « dreadlocks » après une enquête sur sa première et unique détentrice du titre, Asha Mandela, déterminant qu'il était impossible de juger ce record avec précision.
Musées
En 1976, un musée du Livre Guinness des records a ouvert ses portes dans l'Empire State Building. Le tireur de vitesse Bob Munden est ensuite parti en tournée pour promouvoir le Livre Guinness des records du monde en effectuant ses tirages rapides record avec un revolver à simple action de poids standard provenant d'un étui de type western. Son temps le plus rapide pour un match nul était de 0,02 seconde. Parmi les objets exposés figuraient des statues grandeur nature de l'homme le plus grand du monde (Robert Wadlow) et du plus grand ver de terre du monde, une photo aux rayons X d'un avaleur d'épée, le chapeau de Roy Sullivan, victime de coups de foudre répétés, avec des trous de foudre et une paire de pierres précieuses. chaussures de golf en vente pour 6 500 $. Le musée a fermé ses portes en 1995.
Ces dernières années, la société Guinness a autorisé la franchise de petits musées présentant des expositions basées sur le livre, tous actuellement () situés dans des villes très touristiques : Tokyo, Copenhague, San Antonio.
Il y avait autrefois des musées et des expositions Guinness World Records au Trocadéro de Londres, Bangalore, San Francisco, Myrtle Beach, Orlando, Atlantic City, New Jersey et Las Vegas, Nevada. Le musée d'Orlando, qui a fermé ses portes en 2002, a été baptisé The Guinness Records Experience ; les musées d'Hollywood, de Niagara Falls, de Copenhague et de Gatlinburg, dans le Tennessee, présentaient également cette marque.
Séries télévisées
Guinness World Records a commandé diverses séries télévisées documentant les tentatives de record du monde, notamment :
Spécialités :
* Guinness World Records : 50 ans, 50 records - sur ITV (Royaume-Uni), 11 septembre 2004
Avec la popularité de la télé-réalité, Guinness World Records a commencé à se présenter comme le créateur du genre télévisuel, avec des slogans tels que « Nous avons écrit le livre sur la télé-réalité ».
Édition Gamer
En 2008, Guinness World Records a publié son édition pour joueurs en association avec Twin Galaxies. L'édition Gamer contient 258 pages, plus de 1 236 records du monde liés aux jeux vidéo et quatre interviews, dont une avec le fondateur de Twin Galaxies, Walter Day. L'édition la plus récente est la Guinness World Records Gamer's Edition, 2016, sortie en septembre 2015.
Volume de musique pop britannique
Le Livre Guinness des singles et albums à succès britanniques a été publié de 2004 à 2008, sur la base de deux publications HiT antérieures et distinctes, British Hit Singles et British Hit Albums, qui ont débuté en 1977. Il a été effectivement remplacé (dans la partie singles) par le Virgin. Livre des singles à succès britanniques à partir de 2008.
D'autres média
Jeux vidéo
Un jeu vidéo, Guinness World Records : The Video Game, a été développé par TT Fusion et sorti sur Nintendo DS, Wii et iOS en novembre 2008.
Film
En 2012, Warner Bros. a annoncé le développement d'une version cinématographique live-action du Guinness World Records avec Daniel Chun comme scénariste. La version cinématographique utilisera apparemment les exploits héroïques des détenteurs de records comme base d'un récit qui devrait avoir un attrait mondial.
Musique
En 2006, Michael Jackson s'est rendu au bureau du Guinness World Records à Londres pour recueillir 8 certificats de records officiels liés à sa brillante carrière de chanteur, danseur et compositeur de chansons. | http://quiz4free.com/ |
Dans le dessin animé, quel genre d'oiseau est le roadrunner ? | (un | [
"(2) Gravité : parfois, le coyote est autorisé à rester suspendu dans les airs jusqu'à ce qu'il se rende compte qu'il est sur le point de plonger dans un gouffre (un processus parfois appelé ailleurs sous le nom de Road-Runnering ou de moment Wile E. Coyote). Le coyote peut rattraper des rochers (ou des canons) qui tombent plus tôt que lui et finissent par être écrasés par ceux-ci. Si une séquence de poursuite se déroule au bord d'une falaise, le Road Runner n'est pas affecté par la gravité, tandis que le Coyote sera soumis à la gravité terrestre normale et finira par tomber au sol en contrebas.",
"Au total, DePatie-Freleng a produit 14 dessins animés Road Runner, dont deux réalisés par Robert McKimson (Rushing Roulette, 1965, et Sugar and Spies, 1966). En raison de la réduction du nombre d'images utilisées par seconde dans les fonctionnalités d'animation, bon nombre de ces fonctionnalités finales de Road Runner étaient bon marché et saccadées. En outre, la musique était très différente et de moins bonne qualité que les anciens longs métrages (un sous-produit du nouveau directeur musical Bill Lava, qui a remplacé Milt Franklyn soudainement décédé et Carl Stalling à la retraite et dont le style se heurtait sensiblement à celui de ses prédécesseurs). Cela a été décevant pour les fans des courts métrages originaux, et beaucoup ont estimé que c'était le glas de l'animation.",
"Wile E. Coyote a fait une apparition en tant que véritable identité d'un chasseur extraterrestre (une parodie de Predator) dans l'épisode des Duck Dodgers \"K-9 Quarry\", exprimé par Dee Bradley Baker. Dans cet épisode, il chassait les commandants martiens X-2 et K-9."
] | Wile E. Coyote (également connu simplement sous le nom de "The Coyote") et The Road Runner sont un duo de personnages de la série de dessins animés Looney Tunes et Merrie Melodies. Dans les dessins animés, Coyote tente à plusieurs reprises d'attraper puis de manger le Road Runner, un oiseau terrestre qui court rapidement, mais n'y parvient jamais. Coyote, au lieu des instincts animaux de son espèce, utilise des engins absurdement complexes (parfois à la manière de Rube Goldberg) et des plans élaborés pour poursuivre sa proie, qui se retournent toujours comiquement contre lui, Wile étant normalement blessé par l'humour burlesque.
Les personnages ont été créés par le réalisateur d'animation Chuck Jones en 1948 pour Warner Bros., tandis que le modèle de leurs aventures était l'œuvre de l'écrivain Michael Maltese. Les personnages jouent dans une longue série de courts métrages de dessins animés théâtraux (dont les 16 premiers ont été écrits par des maltais) et des dessins animés occasionnels conçus pour la télévision. Il était initialement destiné à parodier des dessins animés comme Tom et Jerry, mais est devenu populaire à part entière.
Le Coyote apparaît séparément comme un antagoniste occasionnel de Bugs Bunny dans cinq courts métrages de 1952 à 1963 : Opération : Lapin, To Hare Is Human, Rabbit's Feat, Compressed Hare et Hare-Breadth Hurry. Bien qu'il soit généralement silencieux dans les courts métrages de Coyote-Road Runner, il parle avec un accent raffiné dans ces sorties en solo (à l'exception de Hare-Breadth Hurry), à commencer par Operation : Lapin de 1952, se présentant comme "Wile E. Coyote - super génie ", exprimé avec un accent bourgeois par Mel Blanc. Le Road Runner vocalise uniquement avec un son caractéristique, "Beep, Beep", enregistré par Paul Julian, et un bruit de langue occasionnel "popping-cork".
À ce jour, 48 dessins animés ont été réalisés mettant en vedette ces personnages (dont les trois courts métrages en CGI), la majorité par Chuck Jones.
TV Guide a inclus Wile E. Coyote dans sa liste 2013 des 60 méchants les plus méchants de tous les temps.
Création
Jones a basé le Coyote sur le livre de Mark Twain, Roughing It, dans lequel Twain décrit le coyote comme « un squelette long, mince, malade et d'apparence désolée » qui est « une allégorie vivante et respirante du désir. Il a toujours faim ». Jones a déclaré qu'il avait créé les dessins animés Coyote-Road Runner comme une parodie des dessins animés traditionnels "du chat et de la souris" tels que Tom et Jerry de MGM, sur lesquels Jones travaillerait en tant que réalisateur plus tard dans sa carrière. Jones a modelé l'apparence du Coyote sur son collègue animateur Ken Harris.
Le nom du Coyote, Wile E., est un jeu de mots avec le mot « rusé ». On disait que le « E » représentait Ethelbert dans un numéro d'une bande dessinée des Looney Tunes, mais son auteur n'avait pas voulu qu'il soit canon. Le nom de famille du Coyote est habituellement prononcé avec un long « e » ( ), mais dans un court métrage de dessin animé, To Hare Is Human, on entend Wile E. le prononcer avec une diphtongue ( ). Les premières feuilles de modèles du personnage avant son apparition initiale (dans Fast and Furry-ous) l'identifiaient comme "Don Coyote", un jeu de mots du nom Don Quichotte.
Liste des dessins animés
La série se compose de :
* 48 courts métrages, pour la plupart d'une durée d'environ 6 à 7 minutes, mais comprenant trois webtoons qui sont des "dessins animés tridimensionnels de trois minutes sur écran large (portée)".
* Un spécial d'une demi-heure (26 minutes).
* Un long métrage combinant prise de vue réelle et animation (91 minutes).
1Réédité de Adventures of the Road-Runner, de Chuck Jones, et avec une nouvelle direction musicale de Bill Lava.
2Formulaire réédité Adventures of the Road-Runner, par DePatie-Freleng Enterprises
3Ces dessins animés ont été projetés dans un long métrage. Chariots of Fur a été montré avec Richie Rich, Coyote Falls a été montré avec Cats & Dogs: The Revenge of Kitty Galore, Fur of Flying a été montré avec Legend of the Guardians: The Owls of Ga'Hoole, Rabid Rider a été montré avec Yogi Bear.
4Nom latin réel du grand roadrunner et du coyote respectivement
Dans Arrêtez ! Regarder! Et dépêchez-vous !, Wile E. suit les instructions d'un manuel intitulé Comment construire un piège à tigres de Birmanie. Entendant le piège activé, il saute à l'intérieur et se retire immédiatement, paniqué, car à la place du Road Runner, il a attrapé un véritable tigre birman, identifié comme tel et recevant le nom pseudo-latin "surprisibus ! surprenantibus !".
Dans Soup ou Sonic, le « bip, bip » du Road Runner reçoit également le nom pseudo-latin « biepus-beepus ». On peut également noter que dans ce dessin animé, Wile E. « attrape » enfin le Road Runner ; cependant, il a été réduit à une taille minuscule et est éclipsé par le Road Runner. Se remettant du choc, il se tourne ensuite vers le spectateur et lui montre une pancarte indiquant : "D'accord, les sages, vous avez toujours voulu que je l'attrape. Maintenant, que dois-je faire ?"
Paysage
Le paysage désertique des deux premiers dessins animés de Road Runner, Fast and Furry-ous (1949) et Beep, Beep (1952), a été conçu par Robert Gribbroek et était assez réaliste. Dans la plupart des dessins animés ultérieurs, le décor a été conçu par Maurice Noble et était beaucoup plus abstrait. Plusieurs styles différents ont été utilisés. Dans The Wild Chase (1965), mettant en vedette une course entre le Road Runner et Speedy Gonzales, il est indiqué que le Road Runner est originaire du Texas, dans la mesure où l'annonceur de la course l'appelle le « Texas Road Burner ». Cela suggère que la plupart des dessins animés Road Runner et Coyote pourraient avoir lieu au Texas. Cependant, dans To Beep or Not to Beep, la catapulte est construite par la Road-Runner Manufacturing Company, qui possède des sites à Taos, Phoenix, Santa Fe et Flagstaff, ce qui suggère qu'elle se déroule dans ou à proximité des Four Corners (Arizona, Nouveau-Mexique, Utah, Colorado), plus précisément Monument Valley.
En partant ! En allant! Mon Dieu ! (fin 1952) jusqu'à Guided Muscle (fin 1954), le paysage était "semi-réaliste" avec un ciel blanc cassé (suggérant peut-être un temps couvert/nuageux). Des formations rocheuses défiant la gravité sont apparues dans Ready, Set, Zoom ! (début 1954). Un ciel jaune vif a fait ses débuts dans Gee Whiz-z-z-z-z-z-z (1956) mais n'a pas été utilisé de manière cohérente jusqu'à There They Go-Go-Go !, plus tard dans la même année.
Zoom and Bored (fin 1957) a introduit un changement majeur dans le style d'arrière-plan. Les formations rocheuses pointues et lourdes sont devenues plus proéminentes et les couleurs chaudes (jaune, orange et rouge) ont été privilégiées. Les buissons étaient en forme de croissant. Sauf pour Whoa, Be-Gone ! (début 1958), dont la conception des décors rappelait par certains aspects Guided Muscle (comme le ciel blanc cassé), ce style de décors fut conservé jusqu'à Fastest with the Mostest (1960). Hopalong Casualty (1960) a modifié la palette de couleurs, le ciel revenant au bleu et certains rochers devenant blanc cassé, tandis que la couleur jaune vif du sable du désert est conservée, ainsi que le style « pointu » des formations rocheuses mis au point par Zoom et Bored. . Les formes de croissant utilisées pour les buissons commençant par Zoom et Bored ont été conservées et également appliquées aux nuages. Dans la dernière scène de War and Pieces (1964), la fusée de Wile E. Coyote le propulse à travers le centre de la Terre jusqu'en Chine, qui est représentée sur des arrière-plans orientaux abstraits.
Les dessins animés de Format Films utilisaient un style de décor similaire à celui de Hopalong Casualty et de ses successeurs, bien que moins détaillé et avec de petits nuages gonflés plutôt qu'en forme de croissant.
Freeze Frame, un court métrage conçu pour la télévision initialement diffusé dans le cadre de l'émission spéciale Bugs Bunny's Looney Christmas Tales de CBS de 1979, représente le Road Runner prenant un virage qui mène la poursuite dans les montagnes et à travers un paysage hivernal de glace et de neige.
Acmé Corporation
Wile E. Coyote obtient souvent des appareils complexes et ridicules auprès d'une société de vente par correspondance, la fictive Acme Corporation, qui, espère-t-il, l'aideront à attraper le Road Runner. Les appareils échouent invariablement de manière improbable et spectaculaire. Que cela soit le résultat d’une erreur de l’opérateur ou d’une marchandise défectueuse est discutable. Le coyote finit généralement par être brûlé, écrasé ou au fond d'un canyon (certains courts métrages le montrent subissant une combinaison de ces destins). Parfois, les produits Acme fonctionnent plutôt bien (par exemple, les Dehydrated Boulders, Bat-Man Outfit, Rocket Sled, Jet Powered Roller Skates ou Earthquake Pills). Dans ce cas, leur succès joue souvent contre le coyote. Par exemple, le rocher déshydraté, une fois hydraté, devient si gros qu'il l'écrase, ou le coyote découvre que les petits caractères de l'étiquette de la bouteille Earthquake Pills indiquent que les pilules ne sont pas efficaces sur les coureurs sur route, juste après avoir avalé la bouteille entière. , pensant qu'ils sont inefficaces. D’autres fois, il utilise des objets peu plausibles, comme une tenue de super-héros, pensant qu’il pourrait voler en la portant. (Il ne peut pas.)
La façon dont le coyote acquiert ces produits sans argent n'est expliquée que dans le film Looney Tunes : Back in Action de 2003, dans lequel il est montré comme un employé d'Acme. Dans un épisode de Tiny Toon Adventures, Wile E. mentionne que son protégé Calamity Coyote possède un compte de carte de crédit Acme illimité, ce qui pourrait servir d'autre explication possible. Wile E. étant un « bêta-testeur » pour Acme a été une autre explication suggérée. Wile E. utilise également des équipements de guerre tels que des canons, des lance-roquettes, des grenades et des baïonnettes qui sont des produits « génériques » et non Acme. Dans une publicité de Cartoon Network faisant la promotion des Looney Tunes, ils demandent au Coyote pourquoi il insiste pour acheter des produits auprès d'Acme Corporation alors que tous les engins précédents se sont retournés contre lui, ce à quoi le Coyote répond avec un panneau en bois (juste après qu'un autre article ait explosé dans son visage) : « Bonne marge de crédit ».
Dans Whoa, Be-Gone !, après avoir réussi à éviter d'être touché par sa propre fusée, le coyote est écrasé par un camion « ACME » sortant d'un tunnel.
Le nom de l’entreprise a probablement été choisi pour son ironie (acme signifie le point le plus élevé, en termes de réalisation ou de développement). De plus, une société nommée ACME serait apparue dans la première partie d'un annuaire téléphonique. Certaines personnes ont dit qu'ACME venait de l'expansion commune A (ou American) Company that Makes (or Making) Everything, un backronym du mot. L'origine du nom pourrait également être liée à la société Acme qui a construit une belle gamme de supports d'animation et d'imprimantes optiques ; cependant, l'explication la plus probable est la marque maison Sears appelée Acme, apparue dans leurs catalogues de vente par correspondance omniprésents du début des années 1900.
Dans deux courts métrages Road Runner et Wile E. Coyote, Ajax (Disney) a été utilisé à la place d'Acme Corporation. Dans d'autres, les noms « A-1 », « Ace » et « Fleet-Foot » sont utilisés.
Lois et règles
Comme dans d'autres dessins animés, Road Runner et le coyote suivent certaines lois de la physique du dessin animé, propres à un univers d'animation. Quelques exemples:
(1) Mélange d'animation et de réalité : le Road Runner a la capacité d'entrer dans l'image peinte d'une grotte, alors que le coyote ne le peut pas (à moins qu'il n'y ait une ouverture à travers laquelle il peut tomber). Parfois, cependant, la situation est inversée et le Road Runner peut traverser une peinture représentant un pont cassé et continuer son chemin, tandis que le Coyote entrera dans la peinture mirage et tombera dans le précipice de la falaise où le pont est sorti.
(2) Gravité : parfois, le coyote est autorisé à rester suspendu dans les airs jusqu'à ce qu'il se rende compte qu'il est sur le point de plonger dans un gouffre (un processus parfois appelé ailleurs sous le nom de Road-Runnering ou de moment Wile E. Coyote). Le coyote peut rattraper des rochers (ou des canons) qui tombent plus tôt que lui et finissent par être écrasés par ceux-ci. Si une séquence de poursuite se déroule au bord d'une falaise, le Road Runner n'est pas affecté par la gravité, tandis que le Coyote sera soumis à la gravité terrestre normale et finira par tomber au sol en contrebas.
(3) Le Coyote perd toujours et ses mécanismes élaborés se retournent toujours contre lui
(a) Une séquence de poursuite qui se produit sur la voie ferrée entraîne inévitablement le renversement du Coyote par un train.
(b) Si le Coyote utilise un explosif (généralement de la dynamite) déclenché par un mécanisme censé forcer l'explosif à avancer vers sa cible, le mécanisme lui-même tirera toujours vers l'avant, laissant l'explosif derrière lui pour exploser. le visage du Coyote.
(c) Réaction retardée : (a) un appareil complexe censé propulser un objet comme un rocher ou une bille d'acier vers l'avant, ou déclencher un piège, ne fonctionnera pas sur le Road Runner, mais le fait toujours parfaitement sur le Coyote - lorsque il l'inspecte après son échec à piéger le roadrunner. (b) le Road Runner peut sauter de haut en bas sur la gâchette d'un gros piège pour animaux et manger les graines d'oiseau à gâchette prévues et s'en sortir indemne sans déclencher le piège ; mais lorsque le Coyote place la plus petite gouttelette d'huile sur la gâchette, le piège se referme sur lui sans faute.
(d) À d'autres occasions, le Coyote revêt un superbe costume Acme ou un dispositif de propulsion qui lui permet brièvement de rattraper le Road Runner, mais en fin de compte, il perd toujours la trace de sa proximité avec de grandes falaises ou des murs, et tandis que le Road Le coureur s'élance dans un virage extrêmement serré près d'une falaise défiant la physique, le Coyote succombe à la physique et va s'envoler par-dessus le bord et chuter de façon spectaculaire jusqu'au sol.
Dans son livre Chuck Amuck : La vie et l'époque d'un dessinateur d'animation, Chuck Jones a affirmé que lui et les artistes derrière les dessins animés Road Runner et Wile E. adhéraient à des règles simples mais strictes, rejetées des années plus tard comme une « observation de post-production ». par le principal auteur original Michael Maltese qui prétendait n'en avoir aucune connaissance :
# "Le Road Runner ne peut pas nuire au Coyote sauf en faisant "bip bip"." Cette règle a été enfreinte dans Clippety Clobbered lorsque Road Runner laisse tomber un rocher sur le Coyote après l'avoir peint avec de la « peinture invisible », et a été enfreinte dans plusieurs courts métrages CGI du Looney Tunes Show.
# "Aucune force extérieure ne peut nuire au Coyote – seulement sa propre incompétence ou l'échec des produits Acme." Les trains et les camions faisaient parfois exception.
# "Le Coyote pourrait s'arrêter à tout moment – s'il n'était pas un fanatique. (Répétez : "Un fanatique est celui qui redouble d'effort lorsqu'il a oublié son objectif." - George Santayana)."
# "Pas de dialogue, sauf "bip-bip!"" Cette règle a été violée dans certains dessins animés comme dans Zoom at the Top où le Coyote prononce le mot "aïe" après s'être blessé dans un piège à ours.
# "Le Road Runner doit rester sur la route – sinon, logiquement, il ne s'appellerait pas Road Runner." Cette règle a été enfreinte à plusieurs reprises, notamment dans les mines de cactus, les bords de falaises, les sommets des montagnes et les voies ferrées.
# "Toute action doit être confinée à l'environnement naturel des deux personnages : le désert du sud-ouest américain."
# "Tous les matériaux, outils, armes ou commodités mécaniques doivent être obtenus auprès de Acme Corporation." Bien que dans Rushing Roulette, le Coyote utilise de la colle Ajax Stix-All. Dans "Zip 'n' Snort", outre les ACME Iron Pellets, Wile E. avait également une boîte de AJAX Bird Seed. Dans Fast and Furry-Ous, même si un article, la Super Outfit, provenait d'ACME, pour une raison quelconque, les chaussures de tennis Jet-Propelled provenaient de "Fleet-Feet".
# "Dans la mesure du possible, faites de la gravité le plus grand ennemi du Coyote." Par exemple, tomber d’une falaise.
# "Le Coyote est toujours plus humilié que blessé par ses échecs."
Dans une interview des années après la réalisation de la série, le scénariste principal des 16 épisodes originaux, Michael Maltese, a déclaré qu'il n'avait jamais entendu parler de ces règles ni d'aucune « règles ».
Dessins animés ultérieurs
Les productions originales de Chuck Jones ont pris fin en 1963 après que Jack L. Warner a fermé le studio d'animation Warner Bros. War and Pieces, le dernier court métrage de Road Runner réalisé par Jones, est sorti au milieu de 1964. À ce moment-là, David DePatie et le réalisateur chevronné Friz Freleng avaient formé DePatie-Freleng Enterprises, emménagé dans les installations qui venaient d'être vidées par Warner et signé une licence avec Warner Bros. pour produire des dessins animés que le grand studio devait distribuer.
Leur premier dessin animé mettant en vedette Road Runner fut The Wild Chase, réalisé par Freleng en 1965. Le principe était une course entre l'oiseau et « la souris la plus rapide de tout le Mexique », Speedy Gonzales, avec le Coyote et Sylvester le chat essayant chacun. pour préparer un repas à partir de sa cible habituelle. Une grande partie du matériel était une animation rotoscopie à partir des précédents courts métrages de Runner et Gonzales, avec les autres personnages ajoutés.
Au total, DePatie-Freleng a produit 14 dessins animés Road Runner, dont deux réalisés par Robert McKimson (Rushing Roulette, 1965, et Sugar and Spies, 1966). En raison de la réduction du nombre d'images utilisées par seconde dans les fonctionnalités d'animation, bon nombre de ces fonctionnalités finales de Road Runner étaient bon marché et saccadées. En outre, la musique était très différente et de moins bonne qualité que les anciens longs métrages (un sous-produit du nouveau directeur musical Bill Lava, qui a remplacé Milt Franklyn soudainement décédé et Carl Stalling à la retraite et dont le style se heurtait sensiblement à celui de ses prédécesseurs). Cela a été décevant pour les fans des courts métrages originaux, et beaucoup ont estimé que c'était le glas de l'animation.
Les onze autres ont été sous-traités à Format Films et réalisés sous la direction de l'ancien animateur de Warner Bros. Rudy Larriva. Le "Larriva Eleven", comme la série fut appelée plus tard, n'avait pas l'action rapide des originaux de Chuck Jones et fut mal accueilli par la critique. Dans Of Mice and Magic, Leonard Maltin qualifie la série de « stupide dans tous les sens du terme ». De plus, à l'exception de la scène de la planète Terre à la fin de "Highway Runnery", il n'y avait qu'un seul extrait de la chute du Coyote au sol, utilisé encore et encore. Ces dessins animés peuvent facilement être distingués des dessins animés de Chuck Jones, car ils présentent les séquences d'ouverture et de fermeture modernes "Abstract WB" des Looney Tunes, et ils utilisent les mêmes signaux musicaux encore et encore dans les dessins animés, également de Lava. Un seul de ces onze dessins animés – "Run, Run, Sweet Road Runner" – avait une musique qui était réellement composée au lieu des mêmes signaux musicaux. Un autre indice clair est que les « lois » décrites précédemment par Jones pour les personnages n'ont pas été suivies avec une fidélité significative, et aucune phrase latine n'a été utilisée lors de l'introduction des personnages.
Wile E. Coyote et Bugs Bunny
Wile E. Coyote a également tenté en vain d'attraper et de manger Bugs Bunny dans une autre série de dessins animés. Dans ces dessins animés, le coyote prend l'apparence d'un « super génie » autoproclamé et parle avec un accent doux et générique de la classe supérieure fourni par Mel Blanc. Bien qu'il soit incroyablement intelligent, il est limité par la technologie et sa propre arrogance à courte vue, et est donc souvent facilement déjoué, un symbolisme quelque peu physique de « l'intelligence de la rue » surpassant « l'intelligence du livre ».
Dans un court métrage (Hare-Breadth Hurry, 1963), Bugs — avec l'aide de « pilules de vitesse » — remplace même Road Runner, qui s'est « foulé un abat » et s'acquitte de la tâche de déjouer le charognard affamé. C'est le seul court métrage Bugs Bunny/Wile E. Coyote dans lequel le coyote ne parle pas, et qui utilise la formule du dessin animé Wile E Coyote/Road Runner. Comme d'habitude, Wile E. Coyote finit par tomber dans un canyon et ne parvient pas à attraper et à manger Bugs Bunny, un peu comme le coyote ne parvient pas à attraper et à manger le Road Runner.
Dans un court métrage ultérieur, réalisé pour la télévision, dans lequel un jeune Elmer Fudd poursuivait un jeune Bugs, Elmer tombe également dans un canyon. En descendant, il est dépassé par Wile E. Coyote qui montre un panneau indiquant à Elmer de s'écarter pour quelqu'un qui est plus expérimenté en matière de chute.
Autres apparitions
Dans le pilote de 1962 d'un projet de série télévisée (mais plutôt diffusé sous forme de long métrage théâtral intitulé Les Aventures du Road-Runner - lorsque le projet a échoué en tant que pilote télévisé, il a été réédité dans To Beep or Not to Beep par Chuck Jones avec des ajouts supplémentaires. nouvelle musique de Bill Lava Mais quelques années plus tard, le court métrage a été réédité en Zip Zip Hourra ! et Road Runner a Go-Go, par DePatie-Freleng Enterprises).
Le film de Chuck de 1979, The Bugs Bunny/Road Runner Movie, présente de nombreux personnages de Chuck, dont Wile E. et Road Runner. Cependant, alors que la plupart des dessins animés présentés sont des courts métrages uniques ou parfois des clips isolés, les images de Wile E. et Road Runner sont tirées de plusieurs dessins animés différents et compilées pour fonctionner comme une séquence étendue.
Wile E. et le Road Runner ont deux rôles de camée dans Who Framed Roger Rabbit de Robert Zemeckis, d'abord silhouettés lorsque l'ascenseur manœuvré par Droopy monte, puis lors de la scène finale dans l'usine de Marvin Acme avec plusieurs autres personnages du studio.
Wile E. et le Road Runner apparaissent en tant que membres de l'équipe Tune Squad dans Space Jam. Là, Wile E. équipe l'un des paniers de basket avec de la dynamite pour empêcher l'un des Monstars de marquer un slam dunk. Et pendant l'entraînement, avant l'arrivée de Lola Bunny, Wile E. met la main sur un ballon de basket, mais le Road Runner lui vole le ballon et se dirige vers une image peinte. Mais Wile E. ne sait pas qu'il s'agit d'une image peinte, et il tombe dessus.
Wile E. apparaît en tant qu'employé d'Acme Corporation dans Looney Tunes : Back in Action. Là, son rôle est similaire à celui de Mustafa des films Austin Powers.
Wile E. fait également une brève apparition dans Tweety's High-Flying Adventure, étant tenu par le cou par le diable de Tasmanie brandissant une pancarte indiquant "Mère" avant qu'ils ne tombent tous les deux à la mer.
Wile E. est un employé du magasin Daffy Duck, dans le film Bah, Humduck ! Un Noël Looney Tunes. On le voit regarder avidement un distributeur automatique, mais Daffy ne lui permet pas de manger pendant les heures de travail. Le Road Runner apparaît également comme un livreur.
Les deux sont apparus dans de nombreuses publicités différentes pour Shell, Honey Nut Cheerios et Wile E. apparaît sans l'oiseau dans les publicités pour Energizer Bunny. En 2012, Wile E. et Road Runner sont apparus dans une publicité GEICO, dans laquelle le gecko errant est perdu. Ce faisant, il manque de se faire écraser avec une enclume, puis avec un piano. Juste après que cela se produise, Road Runner court vers lui et prononce sa phrase caractéristique : « Bip-bip ! » et continue son chemin. Le gecko devient alors confus à propos du slogan du Road Runner en disant "Meep, meep". Soudain, Wile E., poursuivant le Road Runner, court, voit le gecko et l'imagine comme son dîner, mais ce faisant, il est enfoncé dans le sol par la chute d'un coffre-fort ACME. La publicité se termine avec la conclusion du gecko : « Quel endroit étrange ».
Le Road Runner est la mascotte d'une marque de fonte de glace fabriquée par Scotwood Industries.
Le Road Runner était à un moment donné la mascotte de Road Runner High Speed Online de Time Warner Cable Internet, à l'époque où les deux entités étaient sous l'égide d'AOL Time Warner. Après la séparation des sociétés en 2009, Time Warner Cable a continué à concéder sous licence le nom et l'iconographie de Road Runner jusqu'à ce que le service soit rebaptisé Time Warner Cable Internet en 2012.
Les deux sont également apparus dans les webtoons "Wild King Dumb", "Judge Granny: Case 2" et "Wile E. Coyote Ugly" sur looneytunes.com.
Wile E. apparaît comme accusé dans l'émission Night Court et est soumis à un sermon sévère du juge Harold T. Stone, qui lui dit "d'aller au restaurant, au supermarché, mais de laisser ce pauvre oiseau tranquille !" et déclare Wile E. coupable de harcèlement.
Retombées
Dans une autre série de dessins animés de Warner Bros. Looney Tunes, Chuck Jones a utilisé la conception du personnage (fiches de modèle et personnalité) de Wile E. Coyote comme "Ralph Wolf". Dans cette série, Ralph tente continuellement de voler des moutons dans un troupeau gardé par Sam Sheepdog, toujours vigilant. Comme dans les séries Road Runner et Coyote, Ralph Wolf utilise toutes sortes d'inventions et de stratagèmes farfelus pour voler le mouton, mais il est continuellement déjoué par le chien de berger. Dans un geste considéré par beaucoup comme un gag autoréférentiel, Ralph Wolf essaie continuellement de voler le mouton non pas parce qu'il est un fanatique (comme l'était Wile E. Coyote), mais parce que c'est son travail. Dans chaque dessin animé, lui et le chien de berger pointent une horloge, échangent des plaisanteries, vont au travail, prennent une pause déjeuner et pointent pour rentrer à la maison pour la journée, le tout selon un sifflet semblable à celui d'une usine. La différence la plus évidente entre le coyote et le loup, outre leur localisation géographique, est que Wile E. a un nez noir et Ralph un nez rouge.
Bandes dessinées
Wile E. s'appelait Kelsey Coyote dans ses débuts dans la bande dessinée, une histoire de Henery Hawk dans Looney Tunes et Merrie Melodies #91 (mai 1949). Il n'a fait que quelques autres apparitions à cette époque et n'avait pas encore son nom officiel utilisé depuis Opération : Lapin (sa deuxième apparition). La première apparition du Road Runner dans une bande dessinée a eu lieu dans Bugs Bunny Vacation Funnies #8 (août 1958) publié par Dell Comics. Le long métrage s'intitule "Beep Beep the Road Runner" et l'histoire "Desert Dessert". Il se présente comme la première rencontre entre Beep Beep et Wile E. (dont la boîte aux lettres indique "Wile E. Coyote, inventeur et génie"), et présente l'épouse du Road Runner, Matilda, et leurs trois fils nouvellement éclos (même si Matilda allait bientôt disparaître des comics). Cette histoire a établi la convention selon laquelle la famille Road Runner parlait en rimes dans les bandes dessinées (The Road Runner parlait également en rimes dans de nombreuses adoptions de livres pour enfants des dessins animés).
Dell a initialement publié une bande dessinée dédiée "Beep Beep the Road Runner" dans le cadre des Four Color Comics #918, 1008 et 1046 avant de lancer une série distincte pour le personnage numéroté #4-14 (1960-1962), avec les trois essais- les numéros sortis comptaient pour les trois premiers nombres. Après une interruption, Gold Key Comics a repris le personnage avec les numéros 1 à 88 (1966-1984). Au cours des années 1960, les œuvres d'art ont été réalisées par Pete Alvarado et Phil DeLara ; de 1966 à 1969, les numéros Gold Key étaient constitués de réimpressions Dell. Par la suite, de nouvelles histoires ont commencé à apparaître, initialement dessinées par Alvarado et De Lara avant que Jack Manning ne devienne l'artiste principal du titre. Des histoires nouvelles et réimprimées de Beep Beep sont également apparues dans Golden Comics Digest et la reprise de Looney Tunes par Gold Key dans les années 1970. Au cours de cette période, le deuxième prénom de Wile E. s'est révélé être "Ethelbert" dans l'histoire "Le plus grand des E" dans le numéro 53 (date de couverture en septembre 1975) de la bande dessinée sous licence de Gold Key Comics, Beep Beep the. Coureur de route.
The Road Runner et Wile E. font également des apparitions dans le titre DC Comics Looney Tunes. Wile E. a pu prendre la parole lors de certaines de ses apparitions dans les comics DC.
Télévision
Le Road Runner et le Coyote sont apparus le samedi matin en tant que stars de leur propre série télévisée, The Road Runner Show, de septembre 1966 à septembre 1968, sur CBS. À cette époque, il a fusionné avec The Bugs Bunny Show pour devenir The Bugs Bunny et Road Runner Show, qui se sont déroulés de 1968 à 1985. L'émission a ensuite été vue sur ABC jusqu'en 2000 et sur Global jusqu'en 2001. La chanson thème de la série télévisée s'est déroulé comme suit :
Si vous êtes sur une autoroute et que Road Runner émet un bip-bip,
Écartez-vous simplement ou vous pourriez vous retrouver en tas.
Road Runner, Road Runner court sur la route toute la journée,
Même le Coyote ne peut pas le faire changer ses habitudes.
Refrain:
Coureur de route,
Le Coyote est après toi !
Coureur de route,
S'il vous attrape, c'est fini !
(reprise du refrain)
Ce Coyote est vraiment un clown fou ;
Quand apprendra-t-il qu’il ne pourra jamais le faucher ?
Le pauvre petit Road Runner ne dérange jamais personne ;
Courir sur la route, c'est son idée de s'amuser !
(refrain non verbal et reprise du refrain)
Dans les années 1970, Chuck Jones a réalisé quelques courts métrages Road Runner pour la série télévisée éducative pour enfants The Electric Company. Ces courts dessins animés utilisaient le Coyote et le Road Runner pour afficher des mots que les enfants pouvaient lire, mais les dessins eux-mêmes constituent un retour rafraîchissant aux jours de gloire de Jones.
En 1979, Freeze Frame, dans lequel Jones déplaçait la poursuite du désert vers les montagnes enneigées, a été considéré comme faisant partie des Looney Christmas Tales de Bugs Bunny.
À la fin du Portrait de l'artiste en jeune lapin de Bugs Bunny (la séquence initiale de l'émission spéciale de Chuck Jones, Bugs Bunny's Bustin' Out All Over), Bugs mentionne au public que lui et Elmer ont peut-être été la première paire de personnages pour avoir des scènes de poursuite dans ces dessins animés, mais ensuite un bébé de la taille d'une pinte, Wile E. Coyote (portant une couche et tenant un petit couteau et une fourchette) court juste devant Bugs, poursuivant un bébé de couleur dorée, pour la plupart non éclos (sauf pour la queue qui dépasse) L'œuf de Road Runner qui court rapidement tandis que des bruits aigus de « bip, bip » se font entendre. Cela a été suivi par le court métrage à part entière Runner/Coyote, Soup ou Sonic. Plus tôt dans cette histoire, alors que le petit Elmer tombait d'une falaise, le moi adulte de Wile E. Coyote lui dit de se déplacer et de laisser tomber aux mains des gens qui savent comment le faire, puis il tombe, suivi d'Elmer.
Dans les années 1980, ABC a commencé à diffuser de nombreux courts métrages de Warner Bros., mais sous une forme hautement éditée. De nombreuses scènes faisant partie intégrante des histoires ont été supprimées, y compris des scènes dans lesquelles Wile E. Coyote a atterri au fond du canyon après être tombé d'une falaise, ou lorsqu'un rocher ou une enclume est entré en contact avec lui. Dans presque tous les films d'animation de WB, les scènes où le visage d'un personnage était brûlé et noir, certains pensaient qu'il ressemblait à un visage noir, ont été supprimées, tout comme les personnages animés fumant des cigarettes. Certaines scènes de fumée de cigare ont été laissées. Les versions inédites de ces courts métrages (à l'exception de celles avec un visage noir) n'ont pas été revues jusqu'à ce que Cartoon Network, et plus tard Boomerang, aient commencé à les montrer à nouveau dans les années 1990 et au début des années 2000. Depuis la sortie de la bibliothèque de dessins animés WB sur DVD, Boomerang a cessé de montrer les dessins animés, probablement pour augmenter les ventes des DVD.
Bien que Wile E. Coyote ne soit pas vu dans Cartoon All-Stars to the Rescue, il est mentionné par Bugs Bunny disant qu'il a emprunté sa machine à voyager dans le temps.
Wile E. et Road Runner sont apparus plus tard dans plusieurs épisodes de Tiny Toon Adventures. Dans cette série, Wile E. Coyote (exprimé dans l'épisode Jim Reardon « Piece of Mind » de Joe Alaskey) était le doyen d'Acme Looniversity et le mentor de Calamity Coyote. Le protégé du Road Runner dans cette série était Little Beeper. Dans l'épisode « Piece of Mind », Wile E. raconte l'histoire de la vie de Calamity tandis que Calamity tombe du haut d'un grand gratte-ciel. Dans le film directement en vidéo Tiny Toon Adventures : Comment j'ai passé mes vacances, le Road Runner goûte enfin à l'humiliation en se faisant écraser par un camion postal qui « freine pour les coyotes ».
Les deux ont également été vus dans des camées dans Animaniacs. Ils étaient ensemble dans deux dessins animés "Slappy Squirrel": "Bumbie's Mom" et "Little Old Slappy from Pasadena". Dans ce dernier, le Road Runner a un autre goût d'humiliation lorsqu'il est dépassé par la voiture de Slappy et brandit une pancarte disant "J'arrête" - immédiatement après, Buttons, qui a été lancé en l'air lors d'un gag précédent, atterrit carrément sur le dessus. de lui. Wile E. apparaît sans l'oiseau dans une parodie du Magicien d'Oz, vêtu de sa combinaison d'un short, dans un entonnoir twister (tornade) dans " Buttons in Ows ". De plus, au début d'un épisode, on voit un artiste dessiner Road Runner.
Dans une publicité télévisée de Cartoon Network sur The Acme Hour, Wile E. Coyote a utilisé une paire de patins à roulettes à réaction pour attraper le Road Runner et (de manière assez surprenante) n'a pas échoué. Alors qu'il cuisinait sa proie, il s'est révélé que les patins à roulettes provenaient d'une marque générique. L'annonce disait que l'autre marque n'est pas la même chose.
Road Runner apparaît dans un épisode de la série Taz-Mania de 1990 dans lequel Taz l'attrape par la jambe et se prépare à le manger jusqu'à ce que les deux alligators soient prêts à capturer Taz alors il laisse partir Road Runner. Dans un autre épisode de Taz-Mania, les dessins animés de Road Runner sont parodiés avec Taz habillé en Road Runner et le personnage Willy Wombat habillé en Wile E. Coyote. Willy essaie d'attraper Taz avec des patins à roulettes Acme mais échoue, et Taz dit même "Bip, bip".
Wile E. et Road Runner sont apparus dans leurs versions pour tout-petits dans Baby Looney Tunes, uniquement dans les chansons. Cependant, ils avaient tous deux fait une apparition dans l'épisode "Are We There Yet?", où Road Runner a été vu par la fenêtre de la voiture de Floyd avec Wile E. le poursuivant.
Wile E. Coyote a fait une apparition en tant que véritable identité d'un chasseur extraterrestre (une parodie de Predator) dans l'épisode des Duck Dodgers "K-9 Quarry", exprimé par Dee Bradley Baker. Dans cet épisode, il chassait les commandants martiens X-2 et K-9.
Dans Loonatics Unleashed, les descendants de Wile E. Coyote et Roadrunner au 28e siècle sont Tech E. Coyote (exprimé par Kevin Michael Richardson) et Rev Runner (exprimé par Rob Paulsen). Tech E. Coyote était l'expert technique des Loonatics (influencé par les dessins animés passés avec de nombreuses machines commandées par Wile E. à Acme), et possède des mains magnétiques et la capacité de se régénérer moléculairement (influencé par les nombreuses fois où Wile E. n'a malheureusement pas réussi à capturer Roadrunner et s'est ensuite révélé miraculeusement rétabli). Tech E. Coyote parle, mais n'a pas d'accent britannique comme l'avait Wile E. Coyote. Rev Runner est également capable de parler, bien qu'extrêmement rapidement, et peut voler sans utiliser de jet packs, qui sont utilisés par d'autres membres des Loonatics. Il a également une vitesse sonique, également un décollage de Roadrunner. Ironiquement, le couple s'entend plutôt bien, malgré le nombre de gadgets que Tech conçoit pour empêcher Rev de parler. Il y a aussi des moments où ils ne s'entendent pas. Lorsque l’amitié se manifeste, c’est souvent uniquement du révérend au technicien, et non l’inverse ; cela pourrait cependant être attribué au fait que la technologie ne possède que le strict minimum de compétences sociales. Ils sont tous deux décrits comme intelligents, mais Tech est le meilleur inventeur et | http://quiz4free.com/ |
Qui a joué « l'inspecteur en chef Dreyfus » dans les films « La Panthère Rose » ? | Herbert Lom | [
"Le supérieur de Clouseau, Charles Dreyfus, est présenté dans A Shot in the Dark, dans lequel il occupe le rang de commissaire. Il est constamment distrait par la maladresse de Clouseau et finit par devenir fou. Dans Le Retour de la Panthère Rose, Dreyfus détient le grade d'inspecteur en chef - mais redevient fou à la fin du film - qui montre Dreyfus en camisole de force dans une cellule capitonnée, écrivant \"Tuez Clouseau\" sur le mur (avec ses orteils). Comme dans A Shot in the Dark, Dreyfus subit d'abord diverses blessures corporelles (impliquant son arme et un briquet de forme similaire et lui coupant accidentellement le pouce avec un coupe-cigare) --- avant d'étrangler accidentellement son thérapeute en fantasmant sur Clouseau. mort, puis tente d'assassiner Clouseau avec un fusil de sniper. Dans La Panthère Rose contre-attaque, Dreyfus est sur le point de sortir d'un asile après s'être complètement rétabli ; cependant, moins de cinq minutes après l'arrivée de Clouseau pour parler au conseil d'administration au nom de Dreyfus, il subit diverses blessures, le faisant rechuter. Ensuite, Dreyfus s'échappe de l'asile et kidnappe un scientifique, le forçant à construire un rayon désintégrateur utilisé plus tard pour intimider le reste du monde afin qu'il tente d'assassiner Clouseau. Dreyfus semble se désintégrer à la fin de Strikes Again, mais par la suite (et sans aucune explication) réapparaît dans La Vengeance de la Panthère Rose et est réintégré inspecteur en chef lorsque Clouseau est déclaré mort par erreur. Herbert Lom a donné à son personnage un tic prononcé qui s'est produit sous un stress particulier... et un rire enfantin qui l'accompagnait lorsqu'il préparait le meurtre de Clouseau.",
"Dreyfus a été joué par Herbert Lom dans les films de Blake Edwards et par Kevin Kline dans le film de 2006. Il a été joué par John Cleese dans la suite de 2009."
] | La Panthère Rose est une série de films comiques mettant en vedette un détective de police français incompétent, l'inspecteur Jacques Clouseau. La série a commencé avec la sortie de La Panthère Rose (1963). Le rôle de Clouseau a été créé par Peter Sellers et lui est le plus étroitement associé. La plupart des films ont été réalisés et co-écrits par Blake Edwards, avec un thème musical composé par Henry Mancini.
Dans les films, la Panthère Rose est un gros et précieux diamant rose qui est montré pour la première fois dans le film d'ouverture de la série. Le diamant est appelé « Panthère Rose » car le défaut en son centre, vu de près, ressemble à une panthère rose bondissante. La phrase réapparaît dans le titre du quatrième film Le Retour de la Panthère Rose, dans lequel le vol du diamant est à nouveau au centre de l'intrigue. L'expression a été utilisée pour tous les films suivants de la série, même lorsque le joyau ne figurait pas dans l'intrigue. Il est finalement apparu dans six des onze films.
Le premier film de la série avait une séquence d'ouverture animée, créée par DePatie-Freleng Enterprises et mise en musique par Mancini, qui mettait en vedette le personnage de Pink Panther. Ce personnage, conçu par Hawley Pratt et Friz Freleng, a ensuite fait l'objet de sa propre série de dessins animés qui ont acquis leur plus grande notoriété lors de leur diffusion le samedi matin sous le nom de The Pink Panther Show. Le personnage figurerait à l'ouverture de chaque film de la série de films, à l'exception de A Shot in the Dark et de l'inspecteur Clouseau.
Développement
Bien qu'il y ait deux films ultérieurs de Pink Panther mettant en vedette Steve Martin, la plupart des films de la série mettaient en vedette Sellers dans le rôle de l'inspecteur Clouseau et ont été réalisés et co-écrits par Blake Edwards. Le thème musical basé sur le jazz a été composé par Henry Mancini. En plus des séquences de générique, le thème accompagne souvent toute séquence de suspense dans le premier film et dans les films suivants utilisant le personnage.
La "Pink Panther" du titre est un diamant censé contenir un défaut qui forme l'image d'une "panthère bondissante" qui peut être vue si elle est exposée à la lumière d'une certaine manière. Ceci est expliqué au début du premier film, et la caméra zoome sur le diamant pour révéler le défaut flou, qui se concentre sur la Panthère (bien qu'elle ne saute pas réellement) pour commencer la séquence du générique d'ouverture (cela se fait également dans Return). . L'intrigue du premier film est basée sur le vol de ce diamant. Le diamant réapparaît dans plusieurs films ultérieurs de la série, Le Retour de la Panthère Rose, La Piste de la Panthère Rose et La Malédiction de la Panthère Rose, tous avec Sellers. Il apparaît également dans la renaissance du personnage de l'inspecteur Clouseau dans les films beaucoup plus tardifs de Steve Martin, La Panthère Rose (2006), et sa suite, La Panthère Rose 2 (2009). Le nom « la Panthère Rose » s'est attaché à l'inspecteur Clouseau de la même manière que Frankenstein a été utilisé dans les titres de films pour faire référence à la création du Dr Frankenstein, ou que The Thin Man a été utilisé dans une série de films policiers.
A Shot in the Dark, un film qui n'était pas initialement destiné à présenter Clouseau, est le premier des deux films de la série (l'autre étant l'inspecteur Clouseau) qui ne présente ni le diamant ni la panthère rose animée distinctive dans le générique d'ouverture et la fin. . De nombreux critiques, dont Leonard Maltin, considèrent ce film comme le meilleur de la série.
Dans le film original, sorti en 1963, l'accent était mis sur le rôle de David Niven dans le rôle de Sir Charles Litton, le tristement célèbre voleur de bijoux surnommé « le Fantôme », et sur son projet de voler la Panthère Rose. L'inspecteur Clouseau n'était qu'un personnage secondaire en tant qu'antagoniste incompétent de Litton et apportait un soulagement comique burlesque à un film qui était par ailleurs un drame policier subtil et léger, un contraste de styles quelque peu discordant typique des films d'Edwards. La popularité de Clouseau l'a amené à devenir le personnage principal des films ultérieurs de Pink Panther, qui étaient des comédies burlesques plus simples.
Le thème de Mancini, avec des variations dans l'arrangement, est utilisé au début de tous les films suivants, sauf les deux premiers. Les autres thèmes de Mancini pour le premier film incluent un décor en italien appelé Meglio Stasera, dont le but semble principalement présenter la jeune actrice Fran Jeffries. Des portions d'une version instrumentale apparaissent également à plusieurs reprises dans la partition musicale du film. D'autres segments incluent "Shades of Sennett", un numéro de piano "honky tonk" présentant la scène de poursuite culminante du film dans les rues de Rome. La plupart des morceaux restants de l'album de la bande originale sont des morceaux de jazz orchestral du début des années 1960, correspondant au style de l'époque. Bien que des variations du thème principal reprennent pour de nombreuses entrées de la série Pink Panther, ainsi que pour la série de dessins animés, Mancini a composé un thème différent pour A Shot in the Dark qui a ensuite été adopté par la série dérivée animée The Inspector.
Les cinq premiers films Sellers-Edwards ont été initialement publiés par United Artists. Trail, Curse et Son ont été publiés par MGM/UA. Les droits DVD du Retour de la Panthère Rose sont désormais contrôlés par la division Focus Features d'Universal Pictures, en partenariat avec la société de production britannique ITC Entertainment et son successeur ITV Global Entertainment Ltd. Focus Features a publié ce film sur DVD pour la région 1.
ITC avait initialement prévu de réaliser une série télévisée sur l'Inspecteur Clouseau, mais Blake Edwards a convaincu la société de production de soutenir d'abord un long métrage, puis une série plus tard, si le film devait s'avérer un succès. Le film a dépassé les attentes en devenant le film le plus rentable de 1975. UA a rapidement racheté l'investissement d'ITC et le travail a immédiatement commencé sur le prochain long métrage.
Bien qu'officiel, le film live-action Inspecteur Clouseau (1968) n'est généralement pas considéré par les fans comme faisant partie du canon de la série, puisqu'il n'impliquait ni Sellers ni Edwards. Certains éléments de la performance et des costumes d'Arkin ont cependant été conservés lorsque Peter Sellers a repris le rôle de Return en 1975. Malgré les spéculations, Alan Arkin n'apparaît pas dans Trail of the Pink Panther.
Le film qui a lancé la deuxième série Pink Panther, The Pink Panther, avec Martin dans le rôle de Clouseau, réalisé par Shawn Levy et produit par Robert Simonds, est sorti en février 2006 par Metro-Goldwyn-Mayer et a été coproduit avec Columbia Pictures. Il se déroule de nos jours et introduit différents personnages principaux, appartenant donc à une continuité différente. Martin joue également dans la suite, The Pink Panther 2, sortie en 2009.
Action réelle/animation
Le 31 mars 2014, Metro-Goldwyn-Mayer a annoncé qu'elle développerait un nouveau film d'action réelle/d'animation Pink Panther, réalisé par David Silverman et produit par Walter Mirisch et Julie Andrews. Ce film ne se concentrera pas sur l'inspecteur Clouseau mais se concentrera plutôt sur la Panthère Rose. En mars 2015, le film était toujours en développement.
Films
Characters
Inspector Jacques Clouseau
* Première apparition : La Panthère Rose (1963)
* Apparitions : Tous les films Panther sauf Le Fils de la Panthère Rose
Jacques Clouseau est un policier et détective maladroit, incompétent mais zélé qui parle anglais – avec un accent français ridicule – tandis que d'autres personnages parlent anglais, souvent avec leur propre accent. L'accent de Clouseau n'est pas accentué dans le premier film, mais à partir de A Shot in the Dark, l'accent exagéré est devenu une partie de la plaisanterie. Il a été suggéré que la présentation du policier incompétent comme étant français repose sur un stéréotype britannique de la police française ou même de la population française dans son ensemble.
Peter Sellers, l'acteur qui incarne Clouseau, a fait remarquer que, à son avis, Clouseau savait qu'il était un bouffon, mais qu'il avait un incroyable talent pour survivre. La chance ou la maladresse le sauve généralement, comme dans le premier film où une folle course-poursuite en voiture autour d'une fontaine aboutit à la collision de tous les véhicules et à la capture des voleurs. Cette approche s'accélère, Clouseau tombant dans les escaliers, tombant dans les piscines et les fontaines, provoquant des incendies et des catastrophes, et même étant bombardé à plusieurs reprises, une idée intégrée dans la représentation du personnage par Steve Martin. Dans La Panthère Rose contre-attaque, des assassins du monde entier sont envoyés pour tuer Clouseau, après quoi celui-ci s'éloigne de leur cible juste au bon moment pour s'assurer que les tueurs s'éliminent les uns les autres. Dans Trail of the Pink Panther, nous voyons que pendant la Seconde Guerre mondiale, Clouseau a combattu dans la Résistance française, mais les flashbacks ne servent qu'à réitérer le fait que Clouseau peut survivre à tout malgré, ou peut-être grâce à, son incompétence.
L'inspecteur Clouseau est un Français patriote dont le pays est prétendument sa plus haute priorité, a été enclin à l'engouement (souvent réciproque) après avoir été cocu par Sir Charles Litton, et est à plusieurs reprises perplexe devant les travestis, dans la mesure où il les appelle "Monsieur ou Madame". ".
Le rôle a été créé et développé par Peter Sellers au fil des années, mais a également été joué par Alan Arkin (dans Inspecteur Clouseau), Daniel Peacock et Lucca Mezzofonti (dans des versions plus jeunes dans des flashbacks dans Trail of the Pink Panther), Roger Moore (dans un apparition à la fin de Curse of the Pink Panther) et Steve Martin (dans le film Pink Panther de 2006 et sa suite de 2009).
Inspecteur en chef Charles LaRousse Dreyfus
* Première apparition : A Shot in the Dark (1964)
*Apparitions : Tous les films Panther sauf le premier film et l'Inspecteur Clouseau.
Le supérieur de Clouseau, Charles Dreyfus, est présenté dans A Shot in the Dark, dans lequel il occupe le rang de commissaire. Il est constamment distrait par la maladresse de Clouseau et finit par devenir fou. Dans Le Retour de la Panthère Rose, Dreyfus détient le grade d'inspecteur en chef - mais redevient fou à la fin du film - qui montre Dreyfus en camisole de force dans une cellule capitonnée, écrivant "Tuez Clouseau" sur le mur (avec ses orteils). Comme dans A Shot in the Dark, Dreyfus subit d'abord diverses blessures corporelles (impliquant son arme et un briquet de forme similaire et lui coupant accidentellement le pouce avec un coupe-cigare) --- avant d'étrangler accidentellement son thérapeute en fantasmant sur Clouseau. mort, puis tente d'assassiner Clouseau avec un fusil de sniper. Dans La Panthère Rose contre-attaque, Dreyfus est sur le point de sortir d'un asile après s'être complètement rétabli ; cependant, moins de cinq minutes après l'arrivée de Clouseau pour parler au conseil d'administration au nom de Dreyfus, il subit diverses blessures, le faisant rechuter. Ensuite, Dreyfus s'échappe de l'asile et kidnappe un scientifique, le forçant à construire un rayon désintégrateur utilisé plus tard pour intimider le reste du monde afin qu'il tente d'assassiner Clouseau. Dreyfus semble se désintégrer à la fin de Strikes Again, mais par la suite (et sans aucune explication) réapparaît dans La Vengeance de la Panthère Rose et est réintégré inspecteur en chef lorsque Clouseau est déclaré mort par erreur. Herbert Lom a donné à son personnage un tic prononcé qui s'est produit sous un stress particulier... et un rire enfantin qui l'accompagnait lorsqu'il préparait le meurtre de Clouseau.
Dans Le Fils de la Panthère Rose, Dreyfus (à nouveau commissaire) traite du fils tout aussi bouffon de Clouseau, Jacques Gambrelli, mais il se montre plus tolérant envers Gambrelli. A la fin du film, Dreyfus épouse l'ancienne amante de Clouseau, Maria Gambrelli (la mère de Jacques Gambrelli), mais est choqué d'apprendre que Clouseau et Maria ont conçu des jumeaux : Jacques (Roberto Benigni) et Jacqueline Gambrelli (Nicoletta Braschi).
Dans le redémarrage de La Panthère Rose en 2006, Dreyfus (à nouveau en tant qu'inspecteur en chef) utilise Clouseau comme leurre pendant qu'il tente lui-même de résoudre les crimes. Dreyfus considère simplement Clouseau comme un idiot et ne tente jamais de le faire tuer, tandis que Clouseau attaque son employeur à un moment donné, se trompant sur son identité. Plus tard dans le film, Dreyfus est accidentellement traîné derrière la voiture intelligente de Clouseau et apparaît à l'hôpital, où la maladresse de Clouseau le fait tomber d'une fenêtre. Dans la suite de 2009, Dreyfus joue un rôle bien moindre que dans le film précédent et est moins hostile envers Clouseau.
Dreyfus a été joué par Herbert Lom dans les films de Blake Edwards et par Kevin Kline dans le film de 2006. Il a été joué par John Cleese dans la suite de 2009.
Cato Fong
* Première apparition : A Shot in the Dark (1964)
*Apparitions : Tous les films Panther sauf le premier film, le film Inspecteur Clouseau de 1968 et les films 2006-2009.
Cato (écrit "Kato" dans A Shot in the Dark) est le serviteur de Clouseau et un expert en arts martiaux. On ne sait pas s'il considère Clouseau comme un grand détective ou s'il se contente de lui faire plaisir. C'est une blague courante qu'il soit chargé d'attaquer Clouseau de manière inattendue, pour maintenir les compétences de combat et la vigilance de Clouseau. Caton pousse souvent ces instructions jusqu'à tendre une embuscade à Clouseau dans sa propre maison ou à des moments où Clouseau préférerait visiblement ne pas être dérangé. S'ils sont interrompus lors d'une telle attaque (par exemple par un appel téléphonique), Cato cesse de projeter l'image d'agresseur et devient un valet de chambre bien discipliné. Peu importe qui s'en sort le moins bien dans la bataille réelle (et c'est Clouseau qui est le plus souvent humilié, puisque les embuscades de Caton le prennent généralement par surprise), Clouseau se venge toujours de Caton en lui infligeant un coup de ventouse après qu'il semble que le combat soit terminé. sur.
Dans des films ultérieurs, Cato aide Clouseau dans certains cas, comme à Hong Kong, lorsque Clouseau profite de sa propre mort présumée pour déterminer l'identité de son assassin potentiel. Ici, Cato porte des lunettes comme déguisement mais entre en collision avec divers objets lorsque les lunettes altèrent sa vision.
Dans Revenge, Caton, croyant son maître mort, dirige un bordel secret dans l'appartement de Clouseau : le mot de passe d'entrée est "Inspecteur Clouseau", ce qui provoque une scène humoristique lorsque le véritable inspecteur Clouseau apparaît. Cato ouvre un autre bordel dans La Malédiction de la Panthère Rose et transforme l'appartement de Clouseau en musée présentant tous les déguisements que l'inspecteur a portés au fil des ans.
Dans la série précédente, Cato était joué par Burt Kwouk. Lors de la relance, le rôle de Cato a été proposé à Jackie Chan, mais le personnage a ensuite été abandonné de peur que le stéréotype chinois ne soit offensant, et Cato a été remplacé par un nouveau personnage, le gendarme Gilbert Ponton (Jean Reno), assigné par le commissaire Dreyfus pour veiller sur Clouseau. Dans un renversement de la relation Cato-Clouseau, Clouseau attaque souvent Ponton de manière inattendue, pour être arrêté d'un seul coup.
François
François, l'assistant de Dreyfus, observe généralement les interactions de son patron avec Clouseau (et les dépressions émotionnelles qui s'ensuivent) avec une perplexité placide. André Maranne, acteur français, a joué François dans six films Panther. Dans Fils de la Panthère Rose, il a été remplacé par Dermot Crowley. Dans A Shot in the Dark, Trail of the Pink Panther et Curse of the Pink Panther, il est appelé le sergent François Duval alors que dans les trois suites des années 1970, il est le sergent François Chevalier. Lors du redémarrage de 2006, Philip Goodwin joue un personnage similaire nommé Renard. Goodwin est revenu dans le rôle de Renard dans la suite de 2009.
Sir Charles Lytton/Le Fantôme
"Le Fantôme" est un voleur de bijoux, l'ennemi juré de Clouseau (d'après Dreyfus) dans plusieurs films et connu du public sous le nom de Sir Charles Lytton. Il est le principal méchant du premier film, à la fin duquel (et avec l'aide de la femme de Clouseau et d'une princesse en exil) il accuse Clouseau de ses vols passés et le fait envoyer temporairement en prison. Cela attise la soif de vengeance de Clouseau dans le troisième film de Sellers/Edwards, dans lequel la Panthère rose est volée dans un musée.
Dans le premier film, il était interprété par David Niven et dans Return par Christopher Plummer. Dans des films ultérieurs, Niven vieillissant et fragile a fait des apparitions dans le rôle, avec sa voix doublée par l'impressionniste Rich Little. Dans ces films ultérieurs, Lytton est censé avoir été marié à l'ex-femme de Clouseau après les événements du premier Panthère Rose, même si dans Return, sa femme était un personnage différent, mais apparemment familier avec Clouseau (voyant à travers et riant). à, ses déguisements). Dans La Panthère Rose 2, le diamant est volé par un maître voleur similaire, « la Tornade » (Johnny Hallyday).
Professeur Auguste Balls
Le professeur Auguste Balls est un commerçant excentrique qui fournit à Clouseau ses nombreux déguisements. Il a été interprété par Graham Stark dans La Vengeance de la Panthère Rose et Fils de la Panthère Rose, tandis qu'Harvey Korman l'a joué dans Trail of the Pink Panther et Curse of the Pink Panther. Bien que Korman ait été le premier acteur à incarner Balls, ses scènes dans The Pink Panther Strikes Again ont été coupées et n'ont été utilisées que Trail of the Pink Panther six ans plus tard.
Le professeur Balls a une épouse, Martha (Liz Smith), et une assistante, Cunny (Danny Schiller), qui font de brèves apparitions.
Équipage
Statistiques des séries de films
Hommages et références aux films
* Dans un épisode de 1978 de la série animée Lupin le Troisième, intitulé "Black Panther" (titre américain "My Birthday Pursuit"), Lupin tente de voler le diamant Black Panther comme cadeau d'anniversaire pour sa petite amie. L'inspecteur Zenigata est aidé par un personnage clairement inspiré de Clouseau, l'inspecteur Conaiseau. Conaiseau est même assisté d'un personnage inspiré de Caton, Hageito. Également dans l'épisode, Lupin et Conaiseau infiltrent tous deux une colonie nudiste, un peu comme Clouseau le fait dans A Shot in the Dark.
* Les Simpsons : dans l'épisode de la saison cinq "Homer le Vigilante" (1994), lorsque le cambrioleur du chat de Springfield cambriole la maison des Simpsons, la musique de fond ressemble au thème de la Panthère Rose, et il vole la plus grande zircone cubique du monde dans un musée, un peu comme le Fantôme volant le diamant de la Panthère Rose. Lorsqu'il est capturé, il se révèle être un personnage suave, semblable à celui de David Niven. Dans un autre épisode de la saison cinq "Le garçon qui en savait trop", lorsqu'il a été révélé que les blessures du serveur étaient auto-infligées en raison de sa maladresse et non du fait de l'agression de Freddie Quimby, le serveur proclame "C'est un scandale ! Je suis pas un serveur maladroit à la Clouseau ! » avant de trébucher sur une chaise et de tomber par la fenêtre dans un camion à toit ouvrant rempli de pièges à rats. Dans l'épisode de 1998 "This Little Wiggy", on entend un présentateur à la télévision du chef Wiggum dire "Nous revenons maintenant au retour du retour de la panthère rose, avec Ken Wahl dans le rôle de l'inspecteur Clouseau".
*Cato apparaît dans le film Inspecteur Gadget de 1999 lors de la réunion des Minions Anonymes.
* Dans un épisode de 2000 de la série animée Jackie Chan Adventures, intitulé "Enter the Viper", Jackie Chan et sa nièce Jade doivent protéger le diamant "Pink Puma" d'une voleuse de bijoux appelée Viper.
* Dans La vie et la mort de Peter Sellers (2004), un grand hommage est rendu au personnage de Clouseau dans les scènes jouées par Geoffrey Rush, et l'histoire couvre également la relation de Sellers avec Blake Edwards, notamment où Sellers décrit sa relation avec Edwards via Clouseau. habillé en marin suédois de La Revanche de la Panthère Rose.
* Dans l'épisode 2005 de Family Guy Breaking Out is Hard to Do, il y a une scène de poursuite à travers Asiantown qui est une parodie de la scène de poursuite originale vers la fin de La Revanche de la Panthère Rose, utilisant la même musique.
* Dans la série taïwanaise Hi My Sweetheart (2009), la Panthère Rose est un point essentiel de la série ambient, et apparaissant de nombreuses fois sous forme de peluches ou de plusieurs autres objets. Le protagoniste masculin prend également le nom de "Da Lung" en référence à la chanson Pink Panther.
* Dans l'épisode 2012 de 30 Rock "Standards and Practices", Jack (Alec Baldwin) engage un homme nommé Kato pour l'attaquer au hasard. Comme pour l'inspecteur Clouseau, ces attaques ont lieu dans son appartement.
Le personnage de la Panthère Rose et les dessins animés
La séquence titre d'ouverture du film original de 1963 La Panthère Rose a été un tel succès auprès des dirigeants d'United Artists qu'ils ont décidé d'adapter la séquence titre dans une série de courts métrages d'animation théâtraux. DePatie-Freleng Enterprises, dirigée par les anciens créateurs de Warner Bros. Cartoons, David H. DePatie et Friz Freleng, a produit les séquences d'ouverture, avec Freleng comme réalisateur. United Artists a commandé une longue série de courts métrages The Pink Panther, dont le premier, The Pink Phink de 1964, a remporté l'Oscar du court métrage d'animation en 1964. C'était la première (et à ce jour la seule) fois que la première œuvre d'un studio remportait un Oscar. "[http://www.bcdb.com/cartoon/10259-Pink_Phink.html The Pink Phink]". www.bcdb.com, 13 avril 2013
À l'automne 1969, les courts métrages étaient diffusés sur NBC "[http://www.bcdb.com/cartoons/Other_Studios/D/DePatie-Freleng_Enterprises/The_Pink_Panther_Show/index.html The Pink Panther Show]". www.bcdb.com, le 14 avril 2014 le samedi matin sur The Pink Panther Show ; après 1969, de nouveaux courts métrages ont été produits pour la télévision et les salles de cinéma. Un certain nombre de séries sœurs ont également rejoint le personnage de la Panthère Rose sur les écrans de cinéma et sur les ondes, notamment L'Inspecteur, mettant en vedette un policier français comique basé sur le personnage de Jacques Clouseau.
Le personnage animé de Pink Panther est également apparu dans des jeux vidéo sur ordinateur et console, ainsi que dans des campagnes publicitaires pour plusieurs entreprises, notamment pour l'isolation Owens Corning Fiberglas. Il y avait aussi une série animée de courte durée intitulée Pink Panther and Pals (2010) destinée aux jeunes enfants. En 2014, MGM a annoncé qu'elle prévoyait un redémarrage de film hybride d'animation / action réelle de la franchise, réalisé par David Silverman et produit par Walter Mirisch et Julie Andrews. | http://quiz4free.com/ |
En 1967, qui fut le premier DJ de Radio 1 ? | Tony Blackburn | [
"Le premier disc-jockey à diffuser sur la nouvelle station fut Tony Blackburn, dont le style joyeux, entendu pour la première fois sur Radio Caroline et Radio London, lui a valu la première place sur ce qui est devenu connu sous le nom de « Radio 1 Breakfast Show ». Les premiers mots sur Radio 1 – après un compte à rebours par le contrôleur des radios 1 et 2, Robin Scott, et un jingle, enregistré au PAMS à Dallas, Texas, commençant par « La voix de Radio 1 » – étaient «... Et, bonjour à tous. Bienvenue dans le nouveau son passionnant de Radio 1\". Il s'agissait de la première utilisation de jingles de style américain sur la radio de la BBC, mais ce style était familier aux auditeurs qui connaissaient Blackburn et d'autres DJ de leur époque à la radio pirate. Le premier disque complet diffusé sur Radio 1 était \"Flowers in the Rain\" de The Move. Le deuxième single était \"Massachusetts\" des Bee Gees. L'émission du petit-déjeuner reste la case la plus prisée de la grille de Radio 1, chaque changement de présentateur de l'émission du petit-déjeuner suscitant un intérêt médiatique considérable.",
"* Le jour de l'anniversaire, Chris Moyles a été rejoint dans un petit-déjeuner spécial par Tony Blackburn."
] | BBC Radio 1 est une station de radio britannique exploitée par la British Broadcasting Corporation qui diffuse également à l'international, spécialisée dans la musique populaire moderne et actuelle et les succès des charts tout au long de la journée. Radio 1 propose des genres alternatifs après 19h00, notamment de la danse électronique, du hip hop, du rock, de l'indie ou des interviews. Il s'adresse principalement à la tranche d'âge de 15 à 29 ans, bien que l'âge moyen du public britannique en 2008 soit de 33 ans. BBC Radio 1 a commencé à diffuser 24 heures sur 24 le 1er mai 1991.
Histoire
Première diffusion
Radio 1 a été créée en 1967 (avec la BBC Radio 2, plus au milieu) pour succéder au BBC Light Programme, qui diffusait de la musique populaire et d'autres divertissements depuis 1945. Radio 1 a été conçue comme une réponse directe à la popularité de stations de radio pirates offshore telles que Radio Caroline et Radio London, qui ont été interdites par une loi du Parlement. Radio 1 a été lancée à 7h00 le samedi 30 septembre 1967.
Le premier disc-jockey à diffuser sur la nouvelle station fut Tony Blackburn, dont le style joyeux, entendu pour la première fois sur Radio Caroline et Radio London, lui a valu la première place sur ce qui est devenu connu sous le nom de « Radio 1 Breakfast Show ». Les premiers mots sur Radio 1 – après un compte à rebours par le contrôleur des radios 1 et 2, Robin Scott, et un jingle, enregistré au PAMS à Dallas, Texas, commençant par « La voix de Radio 1 » – étaient «... Et, bonjour à tous. Bienvenue dans le nouveau son passionnant de Radio 1". Il s'agissait de la première utilisation de jingles de style américain sur la radio de la BBC, mais ce style était familier aux auditeurs qui connaissaient Blackburn et d'autres DJ de leur époque à la radio pirate. Le premier disque complet diffusé sur Radio 1 était "Flowers in the Rain" de The Move. Le deuxième single était "Massachusetts" des Bee Gees. L'émission du petit-déjeuner reste la case la plus prisée de la grille de Radio 1, chaque changement de présentateur de l'émission du petit-déjeuner suscitant un intérêt médiatique considérable.
La rotation initiale du personnel comprenait John Peel et un groupe d'autres, certains embauchés par des pirates, tels que Keith Skues, Ed Stewart, Mike Raven, David Ryder, Jim Fisher, Jimmy Young, Dave Cash, Kenny Everett, Simon Dee, Terry Wogan. , Duncan Johnson, Doug Crawford, Tommy Vance, Chris Denning, l'empereur Rosko, Pete Murray et Bob Holness. La plupart des voix de radio pirate les plus populaires, comme Simon Dee, n'avaient qu'un créneau d'une heure par semaine ("Midday Spin".) Annie Nightingale, qui a rejoint le groupe en 1970, a été la première femme DJ britannique et est aujourd'hui la plus ancienne DJ de Grande-Bretagne. présentatrice, ayant constamment fait évoluer ses goûts musicaux avec son temps.
Apogée des années 1970
Au départ, la station était impopulaire auprès d'une partie de son public cible qui, affirme-t-on, n'aimait pas le fait qu'une grande partie de son temps d'antenne soit partagée avec Radio 2 et qu'elle s'adressait moins sans équivoque à un public jeune que les stations offshore, avec quelques DJ. comme Jimmy Young dans la quarantaine. Le fait même qu'elle faisait partie d'une institution « établie » telle que la BBC était un rebut pour certains, et les restrictions de temps de diffusion l'empêchaient de diffuser autant de disques que les stations offshore en avaient. Elle disposait également de finances limitées (en partie parce que la BBC n'avait pas augmenté sa redevance pour financer la nouvelle station) et a souvent, comme en janvier 1975, souffert de manière disproportionnée lorsque la BBC a dû procéder à des coupes financières, renforçant l'impression qu'elle était considérée comme une chaîne de télévision. une moindre priorité pour les hauts dirigeants de la BBC.
Malgré cela, elle a gagné des audiences massives, devenant la station la plus écoutée au monde avec plus de 10 millions d'audiences revendiquées pour certaines de ses émissions (jusqu'à 20 millions pour certaines des émissions combinées de Radio 1 et Radio 2). Au début du milieu des années 1970, les présentateurs de Radio 1 étaient rarement absents des tabloïds britanniques, grâce au travail très médiatisé du ministère de la Publicité. La popularité des émissions en direct de la tournée estivale de Radio 1, le Radio 1 Roadshow - généralement dans le cadre des promotions des « Radio Weeks » de la BBC qui ont emmené les émissions de Radio 1, 2 et 4 sur la route - a attiré certaines des plus grandes foules de la décennie. La station a sans doute joué un rôle dans le maintien des ventes élevées de disques single 45 tours même si elle a bénéficié d'un manque de concurrence, hormis Radio Luxembourg et Manx Radio sur l'île de Man. (La radio locale indépendante n'a débuté qu'en octobre 1973 et a mis de nombreuses années à couvrir pratiquement tout le Royaume-Uni). Le « Saturday Rock Show » d'Alan Freeman a été élu « Meilleure émission de radio » cinq années de suite par les lecteurs d'une publication musicale nationale, puis a été supprimé par le contrôleur Derek Chinnery.
changements dans les années 1990
Au cours de ses derniers mois en tant que contrôleur, Johnny Beerling a commandé une poignée de nouveaux spectacles qui, d'une certaine manière, ont donné le ton à ce qui allait se passer sous la direction de Matthew Bannister. L'une de ces "Loud'n'proud" était la première série radiophonique nationale du Royaume-Uni destinée à un public gay (réalisée à Manchester et diffusée à partir d'août 1993). Loin d'être une bizarrerie d'adieu, l'émission a été un succès surprise et a conduit à la première couverture par le réseau du grand événement extérieur de la Gay Pride en 1994. Bannister a pris pleinement les rênes en octobre 1993. Son objectif était de débarrasser la station de son « Smashie ». et Nicey et la rendre attractive auprès des moins de 25 ans. Bien qu'elle ait été lancée à l'origine comme une station jeunesse, au début des années 1990, ses fidèles auditeurs (et DJ) avaient vieilli avec la station au cours de ses 25 ans d'histoire. De nombreux DJ de longue date, tels que Simon Bates, Dave Lee Travis, Alan Freeman, Bob Harris, Gary Davies, et plus tard Steve Wright, Bruno Brookes et Johnnie Walker, ont quitté la station ou ont été licenciés, et en janvier 1995, la vieille musique (généralement n'importe quoi enregistré avant 1990) a été banni de la playlist de jour.
De nombreux auditeurs se sont rebellés car les premiers nouveaux DJ introduits représentaient un croisement d'autres parties de la BBC (notamment les anciens collègues de Bannister et Trevor Dann à la station londonienne de la BBC, GLR) avec Emma Freud et Danny Baker. Un autre problème était qu'à l'époque, Radio 2 s'en tenait résolument à un format qui s'adressait principalement à ceux qui l'écoutaient depuis l'époque de l'émission Lumière, et une radio commerciale, qui ciblait l'audience de « Radio 1 et demi ». , a ainsi bénéficié d'une augmentation massive de sa part d'audience au détriment de Radio 1.
Après le départ de Steve Wright, qui avait été transféré sans succès de son émission de longue date de l'après-midi à l'émission du petit-déjeuner en janvier 1994, Bannister a embauché Chris Evans pour présenter le créneau principal du matin en avril 1995. Evans était un présentateur populaire mais controversé qui était finalement limogé en 1997 après avoir exigé de présenter l'émission du petit-déjeuner seulement quatre jours par semaine. Evans a été remplacé à partir du 17 février 1997 par Mark and Lard – Mark Radcliffe (avec son acolyte Marc Riley), qui ont trouvé que le style élégant et grand public requis pour une émission de petit-déjeuner ne leur venait pas naturellement. Ils ont été remplacés par Zoë Ball et Kevin Greening huit mois plus tard, en octobre 1997, Greening passant à autre chose et quittant Ball en tant que présentateur solo. La réinvention de la station s'est produite à un moment fortuit, avec l'essor de la Britpop au milieu des années 90 : des groupes comme Oasis, Blur et Pulp étaient populaires et crédibles à l'époque et la popularité de la station a augmenté avec eux. Des documentaires comme "Lost in Music" de John Peel, qui examine l'influence que la consommation de drogues a eu sur des musiciens populaires, ont été acclamés par la critique, mais ont été projetés au sein de Broadcasting House.
Plus tard, dans les années 1990, le boom de la Britpop a décliné et la pop fabriquée (boy bands et groupes destinés aux sous-adolescents) a fini par dominer les charts. La musique nouveau genre occupait les soirées (indie en semaine et dance le week-end), avec un mélange de spectacles spécialisés et de playlists jusque tard dans la nuit. La montée de la culture rave à la fin des années 1980 et au début des années 1990 a donné à la station l'opportunité de se lancer dans un mouvement controversé et orienté vers la jeunesse en faisant appel, entre autres, au DJ du club Pete Tong. Il y avait une émission de musique dance sur Radio 1 depuis 1987 et Pete Tong a été le deuxième DJ à présenter une émission entièrement de musique dance. Cela a rapidement donné naissance à l'Essential Mix où des DJ underground mélangent de la musique électronique et de la musique de club pendant deux heures. Depuis lors, la musique dance est un élément permanent de Radio 1, avec des DJ de club tels que Judge Jules, Danny Rampling et Seb Fontaine qui organisent tous des émissions, ainsi que Radio 1 organisant un week-end annuel à Ibiza.
années 2000
Le nombre d'écoutes a continué de baisser, mais la station a réussi à cibler une tranche d'âge plus jeune et davantage de groupes mixtes. Finalement, ce changement de contenu s'est traduit par une augmentation de l'audience qui se poursuit encore aujourd'hui. La station a notamment reçu des éloges pour des émissions telles que The Surgery avec Aled, Bobby Friction et Nihal, The Evening Session avec Steve Lamacq et son successeur Zane Lowe. Son site Internet a également été bien accueilli.
Cependant, l'émission du petit-déjeuner et le Top 40 britannique ont continué à connaître des difficultés. En 2000, Zoë Ball a été remplacée le matin par son amie et collègue Sara Cox, mais, malgré une forte promotion, les chiffres d'écoute de l'émission du petit-déjeuner ont continué de baisser. En 2004, Cox a été remplacé par Chris Moyles. L'émission de petit-déjeuner nouvellement rebaptisée était connue sous le nom de The Chris Moyles Show et a augmenté son audience, devant The Today Program sur Radio 4 en tant que deuxième émission de petit-déjeuner la plus populaire (après The Chris Evans Breakfast Show animé par Chris Evans). Moyles a continué à utiliser des moyens innovants pour tenter de séduire les auditeurs de l'émission « Wake up with Wogan » ; en 2006, par exemple, en créant une campagne « DITES NON À WOGAN » en direct à l'antenne. Cela a irrité la hiérarchie de la BBC, même si la querelle s'est apaisée lorsqu'il est devenu clair que la « campagne » n'avait absolument pas réussi à modifier les tendances d'écoute de l'époque – Wogan augmentait toujours ses chiffres à un rythme plus rapide que Moyles.
Les audiences de l'émission graphique ont chuté après le départ de l'animateur de longue date Mark Goodier, dans un contexte de baisse des ventes de singles au Royaume-Uni. Les audiences de l'émission ont chuté en 2002 alors que Goodier présentait encore l'émission, ce qui signifie que le Network Chart de la radio commerciale l'a dépassé pour la première fois dans les audiences. Cependant, la BBC a nié qu'il ait été limogé. L'émission de la BBC est désormais en concurrence avec l'émission The Big Top 40 Show de la radio commerciale en réseau qui est diffusée en même temps.
De nombreux DJ évincés par Bannister ou partis pendant son mandat (comme Johnnie Walker, Bob Harris et Steve Wright) ont rejoint Radio 2 qui a désormais dépassé Radio 1 en tant que station de radio la plus populaire du Royaume-Uni, en utilisant un style que Radio 1 avait jusqu'alors. le début des années 1990.
Le succès de l'émission de Moyles s'est accompagné d'un succès croissant pour la station en général. En 2006, les DJ Chris Moyles, Scott Mills et Zane Lowe ont tous remporté l'or aux Sony Radio Awards, tandis que la station elle-même a remporté le prix de la meilleure station.
Une nouvelle grille de soirée a été introduite en septembre 2006, divisant la semaine par genre. Le lundi était principalement orienté pop-funkrock, le mardi était R&B et hip-hop, les jeudis et vendredis étaient principalement orientés danse, avec des spectacles spécialisés R&B et reggae.
Après le décès de John Peel en octobre 2004, Annie Nightingale est désormais la présentatrice la plus ancienne, y travaillant depuis 1970.
années 2010
Le financement par la redevance de Radio 1, tout comme celui de Radio 2, est souvent critiqué par le secteur commercial. Au premier trimestre 2011, Radio 1 faisait partie d'une évaluation d'efficacité menée par John Myers. Son rôle, selon Andrew Harrison, directeur général de RadioCentre, était « d'identifier à la fois les domaines de meilleures pratiques et les économies possibles ».
Le contrôleur de Radio 1 et de la station sœur 1Xtra est devenu Ben Cooper le 28 octobre 2011, suite au départ d'Andy Parfitt. Ben Cooper répond au directeur de BBC Audio and Music, Tim Davie.
Le 7 décembre 2011, les premiers changements majeurs apportés à la station par Ben Cooper ont été annoncés. Skream & Benga, Toddla T, Charlie Sloth et Friction ont remplacé Judge Jules, Gilles Peterson, Kissy Sell Out et Fabio & Grooverider. Un certain nombre de spectacles ont été remaniés pour intégrer la nouvelle programmation. Le 28 février 2012, d'autres changements ont été annoncés. Greg James et Scott Mills ont échangé leurs émissions et Jameela Jamil, Gemma Cairney et Danny Howard ont rejoint la station. La nouvelle gamme de DJ pour In New DJs We Trust a également été annoncée avec B.Traits, Mosca, Jordan Suckley et Julio Bashmore animant des émissions sur une rotation de quatre semaines. Ce nouvel horaire est entré en vigueur le lundi 2 avril 2012.
En septembre 2012, Nick Grimshaw a remplacé Chris Moyles en tant qu'animateur du « Radio 1's Breakfast Show ». Grimshaw animait auparavant du lundi au jeudi de 22h à minuit, le petit-déjeuner du week-end et le dimanche soir aux côtés d'Annie Mac. Grimshaw a été remplacé par Phil Taggart et Alice Levine à l'émission de 22 heures à minuit.
En novembre 2012, une autre série de changements a été annoncée. Cela comprenait le départ de Reggie Yates et Vernon Kay. Jameela Jamil a été annoncée comme la nouvelle présentatrice de The Official Chart. Matt Edmondson animera une émission matinale le week-end et Tom Deacon reviendra pour présenter une émission le mercredi soir. Dan Howell et Phil Lester, célèbres YouTubers ont également rejoint la station. Les changements sont entrés en vigueur en janvier 2013.
L'ancienne présentatrice du petit-déjeuner Sara Cox a animé sa dernière émission sur Radio 1 en février 2014 avant de passer à Radio 2. En mars 2014, Gemma Cairney a quitté l'émission du petit-déjeuner du week-end pour animer le créneau du petit-déjeuner matinal en semaine, échangeant des émissions avec Dev.
En septembre 2014, Radio 1 a apporté une série de changements à sa production qui ont vu de nombreux présentateurs notables quitter la station, notamment Edith Bowman, Nihal et Rob da Bank. Huw Stephens a gagné une nouvelle émission animée de 22h à 1h du lundi au mercredi avec Alice Levine présentant le week-end de 13h à 16h. La résidence de Radio 1 s'est également élargie avec Skream rejoignant la programmation en rotation le jeudi soir de 22h à 1h du matin.
En janvier 2015, Clara Amfo a remplacé Jameela Jamil en tant qu'animatrice de The Official Chart le dimanche (16h-19h) et en mars, Zane Lowe a quitté Radio 1 et a été remplacée par Annie Mac dans la nouvelle émission musicale du soir.
En mai 2015, Fearne Cotton a quitté la station après près de 10 ans. Son émission matinale en semaine a été reprise par Clara Amfo. Adele Roberts a également rejoint la programmation en semaine, animant l'émission Early Breakfast.
En juillet 2015, The Official Chart a été déplacé vers un vendredi de 16h à 17h45, animé par Greg James. Cette décision a été prise afin de prendre en compte les changements apportés aux dates de sortie de la musique dans le monde. Cel Spellman a rejoint Radio 1 pour animer les dimanches soirs de 16h à 19h.
Diffuser
Ateliers
Depuis sa création pendant plus de 20 ans, Radio 1 diffusait à partir d'une paire adjacente de suites de continuité (à l'origine Con A et Con B) dans la salle de contrôle principale de Broadcasting House. Ces inconvénients ont été configurés pour permettre aux DJ de faire fonctionner l'équipement eux-mêmes et de lire leurs propres disques et cartouches de jingle (appelés self-op). Il s'agissait d'une rupture avec la pratique traditionnelle de la BBC, où un directeur de studio jouait des disques depuis la cabine de contrôle du studio. En raison des restrictions de temps de diffusion, une grande partie de la musique était diffusée à partir de bandes d'enregistrements de sessions de la BBC. Les DJ étaient assistés par un ou plusieurs opérateurs techniques (TO) qui installaient les bandes et contrôlaient les niveaux sonores pendant les émissions.
En 1985, Radio 1 a traversé la route de Broadcasting House à Egton House. La station a déménagé à Yalding House en 1996 et Egton House a été démolie en 2003 pour faire place à une extension de Broadcasting House. Cette extension sera finalement rebaptisée Egton Wing, puis Peel Wing.
Jusqu'à récemment, les studios étaient situés au sous-sol de Yalding House (près de la BBC Broadcasting House), sur Great Portland Street, au centre de Londres. Ils diffusaient depuis deux studios principaux au sous-sol ; Y2 et Y3 (il existe également un studio plus petit, YP1, utilisé principalement pour la production). Ces deux studios principaux (Y2 et Y3) sont séparés par le « Live Lounge », bien que celui-ci soit principalement utilisé comme bureau ; il y a rarement des sets live enregistrés à partir de celui-ci, car Maida Vale Studios est plutôt utilisé pour des configurations plus grandes. Les studios sont reliés par des webcams et des fenêtres via le « Live Lounge », permettant aux DJ de se voir lors des changements de spectacle. Y2 est le studio à partir duquel The Chris Moyles Show a été diffusé et est également le studio équipé de caméras statiques lorsque la station diffuse sur la "Live Cam". La station y a déménagé en 1996 depuis Egton House.
En décembre 2012, Radio 1 a déménagé de Yalding House vers de nouveaux studios au 8ème étage de la nouvelle BBC Broadcasting House, Portland Place, à quelques mètres de la « Peel Wing », anciennement « Egton Wing », qui occupe le terrain sur qu'Egton House abritait auparavant : elle a été rebaptisée « Peel Wing » en 2012 en l'honneur du présentateur de longue date de BBC Radio 1, John Peel, qui a diffusé sur la station depuis son lancement en 1967 jusqu'à sa mort en 2004.
Des programmes ont également été régulièrement diffusés depuis d'autres régions, notamment The Mark and Lard Show, diffusé tous les jours de la semaine depuis New Broadcasting House, Oxford Road, Manchester pendant plus d'une décennie (octobre 1993 à mars 2004) - la plus longue diffusion régulière sur le réseau depuis l'extérieur. la capitale.
Fréquences analogiques britanniques
Radio 1 diffusait à l'origine sur ondes moyennes 1 214 kHz (soit 247 mètres). Le 23 novembre 1978, cette dernière a été déplacée vers 1 053/1 089 kHz (275/285 m), mais n'a diffusé à l'échelle nationale sur ses propres fréquences FM qu'à la fin de 1987. La BBC s'est vu attribuer trois gammes de fréquences FM en 1955, pour le Light de l'époque. Programme (maintenant BBC Radio 2), Troisième programme (maintenant BBC Radio 3) et Home Service (maintenant BBC Radio 4). Cela signifiait que lors du lancement de Radio 1, aucune gamme de fréquences FM n'était attribuée à la station, la raison officielle étant qu'il n'y avait pas d'espace même si aucune station commerciale n'avait encore été lancée sur la FM. Pour cette raison, depuis son lancement jusqu'à la fin des années 1980, Radio 1 a été autorisée à reprendre les émetteurs FM de Radio 2 pendant quelques heures par semaine – le samedi après-midi, le dimanche à l'heure du thé et le soir – notamment pour le Top 40 Singles Chart le dimanche après-midi – De 22h00 à minuit les soirs de semaine, y compris Sounds of the Seventies jusqu'en 1975, puis le spectacle John Peel (du lundi au jeudi) et le Friday Rock Show. Ainsi que la plupart des après-midi de jours fériés, lorsque Radio 2 diffusait une édition des jours fériés de Sport on 2. Pour coïncider avec le 20e anniversaire de Radio 1, la première émission FM à plein temps a été diffusée dans la région de Londres le 31 octobre 1987, mais ce fut à faible puissance sur 104,8 MHz FM.
En 1988, les fréquences FM sont devenues nationales lorsque l'allocation existante des communications de la police a changé, libérant ce que l'on appelle aujourd'hui 97-99 FM, acquis par la BBC. Ce système a été déployé le 1er septembre 1988, en commençant par les régions du centre de l'Écosse, des Midlands et du nord de l'Angleterre. Le programme d'ingénierie a été initialement achevé en 1995. Radio 1 a fait de grands efforts pour promouvoir son nouveau service FM, se renommant d'abord à l'antenne « Radio 1 FM », puis plus tard « 1FM » jusqu'en 1995.
Le gouvernement conservateur a décidé que pour accroître la concurrence sur la bande AM, il interdirait la diffusion simultanée des services disponibles sur la bande AM et la bande FM, ce qui affecterait à la fois la BBC et l'ILR. Par conséquent, les anciennes fréquences d'ondes moyennes de Radio 1 ont été réattribuées à Talk Radio UK en 1994 (maintenant Talksport). La dernière émission de Radio 1 sur MW a eu lieu le 1er juillet de la même année, "Kiss Me" de Stephen Duffy étant le dernier disque diffusé sur MW juste avant 9h00. Dans les premiers mois qui ont suivi cette fermeture, un message préenregistré avec Mark Goodier a été diffusé pour avertir les auditeurs que Radio 1 était désormais une station « uniquement FM ». Pendant ce temps, Radio 1 a commencé à diffuser sur des sous-porteuses audio de rechange sur le service satellite analogique de Sky Television, d'abord en mono (sur UK Gold) et plus tard en stéréo (sur UK Living).
Distribution numérique
La BBC a lancé ses stations de radio nationales sur la radio numérique DAB en 1995, mais la technologie était coûteuse à l'époque et n'a donc pas été commercialisée, mais utilisée plutôt comme test pour les technologies futures. Le DAB a été « officiellement » lancé en 2002 alors que les appareils devenaient moins chers. Aujourd'hui, il peut également être entendu sur les services de télévision numérique britanniques Freeview, Virgin Media, Sky et Internet ainsi que sur FM. En juillet 2005, Sirius Satellite Radio a commencé à diffuser simultanément Radio 1 à travers les États-Unis en tant que canal 11 sur son propre service et canal 6011 sur la télévision par satellite Dish Network. Sirius Canada a commencé à diffuser simultanément Radio 1 lors de son lancement le 1er décembre 2005 (également sur le canal 11). Les diffusions simultanées de Sirius ont été décalées de cinq heures pour permettre aux auditeurs américains et canadiens du fuseau horaire de l'Est d'entendre Radio 1 à la même heure de la journée que les auditeurs britanniques. Le 12 novembre 2008, Radio 1 a fait ses débuts sur XM Satellite Radio aux États-Unis et au Canada sur le canal 29, passant à XM 15 et Sirius 15 le 4 mai 2011. Jusqu'à ce que la station complète soit supprimée en août 2011, Radio 1 a pu être entendu par environ 20,6 millions d'auditeurs en Amérique du Nord uniquement sur la radio par satellite.
BBC Radio 1 peut être écoutée sur le câble aux Pays-Bas à 105,10 FM.
Annulation de SiriusXM en Amérique du Nord
Le 9 août 2011, à minuit, Sirius XM a cessé de diffuser les programmes de BBC Radio 1 sans avertissement préalable. Le 10 août 2011, la BBC a publié la déclaration suivante :
Depuis 2005, la branche commerciale de la BBC, BBC Worldwide, est en partenariat avec SIRIUS Satellite Radio pour diffuser Radio 1 sur son réseau principal. Cet accord a malheureusement pris fin et BBC Worldwide est actuellement en pourparlers avec la station de radio par satellite pour trouver des moyens continuer à proposer la chaîne musicale populaire BBC Radio 1 au public américain. Nous vous tiendrons au courant.
Des milliers de clients Sirius XM en colère ont lancé une campagne sur Facebook et d'autres médias sociaux pour rétablir BBC Radio 1 sur Sirius XM Radio. Une semaine plus tard, Sirius et la BBC ont convenu d'un nouvel accord de distribution selon lequel Radio 1 diffusait en différé sur la plateforme de radio Internet Sirius XM uniquement, sur le canal 815. La chaîne n'est toujours pas disponible sur la plateforme satellite du service. .
À partir du 15 janvier 2012, The Official Chart Show a commencé à diffuser sur SiriusXM 20on20 canal 3, à 16 h et 21 h, heure normale de l'Est.
Le 19 août 2014, SiriusXM a de nouveau arrêté de diffuser la programmation de BBC Radio 1 sans préavis. Le flux n'est plus disponible sur la plateforme Radio Internet.
Régionalisation
De 1999 à 2012, Radio 1 a divisé les pays d'origine pour des programmes localisés en Écosse, au Pays de Galles et en Irlande du Nord, afin de permettre la diffusion d'un programme de vitrine pour les talents régionaux. Plus récemment, ces émissions étaient sous la marque BBC Introducing. L'Écosse, le Pays de Galles et l'Irlande du Nord avaient leurs propres émissions, diffusées à tour de rôle toutes les trois semaines en Angleterre.
De janvier 2011 à juin 2012, le spectacle écossais a été présenté par Ally McCrae. Auparavant, il était animé par Vic Galloway (qui présente également pour BBC Radio Scotland) ; qui présentait l'émission en solo depuis 2004, après le départ de son co-animateur d'origine, Gill Mills.
L'émission du Pays de Galles a été animée par Jen Long entre janvier 2011 et mai 2012. Auparavant, Bethan Elfyn occupait le créneau, qui avait déjà animé aux côtés de Huw Stephens, jusqu'à ce que Stephens parte pour rejoindre le réseau national (Stephens diffuse toujours une émission pour la région du Pays de Galles, une émission musicale en gallois sur BBC Radio Cymru, un lundi soir entre 19h et 22h.)
Phil Taggart a présenté le programme nord-irlandais entre novembre 2011 et mai 2012. L'émission était auparavant présentée par Rory McConnell. Avant de rejoindre le réseau national, Colin Murray était présentateur de la session en Irlande du Nord, aux côtés de Donna Legge ; après la promotion de Murray au réseau, Legge a hébergé seul pendant un certain temps, et à son départ, McConnell a pris sa place.
Les opt-outs régionaux s'effectuaient à l'origine de 20h00 à 22h00 le jeudi (créneau horaire de la session du soir) et étaient connus sous le nom de Session in the Nations (l'étiquette « Session » a ensuite été abandonnée en raison de la disparition de la séance du soir); ils ont ensuite été diffusés de 19h30 à 21h00, la première demi-heure du programme de Zane Lowe étant diffusée dans tout le Royaume-Uni. Le 18 octobre 2007, les programmes régionaux ont été déplacés vers un créneau du mercredi soir/jeudi matin de minuit à 2 h 00 sous la bannière BBC Introducing, permettant à l'émission du jeudi de Lowe d'être diffusée sur tout le réseau ; avant ce changement, Huw Stephens avait présenté l'émission du mercredi minuit à l'échelle nationale. En janvier 2011, BBC Introducing a été déplacée vers le nouveau créneau horaire de 00h00 à 02h00 le lundi matin, et les émissions écossaises et galloises ont reçu de nouveaux présentateurs sous la forme d'Ally McCrae et Jen Long.
Les désinscriptions n'étaient disponibles que pour les auditeurs des fréquences FM. En raison du mode de diffusion des services DAB et TV numérique de Radio 1 (un réseau monofréquence sur DAB et un flux de diffusion unique de Radio 1 sur les plateformes TV), la version numérique de la station n'a pas été régionalisée.
Le BBC Trust a annoncé en mai 2012 que les programmes musicaux régionaux de Radio 1 seraient remplacés par un programme unique offrant une plate-forme à l'échelle du Royaume-Uni pour la nouvelle musique dans le cadre d'une série de mesures de réduction des coûts à l'échelle de la BBC. En juin 2012, les émissions régionales ont pris fin et ont été remplacées par une seule émission de présentation de la BBC présentée par Jen Long et Ally McCrae.
Contenu
Musique
En raison de sa nature axée sur la jeunesse, Radio 1 diffuse un mélange de chansons actuelles, notamment indépendantes/alternatives, rap, hip hop, rock, house, electronica, dance, drum and bass, dubstep et pop.
En raison des restrictions sur la quantité de musique commerciale pouvant être diffusée à la radio au Royaume-Uni jusqu'en 1988 (la limitation du « temps d'antenne »), la station a enregistré de nombreuses performances en direct. Des sessions en studio (enregistrements d'environ quatre morceaux réalisés en une seule journée) ont également complété le contenu musical live, beaucoup d'entre elles se retrouvant sur des LP et des CD disponibles dans le commerce. Les sessions enregistrées pour le programme de fin de soirée de John Peel sont particulièrement réputées.
La station diffuse également des documentaires et des interviews. Bien que ce type de programmation soit né d'une nécessité, il a donné de la diversité à la station. Les restrictions de temps d'antenne signifiaient que la station avait tendance à avoir un niveau de parole plus élevé de la part des DJ. Alors que la station est souvent critiquée pour ses « tergiversations » de la part des présentateurs, une « journée plus musicale » expérimentale en 1988 a été déclarée un échec après qu'un tiers seulement des appelants l'aient favorisée.
Actualités et actualités
Radio 1 a une obligation de service public de diffusion d'informations, qu'elle remplit à travers des bulletins Newsbeat tout au long de la journée. Partagés avec 1Xtra, de courts résumés d'actualités sont fournis environ toutes les demi-heures pendant la journée, avec deux bulletins de 15 minutes à 12h45 et 17h45 en semaine. Le présentateur principal est Chris Smith, avec Tina Daheley présentant pendant les heures de petit-déjeuner de Radio 1.
Visualisation en ligne et médias sociaux
Ces dernières années, Radio 1 a cherché à inclure davantage de son contenu en ligne afin de s'adapter à la nature changeante de son audience. Sa chaîne YouTube compte désormais plus d'un million d'abonnés et de nombreux reportages et événements sont diffusés à la fois sur celle-ci et sur le site Web de Radio 1.
La station est également très présente sur les réseaux sociaux, les interactions du public se produisant désormais principalement via Facebook et Twitter ainsi que par messagerie texte.
Il a été annoncé en 2013 que Radio 1 avait proposé de lancer sa propre chaîne vidéo dédiée sur BBC iPlayer, où les vidéos de performances en direct ainsi que certaines fonctionnalités et émissions seraient diffusées dans un emplacement central. Les plans ont été approuvés par le BBC Trust en novembre 2014 et la chaîne a été lancée le 10 novembre 2014.
Contrôleurs
Présentateurs
BBC Radio 1 exploite un système qui sépare tous les DJ entre les DJ de « jour » et de « nuit ».
* Les DJ 'Day' jouent de la musique généralement orientée autour de la Playlist Radio 1
* Les DJ de « nuit » jouent une « nouvelle musique » plus éclectique et spécialisée.
Jour
Jours de la semaine
* Adèle Roberts : 04h00-06h30
* Nick Grimshaw (The Radio 1 Breakfast Show) : de 6h30 à 10h00
*Clara Amfo : 10h00-12h45
* Newsbeat : 12h45-13h00
*Scott Mills : 13h00-16h00
* Greg James (Drivetime Show de Radio 1) : 16h00-19h00
**(Y compris la mise à jour des cartes officielles : lundi : 17 h 30-17 h 45)
**Newsbeat : 17h45-18h00
** Hymnes de danse de BBC Radio 1 avec Greg James : vendredi de 18h00 à 19h00
**Le classement officiel avec Greg James : vendredi de 16h00 à 17h45
Fins de semaine
* Développement : 06h00-10h00
*Matt Edmondson : 10h00-13h00
* Alice Levine : 13h00-16h00
* Hymnes de danse de BBC Radio 1 avec Danny Howard : samedi de 16h00 à 19h00
* Cel Spellman : dimanche de 16h00 à 19h00
La nuit
* Annie Mac : du lundi au jeudi de 19h00 à 21h00
* Playlists de Radio 1... : lundi de 21h00 à 22h00
* Radio 1 et Radio 1Xtra Stories : mardi de 21h00 à 22h00
* Gemma Cairney et Dr Radha Modgil (La Chirurgie) : mercredi de 21h00 à 22h00
* Playlists de Radio 1... : jeudi de 21h00 à 22h00
* Huw Stephens : du lundi au mercredi de 22h00 à 01h00
* Résidence de Radio 1 : jeudi de 22h00 à 01h00
* Monki : lundi de 01h00 à 04h00
* Friction : mardi de 01h00 à 04h00
* Annie Nightingale : mercredi de 01h00 à 04h00
* Benji B : jeudi de 01h00 à 04h00
* Toddla T : vendredi de 01h00 à 04h00
Le vendredi soir, 11 heures de musique de danse
*Annie Mac : 19h00-22h00
* Pete Tong : 22h00-01h00
* B.Traits : 01h00 à 04h00
* Mélange essentiel : de 04h00 à 06h00
Les samedis soirs comprennent 11 heures de musique urbaine 1Xtra Takeover qui, depuis octobre 2009, est entièrement diffusée simultanément sur BBC Radio 1Xtra.
* MistaJam : 19h00-22h00
* Charlie Sloth : 22h00-01h00
* Cible DJ : 01h00-04h00
* Diplo et ses amis : de 04h00 à 06h00
dimanche soir
* Daniel P. Carter (spectacle de rock) : 19h00-22h00
* Phil Taggart : 22h00-01h00
Programmation notable
Petit-déjeuner
Le spectacle du petit-déjeuner a été présenté par de nombreux noms célèbres au fil des ans. Actuellement, ce créneau est diffusé entre 6h30 et 10h00, du lundi au vendredi et est animé par Nick Grimshaw.
Afficher le graphique
L'émission de BBC Radio 1 avait diffusé le UK Singles Chart exclusivement le dimanche après-midi depuis le début du programme ; mais cela a été déplacé le vendredi en juillet 2015. Diffusant actuellement de 16h00 à 17h45, le format, la durée et l'heure de début ont varié au fil des ans. Pendant de nombreuses années, la série s'est targuée de jouer les 40 singles dans le top 40, mais cette pratique a pris fin lorsque Wes Butters a pris la relève en tant que présentateur en 2003 ; alors seules les pistes inférieures au numéro 20 à lire étaient les nouvelles entrées. L'émission a pris son format actuel le 10 juillet 2015, présentée par Greg James dans son créneau horaire habituel. Les numéros 40 à 26 sont rapidement survolés puis les 25 premiers sont joués dans leur intégralité.
Programmation spéciale
Programmation des jours fériés
Radio 1 propose une programmation alternative certains jours fériés. Les programmes comprenaient « The 10 Hour Takeover », une émission spéciale basée sur une demande, dans laquelle les DJ à l'antenne encourageaient les auditeurs à sélectionner n'importe quel morceau disponible à jouer, « One Hit Wonder Day » et « The Chart Of The Decade » où les 150 les singles les plus vendus au cours des 10 dernières années ont été comptés à rebours et joués en intégralité.
40ème anniversaire
Le dimanche 30 septembre 2007, Radio 1 a fêté ses 40 ans. Pour marquer cet anniversaire, Radio 1 a animé une semaine de reportages spéciaux, dont :
* Spectacles spéciaux animés par des légendes de la musique à 21h00 chaque jour de la semaine.
* Entre 9h00 et 10h00 sur le show de Chris Moyles, la meilleure musique des 40 dernières années (une recréation de Golden Hour de Simon Bates).
* Lecture des anciens jingles de Radio 1, créés par JAM Creative Productions.
* 40 artistes différents ont interprété 40 reprises différentes, une par année depuis la création de Radio 1. Les 40 chansons ont été jouées dans les semaines précédant la sortie de l'album de compilation Radio 1 establishment 1967.
* Le jour de l'anniversaire, Chris Moyles a été rejoint dans un petit-déjeuner spécial par Tony Blackburn.
* Vernon Kay a interviewé d'anciens présentateurs du Breakfast Show, dont Noel Edmonds, Dave Lee Travis et Mike Smith.
* Sara Cox et Zoë Ball, anciennes animatrices du Breakfast Show, se sont associées pour présenter un spectacle anniversaire le dimanche.
* Les anciens lecteurs de nouvelles, dont Peter Bowes, Richard Evans et Rod McKenzie, sont revenus présenter les bulletins.
Charité
Radio 1 soutient régulièrement les associations caritatives Comic Relief, Sport Relief et Children in Need.
Le 18 mars 2011, Chris Moyles, le DJ du petit-déjeuner le plus ancien de la BBC Radio 1, et son acolyte Dave Vitty ont diffusé pendant 52 heures dans le cadre d'une tentative de record du monde Guinness, au profit de Comic Relief. Le duo est resté à l'antenne pendant 52 heures au total, établissant un nouveau record du monde pour le « Radio DJ Endurance Marathon (Team) » après avoir déjà battu le record de 12 ans de Simon Mayo pour l'émission la plus longue de Radio 1 de 37 heures, qu'il avait établi en 1999, également pour Soulagement comique.
Les présentateurs ont commencé le 16 mars 2011 et ont quitté l'antenne à 10 h 30 le 18 mars 2011. Au cours de cette émission, Fearne Cotton a parié avec le DJ Chris Moyles que s'ils récoltaient plus de 2 000 000 £, elle apparaîtrait dans l'émission en maillot de bain. Après avoir dépassé la barre des 2 000 000 £, Cotton est apparu sur la webcam du studio dans un maillot de bain monochrome à rayures. La parution de Cotton entre 10h10 et 10h30 a provoqué le crash du site Internet de Radio 1 en raison d'un trafic important.
Au total, l'événement a permis de récolter 2 622 421 £ pour Comic Relief.
Drame
En 1981, Radio 1 diffuse une adaptation radiophonique du film space opera Star Wars. La série de 13 épisodes a été adaptée pour la radio par l'auteur Brian Daley et réalisée par John Madden, et était une coproduction entre la BBC et la chaîne américaine NPR.
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Quelle était la nationalité du compositeur Frédéric Chopin ? | polonais | [
"Frédéric François Chopin (1er mars 1810 - 17 octobre 1849), né Fryderyk Franciszek Chopin, était un compositeur polonais et pianiste virtuose de l'époque romantique qui écrivait principalement pour le piano solo. Il a acquis et maintenu une renommée mondiale en tant que musicien majeur de son époque, dont « le génie poétique reposait sur une technique professionnelle sans égal dans sa génération ». Chopin est né dans ce qui était alors le duché de Varsovie et a grandi à Varsovie, qui est devenue en 1815 une partie du Congrès polonais. Enfant prodige, il complète son éducation musicale et compose ses premières œuvres à Varsovie avant de quitter la Pologne à l'âge de 20 ans, moins d'un mois avant le déclenchement de l'insurrection de novembre 1830.",
"Toutes les compositions de Chopin incluent le piano. La plupart sont pour piano seul, bien qu'il ait également écrit deux concertos pour piano, quelques pièces de chambre et quelques chansons sur des paroles polonaises. Son style de clavier est très individuel et souvent techniquement exigeant ; ses propres performances étaient remarquées pour leur nuance et leur sensibilité. Chopin a inventé le concept de ballade instrumentale. Ses œuvres majeures pour piano comprennent également des mazurkas, des valses, des nocturnes, des polonaises, des études, des impromptus, des scherzos, des préludes et des sonates, certaines publiées seulement après sa mort. Les influences sur son style de composition incluent la musique folklorique polonaise, la tradition classique de J. S. Bach, Mozart et Schubert, la musique de tous ceux qu'il admirait, ainsi que les salons parisiens où il était un invité fréquent. Ses innovations en matière de style, de forme musicale et d'harmonie, ainsi que son association de la musique avec le nationalisme, ont eu une influence tout au long et après la période romantique tardive.",
"Fryderyk Chopin est né à Żelazowa Wola, à 46 kilomètres (46 km) à l'ouest de Varsovie, dans ce qui était alors le duché de Varsovie, un État polonais établi par Napoléon. L'acte de baptême paroissial donne son anniversaire au 22 février 1810 et cite ses prénoms sous la forme latine Fridericus Franciscus (en polonais, il était Fryderyk Franciszek). Cependant, le compositeur et sa famille ont utilisé la date de naissance du 1er mars, qui est désormais généralement acceptée comme la date correcte.",
"Le père de Fryderyk, Nicolas Chopin, était un Français lorrain qui avait émigré en Pologne en 1787 à l'âge de seize ans. Nicolas fut le tuteur des enfants de l'aristocratie polonaise et épousa en 1806 Justyna Krzyżanowska, une parente pauvre des Skarbek, l'une des familles pour lesquelles il travaillait. Fryderyk fut baptisé le dimanche de Pâques, le 23 avril 1810, dans la même église où ses parents s'étaient mariés, à Brochów. Son parrain de dix-huit ans, qui lui a donné son nom, était Fryderyk Skarbek, élève de Nicolas Chopin. Fryderyk était le deuxième enfant et fils unique du couple; il avait une sœur aînée, Ludwika (1807-1855), et deux sœurs cadettes, Izabela (1811-1881) et Emilia (1812-1827). Nicolas était dévoué à sa patrie d'adoption et insistait sur l'usage de la langue polonaise à la maison.",
"Fryderyk a peut-être reçu des cours de piano de sa mère, mais son premier professeur de musique professionnel, de 1816 à 1821, fut le pianiste tchèque Wojciech Żywny. Sa sœur aînée Ludwika prend également des cours auprès de Żywny et joue occasionnellement en duo avec son frère. Il est vite apparu qu’il était un enfant prodige. À l'âge de sept ans, Fryderyk commençait à donner des concerts publics et, en 1817, il composa deux polonaises, en sol mineur et en si bémol majeur. Son œuvre suivante, une polonaise en la bémol majeur de 1821, dédiée à Żywny, est son premier manuscrit musical survivant.",
"Entre 1824 et 1828, Chopin passa ses vacances loin de Varsovie, dans plusieurs localités. En 1824 et 1825, à Szafarnia, il fut l'hôte de Dominik Dziewanowski, père d'un camarade de classe. C'est ici qu'il découvre pour la première fois la musique folklorique rurale polonaise. Ses lettres de Szafarnia (auxquelles il donna le titre \"Le Courrier de Szafarnia\"), écrites dans un polonais très moderne et vivant, amusèrent sa famille en usurpant les journaux de Varsovie et démontrèrent le don littéraire du jeune.",
"Chopin arriva à Paris fin septembre 1831 ; il ne reviendra jamais en Pologne, devenant ainsi l'un des nombreux expatriés de la Grande Émigration polonaise. En France, il a utilisé les versions françaises de ses prénoms et, après avoir obtenu la nationalité française en 1835, il a voyagé avec un passeport français. Cependant, Chopin resta proche de ses compatriotes polonais en exil en tant qu'amis et confidents et il ne se sentit jamais vraiment à l'aise pour parler français. Le biographe de Chopin, Adam Zamoyski, écrit qu'il ne s'est jamais considéré comme français, malgré les origines françaises de son père, et qu'il s'est toujours considéré comme un Polonais.",
"À Paris, Chopin a rencontré des artistes et d'autres personnalités distinguées et a trouvé de nombreuses occasions d'exercer ses talents et de devenir célèbre. Au cours de ses années à Paris, il fera la connaissance, entre autres, d'Hector Berlioz, Franz Liszt, Ferdinand Hiller, Heinrich Heine, Eugène Delacroix et Alfred de Vigny. Chopin connaissait également le poète Adam Mickiewicz, directeur de la Société littéraire polonaise, dont il a mis certains vers en chansons.",
"Deux amis polonais à Paris joueront également un rôle important dans la vie de Chopin. Son camarade du Conservatoire de Varsovie, Julian Fontana, avait initialement tenté, sans succès, de s'établir en Angleterre ; Albert Grzymała, devenu à Paris un riche financier et une figure de la société, a souvent agi comme conseiller de Chopin et « a progressivement commencé à remplir le rôle de frère aîné dans [sa] vie ». Fontana allait devenir, selon les mots de Michałowski et Samson, le « factotum général et copiste » de Chopin.",
"Les deux hommes se lient d'amitié et vivent pendant de nombreuses années à proximité à Paris, Chopin au 38 rue de la Chaussée-d'Antin et Liszt à l'Hôtel de France, rue Lafitte, à quelques pâtés de maisons. Ils se produisirent ensemble à sept reprises entre 1833 et 1841. La première, le 2 avril 1833, eut lieu lors d'un concert-bénéfice organisé par Hector Berlioz pour son épouse, l'actrice shakespearienne en faillite, Harriet Smithson, au cours duquel ils jouèrent la Sonate en fa mineur de George Onslow pour duo avec piano. . Les apparitions conjointes ultérieures comprenaient un concert-bénéfice pour l'Association caritative des dames polonaises à Paris. Leur dernière apparition publique ensemble fut lors d'un concert de charité dirigé pour le Mémorial Beethoven de Bonn, tenu à la salle Pleyel et au Conservatoire de Paris les 25 et 26 avril 1841.",
"En 1836, lors d'une soirée organisée par Marie d'Agoult, Chopin rencontre l'auteur français George Sand (née [Amantine] Aurore [Lucile] Dupin). Petite (moins de 1,50 m), brune, aux grands yeux et fumeuse de cigares, elle repoussa d'abord Chopin, qui remarqua : « Quelle personne peu attrayante est la Sand. Est-elle vraiment une femme ? Cependant, au début de 1837, la mère de Maria Wodzińska avait clairement fait savoir à Chopin dans une correspondance qu'il était peu probable qu'un mariage avec sa fille ait lieu. On pense qu'elle a été influencée par sa mauvaise santé et peut-être aussi par des rumeurs sur ses associations avec des femmes telles que d'Agoult et Sand. Chopin a finalement placé les lettres de Maria et de sa mère dans un paquet sur lequel il a écrit, en polonais, « Ma tragédie ». Sand, dans une lettre à Grzymała de juin 1838, admettait de forts sentiments pour le compositeur et débattait de l'opportunité d'abandonner une affaire en cours pour entamer une relation avec Chopin ; elle a demandé à Grzymała d'évaluer la relation de Chopin avec Maria Wodzińska, sans se rendre compte que l'affaire, du moins du côté de Maria, était terminée.",
"À la fin de l'été, il fut invité par Jane Stirling à visiter l'Écosse, où il séjourna à Calder House près d'Édimbourg et au château de Johnstone dans le Renfrewshire, tous deux appartenant à des membres de la famille de Stirling. Elle avait clairement l'idée d'aller au-delà de la simple amitié, et Chopin fut obligé de lui faire comprendre qu'il ne pouvait en être ainsi. Il écrivit à cette époque à Grzymała \"Mes dames écossaises sont gentilles, mais tellement ennuyeuses\", et répondant à une rumeur sur son implication, répondit qu'il était \"plus près de la tombe que du lit nuptial\". Il a donné un concert public à Glasgow le 27 septembre, et un autre à Édimbourg, aux Hopetoun Rooms sur Queen Street (aujourd'hui Erskine House) le 4 octobre. Fin octobre 1848, alors qu'il séjournait au 10 Warriston Crescent à Édimbourg avec le médecin polonais Adam Łyszczyński, il rédigea son dernier testament - « une sorte de disposition à prendre de mes affaires à l'avenir, si je devais mourir quelque part ». \", écrit-il à Grzymała.",
"Chopin fit sa dernière apparition publique sur une scène de concert au Guildhall de Londres le 16 novembre 1848, lorsque, dans un dernier geste patriotique, il joua au profit des réfugiés polonais. À cette époque, il était très gravement malade, pesant moins de 99 livres (soit moins de 45 kg), et ses médecins savaient que sa maladie était en phase terminale."
] | Frédéric François Chopin (1er mars 1810 - 17 octobre 1849), né Fryderyk Franciszek Chopin, était un compositeur polonais et pianiste virtuose de l'époque romantique qui écrivait principalement pour le piano solo. Il a acquis et maintenu une renommée mondiale en tant que musicien majeur de son époque, dont « le génie poétique reposait sur une technique professionnelle sans égal dans sa génération ». Chopin est né dans ce qui était alors le duché de Varsovie et a grandi à Varsovie, qui est devenue en 1815 une partie du Congrès polonais. Enfant prodige, il complète son éducation musicale et compose ses premières œuvres à Varsovie avant de quitter la Pologne à l'âge de 20 ans, moins d'un mois avant le déclenchement de l'insurrection de novembre 1830.
A 21 ans, il s'installe à Paris. Par la suite, au cours des 18 dernières années de sa vie, il ne donnera qu'une trentaine de représentations publiques, préférant l'atmosphère plus intimiste du salon. Il subvenait à ses besoins en vendant ses compositions et en enseignant le piano, pour lequel il était très demandé. Chopin s'est lié d'amitié avec Franz Liszt et a été admiré par nombre de ses contemporains musiciens, dont Robert Schumann. En 1835, il obtient la nationalité française. Après l'échec de ses fiançailles avec Maria Wodzińska, il entretint de 1837 à 1847 une relation souvent difficile avec l'écrivain français George Sand. Une brève et malheureuse visite à Majorque avec Sand en 1838-1839 fut l'une de ses périodes de composition les plus productives. Au cours de ses dernières années, il fut soutenu financièrement par son admiratrice Jane Stirling, qui lui fit également visiter l'Écosse en 1848. Pendant la majeure partie de sa vie, Chopin souffrit d'une mauvaise santé. Il meurt à Paris en 1849, à l'âge de 39 ans, probablement de tuberculose.
Toutes les compositions de Chopin incluent le piano. La plupart sont pour piano seul, bien qu'il ait également écrit deux concertos pour piano, quelques pièces de chambre et quelques chansons sur des paroles polonaises. Son style de clavier est très individuel et souvent techniquement exigeant ; ses propres performances étaient remarquées pour leur nuance et leur sensibilité. Chopin a inventé le concept de ballade instrumentale. Ses œuvres majeures pour piano comprennent également des mazurkas, des valses, des nocturnes, des polonaises, des études, des impromptus, des scherzos, des préludes et des sonates, certaines publiées seulement après sa mort. Les influences sur son style de composition incluent la musique folklorique polonaise, la tradition classique de J. S. Bach, Mozart et Schubert, la musique de tous ceux qu'il admirait, ainsi que les salons parisiens où il était un invité fréquent. Ses innovations en matière de style, de forme musicale et d'harmonie, ainsi que son association de la musique avec le nationalisme, ont eu une influence tout au long et après la période romantique tardive.
La musique de Chopin, son statut de l'une des premières superstars de la musique, son association (même indirecte) avec l'insurrection politique, sa vie amoureuse et sa mort prématurée ont fait de lui un symbole majeur de l'ère romantique dans la conscience publique. Ses œuvres restent populaires et il a fait l’objet de nombreux films et biographies plus ou moins fidèles à l’histoire.
Vie
Enfance
Fryderyk Chopin est né à Żelazowa Wola, à 46 kilomètres (46 km) à l'ouest de Varsovie, dans ce qui était alors le duché de Varsovie, un État polonais établi par Napoléon. L'acte de baptême paroissial donne son anniversaire au 22 février 1810 et cite ses prénoms sous la forme latine Fridericus Franciscus (en polonais, il était Fryderyk Franciszek). Cependant, le compositeur et sa famille ont utilisé la date de naissance du 1er mars, qui est désormais généralement acceptée comme la date correcte.
Le père de Fryderyk, Nicolas Chopin, était un Français lorrain qui avait émigré en Pologne en 1787 à l'âge de seize ans. Nicolas fut le tuteur des enfants de l'aristocratie polonaise et épousa en 1806 Justyna Krzyżanowska, une parente pauvre des Skarbek, l'une des familles pour lesquelles il travaillait. Fryderyk fut baptisé le dimanche de Pâques, le 23 avril 1810, dans la même église où ses parents s'étaient mariés, à Brochów. Son parrain de dix-huit ans, qui lui a donné son nom, était Fryderyk Skarbek, élève de Nicolas Chopin. Fryderyk était le deuxième enfant et fils unique du couple; il avait une sœur aînée, Ludwika (1807-1855), et deux sœurs cadettes, Izabela (1811-1881) et Emilia (1812-1827). Nicolas était dévoué à sa patrie d'adoption et insistait sur l'usage de la langue polonaise à la maison.
En octobre 1810, six mois après la naissance de Fryderyk, la famille s'installe à Varsovie, où son père acquiert un poste d'enseignant de français au lycée de Varsovie, alors hébergé au palais saxon. Fryderyk vivait avec sa famille dans le parc du palais. Le père jouait de la flûte et du violon ; la mère jouait du piano et donnait des cours aux garçons dans la pension que tenaient les Chopin. Chopin était de petite taille et, même dans sa petite enfance, il était sujet aux maladies.
Fryderyk a peut-être reçu des cours de piano de sa mère, mais son premier professeur de musique professionnel, de 1816 à 1821, fut le pianiste tchèque Wojciech Żywny. Sa sœur aînée Ludwika prend également des cours auprès de Żywny et joue occasionnellement en duo avec son frère. Il est vite apparu qu’il était un enfant prodige. À l'âge de sept ans, Fryderyk commençait à donner des concerts publics et, en 1817, il composa deux polonaises, en sol mineur et en si bémol majeur. Son œuvre suivante, une polonaise en la bémol majeur de 1821, dédiée à Żywny, est son premier manuscrit musical survivant.
En 1817, le palais saxon fut réquisitionné par le gouverneur russe de Varsovie à des fins militaires et le lycée de Varsovie fut rétabli dans le palais Kazimierz (aujourd'hui rectorat de l'université de Varsovie). Fryderyk et sa famille ont déménagé dans un bâtiment, qui subsiste encore, adjacent au palais Kazimierz. Durant cette période, Fryderyk était parfois invité au palais du Belvédère comme camarade de jeu du fils du souverain de la Pologne russe, le grand-duc Constantin ; il joua du piano pour le duc et composa une marche pour lui. Julian Ursyn Niemcewicz, dans son élogue dramatique « Nasze Przebiegi » (« Nos discours », 1818), atteste de la popularité du « petit Chopin ».
Éducation
De septembre 1823 à 1826, Chopin fréquente le lycée de Varsovie, où il reçoit des cours d'orgue auprès du musicien tchèque Wilhelm Würfel au cours de sa première année. À l'automne 1826, il commença un cours de trois ans auprès du compositeur silésien Józef Elsner au Conservatoire de Varsovie, étudiant le solfège, la basse chiffrée et la composition. Durant toute cette période, il continue à composer et à donner des récitals dans des concerts et salons à Varsovie. Il fut engagé par les inventeurs d'un orgue mécanique, le "eolomelodicon", et sur cet instrument en mai 1825 il exécuta sa propre improvisation et une partie d'un concerto de Moscheles. Le succès de ce concert a conduit à une invitation à donner un récital similaire sur cet instrument devant le tsar Alexandre Ier, en visite à Varsovie ; le tsar lui offrit une bague en diamant. Lors d'un concert ultérieur d'eolomelodicon, le 10 juin 1825, Chopin interprète son Rondo op. 1. Ce fut la première de ses œuvres à être publiée commercialement et lui valut sa première mention dans la presse étrangère, lorsque le Leipzig Allgemeine Musikalische Zeitung loua sa « richesse d'idées musicales ».
Entre 1824 et 1828, Chopin passa ses vacances loin de Varsovie, dans plusieurs localités. En 1824 et 1825, à Szafarnia, il fut l'hôte de Dominik Dziewanowski, père d'un camarade de classe. C'est ici qu'il découvre pour la première fois la musique folklorique rurale polonaise. Ses lettres de Szafarnia (auxquelles il donna le titre "Le Courrier de Szafarnia"), écrites dans un polonais très moderne et vivant, amusèrent sa famille en usurpant les journaux de Varsovie et démontrèrent le don littéraire du jeune.
En 1827, peu après la mort de la sœur cadette de Chopin, Emilia, la famille quitta le bâtiment de l'Université de Varsovie, adjacent au palais Kazimierz, pour s'installer juste en face de l'université, dans l'annexe sud du palais Krasiński sur Krakowskie Przedmieście, où Chopin a vécu jusqu'à ce qu'il quitte Varsovie en 1830. Ici, ses parents ont continué à diriger leur pension pour étudiants de sexe masculin ; le salon de la famille Chopin (Salonik Chopinów) est devenu un musée au XXe siècle. En 1829, l'artiste Ambroży Mieroszewski exécuta une série de portraits des membres de la famille Chopin, dont le premier portrait connu du compositeur.
Quatre pensionnaires de l'appartement de ses parents sont devenus les intimes de Chopin : Tytus Woyciechowski, Jan Nepomucen Białobłocki, Jan Matuszyński et Julian Fontana ; ces deux derniers feront partie de son milieu parisien. Il était ami avec des membres du jeune monde artistique et intellectuel de Varsovie, dont Fontana, Józef Bohdan Zaleski et Stefan Witwicki. Il était également attiré par l'étudiante en chant Konstancja Gładkowska. Dans des lettres à Woyciechowski, il indiquait lesquelles de ses œuvres, et même lesquels de leurs passages, étaient influencées par sa fascination pour elle ; sa lettre du 15 mai 1830 révélait que le mouvement lent (Larghetto) de son Concerto pour piano n° 1 (en mi mineur) lui était secrètement dédié – « Cela devrait être comme rêver dans un beau printemps – au clair de lune. » Son rapport final du Conservatoire (juillet 1829) disait : « Chopin F., élève de troisième année, talent exceptionnel, génie musical ».
Voyage et succès national
En septembre 1828, Chopin, alors qu'il était encore étudiant, visita Berlin avec un ami de la famille, le zoologiste Feliks Jarocki, appréciant les opéras dirigés par Gaspare Spontini et assistant aux concerts de Carl Friedrich Zelter, Felix Mendelssohn et d'autres célébrités. Lors d'un voyage de retour à Berlin en 1829, il fut l'invité du prince Antoni Radziwiłł, gouverneur du Grand-Duché de Posen, lui-même compositeur accompli et violoncelliste en herbe. Pour le prince et sa fille pianiste Wanda, il compose son Introduction et sa Polonaise brillante en do majeur pour violoncelle et piano, op. 3.
De retour à Varsovie cette année-là, Chopin entendit Niccolò Paganini jouer du violon et composa un ensemble de variations, Souvenir de Paganini. C'est peut-être cette expérience qui l'a encouragé à commencer à écrire ses premières Études (1829-1832), explorant les capacités de son propre instrument. Le 11 août, trois semaines après avoir terminé ses études au Conservatoire de Varsovie, il fait ses débuts à Vienne. Il a donné deux concerts de piano et a reçu de nombreuses critiques favorables, en plus de certains commentaires (selon les propres mots de Chopin) selon lesquels il était « trop délicat pour ceux habitués au dénigrement du piano des artistes locaux ». Dans l'un de ces concerts, il a créé ses Variations sur Là ci darem la mano, op. 2 (variations sur un air de l'opéra Don Giovanni de Mozart) pour piano et orchestre. Il retourna à Varsovie en septembre 1829, où il créa son Concerto pour piano n° 2 en fa mineur, op. 21, le 17 mars 1830.
Les succès de Chopin en tant que compositeur et interprète lui ouvrent les portes de l'Europe occidentale et, le 2 novembre 1830, il part, selon les mots de Zdzisław Jachimecki, « dans le vaste monde, sans objectif très clairement défini, pour toujours ». Avec Woyciechowski, il se dirige vers l'Autriche, avec l'intention de se rendre ensuite en Italie. Plus tard ce mois-là, à Varsovie, le soulèvement de novembre 1830 éclata et Woyciechowski retourna en Pologne pour s'enrôler. Chopin, désormais seul à Vienne, était nostalgique de sa patrie et écrivit à un ami : « Je maudis le moment de mon départ ». Lorsqu'en septembre 1831 il apprend, lors d'un voyage de Vienne à Paris, que l'insurrection a été écrasée, il exprime son angoisse dans les pages de son journal intime : « Oh mon Dieu ! ... Vous êtes là, et pourtant vous ne prenez pas vengeance!" Jachimecki attribue à ces événements la maturation du compositeur « pour devenir un barde national inspiré qui a eu l'intuition du passé, du présent et de l'avenir de sa Pologne natale ».
Paris
Chopin arriva à Paris fin septembre 1831 ; il ne reviendra jamais en Pologne, devenant ainsi l'un des nombreux expatriés de la Grande Émigration polonaise. En France, il a utilisé les versions françaises de ses prénoms et, après avoir obtenu la nationalité française en 1835, il a voyagé avec un passeport français. Cependant, Chopin resta proche de ses compatriotes polonais en exil en tant qu'amis et confidents et il ne se sentit jamais vraiment à l'aise pour parler français. Le biographe de Chopin, Adam Zamoyski, écrit qu'il ne s'est jamais considéré comme français, malgré les origines françaises de son père, et qu'il s'est toujours considéré comme un Polonais.
À Paris, Chopin a rencontré des artistes et d'autres personnalités distinguées et a trouvé de nombreuses occasions d'exercer ses talents et de devenir célèbre. Au cours de ses années à Paris, il fera la connaissance, entre autres, d'Hector Berlioz, Franz Liszt, Ferdinand Hiller, Heinrich Heine, Eugène Delacroix et Alfred de Vigny. Chopin connaissait également le poète Adam Mickiewicz, directeur de la Société littéraire polonaise, dont il a mis certains vers en chansons.
Deux amis polonais à Paris joueront également un rôle important dans la vie de Chopin. Son camarade du Conservatoire de Varsovie, Julian Fontana, avait initialement tenté, sans succès, de s'établir en Angleterre ; Albert Grzymała, devenu à Paris un riche financier et une figure de la société, a souvent agi comme conseiller de Chopin et « a progressivement commencé à remplir le rôle de frère aîné dans [sa] vie ». Fontana allait devenir, selon les mots de Michałowski et Samson, le « factotum général et copiste » de Chopin.
À la fin de 1831, Chopin reçut la première approbation majeure d'un contemporain exceptionnel lorsque Robert Schumann, révisant l'op. 2 Variations dans l'Allgemeine musikalische Zeitung (son premier article publié sur la musique), déclarait : "Chapeau, messieurs ! Un génie." Le 26 février 1832, Chopin donne à la salle Pleyel un premier concert parisien qui suscite l'admiration universelle. Le critique François-Joseph Fétis écrivait dans la Revue et gazette musicale : "Voici un jeune homme qui... ne prenant aucun modèle, a trouvé, sinon un renouvellement complet de la musique pour piano, ... une abondance d'idées originales d'une un genre qu'on ne trouve nulle part ailleurs ..." Après ce concert, Chopin se rendit compte que sa technique de clavier, essentiellement intime, n'était pas optimale pour les grandes salles de concert. Plus tard cette année-là, il fut présenté à la riche famille bancaire Rothschild, dont le patronage lui ouvrit également les portes d'autres salons privés (réunions sociales de l'aristocratie et de l'élite artistique et littéraire). À la fin de 1832, Chopin s'était imposé parmi l'élite musicale parisienne et avait gagné le respect de ses pairs tels que Hiller, Liszt et Berlioz. Il ne dépend plus financièrement de son père et, à l'hiver 1832, il commence à gagner de beaux revenus en publiant ses œuvres et en enseignant le piano à des étudiants aisés de toute l'Europe. Cela l'a libéré des tensions liées aux concerts publics, qu'il n'aimait pas.
Chopin se produisait rarement en public à Paris. Plus tard, il donna généralement un seul concert annuel à la salle Pleyel, une salle pouvant accueillir trois cents personnes. Il jouait plus fréquemment dans les salons, mais préférait jouer dans son propre appartement parisien pour de petits groupes d'amis. Le musicologue Arthur Hedley a observé que « en tant que pianiste, Chopin était le seul à acquérir une réputation du plus haut niveau sur la base d'un minimum d'apparitions publiques – un peu plus de trente au cours de sa vie ». La liste des musiciens ayant participé à certains de ses concerts donne une indication de la richesse de la vie artistique parisienne de cette période. Les exemples incluent un concert du 23 mars 1833, au cours duquel Chopin, Liszt et Hiller interprétèrent (aux pianos) un concerto de J.S. Bach pour trois claviers ; et, le 3 mars 1838, un concert au cours duquel Chopin, son élève Adolphe Gutmann, Charles-Valentin Alkan et le professeur d'Alkan Joseph Zimmermann interprètent l'arrangement d'Alkan, pour huit mains, de deux mouvements de la 7e symphonie de Beethoven. Chopin a également participé à la composition de l'Hexaméron de Liszt ; il écrit la sixième (et dernière) variation sur le thème de Bellini. La musique de Chopin connut bientôt le succès auprès des éditeurs et, en 1833, il passa un contrat avec Maurice Schlesinger, qui fit en sorte qu'elle soit publiée non seulement en France mais, grâce à ses relations familiales, également en Allemagne et en Angleterre.
Au printemps 1834, Chopin assiste au Festival de musique du Bas-Rhénan à Aix-la-Chapelle avec Hiller, et c'est là que Chopin rencontre Félix Mendelssohn. Après le festival, les trois se sont rendus à Düsseldorf, où Mendelssohn avait été nommé directeur musical. Ils passèrent ce que Mendelssohn décrit comme « une journée très agréable », jouant et discutant de musique sur son piano, et rencontrèrent Friedrich Wilhelm Schadow, directeur de l'Académie des Beaux-Arts, et certains de ses éminents élèves tels que Lessing, Bendemann, Hildebrandt et Sohn. En 1835, Chopin se rend à Carlsbad, où il passe du temps avec ses parents ; c'était la dernière fois qu'il les voyait. Sur le chemin du retour à Paris, il rencontre de vieux amis de Varsovie, les Wodziński. Il avait fait la connaissance de leur fille Maria en Pologne cinq ans plus tôt, alors qu'elle avait onze ans. Cette rencontre le pousse à séjourner deux semaines à Dresde, alors qu'il avait auparavant prévu de rentrer à Paris via Leipzig. Le portrait du compositeur par la jeune fille de seize ans est considéré, avec celui de Delacroix, comme l'un des meilleurs portraits de Chopin. En octobre, il atteint finalement Leipzig, où il rencontre Schumann, Clara Wieck et Felix Mendelssohn, qui organisent pour lui une représentation de son propre oratorio Saint-Paul et qui le considèrent comme « un musicien parfait ». En juillet 1836, Chopin se rendit à Marienbad et à Dresde pour rejoindre la famille Wodziński et, en septembre, il proposa à Maria, dont la mère, la comtesse Wodzińska, approuva en principe. Chopin se rendit ensuite à Leipzig, où il présenta à Schumann sa Ballade en sol mineur. À la fin de 1836, il envoya à Maria un album dans lequel sa sœur Ludwika avait inscrit sept de ses chansons, ainsi que son Nocturne de 1835 en do dièse mineur, op. 27, n° 1. Les remerciements anodins qu'il reçut de Maria se révélèrent être la dernière lettre qu'il recevra d'elle.
Franz Liszt
Bien que l'on ne sache pas exactement quand Chopin rencontra Liszt pour la première fois après son arrivée à Paris, le 12 décembre 1831, il mentionna dans une lettre à son ami Woyciechowski que « J'ai rencontré Rossini, Cherubini, Baillot, etc., ainsi que Kalkbrenner. à quel point j'étais curieux de connaître Herz, Liszt, Hiller, etc. Liszt assiste aux débuts parisiens de Chopin le 26 février 1832 à la salle Pleyel, ce qui lui fait dire : « Les applaudissements les plus vigoureux semblaient ne pas suffire à notre enthousiasme en présence de ce musicien talentueux, qui révélait une nouvelle phase de poésie. sentiment combiné à une innovation si heureuse dans la forme de son art.
Les deux hommes se lient d'amitié et vivent pendant de nombreuses années à proximité à Paris, Chopin au 38 rue de la Chaussée-d'Antin et Liszt à l'Hôtel de France, rue Lafitte, à quelques pâtés de maisons. Ils se produisirent ensemble à sept reprises entre 1833 et 1841. La première, le 2 avril 1833, eut lieu lors d'un concert-bénéfice organisé par Hector Berlioz pour son épouse, l'actrice shakespearienne en faillite, Harriet Smithson, au cours duquel ils jouèrent la Sonate en fa mineur de George Onslow pour duo avec piano. . Les apparitions conjointes ultérieures comprenaient un concert-bénéfice pour l'Association caritative des dames polonaises à Paris. Leur dernière apparition publique ensemble fut lors d'un concert de charité dirigé pour le Mémorial Beethoven de Bonn, tenu à la salle Pleyel et au Conservatoire de Paris les 25 et 26 avril 1841.
Bien que les deux hommes aient fait preuve d'un grand respect et d'une grande admiration l'un pour l'autre, leur amitié était difficile et présentait certaines caractéristiques d'une relation amour-haine. Harold C. Schonberg estime que Chopin a fait preuve d'une « teinte de jalousie et de méchanceté » envers la virtuosité de Liszt au piano, et d'autres ont également soutenu qu'il était devenu enchanté par la théâtralité, le sens du spectacle et le succès de Liszt. Liszt était le dédicataire de l'op. 10 Études, et son interprétation de celles-ci a incité le compositeur à écrire à Hiller : « J'aimerais lui voler la façon dont il joue mes études ». Cependant, Chopin exprima son mécontentement en 1843 lorsque Liszt interpréta un de ses nocturnes avec l'ajout de nombreux embellissements complexes, au cours duquel Chopin remarqua qu'il devait jouer la musique telle qu'elle était écrite ou ne pas la jouer du tout, forçant ainsi à s'excuser. La plupart des biographes de Chopin affirment qu'après cela, les deux hommes n'eurent plus grand-chose à voir l'un avec l'autre, même si dans ses lettres datées de 1848, il l'appelait encore « mon ami Liszt ». Certains commentateurs soulignent les événements de la vie romantique des deux hommes qui ont conduit à une rupture entre eux ; Certains prétendent que Liszt avait fait preuve de jalousie face à l'obsession de sa maîtresse Marie d'Agoult pour Chopin, tandis que d'autres pensent que Chopin s'inquiétait de la relation croissante de Liszt avec George Sand.
Georges Sand
En 1836, lors d'une soirée organisée par Marie d'Agoult, Chopin rencontre l'auteur français George Sand (née [Amantine] Aurore [Lucile] Dupin). Petite (moins de 1,50 m), brune, aux grands yeux et fumeuse de cigares, elle repoussa d'abord Chopin, qui remarqua : « Quelle personne peu attrayante est la Sand. Est-elle vraiment une femme ? Cependant, au début de 1837, la mère de Maria Wodzińska avait clairement fait savoir à Chopin dans une correspondance qu'il était peu probable qu'un mariage avec sa fille ait lieu. On pense qu'elle a été influencée par sa mauvaise santé et peut-être aussi par des rumeurs sur ses associations avec des femmes telles que d'Agoult et Sand. Chopin a finalement placé les lettres de Maria et de sa mère dans un paquet sur lequel il a écrit, en polonais, « Ma tragédie ». Sand, dans une lettre à Grzymała de juin 1838, admettait de forts sentiments pour le compositeur et débattait de l'opportunité d'abandonner une affaire en cours pour entamer une relation avec Chopin ; elle a demandé à Grzymała d'évaluer la relation de Chopin avec Maria Wodzińska, sans se rendre compte que l'affaire, du moins du côté de Maria, était terminée.
En juin 1837, Chopin visita Londres incognito en compagnie du facteur de pianos Camille Pleyel où il joua lors d'une soirée musicale chez le facteur de pianos anglais James Broadwood. À son retour à Paris, sa relation avec Sand commença sérieusement et, fin juin 1838, ils étaient devenus amants. Sand, qui avait six ans de plus que le compositeur et qui avait eu une série d'amants, écrivait à cette époque : « Je dois dire que j'étais confus et étonné de l'effet que cette petite créature produisait sur moi ... Je n'ai toujours pas Je me suis remis de mon étonnement, et si j'étais un homme fier, je me sentirais humilié d'avoir été emporté ..." Tous deux passèrent un hiver misérable à Majorque (du 8 novembre 1838 au 13 février 1839), où, avec les deux enfants, ils avaient voyagé dans l'espoir d'améliorer la santé de Chopin et celle de Maurice, le fils de Sand, 15 ans, et aussi pour échapper aux menaces de l'ancien amant de Sand, Félicien Mallefille. Après avoir découvert que le couple n'était pas marié, le peuple catholique profondément traditionnel de Majorque est devenu inhospitalier, rendant difficile la recherche d'un logement. Cela a obligé le groupe à s'héberger dans une ancienne chartreuse de Valldemossa, qui offrait peu d'abri contre le froid hivernal.
Le 3 décembre, Chopin se plaint de sa mauvaise santé et de l'incompétence des médecins de Majorque : « Trois médecins m'ont rendu visite ... Le premier a dit que j'étais mort ; le deuxième a dit que j'étais en train de mourir ; et le troisième a dit que j'allais mourir. mourir." Il eut également des difficultés à se faire expédier son piano Pleyel. Il est finalement arrivé de Paris en décembre. Chopin écrit à Pleyel en janvier 1839 : « Je t'envoie mes Préludes [(Op. 28)]. Je les ai terminés sur ton petit piano, arrivé dans le meilleur état possible malgré la mer, le mauvais temps et le Palma. douane." Chopin a également pu entreprendre des travaux sur sa Ballade n°2, op. 38 ; deux Polonaises, op. 40 ; et le Scherzo n°3, op. 39.
Bien que cette période ait été productive, le mauvais temps a eu un effet si préjudiciable sur la santé de Chopin que Sand a décidé de quitter l'île. Pour éviter des droits de douane supplémentaires, Sand vendit le piano à un couple français local, les Canuts. Le groupe se rend d'abord à Barcelone, puis à Marseille, où ils restent quelques mois pendant que Chopin est en convalescence. En mai 1839, ils se rendirent pour l'été au domaine de Sand à Nohant, où ils passèrent la plupart de leurs étés jusqu'en 1846. À l'automne, ils retournèrent à Paris, où l'appartement de Chopin au 5 rue Tronchet était proche du logement loué par Sand rue Pigalle. Il rendait fréquemment visite à Sand le soir, mais tous deux conservaient une certaine indépendance. En 1842, lui et Sand s'installèrent au Square d'Orléans, vivant dans des immeubles adjacents.
Lors des funérailles du ténor Adolphe Nourrit à Paris en 1839, Chopin fit une rare apparition à l'orgue, jouant une transcription du lied Die Gestirne de Franz Schubert. Le 26 juillet 1840, Chopin et Sand assistent à la répétition générale de la Grande symphonie funèbre et triomphale de Berlioz, composée pour commémorer le dixième anniversaire de la Révolution de Juillet. Chopin n'aurait apparemment pas été impressionné par la composition.
Durant les étés à Nohant, en particulier dans les années 1839-1843, Chopin trouva des journées calmes et productives au cours desquelles il composa de nombreuses œuvres, dont sa Polonaise en la bémol majeur, op. 53. Parmi les visiteurs de Nohant figuraient Delacroix et la mezzo-soprano Pauline Viardot, que Chopin avait conseillé sur la technique pianistique et la composition. Delacroix raconte son séjour à Nohant dans une lettre du 7 juin 1842 :
Les hôtes ne pourraient pas être plus agréables à me divertir. Lorsque nous ne sommes pas tous ensemble pour dîner, déjeuner, jouer au billard ou marcher, chacun de nous reste dans sa chambre, lisant ou se prélassant sur un canapé. Parfois, par la fenêtre qui s'ouvre sur le jardin, s'élève une rafale de musique de Chopin au travail. Tout cela se mêle aux chants des rossignols et au parfum des roses.
Déclin
À partir de 1842, Chopin montre des signes de maladie grave. Après un récital solo à Paris le 21 février 1842, il écrit à Grzymała : « Je dois rester au lit toute la journée, j'ai tellement mal à la bouche et aux amygdales. Il fut contraint par la maladie de décliner une invitation écrite d'Alkan à participer à une reprise de l'arrangement de la Septième Symphonie de Beethoven chez Erard le 1er mars 1843. À la fin de 1844, Charles Hallé rendit visite à Chopin et le trouva « à peine capable de bouger, courbé comme un canif entrouvert et visiblement très souffrant", même s'il retrouva le moral lorsqu'il commença à jouer du piano pour son visiteur. La santé de Chopin continue de se détériorer, surtout à partir de cette époque. Les recherches modernes suggèrent qu'en dehors de toute autre maladie, il pourrait également avoir souffert d'épilepsie du lobe temporal.
Les relations de Chopin avec Sand se détériorent en 1846 à cause de problèmes impliquant sa fille Solange et le fiancé de Solange, le jeune sculpteur chasseur de fortune Auguste Clésinger. Le compositeur prenait fréquemment le parti de Solange dans les querelles avec sa mère ; il a également fait face à la jalousie du fils de Sand, Maurice. Chopin était totalement indifférent aux activités politiques radicales de Sand, tandis que Sand regardait ses amis du monde avec dédain. À mesure que la maladie du compositeur progressait, Sand était devenue moins l'amante que la nourrice de Chopin, qu'elle appelait son « troisième enfant ». Dans des lettres à des tiers, elle a exprimé son impatience, le qualifiant d'« enfant », de « petit ange », de « victime » et de « petit cadavre bien-aimé ». En 1847, Sand publie son roman Lucrezia Floriani, dont les personnages principaux – une riche actrice et un prince à la santé fragile – pourraient être interprétés comme Sand et Chopin ; l'histoire n'était pas flatteuse pour Chopin, qui ne pouvait pas manquer les allusions alors qu'il aidait Sand à corriger les galères de l'imprimeur. En 1847, il ne visite pas Nohant et met fin discrètement à leur relation de dix ans à la suite d'une correspondance rageuse qui, selon les mots de Sand, constitue « une étrange conclusion à neuf ans d'amitié exclusive ». Les deux ne se reverront plus jamais.
La production de Chopin en tant que compositeur tout au long de cette période a diminué en quantité d'année en année. Alors qu'en 1841 il avait écrit une douzaine d'œuvres, six seulement furent écrites en 1842 et six pièces plus courtes en 1843. En 1844, il n'écrivit que l'op. 58 sonate. 1845 voit l'achèvement de trois mazurkas (Op. 59). Bien que ces œuvres soient plus raffinées que bon nombre de ses compositions antérieures, Zamoyski conclut que « ses capacités de concentration étaient défaillantes et son inspiration était en proie à une angoisse, à la fois émotionnelle et intellectuelle ».
Tournée d'Angleterre et d'Écosse
La popularité publique de Chopin en tant que virtuose commença à décliner, tout comme le nombre de ses élèves, ce qui, ajouté aux conflits politiques et à l'instabilité de l'époque, le provoqua des difficultés financières. En février 1848, avec le violoncelliste Auguste Franchomme, il donne son dernier concert parisien, qui comprend trois mouvements de la Sonate pour violoncelle op. 65.
En avril, lors de la Révolution de 1848 à Paris, il part pour Londres, où il se produit lors de plusieurs concerts et de nombreuses réceptions dans les grandes maisons. Cette tournée lui a été suggérée par son élève écossaise Jane Stirling et sa sœur aînée. Stirling a également pris toutes les dispositions logistiques et fourni une grande partie du financement nécessaire.
À Londres, Chopin s'installe à Dover Street, où la maison Broadwood lui fournit un piano à queue. Lors de son premier engagement, le 15 mai à Stafford House, le public comprenait la reine Victoria et le prince Albert. Le Prince, lui-même musicien de talent, s'approche du clavier pour observer la technique de Chopin. Broadwood a également organisé des concerts pour lui ; parmi les participants figuraient Thackeray et la chanteuse Jenny Lind. Chopin était également recherché pour des cours de piano, pour lesquels il facturait le tarif élevé d'une guinée (1,05 £ en monnaie britannique actuelle) par heure, et pour des récitals privés pour lesquels le tarif était de 20 guinées. Lors d'un concert le 7 juillet, il partagea la tribune avec Viardot, qui chanta des arrangements de certaines de ses mazurkas sur des textes espagnols. Le 28 août, il donne un concert au Concert Hall de Manchester, partageant la scène avec Marietta Alboni et Lorenzo Salvi.
À la fin de l'été, il fut invité par Jane Stirling à visiter l'Écosse, où il séjourna à Calder House près d'Édimbourg et au château de Johnstone dans le Renfrewshire, tous deux appartenant à des membres de la famille de Stirling. Elle avait clairement l'idée d'aller au-delà de la simple amitié, et Chopin fut obligé de lui faire comprendre qu'il ne pouvait en être ainsi. Il écrivit à cette époque à Grzymała "Mes dames écossaises sont gentilles, mais tellement ennuyeuses", et répondant à une rumeur sur son implication, répondit qu'il était "plus près de la tombe que du lit nuptial". Il a donné un concert public à Glasgow le 27 septembre, et un autre à Édimbourg, aux Hopetoun Rooms sur Queen Street (aujourd'hui Erskine House) le 4 octobre. Fin octobre 1848, alors qu'il séjournait au 10 Warriston Crescent à Édimbourg avec le médecin polonais Adam Łyszczyński, il rédigea son dernier testament - « une sorte de disposition à prendre de mes affaires à l'avenir, si je devais mourir quelque part ». ", écrit-il à Grzymała.
Chopin fit sa dernière apparition publique sur une scène de concert au Guildhall de Londres le 16 novembre 1848, lorsque, dans un dernier geste patriotique, il joua au profit des réfugiés polonais. À cette époque, il était très gravement malade, pesant moins de 99 livres (soit moins de 45 kg), et ses médecins savaient que sa maladie était en phase terminale.
Fin novembre, Chopin rentre à Paris. Il passa l'hiver dans une maladie incessante, mais donna des cours occasionnels et reçut la visite d'amis, dont Delacroix et Franchomme. Parfois, il jouait ou accompagnait le chant de Delfina Potocka pour ses amis. Durant l'été 1849, ses amis lui trouvent un appartement à Chaillot, en dehors du centre de la ville, dont le loyer est secrètement subventionné par une admiratrice, la princesse Obreskoff. Ici, en juin 1849, Jenny Lind lui rendit visite.
Décès et funérailles
Sa santé se détériorant encore, Chopin souhaitait avoir un membre de sa famille avec lui. En juin 1849, sa sœur Ludwika vient à Paris avec son mari et sa fille et en septembre, soutenu par un prêt de Jane Stirling, il s'installe au 12, place Vendôme. Après le 15 octobre, lorsque son état se détériore nettement. , seule une poignée de ses amis les plus proches restent avec lui, même si Viardot remarque sardoniquement que « toutes les grandes dames parisiennes considéraient de rigueur de s'évanouir dans sa chambre ».
Certains de ses amis lui ont fourni de la musique à sa demande ; parmi eux, Potocka chantait et Franchomme jouait du violoncelle. Chopin a demandé que son corps soit ouvert après sa mort (de peur d'être enterré vivant) et que son cœur soit renvoyé à Varsovie où il repose dans l'église de la Sainte-Croix. Il a également légué à Alkan ses notes inachevées sur une méthode d'enseignement du piano, Projet de méthode, pour qu'il les achève. Le 17 octobre, après minuit, le médecin se penche sur lui et lui demande s'il souffre énormément. "Plus maintenant", a-t-il répondu. Il est décédé quelques minutes avant deux heures du matin. Les personnes présentes sur le lit de mort semblent avoir inclus sa sœur Ludwika, la princesse Marcelina Czartoryska, la fille de Sand, Solange, et son ami proche Thomas Albrecht. Plus tard dans la matinée, Clésinger, le mari de Solange, a réalisé le masque mortuaire de Chopin et un moulage de sa main gauche.
La maladie de Chopin et la cause de son décès h | http://quiz4free.com/ |
Chesney Allen a formé un double acte avec quel artiste célèbre ? | Bud Flanagan | [
"Chesney Allen (5 avril 1894 – 13 novembre 1982) était un artiste anglais populaire de la Seconde Guerre mondiale. On se souvient surtout de lui pour son double acte avec Bud Flanagan, Flanagan et Allen.",
"Il a commencé sa carrière dans le métier d'acteur, faisant ses débuts au Wimbledon Theatre de Londres en 1912. Servant en Flandre pendant la Première Guerre mondiale, il se lia d'amitié avec Bud Flanagan et travailla avec lui à partir de 1924. En tant que comédiens de music-hall , ils présentaient souvent un mélange de comédie et de musique dans leur numéro, ce qui a conduit à une carrière d'enregistrement réussie et à des rôles au cinéma et à la télévision. Flanagan et Allen étaient également membres du Crazy Gang et ont travaillé ensemble dans cette équipe pendant de nombreuses années."
] | Chesney Allen (5 avril 1894 – 13 novembre 1982) était un artiste anglais populaire de la Seconde Guerre mondiale. On se souvient surtout de lui pour son double acte avec Bud Flanagan, Flanagan et Allen.
vie et carrière
Il est né William Ernest Chesney Allen à Battersea, Londres, a épousé Aleta Cosette Turner à Leeds en 1926 et est décédé à Midhurst, Sussex, Angleterre.
Il a commencé sa carrière dans le métier d'acteur, faisant ses débuts au Wimbledon Theatre de Londres en 1912. Servant en Flandre pendant la Première Guerre mondiale, il se lia d'amitié avec Bud Flanagan et travailla avec lui à partir de 1924. En tant que comédiens de music-hall , ils présentaient souvent un mélange de comédie et de musique dans leur numéro, ce qui a conduit à une carrière d'enregistrement réussie et à des rôles au cinéma et à la télévision. Flanagan et Allen étaient également membres du Crazy Gang et ont travaillé ensemble dans cette équipe pendant de nombreuses années.
Les chansons de Flanagan et Allen présentaient le même humour, généralement doux, pour lequel le duo était connu dans leurs performances live, et pendant la guerre reflétaient les expériences des gens ordinaires en temps de guerre. Des chansons comme "Nous allons étendre le linge sur la ligne Siegfried" se moquaient des défenses allemandes (ligne Siegfried), tandis que d'autres comme "Miss You" chantaient la disparition de sa chérie lors d'absences forcées. D'autres chansons telles que leur plus connu "Underneath the Arches" (que Flanagan a co-écrit avec Reg Connelly) avaient des thèmes universels tels que l'amitié, qui, encore une fois, aidaient les gens à s'identifier au sujet. La musique était généralement mélodique, suivant une structure binaire couplet-couplet-refrain, avec un petit groupe de danse ou un orchestre assurant le soutien. Le chant était distinctif car alors que Flanagan était au moins un chanteur compétent et chantait les lignes mélodiques, Allen utilisait une prestation presque parlée pour fournir les harmonies.
Flanagan et Allen ont arrêté de se produire ensemble avec la retraite de Chesney Allen pour raisons de santé à la fin des années 1950 après l'avant-dernière saison du spectacle du Crazy Gang au Victoria Palace Theatre de Londres (sa place pour la dernière saison a été prise par « Monsewer » Eddie Gray), bien qu'il ait continué à travailler dans la direction théâtrale et soit revenu pour faire des apparitions occasionnelles. Son dernier enregistrement était pour l'album du spectacle Underneath the Arches en 1982.
Chesney Hawkes porte le nom de Chesney Allen.
Filmographie sélectionnée
* O-Kay pour le son (1937)
* Le bouton d'Alf à flot (1938)
* Dunkerque (1958)
* La vie est un cirque (1960) | http://quiz4free.com/ |
Le Tanganyika et Zanzibar ont fusionné en 1964 pour devenir quelle République d'Afrique de l'Est ? | Tanzanie | [
"Le Tanganyika était un État souverain qui a existé de 1961 à 1964. Il était situé entre l'océan Indien et les Grands Lacs africains du lac Victoria, du lac Nyasa et du lac Tanganyika. Elle a obtenu son indépendance du Royaume-Uni en tant que royaume du Commonwealth le 9 décembre 1961, devenant une république au sein du Commonwealth des Nations exactement un an plus tard, le 9 décembre 1962. De 1962 à 1964, elle a été officiellement appelée République du Tanganyika. Le 26 avril 1964, le Tanganyika s'est joint à la République populaire de Zanzibar et de Pemba pour former la République-Unie du Tanganyika et de Zanzibar, un nouvel État qui a changé son nom en République-Unie de Tanzanie en un an."
] | Le Tanganyika était un État souverain qui a existé de 1961 à 1964. Il était situé entre l'océan Indien et les Grands Lacs africains du lac Victoria, du lac Nyasa et du lac Tanganyika. Elle a obtenu son indépendance du Royaume-Uni en tant que royaume du Commonwealth le 9 décembre 1961, devenant une république au sein du Commonwealth des Nations exactement un an plus tard, le 9 décembre 1962. De 1962 à 1964, elle a été officiellement appelée République du Tanganyika. Le 26 avril 1964, le Tanganyika s'est joint à la République populaire de Zanzibar et de Pemba pour former la République-Unie du Tanganyika et de Zanzibar, un nouvel État qui a changé son nom en République-Unie de Tanzanie en un an.
Histoire
Le Tanganyika comprenait à l'origine le territoire du Tanganyika, la part britannique de l'Afrique orientale allemande, que les Britanniques ont prise sous mandat de la Société des Nations en 1922, et qui a ensuite été transformée en territoire sous tutelle des Nations Unies après la Seconde Guerre mondiale. Les autres parties de l’Afrique orientale allemande furent placées sous tutelle belge, devenant finalement les actuels Rwanda et Burundi.
La loi sur l’indépendance du Tanganyika de 1961 a transformé le territoire sous tutelle des Nations Unies en un royaume indépendant et souverain du Commonwealth, le Tanganyika. La monarque britannique Elizabeth II est restée chef de l'État et le Tanganyika a partagé le souverain avec les autres royaumes du Commonwealth. Les rôles constitutionnels du monarque étaient pour la plupart délégués au gouverneur général du Tanganyika. La succession royale était régie par l'Act of Settlement anglais de 1701.
Le Tanganyika a adopté une nouvelle constitution en 1962 qui abolit la monarchie. Le Tanganyika est devenu une république au sein du Commonwealth. | http://quiz4free.com/ |
Quel est le latin pour araignée-loup ? | Lycos | [
"Les araignées-loups font partie de la famille des Lycosidae, du mot grec ancien « » signifiant « loup ». Ce sont des chasseurs robustes et agiles dotés d’une excellente vue. Ils vivent principalement solitaires et chassent seuls. Certains sont des chasseurs opportunistes qui se jettent sur leurs proies au fur et à mesure qu’ils les trouvent ou même les poursuivent sur de courtes distances. Certains attendront le passage d'une proie dans ou près de l'embouchure d'un terrier.",
"Certains membres des Lycosidae, comme H. carolinensis, creusent des terriers tubulaires profonds dans lesquels ils se cachent la plupart du temps. D'autres, comme H. helluo, cherchent refuge sous les rochers ou dans d'autres abris que la nature peut leur offrir. Ils peuvent errer d'un endroit à l'autre et sont donc plus susceptibles d'être attirés par les habitations humaines lorsque le temps commence à se refroidir en automne."
] | Les araignées-loups font partie de la famille des Lycosidae, du mot grec ancien « » signifiant « loup ». Ce sont des chasseurs robustes et agiles dotés d’une excellente vue. Ils vivent principalement solitaires et chassent seuls. Certains sont des chasseurs opportunistes qui se jettent sur leurs proies au fur et à mesure qu’ils les trouvent ou même les poursuivent sur de courtes distances. Certains attendront le passage d'une proie dans ou près de l'embouchure d'un terrier.
Les araignées-loups ressemblent aux araignées en toile de pépinière (famille des Pisauridae), mais les araignées-loups portent leurs sacs d'œufs en les attachant à leurs filières (les Pisauridae portent leurs sacs d'œufs avec leurs chélicères et leurs pédipalpes). Deux des huit yeux de l'araignée-loup sont grands et proéminents, ce qui les distingue des araignées-toiles de la pépinière dont les yeux sont tous de taille à peu près égale. Cela peut également aider à les distinguer des araignées herbacées.
Description
Il existe de nombreux genres d'araignées-loups, dont la taille du corps (pattes non incluses) varie de moins de 1 000 m. Ils ont huit yeux disposés sur trois rangées. La rangée du bas est composée de quatre petits yeux, la rangée du milieu a deux très grands yeux (ce qui les distingue des Pisauridae) et la rangée du haut a deux yeux de taille moyenne. Ils dépendent de leur excellente vue pour chasser. Ils possèdent également un sens aigu du toucher.
Faire clignoter un faisceau de lumière sur l’araignée produira de la brillance dans les yeux. La lumière de la lampe de poche a été réfléchie par les yeux de l'araignée directement vers sa source, produisant une « lueur » facile à remarquer. Ceci est également particulièrement utile car les araignées-loups sont nocturnes et chasseront pour se nourrir, ce qui facilitera leur recherche. Les araignées-loups possèdent la troisième meilleure vue de toutes les espèces d'araignées, surpassée uniquement par les araignées sauteuses de la famille des Salticidae (qui peuvent distinguer les couleurs) ainsi que par les araignées chasseuses.
Les araignées-loups sont uniques dans la manière dont elles transportent leurs œufs. Le sac d'œufs, un globe rond en soie, est attaché aux filières à l'extrémité de l'abdomen, permettant à l'araignée de transporter avec elle ses petits à naître. L'abdomen doit être maintenu en position relevée pour éviter que la caisse à œufs ne traîne sur le sol. Cependant, malgré ce handicap, ils sont toujours capables de chasser. Un autre aspect unique aux araignées-loups est leur méthode de soins aux nourrissons. Immédiatement après que les araignées sortent de leur étui protecteur en soie, elles grimpent sur les jambes de leur mère et se pressent sur son abdomen.
Parce qu’elles dépendent du camouflage pour se protéger, elles n’ont pas l’apparence flashy de certains autres types d’araignées. En général, leur coloration est adaptée à leur habitat préféré.
Hogna est le genre qui compte la plus grande des araignées-loups. Parmi les espèces de Hogna aux États-Unis, l'H. carolinensis (araignée-loup de Caroline) brun foncé presque solide est la plus grande, avec un corps qui peut mesurer plus d'un pouce de long. Il est parfois confondu avec H. helluo, qui est un peu plus petit et de coloration différente. Le dessous de H. carolinensis est noir uni, mais le dessous de H. helluo est panaché et présente des rouges, des oranges et des jaunes avec des nuances de noir.
Certains membres des Lycosidae, comme H. carolinensis, creusent des terriers tubulaires profonds dans lesquels ils se cachent la plupart du temps. D'autres, comme H. helluo, cherchent refuge sous les rochers ou dans d'autres abris que la nature peut leur offrir. Ils peuvent errer d'un endroit à l'autre et sont donc plus susceptibles d'être attirés par les habitations humaines lorsque le temps commence à se refroidir en automne.
Il existe de nombreux petits genres d’araignées-loups, comme celles que l’on trouve au Royaume-Uni. Elles vivent dans les pâturages et les champs et se nourrissent de proies plus petites, jouant un rôle important dans le contrôle naturel de la population qui maintient le nombre d'insectes à proximité des araignées-loups à des niveaux acceptables.
Venin
Les araignées-loups injectent du venin si elles sont continuellement provoquées. Les symptômes de leur morsure venimeuse comprennent un gonflement, une légère douleur et des démangeaisons. Dans le passé, des morsures nécrotiques ont été attribuées à certaines espèces d'Amérique du Sud, mais des recherches plus approfondies ont indiqué que les problèmes survenus étaient probablement dus à des morsures de membres d'autres genres. Les araignées-loups australiennes ont également été associées à des blessures nécrotiques, mais une étude minutieuse a également montré qu'elles ne produisaient pas de tels résultats.
Habitats
Les araignées-loups peuvent être trouvées dans un large éventail d’habitats côtiers et intérieurs. Ceux-ci comprennent les arbustes, les forêts, les forêts côtières humides, les prairies alpines, les jardins de banlieue et les habitations. Les araignées se dispersent par voie aérienne et, par conséquent, les araignées-loups ont une large répartition. Bien que certaines espèces aient des besoins très spécifiques en matière de microhabitat (comme les lits de gravier au bord des cours d'eau ou les champs d'herbes montagnardes), la plupart sont des vagabonds sans habitat permanent. Certains construisent des terriers qui peuvent être laissés ouverts ou munis d'une trappe (selon les espèces). Les espèces des zones arides construisent des tourelles ou bouchent leurs trous avec des feuilles et des cailloux pendant la saison des pluies pour se protéger des eaux de crue.
Honoraires
L'araignée-loup de Caroline (H. carolinensis) est l'araignée officielle de l'État de Caroline du Sud, désignée comme telle en 2000. La Caroline du Sud est le seul État américain à reconnaître une araignée d'État.
Galerie
Fichier:Wolf_spider_on_white.jpg|Araignée-loup, 3" de la pointe aux pieds (Takoma Park, MD)
Fichier : Araignée-loup et sac à œufs.jpg | Araignée-loup portant son sac à œufs
Fichier:Wolfspinne1.jpg|Araignée-loup avec sa progéniture (Allemagne).
Fichier : Araignée-loup avec sa progéniture.JPG | Araignée-loup portant sa progéniture, Australie.
Fichier:Wolf_spider_with_young_in_garden.jpg|Araignée-loup portant ses petits.
Fichier : Position d'attaque de l'araignée-loup.jpg | Araignée-loup fouisseuse défendant son sac d'œufs.
Fichier:20071030 Araignée-loup portant un sac d'œufs (masqué).jpg|Araignée-loup portant un sac d'œufs
Fichier:wolfspider-20100717.jpg|Wolf Spider à Maricopa City, Arizona, environ 25 mm alors que les pattes étaient rétractées
Fichier:Wolf_Spider_Michigan.JPG|Grande araignée-loup avec ses petits dans le Michigan.
Fichier : CarolinaWolfSpider_02.jpg | Grande araignée-loup de Caroline ; Hogna carolinensis
Fichier:Wolf-spider.jpg|Wolf Spider à Delray Beach, Floride.
Fichier : Araignée-loup 1 sjh.JPG | Araignée-loup (Rabidosa sp.) portant un sac à œufs sous l'abdomen pour se protéger
Fichier:Spider NZ Anoteropsis aerescens.jpg|Araignée-loup, Anoteropsis aerescens, Nouvelle-Zélande
Fichier:Wolf Spider Greenwood Missouri.jpg|Loup araignée, Greenwood, Missouri
Fichier : Araignée-loup (Hogna carolinensis).JPG | Araignée-loup du centre de la Floride
Fichier:Wolfspider ayant un Grasshoppersnack.jpg|Araignée-loup s'attaquant à une sauterelle, Melisochori, Grèce
Fichier : Wolfspider on US quarters.jpg.jpg|Araignée-loup (Rabidosa rabida) à côté de quartiers américains indiquant la longueur de son corps d'environ 1 po (25 mm), Prosper, Texas
Notes de bas de page | http://quiz4free.com/ |
En quelle année Elvis Presley et ses parents ont-ils déménagé de Tupelo à Memphis ? | 1948 | [
"En novembre 1948, la famille déménage à Memphis, Tennessee. Après avoir vécu près d'un an dans des maisons de chambres, ils ont obtenu un appartement de deux chambres dans le complexe de logements sociaux connu sous le nom de Lauderdale Courts. Inscrit au lycée L. C. Humes, Presley n'a reçu qu'un C en musique en huitième année. Lorsque son professeur de musique lui a dit qu'il n'avait aucune aptitude pour le chant, il a apporté sa guitare le lendemain et a chanté un tube récent, \"Keep Them Cold Icy Fingers Off Me\", dans le but de prouver le contraire. Un camarade de classe a rappelé plus tard que l'enseignant \"a reconnu qu'Elvis avait raison lorsqu'il disait qu'elle n'appréciait pas son genre de chant\". Il était généralement trop timide pour se produire ouvertement et était parfois intimidé par ses camarades de classe qui le considéraient comme un « garçon à maman ». En 1950, il commence à pratiquer régulièrement la guitare sous la tutelle de Jesse Lee Denson, un voisin de deux ans et demi son aîné. Eux et trois autres garçons, dont deux futurs pionniers du rockabilly, les frères Dorsey et Johnny Burnette, ont formé un collectif musical informel qui jouait fréquemment dans les tribunaux. En septembre de cette année-là, il commença à inaugurer le Loew's State Theatre. D'autres emplois ont suivi, notamment Precision Tool, Loew's encore et MARL Metal Products."
] | Elvis Aaron Presley (8 janvier 1935 - 16 août 1977) était un musicien et acteur américain. Considéré comme l'une des icônes culturelles les plus importantes du XXe siècle, il est souvent appelé « le roi du rock and roll » ou simplement « le roi ».
Presley est né à Tupelo, dans le Mississippi, en tant que jumeau sans jumeaux, et quand il avait 13 ans, lui et sa famille ont déménagé à Memphis, Tennessee. Sa carrière musicale y débute en 1954, lorsqu'il enregistre une chanson avec le producteur Sam Phillips chez Sun Records. Accompagné du guitariste Scotty Moore et du bassiste Bill Black, Presley a été l'un des premiers vulgarisateurs du rockabilly, une fusion uptempo et backbeat de musique country et de rythme et de blues. RCA Victor a acquis son contrat dans le cadre d'un accord conclu par le colonel Tom Parker, qui a dirigé le chanteur pendant plus de deux décennies. Le premier single RCA de Presley, "Heartbreak Hotel", est sorti en janvier 1956 et est devenu un succès numéro un aux États-Unis. Il était considéré comme la figure de proue du rock and roll après une série d'apparitions réussies à la télévision et de records en tête des charts. Ses interprétations énergiques de chansons et son style d'interprétation sexuellement provocateur, combinés à un mélange singulièrement puissant d'influences de toutes les couleurs qui ont coïncidé avec l'aube du mouvement des droits civiques, l'ont rendu extrêmement populaire et controversé.
En novembre 1956, il fait ses débuts au cinéma dans Love Me Tender. En 1958, il est enrôlé dans l'armée. Il a repris sa carrière d'enregistrement deux ans plus tard, produisant certaines de ses œuvres les plus réussies commercialement avant de consacrer une grande partie des années 1960 à la réalisation de films hollywoodiens et des albums de bandes originales qui les accompagnent, dont la plupart ont été ridiculisés par la critique. En 1968, après une interruption de sept ans des performances live, il revient sur scène dans le célèbre comeback télévisé spécial Elvis, qui conduit à une résidence de concerts prolongée à Las Vegas et à une série de tournées très rentables. En 1973, Presley a participé au premier concert diffusé mondialement par satellite, Aloha from Hawaii. Plusieurs années d'abus de médicaments sur ordonnance ont gravement endommagé sa santé et il est décédé en 1977 à l'âge de 42 ans.
Presley est l'un des musiciens les plus célèbres et les plus influents du XXe siècle. Ayant connu un succès commercial dans de nombreux genres, dont la pop, le blues et le gospel, il est l'artiste solo le plus vendu de l'histoire de la musique enregistrée, avec des ventes record estimées à environ 600 millions d'unités dans le monde. Il a remporté trois Grammys, a également reçu le Grammy Lifetime Achievement Award à 36 ans et a été intronisé dans plusieurs music halls of fame.
vie et carrière
1935-1953 : premières années
Enfance à Tupelo
Presley est né le 8 janvier 1935 à Tupelo, Mississippi, fils de Gladys Love (née Smith; 25 avril 1912 - 14 août 1958) et de Vernon Elvis Presley (10 avril 1916 - 26 juin 1979), à la maison de deux pièces construite par le père de Vernon en prévision de la naissance de l'enfant. Jesse Garon Presley, son frère jumeau identique, est né mort-né 35 minutes avant lui. En tant qu'enfant unique, Presley est devenu proche de ses deux parents et a noué un lien particulièrement étroit avec sa mère. La famille a assisté à une Assemblée de Dieu, où il a trouvé sa première inspiration musicale. Bien qu’il ait été en conflit avec l’Église pentecôtiste au cours de ses dernières années, il ne l’a jamais officiellement quittée. Le révérend Rex Humbard a officié lors de ses funérailles, car Presley avait été un admirateur du ministère de Humbard.
L'ascendance de Presley était principalement un mélange d'Europe occidentale, comprenant des Écossais-Irlandais, des Écossais, des Allemands et des Normands français. L'arrière-arrière-grand-mère de Gladys, Morning Dove White, était peut-être une Amérindienne Cherokee. Gladys était considérée par ses parents et amis comme le membre dominant de la petite famille. Vernon passait d'un petit boulot à l'autre, faisant preuve de peu d'ambition. La famille comptait souvent sur l’aide des voisins et sur l’aide alimentaire du gouvernement. Les Presley ont survécu à la tornade F5 lors de l'épidémie de tornade Tupelo-Gainesville en 1936. En 1938, ils ont perdu leur maison après que Vernon ait été reconnu coupable d'avoir envoyé un chèque rédigé par le propriétaire foncier, Orville S. Bean, le producteur laitier et courtier en bétail et en porcs pour lequel il travaillait alors. Il a été emprisonné pendant huit mois et Gladys et Elvis ont emménagé chez des proches.
En septembre 1941, Presley entra en première année à East Tupelo Consolidated, où ses instructeurs le considéraient comme « moyen ». Il a été encouragé à participer à un concours de chant après avoir impressionné son professeur avec une interprétation de la chanson country de Red Foley « Old Shep » pendant les prières du matin. Le concours, organisé au Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show le 3 octobre 1945, fut sa première représentation publique : habillé en cow-boy, Presley, dix ans, se tenait sur une chaise pour atteindre le microphone et chantait « Old Shep ". Il se souvient d'avoir terminé cinquième. Quelques mois plus tard, Presley a reçu sa première guitare pour son anniversaire ; il avait espéré autre chose – selon différentes sources, soit une bicyclette, soit un fusil. L'année suivante, il reçoit des cours de guitare de base auprès de deux de ses oncles et du nouveau pasteur de l'église familiale. Presley se souvient : "J'ai pris la guitare, j'ai regardé les gens et j'ai appris un peu à jouer. Mais je ne chanterais jamais en public. J'étais très timide à ce sujet."
Entré dans une nouvelle école, Milam, en sixième année en septembre 1946, Presley était considéré comme un solitaire. L’année suivante, il commence à apporter sa guitare quotidiennement. Il jouait et chantait à l'heure du déjeuner et était souvent taquiné comme un enfant « trash » qui jouait de la musique montagnarde. La famille vivait alors dans un quartier majoritairement afro-américain. Adepte de l'émission de Mississippi Slim sur la station de radio WELO de Tupelo, Presley a été décrit comme « fou de musique » par le frère cadet de Slim, un camarade de classe de Presley, qui l'emmenait souvent à la station. Slim a complété les cours de guitare de Presley en démontrant les techniques d'accords. Lorsque son protégé avait 12 ans, Slim lui a programmé deux performances à l'antenne. Presley a été envahi par le trac la première fois, mais a réussi à se produire la semaine suivante.
La vie d'adolescent à Memphis
En novembre 1948, la famille déménage à Memphis, Tennessee. Après avoir vécu près d'un an dans des maisons de chambres, ils ont obtenu un appartement de deux chambres dans le complexe de logements sociaux connu sous le nom de Lauderdale Courts. Inscrit au lycée L. C. Humes, Presley n'a reçu qu'un C en musique en huitième année. Lorsque son professeur de musique lui a dit qu'il n'avait aucune aptitude pour le chant, il a apporté sa guitare le lendemain et a chanté un tube récent, "Keep Them Cold Icy Fingers Off Me", dans le but de prouver le contraire. Un camarade de classe a rappelé plus tard que l'enseignant "a reconnu qu'Elvis avait raison lorsqu'il disait qu'elle n'appréciait pas son genre de chant". Il était généralement trop timide pour se produire ouvertement et était parfois intimidé par ses camarades de classe qui le considéraient comme un « garçon à maman ». En 1950, il commence à pratiquer régulièrement la guitare sous la tutelle de Jesse Lee Denson, un voisin de deux ans et demi son aîné. Eux et trois autres garçons, dont deux futurs pionniers du rockabilly, les frères Dorsey et Johnny Burnette, ont formé un collectif musical informel qui jouait fréquemment dans les tribunaux. En septembre de cette année-là, il commença à inaugurer le Loew's State Theatre. D'autres emplois ont suivi, notamment Precision Tool, Loew's encore et MARL Metal Products.
Au cours de sa première année, Presley a commencé à se démarquer davantage parmi ses camarades de classe, en grande partie à cause de son apparence : il a laissé pousser ses favoris et s'est coiffé les cheveux avec de l'huile de rose et de la vaseline. Pendant son temps libre, il se rendait à Beale Street, au cœur de la scène blues florissante de Memphis, et contemplait avec envie les vêtements sauvages et flashy des vitrines des Lansky Brothers. À sa dernière année, il les portait. Surmontant sa réticence à se produire en dehors des tribunaux de Lauderdale, il participa au spectacle annuel "Minstrel" de Humes en avril 1953. Chantant et jouant de la guitare, il débuta avec "Till I Waltz Again with You", un succès récent de Teresa Brewer. Presley a rappelé que le spectacle avait beaucoup contribué à sa réputation : "Je n'étais pas populaire à l'école ... J'ai échoué en musique - la seule chose que j'ai jamais échoué. Et puis ils m'ont inscrit à ce spectacle de talents ... quand je suis arrivé sur scène, j'ai entendu les gens grondaient et chuchotaient et ainsi de suite, parce que personne ne savait même que je chantais. C'était incroyable à quel point je suis devenu populaire après ça.
Presley, qui n'a jamais reçu de formation musicale formelle ni appris à lire la musique, a étudié et joué à l'oreille. Il fréquentait également les disquaires équipés de juke-box et de cabines d'écoute. Il connaissait toutes les chansons de Hank Snow et adorait les disques d'autres chanteurs country tels que Roy Acuff, Ernest Tubb, Ted Daffan, Jimmie Rodgers, Jimmie Davis et Bob Wills. Le chanteur de gospel du Sud Jake Hess, l'un de ses interprètes préférés, a eu une influence significative sur son style de chant de ballade. Il était un membre régulier du public du mensuel All-Night Singings Downtown, où de nombreux groupes de gospel blancs qui se produisaient reflétaient l'influence de la musique spirituelle afro-américaine. Il adorait la musique de la chanteuse de gospel noire Sister Rosetta Tharpe. Comme certains de ses pairs, il a peut-être fréquenté des salles de blues – par nécessité, dans le Sud ségrégué, uniquement les soirées réservées à un public exclusivement blanc. Il écoutait certainement les stations de radio régionales, telles que WDIA-AM, qui diffusaient des « disques de course » : des spirituals, du blues et le son moderne et lourd du rythme et du blues. Beaucoup de ses futurs enregistrements ont été inspirés par des musiciens afro-américains locaux tels que Arthur Crudup et Rufus Thomas. B.B. King a rappelé qu'il avait connu Presley avant qu'il ne soit populaire, alors qu'ils fréquentaient tous les deux Beale Street. Au moment où il obtint son diplôme d'études secondaires en juin 1953, Presley avait déjà choisi la musique comme son avenir.
1953-1955 : premiers enregistrements
Sam Phillips et Sun Records
En août 1953, Presley entra dans les bureaux de Sun Records. Il avait pour objectif de payer quelques minutes de studio pour enregistrer un disque acétate recto-verso : "My Happiness" et "That's When Your Heartaches Begin". Il affirmera plus tard qu'il voulait que le disque soit un cadeau pour sa mère, ou qu'il était simplement intéressé par ce à quoi il « ressemblait », bien qu'il y ait un service de fabrication de disques amateur beaucoup moins cher dans un magasin général à proximité. Le biographe Peter Guralnick affirme qu'il a choisi Sun dans l'espoir d'être découvert. Lorsque la réceptionniste Marion Keisker lui a demandé quel genre de chanteur il était, Presley a répondu : "Je chante de toutes sortes." Lorsqu'elle lui a demandé à qui il ressemblait, il a répondu à plusieurs reprises : « Je ne ressemble à personne. » Après l'enregistrement, le patron de Sun, Sam Phillips, a demandé à Keisker de noter le nom du jeune homme, ce qu'elle a fait avec son propre commentaire : "Bon chanteur de ballades. Attendez."
En janvier 1954, Presley enregistra un deuxième acétate chez Sun Records – « I'll Never Stand In Your Way » et « It Shouldn't Be the Same Without You » — mais encore une fois, rien n'en sortit. Peu de temps après, il échoue à une audition pour un quatuor vocal local, les Songfellows. Il a expliqué à son père : « Ils m'ont dit que je ne savais pas chanter. » Songfellow Jim Hamill a affirmé plus tard qu'il avait été refusé parce qu'il n'avait pas fait preuve d'une oreille pour l'harmonie à l'époque. En avril, Presley a commencé à travailler pour la société Crown Electric en tant que chauffeur de camion. Son ami Ronnie Smith, après avoir joué quelques concerts locaux avec lui, lui a suggéré de contacter Eddie Bond, leader du groupe professionnel de Smith, qui avait une ouverture pour un chanteur. Bond l'a rejeté après un essai, conseillant à Presley de s'en tenir à la conduite de camion "parce que vous ne réussirez jamais en tant que chanteur".
Phillips, quant à lui, était toujours à la recherche de quelqu'un qui pourrait faire connaître à un public plus large le son des musiciens noirs sur lesquels Sun se concentrait. Comme Keisker l'a rapporté : « Je me souviens sans cesse de Sam disant : « Si je pouvais trouver un homme blanc qui avait le son et le ressenti nègre, je pourrais gagner un milliard de dollars. » En juin, il a acquis un enregistrement de démonstration d'un ballade, "Without You", qui, selon lui, pourrait convenir au chanteur adolescent. Presley est venu au studio, mais n'a pas pu lui rendre justice. Malgré cela, Phillips a demandé à Presley de chanter autant de morceaux qu'il connaissait. Il a été suffisamment affecté par ce qu'il a entendu pour inviter deux musiciens locaux, le guitariste Winfield "Scotty" Moore et le contrebassiste Bill Black, à travailler sur quelque chose avec Presley pour une session d'enregistrement.
La séance, qui s'est tenue dans la soirée du 5 juillet 1954, s'est révélée totalement infructueuse jusque tard dans la nuit. Alors qu'ils étaient sur le point d'abandonner et de rentrer chez eux, Presley prit sa guitare et se lança dans un numéro de blues de 1946, "That's All Right" d'Arthur Crudup. Moore se souvient : "Tout d'un coup, Elvis a commencé à chanter cette chanson, à sauter partout et à faire le fou, puis Bill a pris sa basse, et il a commencé à faire le fou aussi, et j'ai commencé à jouer avec eux. Sam, je pensez, la porte de la cabine de contrôle était ouverte ... il a sorti la tête et a dit : "Qu'est-ce que tu fais ?" Et nous avons répondu : « Nous ne savons pas ». "Eh bien, reculez", a-t-il dit, "essayez de trouver un point de départ et recommencez." " Phillips a rapidement commencé à enregistrer ; c'était le son qu'il recherchait. Trois jours plus tard, le DJ populaire de Memphis, Dewey Phillips, a joué "That's All Right" dans son émission Red, Hot, and Blue. Les auditeurs ont commencé à téléphoner, impatients de découvrir qui était le chanteur. L'intérêt était tel que Phillips a joué le disque à plusieurs reprises au cours des deux dernières heures de son émission. Interviewant Presley à l'antenne, Phillips lui a demandé quel lycée il fréquentait afin de clarifier sa couleur pour les nombreux appelants qui pensaient qu'il était noir. Au cours des jours suivants, le trio a enregistré un numéro bluegrass, "Blue Moon of Kentucky" de Bill Monroe, toujours dans un style distinctif et employant un effet d'écho truqué par un jury que Sam Phillips a surnommé "slapback". Un single a été pressé avec "That's All Right" sur la face A et "Blue Moon of Kentucky" au verso.
Premières performances live et signature avec RCA
Le trio a joué publiquement pour la première fois le 17 juillet au club Bon Air – Presley arborait toujours sa guitare de taille enfant. À la fin du mois, ils sont apparus à l'Overton Park Shell, avec Slim Whitman en tête d'affiche. Une combinaison de sa forte réponse au rythme et de sa nervosité à jouer devant une grande foule a amené Presley à secouer ses jambes pendant qu'il jouait : son pantalon large mettait l'accent sur ses mouvements, provoquant des cris chez les jeunes femmes du public. Moore se souvient: "Pendant les parties instrumentales, il reculait du micro et jouait et tremblait, et la foule se déchaînait". Black, un showman naturel, a crié et a monté sa basse, frappant des doubles coups de langue dont Presley se souviendra plus tard comme "un son vraiment sauvage, comme un tambour de la jungle ou quelque chose du genre".
Peu de temps après, Moore et Black ont quitté leur ancien groupe pour jouer régulièrement avec Presley, et le DJ et promoteur Bob Neal est devenu le manager du trio. D'août à octobre, ils ont joué fréquemment au club Eagle's Nest et sont retournés au Sun Studio pour d'autres sessions d'enregistrement, et Presley est rapidement devenu plus confiant sur scène. Selon Moore, "Son mouvement était une chose naturelle, mais il était également très conscient de ce qui provoquait une réaction. Il faisait quelque chose une fois, puis il le développait très rapidement." Presley a fait ce qui serait sa seule apparition au Grand Ole Opry de Nashville le 2 octobre ; après une réponse polie du public, le manager d'Opry, Jim Denny, a déclaré à Phillips que son chanteur n'était "pas mauvais" mais ne convenait pas au programme. Deux semaines plus tard, Presley était réservé sur Louisiana Hayride, le chef d'Oprys et son rival plus aventureux. L'émission basée à Shreveport a été diffusée sur 198 stations de radio dans 28 États. Presley a eu une autre crise de nerfs au cours du premier set, qui a suscité une réaction sourde. Un deuxième set plus composé et énergique a suscité une réponse enthousiaste. Le batteur house D. J. Fontana a apporté un nouvel élément, complétant les mouvements de Presley avec des rythmes accentués qu'il maîtrisait en jouant dans des clubs de strip-tease. Peu de temps après le spectacle, le Hayride a engagé Presley pour un an d'apparitions le samedi soir. Échangeant sa vieille guitare pour 8 $ (et la voyant rapidement envoyée à la poubelle), il a acheté un instrument Martin pour 175 $ et son trio a commencé à jouer dans de nouveaux endroits, notamment à Houston, au Texas, et à Texarkana, en Arkansas.
Au début de 1955, les apparitions régulières de Presley à Hayride, ses tournées constantes et ses sorties de disques bien accueillies avaient fait de lui une star régionale, du Tennessee à l'ouest du Texas. En janvier, Neal a signé un contrat de gestion formel avec Presley et a attiré l'attention du chanteur sur le colonel Tom Parker, qu'il considérait comme le meilleur promoteur du secteur de la musique. Après avoir dirigé avec succès la star country Eddy Arnold, Parker travaillait désormais avec le nouveau chanteur country numéro un, Hank Snow. Parker a réservé Presley pour la tournée de Snow en février. Lorsque la tournée a atteint Odessa, au Texas, Roy Orbison, 19 ans, a vu Presley pour la première fois : « Son énergie était incroyable, son instinct était tout simplement incroyable. ... Je ne savais tout simplement pas quoi en penser. Il n’y avait tout simplement aucun point de référence dans la culture pour comparer cela. » Presley a fait ses débuts à la télévision le 3 mars lors de l'émission KSLA-TV de Louisiana Hayride. Peu de temps après, il échoue à une audition pour Talent Scouts d'Arthur Godfrey sur le réseau de télévision CBS. En août, Sun avait publié dix faces attribuées à « Elvis Presley, Scotty et Bill » ; sur les derniers enregistrements, le trio était rejoint par un batteur. Certaines des chansons, comme "That's All Right", relevaient de ce qu'un journaliste de Memphis a décrit comme "l'idiome R&B du jazz de terrain nègre" ; d'autres, comme "Blue Moon of Kentucky", étaient "plus dans le domaine country", "mais il y avait un curieux mélange des deux musiques différentes dans les deux". Ce mélange de styles a rendu difficile la diffusion de la musique de Presley à la radio. Selon Neal, de nombreux disc-jockeys de musique country ne le joueraient pas parce qu'il ressemblait trop à un artiste noir et aucune des stations de rythme et de blues ne le toucherait parce que « il ressemblait trop à un montagnard ». Le mélange est devenu connu sous le nom de rockabilly. À l'époque, Presley était diversement présenté comme "Le roi du Western Bop", "The Hillbilly Cat" et "The Memphis Flash".
Presley renouvela le contrat de gestion de Neal en août 1955, nommant simultanément Parker comme son conseiller spécial. Le groupe a maintenu un programme de tournées complet tout au long du second semestre. Neal se souvient : "C'était presque effrayant, la réaction des adolescents envers Elvis. Beaucoup d'entre eux, par une sorte de jalousie, le détestaient pratiquement. Il y avait des occasions dans certaines villes du Texas où nous devions assurez-vous d'avoir un garde de police parce que quelqu'un essaierait toujours de s'en prendre à lui, ils formeraient un gang et essaieraient de l'arrêter ou quelque chose du genre. Le trio est devenu un quatuor lorsque le batteur de Hayride, Fontana, l'a rejoint en tant que membre à part entière. À la mi-octobre, ils ont donné quelques concerts en soutien à Bill Haley, dont "Rock Around the Clock" avait été un succès numéro un l'année précédente. Haley a observé que Presley avait un sens naturel du rythme et lui a conseillé de chanter moins de ballades.
Lors de la Country Disc Jockey Convention début novembre, Presley a été élu artiste masculin le plus prometteur de l'année. Plusieurs maisons de disques avaient déjà manifesté leur intérêt pour le signer. Après que trois grands labels aient fait des offres allant jusqu'à 25 000 $, Parker et Phillips ont conclu un accord avec RCA Victor le 21 novembre pour acquérir le contrat Presley's Sun pour un montant sans précédent de 40 000 $. Presley, à 20 ans, était encore mineur, alors son père a signé le contrat. Parker s'est arrangé avec les propriétaires de Hill and Range Publishing, Jean et Julian Aberbach, pour créer deux entités, Elvis Presley Music et Gladys Music, pour gérer tout le nouveau matériel enregistré par Presley. Les auteurs-compositeurs étaient obligés de renoncer à un tiers de leurs redevances habituelles en échange de l'interprétation de leurs compositions. En décembre, RCA avait commencé à promouvoir massivement son nouveau chanteur et, avant la fin du mois, avait réédité plusieurs de ses enregistrements de Sun.
1956-1958 : percée commerciale et controverse
Premières apparitions à la télévision nationale et premier album
Le 10 janvier 1956, Presley réalise ses premiers enregistrements pour RCA à Nashville. Élargissant la sauvegarde désormais habituelle du chanteur de Moore, Black et Fontana, RCA a enrôlé le pianiste Floyd Cramer, le guitariste Chet Atkins et trois chanteurs de fond, dont le premier ténor Gordon Stoker du populaire quatuor Jordanaires, pour compléter le son. La session a produit le "Heartbreak Hotel", maussade et inhabituel, sorti en single le 27 janvier. Parker a finalement amené Presley à la télévision nationale, le réservant au Stage Show de CBS pour six apparitions sur deux mois. Le programme, produit à New York, était animé une semaine sur deux par les dirigeants et frères du big band Tommy et Jimmy Dorsey. Après sa première apparition, le 28 janvier, présentée par le disc-jockey Bill Randle, Presley est resté en ville pour enregistrer au studio RCA de New York. Les sessions ont donné huit chansons, dont une reprise de l'hymne rockabilly de Carl Perkins "Blue Suede Shoes". En février, "I Forgot to Remember to Forget" de Presley, un enregistrement de Sun initialement sorti en août précédent, a atteint le sommet du classement country Billboard. Le contrat de Neal fut résilié et, le 2 mars, Parker devint le manager de Presley.
RCA Victor a sorti le premier album éponyme de Presley le 23 mars. Rejoints par cinq enregistrements Sun inédits, ses sept titres récemment enregistrés étaient d'une grande variété. Il y avait deux chansons country et une chanson pop entraînante. Les autres définiraient de manière centrale l'évolution du son du rock and roll : "Blue Suede Shoes" - "une amélioration par rapport à Perkins dans presque tous les sens", selon le critique Robert Hilburn - et trois numéros R&B qui faisaient partie du répertoire scénique de Presley depuis quelque temps, des reprises de Little Richard, Ray Charles et The Drifters. Comme le décrit Hilburn, ceux-ci « étaient les plus révélateurs de tous. Contrairement à de nombreux artistes blancs ... qui ont édulcoré les bords brutaux des versions R&B originales des chansons dans les années 50, Presley les a remodelées. Il n'a pas seulement injecté aux airs son propre caractère vocal mais a également fait de la guitare, et non du piano, l'instrument principal dans les trois cas. Il est devenu le premier album de rock and roll à figurer en tête du classement Billboard, position qu'il a occupée pendant 10 semaines. Même si Presley n'était pas un guitariste innovant comme Moore ou les rockeurs afro-américains contemporains Bo Diddley et Chuck Berry, l'historien de la culture Gilbert B. Rodman soutient que l'image de la couverture de l'album, "d'Elvis passant le meilleur moment de sa vie sur scène avec une guitare dans ses mains a joué un rôle crucial dans le positionnement de la guitare ... comme l'instrument qui capturait le mieux le style et l'esprit de cette nouvelle musique.
Spectacle de Milton Berle et "Hound Dog"
Presley a fait la première de deux apparitions au Milton Berle Show de NBC le 3 avril. Sa performance, sur le pont de l'USS Hancock à San Diego, a suscité des acclamations et des cris de la part d'un public de marins et de leurs rendez-vous. Quelques jours plus tard, un vol emmenant Presley et son groupe à Nashville pour une séance d'enregistrement a laissé tous les trois gravement secoués lorsqu'un moteur est tombé en panne et que l'avion a failli s'écraser au-dessus de l'Arkansas. Douze semaines après sa sortie originale, "Heartbreak Hotel" est devenu le premier succès pop numéro un de Presley. Fin avril, Presley a commencé une résidence de deux semaines au New Frontier Hotel and Casino sur le Strip de Las Vegas. Les spectacles ont été mal accueillis par les clients conservateurs d'âge moyen de l'hôtel – « comme une carafe de liqueur de maïs lors d'une soirée au champagne », a écrit un critique de Newsweek. Au cours de son mandat à Vegas, Presley, qui avait de sérieuses ambitions d'acteur, a signé un contrat de sept ans avec Paramount Pictures. Il a entamé une tournée dans le Midwest à la mi-mai, visitant 15 villes en autant de jours. Il avait assisté à plusieurs spectacles de Freddie Bell et des Bellboys à Vegas et avait été frappé par leur reprise de "Hound Dog", un tube de 1953 pour la chanteuse de blues Big Mama Thornton par les auteurs-compositeurs Jerry Leiber et Mike Stoller. C'est devenu le nouveau numéro de clôture de son acte. Après une émission à La Crosse, dans le Wisconsin, un message urgent sur papier à en-tête du journal du diocèse catholique local a été envoyé au directeur du FBI, J. Edgar Hoover. Il avertissait que « Presley représente un danger certain pour la sécurité des États-Unis. ... [Ses] actions et mouvements étaient de nature à éveiller les passions sexuelles des jeunes adolescents. ... Après le spectacle, plus de 1 000 adolescents ont été jugés. pour entrer en groupe dans la chambre de Presley à l'auditorium. ... Les indications du mal que Presley vient de faire à La Crosse étaient les deux lycéennes ... dont l'abdomen et la cuisse portaient l'autographe de Presley.
La deuxième apparition au Milton Berle Show a eu lieu le 5 juin au studio hollywoodien de NBC, au milieu d'une autre tournée mouvementée. Berle a persuadé le chanteur de laisser sa guitare dans les coulisses, en lui conseillant : "Laisse-les te voir, fils." Pendant la représentation, Presley a brusquement arrêté une interprétation rythmée de "Hound Dog" d'un geste du bras et s'est lancé dans une version lente et grinçante accentuée par des mouvements corporels énergiques et exagérés. Les girations de Presley ont créé une tempête de controverses. Les critiques des journaux ont été indignés : Jack Gould du New York Times a écrit : "M. Presley n'a aucune capacité de chant perceptible. ... Son phrasé, si on peut l'appeler ainsi, consiste en des variations stéréotypées qui accompagnent l'air d'un débutant dans un baignoire. ... Sa seule spécialité est un mouvement accentué du corps ... principalement identifié au répertoire des bombes blondes du défilé burlesque. " Ben Gross du New York Daily News a estimé que la musique populaire « a atteint ses plus bas niveaux dans les pitreries de « grognements et d'aines » d'un certain Elvis Presley. ... Elvis, qui fait pivoter son bassin ... a donné une exposition suggestive et vulgaire, teinté de ce genre d'animalité qui devrait être confinée aux bouges et aux maisons closes". Ed Sullivan, dont l'émission de variétés était la plus populaire du pays, l'a déclaré "inapte à être visionné en famille". Au grand dam de Presley, il s'est vite retrouvé surnommé « Elvis le bassin », qu'il a qualifié de « l'une des expressions les plus enfantines que j'ai jamais entendues, venant d'un adulte ».
Steve Allen Show et première apparition de Sullivan
Les émissions de Berle ont attiré des audiences si élevées que Presley a été réservé pour une apparition le 1er juillet au Steve Allen Show de NBC à New York. Allen, pas fan de rock and roll, a présenté un "nouvel Elvis" avec un nœud papillon blanc et une queue noire. Presley a chanté "Hound Dog" pendant moins d'une minute devant un basset portant un haut-de-forme et un nœud papillon. Comme le décrit l'historien de la télévision Jake Austen, "Allen pensait que Presley était sans talent et absurde ... [il] a mis les choses en place pour que Presley montre sa contrition". Allen, pour sa part, écrivit plus tard qu'il trouvait intriguant « le charisme étrange, dégingandé et country-boy de Presley, sa gentillesse difficile à définir et sa charmante excentricité » et qu'il avait simplement intégré le chanteur dans le « tissu comique » habituel de son programme. Juste avant la répétition finale du spectacle, Presley a déclaré à un journaliste : "Je m'arrête sur ce spectacle. Je ne veux rien faire qui puisse inciter les gens à ne pas m'aimer. Je pense que la télévision est importante, alors je vais y aller. mais je ne pourrai pas donner le genre de spectacle que je fais lors d'une apparition personnelle." Presley qualifierait le spectacle d'Allen de performance la plus ridicule de sa carrière. Plus tard dans la soirée, il est apparu dans Hy Gardner Calling, une émission de télévision locale populaire. Pressé de savoir s'il avait appris quelque chose des critiques dont il faisait l'objet, Presley a répondu : "Non, je ne l'ai pas fait, je n'ai pas l'impression de faire quelque chose de mal. ... Je ne vois pas comment n'importe quel type de musique aurait une mauvaise influence sur les gens quand il ne s'agit que de musique. ... Je veux dire, comment la musique rock'n'roll pourrait-elle inciter quelqu'un à se rebeller contre ses parents ?"
Le lendemain, Presley a enregistré "Hound Dog", avec "Any Way You Want Me" et "Don't Be Cruel". Les Jordanaires ont chanté l'harmonie, comme ils l'avaient fait au Steve Allen Show ; ils travailleront avec Presley tout au long des années 1960. Quelques jours plus tard, le chanteur a donné un concert en plein air à Memphis au cours duquel il a annoncé : "Vous savez, ces gens de New York ne me changeront rien. Je vais vous montrer à quoi ressemble le vrai Elvis ce soir." En août, un juge de Jacksonville, en Floride, a ordonné à Presley d'apprivoiser son comportement. Tout au long de la représentation suivante, il est resté en grande partie immobile, sauf en remuant son petit doigt de manière suggestive pour se moquer de l'ordre. Le single "Don't Be Cruel" avec "Hound Dog" a dominé les charts pendant 11 semaines, une marque qui ne sera pas dépassée avant 36 ans. Les sessions d'enregistrement du deuxième album de Presley ont eu lieu à Hollywood au cours de la première semaine de septembre. Leiber et Stoller, les auteurs de « Hound Dog », ont contribué à « Love Me ».
L'émission d'Allen avec Presley avait, pour la première fois, battu l'Ed Sullivan Show de CBS dans les audiences. Sullivan, malgré sa déclaration de juin, a réservé le chanteur pour trois apparitions pour un montant sans précédent de 50 000 $. La première, le 9 septembre 1956, a été vue par environ 60 millions de téléspectateurs, soit un record de 82,6 % de l'audience télévisée. L'acteur Charles Laughton a animé le spectacle, le remplaçant pendant que Sullivan se remettait d'un accident de voiture. Presley est apparu dans deux segments ce soir-là depuis CBS Television City à Los Angeles. Selon la légende d'Elvis, Presley n'a reçu qu'une balle à la taille. En regardant des extraits des émissions d'Allen et Berle avec son producteur, Sullivan avait estimé que Presley "avait une sorte d'appareil qui pendait sous l'entrejambe de son pantalon - donc quand il bouge ses jambes d'avant en arrière, vous pouvez voir le contour de sa queue. ... Je pense que c'est une bouteille de Coca. ... Nous ne pouvons tout simplement pas avoir ça un dimanche soir ! » Sullivan a déclaré publiquement à TV Guide : "En ce qui concerne ses girations, le tout peut être contrôlé avec des prises de vue de caméra." En fait, Presley a été montré de la tête aux pieds dans les premier et deuxième spectacles. Bien que le travail de la caméra ait été relativement discret lors de ses débuts, avec des gros plans dissimulant ses jambes lorsqu'il dansait, le public du studio a réagi de la manière habituelle : en criant. L'interprétation par Presley de son prochain single, la ballade "Love Me Tender", a suscité un million de commandes anticipées, un record. Plus que tout autre événement, c'est cette première apparition au Ed Sullivan Show qui a fait de Presley une célébrité nationale aux proportions à peine sans précédent.
Accompagnant l'ascension de Presley vers la gloire, un changement culturel se produisait qu'il a à la fois contribué à inspirer et à symboliser. Déclenchant le "plus grand engouement pop depuis Glenn Miller et Frank Sinatra ... Presley a introduit le rock'n'roll dans le courant dominant de la culture populaire", écrit l'historien Marty Jezer. "Alors que Presley fixait le rythme artistique, d'autres artistes ont suivi. ... Presley, plus que quiconque, a donné aux jeunes la confiance en eux-mêmes en tant que génération distincte et en quelque sorte unifiée - la première en Amérique à ressentir le pouvoir d'une jeunesse intégrée. culture."
Foules folles et débuts au cinéma
La réaction du public lors des concerts de Presley est devenue de plus en plus fébrile. Moore se souvient : "Il commençait par : 'Tu n'es rien d'autre qu'un chien de chasse', et ils tombaient en morceaux. Ils réagissaient toujours de la même manière. Il y avait une émeute à chaque fois. " Lors des deux concerts qu'il a donnés en septembre au Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, 50 gardes nationaux ont été ajoutés à la sécurité de la police pour éviter des troubles dans la foule. Elvis, le deuxième album de Presley, est sorti en octobre et s'est rapidement hissé au premier rang. L'album comprend "Old Shep", qu'il a chanté lors du spectacle de talents en 1945, et qui marquait désormais la première fois qu'il jouait du piano lors d'une session RCA. Selon Guralnick, on peut entendre « dans les accords hésitants et le rythme quelque peu trébuchant à la fois l'émotion indubitable et la valorisation tout aussi indubitable de l'émotion sur la technique ». Évaluant l'impact musical et culturel des enregistrements de Presley, de "That's All Right" à Elvis, le critique rock Dave Marsh a écrit que "ces disques, plus que tout autre, contiennent les graines de ce qu'était, a été et très probablement de ce qu'il a été". pourrait vraisemblablement le devenir."
Presley est revenu au spectacle Sullivan dans son studio principal de New York, animé cette fois par son homonyme, le 28 octobre. Après la représentation, des foules à Nashville et à Saint-Louis l'ont brûlé en effigie. Son premier film, Love Me Tender, est sorti le 21 novembre. Même s'il n'était pas en tête d'affiche, le titre original du film, The Reno Brothers, a été modifié pour capitaliser sur son dernier disque numéro un : "Love Me Tender" avait atteint le sommet. en tête des classements plus tôt ce mois-là. Pour tirer davantage parti de la popularité de Presley, quatre numéros musicaux ont été ajoutés à ce qui était à l'origine un simple rôle d'acteur. Le film a été critiqué par la critique mais s'est très bien comporté au box-office.
Le 4 décembre, Presley est passé chez Sun Records où Carl Perkins et Jerry Lee Lewis enregistraient et jouaient avec eux. Bien que Phillips n'ait plus le droit de diffuser du matériel de Presley, il s'est assuré que la session était enregistrée sur bande. Les résultats sont devenus légendaires avec les enregistrements du "Million Dollar Quartet" - on a longtemps pensé que Johnny Cash avait également joué, mais il n'a été présent que brièvement à l'instigation de Phillips pour une séance photo. L'année s'est terminée avec un article en première page du Wall Street Journal rapportant que les marchandises de Presley avaient rapporté 22 millions de dollars, en plus de son record. | http://quiz4free.com/ |
Un Suffolk Punch est quel genre d'animal ? | Horse | [
"Les poinçons du Suffolk sont généralement valables, Dohner, Encyclopédie des races de bétail et de volaille historiques et menacées, p. 350 pèsent entre 1980 et sont toujours de couleur marron. L'orthographe traditionnelle, toujours utilisée par la Suffolk Horse Society, est \"\" (sans \"t\" au milieu du mot). Les chevaux de la race se déclinent dans de nombreuses nuances d'alezan, allant du foncé au rouge en passant par le clair. Les éleveurs de chevaux du Suffolk au Royaume-Uni utilisent plusieurs termes de couleur différents spécifiques à la race, notamment foie foncé, foncé terne, rouge et brillant. Les marques blanches sont rares et généralement limitées à de petites zones du visage et du bas des jambes. L'auteur équestre Marguerite Henry a décrit la race en disant : « Sa couleur est marron clair – comme une langue de feu contre les sillons noirs des champs, contre les brins de maïs verts, contre le blé jaune, contre les horizons bleus. Il n'a jamais d'autre couleur.",
"Dans le passé, le Suffolk était souvent critiqué pour ses pieds pauvres, avec des sabots trop petits pour sa masse corporelle. Cela a été corrigé par l'introduction de classes lors d'expositions majeures dans lesquelles la conformation et la structure des sabots étaient jugées. Cette pratique, unique parmi les races de chevaux, a abouti à une telle amélioration que le Suffolk Punch est désormais considéré comme ayant une excellente conformation du pied. Ryder-Davies, \"The Suffolk\", The Working Horse Manual, p. 19",
"Le registre Suffolk Punch est la plus ancienne société de race anglaise. Ryder-Davies, \"The Suffolk\", The Working Horse Manual, p. 18 La première mention connue du Suffolk Punch se trouve dans Britannia de William Camden, publié en 1586, Edwards, The Encyclopedia of the Horse, p. 288 dans lequel il décrit un cheval de trait des comtés de l'est de l'Angleterre, facilement reconnaissable sous le nom de Suffolk Punch. Cette description en fait la race de cheval la plus ancienne reconnaissable aujourd’hui sous la même forme. Une étude génétique détaillée montre que le Suffolk Punch est étroitement regroupé génétiquement non seulement avec les poneys britanniques Fell et Dales, mais également avec le Haflinger européen. Ils ont été développés dans le Norfolk et le Suffolk, dans l’est de l’Angleterre, une région relativement isolée. Les agriculteurs locaux ont développé le Suffolk Punch pour les travaux agricoles, pour lesquels ils avaient besoin d'un cheval puissant, endurant, en bonne santé, longévité et docilité, et ils ont élevé le Suffolk pour répondre à ces besoins. Parce que les agriculteurs utilisaient ces chevaux sur leurs terres, ils en avaient rarement à vendre, ce qui contribuait à maintenir la lignée pure et inchangée.",
"En 1784, la race était décrite comme « grande, courte et compacte avec des pattes osseuses, souvent de couleur oseille claire, douce, maniable, forte » et avec « des épaules chargées de chair ». Dohner, Encyclopedia of Historic and Endangered Livestock and Poultry Breeds p. 349 Au cours de son développement, la race a été influencée par le Norfolk Trotter, le Norfolk Cob et plus tard le Thoroughbred. La coloration uniforme dérive en partie d'un petit étalon de trot nommé Blakes Farmer, né en 1760. D'autres races ont été croisées dans le but d'augmenter la taille et la stature du Suffolk Punch, ainsi que d'améliorer les épaules, mais elles avaient peu influence durable, et la race reste à peu près telle qu'elle était avant tout croisement. La Suffolk Horse Society, créée en Grande-Bretagne en 1877 pour promouvoir le Suffolk Punch, a publié son premier livre généalogique en 1880.Bailey, Cyclopedia of American Agriculture, pp. 495-496. Les premières exportations officielles de Suffolks vers le Canada ont eu lieu en 1865. En 1880, les premiers Suffolk furent importés aux États-Unis, et d'autres suivirent en 1888 et 1903 pour commencer l'élevage des Suffolk Punches aux États-Unis. L'American Suffolk Horse Association a été créée et a publié son premier livre généalogique en 1907. En 1908, le Suffolk avait également été exporté d'Angleterre vers l'Espagne, la France, l'Allemagne, l'Autriche, la Russie, la Suède, diverses régions d'Afrique, la Nouvelle-Zélande, l'Australie, Argentine et autres pays.",
"Au moment de la Première Guerre mondiale, le Suffolk Punch était devenu un cheval de trait populaire dans les grandes fermes d'East Anglia en raison de son bon tempérament et de son excellente éthique de travail. Il est resté populaire jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, lorsque la combinaison du besoin d'augmentation de la production alimentaire en temps de guerre (qui a entraîné l'envoi de nombreux chevaux à l'abattoir) et de la mécanisation agricole accrue qui a suivi la guerre a décimé la population. Seuls neuf poulains étaient enregistrés auprès de la Suffolk Horse Society en 1966, mais il y a eu un regain d'intérêt pour la race depuis la fin des années 1960 et leur nombre n'a cessé d'augmenter. La race est restée rare et, en 1998, il n'y avait que 80 juments reproductrices en Grande-Bretagne, produisant environ 40 poulains par an. Aux États-Unis, l'American Suffolk Horse Association est devenue inactive après la guerre et le resta pendant 15 ans, mais a redémarré en mai 1961 alors que le marché des chevaux de trait commençait à se redresser. Dans les années 1970 et au début des années 1980, le registre américain permettait à certains Belges d'être accouplés aux Suffolk Punches, mais seules les pouliches issues de ces croisements étaient autorisées à être enregistrées auprès de l'American Suffolk Horse Association. Dohner, Encyclopedia of Historic and Endangered Livestock and Poultry Breeds pp. 351-52",
"Depuis 2001, les chevaux issus de lignées américaines n'étaient pas autorisés à être enregistrés auprès de la British Association, et la race était considérée comme la race de chevaux la plus rare de Grande-Bretagne. Dohner, Encyclopedia of Historic and Endangered Livestock and Poultry Breeds p. 352 Bien que la population du Suffolk Punch ait continué d'augmenter, le Rare Breeds Survival Trust du Royaume-Uni considère que son état de survie est critique, avec entre 800 et 1 200 chevaux aux États-Unis et environ 150 en Angleterre. L'American Livestock Breeds Conservancy considère également la race comme critique. La Suffolk Horse Society a enregistré la naissance de 36 poulains de race pure en 2007, et de 33 autres poulains en mars 2008.",
"Le Suffolk Punch était principalement utilisé pour le travail de trait dans les fermes, mais était également souvent utilisé pour tirer de l'artillerie lourde en temps de guerre. Comme d’autres chevaux lourds, ils étaient également utilisés pour tirer des fourgonnettes non motorisées et d’autres véhicules utilitaires. Aujourd'hui, ils sont utilisés pour des opérations forestières commerciales, pour d'autres travaux de trait et dans la publicité. Ils sont également utilisés pour le croisement, afin de produire des chevaux de sport lourds destinés aux compétitions de chasse et de saut d'obstacles. Hendricks, The International Encyclopedia of Horse Breeds, p. 406 En tant que symbole du comté dans lequel ils sont basés, Ipswich Town F.C. incorporer un Suffolk Punch comme élément dominant de l'écusson de leur équipe."
] | Le Suffolk Punch, également historiquement connu sous le nom de cheval Suffolk ou Suffolk Sorrel, Dohner, Encyclopedia of Historic and Endangered Livestock and Poultry Breeds pp. 349-352, est une race anglaise de cheval de trait. La race tire la première partie de son nom du comté de Suffolk dans l'East Anglia, et le nom "Punch" de son apparence solide et de sa force. C'est un cheval de trait lourd, toujours de couleur alezan, traditionnellement orthographié "" par les registres de race. Les Suffolk Punches sont connus pour être de bons faiseurs et ont tendance à avoir des allures énergiques.
La race a été développée au début du 16ème siècle et reste similaire en phénotype à sa souche fondatrice. Le Suffolk Punch a été développé pour les travaux agricoles et a gagné en popularité au début du 20e siècle. Cependant, à mesure que l'agriculture devenait de plus en plus mécanisée, la race tomba en disgrâce, particulièrement à partir du milieu du siècle, et disparut presque complètement. Bien que le statut de la race soit considéré comme critique par le UK Rare Breeds Survival Trust et l'American Livestock Breeds Conservancy, il y a eu un regain d'intérêt et la population augmente. En plus d'être utilisée pour les travaux agricoles, la race tirait de l'artillerie et des fourgonnettes et bus commerciaux non motorisés. Il a également été exporté vers d’autres pays pour améliorer le cheptel équin local. Aujourd'hui, ils sont utilisés pour les travaux de construction, la foresterie et la publicité.
Caractéristiques
Les poinçons du Suffolk sont généralement valables, Dohner, Encyclopédie des races de bétail et de volaille historiques et menacées, p. 350 pèsent entre 1980 et sont toujours de couleur marron. L'orthographe traditionnelle, toujours utilisée par la Suffolk Horse Society, est "" (sans "t" au milieu du mot). Les chevaux de la race se déclinent dans de nombreuses nuances d'alezan, allant du foncé au rouge en passant par le clair. Les éleveurs de chevaux du Suffolk au Royaume-Uni utilisent plusieurs termes de couleur différents spécifiques à la race, notamment foie foncé, foncé terne, rouge et brillant. Les marques blanches sont rares et généralement limitées à de petites zones du visage et du bas des jambes. L'auteur équestre Marguerite Henry a décrit la race en disant : « Sa couleur est marron clair – comme une langue de feu contre les sillons noirs des champs, contre les brins de maïs verts, contre le blé jaune, contre les horizons bleus. Il n'a jamais d'autre couleur.
Le Suffolk Punch a tendance à être plus court mais plus massif que les autres races britanniques de trait lourd, telles que le Clydesdale ou le Shire, car il a été développé pour le travail agricole plutôt que pour le transport routier. La race a un cou puissant et arqué ; épaules bien musclées et inclinées; un dos court et large ; et une croupe musclée et large. Les pattes sont courtes et fortes, avec de larges articulations ; sabots sains et bien formés; et peu ou pas de plumes sur les boulets. Le mouvement du Suffolk Punch est dit énergique, notamment au trot. La race a tendance à mûrir tôt, à vivre longtemps et est économique à entretenir, nécessitant moins de nourriture que d'autres chevaux de type et de taille similaires. Ce sont des travailleurs acharnés, prêts à « tirer un chariot lourdement chargé jusqu'à ce qu'il tombe ».
Dans le passé, le Suffolk était souvent critiqué pour ses pieds pauvres, avec des sabots trop petits pour sa masse corporelle. Cela a été corrigé par l'introduction de classes lors d'expositions majeures dans lesquelles la conformation et la structure des sabots étaient jugées. Cette pratique, unique parmi les races de chevaux, a abouti à une telle amélioration que le Suffolk Punch est désormais considéré comme ayant une excellente conformation du pied. Ryder-Davies, "The Suffolk", The Working Horse Manual, p. 19
Histoire
Le registre Suffolk Punch est la plus ancienne société de race anglaise. Ryder-Davies, "The Suffolk", The Working Horse Manual, p. 18 La première mention connue du Suffolk Punch se trouve dans Britannia de William Camden, publié en 1586, Edwards, The Encyclopedia of the Horse, p. 288 dans lequel il décrit un cheval de trait des comtés de l'est de l'Angleterre, facilement reconnaissable sous le nom de Suffolk Punch. Cette description en fait la race de cheval la plus ancienne reconnaissable aujourd’hui sous la même forme. Une étude génétique détaillée montre que le Suffolk Punch est étroitement regroupé génétiquement non seulement avec les poneys britanniques Fell et Dales, mais également avec le Haflinger européen. Ils ont été développés dans le Norfolk et le Suffolk, dans l’est de l’Angleterre, une région relativement isolée. Les agriculteurs locaux ont développé le Suffolk Punch pour les travaux agricoles, pour lesquels ils avaient besoin d'un cheval puissant, endurant, en bonne santé, longévité et docilité, et ils ont élevé le Suffolk pour répondre à ces besoins. Parce que les agriculteurs utilisaient ces chevaux sur leurs terres, ils en avaient rarement à vendre, ce qui contribuait à maintenir la lignée pure et inchangée.
Le père fondateur de la race moderne Suffolk Punch était un étalon né près de Woodbridge en 1768 et appartenant à Thomas Crisp d'Ufford. À cette époque, la race était connue sous le nom de Suffolk Sorrel. Hall, Two Hundred Years of British Livestock, pp. 232-234. Ce cheval n'a jamais été nommé et est simplement connu sous le nom de « cheval Crisp ». Bien que l’on pense communément (et à tort) qu’il s’agissait du premier cheval de la race, dans les années 1760, toutes les autres lignées mâles de la race avaient disparu, entraînant un goulot d’étranglement génétique. Un autre goulet d'étranglement s'est produit à la fin du XVIIIe siècle.
En 1784, la race était décrite comme « grande, courte et compacte avec des pattes osseuses, souvent de couleur oseille claire, douce, maniable, forte » et avec « des épaules chargées de chair ». Dohner, Encyclopedia of Historic and Endangered Livestock and Poultry Breeds p. 349 Au cours de son développement, la race a été influencée par le Norfolk Trotter, le Norfolk Cob et plus tard le Thoroughbred. La coloration uniforme dérive en partie d'un petit étalon de trot nommé Blakes Farmer, né en 1760. D'autres races ont été croisées dans le but d'augmenter la taille et la stature du Suffolk Punch, ainsi que d'améliorer les épaules, mais elles avaient peu influence durable, et la race reste à peu près telle qu'elle était avant tout croisement. La Suffolk Horse Society, créée en Grande-Bretagne en 1877 pour promouvoir le Suffolk Punch, a publié son premier livre généalogique en 1880.Bailey, Cyclopedia of American Agriculture, pp. 495-496. Les premières exportations officielles de Suffolks vers le Canada ont eu lieu en 1865. En 1880, les premiers Suffolk furent importés aux États-Unis, et d'autres suivirent en 1888 et 1903 pour commencer l'élevage des Suffolk Punches aux États-Unis. L'American Suffolk Horse Association a été créée et a publié son premier livre généalogique en 1907. En 1908, le Suffolk avait également été exporté d'Angleterre vers l'Espagne, la France, l'Allemagne, l'Autriche, la Russie, la Suède, diverses régions d'Afrique, la Nouvelle-Zélande, l'Australie, Argentine et autres pays.
Au moment de la Première Guerre mondiale, le Suffolk Punch était devenu un cheval de trait populaire dans les grandes fermes d'East Anglia en raison de son bon tempérament et de son excellente éthique de travail. Il est resté populaire jusqu'à la Seconde Guerre mondiale, lorsque la combinaison du besoin d'augmentation de la production alimentaire en temps de guerre (qui a entraîné l'envoi de nombreux chevaux à l'abattoir) et de la mécanisation agricole accrue qui a suivi la guerre a décimé la population. Seuls neuf poulains étaient enregistrés auprès de la Suffolk Horse Society en 1966, mais il y a eu un regain d'intérêt pour la race depuis la fin des années 1960 et leur nombre n'a cessé d'augmenter. La race est restée rare et, en 1998, il n'y avait que 80 juments reproductrices en Grande-Bretagne, produisant environ 40 poulains par an. Aux États-Unis, l'American Suffolk Horse Association est devenue inactive après la guerre et le resta pendant 15 ans, mais a redémarré en mai 1961 alors que le marché des chevaux de trait commençait à se redresser. Dans les années 1970 et au début des années 1980, le registre américain permettait à certains Belges d'être accouplés aux Suffolk Punches, mais seules les pouliches issues de ces croisements étaient autorisées à être enregistrées auprès de l'American Suffolk Horse Association. Dohner, Encyclopedia of Historic and Endangered Livestock and Poultry Breeds pp. 351-52
Depuis 2001, les chevaux issus de lignées américaines n'étaient pas autorisés à être enregistrés auprès de la British Association, et la race était considérée comme la race de chevaux la plus rare de Grande-Bretagne. Dohner, Encyclopedia of Historic and Endangered Livestock and Poultry Breeds p. 352 Bien que la population du Suffolk Punch ait continué d'augmenter, le Rare Breeds Survival Trust du Royaume-Uni considère que son état de survie est critique, avec entre 800 et 1 200 chevaux aux États-Unis et environ 150 en Angleterre. L'American Livestock Breeds Conservancy considère également la race comme critique. La Suffolk Horse Society a enregistré la naissance de 36 poulains de race pure en 2007, et de 33 autres poulains en mars 2008.
Les usages
Le Suffolk Punch était principalement utilisé pour le travail de trait dans les fermes, mais était également souvent utilisé pour tirer de l'artillerie lourde en temps de guerre. Comme d’autres chevaux lourds, ils étaient également utilisés pour tirer des fourgonnettes non motorisées et d’autres véhicules utilitaires. Aujourd'hui, ils sont utilisés pour des opérations forestières commerciales, pour d'autres travaux de trait et dans la publicité. Ils sont également utilisés pour le croisement, afin de produire des chevaux de sport lourds destinés aux compétitions de chasse et de saut d'obstacles. Hendricks, The International Encyclopedia of Horse Breeds, p. 406 En tant que symbole du comté dans lequel ils sont basés, Ipswich Town F.C. incorporer un Suffolk Punch comme élément dominant de l'écusson de leur équipe.
Le Suffolk Punch a contribué de manière significative à la création de la race Jutland au Danemark. Oppenheimer LXII, un Suffolk Punch importé au Danemark dans les années 1860 par le célèbre marchand Suffolk Oppenheimer de Hambourg, était l'un des étalons fondateurs du Jutland. Oppenheimer s'est spécialisé dans la vente de poinçons Suffolk et les a importés au haras de Mecklenburg en Allemagne. L'étalon Oppenheimer a fondé la lignée la plus importante de la race du Jutland, par l'intermédiaire de son descendant Oldrup Munkedal. Les Suffolks ont également été exportés au Pakistan au XXe siècle pour être utilisés dans l'amélioration des races indigènes, et ils ont été croisés avec des chevaux et des ânes pakistanais pour créer des remontées militaires et des mules. Les habitants du Suffolk se sont bien adaptés au climat pakistanais, malgré leur grande taille, et le programme a été couronné de succès. Le Vladimir Heavy Draft, une race de trait de l'ex-URSS, en est une autre qui a été influencée par le Suffolk.
Notes de bas de page | http://quiz4free.com/ |
La chanson «Everybody's Talkin» de Nilsson, présentée dans quel film ? | Midnight Cowboy | [
"\"Everybody's Talkin'\" est une chanson folk rock écrite et initialement publiée par Fred Neil en 1966. Une version de la chanson interprétée par Harry Nilsson est devenue un succès mondial en 1969, atteignant la 2e et la 6e place du classement Billboard Adult Contemporary et Pop. Classement des singles respectivement, et remportant un Grammy après avoir été présenté sur la bande originale du film Midnight Cowboy. La chanson, qui décrit le désir du chanteur de se retirer des autres vers l'océan, fait partie des œuvres les plus célèbres des deux artistes et a été reprise par de nombreux autres interprètes notables. La chanson est apparue plus tard dans le film Forrest Gump de 1994 et figure également sur l'album de la bande originale du film. Il est également apparu dans le film comique Borat, sur la bande originale de The Hangover Part III et dans l'émission de télévision anglaise Black Books.",
"Toby Creswell de 1001 Songs a noté que la chanson avait des parallèles avec la vie ultérieure de Neil - comme le héros de Midnight Cowboy, il recherchait « une gloire à la hauteur de ses talents, découvrant que le succès dans sa profession n'est pas seulement craqué ». être\" et voulait se retirer. Cinq ans plus tard, Neil a définitivement tenu la promesse de l'orateur de la chanson, rejetant la célébrité pour vivre le reste de sa vie dans une relative obscurité \"où le soleil continue de briller / Sous la pluie battante\" dans sa maison de Coconut Grove.",
"Nilsson était à la recherche d'une chanson potentiellement à succès lorsque Rick Jarrard a joué le morceau pour lui, et il a décidé de le sortir sur son album de 1968 Aerial Ballet. Lorsque Derek Taylor a recommandé Nilsson pour la bande originale de Midnight Cowboy au réalisateur John Schlesinger, Schlesinger a sélectionné \"Everybody's Talkin, préférant la reprise à la chanson proposée par Nilsson,\" I Guess the Lord Must Be in New York City \".",
"La chanson a été utilisée comme chanson thème du film et s'y est étroitement identifiée ; La couverture de Nilsson est également connue sous le nom de \"Everybody's Talkin' (Thème de Midnight Cowboy)\". William J. Mann dans sa biographie de Schlesinger a noté que \"on ne peut pas imaginer Midnight Cowboy maintenant sans\" Everybody's Talkin \"\".",
"La chanson est très appréciée dans l’industrie, étant devenue un standard. L'auteur-compositeur Jerry Leiber l'a décrit comme \"une chanson très étrange et belle\", parmi les chansons \"vraiment belles mélodiquement et lyriquement\" de Fred Neil, qui a été décrit par Rolling Stone comme \"[r] exclusif, mystérieux et extravagant doué\". Un article du New York Times de 2006 qualifie la chanson de « point de repère de l'ère du rock classique ». La popularité de la chanson s'est avérée persistante ; jusqu'en 2005, selon les chiffres de Broadcast Music Incorporated rapportés dans le New York Times, la chanson a été diffusée à la radio et à la télévision 6,7 millions de fois. L'utilisation de la chanson dans Midnight Cowboy est devenue emblématique. En 2004, la chanson a été classée n°20 par l'American Film Institute dans son « top 100 des chansons de films » pour les 100 premières années du film."
] | "Everybody's Talkin'" est une chanson folk rock écrite et initialement publiée par Fred Neil en 1966. Une version de la chanson interprétée par Harry Nilsson est devenue un succès mondial en 1969, atteignant la 2e et la 6e place du classement Billboard Adult Contemporary et Pop. Classement des singles respectivement, et remportant un Grammy après avoir été présenté sur la bande originale du film Midnight Cowboy. La chanson, qui décrit le désir du chanteur de se retirer des autres vers l'océan, fait partie des œuvres les plus célèbres des deux artistes et a été reprise par de nombreux autres interprètes notables. La chanson est apparue plus tard dans le film Forrest Gump de 1994 et figure également sur l'album de la bande originale du film. Il est également apparu dans le film comique Borat, sur la bande originale de The Hangover Part III et dans l'émission de télévision anglaise Black Books.
Arrière-plan
La chanson est sortie pour la première fois sur le deuxième album de Neil, Fred Neil, éponyme de 1966. Il a été composé vers la fin de la session, après que Neil ait eu hâte de terminer l'album pour pouvoir retourner chez lui à Miami, en Floride. Le manager Herb Cohen a promis que si Neil écrivait et enregistrait un dernier morceau, il pourrait y aller. "Everybody's Talkin, enregistré en une seule prise, en est le résultat.
Toby Creswell de 1001 Songs a noté que la chanson avait des parallèles avec la vie ultérieure de Neil - comme le héros de Midnight Cowboy, il recherchait « une gloire à la hauteur de ses talents, découvrant que le succès dans sa profession n'est pas seulement craqué ». être" et voulait se retirer. Cinq ans plus tard, Neil a définitivement tenu la promesse de l'orateur de la chanson, rejetant la célébrité pour vivre le reste de sa vie dans une relative obscurité "où le soleil continue de briller / Sous la pluie battante" dans sa maison de Coconut Grove.
Version Harry Nilsson
Nilsson était à la recherche d'une chanson potentiellement à succès lorsque Rick Jarrard a joué le morceau pour lui, et il a décidé de le sortir sur son album de 1968 Aerial Ballet. Lorsque Derek Taylor a recommandé Nilsson pour la bande originale de Midnight Cowboy au réalisateur John Schlesinger, Schlesinger a sélectionné "Everybody's Talkin, préférant la reprise à la chanson proposée par Nilsson," I Guess the Lord Must Be in New York City ".
La chanson a été utilisée comme chanson thème du film et s'y est étroitement identifiée ; La couverture de Nilsson est également connue sous le nom de "Everybody's Talkin' (Thème de Midnight Cowboy)". William J. Mann dans sa biographie de Schlesinger a noté que "on ne peut pas imaginer Midnight Cowboy maintenant sans" Everybody's Talkin "".
Graphiques
Thème et style
Décrit dans le dictionnaire The Rock Snob*s comme une « plainte anti-urbaine », « Everybody's Talkin dépeint l'incapacité de l'orateur introverti à se connecter avec les autres. Ne les entendant pas ou ne les voyant pas vraiment, l'orateur déclare son intention de partir pour l'océan et l'été. Denise Sullivan d'Allmusic décrit la version de Neil comme « positivement effrayante et spartiate » par rapport à la reprise plus connue de Nilsson, dont l'arrangement, selon elle, capturait la « liberté, enveloppée de regret et de perte, impliquée dans les paroles ».
Réception et héritage
Le single de Nilsson pour la chanson s'est vendu à plus d'un million d'exemplaires et figurait dans les palmarès Billboards "Adult Contemporary" et "Pop Singles", atteignant respectivement la deuxième et la sixième place en 1969. Le single de Nilsson a également remporté un Grammy cette année-là. La chanson est devenue un succès mondial et a été suivie par des apparitions internationales de Nilsson pour l'interpréter.
Bien que Nilsson lui-même ait nié que la chanson ait fait son succès, 1001 Songs indique que le hit "a fait de Nilsson une superstar", l'exposant à une base de fans beaucoup plus large et modifiant sa réputation de celle d'auteur-compositeur à celle de chanteur. Après la mort de Nilsson, Billboard a noté que Nilsson restait dans les mémoires du public pour ses reprises de "Everybody's Talkin et "Without You". Neil, lui aussi, est largement connu pour cette chanson. Mais bien que le deuxième album de Neil ait été réédité en 1969 sous le titre Everybody's Parlant afin de capitaliser sur le succès de la chanson, Neil lui-même a évité les feux de la rampe, se retirant de l'industrie après son dernier album en 1971 pour vivre tranquillement dans les Florida Keys avec les millions de dollars qu'il aurait gagnés grâce aux redevances de la chanson. Conformément à la position de la chanson dans les œuvres des deux artistes, elle a été utilisée pour titrer plusieurs albums de compilation des « plus grands succès » : une sortie en 1997 par BMG, une sortie en 2001 par Armory et une sortie en 2006 par RCA pour Nilsson et une sortie en 2005 pour Neil par Raven Records intitulée Echoes of My Mind: The Best of 1963-1971.
La chanson est très appréciée dans l’industrie, étant devenue un standard. L'auteur-compositeur Jerry Leiber l'a décrit comme "une chanson très étrange et belle", parmi les chansons "vraiment belles mélodiquement et lyriquement" de Fred Neil, qui a été décrit par Rolling Stone comme "[r] exclusif, mystérieux et extravagant doué". Un article du New York Times de 2006 qualifie la chanson de « point de repère de l'ère du rock classique ». La popularité de la chanson s'est avérée persistante ; jusqu'en 2005, selon les chiffres de Broadcast Music Incorporated rapportés dans le New York Times, la chanson a été diffusée à la radio et à la télévision 6,7 millions de fois. L'utilisation de la chanson dans Midnight Cowboy est devenue emblématique. En 2004, la chanson a été classée n°20 par l'American Film Institute dans son « top 100 des chansons de films » pour les 100 premières années du film.
Harry Dean Stanton a décrit "Everybody's Talkin'" comme "une chanson d'héroïne" qui, selon lui, était "inspirée par Luke Askew, un acteur".
Versions de couverture
Depuis que la version de Nilsson de la chanson a connu un succès dans les charts, la chanson a été reprise par de nombreux autres artistes, près de 100 en 2006. Les artistes les plus notables incluent Stevie Wonder, Willie Nelson, Neil Diamond, Liza Minnelli, Tony Bennett, Luna, Bill Withers. , Madeleine Peyroux, Louis Armstrong, Leonard Nimoy, Julio Iglesias, Lena Horne et Harold Melvin et les Blue Notes. La version de Nilsson a été échantillonnée en 2002 par Paul Oakenfold dans "Starry Eyed Surprise" et en 2004 par Go! Équipe dans "Tout le monde est un VIP pour quelqu'un". | http://quiz4free.com/ |
K est le symbole chimique de quoi ? | potassium | [
"Le potassium est un élément chimique de symbole K (dérivé du néo-latin kalium) et de numéro atomique 19. Il a été isolé pour la première fois de la potasse, les cendres de plantes, d'où son nom. Dans le tableau périodique, le potassium est l'un des sept éléments de la colonne (groupe) 1 (métaux alcalins). Tous les éléments du groupe 1 ont un seul électron de valence dans la couche électronique externe, qui est facilement éliminé pour créer un ion avec une charge positive – un cation, qui se combine avec les anions pour former des sels. Le potassium dans la nature ne se trouve que dans les sels ioniques. Le potassium élémentaire est un métal alcalin blanc argenté doux qui s'oxyde rapidement dans l'air et réagit vigoureusement avec l'eau, générant suffisamment de chaleur pour enflammer l'hydrogène émis lors de la réaction et brûlant avec une flamme de couleur lilas. On le trouve dissous dans l'eau de mer (qui contient 0,04 % de potassium en poids) et fait partie de nombreux minéraux.",
"Le potassium naturel est composé de trois isotopes, dont un radioactif. On en trouve des traces dans tout le potassium, et c'est le radio-isotope le plus courant dans le corps humain.",
"Le potassium est chimiquement très similaire au sodium, l'élément précédent du groupe 1 du tableau périodique. Ils ont une énergie d’ionisation similaire, ce qui permet à chaque atome de renoncer à son seul électron externe. Le fait qu'il s'agisse d'éléments différents qui se combinent avec les mêmes anions pour former des sels similaires a été soupçonné en 1702 et prouvé en 1807 par électrolyse.",
"La plupart des applications industrielles du potassium exploitent la haute solubilité dans l’eau des composés du potassium, tels que les savons de potassium. Une production agricole importante épuise rapidement le sol en potassium, et cet épuisement est évité et corrigé grâce à des engrais agricoles contenant du potassium, qui représentent 95 % de la production chimique mondiale de potassium.",
"Les ions potassium sont nécessaires au fonctionnement de toutes les cellules vivantes. Le transfert des ions potassium à travers les membranes des cellules nerveuses est nécessaire à la transmission nerveuse normale ; une déplétion excessive en potassium peut entraîner de nombreuses anomalies, notamment un rythme cardiaque anormal et diverses anomalies électrocardiographiques (ECG). Les fruits et légumes frais sont de bonnes sources alimentaires de potassium. Le corps réagit à l’afflux de potassium alimentaire, ce qui augmente les taux sériques de potassium, avec un déplacement du potassium de l’extérieur vers l’intérieur des cellules et une augmentation de l’excrétion du potassium par les reins.",
"Le potassium est le deuxième métal le moins dense après le lithium. C'est un solide mou avec un point de fusion bas et peut être facilement coupé avec un couteau. Le potassium fraîchement coupé est d'apparence argentée, mais il commence à ternir vers le gris immédiatement après exposition à l'air. Greenwood, p. 76 Lors d'un test de flamme, le potassium et ses composés émettent une couleur lilas avec une longueur d'onde d'émission maximale de 766,5 nanomètres.",
"Les atomes neutres de potassium possèdent 19 électrons, soit un de plus que la configuration extrêmement stable du gaz noble argon. En raison de cela et de sa faible énergie de première ionisation de 418,8 kJ/mol, l'atome de potassium est beaucoup plus susceptible de perdre le dernier électron et d'acquérir une charge positive que d'en gagner un et d'acquérir une charge négative (bien que les ions alcalines chargés négativement ne soient pas impossibles). . ) Ce processus nécessite si peu d’énergie que le potassium est facilement oxydé par l’oxygène atmosphérique. En revanche, la deuxième énergie d'ionisation est très élevée (3052 kJ/mol), car la suppression de deux électrons brise la configuration électronique stable des gaz rares (la configuration de l'argon inerte). Le potassium ne forme donc pas facilement des composés ayant un état d’oxydation de +2 ou plus.",
"Le potassium est un métal extrêmement actif qui réagit violemment avec l'oxygène et l'eau de l'air. Avec l'oxygène, il forme du peroxyde de potassium et avec de l'eau, le potassium forme de l'hydroxyde de potassium. La réaction du potassium avec l’eau est dangereuse en raison de son caractère exothermique violent et de la production d’hydrogène gazeux. L'hydrogène réagit à nouveau avec l'oxygène atmosphérique, produisant de l'eau, qui réagit avec le potassium restant. Cette réaction ne nécessite que des traces d'eau ; pour cette raison, le potassium et le sodium-potassium liquide – NaK – sont de puissants déshydratants qui peuvent être utilisés pour sécher les solvants avant la distillation. Burkhardt, p. 35",
"En raison de la sensibilité du potassium à l'eau et à l'air, les réactions avec d'autres éléments ne sont possibles que dans une atmosphère inerte telle que l'argon, en utilisant des techniques sans air. Le potassium ne réagit pas avec la plupart des hydrocarbures tels que l'huile minérale ou le kérosène. Il se dissout facilement dans l'ammoniaque liquide, jusqu'à 480 g pour 1 000 g d'ammoniaque à 0 °C. Selon la concentration, les solutions d'ammoniaque sont bleues à jaunes et leur conductivité électrique est similaire à celle des métaux liquides. Dans une solution pure, le potassium réagit lentement avec l'ammoniac pour former du , mais cette réaction est accélérée par d'infimes quantités de sels de métaux de transition. Burkhardt, p. 32 Parce qu'il peut réduire les sels en métal, le potassium est souvent utilisé comme réducteur dans la préparation de métaux finement divisés à partir de leurs sels par la méthode Rieke. Par exemple, la préparation du magnésium par cette méthode utilise le potassium comme réducteur :",
"Le seul état d’oxydation courant du potassium est +1. Le potassium métallique est un puissant agent réducteur qui s'oxyde facilement en cation monopositif. Une fois oxydé, il est très stable et difficile à réduire en métal.",
"L'hydroxyde de potassium réagit facilement avec le dioxyde de carbone pour produire du carbonate de potassium et est utilisé pour éliminer les traces de gaz de l'air. En général, les composés de potassium ont une excellente solubilité dans l’eau, en raison de l’énergie d’hydratation élevée de l’ion. L'ion potassium est incolore dans l'eau et est très difficile à précipiter ; les méthodes de précipitation possibles incluent les réactions avec le tétraphénylborate de sodium, l'acide hexachloroplatinique et le cobaltinitrite de sodium.",
"Le potassium s'oxyde plus rapidement que la plupart des métaux et forme des oxydes avec des liaisons oxygène-oxygène, comme le font tous les métaux alcalins à l'exception du lithium. Trois espèces se forment au cours de la réaction : l'oxyde de potassium, le peroxyde de potassium et le superoxyde de potassium formés de trois ions différents à base d'oxygène : l'oxyde (), le peroxyde () et le superoxyde (). Les deux dernières espèces, notamment le superoxyde, sont rares et ne se forment qu'en réaction avec des métaux très électropositifs ; ces espèces contiennent des liaisons oxygène-oxygène. Tous les composés binaires potassium-oxygène sont connus pour réagir violemment avec l’eau, formant de l’hydroxyde de potassium. Ce composé est un alcali très puissant, et 1,21 kg de celui-ci peut se dissoudre dans aussi peu qu'un litre d'eau.",
"Les composés du potassium sont généralement hautement ioniques et la plupart d’entre eux sont donc solubles dans l’eau. Les principales espèces en solution aqueuse sont les complexes aquatiques où n 6 et 7.Lincoln, S. F. ; Richens, D. T. et Sykes, A. G. \"Metal Aqua Ions\" dans J. A. McCleverty et T. J. Meyer (éd.) [http://www.sciencedirect.com/science/referenceworks/9780080437484 Comprehensive Coordination Chemistry II], Vol. 1, pages 515 à 555, ISBN 978-0-08-043748-4. Certains des rares sels de potassium peu solubles comprennent le tétraphénylborate de potassium, l'hexachloroplatinate de potassium et le cobaltinitrite de potassium.",
"Il existe 24 isotopes connus du potassium, dont trois sont présents naturellement : (93,3 %), (0,0117 %) et (6,7 %). À l'état naturel, sa demi-vie est de 1 250 × 109 ans. Il se désintègre jusqu'à devenir stable par capture d'électrons ou émission de positons (11,2 %) ou jusqu'à stable par désintégration bêta (88,8 %). La désintégration du to est à la base d’une méthode courante de datation des roches. La méthode conventionnelle de datation K-Ar repose sur l'hypothèse que les roches ne contenaient pas d'argon au moment de leur formation et que tout l'argon radiogénique ultérieur () a été quantitativement retenu. Les minéraux sont datés par la mesure de la concentration de potassium et de la quantité de radiogène accumulée. Les minéraux les mieux adaptés à la datation comprennent la biotite, la muscovite, la hornblende métamorphique et le feldspath volcanique ; des échantillons de roches entières provenant de coulées volcaniques et d'agrégats intrusifs peu profonds peuvent également être datés s'ils ne sont pas altérés. Outre la datation, les isotopes du potassium ont été utilisés comme traceurs dans des études sur l'altération et pour des études sur le cycle des nutriments, car le potassium est un macronutriment nécessaire à la vie.",
" se produit dans le potassium naturel (et donc dans certains substituts du sel commerciaux) en quantité suffisante pour que de grands sacs de ces substituts puissent être utilisés comme source radioactive pour des démonstrations en classe. est le radio-isotope le plus abondant dans l’organisme. Chez les animaux et les personnes en bonne santé, représente la plus grande source de radioactivité, même supérieure à . Dans un corps humain pesant 70 kg, environ 4 400 noyaux se désintègrent par seconde. L'activité du potassium naturel est de 31 Bq/g.",
"Le potassium se forme dans les supernovas par nucléosynthèse à partir d’atomes plus légers. Le potassium est principalement créé dans les supernovas de type II via le processus explosif de combustion de l'oxygène. est également formé lors de la nucléosynthèse du processus s et du processus de combustion du néon.",
"Le potassium représente environ 2,6 % du poids de la croûte terrestre et est le septième élément le plus abondant dans la croûte. C'est le 17e élément le plus abondant en poids sur Terre et le 20e élément le plus abondant dans le système solaire. La concentration de potassium dans l'eau de mer est de 0,39 g/L (0,039 poids/volume), soit environ un quart de la concentration de sodium.",
"Ni le potassium élémentaire ni les sels de potassium (en tant qu'entités distinctes des autres sels) n'étaient connus à l'époque romaine, et le nom latin de l'élément, kalium, n'est pas du latin classique mais plutôt néo-latin. Kalium vient du mot alcali, qui lui-même vient de 'al-qalyah \"cendres de plantes\". Le terme anglais alcalin à consonance similaire provient de cette même racine, alors que le mot pour potassium en arabe standard moderne est بوتاسيوم būtāsyūm.",
"Ainsi je propose maintenant de substituer aux mots jusqu'à présent courants d'« alcali végétal », « alcali végétal », « potasse », etc., celui de kali ; et pour revenir à l'ancien nom de natron au lieu de dire \"alcali minéral\", \"soude\", etc.) En 1809, le physicien et chimiste allemand Ludwig Wilhelm Gilbert proposa les noms Kalium pour le \"potassium\" d'Humphry Davy et Natronium pour le \"potassium\" de Davy. sodium\". En 1814, le chimiste suédois Berzelius préconise le nom de kalium pour le potassium, avec le symbole chimique K.",
"Le nom anglais de l'élément potassium vient du mot « potash » et fait référence à la méthode de production de potassium : placer dans un pot les cendres de bois ou de feuilles d'arbre brûlées, ajouter de l'eau, chauffer et évaporer la solution.",
"La potasse est principalement un mélange de sels de potassium, car les plantes contiennent peu ou pas de sodium, et le reste de la principale teneur en minéraux d'une plante est constitué de sels de calcium relativement peu solubles dans l'eau. Bien que la potasse soit utilisée depuis l’Antiquité, elle n’a pas été considérée pendant la majeure partie de son histoire comme une substance fondamentalement différente des sels minéraux de sodium. Georg Ernst Stahl a obtenu des preuves expérimentales qui l'ont amené à suggérer la différence fondamentale entre les sels de sodium et de potassium en 1702, et Henri Louis Duhamel du Monceau a pu prouver cette différence en 1736. La composition chimique exacte des composés de potassium et de sodium et le statut en tant qu'élément chimique du potassium et du sodium, n'était pas connu à l'époque et c'est pourquoi Antoine Lavoisier n'a pas inclus l'alcali dans sa liste d'éléments chimiques en 1789. Pendant longtemps, les seules applications significatives de la potasse furent la production de verre, d'eau de Javel, de savon. et de la poudre à canon sous forme de nitrate de potassium. Les savons de potassium issus de graisses animales et d'huiles végétales étaient particulièrement appréciés car ils ont tendance à être plus solubles dans l'eau et à avoir une texture plus douce, et sont donc connus sous le nom de savons mous. La découverte par Justus Liebig en 1840 que le potassium est un élément nécessaire aux plantes et que la plupart des sols manquent de potassium a provoqué une forte augmentation de la demande en sels de potassium. La cendre de bois des sapins était initialement utilisée comme source de sel de potassium pour les engrais, mais, avec la découverte en 1868 de gisements minéraux contenant du chlorure de potassium près de Staßfurt, en Allemagne, la production d'engrais contenant du potassium a commencé à l'échelle industrielle. D'autres gisements de potasse ont été découverts et, dans les années 1960, le Canada est devenu le principal producteur.",
"Le potassium métal a été isolé pour la première fois en 1807 en Angleterre par Sir Humphry Davy, qui l'a dérivé de la potasse caustique (KOH, hydroxyde de potassium) par électrolyse du KOH fondu avec la pile voltaïque récemment découverte. Le potassium a été le premier métal isolé par électrolyse. Plus tard dans la même année, Davy rapporta l'extraction du sodium métallique à partir d'un dérivé minéral (soude caustique, NaOH ou lessive) plutôt que d'un sel végétal, par une technique similaire, démontrant que les éléments, et donc les sels, sont différents. Bien que la production de potassium et de sodium métallique aurait dû montrer que les deux sont des éléments, il a fallu un certain temps avant que ce point de vue soit universellement accepté.",
"Le potassium élémentaire n'est pas présent dans la nature en raison de sa grande réactivité. Il réagit violemment avec l'eau (voir section Précautions ci-dessous) et réagit également avec l'oxygène. L'orthose (feldspath potassique) est un minéral commun formant des roches. Le granit, par exemple, contient 5 % de potassium, ce qui est bien supérieur à la moyenne de la croûte terrestre. La sylvite (KCl), la carnallite, la kainite et la langbéinite sont les minéraux trouvés dans les grands gisements d'évaporites du monde entier. Les dépôts présentent souvent des couches commençant par la moins soluble en bas et la plus soluble en haut. Les dépôts de nitre (nitrate de potassium) se forment par décomposition de matières organiques en contact avec l'atmosphère, principalement dans les grottes ; en raison de la bonne solubilité du nitre dans l’eau, la formation de dépôts plus importants nécessite des conditions environnementales particulières.",
"Les sels de potassium tels que la carnallite, la langbéinite, la polyhalite et la sylvite forment de vastes gisements dans les anciens fonds de lacs et fonds marins, rendant l'extraction de sels de potassium dans ces environnements commercialement viable. La principale source de potassium – la potasse – est extraite au Canada, en Russie, en Biélorussie, en Allemagne, en Israël, aux États-Unis, en Jordanie et ailleurs dans le monde. Les premiers gisements exploités étaient situés près de Staßfurt, en Allemagne, mais les gisements s'étendent de la Grande-Bretagne à l'Allemagne jusqu'en Pologne. Ils sont situés dans le Zechstein et ont été déposés entre le Permien moyen et supérieur. Les plus grands gisements jamais découverts se trouvent à 1 000 m sous la surface de la province canadienne de la Saskatchewan. Les gisements sont situés dans le groupe d'Elk Point produit dans le Dévonien moyen. La Saskatchewan, où plusieurs grandes mines sont exploitées depuis les années 1960, a été la première à utiliser la technique de congélation des sables humides (la formation Blairmore) pour y enfoncer des puits de mine. La principale société minière de potasse en Saskatchewan est la Potash Corporation of Saskatchewan. L’eau de la Mer Morte est utilisée par Israël et la Jordanie comme source de potasse, alors que la concentration dans les océans normaux est trop faible pour une production commerciale aux prix actuels.",
"Plusieurs méthodes sont utilisées pour séparer les sels de potassium des composés de sodium et de magnésium. La méthode la plus utilisée est la précipitation fractionnée utilisant les différences de solubilité des sels à différentes températures. La séparation électrostatique du mélange de sel broyé est également utilisée dans certaines mines. Les déchets de sodium et de magnésium qui en résultent sont soit stockés sous terre, soit entassés dans des terrils. La plupart des minéraux de potassium extraits finissent sous forme de chlorure de potassium après traitement. L'industrie minière fait référence au chlorure de potassium sous le nom de potasse, de muriate de potasse ou simplement de MOP.",
"Le potassium métallique pur peut être isolé par électrolyse de son hydroxyde selon un processus qui a peu changé depuis Davy. Bien que le procédé d'électrolyse ait été développé et utilisé à l'échelle industrielle dans les années 1920, la méthode thermique consistant à faire réagir du sodium avec du chlorure de potassium dans une réaction d'équilibre chimique est devenue la méthode dominante dans les années 1950.",
"La production d'alliages sodium-potassium est réalisée en modifiant le temps de réaction et la quantité de sodium utilisée dans la réaction. Le procédé Griesheimer employant la réaction du fluorure de potassium avec le carbure de calcium a également été utilisé pour produire du potassium.",
"Le potassium métallique de qualité réactif coûte environ 10,00 $/livre (22 $/kg) en 2010 lorsqu'il est acheté à la tonne. Le métal de moindre pureté est considérablement moins cher. Le marché est volatil car le stockage à long terme du métal est difficile. Il doit être stocké dans une atmosphère de gaz inerte sec ou d'huile minérale anhydre pour éviter la formation d'une couche superficielle de superoxyde de potassium, un explosif sensible à la pression qui explose lorsqu'il est rayé. L'explosion qui en résulte déclenche souvent un incendie difficile à éteindre.",
"Le potassium est le huitième ou le neuvième élément en masse (0,2 %) dans le corps humain, de sorte qu'un adulte de 60 kg contient au total environ 120 g de potassium. Le corps contient à peu près autant de potassium que de soufre et de chlore, et seuls le calcium et le phosphore sont plus abondants. Les ions potassium sont présents dans une grande variété de protéines et d'enzymes.",
"Les niveaux de potassium influencent plusieurs processus physiologiques, notamment",
"L'homéostasie du potassium désigne le maintien de la teneur totale en potassium du corps, du taux plasmatique de potassium et du rapport entre les concentrations de potassium intracellulaire et extracellulaire dans des limites étroites, face à l'apport pulsatile (repas), à l'excrétion rénale obligatoire et aux changements entre intracellulaire et extracellulaire. compartiments.",
"Le potassium plasmatique est normalement maintenu entre 3,5 et 5,0 millimoles (mmol) [ou milliéquivalents (mEq)] par litre par plusieurs mécanismes. Les niveaux en dehors de cette plage sont associés à un taux croissant de décès dus à des causes multiples, et certaines maladies cardiaques, rénales et pulmonaires progressent plus rapidement si les taux de potassium sérique ne sont pas maintenus dans la plage normale.",
"Un repas moyen de 40 à 50 mmol apporte à l'organisme plus de potassium que ce qui est présent dans tout le plasma (20 à 25 mmol). Cependant, cette augmentation entraîne une augmentation du potassium plasmatique de seulement 10 % au maximum en raison d'une clairance rapide et efficace par les mécanismes rénaux et extra-rénaux.",
"L'hypokaliémie, une carence en potassium dans le plasma, peut être mortelle si elle est grave. Les causes courantes sont une augmentation des pertes gastro-intestinales (vomissements, diarrhée) et une augmentation des pertes rénales (diurèse). Les symptômes de carence comprennent une faiblesse musculaire, un iléus paralytique, des anomalies de l'ECG, une diminution de la réponse réflexe ; et dans les cas graves, paralysie respiratoire, alcalose et arythmie cardiaque.",
"La teneur en potassium du plasma est étroitement contrôlée par quatre mécanismes fondamentaux, qui portent différents noms et classifications. Les quatre sont 1) un système réactif à rétroaction négative, 2) un système réactif à réaction anticipée, 3) un système prédictif ou circadien et 4) un système de transport interne ou membranaire cellulaire. Collectivement, les trois premiers sont parfois appelés « système d'homéostasie externe du potassium » ; et les deux premiers, le « système d'homéostasie réactive du potassium ».",
"*Le système réactif à rétroaction négative fait référence au système qui induit la sécrétion rénale de potassium en réponse à une augmentation du potassium plasmatique (ingestion de potassium, déplacement hors des cellules ou perfusion intraveineuse).",
"*Le système réactif feed-forward fait référence à un système mal compris qui induit une sécrétion rénale de potassium en réponse à l'ingestion de potassium avant toute augmentation du potassium plasmatique. Ceci est probablement initié par les récepteurs du potassium des cellules intestinales qui détectent le potassium ingéré et déclenchent des signaux afférents vagaux vers l'hypophyse.",
"*Le système prédictif ou circadien augmente la sécrétion rénale de potassium pendant les heures de repas (par exemple pendant la journée pour les humains, la nuit pour les rongeurs), indépendamment de la présence, de la quantité ou de l'absence d'ingestion de potassium. Elle est médiée par un oscillateur circadien dans le noyau suprachiasmatique du cerveau (horloge centrale), qui amène le rein (horloge périphérique) à sécréter du potassium de cette manière circadienne rythmée.",
"*Le système de transport des ions déplace le potassium à travers la membrane cellulaire à l'aide de deux mécanismes. L’un est actif et pompe le sodium hors de la cellule et le potassium vers celle-ci. L’autre est passif et permet au potassium de s’échapper de la cellule. Les cations potassium et sodium influencent la distribution des fluides entre les compartiments intracellulaires et extracellulaires par les forces osmotiques. Le mouvement du potassium et du sodium à travers la membrane cellulaire est assuré par la pompe Na+/K+-ATPase. Cette pompe à ions utilise l'ATP pour pomper trois ions sodium hors de la cellule et deux ions potassium dans la cellule, créant ainsi un gradient électrochimique et une force électromotrice à travers la membrane cellulaire. Les canaux ioniques potassium hautement sélectifs (qui sont des tétramères) sont cruciaux pour l’hyperpolarisation à l’intérieur des neurones après le déclenchement d’un potentiel d’action, pour ne citer qu’un exemple. Le canal ionique potassium découvert le plus récemment est KirBac3.1, qui représente un total de cinq canaux ioniques potassium (KcsA, KirBac1.1, KirBac3.1, KvAP et MthK) avec une structure déterminée. Tous les cinq appartiennent à des espèces procaryotes.",
"La manipulation rénale du potassium est étroitement liée à la manipulation du sodium. Le potassium est le cation majeur (ion positif) à l'intérieur des cellules animales [150 mmol/L, (4,8 g)], tandis que le sodium est le cation majeur du liquide extracellulaire [150 mmol/L, (3,345 g)]. Dans les reins, environ 180 litres de plasma sont filtrés chaque jour à travers les glomérules et dans les tubules rénaux. Cette filtration implique environ 600 g de sodium et 33 g de potassium. Étant donné que seuls 1 à 10 g de sodium et 1 à 4 g de potassium sont susceptibles d'être remplacés par l'alimentation, le filtrage rénal doit réabsorber efficacement le reste du plasma.",
"Le sodium est réabsorbé pour maintenir le volume extracellulaire, la pression osmotique et la concentration sérique de sodium dans des limites étroites ; le potassium est réabsorbé pour maintenir la concentration sérique de potassium dans des limites étroites. Les pompes à sodium dans les tubules rénaux fonctionnent pour réabsorber le sodium. Le potassium doit également être conservé, mais comme la quantité de potassium dans le plasma sanguin est très faible et que le pool de potassium dans les cellules est environ trente fois plus important, la situation n'est pas si critique pour le potassium. Étant donné que le potassium est déplacé passivement à contre-courant du sodium en réponse à un équilibre de Donnan apparent (mais non réel), l'urine ne peut jamais descendre en dessous de la concentration de potassium dans le sérum, sauf parfois en excrétant activement de l'eau à la fin du traitement. Le potassium est excrété deux fois et réabsorbé trois fois avant que l'urine n'atteigne les tubules collecteurs. À ce stade, l’urine contient généralement à peu près la même concentration de potassium que le plasma. À la fin du traitement, le potassium est à nouveau sécrété si les taux sériques sont trop élevés.",
"Sans apport de potassium, il est excrété à raison d'environ 200 mg par jour jusqu'à ce qu'en une semaine environ, le potassium dans le sérum diminue jusqu'à un niveau légèrement déficient de 3,0 à 3,5 mmol/L. Si le potassium est toujours retenu, la concentration continue de baisser jusqu'à ce qu'une carence grave entraîne la mort.",
"Le potassium se déplace passivement à travers les pores de la membrane cellulaire. Lorsque les ions traversent les pompes, il y a une porte dans les pompes de chaque côté de la membrane cellulaire et une seule porte peut être ouverte à la fois. En conséquence, environ 100 ions sont forcés par seconde. Les pores n’ont qu’une seule porte, et là, un seul type d’ion peut passer, à raison de 10 à 100 millions d’ions par seconde. Les pores ont besoin de calcium pour s'ouvrir, bien que l'on pense que le calcium agit en sens inverse en bloquant au moins un des pores. comprend une image détaillée des atomes dans la pompe. Les groupes carbonyle à l'intérieur des pores sur les acides aminés imitent l'hydratation de l'eau qui a lieu dans une solution aqueuse par la nature des charges électrostatiques sur quatre groupes carbonyle à l'intérieur du pore.",
"Le potassium peut être détecté par le goût car il déclenche trois des cinq types de sensations gustatives, selon la concentration. Les solutions diluées d'ions potassium ont un goût sucré, permettant des concentrations modérées dans le lait et les jus, tandis que des concentrations plus élevées deviennent de plus en plus amères/alcalines, et finalement également salées au goût. L’amertume et la salinité combinées des solutions riches en potassium font de la supplémentation en potassium à forte dose par les boissons liquides un défi d’appétence.",
"Un apport adéquat en potassium est obtenu en mangeant une variété d’aliments. Le potassium est présent dans tous les fruits, légumes, viandes et poissons. Les aliments riches en potassium comprennent l'igname, le persil, les abricots secs, le lait en poudre, le chocolat, toutes les noix (en particulier les amandes et les pistaches), les pommes de terre, les pousses de bambou, les bananes, les avocats, l'eau de coco, le soja et le son. Les abricots secs ont la concentration en poids de potassium la plus élevée de tous les aliments. De nombreux aliments transformés ne contiennent pas de potassium.",
"Des études épidémiologiques indiquent qu'une alimentation riche en potassium peut réduire le risque d'hypertension et éventuellement d'accident vasculaire cérébral (par un mécanisme indépendant de la pression artérielle). Les lignes directrices de 2004 de l'Institute of Medicine précisent un apport alimentaire de référence (ANRE) de 4 700 mg de potassium (100 mEq) ; la plupart des Américains n’en consomment que la moitié par jour. De même, dans l’Union européenne, notamment en Allemagne et en Italie, un apport insuffisant en potassium est assez courant. Une méta-analyse a conclu qu'une augmentation de 1 640 mg de l'apport quotidien en potassium était associée à un risque d'accident vasculaire cérébral inférieur de 21 %.",
"Les régimes pauvres en potassium peuvent entraîner une hypertension et une hypokaliémie.",
"Les suppléments de potassium sont le plus largement utilisés en association avec des diurétiques qui bloquent la réabsorption du sodium et de l'eau en amont du tubule distal (thiazidiques et diurétiques de l'anse), car cela favorise une augmentation de la sécrétion tubulaire distale de potassium, avec pour conséquence une augmentation de l'excrétion de potassium. Une variété de suppléments sur ordonnance et en vente libre sont disponibles. Le chlorure de potassium peut être dissous dans l'eau, mais son goût salé/amer rend les suppléments liquides désagréables. Les doses typiques vont de 10 mmol (400 mg) à 20 mmol (800 mg). Le potassium est également disponible sous forme de comprimés ou de capsules, formulés pour permettre au potassium de s'échapper lentement d'une matrice, car des concentrations très élevées d'ions potassium présentes à proximité d'un comprimé solide peuvent endommager la muqueuse gastrique ou intestinale. Pour cette raison, la loi américaine limite les pilules de potassium en vente libre à un maximum de 99 mg de potassium.",
"Étant donné que les reins sont le site d'excrétion du potassium, les personnes souffrant d'insuffisance rénale courent un risque d'hyperkaliémie si le potassium alimentaire et les suppléments ne sont pas limités. Plus la déficience est grave, plus la restriction nécessaire pour éviter l’hyperkaliémie est sévère.",
"Les ions potassium sont un composant essentiel de la nutrition des plantes et se trouvent dans la plupart des types de sols. Ils sont utilisés comme engrais en agriculture, horticulture et culture hydroponique sous forme de chlorure (KCl), de sulfate () ou de nitrate (). Les engrais agricoles consomment 95 % de la production chimique mondiale de potassium, et environ 90 % de ce potassium est fourni sous forme de KCl. La teneur en potassium de la plupart des plantes varie de 0,5 % à 2 % du poids récolté des cultures, conventionnellement exprimé en quantité de . L’agriculture moderne à haut rendement dépend des engrais pour remplacer le potassium perdu lors de la récolte. La plupart des engrais agricoles contiennent du chlorure de potassium, tandis que le sulfate de potassium est utilisé pour les cultures sensibles au chlorure ou nécessitant une teneur plus élevée en soufre. Le sulfate est produit principalement par décomposition des minéraux complexes kainite () et langbéinite (). Seuls quelques engrais contiennent du nitrate de potassium. En 2005, environ 93 % de la production mondiale de potassium était consommée par l’industrie des engrais.",
"Le cation potassium est un nutriment nécessaire à la vie et à la santé humaine. Le chlorure de potassium et le bicarbonate sont utilisés par ceux qui cherchent à contrôler l'hypertension. L'USDA répertorie la pâte de tomate, le jus d'orange, les feuilles de betterave, les haricots blancs, les pommes de terre, les bananes et de nombreuses autres sources alimentaires de potassium, classées par ordre décroissant en fonction de leur teneur en potassium.",
"Le tartrate de potassium et de sodium (sel de Rochelle) est le principal constituant de la levure chimique ; on l'utilise également dans l'argenture des miroirs. Le bromate de potassium () est un oxydant puissant (E924), utilisé pour améliorer la résistance de la pâte et la hauteur de levée. Le bisulfite de potassium () est utilisé comme conservateur alimentaire, par exemple dans la fabrication du vin et de la bière (mais pas dans la viande). Il est également utilisé pour blanchir les textiles et la paille, ainsi que pour le tannage des cuirs.",
"Les principaux produits chimiques potassiques sont l’hydroxyde de potassium, le carbonate de potassium, le sulfate de potassium et le chlorure de potassium. Des mégatonnes de ces composés sont produites chaque année.",
"L'hydroxyde de potassium est une base forte utilisée dans l'industrie pour neutraliser les acides forts et faibles, pour contrôler le pH et pour fabriquer des sels de potassium. Il est également utilisé pour saponifier les graisses et les huiles, dans les nettoyants industriels et dans les réactions d'hydrolyse, par exemple des esters.",
"Le nitrate de potassium () ou salpêtre est obtenu à partir de sources naturelles telles que le guano et les évaporites ou fabriqué via le procédé Haber ; c'est l'oxydant de la poudre à canon (poudre noire) et un engrais agricole important. Le cyanure de potassium (KCN) est utilisé industriellement pour dissoudre le cuivre et les métaux précieux, notamment l'argent et l'or, en formant des complexes. Ses applications comprennent l'extraction de l'or, la galvanoplastie et l'électroformage de ces métaux ; il est également utilisé en synthèse organique pour fabriquer des nitriles. Le carbonate de potassium (ou potasse) est utilisé dans la fabrication du verre, du savon, des tubes TV couleur, des lampes fluorescentes, des colorants et pigments textiles. Le permanganate de potassium () est une substance oxydante, blanchissante et purifiante et est utilisé pour la production de saccharine. Le chlorate de potassium () est ajouté aux allumettes et aux explosions"
] | Le potassium est un élément chimique de symbole K (dérivé du néo-latin kalium) et de numéro atomique 19. Il a été isolé pour la première fois de la potasse, les cendres de plantes, d'où son nom. Dans le tableau périodique, le potassium est l'un des sept éléments de la colonne (groupe) 1 (métaux alcalins). Tous les éléments du groupe 1 ont un seul électron de valence dans la couche électronique externe, qui est facilement éliminé pour créer un ion avec une charge positive – un cation, qui se combine avec les anions pour former des sels. Le potassium dans la nature ne se trouve que dans les sels ioniques. Le potassium élémentaire est un métal alcalin blanc argenté doux qui s'oxyde rapidement dans l'air et réagit vigoureusement avec l'eau, générant suffisamment de chaleur pour enflammer l'hydrogène émis lors de la réaction et brûlant avec une flamme de couleur lilas. On le trouve dissous dans l'eau de mer (qui contient 0,04 % de potassium en poids) et fait partie de nombreux minéraux.
Le potassium naturel est composé de trois isotopes, dont un radioactif. On en trouve des traces dans tout le potassium, et c'est le radio-isotope le plus courant dans le corps humain.
Le potassium est chimiquement très similaire au sodium, l'élément précédent du groupe 1 du tableau périodique. Ils ont une énergie d’ionisation similaire, ce qui permet à chaque atome de renoncer à son seul électron externe. Le fait qu'il s'agisse d'éléments différents qui se combinent avec les mêmes anions pour former des sels similaires a été soupçonné en 1702 et prouvé en 1807 par électrolyse.
La plupart des applications industrielles du potassium exploitent la haute solubilité dans l’eau des composés du potassium, tels que les savons de potassium. Une production agricole importante épuise rapidement le sol en potassium, et cet épuisement est évité et corrigé grâce à des engrais agricoles contenant du potassium, qui représentent 95 % de la production chimique mondiale de potassium.
Les ions potassium sont nécessaires au fonctionnement de toutes les cellules vivantes. Le transfert des ions potassium à travers les membranes des cellules nerveuses est nécessaire à la transmission nerveuse normale ; une déplétion excessive en potassium peut entraîner de nombreuses anomalies, notamment un rythme cardiaque anormal et diverses anomalies électrocardiographiques (ECG). Les fruits et légumes frais sont de bonnes sources alimentaires de potassium. Le corps réagit à l’afflux de potassium alimentaire, ce qui augmente les taux sériques de potassium, avec un déplacement du potassium de l’extérieur vers l’intérieur des cellules et une augmentation de l’excrétion du potassium par les reins.
Propriétés
Physique
Le potassium est le deuxième métal le moins dense après le lithium. C'est un solide mou avec un point de fusion bas et peut être facilement coupé avec un couteau. Le potassium fraîchement coupé est d'apparence argentée, mais il commence à ternir vers le gris immédiatement après exposition à l'air. Greenwood, p. 76 Lors d'un test de flamme, le potassium et ses composés émettent une couleur lilas avec une longueur d'onde d'émission maximale de 766,5 nanomètres.
Chimique
Les atomes neutres de potassium possèdent 19 électrons, soit un de plus que la configuration extrêmement stable du gaz noble argon. En raison de cela et de sa faible énergie de première ionisation de 418,8 kJ/mol, l'atome de potassium est beaucoup plus susceptible de perdre le dernier électron et d'acquérir une charge positive que d'en gagner un et d'acquérir une charge négative (bien que les ions alcalines chargés négativement ne soient pas impossibles). . ) Ce processus nécessite si peu d’énergie que le potassium est facilement oxydé par l’oxygène atmosphérique. En revanche, la deuxième énergie d'ionisation est très élevée (3052 kJ/mol), car la suppression de deux électrons brise la configuration électronique stable des gaz rares (la configuration de l'argon inerte). Le potassium ne forme donc pas facilement des composés ayant un état d’oxydation de +2 ou plus.
Le potassium est un métal extrêmement actif qui réagit violemment avec l'oxygène et l'eau de l'air. Avec l'oxygène, il forme du peroxyde de potassium et avec de l'eau, le potassium forme de l'hydroxyde de potassium. La réaction du potassium avec l’eau est dangereuse en raison de son caractère exothermique violent et de la production d’hydrogène gazeux. L'hydrogène réagit à nouveau avec l'oxygène atmosphérique, produisant de l'eau, qui réagit avec le potassium restant. Cette réaction ne nécessite que des traces d'eau ; pour cette raison, le potassium et le sodium-potassium liquide – NaK – sont de puissants déshydratants qui peuvent être utilisés pour sécher les solvants avant la distillation. Burkhardt, p. 35
En raison de la sensibilité du potassium à l'eau et à l'air, les réactions avec d'autres éléments ne sont possibles que dans une atmosphère inerte telle que l'argon, en utilisant des techniques sans air. Le potassium ne réagit pas avec la plupart des hydrocarbures tels que l'huile minérale ou le kérosène. Il se dissout facilement dans l'ammoniaque liquide, jusqu'à 480 g pour 1 000 g d'ammoniaque à 0 °C. Selon la concentration, les solutions d'ammoniaque sont bleues à jaunes et leur conductivité électrique est similaire à celle des métaux liquides. Dans une solution pure, le potassium réagit lentement avec l'ammoniac pour former du , mais cette réaction est accélérée par d'infimes quantités de sels de métaux de transition. Burkhardt, p. 32 Parce qu'il peut réduire les sels en métal, le potassium est souvent utilisé comme réducteur dans la préparation de métaux finement divisés à partir de leurs sels par la méthode Rieke. Par exemple, la préparation du magnésium par cette méthode utilise le potassium comme réducteur :
+ 2 K → Mg + 2 KCl
Composés
Le seul état d’oxydation courant du potassium est +1. Le potassium métallique est un puissant agent réducteur qui s'oxyde facilement en cation monopositif. Une fois oxydé, il est très stable et difficile à réduire en métal.
L'hydroxyde de potassium réagit facilement avec le dioxyde de carbone pour produire du carbonate de potassium et est utilisé pour éliminer les traces de gaz de l'air. En général, les composés de potassium ont une excellente solubilité dans l’eau, en raison de l’énergie d’hydratation élevée de l’ion. L'ion potassium est incolore dans l'eau et est très difficile à précipiter ; les méthodes de précipitation possibles incluent les réactions avec le tétraphénylborate de sodium, l'acide hexachloroplatinique et le cobaltinitrite de sodium.
Le potassium s'oxyde plus rapidement que la plupart des métaux et forme des oxydes avec des liaisons oxygène-oxygène, comme le font tous les métaux alcalins à l'exception du lithium. Trois espèces se forment au cours de la réaction : l'oxyde de potassium, le peroxyde de potassium et le superoxyde de potassium formés de trois ions différents à base d'oxygène : l'oxyde (), le peroxyde () et le superoxyde (). Les deux dernières espèces, notamment le superoxyde, sont rares et ne se forment qu'en réaction avec des métaux très électropositifs ; ces espèces contiennent des liaisons oxygène-oxygène. Tous les composés binaires potassium-oxygène sont connus pour réagir violemment avec l’eau, formant de l’hydroxyde de potassium. Ce composé est un alcali très puissant, et 1,21 kg de celui-ci peut se dissoudre dans aussi peu qu'un litre d'eau.
Les composés du potassium sont généralement hautement ioniques et la plupart d’entre eux sont donc solubles dans l’eau. Les principales espèces en solution aqueuse sont les complexes aquatiques où n 6 et 7.Lincoln, S. F. ; Richens, D. T. et Sykes, A. G. "Metal Aqua Ions" dans J. A. McCleverty et T. J. Meyer (éd.) [http://www.sciencedirect.com/science/referenceworks/9780080437484 Comprehensive Coordination Chemistry II], Vol. 1, pages 515 à 555, ISBN 978-0-08-043748-4. Certains des rares sels de potassium peu solubles comprennent le tétraphénylborate de potassium, l'hexachloroplatinate de potassium et le cobaltinitrite de potassium.
Isotopes
Il existe 24 isotopes connus du potassium, dont trois sont présents naturellement : (93,3 %), (0,0117 %) et (6,7 %). À l'état naturel, sa demi-vie est de 1 250 × 109 ans. Il se désintègre jusqu'à devenir stable par capture d'électrons ou émission de positons (11,2 %) ou jusqu'à stable par désintégration bêta (88,8 %). La désintégration du to est à la base d’une méthode courante de datation des roches. La méthode conventionnelle de datation K-Ar repose sur l'hypothèse que les roches ne contenaient pas d'argon au moment de leur formation et que tout l'argon radiogénique ultérieur () a été quantitativement retenu. Les minéraux sont datés par la mesure de la concentration de potassium et de la quantité de radiogène accumulée. Les minéraux les mieux adaptés à la datation comprennent la biotite, la muscovite, la hornblende métamorphique et le feldspath volcanique ; des échantillons de roches entières provenant de coulées volcaniques et d'agrégats intrusifs peu profonds peuvent également être datés s'ils ne sont pas altérés. Outre la datation, les isotopes du potassium ont été utilisés comme traceurs dans des études sur l'altération et pour des études sur le cycle des nutriments, car le potassium est un macronutriment nécessaire à la vie.
se produit dans le potassium naturel (et donc dans certains substituts du sel commerciaux) en quantité suffisante pour que de grands sacs de ces substituts puissent être utilisés comme source radioactive pour des démonstrations en classe. est le radio-isotope le plus abondant dans l’organisme. Chez les animaux et les personnes en bonne santé, représente la plus grande source de radioactivité, même supérieure à . Dans un corps humain pesant 70 kg, environ 4 400 noyaux se désintègrent par seconde. L'activité du potassium naturel est de 31 Bq/g.
Formation et distribution cosmiques
Le potassium se forme dans les supernovas par nucléosynthèse à partir d’atomes plus légers. Le potassium est principalement créé dans les supernovas de type II via le processus explosif de combustion de l'oxygène. est également formé lors de la nucléosynthèse du processus s et du processus de combustion du néon.
Le potassium représente environ 2,6 % du poids de la croûte terrestre et est le septième élément le plus abondant dans la croûte. C'est le 17e élément le plus abondant en poids sur Terre et le 20e élément le plus abondant dans le système solaire. La concentration de potassium dans l'eau de mer est de 0,39 g/L (0,039 poids/volume), soit environ un quart de la concentration de sodium.
Étymologie
Ni le potassium élémentaire ni les sels de potassium (en tant qu'entités distinctes des autres sels) n'étaient connus à l'époque romaine, et le nom latin de l'élément, kalium, n'est pas du latin classique mais plutôt néo-latin. Kalium vient du mot alcali, qui lui-même vient de 'al-qalyah "cendres de plantes". Le terme anglais alcalin à consonance similaire provient de cette même racine, alors que le mot pour potassium en arabe standard moderne est بوتاسيوم būtāsyūm.
In 1797, the German chemist Martin Klaproth discovered "potash" in the minerals leucite and lepidolite, and realized that "potash" was not a product of plant growth but was actually a new element, which he proposed to call kali.M. Klaproth (1797) "Nouvelles données relatives à l'histoire naturelle de l'alcali végétal" (New data regarding the natural history of the vegetable alkali), Mémoires de l'Académie royale des sciences et belles-lettres (Berlin), pp. 9-13 ; [https://babel.hathitrust.org/cgi/pt?idmdp.39015073704093;view
1up;seq=103 see p. 13.] From p. 13: "Cet alcali ne pouvant donc plus être envisagé comme un produit de la végétation dans les plantes, occupe une place propre dans la série des substances primitivement simples du règne minéral, & il devient nécessaire de lui assigner un nom, qui convienne mieux à sa nature.
La dénomination de Potasche (potasse) que la nouvelle nomenclature françoise a consacrée comme nom de tout le genre, ne sauroit faire fortune auprès des chimistes allemands, qui sentent à quel point la dérivation étymologique en est vicieuse. Elle est prise en effet de ce qu'anciennement on se servoit pour la calcination des lessives concentrées des cendres, de pots de fer (pott en dialecte de la Basse-Saxe) auxquels on a substitué depuis des fours à calciner.
Je propose donc ici, de substituer aux mots usités jusqu'ici d'alcali des plantes, alcali végétal, potasse, &c. celui de kali, & de revenir à l'ancienne dénomination de natron, au lieu de dire alcali minéral, soude &c."
(Cet alcali [c'est-à-dire la potasse] — [qui] ne peut donc plus être considéré comme un produit de la croissance des plantes — occupe une place appropriée dans la série originellement simple du domaine minéral, et il devient nécessaire de lui attribuer un nom qui est mieux adapté à sa nature.
Le nom de « potasse » (potasse), que la nouvelle nomenclature française a donné comme nom de l'espèce entière [c'est-à-dire de la substance], ne serait pas accepté par les chimistes allemands, qui sentent dans une certaine mesure [que] la dérivation étymologique de c'est défectueux. Il est en effet extrait de [les récipients] celui qu'on utilisait autrefois pour griller la lessive concentrée de cendres : les marmites en fer (pott dans le dialecte de Basse-Saxe), auxquelles ont depuis été substituées les fours à rôtir.
Ainsi je propose maintenant de substituer aux mots jusqu'à présent courants d'« alcali végétal », « alcali végétal », « potasse », etc., celui de kali ; et pour revenir à l'ancien nom de natron au lieu de dire "alcali minéral", "soude", etc.) En 1809, le physicien et chimiste allemand Ludwig Wilhelm Gilbert proposa les noms Kalium pour le "potassium" d'Humphry Davy et Natronium pour le "potassium" de Davy. sodium". En 1814, le chimiste suédois Berzelius préconise le nom de kalium pour le potassium, avec le symbole chimique K.
Le nom anglais de l'élément potassium vient du mot « potash » et fait référence à la méthode de production de potassium : placer dans un pot les cendres de bois ou de feuilles d'arbre brûlées, ajouter de l'eau, chauffer et évaporer la solution.
Potasse
La potasse est principalement un mélange de sels de potassium, car les plantes contiennent peu ou pas de sodium, et le reste de la principale teneur en minéraux d'une plante est constitué de sels de calcium relativement peu solubles dans l'eau. Bien que la potasse soit utilisée depuis l’Antiquité, elle n’a pas été considérée pendant la majeure partie de son histoire comme une substance fondamentalement différente des sels minéraux de sodium. Georg Ernst Stahl a obtenu des preuves expérimentales qui l'ont amené à suggérer la différence fondamentale entre les sels de sodium et de potassium en 1702, et Henri Louis Duhamel du Monceau a pu prouver cette différence en 1736. La composition chimique exacte des composés de potassium et de sodium et le statut en tant qu'élément chimique du potassium et du sodium, n'était pas connu à l'époque et c'est pourquoi Antoine Lavoisier n'a pas inclus l'alcali dans sa liste d'éléments chimiques en 1789. Pendant longtemps, les seules applications significatives de la potasse furent la production de verre, d'eau de Javel, de savon. et de la poudre à canon sous forme de nitrate de potassium. Les savons de potassium issus de graisses animales et d'huiles végétales étaient particulièrement appréciés car ils ont tendance à être plus solubles dans l'eau et à avoir une texture plus douce, et sont donc connus sous le nom de savons mous. La découverte par Justus Liebig en 1840 que le potassium est un élément nécessaire aux plantes et que la plupart des sols manquent de potassium a provoqué une forte augmentation de la demande en sels de potassium. La cendre de bois des sapins était initialement utilisée comme source de sel de potassium pour les engrais, mais, avec la découverte en 1868 de gisements minéraux contenant du chlorure de potassium près de Staßfurt, en Allemagne, la production d'engrais contenant du potassium a commencé à l'échelle industrielle. D'autres gisements de potasse ont été découverts et, dans les années 1960, le Canada est devenu le principal producteur.
Le métal
Le potassium métal a été isolé pour la première fois en 1807 en Angleterre par Sir Humphry Davy, qui l'a dérivé de la potasse caustique (KOH, hydroxyde de potassium) par électrolyse du KOH fondu avec la pile voltaïque récemment découverte. Le potassium a été le premier métal isolé par électrolyse. Plus tard dans la même année, Davy rapporta l'extraction du sodium métallique à partir d'un dérivé minéral (soude caustique, NaOH ou lessive) plutôt que d'un sel végétal, par une technique similaire, démontrant que les éléments, et donc les sels, sont différents. Bien que la production de potassium et de sodium métallique aurait dû montrer que les deux sont des éléments, il a fallu un certain temps avant que ce point de vue soit universellement accepté.
Géologie
Le potassium élémentaire n'est pas présent dans la nature en raison de sa grande réactivité. Il réagit violemment avec l'eau (voir section Précautions ci-dessous) et réagit également avec l'oxygène. L'orthose (feldspath potassique) est un minéral commun formant des roches. Le granit, par exemple, contient 5 % de potassium, ce qui est bien supérieur à la moyenne de la croûte terrestre. La sylvite (KCl), la carnallite, la kainite et la langbéinite sont les minéraux trouvés dans les grands gisements d'évaporites du monde entier. Les dépôts présentent souvent des couches commençant par la moins soluble en bas et la plus soluble en haut. Les dépôts de nitre (nitrate de potassium) se forment par décomposition de matières organiques en contact avec l'atmosphère, principalement dans les grottes ; en raison de la bonne solubilité du nitre dans l’eau, la formation de dépôts plus importants nécessite des conditions environnementales particulières.
Production commerciale
Les sels de potassium tels que la carnallite, la langbéinite, la polyhalite et la sylvite forment de vastes gisements dans les anciens fonds de lacs et fonds marins, rendant l'extraction de sels de potassium dans ces environnements commercialement viable. La principale source de potassium – la potasse – est extraite au Canada, en Russie, en Biélorussie, en Allemagne, en Israël, aux États-Unis, en Jordanie et ailleurs dans le monde. Les premiers gisements exploités étaient situés près de Staßfurt, en Allemagne, mais les gisements s'étendent de la Grande-Bretagne à l'Allemagne jusqu'en Pologne. Ils sont situés dans le Zechstein et ont été déposés entre le Permien moyen et supérieur. Les plus grands gisements jamais découverts se trouvent à 1 000 m sous la surface de la province canadienne de la Saskatchewan. Les gisements sont situés dans le groupe d'Elk Point produit dans le Dévonien moyen. La Saskatchewan, où plusieurs grandes mines sont exploitées depuis les années 1960, a été la première à utiliser la technique de congélation des sables humides (la formation Blairmore) pour y enfoncer des puits de mine. La principale société minière de potasse en Saskatchewan est la Potash Corporation of Saskatchewan. L’eau de la Mer Morte est utilisée par Israël et la Jordanie comme source de potasse, alors que la concentration dans les océans normaux est trop faible pour une production commerciale aux prix actuels.
Plusieurs méthodes sont utilisées pour séparer les sels de potassium des composés de sodium et de magnésium. La méthode la plus utilisée est la précipitation fractionnée utilisant les différences de solubilité des sels à différentes températures. La séparation électrostatique du mélange de sel broyé est également utilisée dans certaines mines. Les déchets de sodium et de magnésium qui en résultent sont soit stockés sous terre, soit entassés dans des terrils. La plupart des minéraux de potassium extraits finissent sous forme de chlorure de potassium après traitement. L'industrie minière fait référence au chlorure de potassium sous le nom de potasse, de muriate de potasse ou simplement de MOP.
Le potassium métallique pur peut être isolé par électrolyse de son hydroxyde selon un processus qui a peu changé depuis Davy. Bien que le procédé d'électrolyse ait été développé et utilisé à l'échelle industrielle dans les années 1920, la méthode thermique consistant à faire réagir du sodium avec du chlorure de potassium dans une réaction d'équilibre chimique est devenue la méthode dominante dans les années 1950.
La production d'alliages sodium-potassium est réalisée en modifiant le temps de réaction et la quantité de sodium utilisée dans la réaction. Le procédé Griesheimer employant la réaction du fluorure de potassium avec le carbure de calcium a également été utilisé pour produire du potassium.
Na + KCl → NaCl + K (Méthode thermique)
2 KF + → 2 K + + 2 C (procédé de Griesheimer)
Le potassium métallique de qualité réactif coûte environ 10,00 $/livre (22 $/kg) en 2010 lorsqu'il est acheté à la tonne. Le métal de moindre pureté est considérablement moins cher. Le marché est volatil car le stockage à long terme du métal est difficile. Il doit être stocké dans une atmosphère de gaz inerte sec ou d'huile minérale anhydre pour éviter la formation d'une couche superficielle de superoxyde de potassium, un explosif sensible à la pression qui explose lorsqu'il est rayé. L'explosion qui en résulte déclenche souvent un incendie difficile à éteindre.
Rôle biologique
Le potassium est le huitième ou le neuvième élément en masse (0,2 %) dans le corps humain, de sorte qu'un adulte de 60 kg contient au total environ 120 g de potassium. Le corps contient à peu près autant de potassium que de soufre et de chlore, et seuls le calcium et le phosphore sont plus abondants. Les ions potassium sont présents dans une grande variété de protéines et d'enzymes.
Fonction biochimique
Les niveaux de potassium influencent plusieurs processus physiologiques, notamment
*Potentiel de repos de la membrane cellulaire et propagation des potentiels d'action dans les tissus neuronaux, musculaires et cardiaques. En raison de leurs propriétés électrostatiques et chimiques, les ions sont plus gros que les ions, et les canaux ioniques et les pompes dans les membranes cellulaires peuvent différencier les deux ions, pompant activement ou laissant passer passivement l'un des deux ions tout en bloquant l'autre.
*sécrétion et action hormonale
*tonus vasculaire
*contrôle systémique de la pression artérielle
*motilité gastro-intestinale
*homéostasie acido-basique
*métabolisme du glucose et de l'insuline
*action minéralocorticoïde
*capacité de concentration rénale
*équilibre liquidien et électrolytique
Homéostasie
L'homéostasie du potassium désigne le maintien de la teneur totale en potassium du corps, du taux plasmatique de potassium et du rapport entre les concentrations de potassium intracellulaire et extracellulaire dans des limites étroites, face à l'apport pulsatile (repas), à l'excrétion rénale obligatoire et aux changements entre intracellulaire et extracellulaire. compartiments.
Niveaux plasmatiques
Le potassium plasmatique est normalement maintenu entre 3,5 et 5,0 millimoles (mmol) [ou milliéquivalents (mEq)] par litre par plusieurs mécanismes. Les niveaux en dehors de cette plage sont associés à un taux croissant de décès dus à des causes multiples, et certaines maladies cardiaques, rénales et pulmonaires progressent plus rapidement si les taux de potassium sérique ne sont pas maintenus dans la plage normale.
Un repas moyen de 40 à 50 mmol apporte à l'organisme plus de potassium que ce qui est présent dans tout le plasma (20 à 25 mmol). Cependant, cette augmentation entraîne une augmentation du potassium plasmatique de seulement 10 % au maximum en raison d'une clairance rapide et efficace par les mécanismes rénaux et extra-rénaux.
L'hypokaliémie, une carence en potassium dans le plasma, peut être mortelle si elle est grave. Les causes courantes sont une augmentation des pertes gastro-intestinales (vomissements, diarrhée) et une augmentation des pertes rénales (diurèse). Les symptômes de carence comprennent une faiblesse musculaire, un iléus paralytique, des anomalies de l'ECG, une diminution de la réponse réflexe ; et dans les cas graves, paralysie respiratoire, alcalose et arythmie cardiaque.
Mécanismes de contrôle
La teneur en potassium du plasma est étroitement contrôlée par quatre mécanismes fondamentaux, qui portent différents noms et classifications. Les quatre sont 1) un système réactif à rétroaction négative, 2) un système réactif à réaction anticipée, 3) un système prédictif ou circadien et 4) un système de transport interne ou membranaire cellulaire. Collectivement, les trois premiers sont parfois appelés « système d'homéostasie externe du potassium » ; et les deux premiers, le « système d'homéostasie réactive du potassium ».
*Le système réactif à rétroaction négative fait référence au système qui induit la sécrétion rénale de potassium en réponse à une augmentation du potassium plasmatique (ingestion de potassium, déplacement hors des cellules ou perfusion intraveineuse).
*Le système réactif feed-forward fait référence à un système mal compris qui induit une sécrétion rénale de potassium en réponse à l'ingestion de potassium avant toute augmentation du potassium plasmatique. Ceci est probablement initié par les récepteurs du potassium des cellules intestinales qui détectent le potassium ingéré et déclenchent des signaux afférents vagaux vers l'hypophyse.
*Le système prédictif ou circadien augmente la sécrétion rénale de potassium pendant les heures de repas (par exemple pendant la journée pour les humains, la nuit pour les rongeurs), indépendamment de la présence, de la quantité ou de l'absence d'ingestion de potassium. Elle est médiée par un oscillateur circadien dans le noyau suprachiasmatique du cerveau (horloge centrale), qui amène le rein (horloge périphérique) à sécréter du potassium de cette manière circadienne rythmée.
*Le système de transport des ions déplace le potassium à travers la membrane cellulaire à l'aide de deux mécanismes. L’un est actif et pompe le sodium hors de la cellule et le potassium vers celle-ci. L’autre est passif et permet au potassium de s’échapper de la cellule. Les cations potassium et sodium influencent la distribution des fluides entre les compartiments intracellulaires et extracellulaires par les forces osmotiques. Le mouvement du potassium et du sodium à travers la membrane cellulaire est assuré par la pompe Na+/K+-ATPase. Cette pompe à ions utilise l'ATP pour pomper trois ions sodium hors de la cellule et deux ions potassium dans la cellule, créant ainsi un gradient électrochimique et une force électromotrice à travers la membrane cellulaire. Les canaux ioniques potassium hautement sélectifs (qui sont des tétramères) sont cruciaux pour l’hyperpolarisation à l’intérieur des neurones après le déclenchement d’un potentiel d’action, pour ne citer qu’un exemple. Le canal ionique potassium découvert le plus récemment est KirBac3.1, qui représente un total de cinq canaux ioniques potassium (KcsA, KirBac1.1, KirBac3.1, KvAP et MthK) avec une structure déterminée. Tous les cinq appartiennent à des espèces procaryotes.
Filtration rénale, réabsorption et excrétion
La manipulation rénale du potassium est étroitement liée à la manipulation du sodium. Le potassium est le cation majeur (ion positif) à l'intérieur des cellules animales [150 mmol/L, (4,8 g)], tandis que le sodium est le cation majeur du liquide extracellulaire [150 mmol/L, (3,345 g)]. Dans les reins, environ 180 litres de plasma sont filtrés chaque jour à travers les glomérules et dans les tubules rénaux. Cette filtration implique environ 600 g de sodium et 33 g de potassium. Étant donné que seuls 1 à 10 g de sodium et 1 à 4 g de potassium sont susceptibles d'être remplacés par l'alimentation, le filtrage rénal doit réabsorber efficacement le reste du plasma.
Le sodium est réabsorbé pour maintenir le volume extracellulaire, la pression osmotique et la concentration sérique de sodium dans des limites étroites ; le potassium est réabsorbé pour maintenir la concentration sérique de potassium dans des limites étroites. Les pompes à sodium dans les tubules rénaux fonctionnent pour réabsorber le sodium. Le potassium doit également être conservé, mais comme la quantité de potassium dans le plasma sanguin est très faible et que le pool de potassium dans les cellules est environ trente fois plus important, la situation n'est pas si critique pour le potassium. Étant donné que le potassium est déplacé passivement à contre-courant du sodium en réponse à un équilibre de Donnan apparent (mais non réel), l'urine ne peut jamais descendre en dessous de la concentration de potassium dans le sérum, sauf parfois en excrétant activement de l'eau à la fin du traitement. Le potassium est excrété deux fois et réabsorbé trois fois avant que l'urine n'atteigne les tubules collecteurs. À ce stade, l’urine contient généralement à peu près la même concentration de potassium que le plasma. À la fin du traitement, le potassium est à nouveau sécrété si les taux sériques sont trop élevés.
Sans apport de potassium, il est excrété à raison d'environ 200 mg par jour jusqu'à ce qu'en une semaine environ, le potassium dans le sérum diminue jusqu'à un niveau légèrement déficient de 3,0 à 3,5 mmol/L. Si le potassium est toujours retenu, la concentration continue de baisser jusqu'à ce qu'une carence grave entraîne la mort.
Le potassium se déplace passivement à travers les pores de la membrane cellulaire. Lorsque les ions traversent les pompes, il y a une porte dans les pompes de chaque côté de la membrane cellulaire et une seule porte peut être ouverte à la fois. En conséquence, environ 100 ions sont forcés par seconde. Les pores n’ont qu’une seule porte, et là, un seul type d’ion peut passer, à raison de 10 à 100 millions d’ions par seconde. Les pores ont besoin de calcium pour s'ouvrir, bien que l'on pense que le calcium agit en sens inverse en bloquant au moins un des pores. comprend une image détaillée des atomes dans la pompe. Les groupes carbonyle à l'intérieur des pores sur les acides aminés imitent l'hydratation de l'eau qui a lieu dans une solution aqueuse par la nature des charges électrostatiques sur quatre groupes carbonyle à l'intérieur du pore.
En régime
Détection par les papilles gustatives
Le potassium peut être détecté par le goût car il déclenche trois des cinq types de sensations gustatives, selon la concentration. Les solutions diluées d'ions potassium ont un goût sucré, permettant des concentrations modérées dans le lait et les jus, tandis que des concentrations plus élevées deviennent de plus en plus amères/alcalines, et finalement également salées au goût. L’amertume et la salinité combinées des solutions riches en potassium font de la supplémentation en potassium à forte dose par les boissons liquides un défi d’appétence.
Apport adéquat
Un apport adéquat en potassium est obtenu en mangeant une variété d’aliments. Le potassium est présent dans tous les fruits, légumes, viandes et poissons. Les aliments riches en potassium comprennent l'igname, le persil, les abricots secs, le lait en poudre, le chocolat, toutes les noix (en particulier les amandes et les pistaches), les pommes de terre, les pousses de bambou, les bananes, les avocats, l'eau de coco, le soja et le son. Les abricots secs ont la concentration en poids de potassium la plus élevée de tous les aliments. De nombreux aliments transformés ne contiennent pas de potassium.
Apport optimal
Des études épidémiologiques indiquent qu'une alimentation riche en potassium peut réduire le risque d'hypertension et éventuellement d'accident vasculaire cérébral (par un mécanisme indépendant de la pression artérielle). Les lignes directrices de 2004 de l'Institute of Medicine précisent un apport alimentaire de référence (ANRE) de 4 700 mg de potassium (100 mEq) ; la plupart des Américains n’en consomment que la moitié par jour. De même, dans l’Union européenne, notamment en Allemagne et en Italie, un apport insuffisant en potassium est assez courant. Une méta-analyse a conclu qu'une augmentation de 1 640 mg de l'apport quotidien en potassium était associée à un risque d'accident vasculaire cérébral inférieur de 21 %.
Apport déficient
Les régimes pauvres en potassium peuvent entraîner une hypertension et une hypokaliémie.
Supplémentation
Les suppléments de potassium sont le plus largement utilisés en association avec des diurétiques qui bloquent la réabsorption du sodium et de l'eau en amont du tubule distal (thiazidiques et diurétiques de l'anse), car cela favorise une augmentation de la sécrétion tubulaire distale de potassium, avec pour conséquence une augmentation de l'excrétion de potassium. Une variété de suppléments sur ordonnance et en vente libre sont disponibles. Le chlorure de potassium peut être dissous dans l'eau, mais son goût salé/amer rend les suppléments liquides désagréables. Les doses typiques vont de 10 mmol (400 mg) à 20 mmol (800 mg). Le potassium est également disponible sous forme de comprimés ou de capsules, formulés pour permettre au potassium de s'échapper lentement d'une matrice, car des concentrations très élevées d'ions potassium présentes à proximité d'un comprimé solide peuvent endommager la muqueuse gastrique ou intestinale. Pour cette raison, la loi américaine limite les pilules de potassium en vente libre à un maximum de 99 mg de potassium.
Étant donné que les reins sont le site d'excrétion du potassium, les personnes souffrant d'insuffisance rénale courent un risque d'hyperkaliémie si le potassium alimentaire et les suppléments ne sont pas limités. Plus la déficience est grave, plus la restriction nécessaire pour éviter l’hyperkaliémie est sévère.
Applications
Engrais
Les ions potassium sont un composant essentiel de la nutrition des plantes et se trouvent dans la plupart des types de sols. Ils sont utilisés comme engrais en agriculture, horticulture et culture hydroponique sous forme de chlorure (KCl), de sulfate () ou de nitrate (). Les engrais agricoles consomment 95 % de la production chimique mondiale de potassium, et environ 90 % de ce potassium est fourni sous forme de KCl. La teneur en potassium de la plupart des plantes varie de 0,5 % à 2 % du poids récolté des cultures, conventionnellement exprimé en quantité de . L’agriculture moderne à haut rendement dépend des engrais pour remplacer le potassium perdu lors de la récolte. La plupart des engrais agricoles contiennent du chlorure de potassium, tandis que le sulfate de potassium est utilisé pour les cultures sensibles au chlorure ou nécessitant une teneur plus élevée en soufre. Le sulfate est produit principalement par décomposition des minéraux complexes kainite () et langbéinite (). Seuls quelques engrais contiennent du nitrate de potassium. En 2005, environ 93 % de la production mondiale de potassium était consommée par l’industrie des engrais.
Nourriture
Le cation potassium est un nutriment nécessaire à la vie et à la santé humaine. Le chlorure de potassium et le bicarbonate sont utilisés par ceux qui cherchent à contrôler l'hypertension. L'USDA répertorie la pâte de tomate, le jus d'orange, les feuilles de betterave, les haricots blancs, les pommes de terre, les bananes et de nombreuses autres sources alimentaires de potassium, classées par ordre décroissant en fonction de leur teneur en potassium.
Le tartrate de potassium et de sodium (sel de Rochelle) est le principal constituant de la levure chimique ; on l'utilise également dans l'argenture des miroirs. Le bromate de potassium () est un oxydant puissant (E924), utilisé pour améliorer la résistance de la pâte et la hauteur de levée. Le bisulfite de potassium () est utilisé comme conservateur alimentaire, par exemple dans la fabrication du vin et de la bière (mais pas dans la viande). Il est également utilisé pour blanchir les textiles et la paille, ainsi que pour le tannage des cuirs.
Industriel
Les principaux produits chimiques potassiques sont l’hydroxyde de potassium, le carbonate de potassium, le sulfate de potassium et le chlorure de potassium. Des mégatonnes de ces composés sont produites chaque année.
L'hydroxyde de potassium est une base forte utilisée dans l'industrie pour neutraliser les acides forts et faibles, pour contrôler le pH et pour fabriquer des sels de potassium. Il est également utilisé pour saponifier les graisses et les huiles, dans les nettoyants industriels et dans les réactions d'hydrolyse, par exemple des esters.
Le nitrate de potassium () ou salpêtre est obtenu à partir de sources naturelles telles que le guano et les évaporites ou fabriqué via le procédé Haber ; c'est l'oxydant de la poudre à canon (poudre noire) et un engrais agricole important. Le cyanure de potassium (KCN) est utilisé industriellement pour dissoudre le cuivre et les métaux précieux, notamment l'argent et l'or, en formant des complexes. Ses applications comprennent l'extraction de l'or, la galvanoplastie et l'électroformage de ces métaux ; il est également utilisé en synthèse organique pour fabriquer des nitriles. Le carbonate de potassium (ou potasse) est utilisé dans la fabrication du verre, du savon, des tubes TV couleur, des lampes fluorescentes, des colorants et pigments textiles. Le permanganate de potassium () est une substance oxydante, blanchissante et purifiante et est utilisé pour la production de saccharine. Le chlorate de potassium () est ajouté aux allumettes et aux explosions | http://quiz4free.com/ |
Michael J Fox a joué le rôle de Marty McFly dans quelle série de films ? | Retour vers le futur | [
"Michael Andrew Fox, OC (né le 9 juin 1961), connu sous le nom de Michael J. Fox, est un acteur, auteur, producteur et activiste canado-américain. Avec une carrière cinématographique et télévisuelle s'étalant sur les années 1970, les rôles de Fox incluent Marty McFly de la trilogie Retour vers le futur (1985-1990) ; Alex P. Keaton de Family Ties de NBC (1982-1989), pour lequel il a remporté trois Emmy Awards et un Golden Globe Award ; et Mike Flaherty dans Spin City d'ABC (1996-2001), pour lequel il a remporté un Emmy, trois Golden Globes et deux Screen Actors Guild Awards.",
"En janvier 1985, Fox a été choisi pour remplacer Eric Stoltz dans le rôle de Marty McFly, un adolescent accidentellement renvoyé dans le temps de 1985 à 1955 dans Retour vers le futur.",
"Robert Zemeckis, le réalisateur, voulait à l'origine que Fox joue Marty, mais Gary David Goldberg, le créateur de Family Ties, sur lequel Fox travaillait à l'époque, a refusé de permettre à Zemeckis même d'approcher Fox car il estimait que Meredith Baxter était en maternité. À l'époque, le personnage de Fox, Alex Keaton, était nécessaire pour porter la série en son absence. Eric Stoltz était au casting et tournait déjà Retour vers le futur, mais Zemeckis a estimé que Stoltz ne donnait pas le bon type de performance pour l'humour impliqué. Zemeckis a rapidement remplacé Stoltz par Fox dont le calendrier était désormais plus ouvert avec le retour de Meredith Baxter. Il a été envisagé pour le rôle de Mark Kendall dans Once Bitten, mais il a finalement été attribué à Jim Carrey. Pendant le tournage, Fox répétait pour Family Ties de 10h à 18h, puis se précipitait sur le plateau de Retour vers le futur où il répétait et tournait jusqu'à 2h30 du matin. Ce programme a duré deux mois complets. Retour vers le futur fut un succès à la fois commercial et critique. Le film a passé 8 week-ends consécutifs en tant que film le plus rentable au box-office américain en 1985 et a finalement rapporté un total mondial de 381,11 millions de dollars. Variety a applaudi les performances, déclarant que Fox et sa co-star Christopher Lloyd ont imprégné l'amitié de Marty et Doc Brown d'une qualité rappelant celle du roi Arthur et de Merlin. Le film a ensuite été suivi de deux suites au succès similaire, Retour vers le futur II (1989) et Retour vers le futur III (1990).",
"Pendant et immédiatement après la trilogie Retour vers le futur, Fox a joué dans Teen Wolf (1985), Light of Day (1987), The Secret of My Success (1987), Bright Lights, Big City (1988) et Casualties of War (1989). ).",
"*1986 : Nominé pour le meilleur acteur dans un film – Comédie/musical – Retour vers le futur",
"* 1985 : Gagné, Meilleur acteur – Retour vers le futur"
] | Michael Andrew Fox, OC (né le 9 juin 1961), connu sous le nom de Michael J. Fox, est un acteur, auteur, producteur et activiste canado-américain. Avec une carrière cinématographique et télévisuelle s'étalant sur les années 1970, les rôles de Fox incluent Marty McFly de la trilogie Retour vers le futur (1985-1990) ; Alex P. Keaton de Family Ties de NBC (1982-1989), pour lequel il a remporté trois Emmy Awards et un Golden Globe Award ; et Mike Flaherty dans Spin City d'ABC (1996-2001), pour lequel il a remporté un Emmy, trois Golden Globes et deux Screen Actors Guild Awards.
Fox a reçu un diagnostic de maladie de Parkinson en 1991, à l'âge de 29 ans, et a révélé son état au public en 1998. Fox a pris sa semi-retraite en 2000 alors que les symptômes de sa maladie s'aggravaient. Depuis, il est devenu un défenseur de la recherche visant à trouver un remède ; il a créé la Fondation Michael J. Fox et, le 5 mars 2010, le Karolinska Institutet de Suède lui a décerné un doctorat honoris causa pour son travail en faveur d'un remède à la maladie de Parkinson.
Depuis 2001, Fox a principalement travaillé comme acteur voix off dans des films tels que Stuart Little et Disney's Atlantis : The Lost Empire. Dans l'émission télévisée CBS The Good Wife, il a remporté des nominations aux Emmy pendant trois années consécutives pour son rôle récurrent d'avocat rusé Louis Canning. Fox a également assumé des rôles d'invité récurrents et des apparitions dans Boston Legal, Scrubs, Curb Your Enthusiasm et Rescue Me. Il a publié trois livres : Lucky Man : A Memoir (2002), Always Looking Up : The Adventures of an Incurable Optimist (2009) et A Funny Thing Happened on the Way to the Future : Twists and Turns and Lessons Learned (2010). . Il a été nommé Officier de l'Ordre du Canada en 2010. Il a également été intronisé à l'Allée des célébrités canadiennes en 2000.
Début de la vie
Fox est né le 9 juin 1961 à Edmonton, Alberta, Canada, de Phyllis (née Piper), actrice/commis à la paie, et de William Fox, policier et membre des Forces canadiennes.
La famille de Fox vivait dans diverses villes et villages du Canada en raison de la carrière de son père. La famille a finalement déménagé à Burnaby, en Colombie-Britannique, dans la banlieue de Vancouver, lorsque son père a pris sa retraite en 1971. Son père est décédé le 6 janvier 1990 des suites d'une crise cardiaque. Fox a fréquenté l'école secondaire centrale de Burnaby et possède maintenant un théâtre qui porte son nom à l'école secondaire Burnaby South. Fox, à 15 ans, a joué dans la série télévisée canadienne Leo and Me produite par la CBC, et en 1979, à 18 ans, il a déménagé à Los Angeles pour poursuivre sa carrière d'acteur. Peu de temps après son mariage, il décide de retourner vivre à Vancouver. Fox est l'un des quatre membres de la distribution et de l'équipe de Leo and Me qui ont finalement développé la maladie de Parkinson à la quarantaine, un nombre inhabituellement élevé qui a conduit à une enquête visant à déterminer si un facteur environnemental aurait pu jouer un rôle.
Fox a été découvert par le producteur Ronald Shedlo et a fait ses débuts à la télévision américaine dans le téléfilm Letters from Frank, crédité sous le nom de « Michael Fox ». Il avait l'intention de continuer à utiliser ce nom, mais lorsqu'il s'est inscrit auprès de la Screen Actors Guild, qui exige des noms d'enregistrement uniques pour éviter les ambiguïtés de crédit, il a découvert que Michael Fox, un acteur vétéran, était déjà enregistré sous ce nom. Comme il l'a expliqué dans son autobiographie, Lucky Man: A Memoir et dans des interviews, il devait trouver un nom différent. Il n'aimait pas le son de « Michael A. Fox » à une époque où « renard » commençait à signifier « attrayant » et parce que son initiale du deuxième prénom ressemblait trop au « hein » canadien. Il n'aimait pas non plus le son de "Andrew" ou "Andy", alors il a décidé d'adopter une nouvelle initiale et a choisi "J", en hommage à l'acteur Michael J. Pollard.
Carrière d'acteur
Début de carrière
Les premiers rôles de Fox au cinéma furent Midnight Madness (1980) et Class of 1984 (1982), crédités dans les deux sous le nom de Michael Fox. Peu de temps après, il a commencé à jouer "Young Republican" Alex P. Keaton dans l'émission Family Ties diffusée sur NBC pendant sept saisons, 1982-1989. Dans une interview avec Jimmy Fallon en avril 2014, Fox a déclaré qu'il avait négocié le rôle sur une cabine téléphonique chez Pioneer Chicken. Il n'a reçu le rôle qu'après l'indisponibilité de Matthew Broderick. Family Ties avait été vendu à la chaîne de télévision en utilisant le slogan « Parents branchés, enfants carrés », les parents étant initialement destinés à être les personnages principaux. Cependant, la réaction positive à la performance de Fox a conduit son personnage à devenir le centre de la série après le quatrième épisode. À son apogée, l'audience de Family Ties attirait chaque semaine un tiers des foyers américains. Fox a remporté trois Emmy Awards pour Family Ties, en 1986, 1987 et 1988. Il a également remporté un Golden Globe Award en 1989.
Brandon Tartikoff, l'un des producteurs de la série, a estimé que Fox était trop petit par rapport aux acteurs jouant ses parents et a tenté de le faire remplacer. Tartikoff aurait déclaré que "ce n'est pas le genre de visage que vous trouverez jamais sur une boîte à lunch". Après ses succès ultérieurs, Fox a offert à Tartikoff une boîte à lunch sur mesure avec l'inscription "À Brandon, c'est à vous d'y mettre votre corbeau. Amour et bisous, Michael J. Fox." Tartikoff a gardé la boîte à lunch dans son bureau pour le reste de sa carrière sur NBC.
Pendant le tournage de Family Ties, Fox a rencontré sa femme, Tracy Pollan, qui incarnait sa petite amie, Ellen. Lorsque Fox a quitté la série télévisée Spin City, ses derniers épisodes faisaient de nombreuses allusions aux liens familiaux : Michael Gross (qui jouait le père d'Alex, Steven) incarne le thérapeute de Mike Flaherty (Fox), et il y a une référence à un personnage hors écran nommé "Mallory". ". De plus, lorsque Flaherty devient lobbyiste environnemental à Washington, D.C., il rencontre un sénateur conservateur de l'Ohio nommé Alex P. Keaton et, dans un épisode, Meredith Baxter incarne la mère de Mike.
Grâce à son travail dans Family Ties, ainsi qu'à son rôle dans Teen Wolf et Back to the Future, Fox est devenu une idole des adolescents, l'émission The Greatest de VH1 le nommant plus tard parmi leurs « 50 plus grandes idoles de l'adolescence ».
Carrière cinématographique
En janvier 1985, Fox a été choisi pour remplacer Eric Stoltz dans le rôle de Marty McFly, un adolescent accidentellement renvoyé dans le temps de 1985 à 1955 dans Retour vers le futur.
Robert Zemeckis, le réalisateur, voulait à l'origine que Fox joue Marty, mais Gary David Goldberg, le créateur de Family Ties, sur lequel Fox travaillait à l'époque, a refusé de permettre à Zemeckis même d'approcher Fox car il estimait que Meredith Baxter était en maternité. À l'époque, le personnage de Fox, Alex Keaton, était nécessaire pour porter la série en son absence. Eric Stoltz était au casting et tournait déjà Retour vers le futur, mais Zemeckis a estimé que Stoltz ne donnait pas le bon type de performance pour l'humour impliqué. Zemeckis a rapidement remplacé Stoltz par Fox dont le calendrier était désormais plus ouvert avec le retour de Meredith Baxter. Il a été envisagé pour le rôle de Mark Kendall dans Once Bitten, mais il a finalement été attribué à Jim Carrey. Pendant le tournage, Fox répétait pour Family Ties de 10h à 18h, puis se précipitait sur le plateau de Retour vers le futur où il répétait et tournait jusqu'à 2h30 du matin. Ce programme a duré deux mois complets. Retour vers le futur fut un succès à la fois commercial et critique. Le film a passé 8 week-ends consécutifs en tant que film le plus rentable au box-office américain en 1985 et a finalement rapporté un total mondial de 381,11 millions de dollars. Variety a applaudi les performances, déclarant que Fox et sa co-star Christopher Lloyd ont imprégné l'amitié de Marty et Doc Brown d'une qualité rappelant celle du roi Arthur et de Merlin. Le film a ensuite été suivi de deux suites au succès similaire, Retour vers le futur II (1989) et Retour vers le futur III (1990).
Pendant et immédiatement après la trilogie Retour vers le futur, Fox a joué dans Teen Wolf (1985), Light of Day (1987), The Secret of My Success (1987), Bright Lights, Big City (1988) et Casualties of War (1989). ).
Dans Le secret de mon succès, Fox incarne un récent diplômé de la Kansas State University qui déménage à New York où il doit faire face aux hauts et aux bas du monde des affaires. Le film a connu un succès au box-office, rapportant 110 millions de dollars dans le monde. Roger Ebert dans le Chicago Sun Times a écrit : "Fox fournit un centre assez désespéré pour le film. Cela n'aurait pas dû être très amusant pour lui de suivre les changements d'humeur arbitraires du film, de la sitcom au burlesque, de la farce sexuelle aux bagarres dans les salles de réunion."
Dans Bright Lights, Big City, Fox a joué le rôle d'un vérificateur de faits pour un magazine new-yorkais, qui passe ses nuits à faire la fête avec de l'alcool et des drogues. Le film a reçu des critiques mitigées, Hal Hinson dans le Washington Post critiquant Fox en affirmant qu '"il n'était pas le bon acteur pour le travail". De son côté, Roger Ebert a salué la performance de l'acteur : "Fox est très bon dans le rôle central (il a un long monologue ivre qui est la meilleure chose qu'il ait jamais faite dans un film)". Pendant le tournage de Bright Lights, Big City, Fox a de nouveau partagé la vedette avec Tracy Pollan, sa petite amie à l'écran de Family Ties.
Fox a ensuite joué dans Casualties of War, un drame de guerre sombre et violent sur la guerre du Vietnam, aux côtés de Sean Penn. Casualties of War n'a pas été un succès majeur au box-office, mais Fox, jouant un rôle privé au Vietnam, a reçu de bonnes critiques pour sa performance. Don Willmott a écrit sur le site Web du critique de cinéma : "Fox, un an seulement après la bêtise de la sitcom Family Ties, relève le défi d'agir comme la voix morale du film et de partager des scènes avec Penn, toujours intimidant."
En 1991, il a joué dans Doc Hollywood, une comédie romantique sur un médecin talentueux qui décide de devenir chirurgien plasticien. Alors qu'il déménage de Washington, D.C. à Los Angeles, il se retrouve médecin dans une petite ville du sud de la Caroline du Sud. Michael Caton-Jones, de Time Out, a décrit Fox dans le film comme « à son meilleur frénétique ». The Hard Way est également sorti en 1991, avec Fox jouant un acteur infiltré apprenant du policier James Woods. Entre 1992 et 1996, il continue à réaliser plusieurs films, tels que For Love or Money (1993), Life With Mikey (1993) et Greedy (1994). Fox a ensuite joué de petits rôles de soutien dans le drame politique The American President (1995) et la comédie Mars Attacks ! (1996).
Son dernier rôle majeur au cinéma était dans The Frighteners (1996), réalisé par Peter Jackson. The Frighteners raconte l'histoire de Frank Bannister (Fox), un architecte qui développe des capacités psychiques lui permettant de voir, d'entendre et de communiquer avec les fantômes. Après avoir perdu sa femme, il utilise ses nouvelles capacités en escroquant les clients pour son entreprise de « chasse aux fantômes ». Cependant, un meurtrier de masse revient de l'enfer, ce qui incite Frank à enquêter sur la présence surnaturelle. La performance de Fox a reçu des éloges critiques, a écrit Kenneth Turan dans le Los Angeles Times ; "Les acteurs du film sont tout aussi agréables. Fox, dans son rôle principal le plus réussi depuis un certain temps, et [Trini] Alvarado, qui ressemble ici plutôt à Andie MacDowell, n'ont aucune difficulté à se plonger dans l'esprit maniaque des choses."
Il a exprimé l'American Bulldog Chance dans le film d'action réelle de Disney Homeward Bound : The Incredible Journey et sa suite Homeward Bound II : Lost in San Francisco, le personnage principal de Stuart Little et ses deux suites Stuart Little 2 et Stuart Little 3 : Call of the Wild et Milo Thatch dans le film d'animation de Disney Atlantis : L'Empire Perdu.
Carrière ultérieure
Spin City a été diffusé de 1996 à 2002 sur la chaîne de télévision américaine ABC. L'émission était basée sur un gouvernement local fictif dirigeant la ville de New York, mettant à l'origine Fox dans le rôle de Mike Flaherty, diplômé de la Fordham Law School et occupant le poste de maire adjoint de New York. Fox a remporté un Emmy Award pour Spin City en 2000, trois Golden Globe Awards en 1998, 1999 et 2000 et deux Screen Actors Guild Awards en 1999 et 2000. Au cours de la troisième saison de Spin City, Fox a fait cette annonce aux acteurs et à l'équipe de l'émission selon laquelle il était atteint de la maladie de Parkinson. Au cours de la quatrième saison, il a annoncé sa retraite de la série pour se consacrer à passer plus de temps avec sa famille. Il a annoncé qu'il prévoyait de continuer à jouer et qu'il ferait des apparitions dans Spin City (il a fait trois autres apparitions dans la série au cours de la dernière saison). Après avoir quitté la série, il a été remplacé par Charlie Sheen, qui incarnait le personnage de Charlie Crawford. Au total, 145 épisodes ont été produits. Fox a également été producteur exécutif pendant son passage dans la série, aux côtés des co-créateurs Bill Lawrence et Gary David Goldberg.
En 2004, Fox a joué dans deux épisodes de la comédie dramatique Scrubs dans le rôle du Dr Kevin Casey, un chirurgien atteint de troubles obsessionnels compulsifs graves. La série a été créée par le créateur de Spin City, Bill Lawrence. En 2006, il est apparu dans quatre épisodes de Boston Legal en tant que patient atteint d'un cancer du poumon. Les producteurs l'ont ramené dans un rôle récurrent pour la troisième saison, en commençant par la première de la saison. Fox a été nominé pour un Emmy Award pour la meilleure apparition en tant qu'invité.
En 2009, il est apparu dans cinq épisodes de la série télévisée Rescue Me, ce qui lui a valu un Emmy pour acteur invité exceptionnel dans une série dramatique. Depuis 2000, Fox a publié trois livres, Lucky Man : A Memoir (2002), Always Looking Up : The Adventures of an Incurable Optimist (2009) et A Funny Thing Happened on the Way to the Future : Twists and Turns and Lessons Learned (2010). ). À partir de 2010, Fox a joué un rôle récurrent dans la série dramatique américaine The Good Wife dans le rôle de l'avocat Louis Canning et a remporté des nominations aux Emmy Awards pendant trois années consécutives. En 2011, Fox a été présenté comme lui-même dans la huitième saison du véhicule de Larry David, Curb Your Enthusiasm. Le personnage de David (également lui-même) devient un résident temporaire de l'immeuble d'appartements de New York dans lequel réside Fox et un conflit surgit entre les deux, dans lequel David croit que Fox utilise sa maladie (la maladie de Parkinson) comme un outil de manipulation. Le 20 août 2012, NBC a annoncé The Michael J. Fox Show, vaguement basé sur sa vie. Il a obtenu un engagement de 22 épisodes de la part du réseau et a été créé sur NBC le 26 septembre 2013.
Fox a également fait plusieurs apparitions dans d'autres médias. Lors de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'hiver de 2010 à Vancouver, au Canada, il a prononcé des monologues comiques, aux côtés de William Shatner et Catherine O'Hara, dans la partie « Je suis Canadien » de la série. Aux côtés de Tatjana Patitz, Fox apparaît dans le calendrier 2011 de Carl Zeiss AG, photographié par Bryan Adams à New York à l'été 2010. Malgré un son similaire, A.J Locascio, exprimant son personnage de Marty McFly dans le film Back to the 2011. Futur jeu d'aventure épisodique, Fox a prêté son image à la version en jeu de Marty aux côtés de Christopher Lloyd. Fox a fait une apparition spéciale dans le dernier épisode de la série en tant que version aînée de Marty, ainsi que de son arrière-grand-père Willie McFly.
Vie privée
Fox a épousé l'actrice Tracy Pollan le 16 juillet 1988 au West Mountain Inn à Arlington, Vermont. Le couple a quatre enfants : son fils Sam Michael (né le 30 mai 1989), ses filles jumelles Aquinnah Kathleen et Schuyler Frances (nées le 15 février 1995) et sa fille Esmé Annabelle (née le 3 novembre 2001). Fox possède la double citoyenneté canado-américaine. Le 28 février 2010, Fox a fourni un segment léger lors de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'hiver de 2010 à Vancouver, en Colombie-Britannique, dans lequel il a exprimé à quel point il était fier d'être Canadien. Le 4 juin 2010, la ville de Burnaby, en Colombie-Britannique, a honoré Fox en lui accordant le droit de cité. Fox et sa famille résident à Manhattan, New York.
Santé et militantisme
Fox a commencé à présenter des symptômes d'apparition précoce de la maladie de Parkinson en 1991 lors du tournage du film Doc Hollywood, bien qu'il n'ait été correctement diagnostiqué que l'année suivante. Après son diagnostic, Fox a commencé à boire plus que par le passé ; cependant, il a demandé de l’aide et a complètement arrêté de boire. En 1998, il a décidé de rendre publique son état de santé et, depuis lors, il est un ardent défenseur de la recherche sur la maladie de Parkinson. Sa fondation, la Fondation Michael J. Fox, a été créée pour contribuer à faire progresser toutes les voies de recherche prometteuses visant à guérir la maladie de Parkinson, y compris les études sur les cellules souches embryonnaires.
Fox gère les symptômes de sa maladie de Parkinson avec le médicament carbidopa/lévodopa, et il a également subi une thalamotomie en 1998.
Son premier livre, Lucky Man, raconte comment, après sept ans de déni de la maladie, il a créé la Fondation Michael J. Fox, a arrêté de boire et a commencé à défendre les personnes vivant avec la maladie de Parkinson.
Dans Lucky Man, Fox a écrit qu'il n'avait pas pris ses médicaments avant son témoignage devant le sous-comité sénatorial des crédits en 1999 ([http://www.c-spanvideo.org/clip/4271310 clip vidéo complet C-Span]) ;
Dans une interview avec NPR en avril 2002, Fox a expliqué ce qu'il faisait lorsqu'il devenait symptomatique lors d'une interview ;
En 2006, Fox a joué dans une publicité de campagne pour Claire McCaskill (D), alors auditrice de l'État du Missouri, dans sa campagne réussie au Sénat de 2006 contre le président sortant Jim Talent (R), exprimant son soutien à la recherche sur les cellules souches. Dans la publicité, il montrait visiblement les effets de sa maladie de Parkinson ;
Le New York Times l'a qualifié de "l'une des publicités politiques les plus puissantes et les plus médiatisées depuis des années" et les sondages ont indiqué que la publicité a eu un impact mesurable sur la façon dont les électeurs ont voté, lors d'une élection que McCaskill a remportée. Son deuxième livre, Always Looking Up: The Adventures of an Incurable Optimist, décrit sa vie entre 1999 et 2009, une grande partie du livre étant centrée sur la façon dont Fox s'est lancé dans la campagne pour la recherche sur les cellules souches. Le 31 mars 2009, Fox est apparu au Oprah Winfrey Show avec le Dr Oz pour discuter publiquement de son état ainsi que de son livre, de sa famille et de son émission spéciale diffusée aux heures de grande écoute le 7 mai 2009 (Michael J. Fox : Adventures of un optimiste incurable).
Son travail l'a amené à être nommé l'une des 100 personnes « dont le pouvoir, le talent ou l'exemple moral transforme le monde » en 2007 par le magazine Time. Le 5 mars 2010, Fox a reçu un doctorat honorifique en médecine du Karolinska Institutet pour sa contribution à la recherche sur la maladie de Parkinson. Il a également reçu un doctorat honorifique en droit de l'Université de la Colombie-Britannique.
Le 31 mai 2012, il a reçu un doctorat honorifique en droit du Justice Institute of British Columbia en reconnaissance de ses réalisations en tant qu'artiste ainsi que de son engagement à accroître le financement de la recherche et à sensibiliser la population à la maladie de Parkinson. Fox se souvient avoir participé à des simulations de jeux de rôle dans le cadre d'exercices de formation des recrues de la police à l'Institut au début de sa carrière.
Filmographie
Film
Jeux vidéo
Directeur
Producteur
Récompenses et nominations
L'Allée des célébrités canadiennes
* 2000 : Intronisé à l'Allée des célébrités canadiennes
Médaille Double Hélice
* 2012 : [http://doublehelixmedals.cshl.edu/ Médaille double hélice CSHL]
Promenade des célébrités à Hollywood
* 2002 : Étoile sur le Walk of Fame – 7021 Hollywood Blvd.
Appareil photo doré
* 2011 : Golden Camera for Lifetime Achievement Award, prix du cinéma et de la télévision allemands.
Grammy Awards
*2010 : Gagné, Meilleur album de créations orales – Always Looking Up : Adventures of An Incurable Optimist
Prix de l'expatrié canadien influent
* 2009 : Récompensé « Expatrié canadien le plus influent », Association canadienne des expatriés
Diplômes honorifiques
* 2008 : Docteur en Beaux-Arts, honoris causa, New York University
* 2008 : Docteur en droit, honoris causa, Université de la Colombie-Britannique
* 2010 : doctorat honoris causa, Karolinska Institutet
* 2012 : Docteur en droit, honoris causa, Justice Institute of British Columbia
Prix des Golden Globes
*1986 : Nominé pour le meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie/musicale – Liens familiaux
*1986 : Nominé pour le meilleur acteur dans un film – Comédie/musical – Retour vers le futur
* 1987 : Nominé pour le meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie/musicale – Liens familiaux
* 1989 : Gagné, Meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie/Musical – Liens familiaux
* 1997 : Nominé pour le meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie/Musical – Spin City
* 1998 : Gagné, Meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie/Musical – Spin City
* 1999 : Gagné, Meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie/Musical – Spin City
* 2000 : Gagné, Meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie/Musical – Spin City
* 2014 : Nominé pour le meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie/musicale – The Michael J. Fox Show
Emmy Awards aux heures de grande écoute
* 1985 : Nominé, acteur de soutien exceptionnel dans une série comique – Liens familiaux
* 1986 : Gagné, Meilleur acteur principal dans une série comique – Liens familiaux
* 1987 : Gagné, Meilleur acteur principal dans une série comique – Liens familiaux
* 1988 : Gagné, Meilleur acteur principal dans une série comique – Liens familiaux
* 1989 : Nominé, acteur principal exceptionnel dans une série comique – Liens familiaux
* 1997 : Nominé, acteur principal exceptionnel dans une série comique – Spin City
* 1998 : Nominé, acteur principal exceptionnel dans une série comique – Spin City
* 1999 : Nominé, acteur principal exceptionnel dans une série comique – Spin City
* 2000 : Gagné, Meilleur acteur principal dans une série comique – Spin City
* 2006 : Nominé, acteur invité exceptionnel dans une série dramatique – Boston Legal
* 2009 : Gagné, Acteur invité exceptionnel dans une série dramatique – Rescue Me : Sheila
* 2011 : Acteur invité exceptionnel nominé dans une série dramatique – The Good Wife
* 2012 : Nominé, acteur invité exceptionnel dans une série comique – Calme ton enthousiasme : Larry contre Michael J. Fox
* 2012 : Nominé, acteur invité exceptionnel dans une série dramatique – The Good Wife
* 2013 : Nominé, acteur invité exceptionnel dans une série dramatique – The Good Wife
* 2015 : Nominé, acteur invité exceptionnel dans une série dramatique - The Good Wife
Prix du public
*1997 : Gagné, Interprète masculin préféré dans une nouvelle série télévisée
*2012 : Nominée, star invitée préférée de la télévision – The Good Wife
Récompenses satellites
* 1997 : Nominé pour le meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie ou comédie musicale – Spin City
*1998 : Nominé pour le meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie ou comédie musicale – Spin City
*1999 : Nominé pour le meilleur acteur dans une série télévisée – Comédie ou comédie musicale – Spin City
Prix Saturne
* 1985 : Gagné, Meilleur acteur – Retour vers le futur
Prix de la Guilde des acteurs de l'écran
* 1999 : Gagné, performance exceptionnelle d'un acteur masculin dans une série comique – Spin City
* 2000 : Gagné, performance exceptionnelle d'un acteur masculin dans une série comique – Spin City
Livres
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Quel personnage dirigeait une librairie dans le film « Notting Hill » ? | Hugh Grant | [
"La région est également le décor des films The Knack…and How to Get It (1965), Performance (1970) avec Mick Jagger, Lava (2001) et Paddington (2014). Notting Hill sert également de lieu à la comédie romantique de 1999 Notting Hill, avec Julia Roberts et Hugh Grant."
] | Notting Hill est un quartier aisé de l'ouest de Londres, situé au nord de Kensington, dans le quartier royal de Kensington et Chelsea. Notting Hill est connu pour être un quartier cosmopolite, accueillant le carnaval annuel de Notting Hill et abritant le marché de Portobello Road.
Très délabré jusque dans les années 1980, Notting Hill jouit aujourd'hui d'une réputation contemporaine de quartier aisé et à la mode ; connu pour ses jolies terrasses de grandes maisons de ville victoriennes et ses boutiques et restaurants haut de gamme (en particulier autour de Westbourne Grove et Clarendon Cross). Un article du Daily Telegraph de 2004 utilisait l'expression « Notting Hill Set » pour désigner un groupe de politiciens conservateurs émergents, tels que David Cameron et George Osborne, qui deviendraient respectivement Premier ministre et chancelier de l'Échiquier et étaient autrefois basés à Notting. Colline.
Pendant une grande partie du XXe siècle, les grandes maisons étaient subdivisées en locations multi-occupations. Les immigrants caribéens ont été attirés dans la région dans les années 1950, en partie à cause des loyers bon marché, mais ont été exploités par des propriétaires de bidonvilles comme Peter Rachman et sont également devenus la cible des Teddy Boys blancs lors des émeutes raciales de Notting Hill en 1958.
Depuis son développement dans les années 1820, Notting Hill a été associée aux artistes et à la culture « alternative ».
Histoire
Origine du nom
L'origine du nom « Notting Hill » est incertaine bien qu'une première version apparaisse dans les listes de brevets de 1356 sous le nom de Knottynghull, tandis qu'un texte de 1878, Old and New London, rapporte que le nom dérive d'un manoir de Kensington appelé « Knotting-Bernes ». , ", " Knutting-Barnes " ou " Nutting-barns ", et continue en citant un extrait d'un dossier judiciaire pendant le règne d'Henri VIII que " le manoir appelé Notingbarons, alias Kensington, dans la paroisse de Paddington, était détenu par l'abbé de Westminster." Pendant des années, on a pensé qu'il s'agissait d'un lien avec Canut, mais il est maintenant probable que la section « Nott » du nom soit dérivée du nom personnel saxon Cnotta, la partie « ing » étant généralement acceptée comme venant du saxon. pour un groupe ou un établissement de personnes.
Poteries et Porcheries
La zone à l'ouest autour de Pottery Lane était utilisée au début du 19e siècle pour fabriquer des briques et des tuiles à partir de l'argile lourde creusée dans la région. L'argile était façonnée et cuite dans une série de fours à briques et à tuiles. Le seul four à tuiles du XIXe siècle restant à Londres se trouve sur Walmer Road. [http://www.london-footprints.co.uk/wknottinghillroute.htm Notting Hill]
Dans la même zone, des éleveurs de porcs se sont installés après avoir été forcés de quitter la zone de Marble Arch. Avondale Park a été créé en 1892 à partir d'une ancienne zone de lisier de porc appelée « l'Océan ». Cela faisait partie d'un nettoyage général de la zone connue sous le nom de Poteries et Porcheries.
Développement du 19e siècle
La région est restée rurale jusqu'à ce que l'expansion de Londres vers l'ouest atteigne Bayswater au début du 19e siècle. Le principal propriétaire foncier de Notting Hill était la famille Ladbroke et, à partir des années 1820, James Weller Ladbroke commença à entreprendre le développement du domaine Ladbroke. En collaboration avec l'architecte et géomètre Thomas Allason, Ladbroke commença à tracer des rues et des maisons, dans le but de transformer le quartier en une banlieue à la mode de la capitale (même si le développement ne commença sérieusement que dans les années 1840). Beaucoup de ces rues portent le nom de Ladbroke, notamment Ladbroke Grove, le principal axe nord-sud du quartier, et Ladbroke Square, le plus grand jardin privé de Londres.
L'idée originale était d'appeler le quartier Kensington Park, et d'autres routes (notamment Kensington Park Road et Kensington Park Gardens) le rappellent. Le préfixe téléphonique local 7727 (à l'origine 727) est basé sur l'ancien nom du central téléphonique PARk. [http://www.rhaworth.myby.co.uk/phreak/tenp_01.htm Noms des échanges du système London Director.]
Ladbroke a laissé la responsabilité de développer son terrain au cabinet d'avocats de la ville, Smith, Bayley (connu sous le nom de Bayley et Janson après 1836), qui a travaillé avec Allason pour développer la propriété. En 1823, Allason élabora un plan pour l'aménagement de la partie principale du domaine. Cela marque la genèse de son idée la plus durable : la création de grands jardins privés communaux, à l'origine connus sous le nom de « terrains d'agrément » ou « paddocks », entourés de terrasses et/ou de croissants de maisons.
Au lieu que les maisons soient disposées autour d'une place de jardin, séparées de celle-ci par une route, les maisons d'Allason auraient un accès direct à un jardin commun isolé à l'arrière, auquel les gens de la rue n'avaient pas accès et ne pouvaient généralement pas voir. À ce jour, ces places de jardins communaux continuent de fournir à la région une grande partie de son attrait pour les propriétaires les plus riches.
En 1837, l'hippodrome de l'Hippodrome est aménagé. L'hippodrome faisait le tour de la colline et les passants devaient regarder depuis le sommet de la colline. Cependant, l'entreprise n'a pas été un succès, en partie à cause d'une emprise publique qui traversait le cours, et en partie à cause de l'argile lourde du quartier qui l'a gorgé d'eau. L'Hippodrome ferme ses portes en 1841, après quoi le développement reprend et des maisons sont construites sur le site. Les routes en forme de croissant qui contournent la colline, comme Blenheim Crescent, Elgin Crescent, Stanley Crescent, Cornwall Crescent et Landsdowne Crescent, ont été construites sur les pistes circulaires de l'hippodrome. Au sommet de la colline se dresse l'élégante église Saint-Jean, construite en 1845 dans le style anglais primitif et qui constituait la pièce maîtresse du développement du domaine Ladbroke.
Les maisons de Notting Hill étaient grandes, mais elles ne parvinrent pas immédiatement à attirer les Londoniens les plus riches, qui avaient tendance à vivre plus près du centre de Londres, à Mayfair ou à Belgravia. Les maisons séduisaient la classe moyenne supérieure, qui pouvait y vivre dans le style Belgravia à des prix inférieurs. Dans le premier chapitre des romans Forsyte Saga de John Galsworthy, il logeait les Nicholas Forsytes « à Ladbroke Grove, une demeure spacieuse et une bonne affaire ».
En 1862, Thomas Hardy quitta Dorchester pour Londres pour travailler avec l'architecte Arthur Blomfield ; pendant cette période, il vécut à Westbourne Park Villas. Il s'immerge dans la vie littéraire et culturelle de la ville, étudie l'art, visite la National Gallery, fréquente le théâtre et écrit de la prose et de la poésie. Sa première histoire publiée, « Comment je me suis construit une maison », parut dans le Chamber's Journal en 1865. Il y écrivit son premier roman, mais jamais publié, Le pauvre homme et la dame en 1867, ainsi que le poème « L'exhortation d'un jeune homme », tiré de dont Graham Greene a pris une épigraphe pour son propre roman The Comedians. Arthur Machen (1863-1947), auteur de nombreuses fictions surnaturelles et fantastiques, vivait au 23 Clarendon Road, Notting Hill Gate, dans les années 1880 ; il écrit sa vie ici dans ses mémoires Far Off Things (1922) et Things Near and Far (1923). Son œuvre mystique The Hill of Dreams (1907, bien qu'écrite dix ans plus tôt) comporte des scènes se déroulant à Notting Hill ; c'est ici que le protagoniste Lucian Taylor rencontre la belle prostituée aux cheveux de bronze qui sera plus tard complice de sa mort.
Du début au milieu du 20e siècle
La réputation du quartier s'est modifiée au cours du XXe siècle. À mesure que les ménages de la classe moyenne ont cessé d'employer des domestiques, les grandes maisons de Notting Hill ont perdu leur marché et ont été de plus en plus divisées en occupations multiples. Pendant le Blitz, un certain nombre de bâtiments ont été endommagés ou détruits par la Luftwaffe, notamment l'église All Saints, qui a été touchée en 1940 et de nouveau en 1944. Dans la période d'après-guerre, le nom de Notting Hill évoquait une zone délabrée d'hébergements bon marché. , incarné par le propriétaire racket Peter Rachman et les meurtres commis par John Christie au 10 Rillington Place, démoli depuis. Le quartier au nord-est, Golborne, était particulièrement connu pour être, selon les mots de Charles Booth, « l'un des pires quartiers de Londres ». En 1923, la rue Southam comptait 2 400 personnes vivant dans 140 maisons de neuf pièces, et les enfants des bidonvilles de cette rue ont été documentés dans les photographies des années 1950 de Roger Mayne.
Fin août et début septembre 1958, les émeutes raciales de Notting Hill ont eu lieu. La série de troubles aurait commencé le 20 août lorsqu'un gang de jeunes blancs a attaqué une Suédoise, Majbritt Morrison, mariée à un Antillais (Raymond Morrison). Plus tard dans la nuit, une foule de 300 à 400 Blancs, dont de nombreux « Teddy Boys », ont été vus sur Bramley Road attaquant les maisons des résidents antillais. Les troubles, les émeutes et les attaques à caractère raciste se sont poursuivis chaque nuit jusqu'à s'arrêter le 5 septembre.
Les conditions de logement désastreuses à Notting Hill ont conduit Bruce Kenrick à fonder le Notting Hill Housing Trust en 1963, contribuant ainsi à faire adopter une nouvelle législation sur le logement dans les années 1960 et à fonder l'organisation nationale de logement Shelter en 1966. Nos 1 à 9 Colville Gardens, maintenant connu sous le nom de Pinehurst Court était devenu tellement délabré en 1969 que son propriétaire, Robert Gubay de Cledro Developments, a décrit les conditions dans les bâtiments comme « vraiment terribles ».
Les bidonvilles ont été détruits lors du réaménagement dans les années 1960 et 1970, lorsque le survol de Westway et la tour Trellick ont été construits. Elle abrite désormais une communauté méditerranéenne dynamique, principalement portugaise, espagnole et marocaine.
gentrification de la fin du XXe siècle
Dans les années 1980, les maisons individuelles ont commencé à retrouver la faveur des familles qui pouvaient se permettre de les occuper et, grâce à leurs espaces ouverts et à leur architecture élégante, Notting Hill est aujourd'hui l'un des quartiers les plus recherchés de Londres. Plusieurs parties de Notting Hill se caractérisent par de belles maisons à piliers et porches aux façades en stuc, souvent avec des jardins privés, notamment autour de Pembridge Place et Dawson Place et des rues rayonnant depuis la partie sud de Ladbroke Grove, dont beaucoup mènent à d'importants jardins communaux. Il y a de grandes terrasses, comme Kensington Park Gardens, et de grandes villas comme à Pembridge Square et autour de Holland Park.
Depuis au moins 2000, les magasins indépendants de Portobello tels que Culture Shack ont perdu face aux chaînes multinationales standardisées telles que Starbucks. En 2009, Lipka's Arcade, un grand marché d'antiquités couvert, a été remplacé par la chaîne de grande distribution AllSaints.
Reflétant la disparition croissante de l'un des quartiers les plus dynamiques culturellement du centre de Londres, le recensement de 2011 a montré que dans l'arrondissement de Kensington et Chelsea, dans lequel se trouve Notting Hill, le nombre de résidents noirs ou noirs britanniques et blancs irlandais, deux des les groupes ethniques minoritaires traditionnellement les plus importants à Notting Hill ont diminué respectivement de 46 et 28 pour cent en dix ans.
Le quartier jouxte deux grands parcs publics, Holland Park et Kensington Gardens, avec Hyde Park à moins de 1,6 km à l'est. La gentrification a touché certaines rues qui étaient parmi les plus décrépites des années 1980, notamment les quartiers commerçants désormais chers de Westbourne Grove et Ledbury Road, ainsi que l'émergence de Portobello Road comme une attraction touristique majeure de Londres. Notting Hill compte une forte concentration de restaurants, dont le Ledbury, classé à deux rosettes Michelin.
Géographie
La colline dont Notting Hill tire son nom est encore bien visible, avec son sommet au milieu de Ladbroke Grove, à la jonction avec Kensington Park Gardens.
Notting Hill n'a pas de frontières officielles, donc les définitions des zones relevant de Notting Hill varient. Le code postal « W11 », centré sur le bureau de poste de Westbourne Grove, près de la jonction avec Denbigh Road, est celui le plus étroitement associé à Notting Hill, bien que le code postal immédiatement au nord, « W10 », couvre cette partie de North Kensington. qui relèverait d’une définition plus large. L'historienne locale Florence Gladstone, dans son ouvrage très réimprimé "Notting Hill in Bygone Days", définit Notting Hill comme l'ensemble de la partie de Kensington qui se trouve au nord de la route connue sous le nom de Notting Hill Gate.
Notting Hill constitue donc la majeure partie de North Kensington et est considéré comme un nom alternatif : The London Encyclopaedia, édité par Ben Weinreb et Christopher Hibbert. Macmillan London Ltd 1983, bien que les agents immobiliers différencient North Kensington comme une zone distincte comprenant Notting Dale et la zone à l'est de Ladbroke Grove menant à Harrow Road. La partie de l'arrondissement royal de Kensington et Chelsea englobée à peu près par les circonscriptions électorales de Saint Charles, Golborne, Notting Barns, Colville, Norland et Pembridge, qui est délimitée au nord par Harrow Road et au sud par Notting Hill Gate et Holland Park Avenue comprend toutes les zones connues sous le nom de Notting Hill, y compris Notting Barns, le centre des émeutes raciales de Notting Hill. David Cameron, chef du Parti conservateur, est connu comme faisant partie du « Notting Hill Set », bien qu'il déclare vivre à North Kensington.
Il y a quatre stations de métro dans le quartier : Westbourne Park, Ladbroke Grove, Latimer Road et Notting Hill Gate. La station de métro Ladbroke Grove s'appelait Notting Hill lors de son ouverture en 1864. Le nom a été changé en 1919 pour éviter toute confusion avec la nouvelle station Notting Hill Gate.
Notting Hill fait partie de la circonscription parlementaire de Kensington, représentée par le conservateur Sir Malcolm Rifkind.
Autres hébergements à Notting Hill
Ladbroke Grove
Ladbroke Grove est une route dans la partie nord de Notting Hill, s'étendant jusqu'à Kensal Green, à cheval sur les districts postaux W10 et W11, et aussi le nom de la zone immédiate entourant la route. La station de métro Ladbroke Grove se trouve sur la route où elle est traversée par Westway.
Porte de Notting Hill
Une porte d'autoroute à péage a été construite au pied de la colline sur la route principale reliant Londres à Uxbridge, maintenant Oxford Street, Bayswater Road et Holland Park Avenue le long de cette partie de son tracé. L'endroit où se trouvait la porte de l'autoroute à péage était connu sous le nom de Notting Hill Gate. Le portail était là pour empêcher les gens de passer sur la route sans payer. Les bénéfices ont été affectés à l’entretien de cette importante route. La porte a été supprimée au 19ème siècle et la route principale a été élargie et redressée dans les années 1960, impliquant la démolition de nombreux bâtiments, la liaison de deux stations de métro distinctes et la construction de deux tours.
Route de Portobello
Portobello Road s'étend sur presque toute la longueur de Notting Hill, du nord au sud. Il est parallèle à Ladbroke Grove. Il contient le marché de Portobello Road, l'un des marchés les plus connus de Londres, contenant une section d'antiquités et des stands de friperies, de fruits et légumes et de vêtements. La route était à l'origine une voie menant à Portobello Farm, au nord de Notting Hill.
Westbourne Grove
Westbourne Grove est une route commerciale qui traverse Notting Hill, de Kensington Park Road à l'ouest jusqu'à Queensway à l'est, en traversant Portobello Road. Il a été considéré comme « à la mode » et « prometteur » à partir des années 1990. Depuis lors, il a attiré de nombreux points de vente de marques de créateurs ainsi que des détaillants indépendants et des chaînes.
Le carnaval de Notting Hill se déroule dans la partie centrale de Westbourne Grove.
Kensington Nord
North Kensington est le quartier clé de Notting Hill. C'est là que la plupart des violences des émeutes raciales ont eu lieu, que le carnaval de Notting Hill a commencé et que la plupart des scènes du film Notting Hill ont été tournées.
La principale plaque tournante des transports de la région, la station de métro Ladbroke Grove, s'appelait Notting Hill depuis son ouverture en 1864 jusqu'en 1919. Le nom a ensuite été modifié pour éviter toute confusion avec la nouvelle station Notting Hill Gate. Ladbroke Grove est l'artère principale de la région.
Les agents immobiliers appellent désormais la zone très riche située au sud de Notting Hill en faisant référence à Notting Hill Gate et Holland Park.
North Kensington était autrefois bien connu pour ses bidonvilles. Cependant, North Kensington conserve des niveaux élevés de pauvreté et de chômage et une forte proportion de logements sociaux à louer.
Des vagues d'immigration dans la région se sont produites depuis au moins un siècle, y compris, mais sans s'y limiter, des personnes d'origine irlandaise, juive, caribéenne, espagnole et marocaine. Ce renouvellement constant de la population fait de la région l'une des plus cosmopolites au monde.
Les résidents de Notting Barns, l'un des quartiers de North Kensington, ont créé leur propre site Web communautaire, [http://www.nottingbarnslive.com www.nottingbarnslive.com]
Carnaval
Le carnaval de Notting Hill est un événement annuel qui a lieu en août, sur deux jours (le dimanche et le jour férié suivant). Elle a lieu sans interruption depuis 1965. Elle est dirigée par des membres de la population caribéenne, dont beaucoup vivent dans la région depuis les années 1950. Le carnaval a attiré jusqu'à 1,5 million de personnes dans le passé, ce qui en fait l'un des plus grands festivals de rue d'Europe.
Il a attiré l'attention de la presse en 1976 pour des affrontements avec la police, qui ont eu lieu en 1976 à la fin du carnaval de Notting Hill après que la police a arrêté un pickpocket et qu'un groupe de jeunes noirs est venu à sa défense. Les troubles se sont intensifiés et plus de 100 policiers ont été blessés. Deux participants notables à cette émeute étaient Joe Strummer et Paul Simonon, qui formèrent plus tard le groupe punk londonien The Clash. Leur chanson "White Riot" a été inspirée par leur participation à cet événement. D'autres incidents se sont poursuivis pendant quelques années, mais ont diminué pendant plusieurs décennies, jusqu'en 2008, où environ 500 jeunes se sont affrontés avec la police lundi.
Au fur et à mesure que l'événement prenait de l'ampleur, les inquiétudes concernant l'ampleur de l'événement ont incité Ken Livingstone à créer un groupe de révision du Carnaval pour étudier la « formulation de lignes directrices pour sauvegarder l'avenir du Carnaval ». Un rapport intermédiaire de la revue a abouti à une modification du tracé en 2002. Lorsque le rapport complet a été publié en 2004, il a été recommandé que Hyde Park soit utilisé comme une « savane » ; bien que cette décision ait suscité certaines inquiétudes quant au fait que l'événement de Hyde Park pourrait éclipser le carnaval de rue original.
En 2003, le Carnaval était géré par une société à responsabilité limitée, le Notting Hill Carnival Trust Ltd. Un rapport de l'Agence de développement de Londres sur le Carnaval de 2002 estime que l'événement contribue à environ 93 millions de livres sterling à l'économie de Londres et du Royaume-Uni.
Références culturelles
Notting Hill sert de décor aux romans de G.K. Chesterton (Le Napoléon de Notting Hill), Colin MacInnes (Absolute Beginners), Michael Moorcock (le quatuor Jerry Cornelius), R. C. Sherriff (Le Manuscrit Hopkins) et Alan Hollinghurst (La Ligne de beauté). The Blood Detective de Dan Waddel est un roman policier se déroulant dans le passé et le présent - mettant en vedette Notting Dale. Les résidents les plus récents et les plus riches de la région sont satirisés dans le roman Notting Hell (2006) de Rachel Johnson, qui se déroule dans de grandes maisons entourant un jardin communal fictif.
La région est également le décor des films The Knack…and How to Get It (1965), Performance (1970) avec Mick Jagger, Lava (2001) et Paddington (2014). Notting Hill sert également de lieu à la comédie romantique de 1999 Notting Hill, avec Julia Roberts et Hugh Grant.
Résidents notables
* George Orwell
Nouvelle gare Crossrail
Sur un site juste à l'est du site Old Oak Common, le conseil de Kensington et Chelsea a fait pression pour une station à North Kensington / Kensal, près de Ladbroke Grove et Canal Way, car une installation de retour devra être construite dans la région. de toute façon. L'implanter à Kensal Rise, plutôt qu'à côté de Paddington lui-même, fournirait une nouvelle station pour régénérer la zone. Parmi le grand public, le projet bénéficie d'un énorme soutien et le maire Boris Johnson a déclaré qu'une gare serait ajoutée si cela n'augmentait pas le coût global de Crossrail ; en réponse, le conseil de Kensington et Chelsea a accepté de prendre en charge le coût projeté de 33 millions de livres sterling d'une gare Crossrail, ce qui a été très bien accueilli par les résidents de l'arrondissement. TfL mène une étude de faisabilité sur la station et le projet est soutenu par National Grid, les détaillants Sainsbury's et Cath Kidston, ainsi que Jenny Jones (membre du Parti Vert à l'Assemblée de Londres). | http://quiz4free.com/ |
Qui est la mère de l'actrice Kate Hudson ? | Goldie Hawn | [
"Hudson est née à Los Angeles, en Californie, fille de l'actrice Goldie Hawn, lauréate d'un Oscar, et de Bill Hudson, acteur, comédien et musicien. Ses parents ont divorcé quand elle avait 18 mois et elle et son frère aîné, l'acteur Oliver Hudson, ont été élevés à Snowmass, Colorado, et Pacific Palisades, Californie, par sa mère et le petit ami de longue date de sa mère, l'acteur Kurt Russell.",
"Comme sa mère Goldie Hawn, Hudson pratique le bouddhisme."
] | Kate Garry Hudson (née le 19 avril 1979) est une actrice américaine. Elle s'est fait connaître en 2000 pour avoir joué Penny Lane dans Almost Famous, pour lequel elle a remporté un Golden Globe et a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle. Ses autres films incluent Comment perdre un mec en 10 jours (2003), Raising Helen (2004), The Skeleton Key (2005), You, Me and Dupree (2006), Fool's Gold (2008) et Bride Wars (2009). . Hudson a également cofondé Fabletics, une marque de fitness et un programme d'adhésion géré par JustFab.
Début de la vie
Hudson est née à Los Angeles, en Californie, fille de l'actrice Goldie Hawn, lauréate d'un Oscar, et de Bill Hudson, acteur, comédien et musicien. Ses parents ont divorcé quand elle avait 18 mois et elle et son frère aîné, l'acteur Oliver Hudson, ont été élevés à Snowmass, Colorado, et Pacific Palisades, Californie, par sa mère et le petit ami de longue date de sa mère, l'acteur Kurt Russell.
Hudson a déclaré que son père biologique "ne me connaît pas depuis un trou dans le mur" et qu'elle considère Russell comme son père. Son père biologique a indiqué que même s'il avait fait plusieurs efforts pour se connecter avec Kate et Oliver, aucun des deux n'avait rendu la pareille. Hudson a décrit sa mère comme « la femme dont j'ai le plus appris, et que j'admire, qui a mené sa vie d'une manière que je peux admirer ». Elle a quatre demi-frères et sœurs : Emily et Zachary Hudson, issus du mariage ultérieur de son père biologique avec l'actrice Cindy Williams ; Lalania Hudson, de sa relation avec une autre femme ; et Wyatt Russell, de la relation de sa mère avec Kurt Russell.
L'ascendance d'Hudson est italienne (de sa grand-mère paternelle), juive hongroise (de sa grand-mère maternelle) et le reste est un mélange d'anglais et d'allemand. Elle a été élevée dans la religion juive. En 1997, elle est diplômée de Crossroads, une école préparatoire universitaire de Santa Monica. Elle a été acceptée à l'Université de New York mais a choisi de poursuivre une carrière d'actrice plutôt que d'obtenir un diplôme de premier cycle.
Carrière
Le rôle décisif d'Hudson était celui de Penny Lane dans Almost Famous (2000) de Cameron Crowe, pour lequel elle a remporté le Golden Globe Award de la meilleure actrice dans un second rôle et a été nominée pour l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle. Elle était auparavant apparue dans les films moins connus Gossip, un drame pour adolescents, et 200 Cigarettes, une comédie du Nouvel An avec un large casting d'acteurs. Concernant son début de carrière et son succès, Hudson a noté qu'elle était une « travailleuse acharnée » et qu'elle ne voulait pas être associée à ses parents bien connus, souhaitant éviter la perception qu'elle « marchait sur les traces de quelqu'un ».
En 2002, Hudson a joué dans le remake de la romance historique Les Quatre Plumes, qui a été critiquée par la critique et le public. Son prochain film, la comédie romantique Comment perdre un mec en 10 jours, a été un succès au box-office, rapportant plus de 100 millions de dollars après sa sortie en février 2003. Hudson est ensuite apparu dans plusieurs comédies romantiques, dont Alex et Emma et Raising Helen ; les films rencontrent plus ou moins de succès. Hudson a ensuite été la vedette d'un thriller intitulé The Skeleton Key en 2005. Le film, doté d'un budget de production de 43 millions de dollars, a connu un succès au box-office, rapportant plus de 91,9 millions de dollars dans le monde (47,9 millions de dollars en Amérique du Nord). Son prochain film, une comédie intitulée You, Me and Dupree et mettant en vedette Owen Wilson et Matt Dillon, a rapporté 21,5 millions de dollars lors de son week-end d'ouverture du 14 juillet 2006.
En 2007, Hudson a réalisé le court métrage Cutlass, l'un des « Reel Moments » du magazine Glamour basé sur les essais personnels des lecteurs. Cutlass met en vedette Kurt Russell, Dakota Fanning, Virginia Madsen, Chevy Chase et Kristen Stewart. L'année suivante, elle apparaît dans la comédie romantique Fool's Gold, son deuxième film avec Matthew McConaughey ; elle a été certifiée en plongée sous-marine dans la Grande Barrière de Corail pour les scènes sous-marines du film. Elle est également apparue dans My Best Friend's Girl, une autre comédie romantique, en 2008. Hudson est ensuite apparue dans le film musical Nine, aux côtés de Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Nicole Kidman et Judi Dench. Le film, réalisé par Rob Marshall, est sorti en décembre 2009. Hudson a été acclamée par la critique pour ses talents de danseuse, présentés dans une pièce originale inspirée des années 1960 intitulée "Cinema Italiano", écrite spécifiquement pour son personnage. Elle a ensuite joué dans l'adaptation cinématographique de The Killer Inside Me de Jim Thompson, dont la première a eu lieu au Sundance Film Festival 2010. En 2011, elle a joué dans une autre comédie romantique, Something Borrowed, basée sur le roman du même nom d'Emily Giffin.
En 2012, Hudson a joué le rôle récurrent dans la série comique pour adolescents Fox, Glee dans le rôle de Cassandra July, la professeure de danse de Rachel Berry à la fictive New York Academy of the Dramatic Arts (NYADA). Hudson a ensuite joué des rôles de soutien dans des films plus petits, notamment Wish I Was Here et Good People. En 2016, elle a joué dans la comédie romantique Mother's Day, aux côtés de Jennifer Aniston et Julia Roberts, et incarnera l'épouse du personnage de Mark Wahlberg dans le drame catastrophe Deepwater Horizon.
En 2013, Hudson a entamé un partenariat avec le détaillant de mode en ligne JustFab pour lancer sa propre ligne de vêtements d'entraînement et de vêtements de sport appelée Fabletics.
Vie privée
En 1996, Hudson est sorti avec l'acteur Matt Le Blanc et plus tard avec Eli Craig, fils de l'actrice Sally Field. Hudson a épousé Chris Robinson, le leader des Black Crowes, le 31 décembre 2000 à Aspen, Colorado. Le couple vivait dans une maison qui appartenait autrefois au réalisateur James Whale et voyageait ensemble pendant les tournages de films d'Hudson ou les tournées musicales de Robinson. Le 14 août 2006, le publiciste d'Hudson a annoncé que Hudson et Robinson s'étaient séparés. Le 18 novembre 2006, Robinson a déposé des documents de divorce, invoquant des « différences irréconciliables ». Le divorce a été finalisé le 22 octobre 2007. Robinson et Hudson ont un enfant ensemble, un fils, Ryder, né en 2004.
En juillet 2006, Hudson a poursuivi la version anglaise du National Enquirer après avoir signalé qu'elle souffrait d'un trouble de l'alimentation, la décrivant comme « douloureusement mince ». Hudson a déclaré que les déclarations du tabloïd étaient « un mensonge flagrant » et elle s'inquiétait de l'impact que ce faux reportage pourrait avoir sur les jeunes femmes impressionnables. Le journal s'est excusé et l'a indemnisée.
Comme sa mère Goldie Hawn, Hudson pratique le bouddhisme.
Au printemps 2010, Hudson a commencé à sortir avec le leader de Muse, Matthew Bellamy. En février 2011, Hudson a acheté une maison à Londres, en Angleterre. Une source du Daily Mail a rapporté qu'elle prévoyait de vivre à Londres avec Bellamy six mois par an. Hudson et Bellamy se sont fiancés en avril 2011 et ont un fils, Bingham, né en juillet 2011. Le 9 décembre 2014, le couple a annoncé avoir mis fin à leurs fiançailles.
Hudson dit qu'elle n'aime pas se voir à l'écran, disant : "J'ai froid, je tremble et je transpire" lorsqu'elle regarde ses performances pour la première fois.
En 2016, Hudson a déclaré : « La méditation a été pour moi la chose la plus utile et qui a changé ma vie. Vous pouvez ressentir la différence lorsque vous méditez régulièrement. Au moins, je peux... J'ai commencé à pratiquer la méditation transcendantale il y a un an et un an. il y a demie, donc je médite 20 minutes le matin et j'essaie d'en faire encore 20 minutes l'après-midi.
Filmographie
Film
Télévision
Livres
En 2016, Hudson a publié son livre, | http://quiz4free.com/ |
Mary Arden a eu un fils célèbre. Qui était-il? | William Shakespeare | [
"Mary Shakespeare, née Arden (vers 1537-1608) était la mère de William Shakespeare. Elle était la fille de Robert Arden. La famille Arden était importante dans le Warwickshire avant la conquête normande. Elle était la plus jeune d'une famille de huit filles et elle hérita de la ferme de son père, maintenant appelée Mary Arden's House, à Wilmcote, Warwickshire, à la mort de Robert Arden en décembre 1556."
] | Mary Shakespeare, née Arden (vers 1537-1608) était la mère de William Shakespeare. Elle était la fille de Robert Arden. La famille Arden était importante dans le Warwickshire avant la conquête normande. Elle était la plus jeune d'une famille de huit filles et elle hérita de la ferme de son père, maintenant appelée Mary Arden's House, à Wilmcote, Warwickshire, à la mort de Robert Arden en décembre 1556.
Richard Shakespeare, le père de John Shakespeare, était fermier sur un terrain appartenant à son père à Snitterfield. En tant que fille du propriétaire de Richard ; elle connaissait peut-être John depuis son enfance. Mary épousa John Shakespeare en 1557, alors qu'elle avait 20 ans. Elle eut huit enfants : Joan (1558), Margaret (1562-1563), William (1564-1616), Gilbert (1566-1612),″ Joan (1569-1646), Anne (1571-79), Richard (1574- 1613) et Edmond (1580-1607). Bien que Marie ait donné naissance à de nombreux enfants, plusieurs d’entre eux sont morts jeunes. Leur première fille, Joan, née en 1558, est décédée, le nom a été réutilisé pour leur troisième fille. Leur deuxième fille, Margaret, est également décédée en bas âge. Certains membres de la famille Arden au sens large étaient de confession catholique.
Mary était issue d'une famille haut placée et ses ancêtres avaient des liens dans la société, comme Thomas Arden, qui combattit dans la guerre civile du XIIIe siècle pour les barons et Simon de Montfort ; Robert Arden qui a combattu pendant la guerre des Roses ; John Arden qui a servi à la cour du roi Henri VII. À la mort de son père, Mary a hérité de terres à Snitterfield et Wilmcote.
La maison de Mary Arden à Wilmcote a été maintenue en bon état car elle a été une ferme en activité au fil des siècles. Il a été acheté par le Shakespeare Birthplace Trust en 1930 et rénové dans le style de l'époque Tudor.
En 2000, on a découvert que le bâtiment conservé comme maison de Mary Arden appartenait à un ami et voisin Adam Palmer et la maison a été rebaptisée Palmer's Farm. La maison qui avait appartenu à la famille Arden et qui se trouvait à proximité de Palmer's Farm avait été acquise par le Shakespeare Birthplace Trust en 1968 pour être conservée dans le cadre d'une cour de ferme sans connaître sa véritable provenance. La maison et la ferme sont ouvertes en tant que musée historique présentant la vie du XVIe siècle. | http://quiz4free.com/ |
Darwin est la capitale de quel territoire australien ? | Territoire du Nord | [
"est la capitale du Territoire du Nord, en Australie. Située sur la mer de Timor, Darwin est la plus grande ville du Territoire du Nord, peu peuplé, avec une population de 136 245 habitants. C'est la plus petite et la plus septentrionale des capitales australiennes et constitue le centre régional du Top End. Darwin était à l’origine un avant-poste pionnier.",
"En 1859, la colonie du Queensland fut séparée de la Nouvelle-Galles du Sud et comprenait initialement la région du Territoire du Nord. Quatre ans plus tard, en 1863, le Territoire du Nord fut annexé au Queensland par la colonie d'Australie du Sud. En 1864, l'Australie du Sud envoya B. T. Finniss au nord en tant que résident du gouvernement pour enquêter et trouver une capitale pour son nouveau territoire. Finniss a choisi un site à Escape Cliffs, près de l'entrée de la rivière Adelaide, à environ 60 km au nord-est de la ville moderne. Cette tentative fut cependant de courte durée et la colonie fut abandonnée en 1865. Le 5 février 1869, George Goyder, l'arpenteur général de l'Australie du Sud, établit une petite colonie de 135 personnes à Port Darwin. Goyder a nommé la colonie Palmerston, en l'honneur du Premier ministre britannique Lord Palmerston. En 1870, les premiers poteaux de l'Overland Telegraph furent érigés à Darwin, reliant l'Australie au reste du monde. La découverte d'or par des employés de l'Australian Overland Telegraph Line creusant des trous pour des poteaux télégraphiques à Pine Creek dans les années 1880 a engendré une ruée vers l'or qui a encore stimulé le développement de la jeune colonie.",
"La période entre 1911 et 1919 a été remplie de troubles politiques, en particulier d'agitation syndicale, qui ont culminé le 17 décembre 1918. Menés par Harold Nelson, quelque 1 000 manifestants ont marché jusqu'à la Maison du Gouvernement sur Liberty Square à Darwin où ils ont brûlé une effigie de l'Administrateur. du Territoire du Nord John Gilruth et a exigé sa démission. L'incident est devenu connu sous le nom de « rébellion de Darwin ». Leurs griefs visaient les deux principaux employeurs du Territoire du Nord : Vestey's Meatworks et le gouvernement fédéral. Gilruth et la société Vestey quittèrent Darwin peu de temps après.",
"Darwin se trouve dans le Territoire du Nord, sur la mer de Timor. La ville proprement dite occupe une falaise basse surplombant le port de Darwin, flanquée de Frances Bay à l'est et de Cullen Bay à l'ouest. Le reste de la ville est plat et bas, et les zones côtières abritent des réserves récréatives, de vastes plages et une excellente pêche.",
"La période la plus sèche de l'année, avec seulement environ 5 mm de précipitations mensuelles en moyenne, se situe entre mai et septembre. Durant les mois les plus frais de juin et juillet, la température minimale quotidienne peut descendre jusqu'à 14 °C, mais très rarement en dessous, et une température inférieure à 10 °C n'a jamais été enregistrée dans le centre-ville. Les banlieues éloignées de la côte peuvent toutefois parfois enregistrer des températures aussi basses que 5 °C pendant la saison sèche. Pendant une période extrêmement longue de 147 jours au cours de la saison sèche 2012, du 5 mai au 29 septembre, Darwin n'a enregistré aucune précipitation. Des périodes prolongées sans précipitations sont courantes pendant la saison sèche en Australie du Nord (en particulier dans le Territoire du Nord et les régions du nord de l'Australie occidentale), bien qu'un événement sans pluie de cette ampleur soit rare. La moyenne du point de rosée à 15 heures pendant la saison des pluies est d'environ .",
"Darwin est l'une des capitales australiennes à la croissance la plus rapide, avec un taux de croissance annuel de 2,6 % depuis le recensement de 2006. Ces dernières années, les parties de Palmerston et Litchfield de la division statistique de Darwin ont enregistré la plus forte croissance démographique de toutes les zones de gouvernement local du Territoire du Nord et, d'ici 2016, Litchfield pourrait dépasser Palmerston en tant que deuxième plus grande municipalité de la zone métropolitaine de Darwin. On prévoit que d'ici 2021, la population combinée de Palmerston et de Litchfield s'élèvera à 101 546 personnes.",
"Le conseil municipal de Darwin (constitué en vertu de la loi de 1993 sur le gouvernement local du Territoire du Nord) régit la ville de Darwin, qui englobe le CBD et les banlieues. Le conseil municipal de Darwin gouverne la ville de Darwin depuis 1957. Le conseil municipal de Darwin se compose de 13 membres élus, du lord-maire et de 12 échevins.",
"Le reste de la région de Darwin est divisé en 2 zones de gouvernement local : le conseil municipal de Palmerston et la comté de Coomalie. Ces zones ont des conseils élus qui sont responsables des fonctions qui leur sont déléguées par le gouvernement du Territoire du Nord, telles que la planification et la collecte des ordures.",
"L'Assemblée législative du Territoire du Nord se réunit à Darwin au Parlement du Territoire du Nord. Government House, la résidence officielle de l'administrateur du Territoire du Nord, est située sur l'Esplanade.",
"La [http://www.supremecourt.nt.gov.au/ Cour suprême du Territoire du Nord] se trouve également sur l'Esplanade. Darwin dispose également d'un [http://www.nt.gov.au/justice/ntmc Magistrate's Court] situé à l'angle des rues Cavenagh et Bennett, tout près de la salle du conseil municipal de Darwin.",
"Les forces de police de Darwin sont membres de la police du Territoire du Nord. La rue Mitchell de Darwin, avec ses nombreux pubs, clubs et autres lieux de divertissement, est surveillée par l'unité CitySafe. L'unité CitySafe a récemment été reconnue pour avoir réduit les crimes violents dans et autour de la ville de Darwin. Darwin a un long historique d'abus d'alcool et de crimes violents avec 6 000 agressions en 2009, dont 350 ont entraîné des fractures de la mâchoire et du nez – plus que partout ailleurs dans le monde, selon l'hôpital Royal Darwin.",
"La présence militaire maintenue à Darwin et dans l’ensemble du Territoire du Nord constitue une source d’emploi substantielle.",
"Il y avait 9 764 élèves fréquentant les écoles de la région de la ville de Darwin. 6 045 élèves fréquentaient les écoles primaires et 3 719 élèves fréquentaient les écoles secondaires. Il y a plus de 7 161 élèves inscrits dans les écoles publiques et 1 108 élèves inscrits dans les écoles indépendantes. Il existe plus de 35 écoles primaires et préscolaires et 12 écoles secondaires, publiques et non gouvernementales. La plupart des écoles de la ville sont laïques, mais il existe un petit nombre d'institutions chrétiennes, catholiques et luthériennes. Les étudiants ayant l'intention de terminer leurs études secondaires peuvent obtenir soit le certificat d'études du Territoire du Nord, soit le baccalauréat international (offert uniquement au Kormilda College). Les écoles ont été restructurées en écoles primaires, collèges et lycées depuis début 2007.",
"La plus grande université de Darwin est l'Université Charles Darwin, qui est le principal fournisseur d'enseignement supérieur dans le Territoire du Nord. Il couvre à la fois des cours professionnels et académiques, agissant à la fois comme une université et un institut du TAFE. Il y a plus de 5 500 étudiants inscrits dans des cours d’enseignement supérieur et complémentaire.",
"Le Musée et galerie d'art du Territoire du Nord (MAGNT) à Darwin donne un aperçu de l'histoire de la région, notamment des expositions sur le cyclone Tracy et les bateaux des îles du Pacifique. Le MAGNT organise également le Telstra NationalAboriginal and Torres Strait Islander Art Award, le prix d'art autochtone le plus ancien d'Australie. Le MAGNT gère également Defense of Darwin Experience, une installation multimédia qui raconte l'histoire des raids aériens japonais sur Darwin pendant la Seconde Guerre mondiale.",
"La Darwin Cup, qui culmine le premier lundi d'août, est une course de chevaux très populaire à Darwin et attire chaque année de grandes foules à l'hippodrome de Fannie Bay. Bien qu'elle ne soit pas aussi populaire que la Melbourne Cup, elle attire les foules et, en 2003, Sky Racing a commencé à télédiffuser la plupart des courses. Le jour de la Darwin Cup est un jour férié dans le Territoire du Nord (jour férié du pique-nique)."
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est la capitale du Territoire du Nord, en Australie. Située sur la mer de Timor, Darwin est la plus grande ville du Territoire du Nord, peu peuplé, avec une population de 136 245 habitants. C'est la plus petite et la plus septentrionale des capitales australiennes et constitue le centre régional du Top End. Darwin était à l’origine un avant-poste pionnier.
La proximité de Darwin avec l'Asie du Sud-Est en fait une porte d'entrée australienne importante vers des pays comme l'Indonésie et le Timor oriental. La Stuart Highway commence à Darwin et se termine à Port Augusta, en Australie méridionale. La ville elle-même est construite sur une petite falaise surplombant le port. Sa banlieue s'étend sur une certaine zone, commençant à Lee Point au nord et s'étendant jusqu'à Berrimah à l'est. Après Berrimah, la Stuart Highway continue jusqu'à la ville satellite de Darwin, Palmerston, et sa banlieue. La région de Darwin, comme le reste du Top End, a un climat tropical, avec une saison humide et une saison sèche. La ville est connue pour son climat constamment chaud, tout au long de l'année. Sujette à l'activité cyclonique pendant la saison des pluies, Darwin connaît de fortes averses de mousson et des spectacles d'éclairs spectaculaires. Pendant la saison sèche, la ville est accueillie par un ciel bleu et de douces brises marines provenant du port.
La grande région de Darwin est la demeure ancestrale du peuple Larrakia. Le 9 septembre 1839, il entra dans le port de Darwin lors de son étude de la région. John Clements Wickham a nommé la région "Port Darwin" en l'honneur de leur ancien camarade de bord Charles Darwin, qui avait navigué avec eux lors du précédent voyage du navire qui s'était terminé en octobre 1836. La colonie est devenue la ville de Palmerston en 1869 et a été rebaptisée Darwin en 1911. La ville a été presque entièrement reconstruite quatre fois, une fois à cause des raids aériens japonais pendant la Seconde Guerre mondiale, et trois fois après avoir été dévastée par le cyclone de 1897, le cyclone de 1937 et le cyclone Tracy en 1974.
Histoire
Avant le 20e siècle
Les aborigènes du groupe linguistique Larrakia sont les gardiens traditionnels et les premiers habitants de la grande région de Darwin. Ils avaient des routes commerciales avec l'Asie du Sud-Est (voir le contact de Macassan avec l'Australie) et importaient des marchandises d'aussi loin que l'Australie du Sud et de l'Ouest. Des chansons établies ont pénétré dans tout le pays, permettant de raconter et de raconter des histoires le long des routes. L'étendue des lignes de chant partagées et l'histoire de plusieurs groupes claniques dans cette zone sont encore contestables.
Les Néerlandais ont visité la côte nord de l'Australie dans les années 1600 et ont débarqué sur les îles Tiwi pour ensuite être repoussés par les peuples Tiwi. Les Néerlandais ont créé les premières cartes européennes de la région. Cela explique les noms néerlandais de la région, tels que Arnhem Land et Groote Eylandt. La première personne britannique à avoir vu le port de Darwin semble avoir été le lieutenant John Lort Stokes le 9 septembre 1839. Le capitaine du navire, le commandant John Clements Wickham, a donné au port le nom de Charles Darwin, le naturaliste britannique qui avait navigué avec eux deux le 9 septembre 1839. deuxième expédition du Beagle.
En 1859, la colonie du Queensland fut séparée de la Nouvelle-Galles du Sud et comprenait initialement la région du Territoire du Nord. Quatre ans plus tard, en 1863, le Territoire du Nord fut annexé au Queensland par la colonie d'Australie du Sud. En 1864, l'Australie du Sud envoya B. T. Finniss au nord en tant que résident du gouvernement pour enquêter et trouver une capitale pour son nouveau territoire. Finniss a choisi un site à Escape Cliffs, près de l'entrée de la rivière Adelaide, à environ 60 km au nord-est de la ville moderne. Cette tentative fut cependant de courte durée et la colonie fut abandonnée en 1865. Le 5 février 1869, George Goyder, l'arpenteur général de l'Australie du Sud, établit une petite colonie de 135 personnes à Port Darwin. Goyder a nommé la colonie Palmerston, en l'honneur du Premier ministre britannique Lord Palmerston. En 1870, les premiers poteaux de l'Overland Telegraph furent érigés à Darwin, reliant l'Australie au reste du monde. La découverte d'or par des employés de l'Australian Overland Telegraph Line creusant des trous pour des poteaux télégraphiques à Pine Creek dans les années 1880 a engendré une ruée vers l'or qui a encore stimulé le développement de la jeune colonie.
En février 1872, le brigatin Alexandra fut le premier navire privé à appareiller d'un port anglais directement vers Darwin, dont beaucoup étaient des personnes venant récemment découvrir de l'or.
Au début de 1875, la population européenne de Darwin atteignait environ 300 habitants en raison de la ruée vers l'or. Le 17 février 1875, le quitta Darwin en route pour Adélaïde. Les quelque 88 passagers et 34 membres d'équipage (les dossiers survivants varient) comprenaient des représentants du gouvernement, des juges des tribunaux de circuit, des résidents de Darwin prenant leur premier congé et des mineurs. Alors qu'il voyageait vers le sud le long de la côte nord du Queensland, le Gothenburg a rencontré une tempête de force cyclonique et a fait naufrage sur une section de la Grande Barrière de Corail. Seuls 22 hommes ont survécu, tandis qu'entre 98 et 112 personnes ont péri. De nombreux passagers qui ont péri étaient des résidents de Darwin et la nouvelle de la tragédie a gravement affecté la petite communauté, qui aurait mis plusieurs années à se rétablir.
Le 20e siècle commence
Darwin est devenu le nom officiel de la ville en 1911.
La période entre 1911 et 1919 a été remplie de troubles politiques, en particulier d'agitation syndicale, qui ont culminé le 17 décembre 1918. Menés par Harold Nelson, quelque 1 000 manifestants ont marché jusqu'à la Maison du Gouvernement sur Liberty Square à Darwin où ils ont brûlé une effigie de l'Administrateur. du Territoire du Nord John Gilruth et a exigé sa démission. L'incident est devenu connu sous le nom de « rébellion de Darwin ». Leurs griefs visaient les deux principaux employeurs du Territoire du Nord : Vestey's Meatworks et le gouvernement fédéral. Gilruth et la société Vestey quittèrent Darwin peu de temps après.
Environ 10 000 soldats australiens et alliés sont arrivés à Darwin au début de la Seconde Guerre mondiale afin de défendre la côte nord de l'Australie. Le 19 février 1942 à 9 h 57, 188 avions de guerre japonais attaquèrent Darwin en deux vagues. C'était la même flotte qui avait bombardé Pearl Harbor, même si un nombre considérablement plus grand de bombes avaient été larguées sur Darwin que sur Pearl Harbor. L'attaque a tué au moins 243 personnes et causé d'immenses dégâts à la ville et, plus important encore, aux aérodromes et aux avions. Il s'agissait de loin des attaques les plus graves contre l'Australie en temps de guerre, en termes de morts et de dégâts. Il s'agissait du premier d'une longue série de raids sur Darwin.
Malgré cette attaque majeure, Darwin s'est développée davantage après la guerre, avec la construction de routes goudronnées reliant la région à Alice Springs au sud et au mont Isa au sud-est, et le barrage de Manton construit au sud pour approvisionner la ville en eau. Le jour de l'Australie (26 janvier) 1959, Darwin obtint le statut de ville.
1970 à aujourd'hui
Le 25 décembre 1974, Darwin a été frappée par le cyclone Tracy, qui a tué 71 personnes et détruit plus de 70 % des bâtiments de la ville, y compris de nombreux bâtiments anciens en pierre comme l'hôtel de ville de Palmerston, qui n'ont pas pu résister aux forces latérales générées par les vents violents. . Après la catastrophe, 30 000 personnes sur une population alors de 46 000 ont été évacuées, dans le cadre de ce qui s'est avéré être le plus grand pont aérien de l'histoire de l'Australie. La ville a ensuite été reconstruite avec des matériaux et des techniques plus récents à la fin des années 1970 par la Commission de reconstruction de Darwin, dirigée par l'ancien maire de Brisbane, Clem Jones. Une ville satellite de Palmerston a été construite à 20 km au sud de Darwin au début des années 1980.
Le 17 septembre 2003, le chemin de fer Adélaïde-Darwin a été achevé, avec l'ouverture de la ligne à écartement standard Alice Springs-Darwin.
Géographie
Darwin se trouve dans le Territoire du Nord, sur la mer de Timor. La ville proprement dite occupe une falaise basse surplombant le port de Darwin, flanquée de Frances Bay à l'est et de Cullen Bay à l'ouest. Le reste de la ville est plat et bas, et les zones côtières abritent des réserves récréatives, de vastes plages et une excellente pêche.
Darwin est plus proche des capitales de cinq autres pays que de la capitale de l'Australie : Darwin est à 3 137 km de Canberra. Dili (Timor oriental) est à 656 km, Port Moresby (Papouasie-Nouvelle-Guinée) est à 1818 km, Jakarta (Indonésie) est à 2700 km, Bandar Seri Begawan (Brunei) est à 2607 km et Ngerulmud (Palau) est à 2247 km de Darwin.
Même la Malaisie et Singapour ne sont qu'un peu plus loin, à 3 350 km, tout comme Manille (Philippines) à 3 206 km et Honiara (Îles Salomon) à 3 198 km. Ambon, en Indonésie, est à seulement 881 km de Darwin.
Outre son importance en tant que porte d'entrée vers l'Asie, Darwin sert également de point d'accès au parc national de Kakadu, à la Terre d'Arnhem et aux îles du nord telles que Groote Eylandt et les îles Tiwi. En tant que plus grande ville de la région, elle fournit des services à ces colonies isolées.
Ville et banlieue
Darwin et ses banlieues s'étendent selon une forme approximativement triangulaire, les anciennes banlieues sud-ouest - et la ville elle-même - formant un coin, les nouvelles banlieues nord dans un autre et les banlieues est, progressant vers Palmerston, formant le troisième.
La partie la plus ancienne de Darwin est séparée des nouvelles banlieues nord par l'aéroport international de Darwin et la Royal Australian Air Force Base. Palmerston est une ville satellite située à 20 km au sud de Darwin, créée dans les années 1980 et l'une des municipalités à la croissance la plus rapide d'Australie. Les zones rurales de Darwin, notamment Howard Springs, Humpty Doo et Berry Springs, connaissent une forte croissance.
Le quartier central des affaires de Darwin est délimité par Daly Street au nord-ouest, McMinn Street au nord-est, Mitchell Street au sud-ouest et Bennett Street au sud-est. Le CBD a été au centre d'un certain nombre de projets majeurs, notamment le réaménagement d'un milliard de dollars du secteur riverain du quai de Stokes Hill, comprenant un centre de congrès pouvant accueillir 1 500 personnes et environ 4 000 m2 d'espace d'exposition. Le développement comprendra également des hôtels, des appartements résidentiels et des espaces publics. Les principales zones industrielles de la ville se trouvent le long de la Stuart Highway en direction de Palmerston, centrées sur Winnellie. Le plus grand quartier commerçant de la région est Casuarina Square.
Les zones résidentielles les plus chères se trouvent le long de la côte, dans les banlieues telles que Larrakeyah et Brinkin, malgré le léger risque auquel ces régions de basse altitude sont confrontées en cas de cyclones et de marées plus hautes. Les banlieues nord intérieures de Millner et Coconut Grove et la banlieue est de Karama abritent des ménages à faible revenu, bien que des logements territoriaux à faible revenu soient dispersés dans toute la zone métropolitaine. La banlieue de Lyon s'ajoute à la banlieue nord. Le développement et la construction ont eu lieu en 2009 et 2010 et sont devenus le foyer d'un certain nombre de résidents aisés de Darwin et de familles de militaires locaux/récemment affectés au-dessus du grade de sergent ou d'officier d'aviation.
Climat
Darwin a un climat de savane tropicale (Köppen Aw) avec des saisons humides et sèches distinctes et la température maximale moyenne est remarquablement similaire tout au long de l'année. La saison sèche s'étend d'environ mai à septembre, pendant laquelle presque tous les jours sont ensoleillés et l'humidité de l'après-midi est en moyenne d'environ 30 %.
La période la plus sèche de l'année, avec seulement environ 5 mm de précipitations mensuelles en moyenne, se situe entre mai et septembre. Durant les mois les plus frais de juin et juillet, la température minimale quotidienne peut descendre jusqu'à 14 °C, mais très rarement en dessous, et une température inférieure à 10 °C n'a jamais été enregistrée dans le centre-ville. Les banlieues éloignées de la côte peuvent toutefois parfois enregistrer des températures aussi basses que 5 °C pendant la saison sèche. Pendant une période extrêmement longue de 147 jours au cours de la saison sèche 2012, du 5 mai au 29 septembre, Darwin n'a enregistré aucune précipitation. Des périodes prolongées sans précipitations sont courantes pendant la saison sèche en Australie du Nord (en particulier dans le Territoire du Nord et les régions du nord de l'Australie occidentale), bien qu'un événement sans pluie de cette ampleur soit rare. La moyenne du point de rosée à 15 heures pendant la saison des pluies est d'environ .
La température la plus élevée enregistrée à Darwin a eu lieu le 17 octobre 1892 à la station du bureau de poste de Darwin, tandis que la plus basse a été enregistrée le 29 juillet 1942 à la station de l'aéroport de Darwin, qui est plus éloignée de la côte et enregistre régulièrement des températures plus fraîches que la station du bureau de poste qui est situé dans le CBD de Darwin. La température maximale la plus basse jamais enregistrée a été enregistrée le 3 juin 1904, tandis que la température minimale la plus élevée a été enregistrée le 18 janvier 1928.
La saison des pluies est associée aux cyclones tropicaux et aux pluies de mousson. La majorité des précipitations se produisent entre décembre et mars (l'été dans l'hémisphère sud), lorsque les orages sont fréquents et que l'humidité relative de l'après-midi dépasse en moyenne 70 pour cent pendant les mois les plus humides. Il ne pleut pas tous les jours pendant la saison des pluies, mais la plupart des jours, la couverture nuageuse est abondante ; Janvier compte en moyenne moins de 6 heures de soleil par jour. Le total de précipitations quotidiennes vérifié par le Bureau de météorologie de Darwin est de , qui est tombé lorsque le cyclone Carlos s'est abattu sur la région de Darwin le 16 février 2011. Février 2011 a également été le mois le plus humide jamais enregistré à Darwin, avec un mois enregistré à l'aéroport.
Le mois le plus chaud est novembre, juste avant le début de la principale saison des pluies. L'indice de chaleur dépasse parfois 45 °C, alors que la température réelle est généralement inférieure à 35 °C, en raison de niveaux d'humidité que la plupart trouveraient inconfortables. En raison de sa longue saison sèche, Darwin a le deuxième nombre d'heures d'ensoleillement quotidien moyen (8,4) de toutes les capitales australiennes, avec le plus d'ensoleillement d'avril à novembre ; seule Perth, en Australie occidentale, a une moyenne supérieure (8,8). Le soleil passe directement au-dessus de nous à la mi-octobre et à la mi-février. Climatiquement, Darwin a plus en commun avec Manille qu'avec Sydney car elle se situe bien à l'intérieur de la zone tropicale.
La température moyenne de la mer varie de juillet à décembre.
Darwin occupe l'une des régions d'Australie les plus sujettes à la foudre. Le 31 janvier 2002, une ligne de grains tôt le matin a produit plus de 5 000 éclairs nuage-sol dans un rayon de 60 km autour de Darwin seulement, soit environ trois fois la quantité d'éclairs que connaît Perth, en Australie occidentale, en moyenne au cours d'une année entière.
Données démographiques
En 2006, les groupes d'ascendance les plus importants à Darwin étaient les Australiens (42 221 ou 36,9 %), les Anglais (29 766 ou 26 %), les Australiens autochtones (10 259 ou 9,7 %), les Irlandais (9 561 ou 8,3 %), les Écossais (7 815 ou 6,8 %). ), chinois (3 502 ou 3 %), grec (2 828 ou 2,4 %) et italien (2 367 ou 2 %)
La population de Darwin se distingue par la population proportionnelle la plus élevée d'Australiens autochtones de toutes les capitales australiennes. Lors du recensement de 2006, 10 259 (9,7 %) de la population de Darwin étaient autochtones.
La population de Darwin a changé après la Seconde Guerre mondiale. Darwin, comme beaucoup d'autres villes australiennes, a connu un afflux d'Europe, avec un nombre important d'Italiens et de Grecs au cours des années 1960 et 1970. Darwin a également commencé à connaître un afflux d'autres pays européens, parmi lesquels les Néerlandais, les Allemands et bien d'autres. Un pourcentage important des résidents de Darwin sont des immigrants récents d'Asie du Sud-Est (les Australiens d'origine asiatique représentaient 9,3 % de la population de Darwin en 2001).
La population de Darwin comprend des personnes issues de nombreuses origines ethniques. Le recensement de 2006 a révélé que les lieux de naissance les plus courants pour les migrants étrangers étaient le Royaume-Uni (3,4 pour cent), la Nouvelle-Zélande (2,1 pour cent), les Philippines (1,4 pour cent) et le Timor oriental (0,9 pour cent). 18,3 pour cent de la population de la ville est née à l'étranger, ce qui est inférieur à la moyenne australienne de 22 pour cent.
Darwin a une population jeune, avec un âge moyen de 33 ans (contre une moyenne nationale d'environ 37 ans), aidée dans une large mesure par la présence militaire et par le fait que de nombreuses personnes choisissent de prendre leur retraite ailleurs.
Les langues les plus couramment parlées à Darwin après l'anglais sont le grec, les langues aborigènes australiennes, l'italien, l'indonésien, le vietnamien et le cantonais.
Religion
C'est à Darwin que le christianisme compte le plus d'adeptes, avec 56 613 adeptes, soit 49,5 % de la population de la ville. Les plus grandes confessions chrétiennes sont le catholicisme romain (24 538 ou 21,5 %), l'anglicanisme (14 028 ou 12,3 %) et l'orthodoxie grecque (2 964 ou 2,6 %). Les bouddhistes, les musulmans, les hindous et les juifs représentent 3,2 pour cent de la population de Darwin. Il y avait 26 695 personnes, soit 23,3 pour cent, ne professant aucune religion.
Croissance démographique
Darwin est l'une des capitales australiennes à la croissance la plus rapide, avec un taux de croissance annuel de 2,6 % depuis le recensement de 2006. Ces dernières années, les parties de Palmerston et Litchfield de la division statistique de Darwin ont enregistré la plus forte croissance démographique de toutes les zones de gouvernement local du Territoire du Nord et, d'ici 2016, Litchfield pourrait dépasser Palmerston en tant que deuxième plus grande municipalité de la zone métropolitaine de Darwin. On prévoit que d'ici 2021, la population combinée de Palmerston et de Litchfield s'élèvera à 101 546 personnes.
Loi et gouvernement
Le conseil municipal de Darwin (constitué en vertu de la loi de 1993 sur le gouvernement local du Territoire du Nord) régit la ville de Darwin, qui englobe le CBD et les banlieues. Le conseil municipal de Darwin gouverne la ville de Darwin depuis 1957. Le conseil municipal de Darwin se compose de 13 membres élus, du lord-maire et de 12 échevins.
L'électorat de la ville de Darwin est organisé en quatre unités ou quartiers électoraux. Les noms des quartiers sont Chan, Lyons, Richardson et Waters. Les constituants de chaque quartier sont directement responsables de l'élection de trois échevins. Les constituants de tous les quartiers sont directement responsables de l'élection du lord-maire de Darwin. Le maire est Katrina Fong Lim après les élections municipales de mars 2012.
Le reste de la région de Darwin est divisé en 2 zones de gouvernement local : le conseil municipal de Palmerston et la comté de Coomalie. Ces zones ont des conseils élus qui sont responsables des fonctions qui leur sont déléguées par le gouvernement du Territoire du Nord, telles que la planification et la collecte des ordures.
L'Assemblée législative du Territoire du Nord se réunit à Darwin au Parlement du Territoire du Nord. Government House, la résidence officielle de l'administrateur du Territoire du Nord, est située sur l'Esplanade.
La [http://www.supremecourt.nt.gov.au/ Cour suprême du Territoire du Nord] se trouve également sur l'Esplanade. Darwin dispose également d'un [http://www.nt.gov.au/justice/ntmc Magistrate's Court] situé à l'angle des rues Cavenagh et Bennett, tout près de la salle du conseil municipal de Darwin.
Les forces de police de Darwin sont membres de la police du Territoire du Nord. La rue Mitchell de Darwin, avec ses nombreux pubs, clubs et autres lieux de divertissement, est surveillée par l'unité CitySafe. L'unité CitySafe a récemment été reconnue pour avoir réduit les crimes violents dans et autour de la ville de Darwin. Darwin a un long historique d'abus d'alcool et de crimes violents avec 6 000 agressions en 2009, dont 350 ont entraîné des fractures de la mâchoire et du nez – plus que partout ailleurs dans le monde, selon l'hôpital Royal Darwin.
Darwin est divisée en neuf circonscriptions électorales à l'Assemblée législative : Port Darwin, Fannie Bay, Fong Lim, Nightcliff, Sanderson, Johnston, Casuarina, Wanguri et Karama. Historiquement, Darwin était un bastion du Country Liberal Party. Cependant, depuis le début du siècle, le Parti travailliste est devenu beaucoup plus compétitif, en particulier dans la partie nord, plus diversifiée.
Économie
Les deux principaux secteurs économiques sont l'exploitation minière et le tourisme. La production des industries minière et énergétique dépasse 2,5 milliards de dollars par an. Les ressources minérales les plus importantes sont l’or, le zinc et la bauxite, ainsi que le manganèse et bien d’autres. La production d'énergie se fait principalement en mer avec du pétrole et du gaz naturel provenant de la mer de Timor, bien qu'il existe d'importants gisements d'uranium près de Darwin. Le tourisme emploie 8 % des résidents de Darwin et devrait croître à mesure que les touristes nationaux et internationaux passent désormais du temps à Darwin pendant les saisons humides et sèches. Les dépenses fédérales contribuent également grandement à l’économie locale.
La présence militaire maintenue à Darwin et dans l’ensemble du Territoire du Nord constitue une source d’emploi substantielle.
L'importance de Darwin en tant que port devrait croître, en raison de l'exploitation accrue du pétrole dans la mer de Timor voisine, de l'achèvement de la liaison ferroviaire et de l'expansion continue du commerce avec l'Asie.
En 2005, un certain nombre de grands projets de construction ont démarré à Darwin. L'un d'entre eux est le réaménagement du Wharf Precinct, qui comprend un grand centre de congrès et d'exposition, des appartements comprenant Outrigger Pandanas et Evolution on Gardiner, des points de vente au détail et de divertissement, dont une grande piscine à vagues et un lagon de baignade sécurisé. Le projet Chinatown a également démarré avec la construction de parkings à plusieurs niveaux et de points de vente et de restauration sur le thème chinois.
Éducation
L'éducation est supervisée à l'échelle du territoire par le ministère de l'Éducation et de la Formation (DET), dont le rôle est d'améliorer continuellement les résultats scolaires de tous les élèves, en mettant l'accent sur les élèves autochtones.
Préscolaire, primaire et secondaire
Darwin est desservie par un certain nombre d'écoles publiques et privées qui s'adressent aux étudiants locaux et étrangers. Plus de 16 500 élèves du primaire et du secondaire sont inscrits dans les écoles de Darwin, dont 10 524 élèves fréquentent l'enseignement primaire et 5 932 élèves fréquentent l'enseignement secondaire. Il y a plus de 12 089 élèves inscrits dans les écoles publiques et 2 124 élèves inscrits dans les écoles indépendantes.
Il y avait 9 764 élèves fréquentant les écoles de la région de la ville de Darwin. 6 045 élèves fréquentaient les écoles primaires et 3 719 élèves fréquentaient les écoles secondaires. Il y a plus de 7 161 élèves inscrits dans les écoles publiques et 1 108 élèves inscrits dans les écoles indépendantes. Il existe plus de 35 écoles primaires et préscolaires et 12 écoles secondaires, publiques et non gouvernementales. La plupart des écoles de la ville sont laïques, mais il existe un petit nombre d'institutions chrétiennes, catholiques et luthériennes. Les étudiants ayant l'intention de terminer leurs études secondaires peuvent obtenir soit le certificat d'études du Territoire du Nord, soit le baccalauréat international (offert uniquement au Kormilda College). Les écoles ont été restructurées en écoles primaires, collèges et lycées depuis début 2007.
Tertiaire et professionnel
La plus grande université de Darwin est l'Université Charles Darwin, qui est le principal fournisseur d'enseignement supérieur dans le Territoire du Nord. Il couvre à la fois des cours professionnels et académiques, agissant à la fois comme une université et un institut du TAFE. Il y a plus de 5 500 étudiants inscrits dans des cours d’enseignement supérieur et complémentaire.
Loisirs et culture
Événements et festivals
Le 1er juillet, les Territoriens célèbrent la Journée du Territoire. C'est le seul jour de l'année, à l'exception du Nouvel An chinois et du réveillon du Nouvel An, où les feux d'artifice sont autorisés. À Darwin, les principales célébrations ont lieu à Mindil Beach, où un grand feu d'artifice est commandé par le gouvernement.
Les marchés hebdomadaires comprennent les marchés Mindil Beach Sunset (les jeudis et dimanches pendant la saison sèche), le marché Parap, le marché Nightcliff et le marché Rapid Creek. Les marchés au coucher du soleil de Mindil Beach sont très populaires auprès des habitants et des touristes et proposent de la nourriture, des souvenirs, des vêtements et des artistes locaux.
Le festival Darwin, organisé chaque année, comprend la comédie, la danse, le théâtre, la musique, le cinéma et les arts visuels ainsi que les NT Indigenous Music Awards. D'autres festivals incluent le Glenti, qui met en valeur la grande communauté grecque de Darwin, et India@Mindil, un festival similaire organisé par la plus petite communauté indienne. Le Nouvel An chinois est également célébré avec de grandes festivités, soulignant l'influence asiatique à Darwin.
Le festival Seabreeze, qui a débuté en 2005, a lieu la deuxième semaine de mai dans la banlieue de Nightcliff. Il offre l'opportunité aux talents locaux d'être présentés et un événement populaire est les festivités familiales du samedi le long de l'estran de Nightcliff, l'une des pistes de fitness les plus populaires de Darwin.
Le Speargrass Festival a lieu chaque année la semaine précédant la première pleine lune de juillet et célèbre le style de vie alternatif Top End. Les activités du festival comprennent de la musique, la projection de films produits localement, la sérigraphie, la vannerie, la hutte de sudation, les toboggans aquatiques, la pyramide humaine, le bain à remous, le frisbee golf, le lancer de lance, la compétition Kubb, le bingo, la cuisine biologique commune, le yoga matinal, la méditation, cochon gras et cercles de guérison. Le festival a lieu sur la propriété Speargrass, à 50 km au nord-est de Pine Creek.
La régate de canettes de bière de Darwin, organisée en août, célèbre l'histoire d'amour de Darwin avec la bière et les bateaux de course des concurrents fabriqués exclusivement avec des canettes de bière. Également à Darwin, au cours du mois d'août, se déroulent la course de chevaux de la Darwin Cup et le concours de rodéo et de crabe de boue.
La course World Solar Challenge attire des équipes du monde entier, dont la plupart sont alignées par des universités ou des entreprises, bien que certaines soient alignées par des lycées. La course a une histoire de 20 ans comprenant neuf courses, l'événement inaugural ayant eu lieu en 1987.
Le Royal Darwin Show a lieu chaque année en juillet au Winnellie Showgrounds. Les expositions comprennent l'agriculture et l'élevage. Événements équestres. Des animations et des spectacles parallèles sont également inclus sur les 3 jours de l'événement.
les arts et le divertissement
L'Orchestre Symphonique de Darwin a été créé pour la première fois en 1989 et s'est produit dans tout le territoire. La Darwin Theatre Company est une compagnie de production théâtrale professionnelle produite localement, qui se produit à l'échelle locale et nationale.
Le Darwin Entertainment Center est la principale salle de concert de la ville et accueille des représentations théâtrales et orchestrales. Parmi les autres théâtres, citons le Darwin Convention Centre, ouvert en juillet 2008. Le Darwin Convention Center fait partie du projet Darwin Waterfront de 1,1 milliard de dollars.
Le seul casino de Darwin a ouvert ses portes en 1981 sous le nom de Diamond Beach Casino, il est ensuite devenu le MGM Grand Darwin, avant de devenir Skycity Darwin après que Skycity Entertainment Group a acheté l'hôtel en 2004.
Le Musée et galerie d'art du Territoire du Nord (MAGNT) à Darwin donne un aperçu de l'histoire de la région, notamment des expositions sur le cyclone Tracy et les bateaux des îles du Pacifique. Le MAGNT organise également le Telstra NationalAboriginal and Torres Strait Islander Art Award, le prix d'art autochtone le plus ancien d'Australie. Le MAGNT gère également Defense of Darwin Experience, une installation multimédia qui raconte l'histoire des raids aériens japonais sur Darwin pendant la Seconde Guerre mondiale.
Le Darwin Festival et le Darwin Fringe Festival sont des événements annuels. Une gamme de galeries d'art, y compris des galeries d'art aborigènes spécialisées, sont une caractéristique de Darwin.
Des groupes musicaux locaux et en visite peuvent être entendus dans des lieux tels que le Darwin Entertainment Centre, le Vic Hotel, Happy Yess et Brown's Mart. Un festival de musique annuel, Bass in the Grass, est très populaire auprès des jeunes des environs. Des artistes tels que Jessica Mauboy et The Groovesmiths ont élu domicile à Darwin.
Aucun film majeur n’a été tourné à Darwin ; cependant, certaines scènes pour l'Australie de Baz Luhrmann et Black Water ont toutes deux été tournées à Darwin en 2007.
Mitchell Street, dans le quartier central des affaires, est bordée de discothèques, de plats à emporter et de restaurants. C'est le centre de divertissement de la ville. Il existe plusieurs théâtres plus petits, trois complexes cinématographiques (CBD, Casuarina et Palmerston) et le Deckchair Cinema. Il s'agit d'un cinéma en plein air qui fonctionne pendant la saison sèche, d'avril à octobre, et projette des films indépendants et d'art et essai.
des loisirs
La ville possède de nombreux kilomètres de larges plages non polluées, notamment la plage de Casuarina et la célèbre plage de Mindil, qui abrite les marchés de Mindil Beach. Le conseil municipal de Darwin a désigné une zone de la plage de Casuarina comme plage gratuite qui offre une zone de plage nudiste désignée depuis 1976.
Nager dans la mer pendant les mois d'octobre à mai doit être évité en raison de la présence de méduses-boîtes mortelles, connues localement sous le nom de dards.
Les crocodiles d'eau salée sont très communs dans toutes les voies navigables entourant Darwin et on les trouve même occasionnellement en train de nager dans le port de Darwin et sur les plages locales.
La pêche est l'une des activités récréatives des habitants de Darwin. Des visiteurs du monde entier affluent à Darwin dans le but d'attraper le très prisé barramundi, un poisson emblématique de la région. Les rivières Mary, Daly, South et East Alligator River ne sont que quelques-uns des plans d'eau où prospèrent les barramundi.
La pêche en eaux bleues est également disponible au large de Darwin ; Le maquereau espagnol, le poisson juif noir, la reine, le vivaneau et d'autres variétés se trouvent tous dans la région et sont accessibles lors d'une excursion d'une journée au départ de Darwin. Le lac Alexander est un lac de baignade artificiel situé dans la réserve East Point. Il est généralement considéré comme sans danger pour les crocodiles et les méduses, mais une épidémie anormale de méduses non mortelles en 2003 a provoqué sa fermeture pendant une brève période.
Le Darwin Surf Life saving Club exploite des bateaux longs et des skis de surf et propose des événements et des accréditations de sauvetage.
Parcs et jardins
Darwin possède de vastes parcs et jardins. Il s'agit notamment des jardins botaniques George Brown Darwin, de la réserve East Point, de la réserve côtière de Casuarina, du parc national Charles Darwin, de la réserve de conservation de Knuckey Lagoons, du parc de loisirs Leanyer, du Nightcliff Foreshore, du parc du bicentenaire et des jardins aquatiques de Jingili.
Des sports
Le complexe sportif de Marrara, près de l'aéroport, possède des stades pour les Aussie Rules (TIO Stadium), le cricket, le rugby, le basket-ball (et les sports en salle), le football, l'athlétisme et le hockey sur gazon. Tous les deux ans depuis 1991 (sauf 2003 en raison de l'épidémie de SRAS), Darwin accueille les Jeux Arafura, un événement sportif régional majeur. En juillet 2003, la ville a accueilli son premier match international de cricket test entre l'Australie et le Bangladesh, suivi par l'Australie et le Sri Lanka en 2004.
Le football australien se joue toute l’année. L'équipe de la Ligue australienne de football des Western Bulldogs de Melbourne joue un match à domicile au Marrara Oval chaque année. Les étoiles autochtones de l'ATSIC participent également à la compétition de pré-saison de l'AFL. En 2003, une foule record de 17 500 personnes a assisté à un match de pré-saison entre les All-Stars et le Carlton Football Club à Marrara.
Des compétitions de clubs de Rugby League et de Rugby Union se déroulent chaque année à Darwin, organisées respectivement par le NTRL et le NTRU. Le tournoi Heineken Hottest 7s in the World a lieu à Darwin chaque année en janvier, avec des équipes de clubs de rugby à sept de pays comme l'Australie, la Nouvelle-Zélande, la Papouasie-Nouvelle-Guinée, la Malaisie et Singapour. Darwin's Hottest 7s est le tournoi de rugby à 7 le plus riche de l'hémisphère sud.
Darwin accueille chaque année une manche du championnat Supercars réunissant des milliers de fans de sports mécaniques au Hidden Valley Raceway. Également situé à Hidden Valley, à côté du circuit de course sur route, se trouve le site de course sur piste de Darwin, Northline Speedway. Le speedway a accueilli un certain nombre de championnats australiens au fil des ans pour différentes catégories, notamment les Sprintcars, les Speedcars et les Super Sedans.
La Darwin Cup, qui culmine le premier lundi d'août, est une course de chevaux très populaire à Darwin et attire chaque année de grandes foules à l'hippodrome de Fannie Bay. Bien qu'elle ne soit pas aussi populaire que la Melbourne Cup, elle attire les foules et, en 2003, Sky Racing a commencé à télédiffuser la plupart des courses. Le jour de la Darwin Cup est un jour férié dans le Territoire du Nord (jour férié du pique-nique).
Médias
Les principaux journaux de Darwin sont le Northern Territory News (du lundi au samedi), le Sunday Territorian (dimanche) et le quotidien national The Australian (du lundi au vendredi) et The Weekend Australian (samedi), tous publiés par News Limited. Les journaux communautaires hebdomadaires gratuits comprennent le Darwin Sun, le Litchfield Sun et le Palmerston Sun ; le tout publié par une filiale de News Limited.
Cinq chaînes gratuites desservent Darwin. Les chaînes de télévision commerciales sont fournies par Southern Cross Darwin (filiale de Seven Network), Channel Nine Darwin (anciennement Channel 8) et Darwin Digital Television (relais Network Ten), lancées le 28 avril 2008. Les deux services de diffusion nationaux détenus par le gouvernement en Darwin est l'ABC et le SBS. Le service de télévision par abonnement (TV payante) Austar est disponible par câble dans la région de Darwin.
Darwin possède des stations de radio sur les fréquences AM et FM. Les stations ABC incluent ABC News Radio (102,5FM), ABC Local Radio (105,7FM), ABC Radio National (657AM), ABC Classic FM (107,3FM) et Triple J (103,3FM). SBS (100.9FM) diffuse également son réseau radio national jusqu'à Darwin.
Darwin possède deux stations de radio commerciales Hot 100 et Mix 104.9. Les autres stations de Darwin comprennent la station universitaire 104.1 Territory FM, la station de musique de danse KIK FM 91.5, la chaîne de langue italienne Rete Italia 1611AM, les stations communautaires comprennent Radio Larrakia 94.5 et Yolngu Radio 1530AM et Rhema FM 97.7.
Infrastructure
Santé
Le Gove | http://quiz4free.com/ |
Quels bonbons étaient annoncés avec le slogan « Goûtez l'arc-en-ciel » ? | Skittles | [
"Skittles est une marque de bonbons aromatisés aux fruits, actuellement produite et commercialisée par Wrigley Company, une division de Mars, Inc.",
"Les quilles ont été fabriquées commercialement pour la première fois en 1974 par une société britannique. Ils ont été introduits pour la première fois en Amérique du Nord en 1979 en tant que confiserie importée. En 1982, la production nationale de Skittles a commencé aux États-Unis.",
"Le thème « Goûtez l'arc-en-ciel » de Skittles a été créé par l'agence de publicité new-yorkaise D'Arcy Masius Benton & Bowles.",
"Le 2 mars 2009, Skittles a lancé une campagne de marketing sur le Web dans laquelle son site Web officiel est devenu une petite superposition avec des options permettant d'afficher différents sites de médias sociaux dans la zone principale, notamment sa chaîne YouTube officielle, un profil Facebook et un compte Twitter. Cette décision a été débattue par les personnes intéressées par les médias sociaux.",
"Skittles possède l'une des pages de marque les plus « appréciées » sur Facebook, avec plus de 25 millions de followers. Le succès de la page peut être dû à ses messages excentriques, tels que : « La plupart des cactus recherchent simplement des câlins ».",
"Les quilles sont produites dans une grande variété de saveurs et de couleurs, y compris des variétés aigres. Skittles a fait allusion à de nouvelles versions de saveurs sur sa page Facebook, en utilisant des statuts tels que « M'enfermer dans la cuisine Rainbow jusqu'à ce que je voie des résultats ! » Une publication de 2011 contenait la confirmation d'une nouvelle saveur : \"Mettre la dernière touche à une nouvelle saveur Skittles. Ajustez l'arc-en-ciel.\" En 2013, Skittles a remplacé les Skittles aromatisés au citron vert par de la pomme verte, provoquant une réaction négative de la part de certains consommateurs. Le citron vert est devenu une partie de leurs paquets Darkside.",
"Fichier:Skittles-Tropical-Small.jpg|Tropical Skittles, l'une des premières variantes disponibles",
"Fichier:Skittles-Wild-Berry-Wrapper-Small.jpg|Wild Berry Skittles, sorti en 1989"
] | Skittles est une marque de bonbons aromatisés aux fruits, actuellement produite et commercialisée par Wrigley Company, une division de Mars, Inc.
Ils ont des coques de sucre dure qui portent la lettre S. L'intérieur est principalement composé de sucre, de sirop de maïs et d'huile de palmiste hydrogénée ainsi que de jus de fruit, d'acide citrique et d'arômes naturels et artificiels. La confiserie a été vendue dans une variété de collections de saveurs, telles que Tropical et Wild Berry.
Histoire et aperçu
Les quilles ont été fabriquées commercialement pour la première fois en 1974 par une société britannique. Ils ont été introduits pour la première fois en Amérique du Nord en 1979 en tant que confiserie importée. En 1982, la production nationale de Skittles a commencé aux États-Unis.
Le thème « Goûtez l'arc-en-ciel » de Skittles a été créé par l'agence de publicité new-yorkaise D'Arcy Masius Benton & Bowles.
Le 2 mars 2009, Skittles a lancé une campagne de marketing sur le Web dans laquelle son site Web officiel est devenu une petite superposition avec des options permettant d'afficher différents sites de médias sociaux dans la zone principale, notamment sa chaîne YouTube officielle, un profil Facebook et un compte Twitter. Cette décision a été débattue par les personnes intéressées par les médias sociaux.
Skittles possède l'une des pages de marque les plus « appréciées » sur Facebook, avec plus de 25 millions de followers. Le succès de la page peut être dû à ses messages excentriques, tels que : « La plupart des cactus recherchent simplement des câlins ».
Variétés
Les quilles sont produites dans une grande variété de saveurs et de couleurs, y compris des variétés aigres. Skittles a fait allusion à de nouvelles versions de saveurs sur sa page Facebook, en utilisant des statuts tels que « M'enfermer dans la cuisine Rainbow jusqu'à ce que je voie des résultats ! » Une publication de 2011 contenait la confirmation d'une nouvelle saveur : "Mettre la dernière touche à une nouvelle saveur Skittles. Ajustez l'arc-en-ciel." En 2013, Skittles a remplacé les Skittles aromatisés au citron vert par de la pomme verte, provoquant une réaction négative de la part de certains consommateurs. Le citron vert est devenu une partie de leurs paquets Darkside.
Fichier:Quilles-Wrapper-Small.jpg|Quilles
Fichier:Skittles-Tropical-Small.jpg|Tropical Skittles, l'une des premières variantes disponibles
Fichier:Skittles-Wild-Berry-Wrapper-Small.jpg|Wild Berry Skittles, sorti en 1989 | http://quiz4free.com/ |
Sur quel hippodrome anglais verriez-vous la « Hennessy Gold Cup » ? | Newbury | [
"La Hennessy Gold Cup est une chasse nationale de niveau 3 en Grande-Bretagne ouverte aux chevaux âgés de quatre ans ou plus. Il se déroule à Newbury sur une distance d'environ 3 miles et 2½ stades (5 331 mètres), et pendant son parcours, il y a vingt et une clôtures à franchir. Il s'agit d'une course à handicap, qui a lieu chaque année fin novembre ou début décembre.",
"L'événement a été créé en 1957 et s'est initialement déroulé à Cheltenham. Le vainqueur de la course inaugurale, Mandarin, appartenait à Peggy Hennessy, membre de la famille qui a fondé Hennessy, la société sponsor de la course. Elle a été transférée à Newbury en 1960 et a été remportée par Mandarin pour la deuxième fois en 1961. La deuxième édition de la course a été remportée par Taxidermist, monté par le cavalier amateur John Lawrence, plus tard Lord Oaksey, qui était l'éleveur et copropriétaire. du lauréat 2011, Carruthers."
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La Hennessy Gold Cup est une chasse nationale de niveau 3 en Grande-Bretagne ouverte aux chevaux âgés de quatre ans ou plus. Il se déroule à Newbury sur une distance d'environ 3 miles et 2½ stades (5 331 mètres), et pendant son parcours, il y a vingt et une clôtures à franchir. Il s'agit d'une course à handicap, qui a lieu chaque année fin novembre ou début décembre.
Histoire
L'événement a été créé en 1957 et s'est initialement déroulé à Cheltenham. Le vainqueur de la course inaugurale, Mandarin, appartenait à Peggy Hennessy, membre de la famille qui a fondé Hennessy, la société sponsor de la course. Elle a été transférée à Newbury en 1960 et a été remportée par Mandarin pour la deuxième fois en 1961. La deuxième édition de la course a été remportée par Taxidermist, monté par le cavalier amateur John Lawrence, plus tard Lord Oaksey, qui était l'éleveur et copropriétaire. du lauréat 2011, Carruthers.
L'association de la course avec Hennessy s'est poursuivie tout au long de son histoire, et cela représente désormais le plus long parrainage commercial des courses britanniques. Le record était auparavant détenu par la Whitbread Gold Cup, qui s'est déroulée pour la première fois sept mois avant la "Hennessy", et qui a été sponsorisée par Whitbread jusqu'en 2001.
La Hennessy Gold Cup a été remportée par huit chevaux qui ont également remporté la Cheltenham Gold Cup. Le plus récent d'entre eux est Bobs Worth, vainqueur de cette dernière course en 2013.
Many Clouds est devenu le premier cheval à remporter à la fois la Hennessy Gold Cup et le Grand National, respectivement en 2014 et 2015.
Enregistrements
Cheval le plus titré (2 victoires) :
* Mandarin – 1957, 1961
*Arkle – 1964, 1965
* Denman – 2007, 2009
Jockey leader (3 victoires) :
* Willie Robinson – Mandarin (1961), Mill House (1963), Man of the West (1968)
Entraîneur leader (7 victoires) :
* Fulke Walwyn – Mandarin (1957, 1961), Taxidermist (1958), Mill House (1963), Man of the West (1968), Charlie Potheen (1972), Diamond Edge (1981)
Gagnants
* Poids indiqués en pierres et en livres ; Jockeys amateurs signalés par "Monsieur".
Be My Royal a terminé premier en 2002, mais il a ensuite été disqualifié après avoir été testé positif à une substance interdite. | http://quiz4free.com/ |
Quel était le surnom du footballeur américain William Perry ? | The Fridge | [
"Le trio de rap populaire The Fat Boys a enregistré un single de douze pouces intitulé \"Chillin' with the Refrigerator\" sorti sur Sutra Records. Un nouveau succès, \"Frig-O-Rator\", est sorti en décembre 1985 sur le label Motown par Roq-In' Zoo et présentait des extraits sonores de jeux Bears. L'année suivante, The Fridge fut à nouveau rappelé dans une chanson de rap, cette fois par l'obscur groupe hip-hop basé à Los Angeles, Hard Machine, qui sortit le single \"Refrigerator\".",
"Perry est l'une des nombreuses personnes réelles à être immortalisées avec un G.I. Figurine articulée de Joe représentant lui-même sous le nom de The Fridge. Le chiffre a été proposé en 1986, la même année où les Bears ont battu les Patriots de la Nouvelle-Angleterre au Super Bowl."
] | William Anthony Perry (né le 16 décembre 1962) est un ancien joueur de football professionnel américain qui a été joueur de ligne défensive dans la National Football League (NFL) pendant dix saisons dans les années 1980 et 1990. Perry a joué au football universitaire pour l'Université de Clemson et a été reconnu comme All-American. Il a été sélectionné au premier tour du repêchage de la NFL en 1985 et a joué professionnellement pour les Bears de Chicago et les Eagles de Philadelphie de la NFL. En référence à sa taille imposante, il était communément surnommé « le réfrigérateur » ou, en abrégé, « le réfrigérateur ».
Premières années
Perry est né à Aiken, en Caroline du Sud. Il a déclaré dans une interview que « Même quand j'étais petit, j'étais grand » ; à l'âge de 11 ans, il pesait 200 livres.
Fréquemment ridiculisé pour son poids en grandissant, Perry a profité de ses qualités athlétiques pour faire taire ses critiques. Il a fréquenté le lycée Aiken et a joué comme protège-nez de 295 livres dans l'équipe de football de l'école et a couru dans son équipe d'athlétisme. Au cours d'un exercice au cours duquel son entraîneur a demandé à tous ses joueurs les plus rapides de s'aligner pour une course de 100 verges, Perry a rejoint le groupe des porteurs de ballon, des receveurs larges et des arrières défensifs et a finalement été chronométré comme le 6e coureur le plus rapide de toute l'équipe. avec un temps de 11,00 secondes chrono. Il a également pu courir le 100 mètres en moins de 12 secondes et a participé à l'épreuve du lancer du poids, enregistrant un lancer supérieur de 16,44 mètres. Il pouvait également exécuter des dunks à 360 degrés sur des paniers de basket réglementaires et effectuer des plongeons complexes dans la piscine.
Carrière universitaire
Les performances sportives de Perry lui ont valu une bourse complète pour fréquenter l'Université Clemson à Clemson, en Caroline du Sud, où il a joué pour l'équipe de football des Clemson Tigers de l'entraîneur Danny Ford de 1981 à 1984. Il a été membre d'une équipe de championnat national en 1981 et a été reconnu comme une équipe première All-American par consensus en tant que junior en 1983. En première année en 1981, il a gagné son surnom de « réfrigérateur » lorsqu'un autre joueur pouvait à peine se faufiler dans un ascenseur avec Perry et leur linge qu'ils prenaient pour être lavé. Le joueur, Ray Brown, a déclaré: "Mec, tu es à peu près aussi gros qu'un réfrigérateur."
Carrière professionnelle
En 1985, il a été sélectionné au premier tour du repêchage de la NFL 1985 par les Bears de Chicago ; il avait été trié sur le volet par l'entraîneur Mike Ditka. Cependant, le coordinateur défensif Buddy Ryan, qui avait une relation très acrimonieuse avec Ditka, a qualifié Perry de « choix de repêchage gaspillé ». Perry est rapidement devenu un pion dans la lutte pour le pouvoir politique entre Ditka et Ryan.
Le surnom de « Réfrigérateur » de Perry l'a suivi dans la NFL et il est rapidement devenu l'un des favoris des fans des Bears de Chicago. Ses coéquipiers l'appelaient « Biscuit », comme dans « un biscuit de moins de 350 livres ».
Alors que Ryan refusait de jouer Perry, Ditka a décidé d'utiliser Perry comme arrière lorsque l'équipe était près de la ligne de but adverse ou dans des situations de quatrième et courte, soit en tant que porteur de ballon, soit en tant que bloqueur de tête pour le porteur de ballon vedette Walter Payton. Ditka a déclaré que l'inspiration pour utiliser Perry comme arrière lui est venue lors d'exercices de sprint de cinq mètres. Au cours de sa saison recrue, Perry s'est précipité pour deux touchés et a capté une passe pour un. Perry a même eu l'occasion de courir avec le ballon lors du Super Bowl XX, en clin d'œil à sa popularité et à sa contribution au succès de l'équipe. La première fois qu'il a récupéré le ballon, il a été plaqué pour une perte d'un mètre alors qu'il tentait de lancer sa première passe dans la NFL lors d'un jeu d'option de demi-arrière. La deuxième fois qu'il a récupéré le ballon, il a marqué un touché (en écrasant le secondeur des Patriots Larry McGrew dans le processus). Vers la moitié de sa saison recrue, Ryan a finalement commencé à jouer contre Perry, qui a rapidement prouvé qu'il était un joueur de ligne défensive compétent.
Sa taille de bague au Super Bowl est la plus grande de tous les joueurs de football professionnels de l'histoire de l'événement. Sa taille de bague est de 25, tandis que celle d'un homme adulte moyen se situe entre 10 et 12.
Perry a ensuite joué pendant dix ans dans la NFL, prenant sa retraite après la saison 1994. Au cours de ses dix années en tant que professionnel, il a régulièrement eu des problèmes de poids, ce qui a parfois gêné ses performances. Il a disputé 138 matchs, enregistrant 29,5 sacs et cinq échappés récupérés, qu'il a renvoyés pour un total de 71 verges. Au cours de sa carrière offensive, il a couru cinq verges pour deux touchés et a réussi une réception pour un autre touché. Perry a ensuite tenté un retour, disputant une saison 1996 banale avec les Monarchs de Londres de la Ligue mondiale de football américain (plus tard NFL Europa).
Au-delà du foot
Entreprises commerciales
En 2006, il a commencé à commercialiser sa propre sauce barbecue. Également en 2006, il a refusé une offre de devenir directeur des opérations de football pour le Chicago Slaughter de la Continental Indoor Football League.
Musique
Au cours de son mandat populaire avec les Bears, Perry a participé à l'enregistrement de deux disques de rap, tous deux en 1985, en plus du très populaire "Super Bowl Shuffle" de l'équipe. Walter Payton et Perry ont enregistré un morceau de rap anti-drogue et pro-paix intitulé "Together", écrit par quatre adolescents d'Evanston, dans l'Illinois. Il a été réédité en 1999 et une partie des bénéfices a été reversée à la Fondation Walter Payton.
Apparitions dans les médias
Perry a participé à une bataille royale de la World Wrestling Federation à WrestleMania 2 à Rosemont, Illinois en 1986. En 2006, il est retourné dans la région de Chicago pour être intronisé dans la « Celebrity Wing » du WWE Hall of Fame par John Cena. En 2000, il a été battu par Bob Sapp dans une compétition de boxe dure sur FX. En 2002, il a perdu au troisième tour contre l'ancien basketteur de la NBA Manute Bol, âgé de 7 pieds, lors d'un match de boxe caritatif dans le cadre du programme Celebrity Boxing de Fox Network.
En 2003, il est apparu dans le concours de restauration de hot-dogs de Nathan en tant que « candidat célèbre ». Il a arrêté de manger après 5 minutes de compétition. Cela a été parodié dans un épisode de TV Funhouse de l'épisode du 11 novembre 2006 de Saturday Night Live dans lequel Takeru Kobayashi joue un super-héros mangeur de hot-dogs. Après que Kobayashi ait sauvé la situation en mangeant beaucoup de hot-dogs, un dessin animé de William Perry fait une apparition disant "Merde !" en japonais. Il a participé au Lingerie Bowl 2006 en tant que super sous.
Il a fait une apparition dans l'émission télévisée des années 1980 The A-Team. Dans le 21ème épisode de la 4ème saison (The Trouble with Harry), "Fridge" se connecte au même hôpital que celui utilisé par l'A-Team pour aider leur ami Harry à se rétablir. Tout au long de l'épisode, Perry n'a que quelques répliques – dont la drôle : "Ils ne l'attraperont jamais", faisant référence à ses années de jeu dans la NFL – mais il distribue des casquettes "Bears" dans la scène finale. B. A. Baracus et Hulk Hogan (qui a également joué dans l'épisode) réagissent avec colère lorsqu'ils n'obtiennent pas de casquette, mais Perry, de grande taille, est capable de les calmer avec son immense sourire. En 2003, il est apparu dans un téléfilm sur Comedy Central intitulé Windy City Heat, face à un acteur en herbe nommé Perry Caravello, à qui on fait croire qu'il joue dans un film majeur. Il a également fait une courte apparition dans l'ouverture de Selon Jim (saison 8, épisode 15).
Il a joué dans une publicité dans les années 1980 avec Jim McMahon, coéquipier des Chicago Bears, pour Coke Classic et Coke. Il apparaît dans l'infopublicité Chef Tony approuvant My Rotisserie dans un certain nombre de scènes jouées où il joue au poker avec ses amis, tout en chantant les louanges de l'appareil de cuisine. Pendant le Super Bowl XLIV, Perry a rejoint d'autres membres des Chicago Bears de 1985 pour ressusciter le Super Bowl Shuffle dans une publicité Boost Mobile.
En 2002, Perry a participé à la 2e édition de Celebrity Boxing, perdant face à la star de la NBA Manute Bol par décision unanime. Il a également fait une apparition dans un épisode de la série Comedy Central, The Man Show.
Anecdote
Le trio de rap populaire The Fat Boys a enregistré un single de douze pouces intitulé "Chillin' with the Refrigerator" sorti sur Sutra Records. Un nouveau succès, "Frig-O-Rator", est sorti en décembre 1985 sur le label Motown par Roq-In' Zoo et présentait des extraits sonores de jeux Bears. L'année suivante, The Fridge fut à nouveau rappelé dans une chanson de rap, cette fois par l'obscur groupe hip-hop basé à Los Angeles, Hard Machine, qui sortit le single "Refrigerator".
Perry est l'une des nombreuses personnes réelles à être immortalisées avec un G.I. Figurine articulée de Joe représentant lui-même sous le nom de The Fridge. Le chiffre a été proposé en 1986, la même année où les Bears ont battu les Patriots de la Nouvelle-Angleterre au Super Bowl.
En 2013, Perry a été nommé à la fois légende All-Player originale (en tant qu'arrière) et déverrouillable (en tant que plaqueur défensif) sur Madden 25, le seul joueur à être nommé deux fois, et sa carrière de porteur de ballon n'a duré que jusqu'en 1990.
Vie privée
En juin 2008, on lui a diagnostiqué le syndrome de Guillain-Barré, un trouble inflammatoire chronique des nerfs périphériques. Le 22 avril 2009, Perry a été hospitalisé en Caroline du Sud dans un état grave en raison de son syndrome de Guillain-Barré. Perry a passé environ un mois à l'hôpital avant d'en sortir. En juin 2010, il a été rapporté que Perry souffrait d'une perte auditive, mais aussi qu'il s'améliorait après son diagnostic de syndrome de Guillain-Barré. Il avait perdu plus de cent livres (100 livres), mais il pesait à ce moment-là 330 livres.
En février 2011, ESPN a publié un article sombre à son sujet, citant des problèmes de santé et d'alcool persistants et un poids de 400 livres. En janvier 2016, Perry, pesant plus de 425 livres, s'est présenté à l'hôpital pour recevoir un traitement contre le diabète. Désormais confiné dans un fauteuil roulant, Perry a révélé qu'il n'avait aucune sensation dans ses pieds et qu'il risquait de se faire amputer la jambe.
En avril 2011, Cliff Forrest, un enfant de 10 ans, a découvert la bague du Super Bowl de Perry à vendre. Avec l'aide de sa mère, il l'a acheté pour 8 500 $ et a rendu la bague à Perry. En septembre 2015, il a été rapporté que la bague du Super Bowl de Perry avait été vendue aux enchères pour plus de 200 000 $ par l'homme à qui Perry l'avait vendue plusieurs années plus tôt.
Depuis le 29 octobre 2014, Perry est confiné au domicile de son défunt père. Michael Dean Perry (frère) est le tuteur et conservateur désigné de William pour ses affaires.
Le 30 juillet 2015, la bague du Super Bowl de Perry, la plus grande bague du Super Bowl jamais réalisée, a été vendue aux enchères à un enchérisseur inconnu.
Depuis le 23 septembre 2015, Perry vit d'un chèque d'invalidité mensuel de la sécurité sociale et reçoit également de l'argent d'invalidité de la NFL alors qu'il vit dans une maison de ville avec assistance.
Perry a été hospitalisé à Chicago pour une infection à la jambe après son retour à Soldier Field le 3 janvier 2016.
William Perry est le frère aîné d'un autre ancien joueur de ligne défensive de la NFL, Michael Dean Perry. | http://quiz4free.com/ |
Qui a joué le rôle principal masculin dans le film Moulin Rouge de 2001 ? | Ewan McGregor | [
"Moulin Rouge! (, de ) est un film musical pseudo-pastiche juke-box australo-américain de 2001 réalisé, produit et co-écrit par Baz Luhrmann. Il raconte l'histoire d'un jeune poète/écrivain écossais, Christian (Ewan McGregor), qui tombe amoureux de la star du Moulin Rouge, actrice de cabaret et courtisane Satine (Nicole Kidman). Il utilise le décor musical du quartier Montmartre de Paris, France.",
"En 1900, un écrivain britannique souffrant de dépression nommé Christian (Ewan McGregor) commence à écrire sur sa machine à écrire (\"Nature Boy\"). Il explique comment, un an plus tôt, il s'est installé dans le quartier de Montmartre à Paris pour devenir écrivain parmi les membres du mouvement bohème du quartier. Il découvre bientôt que ses voisins sont une troupe d'artistes dirigée par Henri de Toulouse-Lautrec (John Leguizamo). Toulouse-Lautrec et les autres demandent l'aide de Christian, et ses talents d'écrivain leur permettent de terminer leur projet de spectacle, \"Spectacular Spectacular\", qu'ils souhaitent vendre au propriétaire du Moulin Rouge, Harold Zidler (Jim Broadbent). Le groupe arrive au Moulin Rouge alors que Zidler et ses \"Diamond Dog Dancers\" se produisent devant le public (\"Lady Marmalade/Zidler's Rap (Can Can)/Smells Like Teen Spirit\"). Toulouse fait en sorte que Christian voie Satine (Nicole Kidman), la courtisane vedette, dans ses appartements privés pour présenter l'œuvre, ignorant que Zidler promet Satine au riche et sans scrupules duc de Monroth (Richard Roxburgh), un investisseur potentiel dans le cabaret. (Medley \"Sparkling Diamonds\").",
"Leonardo DiCaprio, qui a travaillé avec Luhrmann sur Roméo + Juliette, a auditionné pour le rôle de Christian. Luhrmann a également envisagé des acteurs plus jeunes pour le rôle, notamment Heath Ledger et Jake Gyllenhaal avant qu'Ewan McGregor ne remporte le rôle. Courtney Love a auditionné pour le rôle de Satine et a aidé à obtenir les droits de licence pour \"Smells Like Teen Spirit\" qui sera utilisé dans le film.",
"Le film a été sélectionné par le National Board of Review comme meilleur film de 2001. Il a remporté six nominations aux Golden Globes, dont celui du meilleur film musical ou comique, de la meilleure actrice dans un film musical ou comique (pour Nicole Kidman), du meilleur film musical ou comique. Acteur dans un film musical ou comique (pour Ewan McGregor), meilleure musique originale (pour Craig Armstrong), meilleur réalisateur (pour Baz Luhrmann) et meilleure chanson (« Come What May »). Il en a remporté trois, dont le très convoité trophée du meilleur film. Quelques semaines plus tard, il reçoit 13 nominations aux BAFTA Awards, ce qui en fait le film le plus nominé de l'année pour cette cérémonie. Il en a remporté trois, dont celui du meilleur acteur dans un second rôle pour Jim Broadbent.",
"* \"Come What May\" – Ewan McGregor et Nicole Kidman (écrit par David Baerwald)"
] | Moulin Rouge! (, de ) est un film musical pseudo-pastiche juke-box australo-américain de 2001 réalisé, produit et co-écrit par Baz Luhrmann. Il raconte l'histoire d'un jeune poète/écrivain écossais, Christian (Ewan McGregor), qui tombe amoureux de la star du Moulin Rouge, actrice de cabaret et courtisane Satine (Nicole Kidman). Il utilise le décor musical du quartier Montmartre de Paris, France.
Lors de la 74e cérémonie des Oscars, le film a été nominé pour huit Oscars, dont celui du meilleur film et de la meilleure actrice pour Nicole Kidman, et en a remporté deux : pour la meilleure direction artistique et la meilleure conception de costumes. Il s'agissait de la première comédie musicale nominée pour le meilleur film en 10 ans, après La Belle et la Bête de Disney (1991).
Parcelle
En 1900, un écrivain britannique souffrant de dépression nommé Christian (Ewan McGregor) commence à écrire sur sa machine à écrire ("Nature Boy"). Il explique comment, un an plus tôt, il s'est installé dans le quartier de Montmartre à Paris pour devenir écrivain parmi les membres du mouvement bohème du quartier. Il découvre bientôt que ses voisins sont une troupe d'artistes dirigée par Henri de Toulouse-Lautrec (John Leguizamo). Toulouse-Lautrec et les autres demandent l'aide de Christian, et ses talents d'écrivain leur permettent de terminer leur projet de spectacle, "Spectacular Spectacular", qu'ils souhaitent vendre au propriétaire du Moulin Rouge, Harold Zidler (Jim Broadbent). Le groupe arrive au Moulin Rouge alors que Zidler et ses "Diamond Dog Dancers" se produisent devant le public ("Lady Marmalade/Zidler's Rap (Can Can)/Smells Like Teen Spirit"). Toulouse fait en sorte que Christian voie Satine (Nicole Kidman), la courtisane vedette, dans ses appartements privés pour présenter l'œuvre, ignorant que Zidler promet Satine au riche et sans scrupules duc de Monroth (Richard Roxburgh), un investisseur potentiel dans le cabaret. (Medley "Sparkling Diamonds").
Satine prend Christian pour le duc et danse avec lui avant de se retirer dans sa chambre privée avec lui pour discuter de choses en privé (« Rythme de la nuit »), mais apprend vite qu'il n'est qu'un écrivain (« Votre chanson »). Le duc les interrompt ; Christian et Satine affirment qu'ils pratiquaient les répliques de "Spectacular Spectacular". Avec l'aide de Zidler, Toulouse et le reste de la troupe présentent le spectacle au duc avec une intrigue improvisée sur un maharadjah maléfique tentant de courtiser une courtisane indienne qui aime un pauvre joueur de sitar ("The Pitch (Spectacular Spectacular)"). Le duc soutient le spectacle à condition que lui seul puisse voir Satine. Satine revient sur Christian et son envie de quitter le Moulin Rouge pour devenir "une vraie actrice" ("Un jour je m'envolerai"). Christian retourne voir Satine pour la convaincre qu'ils devraient être ensemble, elle finit par tomber amoureuse de lui ("Elephant Love Medley"). Alors que le cabaret est transformé en théâtre, Christian et Satine continuent de se voir sous prétexte de répéter les répliques de Satine. Le duc se méfie de leurs fréquentes réunions et prévient Zidler qu'il pourrait arrêter de financer le spectacle ; Zidler fait en sorte que Satine dîne avec le duc ce soir-là, mais elle tombe malade de la tuberculose (« Górecki »). Zidler s'excuse auprès du duc, affirmant que Satine s'est confessée ("Comme une vierge"). Zidler apprend que Satine n'a plus longtemps à vivre. Satine dit à Christian que leur relation met la série en danger, mais il réplique en écrivant une chanson d'amour secrète pour affirmer leur amour ("Come What May").
Alors que le duc regarde Christian répéter avec Satine, Nini, une interprète jalouse, souligne que la pièce est une métaphore de Christian, Satine et du duc. Enragé, le duc exige que la fin soit modifiée, la courtisane choisissant le maharajah ; Satine propose de passer la nuit avec le duc pour conserver la fin originale. Dans les quartiers du duc, Satine aperçoit Christian dans les rues en contrebas et se rend compte qu'elle ne peut pas coucher avec le duc. ("El Tango de Roxanne : "Roxanne/Tanguera"). Le duc tente de la violer, mais est sauvé par Le Chocolat, l'une des danseuses du cabaret. Retrouvé Christian, il la presse de s'enfuir avec lui. Le duc raconte Zidler il fera tuer Christian si Satine n'est pas à lui. Zidler réitère cet avertissement à Satine, mais quand elle refuse de revenir, il l'informe finalement qu'elle est en train de mourir ("A Fool to Believe"). , elle doit lui dire qu'elle va rester avec le duc et qu'elle ne l'aime pas ("The Show Must Go On") Christian essaie de la suivre, mais se voit refuser l'entrée au Moulin Rouge et devient même déprimé. bien que Toulouse insiste sur le fait que Satine l'aime.
Le soir du spectacle, Christian se faufile dans le Moulin Rouge, avec l'intention de payer Satine pour qu'elle lui rende son amour, tout comme le duc l'a payé ("Hindi Sad Diamonds"). Il surprend Satine avant qu'elle ne monte sur scène et lui demande de lui dire qu'elle ne l'aime pas. Soudain, ils se retrouvent sous les projecteurs ; Zidler convainc le public que Christian est le joueur de sitar déguisé. Christian dénonce Satine et quitte la scène. Du haut des poutres, Toulouse crie : « La plus grande chose que vous apprendrez, c'est d'aimer et d'être aimé en retour », incitant Satine à chanter la chanson que Christian a écrite pour exprimer son amour. Christian revient sur scène, la rejoint dans la chanson et réaffirme son amour pour elle. Le duc ordonne à son garde du corps de tuer Christian, mais celui-ci est contrecarré, tandis que la propre tentative du duc est stoppée par Zidler. Le duc sort en trombe du cabaret tandis que Christian et Satine terminent leur chanson ("Come What May (Reprise)", "Coup d'État (Finale)").
Une fois le rideau fermé, Satine succombe à la tuberculose. Avant de mourir, Christian et Satine lui affirment leur amour et elle lui propose d'écrire leur histoire. Un an plus tard, le Moulin Rouge ferme ses portes et Christian achève d'écrire le récit de son amour pour Satine, un "amour qui vivra pour toujours" ("Nature Boy (Reprise)").
Casting
Production
En écrivant
L'histoire du Moulin Rouge remonte à La Dame aux camélias d'Alexandre Dumas, fils, bien que Luhrmann, en tant que metteur en scène d'opéra, ait probablement été plus directement influencé par l'adaptation de Verdi, La traviata.
Interrogé sur son inspiration pour Moulin Rouge !, Luhrmann a déclaré :
Luhrmann a révélé qu'il s'était inspiré de la tragédie grecque d'Orphée et Eurydice dans le commentaire audio du DVD. La légende d'Orphée dit qu'il était un génie musical, surpassant de loin quiconque dans son monde ; les cinéastes ont choisi de reproduire cela en utilisant des chansons du milieu à la fin du 20e siècle, plusieurs décennies après le décor du film de 1899. De cette manière, Christian apparaîtrait aux autres personnages comme étant en avance sur son temps en tant que musicien et écrivain.
Développement
Leonardo DiCaprio, qui a travaillé avec Luhrmann sur Roméo + Juliette, a auditionné pour le rôle de Christian. Luhrmann a également envisagé des acteurs plus jeunes pour le rôle, notamment Heath Ledger et Jake Gyllenhaal avant qu'Ewan McGregor ne remporte le rôle. Courtney Love a auditionné pour le rôle de Satine et a aidé à obtenir les droits de licence pour "Smells Like Teen Spirit" qui sera utilisé dans le film.
Tournage
La production a commencé en novembre 1999 et s'est achevée en mai 2000, avec un budget de 52,5 millions de dollars. Le tournage s'est généralement bien déroulé, le seul problème majeur étant survenu lorsque Kidman s'est blessé aux côtes lors du tournage d'une des séquences de danse les plus compliquées ; elle a également déclaré dans une interview avec Graham Norton qu'elle s'était cassé une côte en enfilant un corset, en le resserrant autant que possible pour obtenir une taille de 18 pouces. La production a également dépassé son calendrier de tournage et a dû quitter les studios Fox à Sydney pour laisser la place à Star Wars : Épisode II – L'Attaque des Clones (dans lequel McGregor a également joué). Cela a nécessité le tournage de quelques plans pick-up à Madrid.
Dans les notes de l'édition spéciale du DVD du film, Luhrmann écrit que « [le] principe stylistique a été de décoder ce qu'était le Moulin Rouge pour le public de 1899 et d'exprimer ce même frisson et cette même excitation d'une manière que le cinéma contemporain. les spectateurs peuvent s'identifier. Dans cet esprit, le film prend de la musique populaire bien connue, principalement tirée de la génération MTV, et l'anachronise en un conte se déroulant dans un cabaret parisien du début du siècle. Le film présente également un montage que plusieurs critiques ont comparé à un clip vidéo, impliquant des mouvements de caméra tourbillonnants, de la musique forte, de la danse et un montage frénétique. Certaines des chansons échantillonnées incluent "Chamma Chamma" du film hindi China Gate, "The Show Must Go On" de Queen (arrangé au format opéra), l'interprétation par David Bowie de "Nature Boy" d'Eden Ahbez, "Lady Marmalade" de Patti LaBelle. (la couverture de Christina Aguilera/P!nk/Mýa/Lil' Kim commandée pour le film), "Material Girl" et "Like a Virgin" de Madonna, "Your Song" d'Elton John, le numéro titulaire de The Sound of Music, " Roxanne" de The Police (dans un format tango utilisant la composition "Tanguera" de Mariano Mores), et "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana, une chanson rarement utilisée dans les films. Le film utilise tellement de musique populaire qu'il a fallu près de deux ans à Luhrmann pour obtenir tous les droits sur les chansons.
Libération et réception
Initialement prévu pour Noël 2000 en tant que candidat de premier plan aux Oscars, 20th Century Fox a finalement reporté la sortie au printemps suivant afin que le réalisateur Luhrmann ait plus de temps pendant la post-production. Le film a été présenté en avant-première au Festival de Cannes 2001 le 9 mai, ce qui en fait le titre d'ouverture du festival.
Moulin Rouge! a reçu des critiques généralement positives de la part des critiques.
Le film détient une note de 66/100 chez Metacritic sur la base de 35 critiques, et une note « Fraîche » de 76 % chez Rotten Tomatoes, sur la base de 187 critiques, et une note « Fraîche » de 65 %, basée sur 40 « meilleurs » critiques. En décembre 2001, il a été désigné meilleur film de l'année par les téléspectateurs de Film 2001.
Récompenses et honneurs
Le film a été sélectionné par le National Board of Review comme meilleur film de 2001. Il a remporté six nominations aux Golden Globes, dont celui du meilleur film musical ou comique, de la meilleure actrice dans un film musical ou comique (pour Nicole Kidman), du meilleur film musical ou comique. Acteur dans un film musical ou comique (pour Ewan McGregor), meilleure musique originale (pour Craig Armstrong), meilleur réalisateur (pour Baz Luhrmann) et meilleure chanson (« Come What May »). Il en a remporté trois, dont le très convoité trophée du meilleur film. Quelques semaines plus tard, il reçoit 13 nominations aux BAFTA Awards, ce qui en fait le film le plus nominé de l'année pour cette cérémonie. Il en a remporté trois, dont celui du meilleur acteur dans un second rôle pour Jim Broadbent.
Le film a reçu huit nominations aux Oscars, dont celles de la meilleure actrice dans un rôle principal et du meilleur film. Le film n'a pas été nominé pour le meilleur réalisateur (Luhrmann) ; commentant cela lors de la cérémonie des Oscars, l'animateur Whoopi Goldberg a déclaré : "Je suppose que Moulin Rouge ! vient de se réaliser tout seul." Le film a remporté les prix de la meilleure conception de costumes et de la meilleure direction artistique.
"Come What May" (la seule chanson originale du film) a été disqualifiée de la nomination aux Oscars car elle a été écrite à l'origine (mais inutilisée) pour le film précédent de Luhrmann, Roméo + Juliette, et n'a pas été écrite expressément pour Moulin Rouge !.
Entertainment Weekly l'a placé sur sa liste des « meilleurs » de la fin de la décennie, en disant : « Le pastiche trippant de la culture pop de Baz Luhrmann de 2001 était une ode esthétiquement saisissante à la poésie, à la passion et à Elton John. C'était tellement bon. , nous lui pardonnerons pour l'Australie." (1079/1080).
Bande sonore
Chansons interprétées dans le film :
* "Garçon Nature" – Toulouse
* "Le son de la musique/Les enfants de la révolution" – Christian, les Bohémiens et la Fée verte
* "Lady Marmalade"/"Zidler's Rap (The Can-Can)"/"Smells Like Teen Spirit" – Zidler, danseurs du Moulin Rouge et mécènes
* "Sparkling Diamonds"/"Les diamants sont les meilleurs amis d'une fille"/"Material Girl" – Danseuses de Satine et du Moulin Rouge
* "Rythme de la nuit" – Valeria
* "Ta chanson" - Christian
* "The Pitch (Spectacular Spectacular)" – Zidler, Christian, Satine, The Duke et Bohemians
* "Un jour je m'envolerai" – Satine
* "Elephant Love Medley" – Christian et Satine
* "Górecki" – Satine
* "Like a Virgin" – Zidler, The Duke et Chorus Boys
* "Come What May" - Christian, Satine et le casting de Spectacular Spectacular
* "El Tango de Roxanne" – Les danseurs argentins, chrétiens, Satine, le duc et du Moulin Rouge
* "Fool to Believe" – Satine et Zidler
* "Le spectacle doit continuer" - Les machinistes de Zidler, Satine et Moulin Rouge
* "Hindi Sad Diamonds" - Nini Legs-in-the-Air, Satine et le casting de Spectacular Spectacular
* "Come What May (Reprise)" – Satine et Christian
* "Coup d'État (Finale)" – Casting de Spectaculaire Spectaculaire
* "Nature Boy (Reprise)" – Toulouse
Ce qui suit est une liste partielle des chansons présentées dans le film ainsi que l'artiste qui les a popularisées.
* "Nature Boy" – Nat King Cole, repris par David Bowie et remixé par Massive Attack pour la bande originale.
* "The Sound of Music" - Mary Martin (et plus tard par Julie Andrews) (de la comédie musicale Rodgers & Hammerstein du même nom, avec du thérémine overdub joué par Bruce Woolley)
* "The Lonely Goatherd" – également tiré de The Sound of Music (mais entendu comme instrumental)
* "Enfants de la Révolution" – T. Rex
* "Lady Marmalade" – Labelle, couvert pour le film, par Christina Aguilera, Lil' Kim, Mýa, Missy Elliott et Pink)
* "Parce que nous pouvons" – Fatboy Slim
* "Complainte de la Butte" – Georges Van Parys et Jean Renoir repris par Rufus Wainwright
* "Rythme de la nuit" – DeBarge
* "Fille matérielle" – Madonna
* "Ça sent l'esprit adolescent" - Nirvana
* « Les diamants sont les meilleurs amis d'une fille » – Introduit par Carol Channing, rendu populaire par Marilyn Monroe.
* "Diamond Dogs" – David Bowie couvert pour le film par Beck.
* "Galop Infernal (Can-can)" – Jacques Offenbach (air de Spectaculaire, Spectaculaire)
* "Un jour, je m'envolerai" - Les Croisés, plus tard Randy Crawford
* "Enfants de la Révolution" – T.Rex (repris par Bono, Gavin Friday, Violent Femmes et Maurice Seezer)
* "Gorecki" – Agneau
* "Come What May" – Ewan McGregor et Nicole Kidman (écrit par David Baerwald)
* "Roxanne" – La Police (Titre du film : "El Tango de Roxanne", combiné avec la musique "Tanguera" de Mariano Mores)
* "Tanguera" – Mariano Mores (titre du film : "El Tango de Roxanne", combiné avec la musique "Roxanne" de The Police)
* "Le spectacle doit continuer" - Reine
* "Comme une vierge" – Madonna
* "Votre chanson" – Elton John
* "Chamma Chamma" – Alka Yagnik (incorporé dans la chanson du film intitulée "Hindi Sad Diamonds" ; interprété à l'origine par Alka Yagnik dans le film hindi de 1998 China Gate, composé par Anu Malik.
;Mélange d'amour d'éléphant
Ce qui suit est une liste de chansons présentées dans le medley, ainsi que les noms des auteurs et chanteurs de l'original.
* "L'amour est comme l'oxygène" de Sweet – Andy Scott et Trevor Griffin
* "L'amour est une chose aux multiples splendeurs" de Sammy Fain – Sammy Fain et Paul Francis Webster
* "Up Where We Belong" de Joe Cocker et Jennifer Warnes – Jack Nitzsche et Buffy Sainte-Marie
* "Tout ce dont vous avez besoin, c'est d'amour" des Beatles – John Lennon et Paul McCartney
* "J'ai été fait pour t'aimer" de Kiss – Desmond Child, Paul Stanley, Vini Poncia
* "Une nuit de plus" de Phil Collins – Phil Collins
* "Fierté" de U2 – U2
* "Don't Leave Me This Way" de Harold Melvin & the Blue Notes – Kenneth Gamble, Leon Huff et Cary Gilbert
* "Silly Love Songs" de Wings – Paul McCartney
* "Héros" de David Bowie – David Bowie
* "Je t'aimerai toujours" de Dolly Parton et plus tard Whitney Houston – Dolly Parton
* "Votre chanson" d'Elton John – Elton John et Bernie Taupin
Le "Elephant Love Medley" contient également des paroles originales supplémentaires non attribuées.
Dans la version Blu-ray, il a été révélé que la chanson qui était prévue pour ouvrir le film était à l'origine "Father and Son" de Cat Stevens, chantée par Christian où il se dispute avec son père pour lui faire comprendre qu'il doit y aller. Paris afin de réaliser ses rêves. Cat Stevens a refusé l'autorisation d'utiliser la chanson dans le film, c'est pourquoi la chanson a été changée en "Nature Boy".
Deux albums de bandes originales sont sortis, le second faisant suite au succès massif du premier. Le premier volume présentait le single à succès "Lady Marmalade", interprété par Christina Aguilera, Lil 'Kim, Mýa et Pink. La première bande originale, Moulin Rouge ! La musique du film de Baz Luhrmann est sortie le 8 mai 2001, avec le deuxième Moulin Rouge ! Musique du film de Baz Luhrmann, Vol. 2 suivant le 26 février 2002.
Adaptation scénique
Pendant un certain temps en 2002-2003, il y a eu des spéculations sur la possibilité d'une comédie musicale basée sur Moulin Rouge !, peut-être à Las Vegas, mais il n'y a eu aucune discussion publique depuis. Certaines sources ont affirmé en 2006 que le réalisateur, Baz Luhrmann, avait contacté les acteurs principaux du film, Kidman et McGregor, pour jouer dans la version scénique potentielle.
En 2008, une adaptation scénique, La Belle Bizarre Du Moulin Rouge (La beauté bizarre du Moulin Rouge) a fait une tournée en Allemagne et a produit un enregistrement de casting. | http://quiz4free.com/ |
Dans quel État américain se trouve Las Vegas ? | Nevada | [
"* Dans le documentaire Freedom Downtime de 2001, un road trip à travers le pays à Las Vegas, dans le Nevada, se termine par erreur à Las Vegas, au Nouveau-Mexique."
] | Las Vegas est une ville et le siège du comté de San Miguel, dans l'État du Nouveau-Mexique, aux États-Unis. Autrefois deux municipalités distinctes (l'une une ville et l'autre une ville) toutes deux nommées Las Vegas, l'ouest de Las Vegas (« Vieille ville ») et l'est de Las Vegas (« Nouvelle ville »), séparées par la rivière Gallinas, conservent des caractères distincts et des , districts scolaires rivaux. La population était de 14 565 habitants au recensement de 2000. Las Vegas, Nouveau-Mexique est situé à 180 km au sud de Raton, Nouveau-Mexique, à 105 km à l'est de Santa Fe, Nouveau-Mexique, à 190 km au nord-est d'Albuquerque, Nouveau-Mexique, à 400 km au sud de Colorado Springs, Colorado et à 326 km au sud de Denver. Colorado.
Histoire
Las Vegas a été créée en 1835 après qu'un groupe de colons ait reçu une concession de terre du gouvernement mexicain. La ville a été aménagée dans le style colonial espagnol traditionnel, avec une place centrale entourée de bâtiments qui pourraient servir de fortifications en cas d'attaque. Las Vegas est rapidement devenue une étape prospère sur le Santa Fe Trail. Pendant la guerre américano-mexicaine en 1846, Stephen W. Kearny a prononcé un discours sur la Plaza de Las Vegas pour revendiquer le Nouveau-Mexique au nom des États-Unis. En 1877, le Las Vegas College, précurseur de l'Université Regis, a été fondé à Las Vegas par un groupe de jésuites italiens en exil. En 1887, le Las Vegas College a déménagé à Denver, après quoi le nom a été changé.
Un chemin de fer a été construit vers la ville en 1880. Pour maintenir le contrôle des droits de développement, il a établi une gare et le développement connexe à 1,6 km à l'est de la place, créant une nouvelle ville distincte et rivale, comme cela s'est produit ailleurs dans le Far West. . Le même développement concurrent s’est produit à Albuquerque, par exemple. À l’époque du chemin de fer, Las Vegas a connu un essor considérable, devenant rapidement l’une des plus grandes villes du sud-ouest américain. Au tournant du siècle, Las Vegas présentait toutes les commodités modernes, y compris un tramway électrique, le « Duncan Opera House » à l'angle nord-est de la 6e rue et de l'avenue Douglas, une bibliothèque Carnegie, l'hôtel Castaneda (un important Harvey House ) et l'école normale du Nouveau-Mexique (aujourd'hui New Mexico Highlands University). Depuis le début du déclin et de la restructuration de l'industrie ferroviaire dans les années 1950, la population de la ville est restée relativement constante. Bien que les deux villes aient été regroupées, des districts scolaires séparés ont été maintenus (Las Vegas City Schools et West Las Vegas School District).
L'organisation anticoloniste Las Gorras Blancas était active dans la région dans les années 1890.
Réunions de cowboys
Les premières réunions de cowboys ont eu lieu une fois par an entre 1915 et 1931. Ces réunions étaient destinées à célébrer la vie d'éleveur qui se déroulait dans le nord du Nouveau-Mexique à la fin des années 1800. Ces réunions consistaient en des activités de type foire, notamment des concours de dégustation de tartes, des barbecues et des défilés. Ils ont réuni les vachers et les célébrités des rodéos dans la ville de Las Vegas. Les Cowboy Reunions reflétaient les occupations de la région.
Hors-la-loi
L'arrivée du chemin de fer le 4 juillet 1879 entraîne avec elle des entreprises, du développement et de nouveaux résidents, à la fois respectables et douteux. Les meurtriers, les voleurs, les joueurs, les hommes armés, les escrocs, les vagabonds et les vagabonds ont afflué, transformant le côté est de la colonie en une bagarre pratiquement anarchique. Parmi les personnages célèbres figuraient des légendes du Far West telles que : le dentiste Doc Holliday et sa petite amie Big Nose Kate, Jesse James, Billy the Kid, Wyatt Earp, le mystérieux Dave Mather, Hoodoo Brown et le beau Harry the Dancehall Rustler.
L'historien Ralph Emerson Twitchell a déclaré un jour à propos du Far West : « Sans exception, aucune ville n'abritait une bande de desperados et de hors-la-loi plus peu recommandables que Las Vegas. »
Géographie
Selon le Bureau du recensement des États-Unis, la ville a une superficie totale de 1 000 000 m² et est entièrement constituée de terres.
Climat
Données démographiques
Au recensement de 2000, 14 565 personnes, 5 588 ménages et 3 559 familles résidaient dans la ville. La densité de population était de 1 938,2 habitants par mile carré (748,8/km²). Il y avait 6 366 logements avec une densité moyenne de 847,1 par mile carré (327,3/km²). La composition raciale de la ville était de 54,21 % de Blancs, 0,99 % d'Afro-Américains, 1,96 % d'Amérindiens, 0,61 % d'Asiatiques, 0,10 % d'Insulaires du Pacifique, 37,19 % d'autres races et 4,95 % de deux races ou plus. Les Hispaniques de toutes races représentaient 82,94 % de la population.
Il y avait 5 588 ménages dont 33,0 % avaient des enfants de moins de 18 ans vivant avec eux, 36,0 % étaient des couples mariés vivant ensemble, 21,2 % avaient une femme au foyer sans mari et 36,3 % n'étaient pas des familles. 30,4 % de tous les ménages étaient composés d'individus et 9,7 % comptaient une personne vivant seule âgée de 65 ans ou plus. La taille moyenne des ménages était de 2,48 et la taille moyenne des familles était de 3,08.
Dans la ville, la population était répartie avec 26,4% de moins de 18 ans, 13,3% de 18 à 24 ans, 26,2% de 25 à 44 ans, 21,2% de 45 à 64 ans et 12,8% de 65 ans ou plus. L'âge médian était de 34 ans. Pour 100 femmes, il y avait 90,4 hommes. Pour 100 femmes âgées de 18 ans et plus, il y avait 86,2 hommes.
Le revenu médian d'un ménage de la ville était de 24 214 $ et le revenu médian d'une famille était de 29 797 $. Les hommes avaient un revenu médian de 26 319 $, contre 21 731 $ pour les femmes. Le revenu par habitant de la ville était de 12 619 $, contre 21 587 $ à l'échelle nationale, comme indiqué lors du recensement de 2000. Environ 24,3% des familles et 27,8% de la population vivaient en dessous du seuil de pauvreté, dont 35,7% des moins de 18 ans et 20,1% des 65 ans ou plus.
Bibliothèques et musées
La New Mexico Highlands University abrite la bibliothèque Thomas C. Donnelly. Il soutient l'enseignement, la recherche et les activités communautaires de la New Mexico Highlands University. Il acquiert, organise, conserve et donne accès à des informations et du matériel scientifique pertinents pour les besoins pédagogiques, les activités intellectuelles et l'enrichissement personnel de sa clientèle. Il fait la promotion de programmes et de services qui mettent l’accent sur la diversité de la communauté multiculturelle et du patrimoine de l’université. Un ajout a augmenté la superficie en pieds carrés de 23 700 à 53 500 et abrite désormais une collection de livres de près de 200 000 volumes.
La bibliothèque Carnegie de Las Vegas, créée en 1904, est la seule bibliothèque Carnegie survivante au Nouveau-Mexique. Construite grâce à un don de 10 000 $ du philanthrope Andrew Carnegie, son architecture néo-classique ressemble au Monticello de Thomas Jefferson. La bibliothèque se trouve au milieu d’un parc qui occupe tout un pâté de maisons, bordé de maisons et de bâtiments de style victorien.
Le musée de la ville de Las Vegas et le Rough Rider Memorial sur Grand Avenue, inaugurés en 1940, ont été créés pour la première fois par décision du régiment des Rough Riders de Theodore Roosevelt (le premier régiment de cavalerie volontaire de la guerre hispano-américaine), qui a nommé Las Vegas son siège officiel. maison de réunion. Leur première réunion eut lieu à Las Vegas, en juin 1899.
Le musée, gratuit et ouvert au public, abrite une collection commémorative d'objets, d'archives et de photographies des Rough Riders et des souvenirs liés à la campagne cubaine de 1898 de la guerre hispano-américaine, avec des informations sur plus de 200 membres du régiment d'origine. , documents de l'association RRR, etc. Le musée met en lumière l'histoire de Las Vegas, son lien avec les Rough Riders, le Santa Fe Trail et le développement du Nouveau-Mexique. Il présente des collections de poteries amérindiennes locales, d'articles ménagers, de costumes, de matériel d'élevage et d'agriculture, d'exploitations agricoles et commerciales et de vie familiale.
Installé dans un bâtiment financé par la Works Progress Administration datant de 1940, le musée est construit en pierre, avec des nuances Pueblo Revival.
Architecture
Las Vegas possède de nombreuses structures historiques (principalement des maisons de l'époque ferroviaire et des bâtiments commerciaux), dont plus de 900 sont inscrites au registre national des lieux historiques. Même si de nombreux bâtiments sont dans des états de détérioration variables, d'autres ont été restaurés ou sont en attente de restauration. Certains des bâtiments remarquables de la ville comprennent :
* Dr. H.J. Mueller House, maintenant un Bed and Breakfast appelé Crow's Nest Bed and Breakfast. Un exemple d'éclectisme victorien de 1881 avec une tour octogonale inhabituelle
* Plaza Hotel, 1881, site de la première réunion des Rough Riders de Teddy Roosevelt en 1899
* Ancien hôtel de ville, premier bâtiment municipal du Nouveau-Mexique, achevé en 1892
* Louis Fort House, maison Queen Anne sur Carnegie Park, construite en 1895
* Temple maçonnique, édifice roman richardsonien érigé en 1895
* Hôtel La Castaneda, Harvey House de style mission construite en 1898
* Bibliothèque Carnegie, construite en 1903 au centre du parc Carnegie et inspirée de Monticello
Éducation
Écoles publiques
La ville de Las Vegas est desservie par deux districts scolaires publics.
* Écoles de la ville de Las Vegas – dessert le côté est de Las Vegas.
* District scolaire de l'ouest de Las Vegas – dessert le côté ouest de Las Vegas.
La ville de Las Vegas compte deux grands lycées :
* Lycée Robertson
* Lycée Ouest de Las Vegas
Collèges
Las Vegas abrite la New Mexico Highlands University et le Luna Community College. Le United World College, situé à proximité de Montezuma, au Nouveau-Mexique, est un lycée international de deux ans et l'un des lieux utilisés par le programme du baccalauréat international pour la formation des enseignants aux États-Unis.
Transport
Chemin de fer
* La gare Amtrak de Las Vegas est un arrêt sur la route Southwest Chief.
Aéroport
* Aéroport municipal de Las Vegas Monomoteur, petits jets commerciaux et hélicoptères.
Principales autoroutes
* Interstate 25
* Interstate 40 (55 miles au sud via la US Route 84)
Films
Films tournés à Las Vegas et dans ses environs :
* De nombreux films occidentaux muets ont été tournés à Las Vegas et dans ses environs, en particulier dans les années 1913-1915, y compris un certain nombre mettant en vedette Tom Mix.
* La série western télévisée NBC Empire de 1962-1963 et sa version de la deuxième saison intitulée Redigo ont été tournées à Santa Fe et près de Storrie Lake à Las Vegas.
* Dans le film Easy Rider de 1969, Las Vegas, Nouveau-Mexique, est la ville où les deux motards suivent un défilé, sont arrêtés pour « avoir défilé sans permis » et rencontrent le personnage de Jack Nicholson en prison. Le nom de la ville peut être vu en arrière-plan dans une scène de cette partie du film.
* La ville a été le lieu de tournage de certaines parties du film Convoy de 1978, un film sur les chauffeurs de camion inspiré de la chanson du même nom de 1975.
* Certaines parties du téléfilm de 1982 [http://www.imdb.com/title/tt0083613/ La Ballade de Gregorio Cortez] ont été tournées à Las Vegas et dans ses environs.
* Las Vegas a remplacé le fictif Calumet, Colorado dans le film Red Dawn de John Milius en 1984. Depuis 2005, de nombreux bâtiments et structures vus dans le film subsistent.
* Certaines parties du film Speechless de 1994, avec Geena Davis et Michael Keaton, sur une campagne sénatoriale fictive du Nouveau-Mexique, ont été tournées à Las Vegas.
* La majeure partie du film Wyatt Earp de 1994, avec Kevin Costner, a été tournée à Las Vegas, bien qu'elle se soit déroulée au Kansas.
* Plusieurs scènes du film John Carpenter's Vampires de 1998 ont été tournées sur la place.
* The Hi-Lo Country et All the Pretty Horses, sortis respectivement en 1998 et 2000, ont été presque entièrement tournés ici.
* Dans le documentaire Freedom Downtime de 2001, un road trip à travers le pays à Las Vegas, dans le Nevada, se termine par erreur à Las Vegas, au Nouveau-Mexique.
* Le film Blind Horizon de 2003
* En 2006, le film Fanboys a utilisé Las Vegas comme l'un de ses lieux de tournage. Le film parle d'un fan mourant de Star Wars et est sorti en 2009.
* Des parties du film de 2006 The Astronaut Farmer ont été tournées ici.
* Le film Wild Hogs de 2007 avec John Travolta comprenait des scènes tournées autour de Las Vegas.
* La plupart des films No Country for Old Men des frères Coen de 2007 ont été tournés ici.
* Le film Beer for My Horses de 2008 avec Toby Keith et Rodney Carrington a été tourné à Las Vegas et dans ses environs.
* Le thriller Not Forgotten de 2009 a été tourné à Las Vegas pour des raisons d'incitation.
* Le film Due Date de 2010 avec Robert Downey Jr. et Zach Galifinakis a été en partie tourné à Las Vegas et a été utilisé comme faux poste frontière avec le Mexique.
* Des scènes du film Paul de 2011 avec Simon Pegg et Nick Frost avec Kristen Wiig, Jason Bateman, Bill Hader, Seth Rogan, Joe Lo Truglio et Sigourney Weaver, ont été tournées à Las Vegas et dans ses environs.
* La série télévisée A&E 2012 Longmire avec Robert Taylor et Katee Sackhoff et se déroulant dans le Wyoming est en cours de tournage à Las Vegas.
Des personnes remarquables
* Ann Nolan Clark (1896-1995), enseignante dans les écoles publiques et les réserves, auteur de livres multiculturels pour enfants
* Eddie Guerrero (1967-2005), lutteur professionnel pour la WWE, a lutté pour la New Mexico Highlands University
* Margaret Larkin (1899-1967), écrivain et musicienne américaine, est née à Las Vegas
* George J. Maloof, Sr. (1923-1980) était un héritier et homme d'affaires américain. Il est né à Las Vegas, Nouveau-Mexique
* Patrick Swayze (1952-2009), acteur, danseur et auteur-compositeur-interprète américain, possédait un ranch à Las Vegas | http://quiz4free.com/ |
Dans quel pays trouveriez-vous la ville de « Gand » ? | Belgique | [
"Gand (; ; ) est une ville et une commune de la région flamande de Belgique. C'est la capitale et la plus grande ville de la province de Flandre orientale et après Anvers la plus grande commune de Belgique. La ville a commencé comme une colonie au confluent de l'Escaut et de la Lys et est devenue à la fin du Moyen Âge l'une des villes les plus grandes et les plus riches d'Europe du Nord avec environ 50 000 habitants en 1300. C'est une ville portuaire et universitaire.",
"La commune comprend la ville de Gand proprement dite et les villes environnantes d'Afsnee, Desteldonk, Drongen, Gentbrugge, Ledeberg, Mariakerke, Mendonk, Oostakker, Sint-Amandsberg, Sint-Denijs-Westrem, Sint-Kruis-Winkel, Wondelgem et Zwijnaarde. Avec 240.191 habitants début 2009, Gand est la deuxième plus grande commune de Belgique en nombre d'habitants. L'aire métropolitaine, y compris la zone périphérique, couvre une superficie de 1 205 km² et compte une population totale de 594 582 habitants au 1er janvier 2008, ce qui la classe au quatrième rang des plus peuplés de Belgique. L'actuel bourgmestre de Gand, Daniël Termont, dirige une coalition composée du Socialistische Partij Anders, Groen et Open VLD.",
"Une grande partie de l'architecture médiévale de la ville reste intacte et est remarquablement bien conservée et restaurée. Son centre est la plus grande zone sans voiture de Belgique. Les points forts intéressants sont la cathédrale Saint-Bavon avec le retable de Gand, le beffroi, le château des Comtes et la splendide architecture le long du vieux port de Graslei. Gand a établi un joli mélange entre confort de vie et histoire – ce n’est pas une ville-musée. La ville de Gand abrite également trois béguinages et de nombreuses églises dont l'église Saint-Jacques, l'église Saint-Nicolas et l'église Saint-Michel.",
"Le port de Gand, au nord de la ville, est le troisième plus grand port de Belgique. On y accède par le canal Gand-Terneuzen, qui se termine près du port néerlandais de Terneuzen sur l'Escaut occidental. Le port abrite, entre autres, de grandes entreprises comme ArcelorMittal, Volvo Cars, Volvo Trucks, Volvo Parts, Honda et Stora Enso.",
"En tant que plus grande ville de Flandre orientale, Gand compte de nombreux hôpitaux, écoles et rues commerçantes. Flanders Expo, la plus grande salle événementielle de Flandre et la deuxième de Belgique, se trouve également à Gand. Le tourisme devient un employeur majeur dans la région.",
"Gand, l'une des plus grandes villes de Belgique, dispose d'un système de transport très développé.",
"Gand possède la plus grande zone cyclable d'Europe, avec près de 700 pistes cyclables et plus de 700 rues à sens unique, où les vélos sont autorisés à circuler à contre-courant. On y trouve également la première rue cyclable de Belgique, où les voitures sont considérées comme des « invités » et doivent rester derrière les cyclistes.",
"Dans la première division belge de football, Gand est représenté par K.A.A. Gand, qui est devenu champion de Belgique de football pour la première fois de son histoire en 2015. Un autre club de football gantois est le KRC Gent-Zeehaven, évoluant en quatrième division belge. Un match de football aux Jeux olympiques d'été de 1920 a eu lieu à Gand.[http://www.fifa.com/tournaments/archive/tournament512/edition",
"La Flanders Sports Arena a accueilli la finale de la Coupe Davis 2015 entre la Belgique et la Grande-Bretagne."
] | Gand (; ; ) est une ville et une commune de la région flamande de Belgique. C'est la capitale et la plus grande ville de la province de Flandre orientale et après Anvers la plus grande commune de Belgique. La ville a commencé comme une colonie au confluent de l'Escaut et de la Lys et est devenue à la fin du Moyen Âge l'une des villes les plus grandes et les plus riches d'Europe du Nord avec environ 50 000 habitants en 1300. C'est une ville portuaire et universitaire.
La commune comprend la ville de Gand proprement dite et les villes environnantes d'Afsnee, Desteldonk, Drongen, Gentbrugge, Ledeberg, Mariakerke, Mendonk, Oostakker, Sint-Amandsberg, Sint-Denijs-Westrem, Sint-Kruis-Winkel, Wondelgem et Zwijnaarde. Avec 240.191 habitants début 2009, Gand est la deuxième plus grande commune de Belgique en nombre d'habitants. L'aire métropolitaine, y compris la zone périphérique, couvre une superficie de 1 205 km² et compte une population totale de 594 582 habitants au 1er janvier 2008, ce qui la classe au quatrième rang des plus peuplés de Belgique. L'actuel bourgmestre de Gand, Daniël Termont, dirige une coalition composée du Socialistische Partij Anders, Groen et Open VLD.
Le « Festival de Gand » (Gentse Feesten en néerlandais), qui dure dix jours, a lieu chaque année et attire environ 1 à 1,5 million de visiteurs.
Histoire
Des preuves archéologiques montrent une présence humaine dans la région du confluent de l'Escaut et de la Lys qui remonte à l'âge de pierre et à l'âge du fer.
La plupart des historiens pensent que l'ancien nom de Gand, « Ganda », dérive du mot celtique ganda qui signifie confluence. D'autres sources relient son nom à une divinité obscure nommée Gontia.
Il n'existe aucune trace écrite de la période romaine, mais des recherches archéologiques confirment que la région de Gand était encore habitée.
Lorsque les Francs envahirent les territoires romains (à partir de la fin du IVe siècle et jusqu'au Ve siècle), ils apportèrent leur langue avec eux et le celtique et le latin furent remplacés par le vieux néerlandais.
Moyen-âge
Vers 650, Saint Amand fonda deux abbayes à Gand : Saint-Pierre (Blandinium) et . La ville s'est développée à partir de plusieurs noyaux, des abbayes et un centre commercial. Vers 800, Louis le Pieux, fils de Charlemagne, nomma Einhard, le biographe de Charlemagne, abbé des deux abbayes. En 851 et 879, la ville fut cependant attaquée et pillée à deux reprises par les Vikings.
Sous la protection du Comté de Flandre, la ville s'est rétablie et a prospéré à partir du XIe siècle, devenant une petite cité-État. Au XIIIe siècle, Gand était la plus grande ville d'Europe au nord des Alpes après Paris ; c'était plus grand que Cologne ou Moscou. Jusqu'à 65 000 personnes vivaient à l'intérieur des murs de la ville. Le clocher et les tours de la cathédrale Saint-Bavon et de l'église Saint-Nicolas ne sont que quelques exemples du paysage urbain de l'époque.
Les rivières coulaient dans une zone où de nombreuses terres étaient périodiquement inondées. Ces « meersen » richement gazonnés (« prairies d'eau » : mot lié à l'anglais « marais ») étaient parfaitement adaptés à l'élevage des moutons, dont la laine était utilisée pour fabriquer des tissus. Au Moyen Âge, Gand était la principale ville productrice de draps.
L'industrie lainière, initialement implantée à Bruges, a créé à Gand, au Haut Moyen Âge, la première zone industrielle européenne. La zone marchande était si développée qu'il fallut importer de la laine d'Écosse et d'Angleterre. C'est l'une des raisons pour lesquelles la Flandre entretient de bonnes relations avec l'Écosse et l'Angleterre. Gand est le berceau de Jean de Gand, duc de Lancastre. Le commerce avec l'Angleterre (mais pas avec l'Écosse) a considérablement souffert pendant la guerre de Cent Ans.
Début de la période moderne
La ville se rétablit au XVe siècle, lorsque la Flandre fut réunie aux provinces voisines sous les ducs de Bourgogne. Des impôts élevés conduisirent à une rébellion et finalement à la bataille de Gavere en 1453, au cours de laquelle Gand subit une terrible défaite face à Philippe le Bon. À cette époque, le centre d'importance politique et sociale des Pays-Bas a commencé à se déplacer de la Flandre (Bruges-Gand) au Brabant (Anvers-Bruxelles), même si Gand a continué à jouer un rôle important. Avec Bruges, la ville mène deux révoltes contre Maximilien d'Autriche, premier monarque de la maison des Habsbourg à gouverner la Flandre.
En 1500, Juana de Castille donne naissance à Charles Quint, qui devient empereur du Saint-Empire et roi d'Espagne. Bien que natif de Gand, il punit la ville après la révolte de Gand de 1539 et obligea les nobles de la ville à marcher pieds nus devant l'empereur avec un nœud coulant (néerlandais : « strop ») autour du cou ; depuis cet incident, les Gantois sont appelés « Stroppendragers » (porteurs de nœud coulant). L'abbaye Saint-Bavon a été abolie, démolie et remplacée par une forteresse pour les troupes royales espagnoles. Seule une petite partie de la cathédrale-abbaye a été épargnée par la démolition.
La fin du XVIe et le XVIIe siècles furent dévastateurs à cause de la guerre de Quatre-Vingts Ans. La guerre a mis fin au rôle de Gand en tant que centre d'importance internationale. En 1745, la ville fut prise par les forces françaises lors de la guerre de Succession d'Autriche avant d'être restituée à l'Empire d'Autriche de la maison de Habsbourg suite au traité d'Aix-la-Chapelle en 1748, lorsque cette partie de la Flandre devint connue sous le nom de les Pays-Bas autrichiens jusqu'en 1815, l'exil de l'empereur français Napoléon Ier, la fin de la Révolution française puis des guerres napoléoniennes et les traités de paix conclus par le Congrès de Vienne.
19ème siècle
Aux XVIIIe et XIXe siècles, l'industrie textile connaît un nouvel essor à Gand. Lieven Bauwens, après avoir fait sortir clandestinement d'Angleterre les plans de machines industrielles et d'usine, a introduit la première machine à tisser mécanique sur le continent européen en 1800.
Le traité de Gand, négocié ici et adopté la veille de Noël 1814, met officiellement fin à la guerre de 1812 (la phase nord-américaine des guerres napoléoniennes entre la Grande-Bretagne et les États-Unis). Après la bataille de Waterloo, Gand et la Flandre, auparavant gouvernées par la maison des Habsbourg à Vienne sous le nom de Pays-Bas autrichiens, sont devenues une partie du Royaume-Uni des Pays-Bas avec les Néerlandais du nord pendant 15 ans. Durant cette période, Gand fonda sa propre université (1816) et une nouvelle connexion avec la mer (1824-1827).
Après la Révolution belge, avec la perte de l'accès portuaire à la mer pendant plus d'une décennie, l'économie locale s'est effondrée et le premier syndicat belge est né à Gand. En 1913, une Exposition universelle eut lieu à Gand. En préparation de ces festivités, la gare de Saint-Pierre fut achevée en 1912.
20ième siècle
Gand a été occupée par les Allemands lors des deux guerres mondiales mais a échappé à de graves destructions. La vie du peuple et des envahisseurs allemands à Gand pendant la Première Guerre mondiale est décrite par H. Wandt dans "etappenleven te Gent". Au cours de la Seconde Guerre mondiale, la ville fut libérée par la 7e division blindée britannique des Rats du désert et les combattants belges locaux le 6 septembre 1944.
Géographie
Après les fusions de communes en 1965 et 1977, la ville est composée de :
*Je Gand
*II Mariakerke
*III Drongen
*IV Gemme du Monde
*V Saint-Amandsberg
*VI Oostakker
*VII Desteldonk
*VIII Mendonk
*IX Sint-Kruis-Winkel
*X Ledeberg
*XI Gentbrugge
*XIIe Coupe
*XIII Saint-Denis-Westrem
*XIV Zwijnaarde
Communes voisines
* Wachtebeke
*Lochristi
* Destelbergen
*Melle
*Merelbeke
* De Pinte
* Laethem-Saint-Martin
*Deinze
*Nevelé
* Lovendegem
* Evergemme
*Zelzate
Climat
Le climat de cette région présente de légères différences entre les hauts et les bas, et les précipitations sont adéquates toute l'année. Selon le système de classification climatique de Köppen, Gand bénéficie d'un climat marin de la côte ouest, abrégé « Cfb » sur les cartes climatiques.
Tourisme
Architecture
Une grande partie de l'architecture médiévale de la ville reste intacte et est remarquablement bien conservée et restaurée. Son centre est la plus grande zone sans voiture de Belgique. Les points forts intéressants sont la cathédrale Saint-Bavon avec le retable de Gand, le beffroi, le château des Comtes et la splendide architecture le long du vieux port de Graslei. Gand a établi un joli mélange entre confort de vie et histoire – ce n’est pas une ville-musée. La ville de Gand abrite également trois béguinages et de nombreuses églises dont l'église Saint-Jacques, l'église Saint-Nicolas et l'église Saint-Michel.
Au XIXe siècle, le plus célèbre architecte gantois, Louis Roelandt, a construit la salle universitaire Aula, l'opéra et le palais de justice principal. Les bâtiments universitaires (la Boekentoren ou Tour du Livre) de Henry Van de Velde sont les points forts de l'architecture moderne. Il y a aussi quelques théâtres de diverses époques.
Les béguinages, ainsi que le beffroi et la halle aux draps adjacente, ont été reconnus par l'UNESCO comme sites du patrimoine mondial en 1998 et 1999.
La Zebrastraat, une expérience sociale dans laquelle un site entièrement rénové allie habitat, économie et culture, se trouve également à Gand.
Musées
Les musées importants de Gand sont le Museum voor Schone Kunsten (Musée des Beaux-Arts), avec des peintures de Jérôme Bosch, Peter Paul Rubens et de nombreux maîtres flamands ; le SMAK ou Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Musée municipal d'art contemporain), avec des œuvres du XXe siècle, dont Joseph Beuys et Andy Warhol ; et le Design Museum Gent avec des chefs-d'œuvre de Victor Horta et Le Corbusier. La Huis van Alijn (Maison de la famille Alijn) était à l'origine un béguinage et est aujourd'hui un musée d'art populaire où sont présentés des spectacles de théâtre et de marionnettes pour enfants. Le Museum voor Industriële Archeologie en Textiel ou MIAT présente la force industrielle de Gand avec des reconstitutions d'ateliers et de magasins des années 1800 et des machines à filer et à tisser originales qui subsistent de l'époque où le bâtiment était une usine de tissage. Le Musée de la Ville de Gand (Stadsmuseum, en abrégé STAM) s'engage à enregistrer et à expliquer le passé de la ville et de ses habitants, ainsi qu'à préserver le présent pour les générations futures.
Restaurants et traditions culinaires
À Gand et dans d'autres régions de Flandre orientale, les boulangeries vendent un petit pain en forme de beignet appelé "mastel" (pluriel "mastellen"), qui est essentiellement un bagel. Les "Mastellen" sont aussi appelés "pain de Saint Hubert", car le jour de la fête du Saint, soit le 3 novembre, les boulangers apportent leurs fournées à la messe du début pour être bénies. Traditionnellement, on pensait que les mastellens bénis immunisaient contre la rage.
D'autres spécialités locales sont les chocolats pralinés des producteurs locaux tels que Leonidas, les cuberdons ou 'neuzekes' ("nez"), des bonbons fourrés à la gelée violette en forme de cône, les "babeluten" ("babillards"), des bonbons durs ressemblant à du caramel au beurre, et bien sûr, du côté le plus fougueux, la fameuse « Tierenteyn », une moutarde piquante mais raffinée qui a quelques affinités avec la moutarde française « Dijon ».
La Stoverij est un ragoût de viande flamand classique, de préférence préparé avec un généreux ajout de « Trappist » brune (bière d'abbaye forte) et servi avec des frites. Le « Waterzooi » est un ragoût local à base de poisson d'eau douce pêché dans les rivières et les ruisseaux de Gand, mais de nos jours, il est souvent préparé avec du poulet au lieu du poisson. Il est généralement servi à la manière de la nouvelle cuisine et sera complété par une grande marmite à côté.
La ville promeut une journée sans viande le jeudi appelée Donderdag Veggiedag, avec la promotion de la nourriture végétarienne dans les cantines publiques pour les fonctionnaires et les conseillers élus, dans toutes les écoles financées par la ville, et la promotion d'options de restauration végétarienne dans la ville (par le biais de la distribution de « légumes de rue »). Plans"). Cette campagne est liée à la reconnaissance des effets environnementaux néfastes de la production de viande, qui, selon l'Organisation des Nations Unies pour l'alimentation et l'agriculture, représente près d'un cinquième des émissions mondiales de gaz à effet de serre.
Gand possède le plus grand nombre de restaurants végétariens par habitant au monde.
Festivités
La ville accueille de grands événements culturels tels que les Gentse Feesten, I Love Techno in Flanders Expo, le festival musical "10 Days Off", le Festival International du Film de Gand (avec les World Soundtrack Awards) et le . De plus, tous les cinq ans, une immense exposition botanique (Gentse Floraliën) a lieu à Flanders Expo à Gand, attirant de nombreux visiteurs dans la ville.
La Fête des Flandres a célébré son 50ème anniversaire en 2008. À Gand, elle s'ouvre avec les festivités de la ville d'OdeGand qui ont lieu le deuxième samedi de septembre. Une cinquantaine de concerts ont lieu dans divers lieux du centre-ville médiéval et quelque 250 artistes internationaux se produisent. D'autres grandes villes flamandes organisent des manifestations similaires, toutes intégrées au Festival de Flandre (Anvers avec Laus Polyphoniae ; Bruges avec MAfestival ; Bruxelles avec KlaraFestival ; Limbourg avec Basilique, Malines et Brabant avec Novecento et Transit).
Nature
Les nombreux parcs de la ville peuvent également être considérés comme des attractions touristiques. Gand possède notamment une réserve naturelle (Bourgoyen-Ossemeersen, 230 hectares) et un parc de loisirs (Blaarmeersen, 87 hectares).
Économie
Le port de Gand, au nord de la ville, est le troisième plus grand port de Belgique. On y accède par le canal Gand-Terneuzen, qui se termine près du port néerlandais de Terneuzen sur l'Escaut occidental. Le port abrite, entre autres, de grandes entreprises comme ArcelorMittal, Volvo Cars, Volvo Trucks, Volvo Parts, Honda et Stora Enso.
L'Université de Gand et plusieurs entreprises orientées vers la recherche sont situées dans la partie centrale et méridionale de la ville, comme Ablynx, Innogenetics, Cropdesign, Bayer Cropscience.
En tant que plus grande ville de Flandre orientale, Gand compte de nombreux hôpitaux, écoles et rues commerçantes. Flanders Expo, la plus grande salle événementielle de Flandre et la deuxième de Belgique, se trouve également à Gand. Le tourisme devient un employeur majeur dans la région.
Transport
Gand, l'une des plus grandes villes de Belgique, dispose d'un système de transport très développé.
Route
En voiture la ville est accessible via deux autoroutes :
*L'E40 : relie Gand à Bruges et Ostende à l'ouest, et à Bruxelles, Louvain et Liège à l'est.
*L'E17 : relie Gand à Saint-Nicolas et Anvers au nord, et à Courtrai et Lille au sud.
Gand dispose également de deux ring :
*La R4 : relie la périphérie de Gand entre elles et les villages environnants et mène également aux routes E40 et E17.
*La R40 : relie les différents quartiers du centre-ville entre eux et permet d'accéder aux principales avenues.
Rail
La commune de Gand comprend cinq gares :
*Gare Gand-Sint-Pieters : une gare ferroviaire internationale avec des liaisons vers Bruges, Bruxelles, Anvers, Courtrai, d'autres villes belges et Lille. La gare offre également une connexion directe avec l'aéroport de Bruxelles.
*Gare Gand-Dampoort : une gare interurbaine avec des liaisons vers Saint-Nicolas, Anvers, Courtrai et Eeklo.
*Gare de Gentbrugge : une gare régionale située entre les deux gares principales, Sint-Pieters et Dampoort.
*Gare de Wondelgem : une gare régionale avec des liaisons vers Eeklo une fois par heure.
*Gare de Drongen : une gare ferroviaire régionale située dans le village de Drongen avec des liaisons vers Bruges une fois par heure.
Transport public
Gand dispose d'un vaste réseau de lignes de transports publics, exploitées par De Lijn.
Tramways
*Ligne 1 : Flanders Expo – Station Sint-Pieters – Korenmarkt (centre-ville) – Evergem
*Ligne 4 : (UZ Gent -) Gare Saint-Pierre – Muide – Korenmarkt (centre-ville) – Sud – Moscou
*Ligne 21 : (Zwijnaarde Hekers -) Zwijnaardebrug – UZ – Sint-Pieters-Station – Zonnestraat (centre-ville) – Zuid – Melle Leeuw
*Ligne 22 : (Zwijnaarde Hekers -) Zwijnaardebrug – UZ – Sint-Pieters-Station – Zonnestraat (centre-ville) – Sud – Gentbrugge
*Ligne 24 : Station Sint-Pieters – Korenmarkt – Zuid – Melle Leeuw
Les autobus
*Ligne 3 : Mariakerke – Korenmarkt (centre-ville) – Station Dampoort – Gentbrugge (anciennement ligne de trolleybus ; voir photo ci-dessous)
*Ligne 5 : Van Beverenplein – Sint-Jacobs (centre-ville) – Sud – UZ – Zwijnaarde
*Ligne 6 : Piste nautique – Sud – Station Dampoort – Wondelgem – Mariakerke
*Ligne 9 : Mariakerke – Malem – Gare Saint-Pierre – Gentbrugge
*Ligne 17/18 : Drongen – Korenmarkt (centre-ville) – Station Dampoort – Oostakker
*Ligne 38/39 : Blaarmeersen – Korenmarkt (centre-ville) – Station Dampoort – Sint-Amandsberg
À la gare Saint-Pierre et à la gare routière Zuid, il y a également plusieurs bus régionaux.
Vélo
Gand possède la plus grande zone cyclable d'Europe, avec près de 700 pistes cyclables et plus de 700 rues à sens unique, où les vélos sont autorisés à circuler à contre-courant. On y trouve également la première rue cyclable de Belgique, où les voitures sont considérées comme des « invités » et doivent rester derrière les cyclistes.
Des sports
Dans la première division belge de football, Gand est représenté par K.A.A. Gand, qui est devenu champion de Belgique de football pour la première fois de son histoire en 2015. Un autre club de football gantois est le KRC Gent-Zeehaven, évoluant en quatrième division belge. Un match de football aux Jeux olympiques d'été de 1920 a eu lieu à Gand.[http://www.fifa.com/tournaments/archive/tournament512/edition
197008/matches/match=32276/report.html Coupe des Confédérations de la FIFA - Tournoi Olympique de Football Anvers 1920 - FIFA.com]
Les Six Jours de Flandre, une course cycliste sur piste de six jours, ont lieu chaque année au vélodrome de Kuipke à Gand. En cyclisme sur route, la ville accueille le départ et l'arrivée de l'Omloop Het Nieuwsblad, la traditionnelle course d'ouverture de la saison des classiques pavées. Elle prête également son nom à une autre classique pavée, Gent – Wevelgem, bien que la course commence désormais dans la ville voisine de Deinze.
La ville accueille chaque année un événement d'athlétisme de l'IAAF dans la Flanders Sports Arena : le Indoor Flanders meeting. Le double champion olympique Hicham El Guerrouj a établi un record du monde toujours en vigueur en 3:48,45 au mile run en 1997.
La Flanders Sports Arena a accueilli la finale de la Coupe Davis 2015 entre la Belgique et la Grande-Bretagne.
Des personnes célèbres
*Saint Bavon, saint patron de Gand (589-654)
*Saint Livin de Gand, (580-657)
*Henri de Gand, philosophe scolastique (vers 1217 – 1293)
*Jacob van Artevelde, homme d'État et leader politique (vers 1290 – 1345)
*Jean de Gand, 1er duc de Lancastre (1340-1399)
*Jan van Eyck, peintre (vers 1385 – 1441)
*Hugo van der Goes, peintre (vers 1440 – 1482)
*Alexandre Agricola, compositeur franco-flamand de la Renaissance (1445 ou 1446 – 15 août 1506)
*Jacob Obrecht, compositeur de la Renaissance (vers 1457 – 1505)
*Pedro de Gante, missionnaire franciscain au Mexique (vers 1480 – 1572)
*Charles V, empereur du Saint-Empire, Karel V, Charles Quint (1500-1558)
*Cornelius Canis, compositeur de la Renaissance, directeur musical de la chapelle de Charles Quint dans les années 1540-1550
*Daniel Heinsius, spécialiste de la Renaissance néerlandaise (1580-1655)
*Caspar de Crayer, peintre (1582-1669)
*Josse Boutmy, compositeur, organiste et claveciniste (1697-1779)
*Frans de Potter, écrivain (1834-1904)
*Jan Frans Willems, écrivain (1793-1846)
*Joseph Guislain, médecin (1797-1860)
*Hippolyte Metdepenningen, avocat et homme politique (1799-1881)
*Louis XVIII de France fut exilé à Gand pendant les Cent Jours en 1815
*Charles John Seghers, pasteur et missionnaire jésuite (1839-1886)
*Victor Horta, architecte Art nouveau (1861-1947)
*Maurice Maeterlinck, poète, dramaturge, essayiste, prix Nobel de littérature (1862-1949)
*Frans Rens, écrivain (1805-1874)
*Leo Baekeland, chimiste et inventeur de la bakélite (1863-1944)
*Pierre Louÿs, poète et écrivain romantique (1870-1925)
*Marthe Boël, féministe (1877-1956)
*Karel van de Woestijne, écrivain (1878-1929)
*Corneille Jean François Heymans, physiologiste et lauréat du prix Nobel de physiologie ou médecine (1892-1968)
*Gustave Van de Woestijne, peintre (1881-1947)
*Suzanne Lilar, essayiste, romancière et dramaturge (1901-1992)
*Willy De Clercq, homme politique libéral et commissaire européen (1927-2011)
*Jacques Rogge, ancien président du CIO (né en 1942)
*Patrick Sercu, cycliste sur piste belge (né en 1944)
*Soulwax & 2 Many DJs, groupe électronique/rock dirigé par David et Stephen Dewaele
*Gabriel Ríos, musicien (né en 1978)
*Cédric Van Branteghem, athlète (né en 1979)
*Bradley Wiggins, cycliste britannique (né en 1980)
*Kevin De Bruyne, footballeur professionnel (né en 1991)
*Gaelle Mys, gymnaste olympique (née en 1991)
*Tiesj Benoot, cycliste (né en 1994)
*Xavier Henry, shooteur/petit attaquant des Lakers de Los Angeles de la NBA (né en 1995)
Relations internationales
Villes jumelles – villes sœurs
Gand est jumelée avec : | http://quiz4free.com/ |
Qui est l'auteur des « 39 marches » ? | John Buchan | [
"Les 39 marches est un thriller britannique de 1935 réalisé par Alfred Hitchcock, avec Robert Donat et Madeleine Carroll. Très vaguement basé sur le roman d'aventures de 1915 Les trente-neuf marches de John Buchan, le film raconte l'histoire d'un civil ordinaire à Londres, Richard Hannay, qui se retrouve mêlé à empêcher une organisation d'espions appelée Les 39 marches de voler des secrets militaires britanniques. Après avoir été accusé à tort du meurtre d'un agent de contre-espionnage, Hannay s'enfuit en Écosse avec une jolie femme dans l'espoir d'arrêter le réseau d'espionnage et de laver son nom.",
"L'intrigue du film s'écarte considérablement du roman de John Buchan, avec des scènes comme au music-hall et sur le pont du Forth absentes du livre. Hitchcock a également présenté les deux personnages féminins majeurs, Annabella l'espionne et Pamela, la compagne réticente. Dans ce film, Les 39 Marches font référence à l'organisation clandestine, alors que dans le livre et les autres versions cinématographiques, elles font référence à des démarches physiques, les espions allemands étant appelés « La Pierre Noire ». En demandant à Annabella de dire à Hannay qu'elle voyage pour rencontrer un homme en Écosse (et de produire une carte avec la maison Alt-na-Shellach encerclée), Hitchcock évite la coïncidence du roman de Buchan où Hannay, avec tout le pays dans lequel se cacher, a la chance de marcher. dans la seule maison où vit le chef des espions."
] | Les 39 marches est un thriller britannique de 1935 réalisé par Alfred Hitchcock, avec Robert Donat et Madeleine Carroll. Très vaguement basé sur le roman d'aventures de 1915 Les trente-neuf marches de John Buchan, le film raconte l'histoire d'un civil ordinaire à Londres, Richard Hannay, qui se retrouve mêlé à empêcher une organisation d'espions appelée Les 39 marches de voler des secrets militaires britanniques. Après avoir été accusé à tort du meurtre d'un agent de contre-espionnage, Hannay s'enfuit en Écosse avec une jolie femme dans l'espoir d'arrêter le réseau d'espionnage et de laver son nom.
Parcelle
Dans un théâtre de music-hall de Londres, Richard Hannay (Robert Donat) assiste à une démonstration des pouvoirs superlatifs de rappel de « M. Memory » (Wylie Watson) lorsque des coups de feu sont tirés. Dans la panique qui s'ensuit, Hannay se retrouve dans les bras d'Annabella Smith (Lucie Mannheim), apparemment effrayée, qui le convainc de la ramener dans son appartement. Là, elle lui dit qu'elle est une espionne, poursuivie par des assassins, et qu'elle a découvert un complot visant à voler des informations militaires britanniques vitales, orchestré par un homme dont l'articulation supérieure a disparu d'un de ses doigts. Elle évoque les « 39 Étapes », mais n’en explique pas la signification.
Plus tard dans la nuit, Smith fait irruption dans la chambre de Hannay, mortellement poignardé, et l'avertit de fuir. Il trouve une carte des Highlands écossais dans sa main, montrant la zone autour de Killin, avec une maison ou une ferme nommée "Alt-na-Shellach" encerclée. Il se faufile hors de l'appartement surveillé déguisé en laitier et monte à bord du train express Flying Scotsman à destination de l'Écosse. Il apprend dans un journal qu'il est la cible d'une chasse à l'homme à l'échelle nationale pour le meurtrier de Smith. Lorsqu'il voit la police fouiller le train, il entre dans un compartiment et embrasse la seule occupante, Pamela (Madeleine Carroll), dans une tentative désespérée d'échapper à la détection. Elle se libère de son étreinte indésirable et alerte les policiers, qui arrêtent le train sur le Forth Bridge. Hannay s'échappe cependant.
Il marche vers Alt-na-Shellach, passant la nuit dans la maison d'un pauvre fermier (John Laurie) et de sa femme beaucoup plus jeune (Peggy Ashcroft). Tôt le lendemain matin, elle voit une voiture de police approcher et prévient Hannay. Hannay s'enfuit, portant le manteau du fermier. Sur un pont, il trouve un panneau indiquant Alt-na-Shellach. Il arrive chez le professeur Jordan (Godfrey Tearle), apparemment respectable, et est admis après avoir déclaré qu'il avait été envoyé par Anabella Smith. La police arrive, mais Jordan les renvoie et écoute l'histoire d'Hannay. Jordan révèle alors qu'il lui manque une partie d'un doigt ; il tire sur Hannay et le laisse pour mort.
Heureusement, la balle est arrêtée par le livre de cantiques du fermier dans la poche du manteau. Hannay se rend en ville et se rend chez le shérif, qui ne croit pas à l'histoire du fugitif car il connaît bien Jordan. Le poignet droit de Hannay est menotté, mais il saute par une fenêtre et s'échappe en se joignant à une marche à travers la ville. Il tente de se cacher lors d'une réunion politique et est pris pour l'orateur introductif. Il prononce un discours improvisé enthousiasmant – sans rien savoir du candidat qu'il présente – mais est reconnu par Pamela, qui l'abandonne une fois de plus. Il est emmené par des « policiers » qui demandent à Pamela de les accompagner. Ils passent devant le poste de police, affirmant qu'ils ont l'ordre de se rendre directement à Inveraray, mais Hannay se rend compte qu'ils sont des agents du complot lorsqu'ils prennent la mauvaise route. Lorsque les hommes sortent pour disperser un troupeau de moutons bloquant la route, Hannay s'échappe, entraînant Pamela (à qui il est menotté) contre son gré.
Ils traversent la campagne et passent la nuit dans une auberge. Pendant qu'il dort, Pamela parvient à échapper aux menottes, mais surprend ensuite l'un des faux policiers au téléphone, confirmant les affirmations d'Hannay. Elle retourne dans la chambre et dort sur un canapé. Le lendemain matin, elle lui raconte ce qu'elle a entendu. Il l'envoie à Londres pour alerter la police. Cependant, aucun document secret n'a été porté disparu, ils ne la croient donc pas. Au lieu de cela, ils la suivent.
Pamela les conduit au London Palladium. Lorsque M. Memory est présenté, Hannay reconnaît son thème musical, la mélodie ennuyeuse et entraînante qu'il n'a pas pu oublier depuis des jours. Hannay se rend compte que les espions utilisent M. Memory pour faire passer les secrets en contrebande. Alors que la police l'arrête, il crie : « Quelles sont les 39 étapes ? » M. Memory répond compulsivement : "Les 39 Étapes sont une organisation d'espions, collectant des informations pour le compte du ministère des Affaires étrangères de..." Jordan lui tire dessus et tente de fuir, mais est appréhendé. M. Memory, mourant, récite les informations stockées dans son cerveau - la conception d'un moteur d'avion silencieux - et peut ensuite mourir paisiblement en disant "Je suis content que cela ne me soit plus venu à l'esprit".
Le film se fond à une image des mains jointes de Hannay et Pamela alors qu'elles se tiennent sur le côté de la scène tandis que la ligne de chœur introduite à la hâte danse sur une version orchestrée de la chanson de Jessie Matthews " Tinkle Tinkle Tinkle ".
(Hitchcock avait travaillé avec Jessie Matthews sur le film « Waltzes From Vienna » et ne l'aurait pas beaucoup aimé, mais en plus de la musique en fondu de « The 39 Steps », il a également utilisé une version orchestrée de sa chanson. "Puis-je avoir la prochaine romance avec toi" dans la séquence de bal de son film "Jeune et innocent".)
Casting
* Robert Donat dans le rôle de Richard Hannay
* Madeleine Carroll dans le rôle de Pamela
* Lucie Mannheim dans le rôle d'Annabella Smith
* Godfrey Tearle dans le rôle du professeur Jordan
* Peggy Ashcroft dans le rôle de Margaret, la femme du fermier
* John Laurie dans le rôle de John, le fermier
* Helen Haye dans le rôle de Mme Louisa Jordan, l'épouse du professeur
* Frank Cellier dans le rôle du shérif Watson
* Wylie Watson dans le rôle de M. Memory
* Gus McNaughton en tant que voyageur commercial
* Jerry Verno en tant que voyageur commercial
* Peggy Simpson comme femme de chambre
* Matthew Boulton dans le rôle du faux policier
Adaptation
Le scénario a été initialement écrit par Charles Bennett, qui a préparé le traitement initial en étroite collaboration avec Hitchcock ; Ian Hay a ensuite écrit quelques dialogues.
L'intrigue du film s'écarte considérablement du roman de John Buchan, avec des scènes comme au music-hall et sur le pont du Forth absentes du livre. Hitchcock a également présenté les deux personnages féminins majeurs, Annabella l'espionne et Pamela, la compagne réticente. Dans ce film, Les 39 Marches font référence à l'organisation clandestine, alors que dans le livre et les autres versions cinématographiques, elles font référence à des démarches physiques, les espions allemands étant appelés « La Pierre Noire ». En demandant à Annabella de dire à Hannay qu'elle voyage pour rencontrer un homme en Écosse (et de produire une carte avec la maison Alt-na-Shellach encerclée), Hitchcock évite la coïncidence du roman de Buchan où Hannay, avec tout le pays dans lequel se cacher, a la chance de marcher. dans la seule maison où vit le chef des espions.
Production
Les 39 marches était un film britannique majeur de son époque. La société de production Gaumont-British était désireuse d'implanter ses films sur les marchés internationaux, et notamment aux États-Unis, et The 39 Steps a été conçue comme un véhicule privilégié à cette fin. Alors que le film précédent d'Hitchcock, L'Homme qui en savait trop, coûtait 40 000 £, Les 39 marches coûtaient près de 60 000 £. Une grande partie de l'argent supplémentaire a été consacrée aux salaires des stars de Robert Donat et de Madeleine Carroll. Tous deux avaient déjà tourné à Hollywood et étaient donc connus du public américain. À une époque où le cinéma britannique comptait peu de stars internationales, cela était considéré comme essentiel au succès du film. Hitchcock a entendu l'industriel écossais et pionnier de l'aviation James G. Weir se rendre quotidiennement au travail dans un autogyre et a intégré l'avion dans le film.
Réception
Il a été élu meilleur film britannique de 1935.
C'était le 17e film le plus populaire au box-office britannique en 1935-36.
Des quatre versions cinématographiques majeures du roman, le film d’Hitchcock a été le plus acclamé. En 1999, le British Film Institute l'a classé quatrième meilleur film britannique du XXe siècle ; en 2004, Total Film l'a nommé 21e plus grand film britannique jamais réalisé et, en 2011, l'a classé deuxième meilleure adaptation livre-film de tous les temps.
Éléments hitchcockiens
Les 39 marches est le deuxième film (après le film muet The Lodger) d'une lignée de films d'Hitchcock basés sur un innocent forcé de fuir, notamment Saboteur (1942) et North by Northwest (1959).
Camée d'Alfred Hitchcock : un événement emblématique dans la plupart des films d'Hitchcock. Vers le début du film, on peut voir Hitchcock et le scénariste Charles Bennett passer devant un bus que Robert Donat et Lucie Mannheim montent à l'extérieur du music-hall. Le bus emprunte la route numéro 25 de London Transport, qui part d'Oxford Street en passant par l'East End et jusqu'à Leytonstone. Comme le souligne Glancy, ce terrain était familier à Hitchcock, qui a vécu à Leytonstone puis à Stepney (dans l'East End) dans sa jeunesse. L'apparition du réalisateur peut donc être considérée comme une affirmation de son attachement au territoire, mais il ne le romantise en aucun cas. Alors que le bus arrive, il jette un paquet de cigarettes par terre.
Hitchcock est également brièvement vu comme un membre du public se précipitant pour quitter le music-hall.
après le coup de feu dans la scène d'ouverture.
Au milieu du film, Hannay reçoit une balle dans la poitrine avec un revolver à bout portant, et un long fondu suggère qu'il a été tué. Ce développement étrangement inhabituel – le personnage principal est apparemment tué alors que l'histoire se déroule encore – anticipe le Psycho d'Hitchcock (1960) et le meurtre de Marion Crane au Bates Motel. Hannay, cependant, n’était pas vraiment mort. Dans la scène suivante, il est révélé qu'un livre de cantiques dans la poche de son manteau a empêché la balle de le tuer.
Le film a établi la quintessence de la « blonde hitchcockienne » anglaise, Madeleine Carroll, comme modèle pour sa succession de grandes dames glaciales et élégantes. À propos des héroïnes d'Hitchcock telles qu'incarnées par Carroll, le critique de cinéma Roger Ebert a écrit : « Les personnages féminins de ses films reflétaient encore et encore les mêmes qualités : elles étaient blondes. fétichisme. Ils hypnotisaient les hommes, qui avaient souvent des handicaps physiques ou psychologiques, tôt ou tard, chaque femme hitchcockienne était humiliée.
Adaptations à d'autres médias
* La version cinématographique des 39 marches d'Hitchcock a été adaptée en pièce radiophonique sur le Lux Radio Theatre le 13 décembre 1937, avec Robert Montgomery et Ida Lupino.
* Herbert Marshall a joué dans une adaptation des 39 étapes en suspens à la radio, le 3 mars 1952.
* La comédie scénique du West End et de Broadway, The 39 Steps, créée pour la première fois en 2005, est principalement adaptée de l'intrigue du film d'Hitchcock.
* Les 39 marches ont été refaites par la BBC en 2008, avec Rupert Penry-Jones, Lydia Leonard, Patrick Malahide et Eddie Marsan.
*Dans le segment Sesame Street "Monsterpiece Theatre", Alistair Cookie (Cookie Monster) présente au public le film à suspense "Les 39 escaliers" ("Par un gars nommé Alfred..."). Grover, dans un décor de film noir, monte une série d'escaliers en comptant chacun au fur et à mesure qu'il monte. Une fois arrivé au sommet, il trouve un mur de briques. Au lieu de redescendre, Grover glisse le long de la rampe.
*Dans le chapitre 10 de « The Catcher in the Rye » de J.D. Salinger, le protagoniste Holden Caulfield raconte l'admiration que lui et sa jeune sœur Phoebe ont pour le film : « Son [film] préféré est Les 39 marches, cependant, avec Robert Donat. Elle connaît tout ce foutu film par cœur, parce que je l'ai emmené voir une dizaine de fois quand le vieux Donat arrive dans cette ferme écossaise, par exemple, quand il fuit les flics et tout, Phoebe. Je dirai à voix haute dans le film - juste au moment où le Scotch sur la photo le dit - "Peux-tu manger le hareng ? Elle connaît tout ce qui se passe par cœur..."
Statut du droit d'auteur
Le 18 janvier 2012, la Cour suprême des États-Unis a statué que la clause relative au droit d'auteur de la Constitution américaine n'empêche pas les États-Unis de respecter leurs obligations conventionnelles en matière de protection du droit d'auteur pour les œuvres étrangères. À la suite de cette décision, des films notables tels que Les 39 marches et Le Troisième homme (1949) ont été retirés du domaine public et ont été entièrement protégés par la loi américaine sur le droit d'auteur. Malgré cela, des versions du film continuent de circuler sur Internet.
Les droits du film appartiennent actuellement à Metro-Goldwyn-Mayer. | http://quiz4free.com/ |
Quelle plante appelle-t-on souvent « Busy Lizzie » ? | Impatiens | [
"Impatiens walleriana (syn. Impatiens sultanii), également connue sous le nom de Lizzie occupée (Royaume-Uni), baume, sultane ou simplement impatiens, est une espèce du genre Impatiens, originaire d'Afrique de l'Est, du Kenya au Mozambique. C'est une plante herbacée vivace à fleurs atteignant 15 cm de haut, avec de larges feuilles lancéolées de 3 à 12 cm de long et 2 à 5 cm de large. Les feuilles sont pour la plupart alternes, bien qu'elles puissent être opposées près du sommet de la plante. Les fleurs sont abondamment portées, de 2 à 5 cm de diamètre, avec cinq pétales et un éperon de 1 cm. La gousse explose à maturité de la même manière que les autres espèces d'Impatiens, une adaptation évolutive pour la dispersion des graines. Les tiges sont semi-succulentes et toutes les parties de la plante (feuilles, tiges, fleurs, racines) sont molles et facilement endommagées.",
"Le mildiou de l'Impatiens s'est largement répandu ces dernières années et a gravement porté atteinte à la production commerciale des hybrides d'I. walleriana."
] | Impatiens walleriana (syn. Impatiens sultanii), également connue sous le nom de Lizzie occupée (Royaume-Uni), baume, sultane ou simplement impatiens, est une espèce du genre Impatiens, originaire d'Afrique de l'Est, du Kenya au Mozambique. C'est une plante herbacée vivace à fleurs atteignant 15 cm de haut, avec de larges feuilles lancéolées de 3 à 12 cm de long et 2 à 5 cm de large. Les feuilles sont pour la plupart alternes, bien qu'elles puissent être opposées près du sommet de la plante. Les fleurs sont abondamment portées, de 2 à 5 cm de diamètre, avec cinq pétales et un éperon de 1 cm. La gousse explose à maturité de la même manière que les autres espèces d'Impatiens, une adaptation évolutive pour la dispersion des graines. Les tiges sont semi-succulentes et toutes les parties de la plante (feuilles, tiges, fleurs, racines) sont molles et facilement endommagées.
Cultivation
Bien que vivace dans des conditions de croissance à l’abri du gel, elle est généralement traitée comme une plante annuelle semi-rustique dans les régions tempérées (bien que les plantes cultivées en pot puissent hiverner avec succès à l’intérieur). Il est couramment cultivé dans les parcs et jardins, généralement en conteneurs mais également en massifs. La multiplication se fait par graines ou par boutures de tiges (qui s'enracinent souvent facilement dans l'eau). De nombreux cultivars dans une gamme de couleurs allant du blanc au violet sont largement disponibles dans le commerce, sous forme de graines ou de jeunes plants. Ils comprennent les éléments suivants : -
La série Super Elfin est le groupe de cultivars commerciaux principalement disponibles. Ce groupe d'impatients a été élevé par Claude Hope au Costa Rica. M. Hope a développé cette espèce à partir de sa forme sauvage indigène pour en faire l'une des plantes à massifs les plus populaires au monde.
Ravageurs et maladies
Le mildiou de l'Impatiens s'est largement répandu ces dernières années et a gravement porté atteinte à la production commerciale des hybrides d'I. walleriana. | http://quiz4free.com/ |
Dans quel pays se trouve les Alpes du Sud ? | Nouvelle-Zélande | [
"Les Alpes du Sud (Māori : Kā Tiritiri o te Moana) sont une chaîne de montagnes s'étendant sur une grande partie de l'île du Sud de la Nouvelle-Zélande, atteignant ses plus grandes élévations près du côté ouest de l'île. Le terme « Alpes du Sud » fait généralement référence à l'ensemble de la chaîne, bien que des noms distincts soient donnés à bon nombre des plus petites chaînes qui en font partie.",
"Les Alpes du Sud s'étendent sur 500 km du nord au sud. Leur plus haut sommet est Aoraki / Mount Cook, le point culminant de Nouvelle-Zélande à 3 724 m et il y a seize autres points dans la chaîne qui dépassent les 3 000 m de hauteur. Les montagnes sont traversées de vallées glaciaires et de lacs. Selon un inventaire réalisé à la fin des années 1970, les Alpes du Sud contenaient plus de 3 000 glaciers de plus d'un hectare, dont le plus long – le glacier Tasman – mesure 29 kilomètres en direction du lac Pukaki. Une chaîne de lacs glaciaires se trouve sur le côté est de la crête, depuis le lac Coleridge au nord jusqu'au lac Wakatipu à Otago au sud."
] | Les Alpes du Sud (Māori : Kā Tiritiri o te Moana) sont une chaîne de montagnes s'étendant sur une grande partie de l'île du Sud de la Nouvelle-Zélande, atteignant ses plus grandes élévations près du côté ouest de l'île. Le terme « Alpes du Sud » fait généralement référence à l'ensemble de la chaîne, bien que des noms distincts soient donnés à bon nombre des plus petites chaînes qui en font partie.
L'aire de répartition comprend la ligne de partage principale de l'île du Sud, qui sépare les bassins versants de la partie orientale la plus peuplée de l'île de ceux de la côte ouest. Politiquement, le Main Divide forme la frontière entre les régions de Canterbury et de la côte ouest.
Localisation et description
Les Alpes du Sud s'étendent sur 500 km du nord au sud. Leur plus haut sommet est Aoraki / Mount Cook, le point culminant de Nouvelle-Zélande à 3 724 m et il y a seize autres points dans la chaîne qui dépassent les 3 000 m de hauteur. Les montagnes sont traversées de vallées glaciaires et de lacs. Selon un inventaire réalisé à la fin des années 1970, les Alpes du Sud contenaient plus de 3 000 glaciers de plus d'un hectare, dont le plus long – le glacier Tasman – mesure 29 kilomètres en direction du lac Pukaki. Une chaîne de lacs glaciaires se trouve sur le côté est de la crête, depuis le lac Coleridge au nord jusqu'au lac Wakatipu à Otago au sud.
Les colonies comprennent Maruia Springs, un spa près de Lewis Pass, la ville d'Arthur's Pass et certaines stations balnéaires au bord du lac.
Les Alpes du Sud furent nommées par le capitaine Cook le 23 mars 1770, qui décrivit leur « hauteur prodigieuse ». Ils avaient déjà été remarqués par Abel Tasman en 1642, dont la description de la côte ouest de l'île du Sud est souvent traduite par « une terre élevée ».
Le climat est froid avec de la neige et de la glace toute l'année aux points les plus élevés.
En raison de son orientation perpendiculaire aux vents dominants d’ouest, la plage crée d’excellentes conditions de survol des vagues pour les pilotes de planeurs. La ville d'Omarama, située à l'abri des montagnes, a acquis une réputation internationale pour ses conditions de glisse. Les vents d'ouest dominants créent également un phénomène météorologique connu sous le nom d'arc du Nord-Ouest, dans lequel l'air humide est poussé au-dessus des montagnes, formant un arc de nuages dans un ciel par ailleurs bleu. Ce phénomène météorologique est fréquemment visible en été à Canterbury et North Otago. Le « Nor'wester » est un vent de foehn semblable au Chinook du Canada, où les chaînes de montagnes situées sur le chemin des vents dominants chargés d'humidité forcent l'air vers le haut, refroidissant ainsi l'air et condensant l'humidité en pluie, produisant des vents chauds et secs dans le vent descendant. air sous le vent des montagnes.
Géologie
Les Alpes du Sud se situent le long d'une limite de plaque géologique, qui fait partie de la ceinture de feu du Pacifique, la plaque du Pacifique au sud-est poussant vers l'ouest et entrant en collision avec la plaque indo-australienne se déplaçant vers le nord au nord-ouest. Au cours des 45 derniers millions d’années, la collision a soulevé une épaisseur de roches de 20 km sur la plaque Pacifique pour former les Alpes, même si une grande partie a été érodée. Le soulèvement a été le plus rapide au cours des 5 derniers millions d'années, et les montagnes continuent aujourd'hui d'être soulevées par la pression tectonique, provoquant des tremblements de terre sur la faille alpine et d'autres failles voisines. Malgré le soulèvement important, la majeure partie du mouvement relatif le long de la faille alpine est transversale et non verticale.
Flore
Les montagnes sont riches en flore, avec environ 25 % des espèces végétales du pays se trouvant au-dessus de la limite des arbres dans les habitats végétaux alpins et les prairies avec des forêts de hêtres de montagne à basse altitude (du côté est mais pas dans le Westland). Les pentes froides balayées par les vents au-dessus de la limite forestière sont couvertes de zones de champs de neige. À l'est, les Alpes descendent jusqu'aux hautes prairies de Canterbury et d'Otago. Les plantes adaptées aux conditions alpines comprennent des arbustes ligneux comme Hebe, Dracophyllum et Coprosma, le conifère totara des neiges (Podocarpus nivalis) et les carex Carex.
Faune
La faune des montagnes comprend le troglodyte endémique (Xenicus gilviventris) et le kea, un grand perroquet qui était autrefois chassé comme nuisible. Il existe également un certain nombre d'insectes endémiques adaptés à ces hautes altitudes, notamment les mouches, les papillons nocturnes, les coléoptères et les abeilles. Les forêts de hêtres des basses altitudes constituent un habitat important pour deux oiseaux ; le kiwi tacheté (Apteryx haastii) et le kaka de l'île du Sud (Nestor meridionalis meridionalis).
Menaces et préservation
Les montagnes sont inaccessibles et conservent leur végétation naturelle. Une grande partie de l'aire de répartition est bien protégée dans le cadre de divers parcs nationaux, notamment le parc national de Westland Tai Poutini, le parc national du Mont Aspiring et le parc national Aoraki/Mount Cook ou de zones protégées telles que le parc forestier du lac Sumner. La vie végétale indigène est affectée par les animaux introduits tels que le cerf élaphe (Cervus elaphus), le chamois (Rupicapra rupicapra) et le tahr de l'Himalaya (Hemitragus jemlahicus), qui ont tous parfois été ciblés pour l'abattage, tandis que les oiseaux et les reptiles sont vulnérables aux espèces introduites. prédateurs.
Vue panoramique | http://quiz4free.com/ |
Qui fut le premier empereur de Rome ? | Auguste | [
"L'empereur romain était le dirigeant de l'État romain pendant la période impériale (à partir de 27 av. J.-C.). Les empereurs ont utilisé une variété de titres différents au cours de l’histoire. Souvent, lorsqu'un Romain donné est décrit comme devenant « empereur » en anglais, cela reflète le fait qu'il ait pris le titre d'Auguste ou de César. Un autre titre souvent utilisé était celui d'imperator, à l'origine un titre militaire honorifique. Les premiers empereurs utilisaient également le titre de princeps (premier citoyen). Les empereurs amassent fréquemment des titres républicains, notamment princeps Senatus, consul et Pontifex Maximus.",
"Les Romains considéraient la fonction d’empereur comme distincte de celle de roi. Le premier empereur, Auguste, refusa résolument d’être reconnu comme monarque. Même si Auguste pouvait affirmer que son pouvoir était authentiquement républicain, son successeur, Tibère, ne pouvait pas affirmer la même chose de manière convaincante. Néanmoins, pendant les trois cents premières années des empereurs romains, d’Auguste à Dioclétien, un grand effort a été fait pour souligner que les empereurs étaient les dirigeants d’une république.",
"Les historiens modernes considèrent classiquement Auguste comme le premier empereur tandis que Jules César est considéré comme le dernier dictateur de la République romaine, une vision trouvant ses origines dans les écrivains romains Plutarque, Tacite et Cassius Dio. Cependant, la majorité des écrivains romains, dont Josèphe, Pline le Jeune, Suétone et Appien, ainsi que la plupart des gens ordinaires de l’Empire, considéraient Jules César comme le premier empereur.",
"Jules César, puis Auguste après lui, accumulèrent les charges et les titres de la plus haute importance dans la République, rendant permanent le pouvoir attaché à ces fonctions et empêchant quiconque ayant des aspirations similaires d'accumuler ou de conserver le pouvoir pour lui-même. Cependant, Jules César, contrairement à ses successeurs, l'a fait sans le vote et l'approbation du Sénat.",
"En 27 avant JC, Octave comparut devant le Sénat et proposa de se retirer de la politique active et du gouvernement ; le Sénat non seulement lui demanda de rester, mais augmenta ses pouvoirs et les rendit permanents, lui attribuant le titre d'Auguste (l'élevé ou divin, un peu moins qu'un dieu mais s'approchant de la divinité). Auguste resta en fonction jusqu'à sa mort ; l'étendue de ses pouvoirs supérieurs en tant que princeps et empereur permanent des armées de Rome garantissait la continuation pacifique de ce qui restait nominalement une république. Sa « restauration » des pouvoirs au Sénat et au peuple de Rome était une démonstration de son auctoritas et de son pieux respect pour la tradition.",
"Certains historiens ultérieurs, comme Tacite, diront que même à la mort d'Auguste, la véritable restauration de la République aurait pu être possible. Au lieu de cela, Auguste a activement préparé son fils adoptif Tibère à être son successeur et a plaidé sa cause auprès du Sénat pour un héritage au mérite. Le Sénat a contesté la question mais a finalement confirmé Tibère comme princeps. Une fois au pouvoir, Tibère prit un soin considérable à observer les formes et la substance quotidienne du gouvernement républicain.",
"Les titres habituellement associés à la dignité impériale sont imperator (« commandant »), qui souligne la suprématie militaire de l'empereur et est à l'origine du mot anglais empereur ; César, qui était à l'origine un nom mais qui a fini par être utilisé pour l'héritier désigné (comme Nobilissimus Caesar, « Le plus noble César ») et a été conservé lors de son accession. Le titre de l'empereur au pouvoir était le descriptif Auguste (« majestueux » ou « vénérable », qui avait des teintes divines), qui fut adopté lors de son accession. En grec, ces trois titres étaient respectivement rendus par autokratōr (\"\"), kaisar (\"\") et augoustos (\"\") ou sebastos (\"\"). Dans la Tétrarchie de Dioclétien, les anciennetés traditionnelles étaient maintenues : « Auguste » était réservé aux deux empereurs supérieurs et « César » aux deux empereurs juniors – chacun déléguait une part de pouvoir et de responsabilité, mais chacun était un empereur en attente, si quelque chose arrivait. son aîné.",
"En 38 avant JC, Agrippa refusa un triomphe pour ses victoires sous le commandement d'Octave, et ce précédent établit la règle selon laquelle le princeps devait assumer à la fois le salut et le titre d'empereur. Il semble que dès lors Octave (plus tard le premier empereur Auguste) utilise imperator comme prénom (praenomen) : Imperator César et non César imperator. De là, le titre en est venu à désigner le pouvoir suprême et a été couramment utilisé dans ce sens. Othon fut le premier à imiter Auguste, mais ce n'est qu'avec Vespasien qu'imperator (empereur) devint le titre officiel sous lequel le souverain de l'Empire romain était connu.",
"Le mot princeps (pluriel principes), signifiant « premier », était un terme républicain utilisé pour désigner le(s) principal(s) citoyen(s) de l'État. Il s'agissait d'un titre purement honorifique sans devoirs ni pouvoirs. C'était le titre préféré de César Auguste car son utilisation implique uniquement la primauté, par opposition à un autre de ses titres, imperator, qui implique la domination. Princeps, en raison de sa connotation républicaine, était le plus souvent utilisé pour désigner l'empereur en latin (bien que la position constitutionnelle réelle de l'empereur était essentiellement « un pontifex maximus doté d'un pouvoir tribunicien et d'un imperium supplantant tous les autres ») car il était en accord avec la façade de l'empereur. la République restaurée ; le mot grec basileus (« roi ») a été modifié pour être synonyme d'empereur (et est principalement entré en faveur après le règne d'Héraclius) car les Grecs n'avaient aucune sensibilité républicaine et considéraient ouvertement l'empereur comme un monarque.",
"Revenant aux plus anciennes traditions de partage du travail dans la république, Dioclétien établit cependant au sommet de cette nouvelle structure la Tétrarchie (« règle de quatre ») dans le but d'assurer une succession plus fluide et une plus grande continuité du gouvernement. Sous la Tétrarchie, Dioclétien a mis en place un système de co-empereurs, appelés « Auguste », et d'empereurs juniors, appelés « César ». Lorsqu'un co-empereur prenait sa retraite (comme Dioclétien et son co-empereur Maximien l'ont fait en 305) ou mourait, un « César » junior lui succéderait et les co-empereurs nommeraient de nouveaux Césars selon les besoins.",
"*Auguste : (également \"\" ou \"\"), \"Majestic\" ou \"Venable\" ; un cognomen honorifique exclusif à l'empereur",
"*Pontifex Maximus (« Pontife suprême » ou « Grand Prêtre ») : à l'époque républicaine, le Pontifex Maximus était le chef du Collège des Pontifes, l'organisme religieux qui supervisait la religion publique ancestrale des Romains ; Jules César était devenu Pontifex Maximus avant d'être élu consul, et le précédent établi par son héritier Auguste en consolidant l'autorité suprême par cette fonction religieuse fut en général suivi par ses successeurs jusqu'à ce que l'empire passe sous domination chrétienne.",
"*Sébastos : (), (\"Vénérable\"); l'interprétation grecque du titre impérial Auguste",
"*Sebastokrator : (, Sebastokratōr), (\"Vénérable Souverain) ); un titre de cour supérieur à partir des mots composés \"sebastos\" (\"vénérable\", l'équivalent grec du latin Auguste) et \"kratōr\" (\"souverain\", le même élément comme on le trouve dans « autokratōr », « empereur »)",
"Lorsqu'Auguste fonda le Princeps, il refusa l'autorité suprême en échange d'un ensemble de divers pouvoirs et fonctions, ce qui en soi était une démonstration de son auctoritas (« autorité »). En tenant le princeps senatus, l'empereur a déclaré l'ouverture et la clôture de chaque session du Sénat, a déclaré l'ordre du jour du Sénat, a imposé les règles et règlements que le Sénat devait suivre et a rencontré les ambassadeurs étrangers au nom du Sénat. Étant pontifex maximus, l'empereur était l'administrateur en chef des affaires religieuses, lui accordant le pouvoir de diriger toutes les cérémonies religieuses, de consacrer les temples, de contrôler le calendrier romain (en ajoutant ou en supprimant des jours selon les besoins), de nommer les vestales et certains flamens, de diriger le Collegium. Pontificum, et résume le dogme de la religion romaine.",
"Même si ces pouvoirs accordaient à l’empereur une grande fierté personnelle et une grande influence, ils n’incluaient pas d’autorité légale. En 23 avant JC, Auguste donne à l'empereur son pouvoir légal. Le premier était Tribunicia Potestas, ou les pouvoirs du tribun de la plèbe sans exercer réellement cette charge (ce qui aurait été impossible, puisqu'un tribun était par définition plébéien, alors qu'Auguste, bien que né dans une famille plébéienne, était devenu patricien). lorsqu'il fut adopté dans la gens Julia). Cela conférait à l'empereur l'inviolabilité (sacro-sainteté) de sa personne et la capacité de pardonner à tout civil pour tout acte, criminel ou autre. En détenant les pouvoirs de tribun, l'empereur pouvait poursuivre quiconque interférerait avec l'exercice de ses fonctions. Le statut de tribunat de l'empereur lui accordait le droit de convoquer le Sénat à sa guise et de lui présenter des propositions, ainsi que la possibilité d'opposer son veto à tout acte ou proposition de n'importe quel magistrat, y compris le véritable tribun des plébéiens. De plus, en tant que détenteur du pouvoir de tribun, l'empereur convoquait le Conseil du peuple, lui soumettait des lois et exerçait la fonction de président du conseil. Mais son statut de tribunat ne lui accordait le pouvoir qu'au sein même de Rome. Il lui faudrait un autre pouvoir pour opposer son veto à l'acte des gouverneurs et à celui des consuls lorsqu'ils sont dans les provinces.",
"Pour résoudre ce problème, Auguste réussit à faire en sorte que l'empereur obtienne le droit de détenir deux types d'imperium. Le premier étant l'imperium consulaire lorsqu'il était à Rome, et l'imperium maius en dehors de Rome. À l'intérieur des murs de Rome, les consuls régnants et l'empereur détenaient une autorité égale, chacun pouvant opposer son veto aux propositions et aux actes de chacun, l'empereur détenant tous les pouvoirs du consul. Mais en dehors de Rome, l’empereur avait un rang supérieur aux consuls et pouvait y opposer son veto sans les mêmes effets sur lui-même. Imperium Maius accorda également à l'empereur l'autorité sur tous les gouverneurs provinciaux, faisant de lui l'autorité ultime en matière provinciale et lui donna le commandement suprême de toutes les légions de Rome. Avec Imperium Maius, l'empereur obtint également le pouvoir de nommer les gouverneurs des provinces impériales sans l'interférence du Sénat. En outre, Imperium Maius accordait à l'empereur le droit de veto sur les gouverneurs des provinces et même sur le consul régnant lorsqu'il se trouvait dans les provinces.",
"La nature de la fonction impériale et du Principat a été établie sous l'héritier et fils adoptif à titre posthume de Jules César, César Auguste, et ses propres héritiers, les descendants de son épouse Livia issue de son premier mariage avec un descendant du distingué clan Claudian. Cette dynastie julio-claudienne prit fin lorsque l'empereur Néron – arrière-arrière-petit-fils d'Auguste par sa fille et de Livie par son fils – fut déposé en 68.",
"L'avènement le 20 novembre 284 de Dioclétien, le commandant dalmate de la classe inférieure parlant grec de la cavalerie domestique de Carus et Numérien (protectores domestici), a marqué des innovations majeures dans le gouvernement et la théorie constitutionnelle de Rome. Dioclétien, traditionaliste et conservateur religieux, a tenté d'assurer un gouvernement efficace et stable ainsi qu'une succession pacifique avec l'établissement de la Tétrarchie. L'empire était divisé entre l'Est et l'Ouest, chacun dirigé par un Auguste assisté d'un César comme empereur en attente. Ces divisions ont ensuite été subdivisées en provinces nouvelles ou réformées, administrées par une bureaucratie complexe et hiérarchique d'une taille et d'une portée sans précédent. La propre cour de Dioclétien était basée à Nicomédie. Son co-Auguste, Maximien, était basé à Mediolanum (Milan moderne). Leurs cours étaient itinérantes et les progressions impériales à travers les provinces faisaient beaucoup usage de l'impressionnante cérémonie théâtrale de l'adventus, ou « arrivée impériale », qui employait une chorégraphie élaborée de l'étiquette pour souligner l'élévation de l'empereur au-dessus des autres mortels. L'hyperinflation des honneurs et des titres impériaux a permis de distinguer les Augustes de leurs Césars, et Dioclétien, en tant qu'Auguste aîné, de son collègue Maximien. L'Auguste senior en particulier est devenu un être séparé et unique, accessible uniquement par ses proches. L’unité globale de l’Empire exigeait encore l’investiture la plus élevée de pouvoir et de statut auprès d’un seul homme."
] | L'empereur romain était le dirigeant de l'État romain pendant la période impériale (à partir de 27 av. J.-C.). Les empereurs ont utilisé une variété de titres différents au cours de l’histoire. Souvent, lorsqu'un Romain donné est décrit comme devenant « empereur » en anglais, cela reflète le fait qu'il ait pris le titre d'Auguste ou de César. Un autre titre souvent utilisé était celui d'imperator, à l'origine un titre militaire honorifique. Les premiers empereurs utilisaient également le titre de princeps (premier citoyen). Les empereurs amassent fréquemment des titres républicains, notamment princeps Senatus, consul et Pontifex Maximus.
La légitimité du gouvernement d'un empereur dépendait de son contrôle sur l'armée et de sa reconnaissance par le Sénat ; un empereur serait normalement proclamé par ses troupes, ou investi de titres impériaux par le Sénat, ou les deux. Les premiers empereurs régnaient seuls ; Les empereurs ultérieurs régnaient parfois avec des co-empereurs et partageaient l'administration de l'Empire entre eux.
Les Romains considéraient la fonction d’empereur comme distincte de celle de roi. Le premier empereur, Auguste, refusa résolument d’être reconnu comme monarque. Même si Auguste pouvait affirmer que son pouvoir était authentiquement républicain, son successeur, Tibère, ne pouvait pas affirmer la même chose de manière convaincante. Néanmoins, pendant les trois cents premières années des empereurs romains, d’Auguste à Dioclétien, un grand effort a été fait pour souligner que les empereurs étaient les dirigeants d’une république.
À partir de Dioclétien, les empereurs gouvernaient dans un style ouvertement monarchique et ne préservaient pas le principe nominal d'une république, mais le contraste avec les « rois » était maintenu : bien que la succession impériale soit généralement héréditaire, elle n'était héréditaire que s'il y avait un candidat approprié. acceptable pour l’armée et la bureaucratie, le principe de l’héritage automatique n’a donc pas été adopté. Des éléments du cadre institutionnel républicain (Sénat, consuls et magistrats) furent préservés jusqu’à la toute fin de l’Empire d’Occident.
Les empereurs orientaux (byzantins) adoptèrent finalement le titre de « Basileus » (), qui signifiait roi en grec, mais devint un titre réservé uniquement à l'empereur romain et au souverain de l'empire sassanide. D’autres rois étaient alors appelés rēgas.
En plus de leur charge pontificale, certains empereurs ont reçu un statut divin après leur mort. Avec l'hégémonie éventuelle du christianisme, l'empereur en est venu à être considéré comme le souverain choisi par Dieu et comme un protecteur et un chef spécial de l'Église chrétienne sur Terre, bien qu'en pratique, l'autorité de l'empereur sur les affaires de l'Église soit sujette à contestation.
L’Empire romain d’Occident s’est effondré à la fin du Ve siècle. Romulus Augustule est souvent considéré comme le dernier empereur d'Occident après son abdication forcée en 476, bien que Julius Nepos ait revendiqué ce titre jusqu'à sa mort en 480. Pendant ce temps, à l'Est, les empereurs continuaient de régner depuis Constantinople ("Nouveau Rome"); ceux-ci sont appelés dans les études modernes « empereur byzantin », mais ils n'utilisaient pas un tel titre et se faisaient appeler « empereur (ou roi) des Romains » (βασιλεύς Ῥωμαίων). Constantin XI fut le dernier empereur romain byzantin à Constantinople, mourant lors de la chute de Constantinople face aux Ottomans en 1453.
En raison de la rupture culturelle de la conquête turque, la plupart des historiens occidentaux considèrent Constantin XI comme le dernier prétendant significatif au titre d'empereur romain, bien qu'à partir de 1453 les dirigeants ottomans aient été intitulés « César de Rome » (turc : Kayser-i Rum) jusqu'à ce que l'Empire ottoman L'empire prit fin en 1922. Un groupe byzantin d'empereurs romains prétendants existait dans l'empire de Trébizonde jusqu'à sa conquête par les Ottomans en 1461. En Europe occidentale, le titre d'empereur romain fut rétabli par les dirigeants germaniques, les « empereurs romains », en 800. , et fut utilisé jusqu'en 1806.
Contexte et premier empereur romain
Les historiens modernes considèrent classiquement Auguste comme le premier empereur tandis que Jules César est considéré comme le dernier dictateur de la République romaine, une vision trouvant ses origines dans les écrivains romains Plutarque, Tacite et Cassius Dio. Cependant, la majorité des écrivains romains, dont Josèphe, Pline le Jeune, Suétone et Appien, ainsi que la plupart des gens ordinaires de l’Empire, considéraient Jules César comme le premier empereur.
À la fin de la République romaine, aucun titre nouveau, et certainement aucun titre unique, n'indiquait l'individu qui détenait le pouvoir suprême. Dans la mesure où empereur pouvait être considéré comme la traduction anglaise de imperator, alors Jules César avait été un empereur, comme plusieurs généraux romains avant lui. Au contraire, à la fin des guerres civiles dans lesquelles Jules César avait mené ses armées, il devint clair qu'il n'y avait certainement pas de consensus en faveur du retour à l'ancienne monarchie, mais que l'époque où plusieurs fonctionnaires, dotés d'un pouvoir égal par le pouvoir, Le Sénat, les combats entre eux avaient pris fin.
Jules César, puis Auguste après lui, accumulèrent les charges et les titres de la plus haute importance dans la République, rendant permanent le pouvoir attaché à ces fonctions et empêchant quiconque ayant des aspirations similaires d'accumuler ou de conserver le pouvoir pour lui-même. Cependant, Jules César, contrairement à ses successeurs, l'a fait sans le vote et l'approbation du Sénat.
Jules César a occupé les fonctions républicaines de consul quatre fois et de dictateur cinq fois, a été nommé dictateur à perpétuité (dictator perpetuo) en 45 avant JC et a été « pontifex maximus » pendant une longue période. Il a obtenu ces postes avec le consentement du Sénat. Au moment de son assassinat, il était l’homme le plus puissant du monde romain.
Dans son testament, César a désigné son fils adoptif Octave comme son héritier. À la mort de César, Octave hérita des biens et de la lignée de son père adoptif, de la loyauté de la plupart de ses alliés et – encore une fois grâce à un processus formel de consentement sénatorial – d'un nombre croissant de titres et de fonctions attribués à César. Une décennie après la mort de César, la victoire d'Octave sur son ancien allié Marc Antoine à Actium mit fin à toute opposition efficace et confirma la suprématie d'Octave.
En 27 avant JC, Octave comparut devant le Sénat et proposa de se retirer de la politique active et du gouvernement ; le Sénat non seulement lui demanda de rester, mais augmenta ses pouvoirs et les rendit permanents, lui attribuant le titre d'Auguste (l'élevé ou divin, un peu moins qu'un dieu mais s'approchant de la divinité). Auguste resta en fonction jusqu'à sa mort ; l'étendue de ses pouvoirs supérieurs en tant que princeps et empereur permanent des armées de Rome garantissait la continuation pacifique de ce qui restait nominalement une république. Sa « restauration » des pouvoirs au Sénat et au peuple de Rome était une démonstration de son auctoritas et de son pieux respect pour la tradition.
Certains historiens ultérieurs, comme Tacite, diront que même à la mort d'Auguste, la véritable restauration de la République aurait pu être possible. Au lieu de cela, Auguste a activement préparé son fils adoptif Tibère à être son successeur et a plaidé sa cause auprès du Sénat pour un héritage au mérite. Le Sénat a contesté la question mais a finalement confirmé Tibère comme princeps. Une fois au pouvoir, Tibère prit un soin considérable à observer les formes et la substance quotidienne du gouvernement républicain.
Période classique
Rome n'avait pas de fonction constitutionnelle, de titre ou de rang exactement équivalent au titre anglais « empereur romain ». Les Romains de l’époque impériale utilisaient plusieurs titres pour désigner leurs empereurs, et tous étaient associés à l’ère républicaine pré-impériale.
L'autorité légale de l'empereur découlait d'une extraordinaire concentration de pouvoirs et de fonctions individuelles qui existaient dans la République plutôt que d'une nouvelle fonction politique ; les empereurs étaient régulièrement élus aux postes de consul et de censeur. Parmi leurs privilèges permanents figuraient le titre républicain traditionnel de princeps senatus (chef du Sénat) et la fonction religieuse de pontifex maximus (prêtre en chef de l'État romain). Chaque empereur détenait cette dernière fonction et ce dernier titre jusqu'à ce que Gratien le cède en 382 après JC au pape Sirice ; il est finalement devenu un honneur auxiliaire de l'évêque de Rome.
Ces titres et fonctions conféraient un grand prestige personnel (dignitas) mais la base des pouvoirs d'un empereur dérivait de son auctoritas : cela supposait ses plus grands pouvoirs de commandement (imperium maius) et son pouvoir tribunicien (tribunicia potestas) comme qualités personnelles, distinctes de sa fonction publique. . En conséquence, il a formellement surclassé les gouverneurs de province et les magistrats ordinaires. Il avait le droit de promulguer ou de révoquer les peines de mort, était tenu à l'obéissance des citoyens privés (privati) et, selon les termes du ius auxiliandi, pouvait sauver n'importe quel plébéien de la décision de n'importe quel magistrat patricien. Il pouvait opposer son veto à tout acte ou proposition de n'importe quel magistrat, y compris les tribuns du peuple (ius intercedendi ou ius intercessionis). Sa personne était tenue pour sacro-sainte.
Les magistrats romains en mission officielle devaient porter la forme de la toge associée à leur fonction ; différentes toges étaient portées par différents grades ; les hauts magistrats avaient droit à des toges bordées de pourpre. Un empereur triomphal de la République avait le droit de porter la toge picta (de pourpre unie, richement brodée) pendant toute la durée du rite triomphal. Sous la Basse République, les plus puissants voient ce droit étendu. On pense que Pompée et César ont tous deux porté la toge triomphale et d'autres vêtements triomphaux lors de fonctions publiques. Les empereurs ultérieurs se distinguaient par le port de toges purpurae, des toges violettes ; d'où l'expression « enfiler la pourpre » pour l'accession à la dignité impériale.
Les titres habituellement associés à la dignité impériale sont imperator (« commandant »), qui souligne la suprématie militaire de l'empereur et est à l'origine du mot anglais empereur ; César, qui était à l'origine un nom mais qui a fini par être utilisé pour l'héritier désigné (comme Nobilissimus Caesar, « Le plus noble César ») et a été conservé lors de son accession. Le titre de l'empereur au pouvoir était le descriptif Auguste (« majestueux » ou « vénérable », qui avait des teintes divines), qui fut adopté lors de son accession. En grec, ces trois titres étaient respectivement rendus par autokratōr (""), kaisar ("") et augoustos ("") ou sebastos (""). Dans la Tétrarchie de Dioclétien, les anciennetés traditionnelles étaient maintenues : « Auguste » était réservé aux deux empereurs supérieurs et « César » aux deux empereurs juniors – chacun déléguait une part de pouvoir et de responsabilité, mais chacun était un empereur en attente, si quelque chose arrivait. son aîné.
En tant que princeps senatus (lit., « premier homme du Sénat »), l'empereur pouvait recevoir des ambassades étrangères à Rome ; on sait que certains empereurs (comme Tibère) ont délégué cette tâche au Sénat. En termes modernes, ces premiers empereurs auraient tendance à être identifiés comme des chefs d’État. Cependant, la fonction de princeps senatus n'était pas une magistrature et n'impliquait pas d'imperium. À certains moments de l'histoire de l'Empire, le pouvoir de l'empereur était nominal ; de puissants préfets du prétoire, des maîtres des soldats et, à quelques occasions, d'autres membres de la maison impériale, notamment des mères et des grands-mères impériales, constituaient la véritable source du pouvoir.
Imperateur
Le titre d'imperator remonte à la République romaine, lorsqu'un commandant victorieux pouvait être salué comme imperator sur le terrain par ses troupes. Le Sénat pourrait alors accorder ou refuser l'honneur extraordinaire d'un triomphe ; le commandeur triomphal conserva le titre jusqu'à la fin de sa magistrature. Dans la tradition romaine, le premier triomphe fut celui de Romulus, mais le premier récipiendaire attesté du titre d'imperator dans un contexte triomphal est Aemilius Paulus en 189 avant JC. C'était un titre tenu avec une grande fierté : Pompée fut plus d'une fois salué comme empereur, tout comme Sylla, mais ce fut Jules César qui le premier l'utilisa de manière permanente – selon Dion, il s'agissait d'une forme singulière et excessive de flatterie accordée par le Sénat, transmis à l'héritier adoptif de César avec son nom et pratiquement synonyme de celui-ci.
En 38 avant JC, Agrippa refusa un triomphe pour ses victoires sous le commandement d'Octave, et ce précédent établit la règle selon laquelle le princeps devait assumer à la fois le salut et le titre d'empereur. Il semble que dès lors Octave (plus tard le premier empereur Auguste) utilise imperator comme prénom (praenomen) : Imperator César et non César imperator. De là, le titre en est venu à désigner le pouvoir suprême et a été couramment utilisé dans ce sens. Othon fut le premier à imiter Auguste, mais ce n'est qu'avec Vespasien qu'imperator (empereur) devint le titre officiel sous lequel le souverain de l'Empire romain était connu.
Princeps
Le mot princeps (pluriel principes), signifiant « premier », était un terme républicain utilisé pour désigner le(s) principal(s) citoyen(s) de l'État. Il s'agissait d'un titre purement honorifique sans devoirs ni pouvoirs. C'était le titre préféré de César Auguste car son utilisation implique uniquement la primauté, par opposition à un autre de ses titres, imperator, qui implique la domination. Princeps, en raison de sa connotation républicaine, était le plus souvent utilisé pour désigner l'empereur en latin (bien que la position constitutionnelle réelle de l'empereur était essentiellement « un pontifex maximus doté d'un pouvoir tribunicien et d'un imperium supplantant tous les autres ») car il était en accord avec la façade de l'empereur. la République restaurée ; le mot grec basileus (« roi ») a été modifié pour être synonyme d'empereur (et est principalement entré en faveur après le règne d'Héraclius) car les Grecs n'avaient aucune sensibilité républicaine et considéraient ouvertement l'empereur comme un monarque.
À l'époque de Dioclétien et au-delà, le princeps tomba en désuétude et fut remplacé par dominus (« seigneur ») ; les empereurs ultérieurs ont utilisé la formule Imperator Caesar NN. Pius Felix (Invictus) Augustus : NN représentant le nom personnel de l'individu ; Pius Felix signifiant « Pieux et Bienheureux » ; et Invictus signifiant « invaincu ». L'utilisation de princeps et de dominus symbolise largement les différences dans le gouvernement de l'empire, donnant naissance aux désignations d'époque « Principat » et « Dominer ».
L'évolution dans l'Antiquité tardive
En 293, à la suite de la crise du troisième siècle qui avait gravement endommagé l'administration impériale, l'empereur Dioclétien promulgua des réformes radicales qui effaçèrent bon nombre des vestiges et des façades du républicanisme qui avaient caractérisé l'ordre augustéen en faveur d'une autocratie plus franche. En conséquence, les historiens distinguent la période augustinienne comme principat et la période allant de Dioclétien aux réformes du 7ème siècle de l'empereur Héraclius comme période dominante (du latin « seigneur »).
Revenant aux plus anciennes traditions de partage du travail dans la république, Dioclétien établit cependant au sommet de cette nouvelle structure la Tétrarchie (« règle de quatre ») dans le but d'assurer une succession plus fluide et une plus grande continuité du gouvernement. Sous la Tétrarchie, Dioclétien a mis en place un système de co-empereurs, appelés « Auguste », et d'empereurs juniors, appelés « César ». Lorsqu'un co-empereur prenait sa retraite (comme Dioclétien et son co-empereur Maximien l'ont fait en 305) ou mourait, un « César » junior lui succéderait et les co-empereurs nommeraient de nouveaux Césars selon les besoins.
Les quatre membres du collège impérial (comme les historiens appellent cet arrangement) partageaient des défis militaires et administratifs en se voyant attribuer chacun des zones géographiques spécifiques de l'empire. De cette innovation, souvent mais pas systématiquement répétée au cours des 187 années suivantes, naît l’idée d’une partition est-ouest de l’empire qui est devenue populaire auprès des historiens longtemps après que cette pratique ait cessé. Les deux moitiés de l'empire, bien que souvent gérées au quotidien comme des entités de facto distinctes, ont toujours été considérées et perçues, légalement et politiquement, comme des divisions administratives distinctes d'un imperium unique et insoluble par les Romains de l'époque.
La dernière période de co-empereur commença en 395, lorsque les fils de l'empereur Théodose Ier, Arcadius et Honorius, succédèrent en tant que co-empereurs. Quatre-vingt-cinq ans plus tard, à la suite des migrations germaniques qui avaient réduit le contrôle effectif de l'empire sur la Bretagne, la Gaule et l'Hispanie et d'une série de coups d'État militaires qui chassèrent l'empereur Nepos d'Italie, l'idée de diviser la position d'empereur fut formellement abolie. par l'empereur Zénon (480).
L’Empire romain a survécu à l’Est jusqu’en 1453, mais la marginalisation de l’ancien cœur de l’Italie par l’empire a eu un profond impact culturel sur l’empire et sur la position d’empereur. En 620, la langue officielle passe du latin au grec. Les habitants de langue grecque étaient des Romaioi (Ῥωμαῖοι) et étaient toujours considérés comme des Romains par eux-mêmes et par les populations d'Europe de l'Est, du Proche-Orient, de l'Inde et de la Chine. Mais beaucoup en Europe occidentale ont commencé à désigner l’entité politique comme « l’Empire grec ». L’évolution de l’Église dans la ville qui n’est plus impériale de Rome et de l’Église dans la désormais suprême Constantinople a commencé à suivre des chemins divergents, culminant dans le schisme entre les religions catholique romaine et orthodoxe orientale. La position d’empereur était de plus en plus influencée par les conceptions de royauté du Proche-Orient. À partir de l'empereur Héraclius, les empereurs romains se sont appelés « Roi des rois » (du persan impérial Shahanshah) à partir de 627 et « Basileus » (du titre utilisé par Alexandre le Grand) à partir de 629. La période ultérieure de l'empire est aujourd'hui appelée la L'Empire byzantin comme question de convention scientifique.
Titres et postes
Bien qu’il s’agisse des fonctions, titres et postes les plus courants, tous les empereurs romains ne les ont pas utilisés, et ils n’ont pas non plus été utilisés en même temps dans l’histoire. Les fonctions consulaires et de censure en particulier ne faisaient pas partie intégrante de la dignité impériale et étaient généralement exercées par des personnes autres que l'empereur régnant.
*Auguste : (également "" ou ""), "Majestic" ou "Venable" ; un cognomen honorifique exclusif à l'empereur
*Autokrator : (, Autokratōr), (lit. « Auto-dirigeant »); Titre grec équivalent à empereur ou commandant en chef
*Basileus : (), grec pour roi, populairement utilisé en Orient pour désigner l'empereur ; un titre formel de l'empereur romain commençant par Héraclius
*César : (également ""), "César" ; initialement le cognomen de Jules César, il fut transformé en titre ; un nom honorifique utilisé plus tard pour identifier un empereur désigné
*Censeur : fonction républicaine exercée conjointement par deux anciens consuls tous les cinq ans dans le but de conduire le lustre qui détermine le rôle des citoyens ; le censeur pourrait auditer tous les autres magistrats et toutes les finances de l'État
*Consul : la magistrature la plus élevée de la République romaine avec un mandat d'un an et un titulaire de charge égal ; le consul était le chef de l'État à Rome. Le dernier empereur à avoir reçu ce titre du Sénat fut Constant II, qui fut également le dernier empereur à visiter Rome.
*Dominus (« Seigneur » ou « Maître ») : titre honorifique principalement associé au Dominate
*Dominus Noster (« Notre Seigneur ») : un titre honorifique ; les praenomen des empereurs ultérieurs.
*Imperator (« Commandant » ou « Commandant en chef ») : titre de victoire remporté dès l'accession à la pourpre et après une victoire militaire majeure
*Imperator Destinatus ("Destiné à être empereur") : héritier présomptif, utilisé par Septime Sévère pour Caracalla
*Invictus (« Invaincu »), titre honorifique.
*Nobilissimus : (, Nōbelissimos), (« Le plus noble »), l'un des titres impériaux les plus élevés détenus par l'empereur
*Pater Patriae (« Père de la Patrie ») : titre honorifique
*Perpetuus (« Universel ») : titre honorifique des empereurs ultérieurs
*Pius Felix ("Pieux et Bienheureux") : un titre honorifique
*Pontifex Maximus (« Pontife suprême » ou « Grand Prêtre ») : à l'époque républicaine, le Pontifex Maximus était le chef du Collège des Pontifes, l'organisme religieux qui supervisait la religion publique ancestrale des Romains ; Jules César était devenu Pontifex Maximus avant d'être élu consul, et le précédent établi par son héritier Auguste en consolidant l'autorité suprême par cette fonction religieuse fut en général suivi par ses successeurs jusqu'à ce que l'empire passe sous domination chrétienne.
*Princeps ("Premier Citoyen" ou "Leading Citizen") : titre honorifique désignant le statut de l'empereur comme premier parmi ses égaux, associé principalement au Principat
*Princeps Iuventutis : ("Prince de la Jeunesse"), titre honorifique décerné à un empereur désigné présumé.
*Princeps Senatus : (« Premier homme du Sénat »), fonction républicaine avec un mandat de cinq ans
*Sébastos : (), ("Vénérable"); l'interprétation grecque du titre impérial Auguste
*Sebastokrator : (, Sebastokratōr), ("Vénérable Souverain) ); un titre de cour supérieur à partir des mots composés "sebastos" ("vénérable", l'équivalent grec du latin Auguste) et "kratōr" ("souverain", le même élément comme on le trouve dans « autokratōr », « empereur »)
*Tribunicia Potestas : (« Pouvoir tribunicien »); les pouvoirs d'un tribun du peuple, y compris la sacro-sainteté et l'inviolabilité de sa personne, et le droit de veto sur toute décision de tout autre magistrat, assemblée ou Sénat (l'empereur ne pouvait pas être un « tribun » car un tribun était un plébéien par définition, donc l'empereur avait tous les pouvoirs d'un tribun sans en être réellement un)
Pouvoirs
Lorsqu'Auguste fonda le Princeps, il refusa l'autorité suprême en échange d'un ensemble de divers pouvoirs et fonctions, ce qui en soi était une démonstration de son auctoritas (« autorité »). En tenant le princeps senatus, l'empereur a déclaré l'ouverture et la clôture de chaque session du Sénat, a déclaré l'ordre du jour du Sénat, a imposé les règles et règlements que le Sénat devait suivre et a rencontré les ambassadeurs étrangers au nom du Sénat. Étant pontifex maximus, l'empereur était l'administrateur en chef des affaires religieuses, lui accordant le pouvoir de diriger toutes les cérémonies religieuses, de consacrer les temples, de contrôler le calendrier romain (en ajoutant ou en supprimant des jours selon les besoins), de nommer les vestales et certains flamens, de diriger le Collegium. Pontificum, et résume le dogme de la religion romaine.
Même si ces pouvoirs accordaient à l’empereur une grande fierté personnelle et une grande influence, ils n’incluaient pas d’autorité légale. En 23 avant JC, Auguste donne à l'empereur son pouvoir légal. Le premier était Tribunicia Potestas, ou les pouvoirs du tribun de la plèbe sans exercer réellement cette charge (ce qui aurait été impossible, puisqu'un tribun était par définition plébéien, alors qu'Auguste, bien que né dans une famille plébéienne, était devenu patricien). lorsqu'il fut adopté dans la gens Julia). Cela conférait à l'empereur l'inviolabilité (sacro-sainteté) de sa personne et la capacité de pardonner à tout civil pour tout acte, criminel ou autre. En détenant les pouvoirs de tribun, l'empereur pouvait poursuivre quiconque interférerait avec l'exercice de ses fonctions. Le statut de tribunat de l'empereur lui accordait le droit de convoquer le Sénat à sa guise et de lui présenter des propositions, ainsi que la possibilité d'opposer son veto à tout acte ou proposition de n'importe quel magistrat, y compris le véritable tribun des plébéiens. De plus, en tant que détenteur du pouvoir de tribun, l'empereur convoquait le Conseil du peuple, lui soumettait des lois et exerçait la fonction de président du conseil. Mais son statut de tribunat ne lui accordait le pouvoir qu'au sein même de Rome. Il lui faudrait un autre pouvoir pour opposer son veto à l'acte des gouverneurs et à celui des consuls lorsqu'ils sont dans les provinces.
Pour résoudre ce problème, Auguste réussit à faire en sorte que l'empereur obtienne le droit de détenir deux types d'imperium. Le premier étant l'imperium consulaire lorsqu'il était à Rome, et l'imperium maius en dehors de Rome. À l'intérieur des murs de Rome, les consuls régnants et l'empereur détenaient une autorité égale, chacun pouvant opposer son veto aux propositions et aux actes de chacun, l'empereur détenant tous les pouvoirs du consul. Mais en dehors de Rome, l’empereur avait un rang supérieur aux consuls et pouvait y opposer son veto sans les mêmes effets sur lui-même. Imperium Maius accorda également à l'empereur l'autorité sur tous les gouverneurs provinciaux, faisant de lui l'autorité ultime en matière provinciale et lui donna le commandement suprême de toutes les légions de Rome. Avec Imperium Maius, l'empereur obtint également le pouvoir de nommer les gouverneurs des provinces impériales sans l'interférence du Sénat. En outre, Imperium Maius accordait à l'empereur le droit de veto sur les gouverneurs des provinces et même sur le consul régnant lorsqu'il se trouvait dans les provinces.
Lignées et époques
Principe
La nature de la fonction impériale et du Principat a été établie sous l'héritier et fils adoptif à titre posthume de Jules César, César Auguste, et ses propres héritiers, les descendants de son épouse Livia issue de son premier mariage avec un descendant du distingué clan Claudian. Cette dynastie julio-claudienne prit fin lorsque l'empereur Néron – arrière-arrière-petit-fils d'Auguste par sa fille et de Livie par son fils – fut déposé en 68.
Néron fut suivi d'une succession d'usurpateurs tout au long de l'année 69, communément appelée « Année des Quatre Empereurs ». Le dernier d'entre eux, Vespasien, fonda sa propre dynastie flavienne. Nerva, qui remplaça le dernier empereur Flavien, Domitien, le fils de Vespasien, en 96, était âgé et sans enfant et choisit donc d'adopter un héritier, Trajan, extérieur à sa famille. Lorsque Trajan accéda à la pourpre, il choisit de suivre l'exemple de son prédécesseur, adoptant Hadrien comme son propre héritier, et cette pratique devint alors la manière habituelle de succession impériale pour le siècle suivant, produisant les « Cinq bons empereurs » et la période de plus grande prospérité de l'Empire. la stabilité.
Le dernier des bons empereurs, Marc Aurèle, choisit son fils naturel Commode comme successeur plutôt que d'adopter un héritier. La mauvaise gestion de Commode a conduit à son assassinat le 31 décembre 192, à la suite de quoi une brève période d'instabilité a rapidement cédé la place à Septime Sévère, qui a fondé la dynastie Sévère qui, à l'exception d'une interruption en 217-218, a conservé la pourpre jusqu'en 235.
Crise du troisième siècle
L'avènement de Maximinus Thrax marque à la fois la fin et l'ouverture d'une époque. Ce fut l'une des dernières tentatives du Sénat romain, de plus en plus impuissant, pour influencer la succession. Pourtant, c'était la deuxième fois qu'un homme obtenait la pourpre alors qu'il devait son avancement uniquement à sa carrière militaire ; Vespasien et Septime Sévère étaient tous deux issus de familles nobles ou bourgeoises, tandis que Thrax était né roturier. Il ne visita jamais la ville de Rome durant son règne, qui marque le début d'une série d'« empereurs de caserne » issus de l'armée. Entre 235 et 285, plus d'une douzaine d'empereurs obtinrent la pourpre, mais seuls Valérien et Carus parvinrent à assurer la succession de leurs propres fils au trône ; les deux dynasties s'éteignirent en deux générations.
Dominer
L'avènement le 20 novembre 284 de Dioclétien, le commandant dalmate de la classe inférieure parlant grec de la cavalerie domestique de Carus et Numérien (protectores domestici), a marqué des innovations majeures dans le gouvernement et la théorie constitutionnelle de Rome. Dioclétien, traditionaliste et conservateur religieux, a tenté d'assurer un gouvernement efficace et stable ainsi qu'une succession pacifique avec l'établissement de la Tétrarchie. L'empire était divisé entre l'Est et l'Ouest, chacun dirigé par un Auguste assisté d'un César comme empereur en attente. Ces divisions ont ensuite été subdivisées en provinces nouvelles ou réformées, administrées par une bureaucratie complexe et hiérarchique d'une taille et d'une portée sans précédent. La propre cour de Dioclétien était basée à Nicomédie. Son co-Auguste, Maximien, était basé à Mediolanum (Milan moderne). Leurs cours étaient itinérantes et les progressions impériales à travers les provinces faisaient beaucoup usage de l'impressionnante cérémonie théâtrale de l'adventus, ou « arrivée impériale », qui employait une chorégraphie élaborée de l'étiquette pour souligner l'élévation de l'empereur au-dessus des autres mortels. L'hyperinflation des honneurs et des titres impériaux a permis de distinguer les Augustes de leurs Césars, et Dioclétien, en tant qu'Auguste aîné, de son collègue Maximien. L'Auguste senior en particulier est devenu un être séparé et unique, accessible uniquement par ses proches. L’unité globale de l’Empire exigeait encore l’investiture la plus élevée de pouvoir et de statut auprès d’un seul homme.
La Tétrarchie a finalement dégénéré en guerre civile, mais le vainqueur final, Constantin le Grand, a rétabli la division de l'Empire entre l'Est et l'Ouest de Dioclétien. Il garda l'Orient pour lui et fonda sa ville de Constantinople comme nouvelle capitale. La propre dynastie de Constantin fut également bientôt engloutie dans la guerre civile et les intrigues de la cour jusqu'à ce qu'elle soit remplacée, brièvement, par le général Jovien de Julien l'Apostat, puis, de manière plus permanente, par Valentinien Ier et la dynastie qu'il fonda en 364. Originaire de la classe moyenne, Valentinien fut nommé empereur par un conclave de hauts généraux et de fonctionnaires civils.
Empire tardif
Théodose Ier accède à la pourpre en Orient en 379 et en Occident en 394. Il interdit le paganisme et fait du christianisme la religion officielle de l'Empire. Il fut le dernier empereur à régner sur un Empire romain uni ; la distribution de l'Est à son fils Arcadius et de l'Ouest à son fils Honorius après sa mort en 395 représentait une division permanente.
En Occident, la fonction d'empereur a rapidement dégénéré pour n'être plus qu'une marionnette d'une succession de rois tribaux germaniques, jusqu'à ce que finalement Héruli Odoacre renverse simplement l'enfant-empereur Romulus Augustule en 476 et envoie les insignes impériaux à l'empereur Zénon en 476. Constantinople et devient roi d'Italie. Bien que, de son vivant, Odoacre ait maintenu la fiction juridique selon laquelle il dirigeait en réalité l'Italie en tant que vice-roi de Zénon, les historiens marquent 476 comme la date traditionnelle de la chute de l'Empire romain d'Occident. De grandes parties de l'Italie (Sicile, partie sud de la péninsule, Ravenne, Venise, etc.) sont cependant restées sous la domination impériale de Constantinople pendant des siècles, le contrôle impérial n'ayant glissé ou devenant nominal qu'au XIe siècle. À l'Est, l'Empire a continué jusqu'à la chute de Constantinople aux mains des Turcs ottomans en 1453. Bien que connu sous le nom d'Empire byzantin par les historiens contemporains, l'Empire était simplement connu sous le nom d'Empire romain par ses citoyens et les pays voisins.
Affirmations post-classiques sur le titre
Survie de l'Empire romain d'Orient
La lignée des empereurs romains dans l'Empire romain d'Orient s'est poursuivie sans interruption à Constantinople jusqu'à la prise de Constantinople en 1204 par la Quatrième Croisade. À la suite de cette action, quatre lignées d'empereurs ont émergé, chacun prétendant être son successeur légal : l'Empire de Thessalonique, évoluant du despotat d'Épire, réduit à l'impuissance lorsque son fondateur Théodore Comnène Doukas fut vaincu, capturé et aveuglé. par l'empereur bulgare Ivan Asen III ; l'Empire latin, qui prit fin lorsque l'Empire de Nicée reprit Constantinople en 1261 ; l'Empire de Trébizonde, dont l'importance déclina au cours du XIIIe siècle et dont les revendications furent tout simplement ignorées ; et l'Empire de Nicée, dont les revendications fondées sur la parenté avec les empereurs précédents, le contrôle du patriarche de Constantinople et la possession de Constantinople grâce aux prouesses militaires, ont prévalu. Les successeurs des empereurs de Nicée ont continué jusqu'à la chute de Constantinople en 1453 sous Constantin XI Paléologue.
Ces empereurs ont finalement normalisé la dignité impériale dans la conception moderne d'un empereur, l'ont incorporée dans les constitutions de l'État et ont adopté le titre susmentionné Basileus kai autokratōr Rhomaiōn (« Empereur et autocrate des Romains »). Ils avaient également cessé d'utiliser le latin comme langue d'État après l'empereur Héraclius (mort en 641 après JC). Les historiens ont coutume de traiter l'état de ces derniers empereurs d'Orient sous le nom d'« Empire byzantin ». Il est important de noter, cependant, que l’adjectif byzantin, bien qu’historiquement utilisé par les auteurs romains orientaux dans un sens métaphorique, n’a jamais été un terme officiel.
Dernier empereur romain
Constantin XI Paléologue fut le dernier empereur romain régnant. Membre de la dynastie des Paléologues, il dirigea le reste de l'Empire romain d'Orient de 1449 jusqu'à sa mort en 1453, défendant sa capitale Constantinople.
Il est né à Mystra en tant que huitième des dix enfants de Manuel II Paléologue et d'Helena Dragaš, fille du prince serbe Constantin Dragaš de Kumanovo. Il passe la majeure partie de son enfance à Constantinople sous la surveillance de ses parents. Pendant l'absence de son frère aîné en Italie, Constantin fut régent à Constantinople de 1437 à 1440.
Avant le début du siège, Mehmed II fit une offre à Constantin XI. En échange de la capitulation de Constantinople, la vie de l'empereur serait épargnée et il continuerait à régner sur Mystra. Constantin a refusé cette offre. Au lieu de cela, il dirigea la défense de la ville et prit une part active aux combats le long des murs terrestres. Parallèlement, il utilisa ses talents de diplomate pour maintenir l'unité nécessaire entre les troupes génoises, vénitiennes et byzantines. Lorsque la ville tomba le 29 mai 1453, Constantin aurait déclaré : « La ville est tombée mais je suis vivant. » Réalisant que la fin était venue, il aurait abandonné son manteau violet et aurait conduit ses soldats restants dans une charge finale, au cours de laquelle il aurait été tué. Avec son | http://quiz4free.com/ |
En quelle année le SS Titanic a coulé ? | 1912 | [
"Le RMS Titanic était un paquebot britannique qui a coulé dans l'océan Atlantique Nord tôt le matin du 15 avril 1912, après être entré en collision avec un iceberg lors de son voyage inaugural de Southampton à New York. Sur les 2 224 passagers et membres d'équipage à bord, plus de 1 500 sont morts dans le naufrage, ce qui en fait l'une des catastrophes maritimes commerciales en temps de paix les plus meurtrières de l'histoire moderne. Le plus grand navire à flot au moment de son entrée en service, le RMS Titanic était le deuxième des trois paquebots de classe olympique exploités par la White Star Line et a été construit par le chantier naval Harland and Wolff à Belfast. Thomas Andrews, son architecte, est décédé dans la catastrophe.",
"Après avoir quitté Southampton le 10 avril 1912, le Titanic a fait escale à Cherbourg en France et à Queenstown (aujourd'hui Cobh) en Irlande avant de se diriger vers l'ouest jusqu'à New York. Le 14 avril 1912, après quatre jours de traversée et à environ 600 km au sud de Terre-Neuve, il heurte un iceberg à 23 h 40. l'heure du navire. La collision a provoqué la déformation des plaques de coque du navire vers l'intérieur le long de son côté tribord et a ouvert cinq de ses seize compartiments étanches à la mer ; le navire s'est progressivement rempli d'eau. Pendant ce temps, les passagers et certains membres d'équipage ont été évacués dans des canots de sauvetage, dont beaucoup n'ont été mis à l'eau que partiellement chargés. Un nombre disproportionné d'hommes ont été laissés à bord en raison d'un protocole \"les femmes et les enfants d'abord\" pour le chargement des canots de sauvetage. À 2 h 20 du matin, il s'est brisé et a sombré, avec plus d'un millier de personnes encore à bord.",
"Le nom Titanic est dérivé de la mythologie grecque et signifie gigantesque. Construit à Belfast, en Irlande, au Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande (comme on l'appelait alors), le RMS Titanic était le deuxième des trois paquebots de classe olympique : le premier était le RMS Olympic et le troisième était le HMHS. Britannique. Il s'agissait de loin des plus grands navires de la flotte de la compagnie maritime britannique White Star Line, qui comprenait 29 paquebots et annexes en 1912. Les trois navires ont vu le jour lors d'une discussion au milieu de 1907 entre le président de la White Star Line, J. Bruce Ismay. , et le financier américain J. P. Morgan, qui contrôlait la société mère de la White Star Line, l'International Mercantile Marine Co. (IMM).",
"* Le pont des bateaux, sur lequel étaient logés les canots de sauvetage. C'est à partir d'ici, aux petites heures du 15 avril 1912, que les canots de sauvetage du Titanic furent descendus dans l'Atlantique Nord. La passerelle et la timonerie se trouvaient à l'avant, devant les quartiers du capitaine et des officiers. Le pont se dressait à 8 pieds au-dessus du pont, s'étendant de chaque côté afin que le navire puisse être contrôlé lors de l'accostage. La timonerie se trouvait directement derrière et au-dessus du pont. L'entrée du grand escalier et du gymnase de première classe étaient situées au milieu du navire avec le toit surélevé du salon de première classe, tandis qu'à l'arrière du pont se trouvaient le toit du fumoir de première classe et l'entrée relativement modeste de deuxième classe. Le pont recouvert de bois était divisé en quatre promenades séparées : respectivement pour les officiers, les passagers de première classe, les ingénieurs et les passagers de deuxième classe. Des canots de sauvetage étaient alignés sur le côté du pont, sauf dans la zone de première classe, où il y avait un espace pour que la vue ne soit pas gâchée.",
"Le Titanic transportait un total de 20 canots de sauvetage : 14 canots de sauvetage standard Harland and Wolff en bois d'une capacité de 65 personnes chacun et quatre canots de sauvetage Englehardt « pliables » (fond en bois, côtés en toile pliables) (identifiés de A à D) d'une capacité de 47 personnes. chaque. De plus, elle disposait de deux cutters de secours d'une capacité de 40 personnes chacun. Olympic elle-même n'a même pas transporté les quatre pliables A-D pendant la saison 1911-1912. Tous les canots de sauvetage étaient arrimés en toute sécurité sur le pont du bateau et, à l'exception des canots de sauvetage pliables A et B, reliés aux bossoirs par des cordes. Ceux du côté tribord étaient numérotés impairs de 1 à 15 de la proue à la poupe, tandis que ceux du côté bâbord étaient numérotés pairs de 2 à 16 de la proue à la poupe."
] | Le RMS Titanic était un paquebot britannique qui a coulé dans l'océan Atlantique Nord tôt le matin du 15 avril 1912, après être entré en collision avec un iceberg lors de son voyage inaugural de Southampton à New York. Sur les 2 224 passagers et membres d'équipage à bord, plus de 1 500 sont morts dans le naufrage, ce qui en fait l'une des catastrophes maritimes commerciales en temps de paix les plus meurtrières de l'histoire moderne. Le plus grand navire à flot au moment de son entrée en service, le RMS Titanic était le deuxième des trois paquebots de classe olympique exploités par la White Star Line et a été construit par le chantier naval Harland and Wolff à Belfast. Thomas Andrews, son architecte, est décédé dans la catastrophe.
Sous le commandement d'Edward Smith, le navire transportait certaines des personnes les plus riches du monde, ainsi que des centaines d'émigrants de Grande-Bretagne, d'Irlande, de Scandinavie et d'ailleurs en Europe, à la recherche d'une nouvelle vie en Amérique du Nord. Un émetteur radiotélégraphique de haute puissance était disponible pour envoyer des « marconigrammes » aux passagers et pour l'utilisation opérationnelle du navire. Bien que le Titanic disposait de caractéristiques de sécurité avancées telles que des compartiments étanches et des portes étanches activées à distance, il n'y avait pas suffisamment de canots de sauvetage pour accueillir toutes les personnes à bord en raison de réglementations de sécurité maritime obsolètes. Le Titanic ne transportait que suffisamment de canots de sauvetage pour 1 178 personnes, soit un peu plus de la moitié du nombre à bord et un tiers de sa capacité totale.
Après avoir quitté Southampton le 10 avril 1912, le Titanic a fait escale à Cherbourg en France et à Queenstown (aujourd'hui Cobh) en Irlande avant de se diriger vers l'ouest jusqu'à New York. Le 14 avril 1912, après quatre jours de traversée et à environ 600 km au sud de Terre-Neuve, il heurte un iceberg à 23 h 40. l'heure du navire. La collision a provoqué la déformation des plaques de coque du navire vers l'intérieur le long de son côté tribord et a ouvert cinq de ses seize compartiments étanches à la mer ; le navire s'est progressivement rempli d'eau. Pendant ce temps, les passagers et certains membres d'équipage ont été évacués dans des canots de sauvetage, dont beaucoup n'ont été mis à l'eau que partiellement chargés. Un nombre disproportionné d'hommes ont été laissés à bord en raison d'un protocole "les femmes et les enfants d'abord" pour le chargement des canots de sauvetage. À 2 h 20 du matin, il s'est brisé et a sombré, avec plus d'un millier de personnes encore à bord.
Un peu moins de deux heures après le naufrage du Titanic, le paquebot Cunard RMS Carpathia est arrivé sur les lieux du naufrage, où il a embarqué environ 705 survivants.
La catastrophe a été accueillie dans le monde entier par un choc et une indignation face aux énormes pertes en vies humaines et aux échecs réglementaires et opérationnels qui y ont conduit. Des enquêtes publiques menées en Grande-Bretagne et aux États-Unis ont conduit à des améliorations majeures de la sécurité maritime. L'un de leurs héritages les plus importants a été la création en 1914 de la Convention internationale pour la sauvegarde de la vie humaine en mer (SOLAS), qui régit encore aujourd'hui la sécurité maritime. En outre, plusieurs nouvelles réglementations sur les communications sans fil ont été adoptées dans le monde entier dans le but de tirer les leçons des nombreux faux pas dans les communications sans fil, ce qui aurait pu sauver beaucoup plus de passagers.
L'épave du Titanic reste au fond de la mer, divisée en deux et se désintégrant progressivement à une profondeur de 12 415 pieds. Depuis sa découverte en 1985, des milliers d'objets ont été récupérés et exposés dans des musées du monde entier. Le Titanic est devenu l'un des navires les plus célèbres de l'histoire ; sa mémoire est entretenue par de nombreuses œuvres de la culture populaire, notamment des livres, des chansons folkloriques, des films, des expositions et des monuments commémoratifs.
Arrière-plan
Le nom Titanic est dérivé de la mythologie grecque et signifie gigantesque. Construit à Belfast, en Irlande, au Royaume-Uni de Grande-Bretagne et d'Irlande (comme on l'appelait alors), le RMS Titanic était le deuxième des trois paquebots de classe olympique : le premier était le RMS Olympic et le troisième était le HMHS. Britannique. Il s'agissait de loin des plus grands navires de la flotte de la compagnie maritime britannique White Star Line, qui comprenait 29 paquebots et annexes en 1912. Les trois navires ont vu le jour lors d'une discussion au milieu de 1907 entre le président de la White Star Line, J. Bruce Ismay. , et le financier américain J. P. Morgan, qui contrôlait la société mère de la White Star Line, l'International Mercantile Marine Co. (IMM).
La White Star Line était confrontée à un défi croissant de la part de ses principaux rivaux Cunard, qui avait récemment lancé le et le – les navires à passagers les plus rapides alors en service – et des lignes allemandes Hamburg America et Norddeutscher Lloyd. Ismay a préféré rivaliser sur la taille plutôt que sur la vitesse et a proposé de commander une nouvelle classe de paquebots qui serait plus grande que tout ce qui avait existé auparavant tout en étant le dernier mot en matière de confort et de luxe. La société cherchait à améliorer sa flotte principalement en réponse aux géants Cunard, mais également pour remplacer sa plus ancienne paire de navires à passagers encore en service, à savoir le SS Teutonic de 1889 et le SS Majestic de 1890. Le Teutonic a été remplacé par l'Olympic tandis que le Majestic a été remplacé. par Titanic. Majestic serait ramené à son ancienne place sur le service new-yorkais du White Star après la défaite du Titanic.
Les navires ont été construits par les constructeurs navals de Belfast Harland and Wolff, qui entretenaient une relation de longue date avec la White Star Line remontant à 1867. Harland et Wolff disposaient d'une grande latitude dans la conception de navires pour la White Star Line ; l'approche habituelle consistait pour ce dernier à esquisser un concept général que le premier reprenait et transformait en conception de navire. Les considérations de coûts étaient relativement peu présentes à l'ordre du jour et Harland and Wolff fut autorisé à dépenser ce dont il avait besoin pour les navires, plus une marge bénéficiaire de cinq pour cent. Dans le cas des navires de classe olympique, un coût de 3 millions de livres sterling pour les deux premiers navires a été convenu, plus les « extras à contracter » et les frais habituels de cinq pour cent.
Harland et Wolff ont mis leurs principaux concepteurs au travail pour concevoir les navires de classe olympique. La conception a été supervisée par Lord Pirrie, directeur de Harland and Wolff et de la White Star Line ; l'architecte naval Thomas Andrews, directeur général du département de conception de Harland and Wolff ; Edward Wilding, adjoint d'Andrews et responsable du calcul de la conception, de la stabilité et de l'assiette du navire ; et Alexander Carlisle, dessinateur en chef et directeur général du chantier naval. Les responsabilités de Carlisle comprenaient les décorations, l'équipement et tous les arrangements généraux, y compris la mise en œuvre d'une conception efficace de bossoir de canot de sauvetage.
Le 29 juillet 1908, Harland et Wolff présentèrent les dessins à J. Bruce Ismay et à d'autres dirigeants de la White Star Line. Ismay a approuvé la conception et signé trois « lettres d'accord » deux jours plus tard autorisant le début de la construction. À ce stade, le premier navire, qui deviendra plus tard Olympic, n'avait pas de nom, mais était simplement appelé « numéro 400 », car il s'agissait de la quatre centième coque de Harland et Wolff. Titanic était basé sur une version révisée du même modèle et reçut le numéro 401.
Dimensions et disposition
Le Titanic mesurait 882 pieds de long et une largeur maximale de 92 pieds. Sa hauteur totale, mesurée de la base de la quille jusqu'au sommet du pont, était de 104 pieds. Il mesurait 46 328 tonnes brutes et avec un tirant d'eau de 34 pieds, il déplacé 52 310 tonnes.
Les trois navires de classe olympique avaient dix ponts (à l'exclusion du haut des quartiers des officiers), dont huit étaient destinés aux passagers. De haut en bas, les ponts étaient :
* Le pont des bateaux, sur lequel étaient logés les canots de sauvetage. C'est à partir d'ici, aux petites heures du 15 avril 1912, que les canots de sauvetage du Titanic furent descendus dans l'Atlantique Nord. La passerelle et la timonerie se trouvaient à l'avant, devant les quartiers du capitaine et des officiers. Le pont se dressait à 8 pieds au-dessus du pont, s'étendant de chaque côté afin que le navire puisse être contrôlé lors de l'accostage. La timonerie se trouvait directement derrière et au-dessus du pont. L'entrée du grand escalier et du gymnase de première classe étaient situées au milieu du navire avec le toit surélevé du salon de première classe, tandis qu'à l'arrière du pont se trouvaient le toit du fumoir de première classe et l'entrée relativement modeste de deuxième classe. Le pont recouvert de bois était divisé en quatre promenades séparées : respectivement pour les officiers, les passagers de première classe, les ingénieurs et les passagers de deuxième classe. Des canots de sauvetage étaient alignés sur le côté du pont, sauf dans la zone de première classe, où il y avait un espace pour que la vue ne soit pas gâchée.
* Un Deck, également appelé Pont Promenade, s'étendant sur toute la longueur de 546 pieds de la superstructure. Il était réservé exclusivement aux passagers de première classe et contenait des cabines de première classe, le salon de première classe, un fumoir, des salles de lecture et d'écriture et Palm Court.
* Le pont B, le pont pont, était le pont porteur supérieur et le niveau le plus élevé de la coque. D'autres logements pour passagers de première classe se trouvaient ici, avec six cabines somptueuses (cabines) dotées de leurs propres promenades privées. Sur Titanic, le restaurant à la carte et le Café Parisien offraient des installations de restauration de luxe aux passagers de première classe. Tous deux étaient dirigés par des chefs sous-traitants et leur personnel ; tous ont été perdus dans le désastre. Le fumoir de deuxième classe et le hall d'entrée étaient tous deux situés sur ce pont. Le gaillard d'avant surélevé du navire se trouvait à l'avant du pont de la passerelle, abritant l'écoutille numéro 1 (l'écoutille principale jusqu'aux cales à marchandises), de nombreuses pièces de machinerie et les boîtiers d'ancre. À l'arrière du pont se trouvait le pont de dunette surélevé, long de 106 pieds, utilisé comme promenade par les passagers de troisième classe. C'est là que de nombreux passagers et membres d'équipage du Titanic ont fait leur dernier combat lorsque le navire a coulé. Le gaillard d'avant et le dunette étaient séparés du pont du pont par des ponts de coffre.
* Le pont C, le Shelter Deck, était le pont le plus élevé à fonctionner sans interruption de la proue à la poupe. Il comprenait les deux ponts du coffre ; celui de l'arrière faisait partie de la promenade de troisième classe. Les cabines de l'équipage étaient situées sous le gaillard d'avant et les salles publiques de troisième classe étaient situées sous le pont de dunette. Entre les deux se trouvaient la majorité des cabines de première classe et la bibliothèque de deuxième classe.
* Le pont D, le Saloon Deck, était dominé par trois grandes salles publiques : la salle de réception de première classe, la salle à manger de première classe et la salle à manger de deuxième classe. Un espace ouvert a été prévu pour les passagers de troisième classe. Les passagers de première, deuxième et troisième classes disposaient de cabines sur ce pont, avec des couchettes pour les pompiers situées à l'avant. C'était le niveau le plus élevé atteint par les cloisons étanches du navire (mais seulement par huit des quinze cloisons).
* Le pont E, le pont supérieur, était principalement utilisé pour l'hébergement des passagers des trois classes ainsi que des couchettes pour les cuisiniers, les marins, les stewards et les régleurs. Sur toute sa longueur s'étendait un long passage surnommé Scotland Road, en référence à une rue célèbre de Liverpool. Scotland Road était utilisée par les passagers et les membres d'équipage de troisième classe.
* Le pont F, le pont intermédiaire, était le dernier pont complet et accueillait principalement les passagers de deuxième et troisième classe et plusieurs services de l'équipage. La salle à manger de troisième classe se trouvait ici, tout comme la piscine et le bain turc.
* Le pont G, le pont inférieur, était le pont complet le plus bas qui transportait des passagers et possédait les hublots les plus bas, juste au-dessus de la ligne de flottaison. Le terrain de squash se trouvait ici, ainsi que le bureau de poste ambulant où les lettres et les colis étaient triés et prêts à être livrés à l'accostage du navire. La nourriture y était également stockée. Le pont était interrompu en plusieurs points par des ponts orlop (partiels) au-dessus des salles des chaudières, des machines et des turbines.
* Les ponts Orlop et le Tank Top se trouvaient au niveau le plus bas du navire, sous la ligne de flottaison. Les ponts orlop étaient utilisés comme espaces de chargement, tandis que le Tank Top, le fond intérieur de la coque du navire, constituait la plate-forme sur laquelle étaient logés les chaudières, les moteurs, les turbines et les générateurs électriques du navire. Cette zone du navire était occupée par les salles des machines et des chaufferies, zones que les passagers ne seraient pas autorisés à voir. Ils étaient reliés aux niveaux supérieurs du navire par des volées d'escaliers ; des escaliers en colimaçon jumeaux près de la proue permettaient d'accéder au pont D.
Caractéristiques
Pouvoir
Le Titanic était équipé de trois moteurs principaux : deux moteurs à vapeur à quatre cylindres alternatifs à triple expansion et une turbine Parsons basse pression placée au centre, chacun entraînant une hélice. Les deux moteurs à pistons avaient une puissance combinée de 30 000 ch et 16 000 ch supplémentaires étaient fournis par la turbine. La White Star Line avait utilisé la même combinaison de moteurs sur un précédent paquebot, le SS Laurentic, où elle avait connu un grand succès. Il offrait une bonne combinaison de performances et de vitesse ; les moteurs alternatifs à eux seuls n'étaient pas assez puissants pour propulser un paquebot de classe olympique aux vitesses souhaitées, tandis que les turbines étaient suffisamment puissantes mais provoquaient des vibrations inconfortables, un problème qui affectait les paquebots Cunard à turbines Lusitania et Mauretania. En combinant des moteurs alternatifs avec une turbine, la consommation de carburant pourrait être réduite et la puissance motrice augmentée, tout en utilisant la même quantité de vapeur.
Les deux moteurs alternatifs mesuraient chacun 63 pieds de long et pesaient 720 tonnes, leurs plaques d'assise contribuant à 195 tonnes supplémentaires. Ils étaient alimentés par de la vapeur produite dans 29 chaudières, dont 24 à double extrémité et cinq à simple extrémité, qui contenaient un total de 159 fours. Les chaudières mesuraient 15 pieds de diamètre et 20 pieds de long, pesant chacune 91,5 tonnes et capables de contenir 48,5 tonnes d'eau.
Ils étaient chauffés en brûlant du charbon, dont 6 611 tonnes pouvaient être transportées dans les bunkers du Titanic et 1 092 tonnes supplémentaires dans la cale 3. Les fours nécessitaient plus de 600 tonnes de charbon par jour pour y être pelletées à la main, nécessitant les services de 176 pompiers. travailler 24 heures sur 24. 100 tonnes de cendres par jour devaient être éliminées en les rejetant à la mer. Le travail était acharné, sale et dangereux, et bien que les pompiers soient payés relativement généreusement, le taux de suicide était élevé parmi ceux qui travaillaient à ce titre.
La vapeur d'échappement sortant des moteurs à mouvement alternatif était introduite dans la turbine située à l'arrière. De là, elle passait dans un condenseur, pour augmenter l'efficacité de la turbine et pour que la vapeur puisse être condensée en eau et réutilisée. Les moteurs étaient fixés directement à de longs arbres qui entraînaient les hélices. Il y en avait trois, un pour chaque moteur ; les hélices extérieures (ou ailes) étaient les plus grandes, chacune portant trois pales en alliage manganèse-bronze d'un diamètre total de 1 000 mm. L'hélice centrale était légèrement plus petite (17 pieds de diamètre) et pouvait être arrêtée mais pas inversée.
La centrale électrique du Titanic était capable de produire plus d’énergie qu’une centrale électrique urbaine moyenne de l’époque. Immédiatement à l'arrière du moteur à turbine se trouvaient quatre générateurs électriques à vapeur de 400 kW, utilisés pour fournir de l'énergie électrique au navire, ainsi que deux générateurs auxiliaires de 30 kW pour une utilisation d'urgence. Leur emplacement à l’arrière du navire signifiait qu’ils restaient opérationnels jusqu’aux dernières minutes avant le naufrage du navire.
Technologie
Compartiments et entonnoirs étanches
L'intérieur des navires de classe olympique était subdivisé en 16 compartiments principaux divisés par 15 cloisons qui s'étendaient bien au-dessus de la ligne de flottaison. Onze portes étanches à fermeture verticale pourraient sceller les compartiments en cas d'urgence. Le pont exposé des navires était en pin et en teck, tandis que les plafonds intérieurs étaient recouverts de liège granulé peint pour lutter contre la condensation. Au-dessus des ponts se trouvaient quatre entonnoirs, chacun peint en chamois avec des sommets noirs (bien que trois seulement étaient fonctionnels - le dernier était un mannequin, installé à des fins esthétiques et également pour la ventilation de la cuisine) - et deux mâts, chacun mesurant 155 pieds de haut, qui derricks soutenus pour la cargaison de travail.
Moteurs de gouvernail et de direction
Le gouvernail du Titanic était suffisamment grand (78 pieds de haut et 15 pieds de long, pesant plus de 100 tonnes) pour nécessiter des moteurs de direction pour le déplacer. Deux moteurs de direction à vapeur ont été installés, mais un seul a été utilisé à la fois, l'autre étant gardé en réserve. Ils étaient reliés à la barre courte par des ressorts rigides, pour isoler les moteurs de direction de tout choc par mer agitée ou lors de changements de direction rapides. En dernier recours, la barre pouvait être déplacée par des cordes reliées à deux cabestans à vapeur. Les cabestans étaient également utilisés pour lever et abaisser les cinq ancres du navire (une à bâbord, une à tribord, une dans la ligne médiane et deux ancres à gréement).
Eau, ventilation et chauffage
Le navire était équipé de son propre système de distribution d'eau, capable de chauffer et de pomper l'eau vers toutes les parties du navire via un réseau complexe de tuyaux et de vannes. L'approvisionnement principal en eau a été embarqué pendant que le Titanic était au port, mais en cas d'urgence, le navire pouvait également distiller de l'eau douce à partir de l'eau de mer, bien que ce ne soit pas un processus simple car l'usine de distillation était rapidement obstruée par des dépôts de sel. Un réseau de conduits isolés transportait de l'air chaud, entraînés par des ventilateurs électriques, autour du navire, et les cabines de première classe étaient équipées de radiateurs électriques supplémentaires.
Communications radio
L'équipement radiotélégraphique du Titanics (alors connu sous le nom de télégraphie sans fil) a été loué à la White Star Line par la Marconi International Marine Communication Company, qui a également fourni deux de ses employés, Jack Phillips et Harold Bride, en tant qu'opérateurs. Le service maintenait un horaire de 24 heures, principalement l'envoi et la réception de télégrammes de passagers, mais traitait également les messages de navigation, notamment les bulletins météorologiques et les avertissements de glace.
La salle radio était située sur le pont des bateaux, dans les quartiers des officiers. Une « Silent Room » insonorisée, attenante à la salle d'opération, abritait des équipements bruyants, dont l'émetteur et un moteur-générateur utilisé pour produire des courants alternatifs. Les locaux d'habitation des opérateurs étaient adjacents au bureau de travail. Le navire était équipé d'un émetteur à éclateur rotatif de 5 kilowatts « de pointe », fonctionnant sous l'indicatif radio MGY, et la communication était effectuée en code Morse. Cet émetteur a été l'une des premières installations de Marconi à utiliser un éclateur rotatif, ce qui a donné au Titanic une tonalité musicale distinctive qui pouvait être facilement distinguée des autres signaux. L'émetteur était l'un des plus puissants au monde et garantissait une diffusion dans un rayon de 350 milles. Une antenne en T surélevée qui s'étendait sur toute la longueur du navire était utilisée pour la transmission et la réception. La fréquence de fonctionnement normale était de 500 kHz (longueur d'onde de 600 m), mais l'équipement pouvait également fonctionner sur la longueur d'onde "courte" de 1 000 kHz (longueur d'onde de 300 m) utilisée par les petits navires dotés d'antennes plus courtes.
Installations passagers
Les installations passagers à bord du Titanic visaient à répondre aux normes de luxe les plus élevées. Selon les plans généraux du Titanic, le navire pourrait accueillir 833 passagers de première classe, 614 en deuxième classe et 1 006 en troisième classe, pour une capacité totale de 2 453 passagers. De plus, sa capacité en membres d'équipage dépassait 900, car la plupart des documents de sa configuration d'origine indiquaient que sa capacité de transport totale pour les passagers et l'équipage était d'environ 3 547 personnes. Son design intérieur s'écartait de celui des autres paquebots, qui avaient généralement été décorés dans le style plutôt lourd d'un manoir ou d'une maison de campagne anglaise.
Le Titanic a été aménagé dans un style beaucoup plus léger, similaire à celui des hôtels haut de gamme contemporains (l'hôtel Ritz était une référence) avec des cabines de première classe finies dans le style Empire. Une variété d'autres styles décoratifs, allant de la Renaissance à l'époque victorienne, ont été utilisés pour décorer les cabines et les salles publiques des zones de première et de deuxième classe du navire. Le but était de donner l'impression que les passagers se trouvaient dans un hôtel flottant plutôt que dans un navire ; comme l'a rappelé un passager, en entrant à l'intérieur du navire, un passager "perdrait immédiatement le sentiment que nous sommes à bord du navire et semblait plutôt entrer dans le hall d'une grande maison à terre".
Les passagers pouvaient utiliser un système téléphonique à bord, une bibliothèque de prêt et un grand salon de coiffure. La section de première classe comprenait une piscine, un gymnase, un court de squash, un bain turc, un bain électrique et un café véranda. Les salles communes de première classe étaient ornées de boiseries ornées, de meubles coûteux et d'autres décorations, tandis que la salle générale de troisième classe était ornée de boiseries en pin et de meubles en teck robustes. Le Café Parisien était situé sur une véranda ensoleillée décorée de treillis et offrait la meilleure haute cuisine française aux passagers de première classe.
Les logements de troisième classe (également appelés Steerage) à bord du Titanic n'étaient pas aussi luxueux que ceux de première classe, mais ils étaient néanmoins meilleurs que sur de nombreux autres navires de l'époque. Ils reflétaient les normes améliorées que la White Star Line avait adoptées pour les voyages transatlantiques des immigrants et des classes inférieures. À l'époque, sur la plupart des autres navires à passagers de l'Atlantique Nord, les logements de troisième classe ne consistaient guère plus que des dortoirs ouverts à l'avant des navires, dans lesquels des centaines de personnes étaient confinées, souvent sans nourriture ni toilettes adéquates.
La White Star Line avait depuis longtemps brisé ce moule. Comme on le voit à bord du Titanic, tous les navires à passagers de la White Star Line divisaient leurs logements de troisième classe en deux sections, toujours aux extrémités opposées du navire. L'arrangement établi prévoyait que les hommes célibataires étaient cantonnés dans les zones avancées, tandis que les femmes célibataires, les couples mariés et les familles étaient cantonnés à l'arrière. De plus, alors que d'autres navires n'offraient que des couchettes ouvertes, les navires de la White Star Line offraient à leurs passagers de troisième classe des cabines privées, petites mais confortables, capables d'accueillir deux, quatre, six, huit et 10 passagers.
Les logements de troisième classe comprenaient également leurs propres salles à manger, ainsi que des zones de rassemblement public comprenant un espace de pont ouvert adéquat, qui à bord du Titanic comprenait le pont Forecastle à l'avant, le pont de dunette à l'arrière, les deux ponts de coffre et un grand espace ouvert sur le pont D qui pouvait être utilisé comme salle sociale. Cela a été complété par l'ajout d'un fumoir pour les hommes et d'une salle de lecture pour les femmes, et même si leur conception n'était pas aussi glamour que les espaces vus dans les logements de classe supérieure, ils étaient encore bien au-dessus de la moyenne de l'époque.
Des installations de loisirs ont été prévues pour les trois classes afin de passer le temps. En plus d'utiliser les équipements intérieurs tels que la bibliothèque, les fumoirs et le gymnase, il était également habituel pour les passagers de socialiser sur le pont ouvert, de se promener ou de se détendre sur des transats ou des bancs en bois loués. Une liste de passagers était publiée avant le départ pour informer le public quels membres des grands et bons se trouvaient à bord, et il n'était pas rare que des mères ambitieuses utilisent cette liste pour identifier de riches célibataires à qui elles pourraient présenter leurs filles à marier pendant le voyage. .
L'une des caractéristiques les plus distinctives du Titanic était son escalier de première classe, connu sous le nom de Grand Staircase ou Grand Stairway. Celui-ci descendait à travers sept ponts du navire, du pont de bateau au pont E dans le style élégant représenté dans les photographies et les films, puis sous la forme d'un escalier plus fonctionnel et moins élégant de là jusqu'au pont F. Il était coiffé d'un dôme en fer forgé et en verre laissant passer la lumière naturelle. Chaque palier de l'escalier donnait accès à des halls d'entrée ornés et éclairés par des luminaires plaqués or.
Sur le palier le plus élevé se trouvait un grand panneau en bois sculpté contenant une horloge, avec les chiffres « Honneur et Gloire couronnant le temps » flanquant le cadran de l'horloge. Le Grand Escalier a été détruit lors du naufrage du Titanic et n'est plus qu'un vide dans le navire que les explorateurs modernes ont utilisé pour accéder aux ponts inférieurs. Lors du tournage de Titanic de James Cameron en 1997, sa réplique du Grand Escalier a été arrachée de ses fondations par la force de l'eau qui s'est déversée sur le plateau. Il a été suggéré que lors de l'événement réel, le grand escalier tout entier a été éjecté vers le haut à travers le dôme.
Courrier et fret
Bien que le Titanic soit avant tout un paquebot, il transportait également une quantité importante de marchandises. Sa désignation de Royal Mail Ship (RMS) indiquait qu'elle transportait du courrier sous contrat avec la Royal Mail (et également pour le département des Postes des États-Unis). Pour le stockage des lettres, des colis et des espèces (lingots, pièces de monnaie et autres objets de valeur), 26 800 pieds cubes d'espace dans ses cales ont été alloués. Le bureau de poste maritime sur le pont G était tenu par cinq commis des postes ; trois Américains et deux Britanniques, qui travaillaient 13 heures par jour, sept jours sur sept, triant jusqu'à 60 000 articles par jour.
Les passagers du navire emportaient avec eux une énorme quantité de bagages ; 19 455 cuft supplémentaires ont été occupés par les bagages de première et de deuxième classe. En outre, il y avait une quantité considérable de marchandises régulières, allant des meubles aux produits alimentaires et même aux automobiles. Malgré les mythes ultérieurs, la cargaison du voyage inaugural du Titanic était assez banale ; il n'y avait pas d'or, de minéraux exotiques ou de diamants, et l'un des objets les plus célèbres perdus dans le naufrage, une copie ornée de bijoux du Rubaiyat d'Omar Khayyam, était évalué à seulement 405 £ (£ aujourd'hui). Selon les demandes d'indemnisation déposées auprès du commissaire Gilchrist, à la suite de la conclusion de l'enquête sénatoriale, le bagage ou la cargaison le plus apprécié était une grande peinture à l'huile néoclassique intitulée La Circassienne au Bain de l'artiste français Merry-Joseph Blondel. Le propriétaire du tableau, le passager de première classe Mauritz Håkan Björnström-Steffansson, a déposé une réclamation de 100 000 $ (l'équivalent de 2,4 millions de dollars en 2014) en compensation pour la perte de l'œuvre d'art.
Le Titanic était équipé de huit grues électriques, de quatre treuils électriques et de trois treuils à vapeur pour soulever la cargaison et les bagages dans et hors de la soute. On estime que le navire a utilisé environ 415 tonnes de charbon à Southampton, générant simplement de la vapeur pour faire fonctionner les treuils de chargement et fournir de la chaleur et de la lumière.
Canots de sauvetage
Le Titanic transportait un total de 20 canots de sauvetage : 14 canots de sauvetage standard Harland and Wolff en bois d'une capacité de 65 personnes chacun et quatre canots de sauvetage Englehardt « pliables » (fond en bois, côtés en toile pliables) (identifiés de A à D) d'une capacité de 47 personnes. chaque. De plus, elle disposait de deux cutters de secours d'une capacité de 40 personnes chacun. Olympic elle-même n'a même pas transporté les quatre pliables A-D pendant la saison 1911-1912. Tous les canots de sauvetage étaient arrimés en toute sécurité sur le pont du bateau et, à l'exception des canots de sauvetage pliables A et B, reliés aux bossoirs par des cordes. Ceux du côté tribord étaient numérotés impairs de 1 à 15 de la proue à la poupe, tandis que ceux du côté bâbord étaient numérotés pairs de 2 à 16 de la proue à la poupe.
Les deux cotres étaient maintenus sortis, suspendus aux bossoirs, prêts à être utilisés immédiatement, tandis que les canots de sauvetage pliables C et D étaient rangés sur le pont du bateau (reliés aux bossoirs) immédiatement à l'intérieur des bateaux 1 et 2 respectivement. A et B étaient stockés sur le toit du quartier des officiers, de chaque côté de l'entonnoir numéro 1. Il n'y avait pas de bossoirs pour les abaisser et leur poids les rendrait difficiles à lancer à la main. Chaque bateau transportait (entre autres choses) de la nourriture, de l'eau, des couvertures et une ceinture de sauvetage de rechange. Des cordes de sécurité sur les côtés des bateaux leur permettaient de sauver des personnes supplémentaires de l'eau si nécessaire.
Le Titanic disposait de 16 ensembles de bossoirs, chacun pouvant accueillir quatre canots de sauvetage. Cela a donné au Titanic la capacité de transporter jusqu'à 64 canots de sauvetage en bois, ce qui aurait suffi pour 4 000 personnes, soit considérablement plus que sa capacité réelle. Cependant, la White Star Line a décidé que seuls 16 canots de sauvetage en bois et quatre pliables seraient transportés, pouvant accueillir 1 178 personnes, soit seulement un tiers de la capacité totale du Titanic. À l'époque, les règlements du Board of Trade exigeaient que les navires britanniques de plus de 10 000 tonnes ne transportent que 16 canots de sauvetage d'une capacité de 990 occupants.
Par conséquent, la White Star Line a en fait fourni plus de logements pour canots de sauvetage que ce qui était légalement requis. À l’époque, les canots de sauvetage étaient destinés à transporter les survivants d’un navire en perdition vers un navire de sauvetage, et non à maintenir à flot toute la population ni à la ramener à terre. Si le SS Californian avait répondu aux appels de détresse du Titanic, les canots de sauvetage auraient pu suffire à transporter les passagers en sécurité comme prévu.
Construire et préparer le navire
Construction, mise à l'eau et aménagement
La taille même du Titanic et de ses navires jumeaux représentait un défi technique majeur pour Harland et Wolff ; aucun constructeur naval n'avait jamais tenté de construire des navires de cette taille. Les navires ont été construits sur l'île de la Reine, aujourd'hui connue sous le nom de Titanic Quarter, dans le port de Belfast. Harland et Wolff ont dû démolir trois cales de halage existantes et en construire deux nouvelles, les plus grandes jamais construites jusqu'à présent, pour accueillir les deux navires. Leur construction fut facilitée par un énorme portique construit par Sir William Arrol & Co., une entreprise écossaise responsable de la construction du Forth Bridge et du Tower Bridge de Londres. Le portique Arrol mesurait 228 pieds de haut, 270 pieds de large et 840 pieds de long et pesait plus de 6 000 tonnes. Il abritait un certain nombre de grues mobiles. Une grue flottante distincte, capable de soulever 200 tonnes, a été importée d'Allemagne.
La construction de l'Olympic et du Titanic s'est déroulée pratiquement en parallèle, la coque de l'Olympic étant posée pour la première fois le 16 décembre 1908 et celle du Titanic le 31 mars 1909. La construction des deux navires a pris environ 26 mois et a suivi à peu près le même processus de construction. Ils ont été conçus essentiellement comme une énorme poutre-caisson flottante, la quille faisant office de colonne vertébrale et les cadres de la coque formant les nervures. À la base des navires, un double fond de 5 pieds de profondeur supportait 300 cadres, chacun espacé de 24 à 36 pouces et mesurant jusqu'à environ 66 pieds de long. Ils se terminaient au pont du pont (pont B) et étaient recouverts de plaques d'acier qui formaient la peau extérieure des navires.
Les 2 000 plaques de coque étaient des pièces uniques de tôles d'acier laminées, mesurant pour la plupart jusqu'à 6 pieds de largeur et 30 pieds de longueur et pesant entre 2,5 et 3 tonnes. Leur épaisseur variait de 1 po à . Les plaques étaient posées en clinker (se chevauchant) de la quille à la cale. Au-dessus de ce point, ils ont été posés de la manière « entrée et sortie », où le placage de virures était appliqué en bandes (les « virures d'entrée ») avec les espaces couverts par les « virures de sortie », se chevauchant sur les bords. Les méthodes commerciales de soudage à l'oxy-combustible et à l'arc électrique, omniprésentes dans la fabrication aujourd'hui, en étaient encore à leurs balbutiements ; Comme la plupart des autres structures en fer et en acier de l'époque, la coque était maintenue par plus de trois millions de rivets en fer et en acier, qui pesaient à eux seuls plus de 1 200 tonnes. Ils étaient montés à l'aide de machines hydrauliques ou martelés à la main. Dans les années 1990, certains spécialistes des matériaux ont conclu que la plaque d'acier utilisée pour le navire était particulièrement fragile à froid, et que cette fragilité exacerbait les dommages causés par l'impact et accélérait le naufrage. On pense que, selon les normes de l'époque, la qualité de la tôle d'acier était bonne, pas défectueuse, mais qu'elle était inférieure à celle qui serait utilisée à des fins de construction navale au cours des décennies suivantes, en raison des progrès de la métallurgie de la fabrication de l'acier. Quant aux rivets, une importance considérable a également été accordée à leur qualité et à leur solidité.
L'un des derniers éléments installés sur le Titanic avant le lancement du navire était ses deux ancres latérales et une ancre centrale. Les ancres elles-mêmes représentaient un défi à réaliser, l'ancre centrale étant la plus grande jamais forgée à la main et pesant près de 16 tonnes. Vingt chevaux de trait Clydesdale étaient nécessaires pour transporter l'ancre centrale par wagon depuis la forge de Noah Hingley & Sons Ltd à Netherton, près de Dudley, au Royaume-Uni, jusqu'à la gare de Dudley à trois kilomètres de là. De là, il a été expédié par chemin de fer jusqu'à Fleetwood dans le Lancashire avant d'être chargé à bord d'un navire et envoyé à Belfast.
Le travail de construction des navires était difficile et dangereux. Pour les 15 000 hommes qui travaillaient chez Harland and Wolff à l’époque, les précautions de sécurité étaient pour le moins rudimentaires ; une grande partie du travail était dangereuse et était effectuée sans aucun équipement de sécurité comme des casques de sécurité ou des protège-mains sur les machines. En conséquence, il fallait s'attendre à des morts et des blessés. Lors de la construction du Titanic, 246 blessures ont été enregistrées, dont 28 « graves », comme des bras sectionnés par des machines ou des jambes écrasées sous des chutes de morceaux d'acier. Six personnes sont mortes sur le navire lui-même pendant sa construction et son aménagement, et deux autres sont mortes dans les ateliers et les hangars du chantier naval. Juste avant le lancement, un ouvrier a été tué lorsqu'un morceau de bois lui est tombé dessus.
Titanic a été lancé à 12 h 15. le 31 mai 1911 en présence de Lord Pirrie, J. Pierpoint Morgan, J. Bruce Ismay et de 100 000 spectateurs. 22 tonnes de savon et de suif ont été répandues sur la cale de halage pour lubrifier le passage du navire dans la rivière Lagan. Conformément à la politique traditionnelle de la White Star Line, le navire n'a pas été officiellement nommé ni baptisé avec du champagne. Le navire a été remorqué jusqu'à un poste d'aménagement où, au cours de l'année suivante, ses moteurs, ses cheminées et sa superstructure ont été installés et son intérieur a été aménagé.
Bien que le Titanic soit pratiquement identique au | http://quiz4free.com/ |
La maladie de Hansen est mieux connue sous quel nom ? | Lèpre | [
"Fichier:Lépreux, Tahiti (1898).jpg|Lèpre à Tahiti, vers 1895",
"* Lèpre précoce et indéterminée",
"* Lèpre tuberculoïde",
"*Lèpre tuberculoïde limite",
"*Lèpre limite",
"*Lèpre lépromateuse limite",
"* Lèpre lépromateuse",
"* Lèpre histoïde",
"* Lèpre diffuse de Lucio et Latapí"
] | La lèpre, également connue sous le nom de maladie de Hansen (HD), est une infection à long terme causée par les bacilles Mycobacterium leprae et Mycobacterium lepromatosis. Au départ, les infections sont asymptomatiques et le restent généralement de 5 à 20 ans. Les symptômes qui se développent comprennent des granulomes des nerfs, des voies respiratoires, de la peau et des yeux. Cela peut entraîner un manque de capacité à ressentir la douleur et donc une perte de parties des extrémités en raison de blessures répétées ou d'infections dues à des blessures inaperçues. Une faiblesse et une mauvaise vue peuvent également être présentes.
La lèpre se transmet entre les gens. On pense que cela se produit par une toux ou un contact avec du liquide provenant du nez d'une personne infectée. La lèpre survient plus fréquemment parmi les personnes vivant dans la pauvreté et serait transmise par des gouttelettes respiratoires. Contrairement à la croyance populaire, elle n’est pas très contagieuse. Les deux principaux types de maladies dépendent du nombre de bactéries présentes : paucibacillaire et multibacillaire. Les deux types se différencient par le nombre de taches cutanées engourdies et peu pigmentées, les paucibacillaires en ayant cinq ou moins et les multibacillaires en ayant plus de cinq. Le diagnostic est confirmé par la détection de bacilles acido-résistants dans une biopsie de la peau ou par la détection de l'ADN par réaction en chaîne par polymérase.
La lèpre peut être guérie grâce à un traitement appelé polychimiothérapie (PCT). Le traitement de la lèpre paucibacillaire repose sur les médicaments dapsone et rifampicine pendant six mois. Le traitement de la lèpre multibacillaire consiste en la rifampicine, la dapsone et la clofazimine pendant 12 mois. Ces soins sont fournis gratuitement par l'Organisation mondiale de la santé. Un certain nombre d'autres antibiotiques peuvent également être utilisés. À l’échelle mondiale, en 2012, le nombre de cas chroniques de lèpre était de 189 000, contre 5,2 millions dans les années 1980. Le nombre de nouveaux cas était de 230 000. La plupart des nouveaux cas surviennent dans 16 pays, l'Inde représentant plus de la moitié. Au cours des 20 dernières années, 16 millions de personnes dans le monde ont été guéries de la lèpre. Environ 200 cas sont signalés chaque année aux États-Unis.
La lèpre touche l’humanité depuis des milliers d’années. La maladie tire son nom du mot latin lepra, qui signifie « squameux », tandis que le terme « maladie de Hansen » doit son nom au médecin Gerhard Armauer Hansen. Séparer les gens en les plaçant dans des colonies de lépreux est encore une pratique courante dans des pays comme l'Inde, la Chine et l'Afrique. Cependant, la plupart des colonies ont fermé leurs portes car la lèpre est peu contagieuse. La stigmatisation sociale a été associée à la lèpre pendant une grande partie de l'histoire, ce qui continue de constituer un obstacle à l'auto-déclaration et au traitement précoce. Certains considèrent le mot « lépreux » comme offensant, préférant l'expression « personne atteinte de la lèpre ». La Journée mondiale de la lèpre a été créée en 1954 pour sensibiliser l'opinion aux personnes touchées par la lèpre.
Signes et symptômes
La lèpre est avant tout une maladie granulomateuse des nerfs périphériques et de la muqueuse des voies respiratoires supérieures ; les lésions cutanées (taches claires ou foncées) sont le principal signe extérieur. Si elle n'est pas traitée, la lèpre peut progresser et causer des lésions permanentes à la peau, aux nerfs, aux membres et aux yeux. Contrairement au folklore, la lèpre ne provoque pas la chute de parties du corps, même si elles peuvent devenir engourdies ou malades à la suite d'infections secondaires ; celles-ci surviennent lorsque les défenses de l'organisme sont compromises par la maladie primaire. Les infections secondaires, à leur tour, peuvent entraîner une perte de tissus entraînant un raccourcissement et une déformation des doigts et des orteils, à mesure que le cartilage est absorbé par le corps.
Fichier:Déformations de la lèpre mains.jpg|Mains déformées par la lèpre
Fichier:Lépreux, Tahiti (1898).jpg|Lèpre à Tahiti, vers 1895
Fichier : Une femme de 26 ans présentant des lésions lépreuses Wellcome L0074857.jpg|Une femme de 26 ans présentant des lésions lépreuses
Fichier:Garçon de 13 ans atteint de lèpre sévère Wellcome L0074842.jpg|Garçon de 13 ans atteint de lèpre sévère
Cause
M. leprae
M. leprae et M. lepromatosis sont les agents responsables de la lèpre. M. lepromatosis est une mycobactérie relativement récemment identifiée, isolée d'un cas mortel de lèpre lépromateuse diffuse en 2008.
Bactérie intracellulaire acido-résistante, M. leprae est aérobie et en forme de bâtonnet, et est entourée du revêtement de membrane cellulaire cireuse caractéristique du genre Mycobacterium.
En raison de la perte importante de gènes nécessaires à une croissance indépendante, M. leprae et M. lepromatosis sont des pathogènes intracellulaires obligatoires et incultivables en laboratoire, un facteur qui rend difficile l'identification définitive de l'organisme selon une interprétation stricte des postulats de Koch. Le recours à des techniques non fondées sur la culture, telles que la génétique moléculaire, a permis d'établir d'autres liens de causalité.
Bien que les organismes responsables soient jusqu'à présent impossibles à cultiver in vitro, il a été possible de les cultiver chez des animaux tels que des souris et des tatous.
Une infection naturelle a également été signalée chez des primates non humains, notamment le chimpanzé africain, le mangabey fuligineux et le macaque cynomolgus, ainsi que chez
tatous et écureuils roux.
Facteurs de risque
Le plus grand facteur de risque de développer la lèpre est le contact avec un autre cas de lèpre. Les contacts de personnes atteintes de lèpre sont 5 à 8 fois plus susceptibles de développer la lèpre que les membres de la population générale. D'autres facteurs de risque sont mal compris. Cependant, les conditions qui réduisent la fonction immunitaire, telles que la malnutrition, d'autres maladies ou les différences génétiques de l'hôte, peuvent augmenter le risque de développer la lèpre. Malgré cela, l’infection par le VIH ne semble pas augmenter le risque de développer la lèpre.
Transmission
La transmission de la lèpre se produit lors de contacts étroits avec des personnes infectées. On pense que la transmission se fait par gouttelettes nasales.
On ne sait pas que la lèpre soit sexuellement transmissible ou hautement contagieuse. Les gens ne sont plus contagieux après seulement deux semaines de traitement.
La lèpre peut également être transmise aux humains par les tatous et peut être présente chez trois espèces de primates non humains.
Deux voies de sortie de M. leprae du corps humain souvent décrites sont la peau et la muqueuse nasale, bien que leur importance relative ne soit pas claire. Les cas lépromateux montrent un grand nombre d'organismes profondément présents dans le derme, mais il est douteux qu'ils atteignent la surface de la peau en nombre suffisant.
La peau et les voies respiratoires supérieures constituent la voie d'entrée la plus probable. Alors que des recherches plus anciennes portaient sur la voie cutanée, les recherches récentes privilégient de plus en plus la voie respiratoire. Une transmission expérimentale de la lèpre par des aérosols contenant M. leprae chez des souris immunodéprimées a été réalisée, suggérant une possibilité similaire chez l'homme.
La génétique
Plusieurs gènes ont été associés à une susceptibilité à la lèpre. Le système immunitaire de nombreuses personnes est capable d'éliminer la lèpre dès les premiers stades de l'infection, avant que des symptômes graves ne se développent. Les recherches suggèrent qu'un défaut de l'immunité à médiation cellulaire entraîne une susceptibilité à la lèpre. La région de l'ADN responsable de cette variabilité est également impliquée dans la maladie de Parkinson, ce qui donne lieu à des spéculations actuelles selon lesquelles les deux troubles pourraient être liés d'une manière ou d'une autre au niveau biochimique.
Certaines données indiquent que toutes les personnes infectées par M. leprae ne développent pas la lèpre, et on a longtemps pensé que des facteurs génétiques jouaient un rôle, en raison de l'observation d'un regroupement de lèpre autour de certaines familles et de l'incapacité de comprendre pourquoi certains individus développent la lèpre. la lèpre tandis que d’autres développent d’autres types de lèpre.
Physiopathologie
On ne sait pas comment l’infection produit les symptômes de la maladie.
Diagnostic
Selon l'Organisation mondiale de la santé, le diagnostic dans les zones où les personnes sont fréquemment infectées repose sur l'un de ces principaux signes :
* Lésion cutanée compatible avec la lèpre et avec perte sensorielle certaine
* Frottis cutanés positifs
Les lésions cutanées peuvent être uniques ou multiples, généralement hypopigmentées, bien qu'elles soient parfois rougeâtres ou cuivrées. Les lésions peuvent être des macules (plates), des papules (en relief) ou nodulaires. La perte sensorielle au niveau de la lésion cutanée est importante car cette caractéristique peut aider à se différencier des autres causes de lésions cutanées telles que le pityriasis versicolor.
L'épaississement des nerfs est associé à la lèpre et peut s'accompagner d'une perte de sensation ou d'une faiblesse musculaire. Cependant, sans les lésions cutanées et la perte sensorielle caractéristiques, la faiblesse musculaire n’est pas considérée comme un signe fiable de la lèpre.
Frottis cutanés positifs : dans certains cas, les bacilles de la lèpre acido-résistants sont considérés comme diagnostiques ; cependant, le diagnostic est clinique.
Dans les régions où la maladie est rare, comme aux États-Unis, le diagnostic est souvent retardé parce que les prestataires de soins de santé ignorent l'existence de la lèpre et ses symptômes. Un diagnostic et un traitement précoces préviennent l’atteinte nerveuse, caractéristique de la lèpre, et le handicap qu’elle provoque.
De nombreux types de lèpre sont connus, mais certains symptômes sont fréquents, notamment l'écoulement nasal, le cuir chevelu sec, les problèmes oculaires, les lésions cutanées, la faiblesse musculaire, la peau rougeâtre, l'épaississement diffus et lisse de la peau du visage, des oreilles et des mains, la perte de sensation des doigts. et des orteils, épaississement des nerfs périphériques et nez plat dû à la destruction du cartilage nasal. En outre, la phonation et la résonance du son se produisent pendant la parole. Souvent, une atrophie des testicules et une impuissance surviennent.
Classification
Il existe plusieurs approches différentes pour classer la lèpre, mais des parallèles existent.
* Le système de l'Organisation mondiale de la santé distingue les « paucibacillaires » et les « multibacillaires » en fonction de la prolifération des bactéries. ("pauci-" fait référence à une faible quantité.)
* L'échelle SHAY propose cinq gradations.
* La CIM-10, bien que développée par l'OMS, utilise Ridley-Jopling et non le système de l'OMS. Il ajoute également une entrée indéterminée (« I »).
* Dans MeSH, trois groupements sont utilisés.
On observe une différence dans la réponse immunitaire aux formes tuberculoïde et lépromateuse.
La lèpre peut également être divisée en :
* Lèpre précoce et indéterminée
* Lèpre tuberculoïde
*Lèpre tuberculoïde limite
*Lèpre limite
*Lèpre lépromateuse limite
* Lèpre lépromateuse
* Lèpre histoïde
* Lèpre diffuse de Lucio et Latapí
Cette maladie peut également survenir avec une atteinte uniquement neuronale, sans lésions cutanées.
La prévention
La détection précoce de la maladie est importante, car les dommages physiques et neurologiques peuvent être irréversibles même s'ils sont guéris. Les médicaments peuvent réduire le risque de contracter la maladie chez les personnes vivant avec des lépreux et probablement chez ceux avec qui les lépreux entrent en contact en dehors du domicile. Cependant, des préoccupations sont connues concernant la résistance, le coût et la divulgation du statut infectieux d'une personne lors du suivi des contacts. Par conséquent, l’OMS recommande que les personnes vivant dans le même foyer soient examinées pour la lèpre et ne soient traitées que si des symptômes sont présents.
Le vaccin Bacillus Calmette-Guérin (BCG) offre un degré variable de protection contre la lèpre en plus de la tuberculose. Il semble être efficace à 26 à 41 % (sur la base d'essais contrôlés) et à environ 60 % d'après des études observationnelles, deux doses pouvant être plus efficaces qu'une. Le développement d'un vaccin plus efficace est en cours depuis 2015.
Traitement
Un certain nombre d'agents léprostatiques sont disponibles pour le traitement. Pour les cas paucibacillaires (PB ou tuberculoïdes), un traitement quotidien par dapsone et mensuellement par rifampicine pendant six mois est recommandé. Alors que pour les cas multibacillaires (MB ou lépromateux), un traitement quotidien par dapsone et clofazimine ainsi que par rifampicine mensuelle pendant douze mois est recommandé.
La polychimiothérapie (PCT) reste très efficace et les personnes ne sont plus contagieuses après la première dose mensuelle. Il est sûr et facile à utiliser sur le terrain grâce à sa présentation sous blister calendrier. Les taux de rechute restent faibles et aucune résistance aux médicaments combinés n’est observée.
Épidémiologie
En 2012, le nombre de cas de lèpre était d'environ 180 000. En 2011, le nombre approximatif de nouveaux cas de lèpre diagnostiqués était de 220 000.
En 2013, 14 pays détenaient 95 % des cas de lèpre signalés dans le monde. Parmi eux, l'Inde compte le plus grand nombre de cas (59 %), suivie du Brésil (14 %) et de l'Indonésie (8 %). Bien que le nombre de cas dans le monde continue de baisser, des poches de forte prévalence subsistent dans certaines régions comme le Brésil, l'Asie du Sud (Inde, Népal, Bhoutan), certaines régions d'Afrique (Tanzanie, Madagascar, Mozambique) et le Pacifique occidental.
Le nombre de cas de lèpre s'élevait à des dizaines de millions dans les années 1960, une série d'initiatives nationales (Fédération internationale des associations de lutte contre la lèpre) et internationales (la « Stratégie mondiale pour réduire la charge de morbidité due à la lèpre » de l'OMS) ont permis de réduire le nombre total et le nombre de nouveaux cas de la maladie. En 1995, on estimait que deux à trois millions de personnes étaient handicapées de façon permanente à cause de la lèpre.
Charge de morbidité
Bien que le nombre de nouveaux cas de lèpre survenant chaque année soit important comme mesure de la transmission, il est difficile à mesurer en raison de la longue période d'incubation de la lèpre, des délais de diagnostic après l'apparition de la maladie et du manque d'outils de laboratoire pour la détecter dans le pays. des stades très précoces. Au lieu de cela, la prévalence enregistrée est utilisée. La prévalence enregistrée est un indicateur indirect utile de la charge de morbidité, car elle reflète le nombre de cas de lèpre active diagnostiqués avec la maladie et recevant un traitement par PCT à un moment donné. Le taux de prévalence est défini comme le nombre de cas enregistrés pour un traitement PCT parmi la population dans laquelle les cas sont survenus, toujours à un moment donné.
La détection de nouveaux cas est un autre indicateur de la maladie généralement signalé par les pays sur une base annuelle. Il comprend les cas diagnostiqués avec un début de maladie au cours de l’année en question (incidence réelle) et une grande proportion de cas apparus au cours des années précédentes (appelé prévalence de l’arriéré de cas non détectés).
Les pays d'endémie signalent également le nombre de nouveaux cas présentant des handicaps établis au moment de la détection, comme indicateur de la prévalence de l'arriéré. La détermination du moment d'apparition de la maladie est, en général, peu fiable, demande beaucoup de travail et est rarement effectuée lors de l'enregistrement de ces statistiques.
Histoire
Grâce à la génomique comparative, en 2005, des généticiens ont retracé les origines et la répartition mondiale de la lèpre en Afrique de l'Est ou au Proche-Orient le long des routes de migration humaine. Ils ont découvert qu'il existait quatre souches de M. leprae avec des localisations régionales spécifiques. La souche 1 est présente principalement en Asie, dans la région du Pacifique et en Afrique de l'Est ; souche 4, en Afrique de l'Ouest et dans les Caraïbes ; souche 3 en Europe, en Afrique du Nord et dans les Amériques ; et la souche 2 uniquement en Éthiopie, au Malawi, au Népal/Inde du Nord et en Nouvelle-Calédonie.
Sur cette base, ils proposent une carte de la propagation de la lèpre dans le monde. Cela confirme la propagation de la maladie le long des routes de migration, de colonisation et de traite des esclaves allant de l’Afrique de l’Est vers l’Inde, de l’Afrique de l’Ouest vers le Nouveau Monde et de l’Afrique vers l’Europe et vice versa.
Les traces squelettiques les plus anciennes de la maladie ont été trouvées dans les restes humains des sites archéologiques de Balathal et Harappa, respectivement en Inde et au Pakistan.
Bien qu'il soit difficile d'identifier rétrospectivement des descriptions de symptômes s'apparentant à la lèpre, ce qui semble être la lèpre a été discuté par Hippocrate en 460 avant JC. En 1846, Francis Adams a produit Les Sept Livres de Paulus Aegineta qui comprenaient un commentaire sur toutes les connaissances médicales et chirurgicales, ainsi que des descriptions et des remèdes liés à la lèpre des Romains, des Grecs et des Arabes.
Les interprétations de la présence de la lèpre ont été faites sur la base de descriptions de sources documentaires indiennes anciennes (Atharva Verda et Kausika Sutra), grecques et du Moyen-Orient qui décrivent des affections cutanées.
Des restes squelettiques datant du deuxième millénaire avant J.-C., découverts en 2009, représentent la plus ancienne preuve documentée de la lèpre. Situés à Balathal, au Rajasthan, au nord-ouest de l'Inde, les découvreurs suggèrent que si la maladie a effectivement migré d'Afrique vers l'Inde, au cours du troisième millénaire avant JC, « À une époque où il y avait une interaction substantielle entre la civilisation de l’Indus, la Mésopotamie et l’Égypte, il est nécessaire de disposer de preuves squelettiques et moléculaires supplémentaires de la lèpre en Inde et en Afrique afin de confirmer l’origine africaine de la maladie. » Un cas humain avéré a été vérifié par l'ADN prélevé sur les restes enveloppés d'un homme découvert dans une tombe à côté de la vieille ville de Jérusalem, daté par des méthodes au radiocarbone entre 1 et 50 après JC.
L'agent causal de la lèpre, M. leprae, a été découvert par G. H. Armauer Hansen en Norvège en 1873, ce qui en fait la première bactérie identifiée comme provoquant une maladie chez l'homme. Le premier traitement efficace (promin) est devenu disponible dans les années 1940. Dans les années 1950, la dapsone a été introduite. La recherche de médicaments antilépreux plus efficaces a conduit à l’utilisation de la clofazimine et de la rifampicine dans les années 1960 et 1970. Plus tard, le scientifique indien Shantaram Yawalkar et ses collègues ont formulé une thérapie combinée utilisant la rifampicine et la dapsone, destinée à atténuer la résistance bactérienne. La polychimiothérapie (PCT) combinant les trois médicaments a été recommandée pour la première fois par l'OMS en 1981. Ces trois médicaments antilépreux sont toujours utilisés dans les schémas thérapeutiques standard de PCT.
On croyait autrefois que la lèpre était très contagieuse et était traitée au mercure, ce qui s'appliquait à la syphilis, décrite pour la première fois en 1530. De nombreux premiers cas considérés comme de la lèpre auraient pu en réalité être la syphilis. Une résistance s'est développée au traitement initial. Jusqu'à l'introduction de la PCT au début des années 1980, la maladie ne pouvait pas être diagnostiquée et traitée avec succès au sein de la communauté.
Le Japon possède toujours des sanatoriums (bien que les sanatoriums japonais n'aient plus de cas de lèpre active et que les survivants n'y soient pas détenus par la loi).
L'importance de la muqueuse nasale dans la transmission de M leprae a été reconnue dès 1898 par Schäffer, notamment celle de la muqueuse ulcérée.Arch Dermato Syphilis 1898 ; 44 : 159-174
Société et culture
Coût du traitement
Entre 1995 et 1999, l'OMS, avec l'aide de la Nippon Foundation, a fourni gratuitement à tous les pays d'endémie une polythérapie (PCT) sous blister, acheminée par l'intermédiaire des ministères de la Santé. Cette offre gratuite a été étendue en 2000 et à nouveau en 2005 grâce aux dons du fabricant de MDT Novartis par l'intermédiaire de l'OMS. Dans le dernier accord signé entre l'entreprise et l'OMS en octobre 2010, la fourniture gratuite de PCT par l'OMS à tous les pays d'endémie se poursuivra désormais au moins jusqu'à la fin 2015. Au niveau national, les organisations non gouvernementales (ONG) affiliées à le programme national continuera de bénéficier d'un approvisionnement gratuit approprié de cette PCT fournie par l'OMS par le gouvernement.
Textes historiques
Les récits écrits sur la lèpre remontent à des milliers d'années. Diverses maladies de peau traduites par lèpre apparaissent dans l’ancien texte indien, l’Atharava Veda, dès 2000 avant JC. Un autre texte indien, les Lois de Manu (1 500 avant JC), interdisait tout contact avec les personnes infectées par la maladie et rendait punissable le mariage avec une personne infectée par la lèpre.
De nombreuses traductions anglaises de la Bible traduisent tzaraath par « lèpre », une confusion qui découle de l'utilisation du terme apparenté koine « Λέπρα » (qui peut désigner toute maladie provoquant une peau squameuse) dans la Septante. Des sources anciennes telles que le Talmud (Sifra 63) indiquent clairement que le tzaraath fait référence à divers types de lésions ou de taches associées à des impuretés rituelles et apparaissant sur les tissus, le cuir ou les maisons, ainsi que sur la peau. Cela peut parfois être un symptôme de la maladie décrite dans cet article, mais il existe également de nombreuses autres causes. Le Nouveau Testament décrit des exemples de Jésus guérissant des lépreux (Luc 5 : 10), bien que la relation précise entre ce tzaraath et la maladie de Hansen ne soit pas établie.
La perception biblique selon laquelle les lépreux étaient impurs peut être liée à un passage de Lévitique 13 : 44-46. La croyance judéo-chrétienne considérait la lèpre comme une maladie morale, et les premiers chrétiens croyaient que les personnes touchées par la lèpre étaient punies par Dieu pour leur comportement pécheur. Les associations morales ont persisté tout au long de l’histoire. Le pape Grégoire le Grand (540-604) et Isidor de Séville (560-636) considéraient les personnes atteintes de la maladie comme des hérétiques.
Moyen-âge
On pense qu’il y a eu une augmentation de la lèpre en Europe au Moyen Âge, en raison du nombre croissant d’hôpitaux créés pour traiter les lépreux aux XIIe et XIIIe siècles. La France à elle seule comptait près de 2 000 léproseries durant cette période.
La perception sociale dans les communautés médiévales était généralement celle de la peur, et les personnes infectées par la maladie étaient considérées comme impures, indignes de confiance et moralement corrompues. Les personnes atteintes de lèpre devaient également souvent porter des vêtements qui les identifiaient comme telles ou porter une cloche annonçant leur présence. La ségrégation de la société dominante était courante. Le troisième concile du Latran de 1179 et un édit de 1346 du roi Édouard expulsèrent les lépreux des limites de la ville. En raison de la stigmatisation morale de la maladie, les méthodes de traitement étaient à la fois physiques et spirituelles et des léproseries furent créées sous la tutelle de l'Église.
XIXe siècle
Norvège
La Norvège a été le pays où une position progressiste a été adoptée en matière de suivi et de traitement de la lèpre et a joué un rôle influent dans la compréhension européenne de la maladie. En 1832, le Dr JJ Hjort mena la première enquête sur la lèpre, établissant ainsi la base des enquêtes épidémiologiques. Des enquêtes ultérieures ont abouti à la création d'un registre national de la lèpre pour étudier les causes de la lèpre et suivre le taux d'infection.
Les premières recherches sur la lèpre dans toute l’Europe ont été menées par des scientifiques norvégiens, Daniel Cornelius Danielssen et C.W. Boeck. Leurs travaux ont abouti à la création du Centre national de recherche et de traitement de la lèpre. Danielssen et Boeck pensaient que la cause de la transmission de la lèpre était héréditaire. Cette position a eu une influence en plaidant pour l'isolement des personnes infectées par sexe afin d'empêcher la reproduction.
Colonialisme et impérialisme
Bien que la lèpre soit de nouveau en déclin en Europe dans les années 1860, les pays occidentaux ont adopté le traitement d'isolement par crainte de la propagation de la maladie à partir des pays en développement, par crainte d'une compréhension minimale de la bactériologie, par manque de capacité de diagnostic ou de connaissance de la contagiosité de la maladie et par manque de missionnaires. activité. L’impérialisme croissant et les pressions de la révolution industrielle ont entraîné une présence occidentale dans les pays où la lèpre était endémique, notamment la présence britannique en Inde. Les méthodes de traitement d'isolement ont été observées par le chirurgien-maire Henry Vandyke Carter de la colonie britannique en Inde lors d'une visite en Norvège, et ces méthodes ont été appliquées en Inde avec l'aide financière et logistique de missionnaires religieux. L'influence coloniale et religieuse et la stigmatisation qui y est associée ont continué à être un facteur majeur dans le traitement et la perception publique de la lèpre dans les pays en développement endémiques jusqu'au milieu du XXe siècle.
Inde
L'Inde a promulgué la loi sur la lèpre de 1898 alors que l'Inde était sous domination britannique, qui institutionnalisait les personnes affectées par le sexe pour empêcher la reproduction. La loi était difficile à appliquer, mais elle n'a été abrogée qu'en 1983, après que la multithérapie soit devenue largement disponible. En 1983, le Programme national d'élimination de la lèpre (NLEP), anciennement Programme national de lutte contre la lèpre, a modifié ses méthodes, passant de la surveillance au traitement des personnes atteintes de lèpre. L’Inde représente toujours plus de la moitié de la charge mondiale de morbidité.
Stigmate
Malgré des efforts efficaces de traitement et d’éducation, la stigmatisation liée à la lèpre continue de poser problème dans les pays en développement endémiques. La lèpre est plus répandue parmi les populations pauvres ou marginalisées, où la stigmatisation sociale est susceptible d'être aggravée par d'autres inégalités sociales. Les craintes d’ostracisme, de perte d’emploi ou d’expulsion de la famille et de la société peuvent contribuer à retarder le diagnostic et le traitement.
Les modèles de croyance populaires, le manque d’éducation et les connotations religieuses de la maladie continuent d’influencer les perceptions sociales des personnes atteintes dans de nombreuses régions du monde. Au Brésil, par exemple, le folklore prétend que la lèpre est transmise par les chiens, qu'il s'agit d'une maladie associée à la promiscuité sexuelle et qu'elle est parfois considérée comme une punition pour des péchés ou des transgressions morales. Les facteurs socioéconomiques ont également un impact direct. Les travailleurs domestiques des classes inférieures, souvent employés par des personnes appartenant à une classe socio-économique plus élevée, peuvent voir leur emploi menacé à mesure que les manifestations physiques de la maladie deviennent apparentes. La décoloration de la peau et la pigmentation plus foncée résultant de la maladie ont également des répercussions sociales.
Dans des cas extrêmes, dans le nord de l'Inde, la lèpre est assimilée à un statut « d'intouchable » qui « persiste souvent longtemps après que (les personnes atteintes de lèpre) ont été guéries de la maladie, créant ainsi des perspectives à vie de divorce, d'expulsion, de perte d'emploi et d'ostracisme familial ». et les réseaux sociaux."
Programmes et traitement
L'Organisation mondiale de la santé déclare que le diagnostic et le traitement par polychimiothérapie (PCT) sont faciles et efficaces, et que la charge de morbidité a diminué de 45 % depuis que la PCT est devenue plus largement disponible. L'organisation souligne l'importance d'intégrer pleinement le traitement de la lèpre dans les services de santé publique, un diagnostic et un traitement efficaces et un accès à l'information.
Dans certains cas en Inde, la réadaptation à base communautaire (RBC) est adoptée à la fois par les gouvernements locaux et les ONG. Souvent, l’identité cultivée par un environnement communautaire est préférable à la réintégration, et des modèles d’autogestion et d’action collective indépendants des ONG et du soutien gouvernemental se sont révélés souhaitables et couronnés de succès.
Cas notables
* Saint Damien DeVeuster, un prêtre catholique romain de Belgique, qui a lui-même finalement contracté la lèpre, a soigné les lépreux qui avaient été placés sous quarantaine médicale sanctionnée par le gouvernement sur l'île de Molokaʻi, dans le royaume d'Hawaï.
* Baudouin IV de Jérusalem était un roi chrétien de la Jérusalem latine, atteint de lèpre. Baldwin et les effets de sa maladie ont été décrits dans le film Kingdom of Heaven.
* Le roi Henri IV d'Angleterre (règne de 1399 à 1413) était peut-être atteint de la lèpre.
* Poète vietnamien Hàn Mặc Tử
* Ōtani Yoshitsugu, un daimyo japonais
* Forough Farrokhzad a réalisé un documentaire de 22 minutes sur une colonie de lépreux en Iran en 1962, intitulé The House Is Black. Le film humanise les personnes concernées et s'ouvre en disant que "la laideur ne manque pas dans le monde, mais en fermant les yeux sur la laideur, nous l'intensifierons". | http://quiz4free.com/ |
Dans quelle ville se trouve le Palais du Luxembourg ? | Paris | [
"Le Palais du Luxembourg (,) est situé au 15 rue de Vaugirard dans le 6ème arrondissement de Paris. Il a été construit à l'origine (1615-1645) selon les plans de l'architecte français Salomon de Brosse pour être la résidence royale de la régente Marie de Médicis, mère de Louis XIII de France. Après la Révolution, il fut transformé (1799-1805) par Jean Chalgrin en bâtiment législatif, puis considérablement agrandi et remodelé (1835-1856) par Alphonse de Gisors. Depuis 1958, c'est le siège du Sénat français de la Ve République.",
"Le 28 février 1718, la duchesse de Berry organise une magnifique fête pour sa tante en visite, la duchesse de Lorraine. L'ensemble du palais et de ses jardins étaient minutieusement illuminés. Le somptueux banquet a été suivi d’un bal masqué. Madame de Berry fit une apparition éblouissante devant ses invités. Elle était alors dans toute la splendeur de sa beauté et de sa fierté juvéniles et se comportait comme si elle était l'incarnation même de la déesse de l'amour, de la gaieté, de la beauté et des plaisirs sensuels. Pourtant, un peu plus d'un an après ce magnifique moment de gloire festive, le palais du Luxembourg devient le théâtre d'une honteuse tragi-comédie qui se termine par la disparition déchirante de la hautaine princesse. La vie tumultueuse de Madame de Berry, la « Vénus du Palais du Luxembourg », connaît bientôt une fin prématurée. Le 2 avril 1719, après quatre jours de travail exténuant, enfermée dans une petite pièce de son palais, la jeune veuve accouche d'une petite fille mort-née, prétendument engendrée par son lieutenant des gardes, le comte de Riom. Mal préparée par sa débauche et son comportement rauque, l'accouchement de Berry fut extrêmement pénible et faillit la tuer. L'Église lui refusa les sacrements, ajoutant ainsi une infamie morale aux tortures physiques de la femme qui travaille. Saint-Simon a écrit une description très sarcastique de cet accouchement scandaleux. Dans l'espoir de retrouver la santé et de détromper le public sur son confinement, Madame de Berry quitte Paris et le palais du Luxembourg. Elle mourut dans son château de La Muette le 21 juillet 1719 et, selon Saint-Simon, fut de nouveau enceinte.",
"Pendant l'occupation allemande de Paris (1940-1944), Hermann Göring reprit le palais comme quartier général de la Luftwaffe en France, s'appropriant une somptueuse suite de chambres pour accueillir ses visites dans la capitale française.",
"Son subordonné, le maréchal de la Luftwaffe Hugo Sperrle, reçut également un appartement au palais du Luxembourg et passa la majeure partie de la guerre à profiter du cadre luxueux. \"Le besoin de luxe et d'exposition publique du feld-maréchal arrivait juste après celui de son supérieur Goering; il était également son égal en termes de corpulence\", a écrit le ministre de l'armement Albert Speer après une visite à Sperrle à Paris.",
"Du 29 juillet au 15 octobre 1946, le Palais du Luxembourg fut le siège des pourparlers de la Conférence de paix de Paris.",
"Façade du Palais du Luxembourg à Paris printemps 2014.jpg|Vue de la façade sud et du bassin du jardin"
] | Le Palais du Luxembourg (,) est situé au 15 rue de Vaugirard dans le 6ème arrondissement de Paris. Il a été construit à l'origine (1615-1645) selon les plans de l'architecte français Salomon de Brosse pour être la résidence royale de la régente Marie de Médicis, mère de Louis XIII de France. Après la Révolution, il fut transformé (1799-1805) par Jean Chalgrin en bâtiment législatif, puis considérablement agrandi et remodelé (1835-1856) par Alphonse de Gisors. Depuis 1958, c'est le siège du Sénat français de la Ve République.
Immédiatement à l'ouest du palais, rue de Vaugirard, se trouve le Petit Luxembourg, aujourd'hui résidence du président du Sénat ; et un peu plus à l'ouest, le Musée du Luxembourg, dans l'ancienne orangerie. Sur le côté sud du palais, le jardin du Luxembourg à la française présente un parterre vert de 25 hectares de gravier et de pelouse peuplé de statues et de grands bassins d'eau où les enfants font naviguer des maquettes de bateaux.
Histoire ancienne
Après la mort d'Henri IV en 1610, sa veuve, Marie de Médicis, devient régente auprès de son fils Louis XIII. Ayant accédé à une position beaucoup plus puissante, elle décide de s'ériger un nouveau palais, attenant à un ancien hôtel particulier appartenant à François de Luxembourg, duc de Piney, qui s'appelle aujourd'hui le Petit Luxembourg et est la résidence du président de le Sénat français.
Marie de Médicis souhaitait réaliser un bâtiment semblable au palais Pitti de sa Florence natale et, à cet effet, fit envoyer l'architecte Métezeau (soit Louis Métezeau, soit son frère Clément Métezeau) à Florence pour réaliser des dessins détaillés du bâtiment.
Marie de Médicis achète l'Hôtel de Luxembourg et son assez vaste domaine en 1612 et commande le nouveau bâtiment, qu'elle appelle son Palais Médicis, en 1615. Sa construction et son aménagement constituent son projet artistique majeur, même s'il ne reste aujourd'hui rien des intérieurs. tels qu'ils ont été créés pour elle, à l'exception de quelques fragments architecturaux remontés dans la Salle du Livre d'Or. Les suites de tableaux qu'elle lui a commandés, sur les sujets desquels elle a exprimé ses exigences par l'intermédiaire de ses agents et conseillers, sont disséminées dans les musées.
Marie de Médicis installe sa maison en 1625, tandis que les travaux d'aménagement intérieur se poursuivent. Les appartements de l'aile droite, côté ouest, étaient réservés à la reine et la suite correspondante, à l'est, à son fils Louis XIII, lors de sa visite (plan).
Les vingt-quatre toiles du cycle de Marie de Médicis, une série commandée à Pierre Paul Rubens, ont été installées dans la Galerie de Rubens, au rez-de-chaussée de l'aile ouest. Une série de peintures exécutées pour son Cabinet doré ("étude dorée") a été identifiée par Anthony Blunt en 1967.
La galerie de l'aile Est était destinée à l'exposition de tableaux célébrant Henri IV, et des bâtiments abritant écuries et services étaient prévus de part et d'autre des pavillons encadrant l'entrée sur la rue, mais ces projets restèrent inachevés en 1631, lorsque la Reine La mère a été forcée de quitter le tribunal à la suite de la « Journée des dupes » en novembre. Louis XIII a commandé d'autres décorations pour le palais à Nicolas Poussin et Philippe de Champaigne.
En 1642, Marie lègue le Luxembourg à son deuxième et favori fils, Gaston, duc d'Orléans, qui l'appelle le Palais d'Orléans, mais par la volonté populaire, il est encore connu sous son nom d'origine.
A la mort de Gaston, le palais passa à sa veuve, Marguerite de Lorraine, puis à sa fille aînée de son premier mariage, Anne, duchesse de Montpensier, La Grande Mademoiselle. En 1660, Anne de Montpensier vend le Luxembourg à sa demi-sœur cadette, Élisabeth Marguerite d'Orléans, duchesse de Guise qui, à son tour, le confie à son cousin, le roi Louis XIV, en 1694.
En 1715, le palais devient la résidence de Marie Louise Elisabeth d'Orléans, duchesse de Berry (1695-1719). La duchesse veuve était notoirement promiscuité, ayant la réputation d'une Messaline française, sans relâche motivée par sa soif inextinguible de tous les plaisirs de la chair. Le palais du Luxembourg et ses jardins deviennent ainsi des théâtres où la princesse à la beauté radieuse exprime ses ambitions, trônant comme une reine entourée de sa cour. Dans certaines de ses soirées les plus exclusives, Madame de Berry jouait également le rôle principal dans des « tableaux vivants » élaborés qui représentaient des scènes mythologiques et dans lesquels elle montrait son appétissante jeune personne incarnant Vénus ou Diane. Selon diverses chansons satiriques qui évoquaient de manière calomnieuse ses amours, "la Dame du Luxembourg" cachait plusieurs grossesses, s'isolant de la société au moment d'accoucher. Son goût pour les liqueurs fortes et sa gourmandise scandalisent également la cour. Le 21 mai 1717, Madame de Berry reçoit Pierre le Grand au Luxembourg. Elle accueillit le tsar en visite, magnifiquement vêtue d'une magnifique robe à dos qui mettait en valeur sa poitrine voluptueuse ainsi que son visage espiègle mais contribuait également à dissimuler sa corpulence croissante car elle se trouvait alors dans un « état intéressant ».
Le 28 février 1718, la duchesse de Berry organise une magnifique fête pour sa tante en visite, la duchesse de Lorraine. L'ensemble du palais et de ses jardins étaient minutieusement illuminés. Le somptueux banquet a été suivi d’un bal masqué. Madame de Berry fit une apparition éblouissante devant ses invités. Elle était alors dans toute la splendeur de sa beauté et de sa fierté juvéniles et se comportait comme si elle était l'incarnation même de la déesse de l'amour, de la gaieté, de la beauté et des plaisirs sensuels. Pourtant, un peu plus d'un an après ce magnifique moment de gloire festive, le palais du Luxembourg devient le théâtre d'une honteuse tragi-comédie qui se termine par la disparition déchirante de la hautaine princesse. La vie tumultueuse de Madame de Berry, la « Vénus du Palais du Luxembourg », connaît bientôt une fin prématurée. Le 2 avril 1719, après quatre jours de travail exténuant, enfermée dans une petite pièce de son palais, la jeune veuve accouche d'une petite fille mort-née, prétendument engendrée par son lieutenant des gardes, le comte de Riom. Mal préparée par sa débauche et son comportement rauque, l'accouchement de Berry fut extrêmement pénible et faillit la tuer. L'Église lui refusa les sacrements, ajoutant ainsi une infamie morale aux tortures physiques de la femme qui travaille. Saint-Simon a écrit une description très sarcastique de cet accouchement scandaleux. Dans l'espoir de retrouver la santé et de détromper le public sur son confinement, Madame de Berry quitte Paris et le palais du Luxembourg. Elle mourut dans son château de La Muette le 21 juillet 1719 et, selon Saint-Simon, fut de nouveau enceinte.
En 1750, le palais devient musée, ancêtre du Louvre, et est ouvert deux jours par semaine jusqu'en 1779. En 1778, le palais est offert au comte de Provence par son frère Louis XVI. Pendant la Révolution française, ce fut brièvement une prison, puis le siège du Directoire français, et en 1799, la maison du Sénat conservateur et la première résidence de Napoléon Bonaparte, en tant que Premier Consul de la République française.
Palais comme parlement
De 1799 à 1805 l'architecte Jean Chalgrin transforma le palais en bâtiment législatif. Il démolit le grand escalier d'honneur pour le remplacer par une salle du Sénat au premier étage, qui incorpora et détruisit la chapelle de Marie de Médicis côté jardin du corps de logis. Chalgrin a également clôturé les terrasses flanquantes, faisant de l'espace pour une bibliothèque. Parallèlement, il réalise dans l'aile ouest un escalier d'honneur néoclassique, une volée monumentale unique entourée d'une colonnade ionique et recouverte d'une voûte en berceau à caissons, dont la construction entraîna la destruction de la longue galerie qui abritait autrefois le cycle de peintures de Rubens.Ayers 2004, p. 131.
À partir de 1835, l'architecte Alphonse de Gisors ajouta une nouvelle aile de jardin parallèle à l'ancien corps de logis, reproduisant si précisément l'aspect de la façade originale du XVIIe siècle qu'il est difficile de distinguer au premier coup d'œil l'ancien du nouveau. La nouvelle salle du Sénat était située dans ce qui aurait été la cour intermédiaire.
La nouvelle aile comprenait une bibliothèque (bibliothèque) avec un cycle de peintures (1845-1847) d'Eugène Delacroix. Dans les années 1850, à la demande de l'empereur Napoléon III, Gisors créa la Salle des Conférences très décorée (inspirée de la Galerie d'Apollon du Louvre), qui influença la nature des intérieurs officiels ultérieurs du Second Empire, y compris ceux du Palais Garnier.
Pendant l'occupation allemande de Paris (1940-1944), Hermann Göring reprit le palais comme quartier général de la Luftwaffe en France, s'appropriant une somptueuse suite de chambres pour accueillir ses visites dans la capitale française.
Son subordonné, le maréchal de la Luftwaffe Hugo Sperrle, reçut également un appartement au palais du Luxembourg et passa la majeure partie de la guerre à profiter du cadre luxueux. "Le besoin de luxe et d'exposition publique du feld-maréchal arrivait juste après celui de son supérieur Goering; il était également son égal en termes de corpulence", a écrit le ministre de l'armement Albert Speer après une visite à Sperrle à Paris.
Le palais était un « point fort » désigné pour les forces allemandes défendant la ville en août 1944, mais grâce à la décision du général commandant Dietrich von Choltitz de rendre la ville plutôt que de se battre, le palais n'a été que très peu endommagé.
Du 29 juillet au 15 octobre 1946, le Palais du Luxembourg fut le siège des pourparlers de la Conférence de paix de Paris.
Vues variées du palais
Façade du Palais du Luxembourg à Paris printemps 2014.jpg|Vue de la façade sud et du bassin du jardin
Fichier:Luco.jpg|Vue depuis le jardin du Luxembourg
Fichier:Palais Luxembourg Sunset Edit.JPG|Au coucher du soleil
Fichier:Panorama du palais du Luxembourg.jpg|Panorama du palais et de ses jardins
Fichier:L'hémicycle du Sénat français en septembre 2009.jpg|Chambre du Sénat
Fichier:Escalier d'honneur palais lux1.JPG|Escalier | http://quiz4free.com/ |
"""Quand je tombe amoureux"" de Nat King Cole figurait dans quel film de 1986 ?" | Mona Lisa | [
"En 1946, le trio Cole a payé pour diffuser sa propre émission de radio de 15 minutes, appelée « King Cole Trio Time ». C'est devenu la première émission de radio sponsorisée par un artiste noir. Au cours de ces années, le trio a enregistré de nombreux enregistrements de « transcription », qui étaient des enregistrements réalisés en studio de radio pour l'émission. Plus tard, ils furent utilisés pour des enregistrements commerciaux. À partir de la fin des années 1940, Cole a commencé à enregistrer et à interpréter du matériel pop pour le grand public, dans lequel il était souvent accompagné d'un orchestre à cordes. Sa stature d'icône populaire a été consolidée au cours de cette période par des succès tels que \"The Christmas Song\", \"(Get Your Kicks on) Route 66\" (1946), \"Nature Boy\" (1948), \"Mona Lisa\" (1950). , \"Too Young\" (la chanson n°1 en 1951) et sa chanson signature \"Unforgettable\" (1951) (Gainer 1). Bien que ce passage à la musique pop ait conduit certains critiques et fans de jazz à accuser Cole de se vendre, il n'a jamais complètement abandonné ses racines jazz ; pas plus tard qu'en 1956, il enregistra un album entièrement jazz After Midnight, et nombre de ses albums même après cela sont fondamentalement basés sur le jazz, étant écrits pour big band sans cordes, bien que les arrangements se concentrent principalement sur les pistes vocales plutôt que instrumentales. Cole a eu l'un de ses derniers grands succès en 1963, deux ans avant sa mort, avec \" These Lazy-Hazy-Crazy Days of Summer \", qui a atteint la 6e place du classement Pop. \"Unforgettable\" est devenu célèbre à nouveau en 1991 grâce à la fille de Cole, Natalie, lorsque la technologie d'enregistrement moderne a été utilisée pour réunir père et fille en duo. La version en duo s'est hissée au sommet des charts pop, près de quarante ans après sa popularité initiale."
] | Nathaniel Adams Coles (17 mars 1919 - 15 février 1965), connu professionnellement sous le nom de Nat King Cole, était un chanteur américain qui s'est d'abord fait connaître en tant que pianiste de jazz de premier plan. Il était largement connu pour sa voix douce de baryton, qu'il utilisait pour se produire dans des genres de big band et de jazz, devenant ainsi une force majeure de la musique populaire pendant trois décennies. Cole a été l'un des premiers Afro-Américains à animer une émission de variétés télévisée nationale, The Nat King Cole Show, et a maintenu une popularité mondiale depuis sa mort d'un cancer du poumon en février 1965.
Biographie
Début de la vie
Nathaniel Adams Coles est né à Montgomery, Alabama, le 17 mars 1919. Cole avait trois frères : Eddie (1910-1970), Ike (1927-2001) et Freddy (né en 1931), et une demi-soeur, Joyce Coles. . Chacun des frères de Cole poursuivra plus tard également une carrière dans la musique. Quand Cole avait quatre ans, lui et sa famille ont déménagé à Chicago, dans l'Illinois, où son père, Edward Coles, est devenu pasteur baptiste. Cole a appris à jouer de l'orgue auprès de sa mère, Perlina Coles, l'organiste de l'église. Sa première représentation était "Yes! We Have No Bananas" à quatre heures. Il a commencé des cours formels à 12 ans et a finalement appris non seulement le jazz et la musique gospel, mais aussi la musique classique occidentale ; il a interprété « de Jean-Sébastien Bach à Sergueï Rachmaninov ».
La famille vivait dans le quartier de Bronzeville à Chicago, où il fréquentait le lycée Wendel Phillips (la même école que Sam Cooke fréquenterait quelques années plus tard). Cole se faufilait hors de la maison et traînait à l'extérieur des clubs, écoutant des artistes tels que Louis Armstrong, Earl Hines et Jimmie Noone. Il a participé au célèbre programme de musique de Walter Dyett à la DuSable High School.
Carrière
Inspiré par les performances d'Earl Hines, Cole a commencé sa carrière d'interprète au milieu des années 1930 alors qu'il était encore adolescent, adoptant le nom de Nat Cole. Son frère aîné, Eddie, bassiste, rejoint bientôt le groupe de Cole et ils réalisent leur premier enregistrement en 1936 sous le nom d'Eddie. Ils se produisaient également régulièrement dans les clubs. Cole a acquis son surnom, "King", en se produisant dans un club de jazz, un surnom vraisemblablement renforcé par la comptine autrement sans rapport sur "Old King Cole". Il a également été pianiste lors d'une tournée nationale de la revue Shuffle Along d'Eubie Blake. Lorsqu'il échoua soudainement à Long Beach, en Californie, Cole décida d'y rester. Il reviendra plus tard à Chicago en triomphe pour jouer dans des lieux tels que l'Edgewater Beach Hotel.
Los Angeles et le trio King Cole
Cole et deux autres musiciens ont formé les "King Cole Swingsters" à Long Beach et ont joué dans plusieurs bars locaux avant de décrocher un concert.
sur le Long Beach Pike pour 90,00 $ US (en 2015) par semaine. Le trio était composé de Cole au piano, Oscar Moore à la guitare et Wesley Prince à la contrebasse. Le trio a joué à Failsworth tout au long de la fin des années 1930 et a enregistré de nombreuses transcriptions radio pour Capitol Transcriptions. Cole n'était pas seulement pianiste mais aussi leader du combo. La radio a joué un rôle important dans la montée en popularité du King Cole Trio. Leur première émission a eu lieu avec Blue Network de NBC en 1938. Elle a été suivie par des apparitions sur Swing Soiree de NBC. Dans les années 1940, le trio est apparu dans les émissions de radio Old Gold, The Chesterfield Supper Club et Kraft Music Hall. Le King Cole Trio s'est produit deux fois dans l'émission de variétés de CBS Radio The Orson Welles Almanac (1944).
La légende voulait que la carrière de chanteur de Cole n'ait commencé que lorsqu'un client ivre du bar lui a demandé de chanter "Sweet Lorraine". Cole, en fait, a déclaré publiquement que l'histoire fabriquée « sonnait bien, alors je l'ai laissée rouler ». Cole chantait fréquemment entre les numéros instrumentaux. Remarquant que les gens commençaient à demander davantage de numéros vocaux, il accepta. Pourtant, l’histoire du client insistant n’est pas dénuée de vérité. Un soir, un client avait demandé une certaine chanson, mais c'était une chanson que Cole ne connaissait pas, alors à la place il a chanté "Sweet Lorraine". Le trio a reçu un pourboire de 15 ¢ (en 2015) pour la représentation. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Wesley Prince quitte le groupe et Cole le remplace par Johnny Miller. Miller sera ensuite remplacé par Charlie Harris dans les années 1950. Le King Cole Trio a signé avec le tout nouveau Capitol Records en 1943. Le groupe avait déjà enregistré pour Excelsior Records, propriété d'Otis René, et a connu un succès avec la chanson "I'm Lost", que René a écrite, produite et distribuée. Les revenus des ventes de disques de Cole ont alimenté une grande partie du succès de Capitol Records au cours de cette période. On pense que les revenus ont joué un rôle important dans le financement du bâtiment distinctif de Capitol Records près de Hollywood et Vine à Los Angeles. Achevé en 1956, il s'agissait du premier immeuble de bureaux circulaire au monde et est devenu connu sous le nom de « la maison que Nat a construite ».
Cole était considéré comme l'un des principaux pianistes de jazz, apparaissant dans les premiers concerts Jazz at the Philharmonic (crédité sur le label Mercury Record sous le nom de "Shorty Nadine" - dérivé du nom de sa femme - car il était alors sous contrat exclusif avec Capitol Records). Sa gamme révolutionnaire de piano, guitare et basse à l'époque des big bands est devenue une configuration populaire pour un trio de jazz. Il a été imité par de nombreux musiciens, parmi lesquels Art Tatum, Oscar Peterson, Ahmad Jamal et les pianistes de blues Charles Brown et Ray Charles. Il s'est également produit en tant que pianiste lors de sessions avec Lester Young, Red Callender et Lionel Hampton. Pour des raisons contractuelles, Cole a été crédité sous le nom de "Aye Guy" sur l'album The Lester Young Buddy Rich Trio.
Succès
Le premier succès vocal grand public de Cole fut son enregistrement en 1943 d'une de ses compositions, "Straighten Up and Fly Right", basée sur un conte folklorique noir que son père avait utilisé comme thème pour un sermon. Johnny Mercer l'a invité à l'enregistrer pour son tout nouveau label Capitol Records. Il s'est vendu à plus de 500 000 exemplaires, prouvant que le matériel folk pouvait plaire à un large public. Bien que Cole ne soit jamais considéré comme un rocker, la chanson peut être considérée comme une anticipation des premiers disques de rock and roll. En effet, Bo Diddley, qui effectuait des transformations similaires de matériel folk, considérait Cole comme une influence.
En 1946, le trio Cole a payé pour diffuser sa propre émission de radio de 15 minutes, appelée « King Cole Trio Time ». C'est devenu la première émission de radio sponsorisée par un artiste noir. Au cours de ces années, le trio a enregistré de nombreux enregistrements de « transcription », qui étaient des enregistrements réalisés en studio de radio pour l'émission. Plus tard, ils furent utilisés pour des enregistrements commerciaux. À partir de la fin des années 1940, Cole a commencé à enregistrer et à interpréter du matériel pop pour le grand public, dans lequel il était souvent accompagné d'un orchestre à cordes. Sa stature d'icône populaire a été consolidée au cours de cette période par des succès tels que "The Christmas Song", "(Get Your Kicks on) Route 66" (1946), "Nature Boy" (1948), "Mona Lisa" (1950). , "Too Young" (la chanson n°1 en 1951) et sa chanson signature "Unforgettable" (1951) (Gainer 1). Bien que ce passage à la musique pop ait conduit certains critiques et fans de jazz à accuser Cole de se vendre, il n'a jamais complètement abandonné ses racines jazz ; pas plus tard qu'en 1956, il enregistra un album entièrement jazz After Midnight, et nombre de ses albums même après cela sont fondamentalement basés sur le jazz, étant écrits pour big band sans cordes, bien que les arrangements se concentrent principalement sur les pistes vocales plutôt que instrumentales. Cole a eu l'un de ses derniers grands succès en 1963, deux ans avant sa mort, avec " These Lazy-Hazy-Crazy Days of Summer ", qui a atteint la 6e place du classement Pop. "Unforgettable" est devenu célèbre à nouveau en 1991 grâce à la fille de Cole, Natalie, lorsque la technologie d'enregistrement moderne a été utilisée pour réunir père et fille en duo. La version en duo s'est hissée au sommet des charts pop, près de quarante ans après sa popularité initiale.
Télévision
Le 5 novembre 1956, The Nat King Cole Show fait ses débuts sur NBC. L'émission de variétés était la première du genre animée par un Afro-Américain, ce qui a créé la controverse à l'époque. Commençant par une émission pop de 15 minutes le lundi soir, le programme fut étendu à une demi-heure en juillet 1957. Malgré les efforts de NBC, ainsi que de nombreux collègues de Cole dans l'industrie, dont beaucoup, comme Ella Fitzgerald, Harry Belafonte, Frankie Laine, Mel Tormé, Peggy Lee, Eartha Kitt et le groupe vocal The Cheerleaders ont travaillé à l'échelle de l'industrie (ou même sans salaire). Le livre n'a pas de numéro de page ; source : Chapitre III, Les sons de la musique. afin d'aider le spectacle à économiser de l'argent, le Nat King Cole Show a finalement été interrompu faute de parrainage national. Des sociétés telles que Rheingold Beer ont assumé le parrainage régional du salon, mais aucun sponsor national n'est jamais apparu. Le dernier épisode de The Nat King Cole Show a été diffusé le 17 décembre 1957. Cole avait survécu pendant plus d'un an, et c'est lui, et non NBC, qui a finalement décidé de mettre fin à la série. Commentant le manque de parrainage reçu par son émission, Cole a plaisanté peu de temps après sa disparition : « Madison Avenue a peur du noir ».
Carrière ultérieure
Tout au long des années 1950, Cole a continué à accumuler des succès successifs, se vendant par millions à travers le monde, notamment "Smile", "Pretend", "A Blossom Fell" et "If I May". Ses succès pop étaient le fruit de collaborations avec des arrangeurs et chefs d'orchestre bien connus de l'époque, notamment Nelson Riddle, Gordon Jenkins et Ralph Carmichael. Riddle a arrangé plusieurs albums de Cole des années 1950, y compris son premier album long-play de 10 pouces, son Nat King Cole Sings For Two In Love de 1953. En 1955, son single « Darling, Je Vous Aime Beaucoup » atteint la 7e place du classement Billboard. Jenkins a arrangé Love Is the Thing, atteignant la première place des charts en avril 1957 et restant huit semaines. C'était la seule chanson qui a atteint le numéro 1. En 1959, il a reçu un Grammy lors de la 2e édition des Grammy Awards pour la meilleure performance d'un artiste du « Top 40 » pour son enregistrement de « Midnight Flyer ».
En 1958, Cole se rend à La Havane, à Cuba, pour enregistrer Cole Español, un album entièrement chanté en espagnol. L'album fut si populaire en Amérique latine, ainsi qu'aux États-Unis, que deux autres du même genre suivirent : A Mis Amigos (chanté en espagnol et en portugais) en 1959 et More Cole Español en 1962. A Mis Amigos contient le Hit vénézuélien "Ansiedad", dont Cole avait appris les paroles lors d'un concert à Caracas en 1958. Cole avait appris par cœur des chansons dans des langues autres que l'anglais. Après le changement des goûts musicaux à la fin des années 1950, le chant des ballades de Cole ne s'est pas bien vendu auprès des jeunes auditeurs, malgré une tentative réussie de rock n' roll avec "Send For Me" (a culminé à la 6e place de la pop). Avec ses contemporains Dean Martin, Frank Sinatra et Tony Bennett, Cole a constaté que le palmarès des singles pop avait été presque entièrement repris par des groupes destinés aux jeunes. En 1960, Nelson Riddle, collaborateur de longue date de Nat, quitta Capitol Records pour le nouveau label Reprise Records de Frank Sinatra. Riddle et Cole ont enregistré un dernier album à succès, Wild Is Love, basé sur des paroles de Ray Rasch et Dotty Wayne. Cole a ensuite réorganisé l'album concept en un spectacle Off-Broadway, "I'm With You".
Cole a réussi à enregistrer quelques singles à succès dans les années 1960, notamment en 1961 "Let There Be Love" avec George Shearing, le hit country "Ramblin' Rose" en août 1962, "Dear Lonely Hearts", "That Sunday, That Summer" et "Those Lazy-Hazy-Crazy Days Of Summer" (son dernier succès dans le top dix, atteignant la 6e place de la pop). Cole a joué dans de nombreux courts métrages, sitcoms et émissions de télévision et a joué W. C. Handy dans le film St. Louis Blues (1958). Il est également apparu dans The Nat King Cole Story, China Gate et The Blue Gardenia (1953). En janvier 1964, Cole fit l'une de ses dernières apparitions télévisées dans The Jack Benny Program. Cole a été présenté comme "le meilleur ami qu'une chanson ait jamais eu" et a chanté "When I Fall in Love". Cat Ballou (1965), son dernier film, est sorti plusieurs mois après sa mort.
Vie privée
Au moment où Cole a lancé sa carrière de chanteur, il est entré dans la franc-maçonnerie. Il a grandi en janvier 1944 au Thomas Waller Lodge n°49 en Californie. Le lodge porte le nom d'un autre maçon de Prince Hall et musicien de jazz, Fats Waller. Cole était « un fervent fan de baseball », en particulier de Hank Aaron. En 1968, Nelson Riddle a raconté un incident survenu quelques années plus tôt et a parlé d'ingénieurs de studio de musique, à la recherche d'une source de bruit, trouvant Cole écoutant un jeu sur une radio à transistors.
Mariage et enfants
Cole a rencontré sa première femme, Nadine Robinson, alors qu'ils étaient en tournée pour la comédie musicale entièrement noire de Broadway, Shuffle Along. Il n'avait que 17 ans lorsqu'ils se sont mariés. C'est pour elle qu'il a atterri à Los Angeles et formé le trio Nat King Cole. Ce mariage se termina par un divorce en 1948. Le 28 mars 1948 (dimanche de Pâques), six jours seulement après que son divorce soit devenu définitif, Cole épousa la chanteuse Maria Hawkins Ellington. Bien que Maria ait chanté avec le groupe Duke Ellington, elle n'avait aucun lien de parenté avec Duke Ellington. Les Coles se sont mariés à l'église baptiste abyssinienne de Harlem par Adam Clayton Powell, Jr. Ils ont eu cinq enfants : Natalie (1950-2015), qui poursuivra une carrière réussie en tant que chanteuse ; sa fille adoptive Carole (1944-2009, fille de la sœur de Maria), décédée d'un cancer du poumon à 64 ans ; son fils adoptif Nat Kelly Cole (1959-1995), décédé du sida à 36 ans ; et les filles jumelles Casey et Timolin (nées le 26 septembre 1961) dont la naissance a été annoncée dans la rubrique des jalons du numéro du 6 octobre 1961 du magazine Time avec celle de Melissa Newman. Maria, l'épouse de Cole, l'a soutenu pendant sa maladie du cancer du poumon et est restée avec lui jusqu'à sa mort. Dans une interview, Maria a souligné son héritage musical et la classe dont il faisait preuve malgré ses imperfections.
Expériences de racisme
En août 1948, Cole a acheté une maison au colonel Harry Gantz, l'ancien mari de l'actrice du cinéma muet Lois Weber, dans le quartier entièrement blanc de Hancock Park à Los Angeles. Le Ku Klux Klan, toujours actif à Los Angeles jusque dans les années 1950, a répondu en plaçant une croix en feu sur sa pelouse. Les membres de l'association des propriétaires ont déclaré à Cole qu'ils ne voulaient pas que des « indésirables » s'installent dans le quartier. Cole a rétorqué : "Moi non plus. Et si je vois quelqu'un indésirable entrer ici, je serai le premier à me plaindre."
En 1956, Cole fut agressé sur scène lors d'un concert à Birmingham, en Alabama, avec le Ted Heath Band (tout en chantant la chanson « Little Girl »). Ayant déjà fait circuler des photographies de Cole avec des fans blanches portant des légendes incendiaires en caractères gras indiquant "COLE ET SES FEMMES BLANCHES" et "COLE ET VOTRE FILLE", trois membres du Conseil des citoyens de l'Alabama du Nord (un groupe dirigé par l'auteur d'Education of Little Tree, Asa " Forrest" Carter, mais pas parmi les assaillants) a agressé physiquement Cole, tentant apparemment de le kidnapper. Les trois attaquants masculins ont couru dans les allées de l'auditorium en direction de Cole et de son groupe. Bien que les forces de l'ordre locales aient rapidement mis fin à l'invasion de la scène, la mêlée qui a suivi a fait tomber Cole de son banc de piano et lui a blessé le dos. Cole n'a pas terminé le concert et ne s'est plus jamais produit dans le Sud. Un quatrième membre du groupe qui avait participé au complot a ensuite été arrêté en relation avec cet acte. Tous ont ensuite été jugés et reconnus coupables pour leur rôle dans ce crime.
En 1956, il fut engagé pour se produire à Cuba et souhaita séjourner à l'Hôtel Nacional de Cuba à La Havane, mais n'y fut pas autorisé car il exploitait un bar de couleur. Cole a honoré son contrat et le concert au Tropicana a été un énorme succès. L'année suivante, il retourne à Cuba pour un autre concert, chantant de nombreuses chansons en espagnol. Il lui rend désormais hommage sous la forme d'un buste et d'un juke-box à l'Hôtel Nacional.
Après son attaque à Birmingham, Cole a déclaré : « Je ne comprends pas... Je n'ai participé à aucune manifestation. Je n'ai pas non plus rejoint une organisation luttant contre la ségrégation. Pourquoi devraient-ils m'attaquer ? Originaire de l'Alabama, il semblait désireux d'assurer aux Blancs du Sud qu'il ne remettrait pas en question les coutumes et les traditions de la région. Quelques-uns prolongeraient les manifestations pendant un certain temps, a-t-il déclaré, mais "je voudrais juste oublier tout cela". Cole n'avait pas l'intention de modifier sa pratique de jouer devant des publics ségrégués dans le Sud. Il ne tolérait pas cette pratique, mais n'était pas un homme politique et pensait : « Je ne peux pas changer la situation en un jour ». Les communautés afro-américaines ont répondu à l'indifférence politique autoproclamée de Cole par un rejet immédiat, dur et pratiquement unanime, sans être affectées par ses révélations selon lesquelles il avait contribué financièrement au boycott des bus de Montgomery et avait poursuivi en justice plusieurs hôtels du Nord qui avaient embauché mais refusaient de servir. lui. Thurgood Marshall, conseiller juridique en chef de la NAACP, aurait suggéré que, puisqu'il était oncle Tom, Cole devrait jouer avec un banjo. Roy Wilkins, le secrétaire exécutif de l'organisation, a défié Cole dans un télégramme : « Vous n'avez pas été un croisé ni engagé dans un effort pour changer les coutumes ou les lois du Sud. Cette responsabilité, selon les journaux vous citent, vous la laissez à les autres. Cette attaque contre vous indique clairement que le sectarisme organisé ne fait aucune distinction entre ceux qui ne contestent pas activement la discrimination raciale et ceux qui le font. C'est un combat auquel aucun d'entre nous ne peut échapper. Nous vous invitons à nous rejoindre dans une croisade. contre le racisme."
Les apparitions de Cole devant un public entièrement blanc, a accusé The Chicago Defender, étaient « une insulte à sa race ». Alors que les boycotts de ses disques et de ses spectacles étaient organisés, le New York Amsterdam News a affirmé que « des milliers de noirs de Harlem qui ont adoré au sanctuaire du chanteur Nat King Cole lui ont tourné le dos cette semaine alors que le célèbre crooner tournait le dos à la NAACP ». et a déclaré qu'il continuerait à jouer devant le public de Jim Crow. Jouer les disques de "Oncle Nat", a écrit un commentateur dans The American Negro, "ce serait soutenir ses idées de 'traître' et sa façon de penser étroite". Profondément blessé par les critiques de la presse noire, Cole a également été réprimandé. Soulignant son opposition à la ségrégation raciale « sous quelque forme que ce soit », il a accepté de se joindre à d'autres artistes pour boycotter les lieux ségrégués. Il a rapidement et ostensiblement payé 500 $ pour devenir membre à vie de la branche de Détroit de la NAACP. Jusqu'à sa mort en 1965, Cole fut un participant actif et visible du mouvement des droits civiques, jouant un rôle important dans la planification de la marche sur Washington en 1963.
Politique
Cole a chanté à la Convention nationale républicaine de 1956 au Cow Palace, Daly City, Californie, pour montrer son soutien au président Dwight D. Eisenhower. Il a chanté « That's All There Is To That » et a été accueilli par des applaudissements. » Il était également présent à la Convention nationale démocrate en 1960 pour apporter son soutien au sénateur John F. Kennedy. Cole faisait également partie des dizaines d'artistes recrutés par Frank. Sinatra se produira au gala inaugural de Kennedy en 1961. Cole consulta fréquemment le président Kennedy (et son successeur Lyndon B. Johnson) sur les droits civiques.
Maladie et mort
En septembre 1964, Cole commença à perdre du poids et à souffrir de graves maux de dos. La santé déclinante de Cole a été rendue encore plus difficile par le stress de sa vie personnelle et professionnelle. Il apparaissait dans une revue musicale en tournée, Sights and Sounds, se rendait à Los Angeles pour écouter la musique du film de Cat Ballou, et s'impliquait de plus en plus dans une relation extraconjugale avec une danseuse suédoise de 19 ans, Gunilla Hutton, qui dirigeait Maria Cole. envisager le divorce. Cole s'est effondré de douleur au Sands de Vegas où il s'était produit auparavant, et a finalement été persuadé par des amis de consulter un médecin en décembre alors qu'il travaillait à San Francisco. Une tumeur maligne dans son poumon gauche, dans un état de croissance avancé, était clairement visible sur une radiographie pulmonaire. Cole a reçu un diagnostic de cancer du poumon et il lui restait des mois à vivre (il était un gros fumeur de cigarettes). Cole a continué à travailler contre la volonté de ses médecins et a réalisé ses dernières sessions d'enregistrement du 1er au 3 décembre à San Francisco, avec un orchestre dirigé par Ralph Carmichael qui sortira sur l'album L-O-V-E peu de temps avant sa mort.
Cole est entré à l'hôpital St. John's de Santa Monica le 7 décembre et a commencé une thérapie au cobalt le 10 décembre. Frank Sinatra s'est produit à la place de Cole lors de l'inauguration du nouveau pavillon Dorothy Chandler du Los Angeles Music Center le 12 décembre. La situation s'est aggravée, mais il a pu sortir de l'hôpital au cours de la période du Nouvel An. Chez lui, Cole a pu voir les centaines de milliers de cartes et de lettres qui avaient été envoyées après que la nouvelle de sa maladie soit devenue publique. Cole est retourné à l'hôpital début janvier et a envoyé 5 000 $ à Hutton, qui a ensuite téléphoné à Maria et l'a suppliée de divorcer. Maria a confronté son mari et Cole a finalement rompu la relation avec Hutton. La maladie de Cole l'a réconcilié avec sa femme et il a juré que s'il se rétablissait, il passerait à la télévision pour exhorter les gens à arrêter de fumer. Le 25 janvier, le poumon gauche de Cole a été enlevé et son père est décédé de problèmes cardiaques le 1er février. Tout au long de la maladie de Cole, ses publicistes ont promu l'idée qu'il irait bientôt bien et qu'il travaillerait, malgré la connaissance privée de son état terminal ; Le magazine Billboard a rapporté que "Nat King Cole a réussi une opération sérieuse et... l'avenir s'annonce prometteur pour que 'le maître' reprenne sa carrière." Le jour de la Saint-Valentin, Cole et sa femme ont brièvement quitté St. John's pour se rendre au bord de la mer, et Cole est décédé à l'hôpital tôt le matin du 15 février, à l'âge de 45 ans.
Les funérailles de Cole ont eu lieu le 18 février à l'église épiscopale St. James sur Wilshire Boulevard à Los Angeles, 400 personnes étaient présentes, dont des milliers à l'extérieur de l'église. La veille, des centaines de personnes avaient défilé devant le cercueil. Les porteurs honoraires notables comprenaient Robert F. Kennedy, Count Basie, Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Johnny Mathis, George Burns, Danny Thomas, Jimmy Durante, Alan Livingston, Frankie Laine, Steve Allen et Pat Brown, le gouverneur de Californie. L'éloge funèbre a été prononcé par Jack Benny, qui a déclaré que « Nat Cole était un homme qui a tant donné et qui avait encore tant à donner. Il l'a donné en chanson, en amitié envers ses semblables, en dévouement envers sa famille. star, un énorme succès en tant qu'artiste, une institution, mais il a eu un succès encore plus grand en tant qu'homme, en tant que mari, en tant que père, en tant qu'ami." Les restes de Cole ont été enterrés à l'intérieur du mausolée de la liberté au Forest Lawn Memorial Park à Glendale, en Californie.
Sorties posthumes
Le dernier album de Cole, L-O-V-E, a été enregistré début décembre 1964, quelques jours seulement avant son entrée à l'hôpital pour un traitement contre le cancer, et est sorti juste avant sa mort. Il a culminé à la 4e place du classement Billboard Albums au printemps 1965. Un album "Best Of" est devenu disque d'or en 1968. Son enregistrement de 1957 de "When I Fall In Love" a atteint la 4e place des charts britanniques en 1987. En 1983, un archiviste d'EMI Electrola Records, filiale d'EMI (société mère de Capitol) Records en Allemagne, découvrit quelques chansons que Cole avait enregistrées mais qui n'avaient jamais été publiées, dont une en japonais et une autre en espagnol ("Tu Eres Tan Amable" ). Capitol les a sortis plus tard cette année-là sous le nom de LP Unreleased. En 1991, Mosaic Records a publié les enregistrements complets de Capitol Records du trio Nat King Cole. Cette compilation comprenait 349 chansons et était disponible sous forme de coffret de disques de 18 CD ou de 27 LP. En 2008, il a été réédité au format de téléchargement numérique via des services comme iTunes et Amazon Music. Également en 1991, Natalie Cole et son père ont connu un succès lorsque la piste vocale nouvellement enregistrée de Natalie a été ajoutée au réenregistrement stéréo de son père en 1961 de son tube original de 1951 "Unforgettable" et mélangée dans une nouvelle version en duo dans le cadre d'un hommage. album sur la musique de son père. La chanson et l'album du même nom ont remporté sept Grammy Awards en 1992.
Héritage
Cole a été intronisé à la fois au Alabama Music Hall of Fame et au Alabama Jazz Hall of Fame. En 1990, il a reçu le Grammy Lifetime Achievement Award et, en 1997, il a été intronisé au Down Beat Jazz Hall of Fame. En 2007, il a été intronisé au Hit Parade Hall of Fame. Un timbre-poste officiel des États-Unis à l'effigie de Cole a été émis en 1994. En 2000, Cole a été intronisé au Temple de la renommée du rock and roll comme l'une des influences majeures des débuts du rock and roll. En 2013, il a été intronisé au Temple de la renommée des auteurs-compositeurs latins pour sa contribution au genre de la musique latine. Le succès de Cole chez Capitol Records, qui a enregistré plus de 150 singles dans les charts pop, R&B et country du Billboard, n'a encore été battu par aucun artiste de Capitol. Cole a également vendu un nombre impressionnant de 50 millions de disques au cours de sa carrière. "The Christmas Song", interprété par Cole, est encore largement diffusé à chaque période des fêtes.
Discographie
* Le trio King Cole (1945)
* Le trio King Cole, tome 2 (1946)
* Le trio King Cole, tome 3 (1947)
* Le trio King Cole, tome 4 (1949)
* Nat King Cole au piano (1950)
* King Cole pour les enfants (1951)
* Sérénade Penthouse (1952)
* Top Pops (1952)
* Récolte de succès (1952)
* Inoubliable (1954)
* Sérénade Penthouse (1955)
* Nat King Cole chante pour deux amoureux (1955)
* Le style piano de Nat King Cole (1955)
* Après minuit (1957)
* Juste une de ces choses (1957)
* L'amour est la chose (1957)
*Cole Español (1958)
* Blues de Saint-Louis (1958)
* La pensée même de toi (1958)
* À qui de droit (1958)
* Bienvenue au Club (1958)
* À Mis Amigos (1959)
* Parlez-moi de vous (1960)
* Chaque fois que je ressens l'Esprit (1960)
* L'amour est sauvage (1960)
* La Magie de Noël (1960)
* L'histoire de Nat King Cole (1961)
* Le contact de tes lèvres (1961)
* Nat King Cole chante/George Shearing joue (1962)
* Ramblin' Rose (1962)
* Chers cœurs solitaires (1962)
* Plus de Cole Español (1962)
* Ces jours d'été paresseux, brumeux et fous (1963)
* Où est-ce que tout le monde est parti? (1963)
* Nat King Cole chante My Fair Lady (1964)
* Faisons face à la musique ! (1964, enregistré en 1961)
* Je ne veux plus être blessé (1964)
* L'AMOUR (1965)
Filmographie sélectionnée | http://quiz4free.com/ |
"""Tu vas perdre cette fille"" était issu de quel film des Beatles en 1965 ? » | Help | [
"\"You're Going to Lose That Girl\" est une chanson des Beatles tirée de l'album et du film Help !, écrite par John Lennon et Paul McCartney. Capitol Records a initialement intitulé la chanson \"You're Gonna Lose That Girl\" aux États-Unis.",
"La chanson est sortie en 1965 sur l'album Help. En novembre 1977, Capitol Records a programmé la sortie de \"Girl\" accompagnée de \"You're Gonna Lose That Girl\" en single (Capitol 4506) pour accompagner la sortie de Love Songs, une compilation contenant les deux chansons. Cependant, le single a été annulé avant sa sortie."
] | "You're Going to Lose That Girl" est une chanson des Beatles tirée de l'album et du film Help !, écrite par John Lennon et Paul McCartney. Capitol Records a initialement intitulé la chanson "You're Gonna Lose That Girl" aux États-Unis.
Composition et enregistrement
Dernière chanson enregistrée avant d'interrompre le tournage du film, la chanson a été composée chez Lennon à Weybridge. Dans les paroles, le chanteur dit à son « ami » que, s’il n’apprécie pas sa fille, le chanteur « se fera un devoir de la lui enlever ». Au rythme familier des Beatles et en utilisant des variations d'accords doo-wop familiers, le chant principal de Lennon se déroule dans un appel et une réponse avec les harmonies enthousiastes de McCartney et George Harrison, offrant un dernier aperçu de la comédie musicale des premiers Beatles. le terrain de la maison.
Le pont de la chanson a un changement de tonalité similaire à celui du morceau précédent du disque "Another Girl", remontant d'une tierce mineure jusqu'à sol majeur, le majeur relatif de la tonique mineure. Dans ce cas, le pont conclut une mesure plus tôt, plongeant d'un demi-ton vers le bas pour rejoindre le couplet.
Pour grossir le son, McCartney a ajouté un piano de fond (un travail qui aurait été fait autrefois par le producteur George Martin "en direct" sur la piste d'accompagnement) et Ringo Starr a ajouté des bongos, l'ajout de percussions latino-américaines étant une autre façon que les Beatles exploitaient souvent. leur nouvel accès à l’enregistrement sur quatre pistes.
Dans le film Au secours !
Dans le film, le groupe apparaît en train de chanter cette chanson dans le studio d'enregistrement. En plus de la configuration familière de la guitare et de la batterie du groupe, il y a aussi des images de Paul McCartney au piano et de Ringo Starr jouant des bongos, tous deux mimant les instruments qu'ils avaient ajoutés à l'enregistrement. Vers la fin, l'un des voyous utilise une tronçonneuse pour scier un trou dans le sol autour de la batterie. Le producteur rapporte qu'ils devront réenregistrer la chanson en raison d'un bourdonnement, auquel cas les Beatles commencent à se demander qui bourdonnait. Alors qu'ils regardent Ringo, lui et les tambours tombent à travers le sol.
Libération, pastiche, reprises et parodie
La chanson est sortie en 1965 sur l'album Help. En novembre 1977, Capitol Records a programmé la sortie de "Girl" accompagnée de "You're Gonna Lose That Girl" en single (Capitol 4506) pour accompagner la sortie de Love Songs, une compilation contenant les deux chansons. Cependant, le single a été annulé avant sa sortie.
Les Ramones ont interprété une chanson intitulée "You're Gonna Kill That Girl" qui pourrait avoir été conçue comme une parodie de la chanson des Beatles. La chanson des Rutles "Now She's Left You" est un pastiche de cette chanson.
Renato e Seus Blue Caps a enregistré une reprise en portugais pour cette chanson.
Los Darts a enregistré une reprise en espagnol pour cette chanson.
Stars on 45 a repris cette chanson dans le cadre d'un medley de huit chansons des Beatles dans leur hit "Stars on 45", qui s'est classé n°1 en juin 1981.
R. Stevie Moore a repris la chanson sur son album de 2009 R. Stevie Moore joue des chansons des Beatles.
Dwight Twilley a repris la chanson sur son album de 2009 Out of the Box.
Anya Marina a repris la chanson sur son album Felony Flats de 2012.
Personnel
*John Lennon – chant principal, guitare rythmique acoustique
*Paul McCartney – choeurs, basse, piano
*George Harrison – choeurs, guitare solo
*Ringo Starr – batterie, bongos
Personnel selon la Bible des Beatles
Remarques | http://quiz4free.com/ |
"En quelle année Glen Campbell a-t-il eu un succès avec ""It's Only Make Believe"" ? » | 1970 | [
"Glen Travis Campbell (né le 22 avril 1936) est un chanteur, guitariste, auteur-compositeur, animateur de télévision et acteur occasionnel américain de rock et de musique country. Il est surtout connu pour une série de succès dans les années 1960 et 1970 et pour avoir animé une émission de variétés musicales et comiques intitulée The Glen Campbell Goodtime Hour à la télévision CBS de janvier 1969 à juin 1972.",
"Après avoir animé un remplacement d'été 1968 pour l'émission de variétés télévisée The Smothers Brothers Comedy Hour, Campbell a animé sa propre émission de variétés hebdomadaire, The Glen Campbell Goodtime Hour, de janvier 1969 à juin 1972. Au sommet de sa popularité, une biographie de 1970 par Freda Kramer, The Glen Campbell Story, a été publié.",
"À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Campbell a sorti une longue série de singles et est apparu dans les films True Grit (1969) avec John Wayne et Kim Darby et Norwood (1970) avec Kim Darby et Joe Namath.",
"Au milieu des années 1970, il a eu plus de succès avec \"Rhinestone Cowboy\", \"Southern Nights\" (deux succès numéro un aux États-Unis), \"Sunflower\" (numéro 39 aux États-Unis) (écrit par Neil Diamond) et \"Country Boy (You Got Your Feet in L.A.)\" (numéro 11 aux États-Unis).",
"Depuis 1962, Campbell a enregistré et sorti 57 albums studio et six albums live. Il a également prêté sa voix à quatre bandes sonores de films (True Grit (1969), Norwood (1970), Rock-a-Doodle (1992) et le film documentaire de 2014 Glen Campbell : I'll Be Me). Il a placé un total de 82 singles (dont l'un était une réédition) soit sur le Billboard Country Chart, sur le Billboard Hot 100 ou sur l'Adult Contemporary Chart, dont neuf ont atteint la première place sur au moins un de ces classements. . Il a sorti 15 albums vidéo et a figuré dans 21 vidéoclips. Ses deux premiers vidéoclips, \"By the Time I Get to Phoenix\" et \"Wichita Lineman\", ont été réalisés par Gene Weed en 1967 et 1968, respectivement. Campbell a sorti son dernier clip, \"I'm Not Gonna Miss You\", en 2014 pour coïncider avec la sortie du documentaire Glen Campbell: I'll Be Me."
] | Glen Travis Campbell (né le 22 avril 1936) est un chanteur, guitariste, auteur-compositeur, animateur de télévision et acteur occasionnel américain de rock et de musique country. Il est surtout connu pour une série de succès dans les années 1960 et 1970 et pour avoir animé une émission de variétés musicales et comiques intitulée The Glen Campbell Goodtime Hour à la télévision CBS de janvier 1969 à juin 1972.
Au cours de ses 50 années dans le show business, Campbell a sorti plus de 70 albums. Il a vendu 45 millions de disques et accumulé 12 albums RIAA Gold, quatre albums Platine et un album Double platine. Il a placé un total de 80 chansons différentes sur le Billboard Country Chart, le Billboard Hot 100 ou le Adult Contemporary Chart, dont 29 ont fait partie du top 10 et dont neuf ont atteint la première place sur au moins un de ces classements. Les succès de Campbell incluent ses enregistrements de « Gentle on My Mind » de John Hartford ; "Au moment où j'arrive à Phoenix", "Wichita Lineman" et "Galveston" de Jimmy Webb ; "Rhinestone Cowboy" de Larry Weiss ; et "Les Nuits du Sud" d'Allen Toussaint.
Campbell est entré dans l’histoire en 1967 en remportant quatre Grammys au total, dans les catégories country et pop. Pour "Gentle on My Mind", il a reçu deux prix en country et western, "By the Time I Get to Phoenix" a fait de même en pop. Trois de ses premiers succès ont ensuite remporté les Grammy Hall of Fame Awards (2000, 2004, 2008), tandis que Campbell lui-même a remporté le Grammy Lifetime Achievement Award en 2012. Il possède les trophées du chanteur masculin de l'année de la Country Music Association (CMA) et l'Academy of Country Music (ACM), et a remporté le premier prix du CMA en tant qu'artiste de l'année 1968. En 1969, l'acteur John Wayne a choisi Campbell pour jouer à ses côtés dans le film True Grit, qui a valu à Campbell une nomination au Golden Globe du nouveau venu le plus prometteur. Campbell a chanté la chanson titre qui a été nominée pour un Oscar.
Début de la vie
Glen Campbell est né à Billstown, une petite communauté près de Delight dans le comté de Pike, Arkansas, de John Wesley et Carrie Dell (Stone) Campbell. Il était le septième fils de 12 enfants. Son père était métayer d'origine écossaise. Il a commencé à jouer de la guitare dans sa jeunesse et remercie son oncle Boo de lui avoir appris la guitare.
En 1954, Campbell déménage à Albuquerque pour rejoindre le groupe de son oncle connu sous le nom de Dick Bills and the Sandia Mountain Boys. ] Il y est également apparu dans l'émission de radio de son oncle et dans K Circle B Time, le programme local pour enfants de la télévision KOB. En 1958, Campbell forme son propre groupe, les Western Wranglers.
Carrière
1960-1966 : début de carrière
En 1960, Campbell déménage à Los Angeles pour devenir musicien de session. À cette époque, il rejoint The Champs. Campbell fut bientôt demandé en tant que musicien de session et faisait partie d'un groupe de musiciens de studio connu sous le nom de The Wrecking Crew. Pendant cette période, il a joué sur des enregistrements de Bobby Darin, Ricky Nelson, Dean Martin, Nat King Cole, The Monkees, Nancy Sinatra, Merle Haggard, Jan and Dean, Elvis Presley, Frank Sinatra et Phil Spector.
En janvier 1961, Campbell avait trouvé un emploi de jour dans la maison d'édition American Music, écrivant des chansons et enregistrant des démos. En mai 1961, il quitte The Champs et est ensuite signé par Crest Records, une filiale d'American Music. Son premier album solo, "Turn Around, Look at Me", fut un succès modéré, culminant au numéro 62 du Billboard Hot 100 en 1961. Le remake des Vogues atteint la 7e place du 17 au 24 août 1968, démarrant une série d'un an de remakes pour le quatuor. Campbell a également formé The Gee Cees avec d'anciens membres du groupe The Champs, se produisant au Crossbow Inn à Van Nuys. Les Gee Cees ont également sorti un single sur Crest, les instrumentaux "Buzz Saw" avec "Annie Had a Party", qui n'ont pas été classés.
En 1962, Campbell signe avec Capitol Records. Après un premier succès mineur avec "Too Late to Worry, Too Blue to Cry", son premier single pour le label, et "Kentucky Means Paradise", sorti par The Green River Boys avec Glen Campbell, une série de singles et d'albums infructueux ont suivi.
À partir de 1964, Campbell a commencé à apparaître à la télévision en tant que habitué de Star Route, une série souscrite animée par Rod Cameron, Shindig d'ABC ! et Hollywood Jamboree.
De décembre 1964 au début mars 1965, Campbell était un membre en tournée des Beach Boys, remplaçant Brian Wilson. Il a également joué de la guitare sur l'album Pet Sounds (1966) du groupe, entre autres enregistrements. En tournée, il jouait de la guitare basse et chantait des harmonies de fausset. En avril 1966, il rejoint Ricky Nelson pour une tournée à travers l'Extrême-Orient, jouant à nouveau de la basse.
En 1965, il connaît son plus gros succès solo à ce jour, atteignant la 45e place du Hot 100 avec une version de "Universal Soldier" de Buffy Sainte-Marie. Interrogé sur le message pacifiste de la chanson, il a choisi d'affirmer que "les gens qui préconisent de brûler les cartes de conscription devraient être pendus".
1967-1972 : Brûler les ponts vers The Goodtime Hour
Lorsque les singles suivants n'ont pas bien fonctionné et que Capitol envisageait de retirer Campbell du label en 1966, il a fait équipe avec le producteur Al De Lory. Ensemble, ils ont d'abord collaboré sur "Burning Bridges", qui est devenu l'un des 20 meilleurs succès country au début de 1967, et sur l'album du même nom. Campbell et De Lory ont collaboré à nouveau sur "Gentle on My Mind" de 1967, écrit par John Hartford, qui fut un succès immédiat. La chanson a été suivie par le plus grand succès " By the Time I Get to Phoenix " plus tard en 1967, et " I Wanna Live " et " Wichita Lineman " en 1968. Campbell a remporté quatre Grammy Awards pour ses performances sur " Gentle on My Mind ". et "Au moment où j'arrive à Phoenix".
En 1967, Campbell était également le chanteur principal non crédité de "My World Fell Down" de Sagittarius, un groupe de studio. La chanson atteint la 70e place du Billboard Hot 100.
La chanson "True Grit" de 1969 du compositeur Elmer Bernstein et du parolier Don Black, et chantée par Campbell, qui a joué dans le film, a reçu des nominations pour l'Oscar de la meilleure chanson et le Golden Globe.
Ses plus grands succès à la fin des années 1960 étaient les chansons écrites par Jimmy Webb : « By the Time I Get to Phoenix », « Wichita Lineman », « Galveston » et « Where's the Playground Susie ». Un album composé principalement de compositions écrites par Webb, Reunion: The Songs of Jimmy Webb, est sorti en 1974, mais il n'a produit aucun disque à succès. " Wichita Lineman " (1968) a été sélectionnée comme l'une des plus grandes chansons du 20e siècle par le magazine Mojo en 1997 et par Blender en 2001.
Après avoir animé un remplacement d'été 1968 pour l'émission de variétés télévisée The Smothers Brothers Comedy Hour, Campbell a animé sa propre émission de variétés hebdomadaire, The Glen Campbell Goodtime Hour, de janvier 1969 à juin 1972. Au sommet de sa popularité, une biographie de 1970 par Freda Kramer, The Glen Campbell Story, a été publié.
Grâce aux relations de travail de Campbell, il a accueilli de grands noms de la musique dans son émission, notamment les Beatles (au cinéma), David Gates et Bread, les Monkees, Neil Diamond, Linda Ronstadt, Johnny Cash, Merle Haggard, Willie Nelson, Waylon Jennings. , Roger Miller et Mel Tillis. Campbell a contribué au lancement des carrières d'Anne Murray et de Jerry Reed, qui étaient des habitués de son programme Goodtime Hour.
À la fin des années 1960 et au début des années 1970, Campbell a sorti une longue série de singles et est apparu dans les films True Grit (1969) avec John Wayne et Kim Darby et Norwood (1970) avec Kim Darby et Joe Namath.
1973-1979 : « Rhinestone Cowboy » et « Nuits du Sud »
Après l'annulation de sa série CBS en 1972, Campbell est resté un habitué de la télévision en réseau. Il a joué dans un téléfilm, Strange Homecoming (1974), avec Robert Culp et l'idole adolescente montante, Leif Garrett. Il a animé un certain nombre d'émissions spéciales télévisées, dont Down Home, Down Under de 1976 avec Olivia Newton-John. Il a co-animé les American Music Awards de 1976 à 1978 et a été la tête d'affiche de l'émission spéciale NBC 1979 Glen Campbell: Back to Basics avec les stars invitées Seals and Crofts et Brenda Lee. Il a été l'invité de nombreux débats et émissions de variétés du réseau, notamment : Donny & Marie, The Tonight Show Starring Johnny Carson, Cher, the Redd Foxx Comedy Hour, The Merv Griffin Show, The Midnight Special with Wolfman Jack, DINAH !, Evening at Pops avec Arthur Fiedler et The Mike Douglas Show. De 1982 à 1983, il a animé une émission musicale souscrite de 30 minutes sur NBC, The Glen Campbell Music Show.
Au milieu des années 1970, il a eu plus de succès avec "Rhinestone Cowboy", "Southern Nights" (deux succès numéro un aux États-Unis), "Sunflower" (numéro 39 aux États-Unis) (écrit par Neil Diamond) et "Country Boy (You Got Your Feet in L.A.)" (numéro 11 aux États-Unis).
"Rhinestone Cowboy" était le single le plus vendu de Campbell, avec initialement plus de 2 millions d'exemplaires vendus. Campbell avait entendu la version de l'auteur-compositeur Larry Weiss lors d'une tournée en Australie en 1974. La phrase principale de l'enregistrement de Campbell était incluse dans la chanson parodique du film Jaws de Dickie Goodman "Mr. Jaws". Les deux chansons figuraient dans le top 10 du Hot 100 du 4 octobre 1975. "Rhinestone Cowboy" continue d'être utilisé dans des émissions de télévision et des films, notamment Desperate Housewives, Daddy Day Care et High School High. C’est ce qui a inspiré le film Strass de Dolly Parton/Sylvester Stallone de 1984. Campbell a également réalisé une version techno/pop de la chanson en 2002 avec les artistes britanniques Rikki & Daz et est entré dans le top 10 au Royaume-Uni avec la version dance et le clip vidéo associé.
"Southern Nights", d'Allen Toussaint, son autre succès crossover pop-rock-country numéro un, a été généré avec l'aide de Jimmy Webb et de Jerry Reed, qui a inspiré la célèbre introduction à la guitare de la chanson, qui a été la plus- joué au juke-box numéro de 1977.
De 1971 à 1983, Campbell a été l'hôte célèbre de l'Open de Los Angeles, un tournoi de golf professionnel annuel du PGA Tour.
1980-présent : carrière ultérieure et intronisation au Country Music Hall of Fame
* Campbell a fait une apparition dans le film de Clint Eastwood de 1980 Any Which Way You Can, pour lequel il a enregistré la chanson titre.
* En 1991, il a fourni la voix du coq à consonance similaire à celle d'Elvis Presley, Chanticleer, dans le film de Don Bluth, Rock-a-Doodle.
* En 1999, Campbell a été présenté dans Behind the Music de VH-1, Biography d'A&E Network en 2001 et dans un certain nombre de programmes CMT. Campbell s'est classé 29e parmi les 40 plus grands hommes de la musique country du CMT en 2003.
* On lui attribue également le mérite d'avoir donné à Alan Jackson sa première grande chance. Campbell a rencontré l'épouse de Jackson (une hôtesse de l'air chez Piedmont Airlines) à l'aéroport d'Atlanta et lui a donné la carte de visite de son directeur de publication. Jackson est allé travailler pour l'entreprise d'édition musicale de Campbell au début des années 1990 et a ensuite fait publier plusieurs de ses chansons à succès en partie par la société de Campbell, Seventh Son Music. Campbell a également servi d'inspiration à Keith Urban, qui cite Campbell comme une forte influence sur sa carrière d'interprète.
* En 2005, Campbell a été intronisé au Country Music Hall of Fame.
* Il a été annoncé en avril 2008 que Campbell revenait sur son label signature, Capitol, pour sortir son nouvel album, Meet Glen Campbell. L'album est sorti le 19 août. Avec cet album, il s'est orienté dans une direction musicale différente, reprenant des morceaux d'artistes tels que Travis, U2, Tom Petty and the Heartbreakers, Jackson Browne et Foo Fighters. C'était la première sortie de Campbell sur Capitol depuis plus de 15 ans. Les musiciens de Cheap Trick et Jellyfish ont également contribué à l'album. Le premier single, une reprise de "Good Riddance (Time of Your Life)" de Green Day, est sorti à la radio en juillet 2008.
* En mars 2010, un album d'adieu intitulé Ghost on the Canvas a été annoncé, qui accompagne Meet Glen Campbell (2008). Ghost on the Canvas est sorti le 30 août 2011, avec des collaborations comprenant Paul Westerberg (auteur de la chanson titre), le chanteur des Wallflowers Jakob Dylan, Chris Isaak, Rick Nielsen et Billy Corgan des Smashing Pumpkins.
* En janvier 2013, Campbell a enregistré sa dernière chanson, "I'm Not Gonna Miss You". La chanson, qui figure dans le documentaire de 2014, Glen Campbell: I'll Be Me, est sortie le 30 septembre 2014, suivie du documentaire le 24 octobre. Le 15 janvier 2015, Campbell et son collègue auteur-compositeur Julian Raymond ont été nominés pour Meilleure chanson originale à la 87e cérémonie des Oscars.
Vie privée
Relations et enfants
Campbell a été marié quatre fois et est père de cinq fils et trois filles, dont l'année de naissance varie de 1956 à 1986. La fille aînée de Campbell est Debby, issue de son mariage (1955-1959) avec Diane Kirk. Après avoir divorcé de Kirk, Campbell a épousé Billie Jean Nunley, une esthéticienne de Carlsbad, au Nouveau-Mexique, qui a donné naissance à Kelli, Travis et Kane. Billie Campbell a demandé le divorce en 1975 et leur divorce a été définitif en 1976. Peu de temps après, il a épousé la deuxième épouse du chanteur Mac Davis, Sarah Barg, en septembre 1976. Ils ont eu un enfant nommé Dillon et ont divorcé trois semaines après la naissance de Dillon en 1980.
Immédiatement après son divorce avec Barg, Campbell a entamé une relation avec une autre artiste country, Tanya Tucker. La relation a été marquée par de fréquents potins et articles dans les tabloïds. Le couple a enregistré un certain nombre de chansons ensemble, dont le single "Dream Lover".
Campbell est marié à Kimberly "Kim" Woolen depuis 1982. Le couple s'est rencontré lors d'un rendez-vous à l'aveugle en 1981 lorsque Woolen était un "Rockette" du Radio City Music Hall. Ensemble, ils ont trois enfants : Cal, Shannon et Ashley.[http://doney.net/aroundaz/celebrity/campbell_glen.htm Glen Campbell] Tous les trois ont rejoint Campbell sur scène depuis 2010 au sein de son groupe en tournée. Campbell, qui a grandi dans l'Église du Christ, a rejoint une église baptiste à Phoenix avec sa femme. Dans une interview en 2008, ils ont déclaré qu’ils étaient adeptes du judaïsme messianique depuis deux décennies.
Consommation d'alcool et de drogues
Campbell a été confronté à l'alcoolisme et à la dépendance à la cocaïne au cours de sa carrière.
Opinions politiques
Dans l'émission télévisée The Glen Campbell Goodtime Hour, Campbell a évité les sujets politiques. À cette époque, il s'est décrit dans des interviews comme « un démocrate enregistré mais j'ai voté républicain à plusieurs reprises » et il s'est produit en soutien aux politiciens républicains et démocrates. Campbell a interprété l'hymne national lors de la Convention nationale républicaine de 1980 et a continué à faire un certain nombre d'apparitions de campagne pour les candidats républicains au cours des années 1980 et 1990.
Diagnostic d'Alzheimer
En juin 2011, Campbell a annoncé qu'il avait reçu un diagnostic de maladie d'Alzheimer six mois plus tôt. Selon sa famille, les symptômes de la maladie apparaissaient depuis des années et devenaient de plus en plus évidents au fil des années.
Campbell a fait un dernier "Goodbye Tour", avec trois de ses enfants le rejoignant dans son groupe de sauvegarde; son dernier spectacle a eu lieu le 30 novembre 2012 à Napa, en Californie. Pendant les concerts et les répétitions de la tournée, Campbell oubliait souvent les chansons qu'il était censé jouer, les répétant après avoir terminé une représentation. Il fallait aussi fréquemment lui rappeler qu'il souffrait de la maladie et il comptait sur un téléprompteur pour mémoriser les paroles de la plupart des chansons. Les chansons les plus récentes de ses albums ultérieurs ont dû être complètement abandonnées, car Campbell avait du mal à se souvenir des accords et des paroles de celles-ci. Il a interprété "Rhinestone Cowboy" en guise d'adieu lors de la cérémonie des Grammy Awards 2012 qui s'est tenue le 12 février 2012, sa dernière performance télévisée sur scène.
En avril 2014, des reportages ont indiqué que Campbell était devenu patient dans un établissement de soins et de traitement de longue durée pour la maladie d'Alzheimer. Le 10 mars 2015, NBC News a rapporté que Campbell ne pouvait plus parler pour lui-même et que deux de ses enfants, Debby et Travis, avaient intenté une action en justice contre l'épouse de Campbell, Kim, en affirmant qu'elle avait « isolé » le chanteur et empêché les empêcher de « participer » aux soins médicaux de Campbell.
Le 8 mars 2016, le Rolling Stone a rapporté que Campbell vivait dans un centre de soins de mémoire à Nashville et qu'il était dans les « dernières étapes » de sa maladie. Il est désormais incapable de communiquer avec les autres et ne comprend plus ce que les autres lui disent. Cependant, sa famille a affirmé que le chanteur recevait de bons soins, suivait une « musicothérapie » et qu'il était « heureux » et « joyeux ».
Campbell a eu 80 ans le 22 avril 2016. A cette occasion, Jimmy Webb, avec qui Campbell avait fréquemment collaboré, a annoncé qu'il lancerait une édition spéciale de son spectacle en tournée nationale le 3 mai 2016 intitulée "Jimmy Webb: The Glen Campbell Years, " au City Winery de Nashville.
Discographie et vidéographie
Depuis 1962, Campbell a enregistré et sorti 57 albums studio et six albums live. Il a également prêté sa voix à quatre bandes sonores de films (True Grit (1969), Norwood (1970), Rock-a-Doodle (1992) et le film documentaire de 2014 Glen Campbell : I'll Be Me). Il a placé un total de 82 singles (dont l'un était une réédition) soit sur le Billboard Country Chart, sur le Billboard Hot 100 ou sur l'Adult Contemporary Chart, dont neuf ont atteint la première place sur au moins un de ces classements. . Il a sorti 15 albums vidéo et a figuré dans 21 vidéoclips. Ses deux premiers vidéoclips, "By the Time I Get to Phoenix" et "Wichita Lineman", ont été réalisés par Gene Weed en 1967 et 1968, respectivement. Campbell a sorti son dernier clip, "I'm Not Gonna Miss You", en 2014 pour coïncider avec la sortie du documentaire Glen Campbell: I'll Be Me.
Filmographie
Récompenses et honneurs
Grammy Awards
Académie de musique country
*Prix de la musique américaine
**1976 : single pop/rock préféré – "Rhinestone Cowboy »
**1976 : single country préféré – " Rhinestone Cowboy "
**1977 : Album country préféré – Strass Cowboy
*Prix de l'Association de la musique country
**1968 : Artiste de l'année
**1968 : Chanteur masculin de l'année
*Prix GMA Dove
**1986 : Album d'un artiste laïc – No More Night
** 1992 : Chanson enregistrée Southern Gospel de l'année – "Where Shadows Never Fall"
**2000 : Album country de l'année – Un Noël à Glen Campbell
*Autres distinctions
**1974 : Artiste de l'année de la Country Music Association of Great Britain
**2005 : intronisation au Temple de la renommée de la musique country
**2007 : intronisation au Temple de la renommée des musiciens (en tant que membre de The Wrecking Crew)
**2008 : Prix Légende Q
**2012 : Prix pour l'ensemble de sa carrière de Country Radio Broadcasters, Inc.
**2014 : Prix HMMA pour l'ensemble de sa carrière
**2014 : nomination aux Oscars pour "I'm Not Gonna Miss You" (co-scénariste) ; chanté par Tim McGraw | http://quiz4free.com/ |
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